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MARTINI, Simone
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Este trabajo recopilatorio está dedicado a Simone Martini (Siena, Italia h. 1284 - Aviñón, Francia h. 1344) fue uno de los grandes pintores del Trecento en Italia. Fue una figura principal en el desarrollo de la primitiva pintura italiana e influyó fuertemente en el desarrollo del estilo gótico internacional. Se enmarca en la escuela sienesa, a la que pertenecieron también los grandes pintores Duccio di Buoninsegna, Lippo Memmi y los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti. Fue el más reputado maestro entre los pintores del Trecento en el dominio del color. Elementos esenciales de su estética son su gusto por la línea y la caligrafía admirable de los miniaturistas de la Escuela de miniaturistas de París.

La pintura fue el arte favorito de la ciudad de Siena, cuya escuela de pintores rivalizaba con la de Florencia. Durante los primeros años del siglo XIV, mediante una manera de pintar inspirada en los modelos y la técnica de la maniera greca, diferenciada, por tanto, de Giotto y la escuela florentina, los pintores de Siena lograron formular también el tema del espacio pictórico. El estilo de la escuela sienesa y de Simone Martini se manifestó en el amaneramiento y la estilización de las figuras, así como en el uso de los fondos ornamentales dorados y de una gama de color subjetiva que proporcionan una notable expresividad lírica a las composiciones.


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Supuesto autorretrato de Simone Martini.

Se desconoce el lugar y la fecha de su nacimiento, aunque es probable que viera la luz en Siena hacia el año 1285. Se cree que Martini fue un alumno de Giotto di Bondone, el pintor florentino más destacado de su época. Su cuñado fue el artista Lippo Memmi. Sobrevive muy poca documentación en relación con su época, y muchas atribuciones son debatidas por los historiadores del arte. Nada se sabe de su adolescencia, ni de quiénes fueron sus maestros, aunque sin duda fue aprendiz desde muy temprana edad, como sería la práctica normal.

Su vida, pues, permanece en la más absoluta oscuridad hasta que en 1315 recibe el encargo de pintar al fresco una Maestà para el Palazzo Público de Siena o ayuntamiento de Siena. Dicho encargo permite suponer que en aquella fecha Martini gozaba ya de un gran prestigio, comparable al de Duccio di Buoninsegna cuya Maestà había sido objeto de un recibimiento entusiasta tan solo unos pocos años antes (1311). En su ciudad natal, pues, Simone Martini tuvo varios encargos. Una copia de su Maestà, ejecutada poco después por Lippo Memmi en San Gimignano, testimonia la perdurable influencia que los prototipos de Simone tendrían en otros artistas a lo largo del siglo XIV. Perpetuando la tradición sienesa, el estilo de Simone contrastaba con la sobriedad y la monumentalidad del arte florentino, y destaca por sus rasgos decorativos, suaves, estilizados, la sinuosidad de la línea y una elegancia cortesana no sobrepasada. El arte de Simone debe mucho a la iluminación de manuscritos francesa y la talla del marfil: ejemplos de semejante arte ern llevados a Siena en el siglo XIV a través de la Vía Francígena, una ruta principal de comercio y peregrinación desde el Norte de Europa a Roma.

El rey de Nápoles, Roberto de Anjou, en el año 1317, le invitó a la corte para que pinte la ceremonia de la coronación concediéndole una asignación anual de cincuenta onzas de oro. De esta época se considera que es San Luis de Tolosa coronando a Roberto de Anjou, rey de Nápoles.

En 1321 volvió a Siena para restaurar su Maestá que se había deteriorado. Con su hermano y ayudante compró una vivienda en la parroquia de San Egidio, pintó una Crucifixión y diversos frescos, hoy desaparecidos, para el Palazzo Pubblico. En 1326 trabaja en un cuadro, también desaparecido, para el Palazzo del Capitano. Finalmente en el año 1328 pinta el fresco con el retrato ecuestre del capitán Giudoriccio da Fogliano en el Palazzo Publico.

En el año 1324 se casa con una muchacha llamada Giovanna, hija del pintor Memmo de Fillippuccio y hermana del pintor Lippo Memmi quien con el tiempo será el discípulo más conocido de Martini.

Como la mayoría de los grandes pintores de su tiempo, trabajó en las basílicas de Asis. En una fecha anterior a 1326, el franciscano Gentile di Partino da Montefiore, le encargó decorar con pinturas al fresco la Capilla de San Martín en la basílica inferior de Asís, una obra fundamental donde Martini retoma el tema del espacio pictórico el dominio del cual ya era un maestro, tal como se pone de manifiesto en el retrato de Giudoriccio da Fogliano. En estos frescos utilizó principalmente los colores ocres que también fueron usados ampliamente por Duccio y los hermanos Lorenzetti y que se han asociado para siempre a la ciudad de Siena: el «siena natural» y el «siena tostado», que se extraían de unas tierras de color procedentes de la campiña toscana.

En 1333, junto a su cuñado Lippo Memmi ejecuta y firma el tríptico de la Anunciación de la Catedral de Siena, actualmente en la Galería de los Uffizi de Florencia, Memmi firmó los dos santos laterales. El panel central, de Martini, está considerado la obra cumbre de la pintura de la escuela sienesa.

Hacia 1340, acompañado de su esposa, su hermano Donato y de Lippo Memmi, por invitación del cardenal Stefaneschi se traslada a Aviñón. En la corte Papal trabaja en diversos encargos para el Palacio de los Papas. En esta ciudad conoce y traba amistad con el gran poeta Petrarca para quien realiza la miniatura de la Alegoría de Virgilio del frontispicio del Codex Virgilianus.

Pasó muchos años en la corte de los Papas de Aviñon, trabajando en una serie de obras que en gran parte se han perdido. La posición de la ciudad de Aviñón como sede de una de las principales cortes de Europa y el hecho de que su estilo resultaba más familiar en Francia que las innovaciones de Giotto y la escuela florentina, acentuó su influencia sobre todas las escuelas de pintura sobre tabla o de miniaturas, tanto las francesas como las de Flandes, de forma que su impacto en la historia de la pintura fue decisivo para difusión del llamado estilo gótico internacional.

Según la leyenda, durante su estancia en Aviñón, pintó el famoso retrato de Laura, la amada de su gran amigo el poeta Petrarca, pero de este cuadro, igual que de Laura, nunca se ha confirmado si era una mujer de verdad o una fabulación del poeta. Por tal motivo Laura constituye, todavía hoy, uno de los mayores enigmas de la Historia de la literatura.

Los versos del soneto LVII de Petrarca celebran el retrato perdido de Laura:

    «Ma certo il mio Simon fu in paradiso,
    Onde questa gentil donna si parte;
    Ivi la vide e la ritrasse in carte,
    Per far fede quaggiù del suo bel viso»


El 10 de junio de 1344, redacta su testamento. Falleció probablemente el 9 de julio de aquel año, mientras estaba al servicio de la corte papal en Aviñón.


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Alegoría de Virgilio, h. 1344. Frontispicio del libro Codex Virgilianus que pertenece al legado de Petrarca. Biblioteca Ambrosiana. Milán, Italia.


Obras

Las principales obras de Simone incluyen la Maestà (1315) en el Palacio Comunal en Siena, San Luis de Tolosa coronando a Roberto de Anjou, rey de Nápoles del Museo de Capodimonte en Nápoles (1317), el Políptico de S. Caterina en Pisa (1319) y la Anunciación entre los santos Ansano y Margarita en los Uffizi de Florencia (1333), así como frescos en la Capilla de San Martín en la iglesia inferior de la Basílica de San Francisco de Asís.


Maestà del Ayuntamiento de Siena


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La Maestà del Ayuntamiento de Siena es una pintura al fresco fechada en el año 1315 de dimensiones 793 x 970 cm. Esta fue la primera pintura que se conoce de Simone Martini. El tema y la composición los toma de la Maestà de la catedral de Siena, de Duccio de Buoninsegna. Simone, como antes Duccio, continua pintando a la maniera greca, pero sobre el sustrato bizantino incorpora elementos del estilo cortesano francés al mismo tiempo que abandona la rigidez de la composición en líneas horizontales para poner los personajes en movimiento de forma que se acercan o se alejan del trono de la Virgen, lo que produce un efecto de gran naturalidad. El baldaquino de seda y cintas que se mueven al viento, da la réplica a la asamblea humana que en forma de dos semicírculos rodea a la Virgen que ha abandonado también el hieratismo bizantino mostrando una actitud pensativa y dulce.

El lenguaje artístico de Simone Martini se hace presente ya, en la suavidad y soltura de las figuras que rodean a la Virgen que permiten superar el aspecto de rigidez y monotonía del conjunto. El eco de las miniaturas o de la orfebrería francesas que Martini admiró en su adolescencia resuena en la caligrafía elegante del manto ribeteado de la Virgen o del baldaquino de seda, constituyen una referencia de que el artista había tenido contactos directos con el arte francés.

Poco después pintó su San Luis de Tolosa coronando a Roberto de Anjou, rey de Nápoles para Roberto I de Nápoles.


Historias de San Martín


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Conjunto de frescos fechados en el año (1317) en la Capilla de San Martín de la Iglesia inferior de San Francisco en Asís. La decoración completa de la capilla citada se compone de un total de 10 escenas, 8 cuadros y 18 bustos de santos.

Los 10 episodios de la vida del santo fueron adaptados por el pintor a partir de la «Leyenda Dorada» de Jacobo de la Voragine. Se trataba de un tema insólito en Italia, pero sus implicaciones narrativas aproximan la vida de san Martín a las historias o novelas de caballería y consecuentemente al estilo cortesano. Las escenas de la División de la capa, el Sueño de san Martín y la Renuncia a las armas, se encuentran entre las más celebradas ya que muestran, mediante anécdotas muy detalladas y llenas de color, como Martini había asimilado el espacio pictórico de la escuela florentina y de las escenas de Giotto en la Capilla de la Arena de Padua.

En el Sueño de san Martín, los elementos arquitectónicos y el ajuar de la habitación con la colcha de un tejido de cuadros típicamente sienés, son descritos con mucha minuciosidad.

En la Renuncia a las armas, las figuras gentiles del santo y del emperador se contraponen a los rudos soldados y a los bárbaros que desde detrás de los cerros se preparan para el combate. Hay un detalle de reconocida fama en el personaje del pagador del sueldo de la tropa, el cual da la espalda al emperador. Este detalle muestra el interés de Martini por los temas profanos propios de la miniatura franco-borgoñona y, a su vez, nos da cuenta del notable avance del realismo que triunfará en el estilo internacional y, en el siglo siguiente en el Renacimiento.


Giudoriccio da Fogliano


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El retrato del capitán Giudoriccio da Fogliano es un fresco de 340 x 968 cm, pintado en el año 1328, ubicado en la pared opuesta a la «Maestá» en el Palazzo Público de Siena. Representa el triunfo del capitán Giudoriccio y formaba parte del conjunto de castillos pintados alrededor de la sala para celebrar la conquista de Montemassi y Sassoforte.

Lo más destacable es la extraordinaria minuciosidad con que Martini describe el campamento militar con las tiendas y los escudos, las barracas de paja y los enramados de los techos. Todo hace suponer que se hubiese trasladado al lugar, tal como había hecho antes de pintar otros dos castillos. El capitán es una elegante figura heráldica con un vestido verde y dorado que asimismo cubre el caballo.

Pero el protagonista real del fresco es el paisaje del fondo, una extensión realizada únicamente con los colores siena natural y siena tostado que se complementan armonizándose con el azul del cielo.


Retablo de la Anunciación


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Esta Anunciación entre los santos Ansano y Margarita es una pintura al temple sobre tabla, fechada en 1333, realizada conjuntamente con Lippo Memmi para la Catedral de Siena (actualmente en la Galería de los Uffizi de Florencia). Destacan las formas delicadas, el aire lírico, la magnificencia de los vestidos y la belleza de los cuerpos delgados que aproximan este retablo a la orfebrería gótica o al arte de las miniaturas.

El Retablo de la Anunciación ha sido reconocido por los historiadores del arte y por la crítica como una obra maestra. Muestra la asimilación de los ideales del arte gótico por los pintores de la escuela sienesa. Pero en este retablo, Martini va más allá del arte gótico y muestra cómo ha asimilado los descubrimientos de Giotto: así podemos ver como sobre el fondo dorado entre el ángel y la Virgen, existe el aire para moldear el espacio, es decir, hay una distancia que podemos conocer, asimismo podemos sentir que el pavimento está hecho de una piedra que podemos (en sentido figurado) pisar. El banco donde se sienta la Virgen tiene profundidad es decir, tres dimensiones igual que el libro sostenido en sus manos, en el cual penetra la luz por las páginas entreabiertas.


Díptico de la Anunciación


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De la misma época de la Anunciación anterior es el Díptico de la Anunciación o Altar Orsini (1933) exhibido en el Museo Real de Bellas Artes de Amberes.


Una obra en España: San Pedro

La Colección Carmen Thyssen-Bornemisza cuenta con una tabla relevante de Martini, San Pedro, perteneciente a un políptico cuyas restantes piezas se conservan en museos americanos como el Getty Center de Los Ángeles.

Espero que la recopilación que he conseguido de este pintor extranjero, sea del interés de los aficionados al arte que frecuentan esta sección, y contribuya en su divulgación.






Algunas obras


Díptico de la Anunciación


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Ángel, de la Anunciación (Primera tabla).

La Anunciación o Altar Orsini es un díptico obra del pintor italiano Simone Martini. Está realizado en temple sobre madera, y fue pintado en 1333. Cada una de sus dos tablas mide 23,5 cm de alto y 14,5 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Real Museo de Bellas Artes de Amberes.

Esta obra llegó al Real Museo de Bellas Artes de Amberes por el burgomaestre Florent van Ertborn, junto a otras dos pinturas de Simone Martini.

Este Díptico está formado por dos tablas. En la de la izquierda está representado el Ángel y en la derecha, la Virgen.

Están realizados con la misma técnica, temple sobre madera, y las dos tablas miden lo mismo: 23,5 × 14,5 cm.

El ángel está arrodillado, anunciando a María que será madre. En este punto utiliza la técnica del esgrafiado sobre el fondo de oro, para que las alas parezcan realmente de pluma.


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Virgen (Segunda tabla).

La Virgen María recibe la noticia con recogimiento. Esta obra de pequeño tamaño permite, sin embargo, apreciar el dibujo de Simone Martini y su destacado colorido, típico del autor: la Virgen, sentada sobre un trono dorado, lleva un vestido rojo y un manto de intenso azul con los bordes de oro.

Las carnaciones se modelan a partir del "verdaccio", preparación de tonalidad verdosa sobre la que se pinta a pequeñas pinceladas de tonos oscuros y luminosos. Los mantos se dibujan con pliegues, en oro, según la tradición de la "maniera grieca".

Tanto la figura de la Virgen como la del ángel se recortan sobre un fondo típicamente dorado. Los bordes laterales y superior se adornaron a punzón con una cenefa de rosetas y motivos ojivales, creando así una arquitectura gótica que enmarca la escena.



Otras Anunciaciones

El tema de la Anunciación fue muy trabajado por Simone Martini. Representa a las Vírgenes con un gesto muy característico, de sorpresa, temor y recato. Así puede verse en la Anunciación de los Uffizi.


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Anunciación, 1333, Galleria degli Uffizi, Florencia. Obra de Simone Martini.

La Anunciación entre los santos Ansano y Margarita (en italiano, Annunciazione tra i santi Ansano e Margherita) es un tríptico pintado al temple por el pintor italiano Simone Martini en colaboración con Lippo Memmi. Fue pintado en 1333. La parte central es tres veces más ancha que las laterales: 184 cm de alto por 114 cm de ancho; los compartimentos laterales tienen unas dimensiones de 105 por 48 cada uno. Se exhibe actualmente en la Galleria degli Uffizi en Florencia. Está considerada la obra maestra de Simone Martini y de la escuela sienesa y de la pintura gótica en general. Fue realizado para un altar lateral de la catedral de Siena.

De la obra se conoce una documentación que confirma la firma y la fecha puesta sobre una esquina, visible en el único fragmento antiguo inserto en el actual ensamblaje decimonónico. Están documentados los nombres de Simone y cuñado Lippo Memmi, pero se desconoce qué es lo que se debe atribuir a cada uno de los pintores. Sólo en base a consideraciones estilísticas se ha elaborado la hipótesis de que la parte central con la Anunciación se atribuye a Simone y los dos santos y los tondos con los profetas son de Lippo.

Una obra de género, de extraordinaria finura lineal, no tiene modelos coetáneos en Italia, pero acaso sí surgen parecidos cuando se compara con los manuscritos miniados por la corte francesa o con las pinturas más fantasiosas producidas en Alemania o en Inglaterra. Esta "manera" norte-europea allanó el camino para el reclutamiento de Simone Martini en el entorno de los pintores italianos en la corte papal de Aviñón, donde estuvieron presentes otros italianos, pero ninguno florentino, en cuando la clásica monumentalidad de la escuela giottesca no encontraba consenso en la sociedad gótica francesa.

La pintura fue encargada para el altar de san Ansano, uno de los protectores de Siena, en la catedral sienesa, donde permaneció hasta el año 1799, cuando el Gran Duque Pedro Leopoldo lo hizo transportar a Florencia, donde fue expuesto el mismo año en los Uffizi.

Descripción. La tabla está compuesta por un gran compartimento central, con la Anunciación, y por dos compartimentos laterales con san Ansano (a la izquierda) y una santa generalmente identificada como santa Margarita (a la derecha). San Ansano, patrón de Siena, lleva sus atributos: una bandera considerada como la “bandera de la Resurrección” que simboliza la victoria sobre la muerte. También, puesto que murió martirizado, lleva la palma.

Por encima hay cuatro tondos o medallones con profetas que son de izquierda a derecha: Jeremías, Ezequiel, Isaías y Daniel. Isaías porta un rollo con la profecía que aparece en la Biblia.


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El panel central. La escena central muestra a mano izquierda el ángel apenas aterrizado, con la capa todavía aleteante en un elegante arabesco y las alas, de una finísima trama de plumas doradas, todavía desplegadas. La Virgen, sentada en un trono de espacialidad incierta, un poco en perspectiva y un poco en axonometría, es sorprendida durante la lectura (el libro es también una llamada contra los adversarios de las profecías de las Sagradas Escrituras) e instintivamente tiene un gesto de hosquedad, cerrándose la capa con la mano y apretando los hombros, a medio camino entre la asustadiza castidad y la altanera hosquedad. Su expresión, con la boca estrecha y los ojos sutiles, es de extraordinaria gracia aristocrática pero también un poco alterada. Su ropa está compuesta según pasos rítmicos que tienen la fineza de un arabesco y que desmaterializan el cuerpo, devolviéndolo una pura línea decorativa: las piernas están de hecho aplanadas, apenas intuibles por la tendencia nerviosa del borde de la ropa. Los santos, por otro lado, tienen la misma fisonomía, debida al uso de modelos de carta para obtener la forma de las figuras, sin ningún interés en la representación individual.

El ángel Gabriel aparece en la parte izquierda del panel central. De su boca salen las palabras doradas, que aparecen en el Evangelio de San Lucas: Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum, como un auténtico antepasado de los tebeos. Lleva en la mano una rama de olivo. En el borde de su túnica aparecen bordadas otras palabras. Completa la escena un pavimento de mármol moteado (espacialmente incoherente con el de los paneles laterales) sobre el que en el centro se encuentra una preciosa jarra dorada con algunos lirios, flor mariana símbolo de pureza y virginidad; en lo alto se encuentra la paloma del Espíritu Santo rodeada por cabecitas de querubines alrededor. El fondo es una deslumbrante extensión de oro, que da a la escena una apariencia abstracta pero también extraordinariamente espiritual. Todo queda aun más en evidencia principalmente por los dorados de los vestidos y de otros detalles, según algunas técnicas que parece que Simone hubiera inventado justo para esta obra. Esencialmente se trata de pintar sobre la hoja de oro, sea extendiendo caligráficamente el color y con veladuras para dejar a la vista el oro de abajo, el "palliatura", visible en las alas del ángel, sea arañando sucesivamente el color para crear motivos adamascados, como en el vestido del ángel. A ello debe añadirse el rico punzonado, la elaboración con el buril y con el cincel de detalles como las aureolas o los bordes de los vestidos, que crean una superficie pictórica extremadamente preciosa y de calidad altísima. El uso de las veladuras fue una característica basilar de la dulzura de la pintura de Simone Martini, que en su entono de Aviñón si difundió haciendo de premisa para la gran pintura norteña del siglo XV y la técnica del color al óleo.


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Detalle del ángel.

La obra es una de las más célebres de los Uffizi, desde que se desveló el interés por los "primitivos" y el arte gótico, del cual Simone Martini fue maestro indiscutido y anticipador del gótico cortés. Los hermanos Goncourt en la segunda mitad del siglo XIX quedaron fascinados por la pintura, pero vieron una sensualidad siniestra, en particular en el ángel, al que atribuyeron un "largo cuello de serpiente" y de una extraña "belleza perversa".

Bernard Berenson y Roberto Longhi hizo en lugar de ello de la ópera un símbolo del estilo lineal, parangonable por su elegancia a las miniaturas persas y a las mejores obras del arte chino y japonés.

Cristina Acidini incluyó esta Anunciación en el libro Capolavori dell'arte (Obras maestras del arte), dedicado a las mejores realizaciones artísticas de todas las épocas y de todas las culturas.


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Anunciación, h. 1330, temple sobre tabla, National Gallery of Art, Washington. Obra de Simone Martini


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Anunciación, h. 1330, temple sobre tabla, Ermitage, San Petersburgo. Obra de Simone Martini



Martini en el Museo Thyssen


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San Pedro, c. 1326. Temple y oro sobre tabla, 58 x 38,5 cm. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza. Obra de Simone Martini.

San Pedro está representado, como lo exige una tradición iconográfica que no permite excepciones, con el aspecto de un anciano; sostiene en una mano las dos llaves, una de oro y la otra de plata, con las cuales el príncipe de los apóstoles abre y cierra las puertas del paraíso. La posición de la figura y las dimensiones de la tabla, cuyo formato no ha sufrido alteración alguna a lo largo del tiempo, ponen de manifiesto que la obra formaba parte originalmente de un conjunto compuesto por otros elementos. Además de la pintura que aquí comentamos, incluía a la izquierda la figura de San Ansano, santo patrono de la ciudad de Siena, en el centro la Virgen con el Niño y a la derecha la figura de San Andrés y la de San Lucas. Estas cinco tablas componían un políptico de forma poco corriente, pues el panel central tenía las mismas dimensiones que los laterales y cada uno de los elementos estaba enmarcado independientemente. De hecho, los marcos a la caja de los distintos paneles pintados son los originales, aunque a menudo se haya puesto en entredicho su autenticidad por haber sido restaurados en varias ocasiones. Cada tabla llevaba además, sobre el fondo dorado, una inscripción con el nombre del santo representado, cosa que todavía se aprecia en el San Lucas de la Colección Getty; este último conserva igualmente la parte posterior pintada imitando el mármol, de lo que se deduce que originalmente se trataba de un políptico portátil.

La historia de este conjunto ha sido paulatinamente reconstruida a lo largo del siglo XX: hoy podemos identificar este retablo disperso como la «tabla muy buena» de Simone Martini que el escultor florentino Lorenzo Ghiberti vio por primera vez en 1445 en el Palazzo Pubblico de Siena. Como ha demostrado Keith Christiansen en un estudio muy interesante, esta obra es seguramente la misma por la que se le pagó al pintor en 1326: fue ejecutada para la residencia del Capitano del Popolo y sólo posteriormente -después de 1405- se colocó sobre el altar de la suntuosa capilla de la Señoría, en el primer piso del Palazzo Pubblico de Siena, junto a la célebre Sala del Mapamundi. Es de suponer que pocos años más tarde el políptico estuviera algo deteriorado, puesto que en 1448 la Señoría nombró una comisión de tres expertos encargados de evaluar el estado de conservación del altar, disponer su eventual consolidación y presupuestar el costo de la operación. Se encomendó la «restauración» al carpintero Giovanni di Vicho di Magno y al pintor Sano di Pietro, que enriquecieron la estructura original con la creación de una peana, de un baldaquino de madera, y colocaron las tablas del siglo XIV en un elaborado marco tallado y taraceado inspirado en la sillería que todavía hoy se conserva en el lugar y que Domenico di Niccoló dei Cori había realizado para la capilla entre 1415 y 1428. Para completar el altar, Sano di Pietro pintó otras cinco tablas con Historias de la Virgen, que se colocaron como predelas de cada una de las tablas de Simone Martini; la calidad de los materiales utilizados y el costo de la tarea ponen de manifiesto lo mucho que las autoridades políticas sienesas, mayoritariamente conservadoras, estimaban la obra de un artista del pasado pero que, en el siglo XV, todavía se consideraba, junto con Giotto y los hermanos Lorenzetti, como uno de los fundadores de la pintura moderna.

El altar de la capilla de la Señoría fue desmantelado en 1686 y sustituido por el retablo de Sodoma, procedente de la catedral, que todavía se encuentra en la capilla. De los elementos del políptico desmembrado se conservan datos documentados hasta finales del siglo XVIII; después de esa fecha, se diría que la obra se esfuma hasta comienzos del siglo XX, cuando reaparecen varios fragmentos en el mercado de antigüedades de diversos lugares y por lo general como obra de Lippo Vanni. La atribución a Simone Martini, propuesta en primer lugar por Oswald Sirén, es la que suscribe también Raymond van Marle; posteriormente fue defendida por Miklós Boskovits y en la actualidad está unánimemente aceptada.

A pesar del estado de conservación poco satisfactorio del fondo de oro y de la aureola (está intacto el motivo de arquillos -«segmental archs»- que se desarrolla a lo largo de los bordes de la tabla), la figura de san Pedro revela la personalidad inconfundible de Simone Martini que en esta composición asocia un motivo inspirado en la escultura clásica -la postura del brazo derecho del santo- y una invención de extraordinaria modernidad como lo es el libro apoyado en el borde del marco, que da una sensación de profundidad. Encontramos una gama cromática similar en el políptico incompleto que se conserva en el Museo dell'Opera del Duomo de Orvieto, que incluye una imagen de san Pedro parecida a ésta. Algunos rasgos más marcados y la ejecución algo descuidada de algunos detalles, como las manos del santo, indican que, junto al maestro, intervino, como en otras tablas de la serie, algún estrecho colaborador suyo que tal vez participaría también en la realización del retablo con el Beato Agostino Novello y cuatro milagros por él realizados. El parecido estilístico de esta tabla, ejecutada en torno a 1325-1328, confirma que la ejecución del San Pedro y los otros cuadros asociados con él se remonta a los mismos años, poco antes de que Simone Martini partiera para Aviñón.



Otras obras


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Saint Geminianus. Obra de Simone Martini.


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This panel, c. 1317, the apex of a dismembered altarpiece, was long believed to be by Simone Martini, but is now thought to be an early work of Lippo Vanni. Obra de Simone Martini.


 31simone_martini_italian_sienese_st_luke_google_art_project

St. Luke, c. 1330. Obra de Simone Martini.


 32simone_martini_christ_discovered_in_the_temple_google_art_project

Christ Discovered in the Temple, c. 1342. Obra de Simone Martini.


 37simone_martini_redentore_benedicente_1315_20_ca

Redentore benedicente, c. 1315-20. Pinacoteca Vaticana‎. Obra de Simone Martini.


 38sta_clara_y_sta_elizabeth_de_hungr_a_simone_martini_1317

Sta. Clara y Sta. Elizabeth de Hungría Simone Martini (1317). Obra de Simone Martini.


 39simone_martini_madonna_col_bambino_e_angeli_1322_24_ca_da_s_francesco

Madonna col bambino e angeli, c. 1322-24. Museo dell'Opera del Duomo, Orvieto. Obra de Simone Martini.


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Saint Louis de Toulouse, c. 1317. Obra de Simone Martini.


 41il_san_ladislao_di_simone_martini

Il San Ladislao. Obra de Simone Martini.


 42simone_martini_madonna_and_child_wga21406

Madonna and Child, 1320-25. Obra de Simone Martini.


 43simone_martini_madonna_with_chid_google_art_project

Madonna and Child. Obra de Simone Martini.


 44simone_martini_madonna_and_child_with_angels_and_the_saviour_wga21417

Madonna and Child with Angels and the Saviour, c. 1320. Obra de Simone Martini.


 45simone_martini_virgin_and_child_ca_1325

Virgin and Child, ca. 1325. Obra de Simone Martini.


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Obra de Simone Martini, 1330-1339. Obra de Simone Martini.


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Vierge et l'Enfant vers 1320. tempera sur bois. Obra de Simone Martini.


 48simone_martini_cenni_di_francesco_san_gimignano_san_lorenzo_al_ponte

Opera di Simone Martini (1310) e il resto di mano di Cenni di Francesco (1413). Obra de Simone Martini.


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Obras de Simone Martini, c. 1319-20. Obra de Simone Martini.


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St Catherine and St Lucy, c. 1320-25. Obra de Simone Martini.


 53simone_martini_polyptych_wga21405

Polyptych, c. 1320-25. Obra de Simone Martini.


 54simone_martini_madonna_and_child_between_st_stephen_and_st_ladislaus_wga21399

Madonna and Child between St Stephen and St Ladislaus, c. 1318. Obra de Simone Martini.


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Polyptych of Santa Caterina. Pisa, c. 1320. Obra de Simone Martini.


 56orvieto_polyptych_tempera_on_wood

Polyptych c. 1321 Tempera on wood, 113 x 257 Museo dell'Opera del Duomo, Orvieto. Obra de Simone Martini.


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Boston Polyptych, c. 1321-25. Obra de Simone Martini.


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Polyptych c. 1321-25. Obra de Simone Martini.


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Polyptych c. 1319. Obra de Simone Martini.


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Guidoriccio da Fogliano (?) Obra de Simone Martini.


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La Maestà del Ayuntamiento de Siena es una pintura al fresco fechada en el año 1315 de dimensiones 793 x 970 cm. Esta fue la primera pintura que se conoce de Simone Martini.


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Guidoriccio da Fogliano, 1328. Obra de Simone Martini.


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Madonna col bambino tra i santi Ansano e Andrea, 1326. The Metropolitan Museum of Art, New York. Obra de Simone Martini.


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Madonna col bambino e santi, 1320-21. Museo dell'Opera del Duomo, Orvieto. Obra de Simone Martini.









Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a Simone Martini (1284 - h. 1344) fue uno de los grandes pintores del Trecento en Italia. Fue una figura principal en el desarrollo de la primitiva pintura italiana e influyó fuertemente en el desarrollo del estilo gótico internacional. Se enmarca en la escuela sienesa, a la que pertenecieron también los grandes pintores Duccio di Buoninsegna, Lippo Memmi y los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti. Fue el más reputado maestro entre los pintores del Trecento en el dominio del color. Elementos esenciales de su estética son su gusto por la línea y la caligrafía admirable de los miniaturistas de la Escuela de miniaturistas de París.


Fuentes y Agradecimientos a: es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, museothyssen.org, wga.hu, pintura.aut.org, rijksmuseum.nl, artcyclopedia.com y otras de Internet.
 




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Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Last edited by j.luis on Wednesday, 27 May 2015, 00:12; edited 3 times in total 
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Post Re: MARTINI, Simone 
 
Gracias J.Luis por este pintor italiano. Extensa obra la que se ha representado.

Un Saludo.
 




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Post Re: MARTINI, Simone 
 
Gracias xerbar, Martini es un pintor excelente del trecento italiano que también quería representar en nuestra galería y hasta ahora no he tenido ocasión.




Saludos.
 




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