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GUERCINO (Giovan Francesco Barbieri)
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Mensaje GUERCINO (Giovan Francesco Barbieri) 
 
Este trabajo está dedicado al pintor barroco italiano Giovan Francesco Barbieri, conocido como Guercino o il Guercino. Se inició entre el grupo de los caravaggistas romanos, pero pronto lo abandonó, como hiciera Guido Reni, en pro del Idealismo de los Carracci, mucho más suave, colorido y luminoso.

Su apodo significa en italiano "el Bizco", lo cual no le impidió realizar una abundante obra de gran calidad, dedicada mayoritariamente a los asuntos bíblicos y mitológicos. Su estilo es muy vigoroso y dramático, apoyado por una iluminación de contrastes violentos que apoyaba estos efectos. En 1642 se trasladó a vivir a Bolonia, para suceder a Guido Reni como cabeza de la Escuela de Bolonia, a partir de ese momento se convirtió en el pintor más cotizado de la ciudad.

1autorretrato_de_il_guercino_detalle_museo_del_louvreGuercino - Giovanni Francesco Barbieri (8 de febrero de 1591 — 9 de diciembre de 1666), más conocido con el apodo Guercino o Il Guercino, fue un pintor barroco italiano nacido en la región de Emilia, aunque vivió y pintó también en Roma y Bolonia. Representa el periodo de transición del clasicismo romano-boloñés al barroco pleno. «Guercino» significa «bizco» en italiano. Tenía este apodo porque padecía de estrabismo.

Guercino nació en Cento (provincia de Ferrara), una ciudad entre Ferrara y Bolonia, en la región de Emilia-Romaña, hijo de Andrea Barbieri y de Elena Ghisellini, una familia de condición humilde. Además de en su ciudad natal, vivió y pintó también en Roma y Bolonia. A la edad de 17 años se asoció con Benedetto Gennari "el Viejo", un pintor de la escuela boloñesa. En 1615 se trasladó a Bolonia, lo que le fue de gran provecho, pues le permitió estudiar las valiosas pinturas allí conservadas. Sus propias obras se ganaron los elogios de Ludovico Carracci, ya anciano. Pintó dos grandes lienzos, Elías alimentado por cuervos y Sansón detenido por los filisteos, de un fuerte estilo caravaggista (aunque es poco probable que pudiera ver ningún Caravaggio). Estos óleos fueron pintados para el cardenal Jacopo Serra, el legado papal en Ferrara.

Los pastores de Arcadia (Et in Arcadia ego) (Roma, Galleria Nazionale d'Arte Antica) fue pintado en 1618, a la vez que Marsias desollado por Apolo (Palazzo Pitti de Florencia). Como dijo a menudo, su estilo en estos años estaba fuertemente influido por los Carracci. Algunas de sus obras posteriores, en cambio, se asemejan más a las de su contemporáneo Guido Reni, quien llegó a acusarle de plagio. Están pintadas con más luminosidad y claridad, con figuras más dulzonas, lo que suscitaría críticas en siglos posteriores. En vida, Guercino fue muy famoso, y hasta Cento fueron a verlo personajes muy destacados, entre ellos Velázquez, quien lo visitó en 1629, en el transcurso de su primer viaje a Italia (1629 — 31).

Guercino fue recomendado por el marqués Enzo Bentivoglio al papa, el boloñés Alessandro Ludovisi, Gregorio XV. Pasó dos años (1621-23) en Roma, donde pintaría muchas obras. De este periodo son los frescos del Casino de la Villa Ludovisi (La Aurora, La Fama y La Noche), el techo de la Basílica de San Crisógono (1622) sobre San Crisógono en la Gloria, su retrato del papa Gregorio (actualmente en el Getty Center) y la que está considerada su obra maestra, El enterramiento de Santa Petronila, para el Vaticano (actualmente en los Museos Capitolinos).

A partir de 1628 se produce un cambio estilístico en la obra del Guercino, que los expertos han dado en llamar seconda maniera (segundo estilo). Ahora sus figuras tendrán un aspecto más imponente, cercano a los ideales de perfección física que en el siglo anterior había buscado la escuela romanista fundada por Rafael.

La orden franciscana de Reggio le pagó 300 ducados en 1655 por la obra San Lucas mostrando una pintura de la Virgen y su hijo (actualmente en el Museo Nelson-Atkins, en Kansas City). Los Corsini también le pagaron 300 ducados por la Flagelación de Cristo pintado en 1657.

Destaca en Guercino su extrema rapidez de ejecución; realizó nada menos que 106 grandes obras de altar para iglesias, y 144 pinturas de otros temas y formatos. En 1626 empezó sus frescos en el Duomo de Piacenza. Guercino continuó pintando y enseñando hasta su muerte en 1666. Para cuando falleció había amasado una fortuna considerable.

Su presencia en museos españoles es muy relevante. El Museo del Prado posee ocho pinturas, entre ellas Susana y los viejos, San Agustín meditando sobre la Trinidad, Magdalena penitente y San Pedro liberado por un ángel (que sería grabado por Ramón Bayeu), además de otros tantos dibujos. Destacan también Lot y sus hijas (Monasterio del Escorial) y Cristo y la samaritana (Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza).


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La Aurora, 1621, techo del Casino de la Villa Ludovisi de Roma. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino.


Listado de obras destacables

    - Triunfo de Todos los Santos (1613), su primer encargo de importancia, para la iglesia del Spirito Santo, obra actualmente dispersa.
    - San Mateo y el ángel (1615, Staatliche Gemäldegalerie, Dresde)
    - San Lucas (1615, Staatliche Gemäldegalerie, Dresde)
    - San Marcos (1615, Staatliche Gemäldegalerie, Dresde)
    - San Juan Evangelista (1615, Staatliche Gemäldegalerie, Dresde)
    - Madonna della pappa (1615, Colección Real, Estocolmo)
    - Esponsales místicos de Santa Catalina y San Carlos Borromeo (1615, Cassa di Risparmio (Caja de Ahorros), Cento)
    - Paisaje de claro de luna con carroza (1615, Nationalmuseum, Estocolmo)
    - Paisaje fluvial con figuras (1615, Colección privada, Nápoles)
    - Predicación de San Antonio Abad (1615, Pinacoteca de Brera, Milán)
    - Frescos de la Casa Pannini (1615-17, Cento)
    - Virgen del gorrión (1616, Pinacoteca Nacional de Bolonia)
    - Milagro de San Carlos Borromeo (1616, San Sebastiano, Renazzo di Cento)
    - Feria en Reno Vecchio (1617, Museos Vaticanos, Roma)
    - Susana y los viejos (1617, Museo del Prado, Madrid)
    - San Sebastián es socorrido por dos ángeles (1617, Fitzwilliam Museum, Cambridge)
    - Et in Arcadia Ego (1618, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma)
    - Erminia encuentra a Tancredo herido (1618-19, Galleria Doria Pamphilj, Roma)
    - Curación de San Sebastián (1619, Pinacoteca Nacional de Bolonia)
    - Sibila (1619, Cassa di Risparmio, Cento)
    - Retorno del hijo pródigo (1619, Kunsthistorisches Museum, Viena)
    - Elías es alimentado por un cuervo (1619, National Gallery, Londres)
    - San Francisco en meditación (1619, Musée Fabre, Montpellier)
    - Cabeza de viejo (1620, Ashmolean Museum, Oxford)
    - Vestición de San Guillermo (1620, Pinacoteca Nacional de Bolonia)
    - San Francisco en éxtasis con San Benito (1620, Museo del Louvre)
    - Erminia y los pastores (1620, Birmingham Museum of Art)
    - Matrimonio místico de Santa Catalina (1620, Gemäldegalerie, Berlín-Dahlem)
    - Rey David (1620, Musée des Beaux-Arts, Ruan)
    - Frescos del Casino Ludovisi (1621, Roma)
    - Prendimiento de Cristo (1621, Fitzwilliam Museum, Cambridge)
    - Incredulidad de Santo Tomás (1621, National Gallery, Londres)
    - Cristo y la adúltera (1621, Dulwich Picture Gallery, Londres)
    - Virgen con niño (1621 — 22, Instituto Städel, Fráncfort del Meno)
    - La Magdalena en el sepulcro (1622, Pinacoteca Vaticana, Roma)
    - Liberación de San Pedro (1622, Museo del Prado)
    - San Mateo y el ángel (1622, Museos Capitolinos, Roma)
    - Entierro y Asunción de Santa Petronila (1622-23, San Pedro, Vaticano)
    - Retrato del papa Gregorio XV (1622-23, The J. Paul Getty Museum, Los Ángeles)
    - San Francisco en éxtasis (1623, Colección privada, Cento)
    - San Pedro (1623, Colección Koelliker, Milán)
    - Presentación de Jesús en el Templo (1623, National Gallery, Londres)
    - Autorretrato (c. 1624, Richard L. Feigen & Co., New York)
    - Crucifixión (1625, Basílica della Ghiara, Reggio Emilia)
    - Frescos de la cúpula de la Catedral de Piacenza (1626)
    - Retorno del hijo pródigo (1627-28, Galleria Borghese, Roma)
    - Virgen con el niño bendiciendo (1629, Pinacoteca Civica, Cento)
    - Muerte de Dido (1629, Galleria Spada, Roma)
    - Cristo resucitado se aparece a la Virgen (1630, Pinacoteca Civica, Cento)
    - Retrato de Francisco I de Este, duque de Modena (1632)
    - Retrato de Maria Farnese, duquesa de Modena (1632)
    - Magdalena (1632, Colección Koelliker, Milán)
    - San José con el niño Jesús (1633, Colección Lauro, Bolonia)
    - Venus, Marte y Cupido (1634, Galleria Estense, Módena)
    - San Agustín en meditación (1635, Museo del Prado)
    - Santa Inés (1637, Trafalgar Galleries, Londres)
    - Alegoría de la Pintura y la Escultura (1637, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma)
    - Las lágrimas de San Pedro (1639, National Gallery of Scotland, Edimburgo)
    - Cleopatra (1639, Colección privada, Ferrara)
    - Cristo y la samaritana (1640, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid)
    - Suicidio de Catón (1641, Palazzo Rosso, Génova)
    - Hércules (1642, Colección Koelliker, Milán)
    - San Juan Bautista (1644, Pinacoteca Nacional de Bolonia)
    - Semíramis recibe la noticia de la revuelta de Babilonia (1645, Colección Alec Cobbe, Surrey)
    - Saúl intenta asesinar a David (1646, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma)
    - San Pedro de Verona (1646-47, Pinacoteca Nacional de Bolonia)
    - Sibila pérsica (1647, Pinacoteca Capitolina, Roma)
    - Ecce Homo (1647, Staatliche Gemäldesammlungen, Mónaco)
    - San Bruno (1647, Pinacoteca Nacional de Bolonia)
    - Erminia y los pastores (1648, Minneapolis Institute of Arts)
    - Santa Cecilia (1649, Dulwich Picture Gallery, Londres)
    - José y la mujer de Putifar (1649, National Gallery of Art, Washington D. C.)
    - Susana y los viejos (1650, Galería Nacional de Parma)
    - Las lágrimas de San Pedro (1650, Colección Koelliker, Milán)
    - Lot y sus hijas (1650, Museo del Louvre)
    - David con la cabeza de Goliat (c. 1650, National Museum of Western Art, Tokio)
    - Sibila de Cumas con ángel (1651, National Gallery, Londres)
    - Sibila líbica (1651, Royal Collection, Windsor Palace)
    - Sibila de Samos (1651, Colección privada)
    - Virgen con niño bendiciendo (1651, Galleria Sabauda, Turín)
    - San Pablo Ermitaño (1652, Pinacoteca Nacional de Bolonia)
    - Magdalena en el desierto (1652, Pinacoteca Nacional de Bolonia)
    - San Juan Bautista en el desierto (1652, Richard L. Feigen & Co., New York)
    - San Jerónimo (1652, Colección privada, Milán)
    - El ángel se aparece a Agar e Ismael (1653, National Gallery, Londres)
    - San Andrés apóstol (1656, Colección Koelliker, Milán)
    - Sansón y Dalila (1657, Musée des Beaux-Arts, Estrasburgo)
    - Abraham repudia a Agar e Ismael (1657, Pinacoteca di Brera, Milán)
    - Flagelación de Cristo (1658, Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma)
    - Ecce Homo (1659, Galleria Sabauda, Turín)
    - Santa Bárbara (1659, Colección privada, Milán)
    - Santa Cecilia (1659, Colección privada, Milán)
    - San Francisco (1659, Colección privada, Milán)
    - Virgen con niño (c. 1665, Fondazione Cavallini Sgarbi, Ferrara), fragmento de un retablo.

Espero que os guste la recopilación que he realizado de este pintor extranjero y en lo posible contribuya en su divulgación.





Algunas obras


Guercino en el Museo del Prado

Guercino. Giovanni Francesco Barbieri (Cento, 1591-Bolonia, 1666). Pintor y dibujante italiano. Guercino fue uno de los artistas italianos más aclamados en la primera mitad del siglo XVII. Había nacido en la localidad de Cento, de la provincia de Ferrara, que siete años después fue anexionada a los Estados Pontificios. Un artista del lugar le instruyó en los rudimentos de la pintura, pero parece haber sido fundamentalmente autodidacta. Las principales influencias que formaron su estilo fueron las de los boloñeses Ludovico Carracci y su primo Annibale Carracci y el ferrarés Ippolito Scarsella. En los inicios de su carrera gozó del apoyo de dos protectores locales, el padre Antonio Mirandola, que le procuró su primer encargo público, y Bartolomeo Fabbri, en cuya casa abrió una academia de dibujo del natural en 1616. Aparte de una estancia de dos años en Roma durante el papado del boloñés Gregorio XV Ludovisi, su actividad se desarrolló en su pueblo natal hasta que en 1642 se trasladó a la vecina Bolonia. Tenía unos veinticinco años cuando llamó la atención de sus primeros clientes importantes, entre ellos el cardenal Alessandro Ludovisi, arzobispo de Bolonia; el cardenal ­Jacopo Serra, legado pontificio en ­Ferrara; el gran duque Cosme II de Toscana y el duque Fernando Gonzaga de Mantua. Ya mediada la década de 1620 rechazó invitaciones para trabajar fuera de Italia, de Carlos I de Ingla­terra entre otros. Parece haber sido reacio a entrar en competencia directa con sus rivales boloñeses, sobre todo con Guido Reni, que desde 1610 aproximadamente era el pintor más celebrado de Italia. Pero no hay indicios de que su relativo aislamiento en Cento perjudicara su actividad; por el contrario, le llovían encargos de toda Italia y del exterior, y fue anfitrión de visitantes tan distinguidos como el pintor de la corte española Diego Velázquez en 1629. Sin embargo, solo después de muerto Guido Reni trasladó su taller a Bolonia. La mayor parte de su abundante producción está formada por cuadros de altar y de caballete, pero en la primera mitad de su carrera también pintó frescos en Cento, Bolonia, Roma (la notable Aurora del techo del Casino Ludovisi) y la catedral de Piacenza (1626-1627). Su primer estilo, «tenebrista», se caracteriza por la iluminación dramática, los colores saturados y las composiciones agitadas, con modelos casi siempre plebeyos: son ejemplos dos lienzos del Prado, Susana y los viejos y San Pedro liberado por un ángel. La estancia en Roma le llevó a modificar gradualmente su estilo hacia un lenguaje mucho más idealizado y clásico, con composiciones más sosegadas y estructuradas, contornos más elegantes, una paleta en general más clara y rica en tonos pastel y un tratamiento menos contrastado del claroscuro. Aunque, en general, son sus primeras obras las que resultan más atractivas para el espectador moderno, en revaluaciones recientes de su estilo maduro se ha vuelto a hacer hincapié en su gran sutileza y refinamiento y su énfasis en la expresión clara del conflicto y la emoción, cualidades que fueron muy apreciadas por sus contemporáneos. Guercino fue uno de los mejores y más fecundos dibujantes del siglo XVII. Su estilo experimentó una transformación menos radical en el dibujo que en la pintura, y hasta sus dibujos tardíos están impregnados de una energía caligráfica y una frescura de trazo que no tienen rival en sus contemporáneos italianos. Sus pinturas están bien documentadas, especialmente las maduras y tardías, gracias al libro de cuentas que llevó a partir de 1629, a la pormenorizada biografía de Carlo Cesare Malvasia en Felsina pittrice (1678) y a la abundante correspondencia del propio artista que ha llegado hasta nosotros.

Obras

    - San Pedro liberado por un ángel, óleo sobre lienzo, 105 x 136 cm, h. 1620-1623 [P200].
    - Susana y los viejos, óleo sobre lienzo, 176 x 208 cm, 1617 [P201].
    - San Agustín meditando sobre la Trinidad, óleo sobre lienzo, 185 x 166 cm, 1636 [P202].
    - La Magdalena penitente, óleo sobre lienzo, 119,8 x 101,2 cm, 1645-49 [P203].
    - Tiziano y la pintura o El dibujo y la pintura, óleo, 112 x 149 cm (en dep. en la Casa Museo de Colón, Las Palmas de Gran Canaria) [P204].
    - El amor desinteresado, óleo sobre lienzo, 99 x 75 cm (en dep. en el Museo de Pontevedra) [P205].
    - Diana cazadora, óleo sobre lienzo, 53 x 45 cm [P206].
    - San Jerónimo y un rabino, óleo sobre lienzo, 100 x 126 cm, h. 1620-1625 [P5122].
    - Paisaje con la Crucifixión, pluma sepia sobre papel agarbanzado, 149 x 345 mm, h. 1620 [D775].
    - Media figura de anciano desnudo, sanguina sobre papel agarbanzado, 146 x 158 mm [D778].
    - Paisaje con segadores, aguada sepia y pluma sobre papel agarbanzado, 262 x 421 mm, h. 1635 [D2089].
    - San Jerónimo penitente, sanguina sobre papel grisáceo, 278 x 241 mm [D2095].
    - Santa Inés, sanguina sobre papel agarbanzado, 245 x 179 mm [D2165].
    - Paisaje con río y barca de pescadores, pluma sobre papel agarbanzado, 188 x 272 mm, h. 1630 [D2169].
    - Estudio de media figura femenina, aguada sepia y tinta sobre papel agarbanzado grisáceo, 241 x 170 mm, h. 1625-1630 [D2170].
    - Estudio de profeta / Figura femenina y un niño, pluma sepia sobre papel agarbanzado, 234 x 198 mm [D2180].


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San Pedro liberado por un ángel, h. 1620-1623, óleo sobre lienzo, 105 x 136 cm. Museo del Prado. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino

El Apóstol Pedro fue enviado por Herodes a prisión, de donde huye liberado por un ángel, quien, con su mano izquierda, le señala el camino aprovechando el sueño del carcelero (Hechos de los Apóstoles, 12).

La obra fue pintada por Guercino en su periodo romano (1621 - 1623) y adquirida por Carlos III al marqués de la Ensenada.


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Susana y los viejos, 1617, óleo sobre lienzo, 176 x 208 cm. Museo del Prado. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino.

La historia que aquí se narra es la de la joven Susana, que fue espiada por unos viejos durante su baño. Éstos le ofrecieron dinero para que cediera a sus demandas, a las que ella se resistió. Guercino nos describe el momento en que la joven, ignorante aún de la presencia de los viejos, es descubierta por éstos, que se disponen a asaltarla. Los dos viejos están en actitudes contrapuestas. El más avanzado mira a la muchacha mientras con un gesto parece indicarle a otro personaje que se esté quieto. Este personaje que no aparece es amonestado por el segundo viejo, que le ordena silencio. ¿Quién es el personaje? Tal vez un tercer viejo, o tal vez el espectador del lienzo, que de esta manera queda convertido en otro voyeur, según un juego ilusionista propio del Barroco. De esta manera, el espectador tiene la ilusión de que la escena se desarrolla ante sus ojos y de que participa en ella. Guercino emplea recursos caravaggiescos para plasmar a los viejos, que se encuentran en semipenumbra. El rostro del más anciano incluso se halla cubierto por la sombra que proyecta ese tercer personaje fantasma. La otra mitad del lienzo, ocupada por Susana, es de corte clasicista. La acción está ralentizada, se adivinan los suaves movimientos de la muchacha, que se apoya en unas construcciones clásicas de mármol. Más blanco que el propio mármol es su cuerpo, de proporciones igualmente clásicas, dibujado a la manera de una estatua. Guercino, pues, sintetiza con elegancia las componentes del Barroco italiano en esta obra.


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San Agustín meditando sobre la Trinidad, 1636, óleo sobre lienzo, 185 x 166 cm. Museo del Prado. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino.

Según la historia del santo, éste se encontraba paseando a la orilla del mar meditando sobre el misterio de la Trinidad cuando vio a un niño llenando un hoyo en la arena con el agua del mar. San Agustín le preguntó porqué lo hacía, a lo que el niño respondió que intentaba vaciar todo el agua del mar en el agujero. Al escucharlo, el santo dijo al niño que aquello era imposible, a lo que éste respondió que si aquello era imposible, más imposible aún era tratar de descifrar el misterio de la Santísima Trinidad.

Guercino presenta a los protagonistas en una escena ligeramente diferente al relato original. El santo, acompañado de la mitra episcopal en alusión al cargo de obispado que ocupó en Hipona, escribe a la orilla del mar mientras el niño le instruye señalando el hoyo en la arena.

La obra fue pintada para un abate napolitano llamado Peretti. Aparece registrada en el inventario de 1746 de la colección de Isabel de Farnesio (1692-1766) en el Palacio de la Granja de San Ildefonso, en 1794 en el Palacio de Aranjuez y en 1814 en el Palacio Real de Madrid.


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La Magdalena penitente, 1645-49, óleo sobre lienzo, 119,8 x 101,2 cm. Museo del Prado. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino.

María Magdalena es una de las santas más célebres del cristianismo, por haber conocido a Cristo y porque representó el paradigma de la mujer arrepentida. En su etapa de vida mundana suele caracterizarse con ricas vestiduras. Cuando se muestra como mujer arrepentida -como en esta pintura de Guercino- aparece semidesnuda y con largos cabellos, adorando el crucifijo. Otros dos de sus atributos más reconocibles, no presentes en esta obra, son la calavera -símbolo de la meditación sobre la muerte- y el vaso de perfumes, con el que lavó los pies de Cristo.A diferencia de otras pinturas de Guercino en el Museo del Prado, Magdalena penitente es una obra todavía poco conocida. Efectivamente, no fue incluida en los estudios que rehabilitaron la figura del artista, como los de Nefta Barbantini o Denis Mahon, ambos publicados en 1968, a pesar de que el profesor Pérez Sánchez había llamado previamente la atención sobre el cuadro y confirmado su correcta autoría. La primera noticia documental sobre el lienzo aparece en el inventario del palacio real de La Granja en 1746, perteneciente entonces a la colección de la reina Isabel de Farnesio, mujer de Felipe V: Una pintura original en lienzo de mano del Guarchino de Santa María Magdalena contemplando un Crucifijo con una mano en el pecho y otra levantada de quatro pies y tres dedos de alto y tres pies y medio de ancho. En el extremo inferior derecho del cuadro puede apreciarse la flor de lis, identificativa de las piezas pertenecientes a la colección de Isabel de Farnesio. Aunque se trata de una obra de notable calidad y no hay dudas sobre su atribución, sigue planteando problemas cronológicos. Tradicionalmente se ha propuesto una datación tardía, apreciando indicios de la pintura de Guido Reni a quien Guercino se aproximó en la fase última de su producción. En contra de esa opinión, Stone sugirió una fecha próxima al final de la década de 1640, cuando hay noticias de la realización por Guercino de un cuadro cuya descripción se adecúa a las características de la Magdalena penitente, cuadro adquirido el 20 de mayo de 1649 por el artista Lodovico Fermi. Por otra parte, para confirmar esta propuesta cronológica, Stone relacionó de forma convincente el estilo y la iconografía de la pintura del Museo del Prado con la composición del mismo tema conservada actualmente en una colección particular de Nueva York.El lienzo estuvo depositado en el Museo de Castellón entre 1936 y 1970, fecha en que se incluyó en la exposición celebrada en el Museo del Prado sobre la Pintura italiana del siglo XVII. Se conserva una réplica de calidad inferior en la Galleria Spada de Roma (Texto extractado de Úbeda de los Cobos, A. en: El Prado en el Ermitage, Museo Nacional del Prado, 2011, pp. 102-103).


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El amor desinteresado. Hacia 1654, óleo sobre lienzo, 99 x 75 cm. Museo del Prado. (dep. en el Museo de Pontevedra)

a pareja de representaciones del dios pagano del amor, Cupido, formada por esta obra y Cupido (P150) de Guido Reni, constituye un hermoso testimonio de la confluencia de arte y política durante el barroco. De una parte, sus autores son dos de los máximos protagonistas del triunfo de la pintura boloñesa en la primera mitad del siglo XVII. Ambos educados como artistas en el fecundo entorno de los Carracci, también los dos conquistaron el pujante mercado romano y la protección de los más importantes mecenas de la curia cardenalicia. No obstante, pese a su sustrato formativo común e ideales estéticos tan próximos, la comparación de los dos lienzos también pone de manifiesto la diversa personalidad de uno y otro en sus respectivos momentos de madurez. Un contraste deliberado muy del gusto de los aficionados de su tiempo, quienes sin duda valorarían este sugerente juego visual entre el severo clasicismo de Reni y las aterciopeladas calidades de Guercino.Parece que la reunión de ambas pinturas fue iniciativa de un importante patricio romano, de refinada formación humanística y artística, el cardenal Camillo Massimo. Se desconoce el momento en el que adquirió la pintura de Reni, que habría de servir de contramodelo para la de Guercino, a quien consta que se le pagó una obra de este tema en enero de 1654 por un religioso desconocido, el padre Salvatore de Piacenza. Los dos cupidos aparecen documentados juntos por vez primera en las colecciones del rey Felipe IV, en 1666, a quien las hubo de regalar Massimo. El Cardenal las ofrecería al monarca durante su etapa como nuncio pontificio en la corte española entre 1654 y 1656.El regalo diplomático tenía en este caso un valor especial. Las circunstancias de la llegada de Massimo a Madrid fueron ciertamente adversas y utilizó estas obras para congraciarse con un soberano famoso por su pasión coleccionista. Por ello unas aparentemente banales representaciones de Cupido encierran unas sutiles connotaciones alegóricas y políticas que los cortesanos españoles debieron apreciar. Por lo pronto fueron muy del agrado de Felipe IV, quien los colocó en su despacho de verano del Alcázar madrileño, en la misma habitación en la que colgaban originalmente Las meninas de Velázquez.En cuanto al lienzo de Guercino, se ignoran los detalles concretos de su encargo. Pero ya que las medidas y la escala de los personajes son prácticamente idénticas resulta evidente que fue encargado ex profeso para ser emparejado con la obra pintada por Reni unos dieciocho años antes. También por elegir una iconografía moralizada del amor, en concreto una variante peculiar del Amor virtuoso. Aquí Cupido no sólo ha dejado sus armas de lado, sino que aparece en acto de total renuncia de los bienes terrenales. Por ello vuelca el pequeño tesoro de monedas que guardaba en un saco de terciopelo, tirándolas al suelo donde yace su arco. Otros detalles como el cortinaje rojo o el globo terráqueo a los que da la espalda refuerzan su desapego al lujo o a las glorias mundanas. Si bien la ausencia de elementos tópicos del amor virtuoso, como la corona de laurel, indican que estamos ante un amor carente de interés material o desinteresado. El cuadro ofrece la suave entonación claroscurista tan característica de Guercino, creando una personal atmósfera poética que rodea la dulzura del modelo infantil. Incluye un breve fondo de naturaleza, con un puente y otras construcciones, que evoca asimismo el paisaje emiliano.El cuidado puesto por Massimo en escoger un exquisito regalo para el rey aficionado a la pintura parece que se excedió del plano artístico descrito. El recurso a un mito pagano no se limitó a su transformación moralizada, sino que sus atributos iconográficos se prestaron a una inteligente presentación del nuncio en Madrid. En el caso de Reni no fue previsto, sino aprovechado a posteriori, pues la paloma blanca es uno de los distintivos heráldicos de la familia Chigi. El papa que enviaba a Massimo a España, Alejandro VII, pertenecía a dicha familia. Otro detalle del cuadro de Guercino hace referencia a un pontífice anterior, pues una de las monedas arrojadas al suelo muestra la efigie de Urbano VIII. Éste había llevado una política profrancesa, que había dado lugar a constantes enfrentamientos con la Monarquía Hispánica. De ahí que Massimo quisiera pregonar su apego al papa Chigi, de marcada hispanofilia, valiéndose de este sagaz juego y, seguramente, incluyendo esta referencia en el Cupido que encargaría para Felipe IV (Texto extractado de Beaven, L. en: Italian Masterpieces. From Spain`s Royal Court, Museo del Prado, 2014, pp. 104-106).



Otras obras


 0autorretrato_de_il_guercino_museo_del_louvre

Autorretrato de Il Guercino, c. 1635. Museo del Louvre


 11jes_s_y_la_samaritana_en_el_pozo
    
Jesús y la samaritana en el pozo. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino, c. 1640-1641. Óleo sobre lienzo, 116 x 156 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. La pintura entró en la colección Thyssen-Bornemisza en 1976, procedente de la colección del marqués Paolo dal Pozzo en Milán.

El encuentro entre Jesús y la samaritana aparece recogido sólo en el Evangelio de san Juan. Jesús, de camino a Galilea, llegó a la ciudad de Samaria, Sicar, y mientras los discípulos se acercaron a la urbe para comprar provisiones, Él se sentó a descansar junto a una fuente. Al pozo se acercó una mujer para sacar agua a la que Jesús pidió de beber. Ésta, ante este hecho sorprendente, le preguntó cómo un judío le pedía agua, cuando samaritanos y hebreos no se trataban. La mujer, que había tenido cinco maridos y vivía con un hombre, como registran las palabras de Cristo en el pasaje, inició un diálogo con el Salvador que asombró a los discípulos cuando éstos regresaron de la ciudad, ya que no era costumbre entablar conversación con mujeres desconocidas. Este episodio, al pie de un pozo, donde se habla del agua del bautismo, ha simbolizado, entre otros aspectos, la conversión de los gentiles por la palabra.

El tema de Cristo y la samaritana aparece mencionado en tres ocasiones en el Libro dei conti del Guercino, registro de pinturas y encargos con sus pagos correspondientes que llevó hasta su muerte, en 1649, el hermano del pintor, Paolo Antonio, y que algún miembro del taller continuó tras su fallecimiento. La identificación de la obra del Museo Thyssen-Bornemisza en este documento fue sugerida por Carlo Volpe en una carta y recogida por primera vez por Gertrude Borghero en los catálogos de la Colección. Esta pintura se ha identificado con la descrita en el asiento 216 del libro de cuentas, que fue pintada para Giuseppe Baroni de Lucca y por la que pagó cien ducados. Este cliente pagó la obra fraccionadamente, abonando el 22 de marzo de 1640 treinta ducados y el 14 de noviembre del mismo año setenta. En ambos momentos se utilizó al mismo intermediario, Lorenzo Paoli. La pintura que figura en este libro de cuentas con el número de asiento 254, por la que se abonó también cien ducados y que perteneció al abad Bentivoglio, es la versión que de este mismo tema se conserva en Ottawa, en la National Gallery of Canada y cuyo pago se efectuó el 29 de mayo de 1641. La tercera obra con el tema de la samaritana registrada en este libro de cuentas fue realizada para Girolamo Panesi, y se ha identificado con el óleo de la colección del Banco di San Geminiano e San Prospero en Modena.

La tela del Guercino recoge un momento del diálogo entre Cristo y la samaritana. Las figuras, de medio cuerpo y en primer término, se agrupan en torno al brocal del pozo donde ha acudido con su cántaro la samaritana. El encuentro, que tiene lugar a las afueras de la ciudad, se envuelve en un sereno paisaje donde el celaje adquiere, con sus nubes deshilachadas horizontalmente, un protagonismo notable. El óleo pone de manifiesto la maestría del Guercino en el dominio del lenguaje de los gestos y de las expresiones, como la mirada que irradia la mujer hacia el desconocido que le habla y la postura de Cristo, especialmente expresiva al buscarse su perfil, y acentuar su presencia con el movimiento y el ademán de su mano derecha. En la composición, equilibrada y con notas clasicistas, no se descuida el tratamiento de elementos secundarios como el cántaro, la cuerda, el gancho o las piedras del brocal del pozo, donde se busca la calidad. Tampoco se olvida la textura, en los paños que cubren a las figuras y que se tratan de forma realista.

Los personajes, concebidos con fuertes dosis de idealización, corresponden a tipos que, como en el caso de la samaritana, fueron empleados por el pintor en otras composiciones. Entre los ejemplos más llamativos donde repitió este modelo se encuentra la Virgen de la pintura de la iglesia de San Martino en Senigallia.



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Ángel en vuelo, tiza roja, c. 1648. Ashmolean Museum, Oxford. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Desposorios místicos de Santa Catalina, 1620. Gemäldegalerie de Berlín. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Rey David violinista, c. 1620. Museo de Bellas Artes de Ruan. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Aparición de Cristo a Santa Teresa, 1634. Museo Granet, Aix-en-Provence. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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El entierro de Santa Petronila, 1629. Museos Capitolinos, Roma. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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La vocación de San Luis Gonzaga, c. 1650. Metropolitan, Nueva York. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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La Astrología, c. 1650-1655. Blanton Museum of Art, Austin, Texas, Estados Unidos. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Sibila pérsica, c. 1647. Museos Capitolinos, Roma. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Cristo resucitado apareciéndose a la Virgen, 1629. Pinacoteca Cívica de Cento. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Et in Arcadia ego, óleo sobre lienzo, 82 cm × 91 cm, Galleria Nazionale d'Arte Antica di Palazzo Barberini, Roma. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Prendimiento de Cristo, 1621. Museo Fitzwilliam. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Abraham repudia a Agar e Ismael, 1657. Pinacoteca de Brera, Milán. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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La reina Semíramis recibe la noticia de la revuelta de Babilonia, 1624. Museo de Bellas Artes de Boston. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Erminia encuentra herido a Tancredo de Galilea, c. 1618. Galería Doria Pamphilj de Roma. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


 20guercino_marte_venere_cupido

Marte, Venus y Cupido, 1633. Galería Estense de Módena. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Saúl intenta dar muerte a David, 1646. Galleria Nazionale d'Arte Antica di Palazzo Barberini, Roma. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


 26the_dead_christ_mourned_by_two_angels

The Dead Christ Mourned by Two Angels. 1617-18. Oil on copper, 39 x 44 cm. National Gallery, London. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


 27assumption_of_the_virgin

Assumption of the Virgin. 1623. Oil on canvas, 307 x 332 cm. The Hermitage, St. Petersburg. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


 28the_vision_of_st_jerome

The Vision of St Jerome. 1619-20. Oil on copper, 42 x 48 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


 29christ_crowned_with_thorns

Christ Crowned with Thorns, c. 1622. Oil on copper, 28,5 x 24 cm. Szépművészeti Múzeum, Budapest. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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A Donor Presented to the Virgin. 1616. Oil on canvas, 309 x 192 cm. Musées Royaux des Beaux-Arts, Brussels. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Erminia Finds the Wounded Tancred. 1618-19. Oil on canvas, 145,5 x 187,5 cm. Galleria Doria Pamphilj, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Portrait of Paul Gregory XV. 1622-23. Oil on canvas, 134 x 98 cm. J. Paul Getty Museum, Los Angeles. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


 33st_gregory_the_great_with_sts_ignatius_and_francis_xavier

St Gregory the Great with Sts Ignatius and Francis Xavier, c. 1626. Oil on canvas, 296 x 211 cm. National Gallery, London. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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The Martyrdom of St Peter. 1618-19. Oil on canvas, 320 x 193 cm. Galleria Estense, Modena. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Mystical Marriage of St Catherine of Alexandria. 1620. Oil on canvas, 88 x 70 cm. Staatliche Museen, Berlin. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Return of the Prodigal Son. 1619. Oil on canvas, 107 x 144 cm. Kunsthistorisches Museum, Vienna. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Raising of Lazarus, c. 1619. Oil on canvas, 199 x 233 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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The Resurrected Christ Appears to the Virgin. 1629. Oil on canvas, 260 x 179 cm. Pinacoteca Comunale, Cento. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Samson Captured by the Philistines. 1619. Oil on canvas, 191 x 237 cm. Metropolitan Museum of Art, New York. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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The Toilet of Venus, 1622-23. Oil on canvas, 150 x 190 cm. Private collection. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St William of Aquitaine Receiving the Cowl. 1620. Oil on canvas, 349 x 231 cm. Pinacoteca Nazionale, Bologna. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Augustine Washing the Feet of the Redeemer. Oil on canvas. Sant' Agostino in Campo Marzio, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Augustine, St John the Baptist and St Paul the Hermit. Oil on canvas. Sant' Agostino in Campo Marzio, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Augustine. Oil on canvas. San Pietro in Vincoli, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Martyrdom of St Catherine. 1653. Oil on canvas, 222,5 x 159 cm. The Hermitage, St. Petersburg. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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The Entombment of Christ. 1656. Oil on canvas. Art Institute, Chicago. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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The Flagellation of Christ. 1657. Oil on canvas 250 x 185 cm. Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Francis with an Angel Playing Violin. Oil on canvas, 162 x 127 cm. Gemäldegalerie, Dresden. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Hersilia Separating Romulus and Tatius. 1645. Oil on canvas, 253 x 267 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Marguerite. Oil on canvas. San Pietro in Vincoli, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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The Penitent Magdalen. 1649. Oil on canvas, 230 x 177 cm. Private collection. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Saul Attacking David. 1646. Oil on canvas, 147 x 220 cm. Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Luke Displaying a Painting of the Virgin. 1652-53. Oil on canvas. Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Peter Weeping before the Virgin. 1647. Oil on canvas, 122 x 159 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Jerome in the Wilderness, c. 1650. Oil on canvas, 307 x 332 cm. The Hermitage, St. Petersburg. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Doubting Thomas. Oil on canvas. Residenzgalerie, Salzburg. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Virgin and Child with Four Saints, c. 1651. Oil on canvas, 332 x 230 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Abraham Casting Out Hagar and Ishmael. 1657. Oil on canvas, 115 x 154 cm. Pinacoteca di Brera, Milan. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Allegory of Painting and Sculpture. 1637. Oil on canvas, 114 x 139 cm. Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Apparition of Christ to the Virgin. 1628-30. Oil on canvas. Pinacoteca Civica, Cento. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


 61the_flagellation_of_christ

The Flagellation of Christ. 1641-44. Oil on canvas, 351 x 177 cm. Szépművészeti Múzeum, Budapest. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Magdalen and Two Angels. 1622. Oil on canvas, 222 x 200 cm. Pinacoteca, Vatican. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Portrait of Fra Bonaventura Bisi, Called "Il Pittorino", c. 1658. Oil on canvas, 94 x 77 cm. Private collection. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Portrait of Francesco Righetti. 1626-28. Oil on canvas, 83 x 67 cm. Private collection. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Madonna of the Swallow. 1620. Oil on canvas, 120 x 88 cm. Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Anthony of Padua with the Infant Christ. 1656. Oil on canvas, 91 x 74 cm. Private collection. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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A Cosmographer. 1660. Black chalk, 260 x 193 mm. University Art Museum, Princeton. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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St Romuald. 1640-41. Oil on canvas, 292 x 184 cm. Pinacoteca Comunale, Ravenna. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Semiramis Called to Arms. 1645. Oil on canvas, 130 x 152 cm. Private collection. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


 67semiramis_receiving_word_of_the_revolt_of_babylon

Semiramis Receiving Word of the Revolt of Babylon. 1624. Oil on canvas, 112 x 155 cm. Museum of Fine Arts, Boston). Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Venus, Mars and Cupid. 1633. Oil on canvas. Pinacoteca Estense, Modena). Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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View of the Sala dell'Aurora. Frescoes in the Casino dell'Aurora, Villa Boncompagni Ludovisi, Rome (1621). Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Ceiling painting, 1621. Fresco. Casino dell'Aurora, Villa Boncompagni Ludovisi, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Ceiling painting. 1621. Fresco. Casino dell'Aurora, Villa Boncompagni Ludovisi, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Aurora. 1621-23. Fresco. Casino dell'Aurora, Villa Boncompagni Ludovisi, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Ceiling painting (detail) 1621. Fresco. Casino dell'Aurora, Villa Boncompagni Ludovisi, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Lunette painting. 1621. Fresco. Casino dell'Aurora, Villa Boncompagni Ludovisi, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino


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Ceiling painting (detail) 1621. Fresco. Casino dell'Aurora, Villa Boncompagni Ludovisi, Rome. Obra de Giovanni Francesco Barbieri II Guercino



Enlaces interesantes


Pinturas de Guercino en la Web Gallery of Art

Pinturas de Guercino en la Wikipedia


Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo dedicado a Giovanni Francesco Barbieri (8 de febrero de 1591 — 9 de diciembre de 1666), más conocido con el apodo Guercino o Il Guercino, fue un pintor barroco italiano. Representa el periodo de transición del clasicismo romano-boloñés al barroco pleno. Padecía estrabismo, de ahí su sobrenombre (guercino es el diminutivo de guercio, bizco en italiano).



Fuentes y agradecimientos: museodelpradoés, museothyssen.org, wga.hu, pintura.aut.org, es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, artehistoria.com, artcyclopedia.com y otras de Internet.
 




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última edición por j.luis el Sabado, 02 May 2015, 17:15; editado 4 veces 
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Mensaje Re: GUERCINO 
 
Gracias J.Luis por este nuevo pintor italiano. Muy buenas obras las que aquí has representado.

Un saludo.
 




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Mensaje Re: GUERCINO 
 
Gracias xerbar, la verdad es qué Guercino tiene una gran obra, fue un gran pintor del Barroco italiano. Como habrás leído era vizco desde muy pequeño, al parecer motivado por un susto cuando era un bebé, de ahí el mote de Guercino, el bizco que pintaba como los ángeles.




 

Saludos.
 




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Mensaje Guercino2 
 
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Se exhibe por primera vez en público la Diana de Guercino


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La Pinacoteca Civica de Cento en Ferrara, Italia, exhibe por primera vez una importante obra de Guercino. Se trata de Diana cazadora, un cuadro que el artista italiano, nacido en esta pequeña localidad de la región de Emilia Romagna, habría pintado en 1.658.

La obra es propiedad de la Fondazione Sorgente Group y estará en exhibición hasta el próximo 10 de julio. Forma parte de la exposición “Ospiti graditi n.7″, una iniciativa promovida por el Ayuntamiento de Cento que tiene como objetivo dar a conocer al público la obra y los hallazgos relacionados con Guercino.

Este proyecto es el resultado de un acuerdo de colaboración entre el Ayuntamiento de Cento y la Fondazione Sorgente Group, Istituzione per l’Arte e la Cultura, una fundación que ha tenido siempre un gran interés en la escuela boloñesa del siglo XVII y en particular por Guercino.

La exposición está dedicada a Denis Mahon, un gran experto británico en Guercino fallecido el pasado 27 de abril a la edad de 100 años.

Diana Cazadora (de 121 x 97 cm) formaba parte originalmente de un grupo de dos lienzos. El grupo representaba una escena en la que la diosa, pintada con una delicada sensualidad, interrumpe su actividad de caza en el bosque al ver a Endimión dormido. Este, representado como un hermoso pastor, figuraría en el segundo lienzo, ahora perdido. Una copia de estudio del segundo lienzo se exhibe en la Galería de los Uffizi de Florencia (Inv. n. 1461).

Guercino pintó esta obra en 1.658 por encargo del conde romano Fabio Carandini, un personaje destacado de una noble familia procedente de Módena que se había trasladado a Roma en 1608. El cuadro habría permanecido en Roma hasta la primera mitad del año 1.900. Más tarde fue adquirido por el arquitecto milanés Lino Invernizzi, formando después parte de una colección en Puglia (Apulia). Finalmente, la Fondazione Sorgente Group lo adquirió en una subasta en 2.009.


Fuente: Artdaily / latunicadeneso.wordpress.com
 




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Mensaje Re: GUERCINO 
 
Guercino en la Basílica della Ghiara



 0basilicadellaghiaraguercino

Crucifixion of Christ with Madonna and Saints Mary Magdalene, St. John and Saint Prosper at his fee, obra de Guercino.

El Tempio della Beata Vergine della Ghiara (Templo de la Santísima Virgen de Ghiara), también conocida como Basílica della Madonna della Ghiara es una iglesia en Reggio Emilia , al norte de Italia . El edificio es propiedad de la comuna (municipio) de la ciudad.

La iglesia fue construida en respuesta a un supuesto milagro asociado a una imagen local votiva de la Virgen , pintado por Lelio Orsi , que se había producido en el año 1596. El lugar pronto se convirtió en meta de peregrinaciones y, gracias a las ofrendas de los fieles, que era posible construir un nuevo templo en el que fue trasladado el fresco votivas.

La piedra fue colocada el 06 de junio 1597 por el obispo Claudio Rangone, en presencia del duque Alfonso II d'Este y la duquesa Margarita Gonzaga . Parte del antiguo convento y la iglesia fueron demolidos para dar paso a la nueva estructura. El plan era por el arquitecto local y escultor Francesco Pacchioni , quien también diseñó la cúpula y el interior estucos . La iglesia fue consagrada el 12 de mayo de 1619.


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Cúpula de la Basílica della Ghiara. Reggio Emilia. Italia

El plan de la iglesia está en la cruz griega, con, en el centro, una cúpula coronada por una linterna. Cuatro cúpulas más pequeñas, no visibles desde el exterior, se encuentran en el ángulo interior de la cruz.

La fachada tiene dóricas columnas en la parte inferior y jónicas columnas en el superior. Es construido de laterita , con incrustaciones de mármol blanco de Veronese. El portal central tiene un bajorrelieve de mármol representando la Vergine della Ghiara , (1642). Los portales laterales fueron ejecutadas en 1631.


 1_ghiara_altare_guercino_reggio_emilia

Crucifixion of Christ with Madonna and Saints Mary Magdalene, St. John and Saint Prosper at his fee, obra de Guercino. Altar de la città, la basílica della Ghiara, Reggio Emilia. Italia

El interior es de estilo renacentista tardío, con ricos ornamentos en oro, mármoles, así como grandes frescos de la Carracci escuela cubriendo las cúpulas y las bóvedas. Estas muestra historias de mujeres del Antiguo Testamento. El techo pintado por Alessandro Tiarini se considera su obra maestra. Los frescos de la cúpula están por Lionello Spada (1616). Otras obras en la iglesia son de Guercino y Giovanni Battista Magnani.


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Fachada de la Basílica della Ghiara. Reggio Emilia. Italia



Fuente: en.wikipedia.org
 




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Mensaje Re: GUERCINO 
 
Exposición de Guercino en el Palacio Barberini de Roma, se exhiben 36 de sus obras maestras


El bizco que pintaba como los ángeles


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Motivo central de 'La Virgen de la Ghiara con San Pedro' (1618). Obra de de Guercino

Cuenta la leyenda que cuando Francesco Barbieri era un bebé y estaba durmiendo plácidamente en su cuna, al cuidado de una nodriza, se produjo en la casa un accidente doméstico acompañado de un fuerte estruendo. El susto provocó que aquel niño nacido en 1591 sufriera una convulsión a causa de la cual el ojo derecho se le desvió, convirtiéndose en estrábico. A partir de aquel momento fue apodado así: Guercino (bizco, en italiano). Y es así como ese artista, uno de los grandes pintores del barroco italiano, ha pasado a nuestros días.


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'El matrimonio místico de Santa Caterina' (1614-15). Obra de de Guercino

El Palacio Barberini de Roma consagra ahora una exposición a Guercino que reúne 36 de sus obras maestras (17 de ellas prestadas por la Pinacoteca de Cento) y a través de las cuales es posible recorrer la dilatada carrera de este artista que comenzó a pintar siendo un niño, que no dejó de hacerlo hasta su muerte a los 75 años y que en durante sus más de 60 años de actividad se convirtió en el más prolífico de todos los artistas del barroco italiano.

Tan relevante y tan inmenso fue el talento del Guercino que hasta gigantes de la talla de Diego Velázquez no dudaron en visitar la pequeña Cento (su localidad natal, a 28 kilómetros de Bolonia) para poder estrechar la mano del eminente pintor, a quien su maestro, el artista Ludovico Carracci, no dudó en calificar de "monstruo de la naturaleza".

Con todos esos antecedentes no es de extrañar que cuando el boloñés Alessandro Ludovisi fue elegido Papa en 1621 con el nombre de Gregorio XV llamara a su muy admirado Guercino a Roma prara encargarle la decoración del Casino Ludovesi, el palacio de la familia. En el techo de la sala central del Casino Ludovesi Guercino pintó a la Aurora, representada por una joven diosa sobre un carro tirado por dos caballos que huye de la Noche.


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'Erminia y Tancredi' (1618). Obra de de Guercino

Resolutivo con los encargos. Y el salón noble del palacio lo decoró con frescos representando la Fama, el Honor y la Virtud. Guercino pasó en total dos años en Roma. Y si no pasó pasó más fue porque el Pontificado de su gran mecenas en la Ciudad Eterna, el Papa Gregorio XV, sólo duró dos años.

Pero, además, de su maestría, al Guercino hay que reconocerle también una gran prudencia como contable y gestor. Al menos eso es lo que asegura Fausto Gozzi, director de la Pinacoteca Cívica de Cento y comisario de esta exposición junto con Rosella Vodret.

"De sus libros de contabilidad emerge información de gran interés. Como que, por ejemplo, que entre la señal que cobraba antes de empezar una obra y el pago final pasaba al menos un año, en gran medida porque trabajaba hasta en 12 cuadros a la vez", subraya este especialista.


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'San Carlos Borromeo en oración' (1613-14). Obra de de Guercino

Los precios del Guercino variaban según la dificultad que exigiera el trabajo. Por un cuadro con una figura completa cobraba 100 ducatones, 50 por los retratos de medio cuerpo y 25 por los de sólo la cabeza.

"Los ingleses hacían largos viajes para acudir a comprarle", señala Gozzi. Pero Guercino también gustaba mucho en Roma. De hecho, y para conseguir encandilar a la ciudad eterna y a la corte papal, el artista no dudó en cambiar de estilo y en buscar una vía de en medio entre el 'caravaggismo' y la sugestión clásica. Gracias, en gran medida, a una paleta muy cromática encabezada por el azul lapislázuli (que, dado su elevado precio, se hacía pagar a parte).


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'Sibilla' (1620), otra obra de Guercino expuesta en el Palacio Barberini.

Pero la exposición que hasta el próximo 29 de abril se puede contemplar en el Palacio Barberini no es sólo un homenaje a Guercino, sino también al britanico Sir Denis Mahon, el coleccionista e historiador del arte responsable de haber popularizado entre el gran público a los genios del barroco italiano -desde Caravaggio a Guido Reni, pasando obviamente por Guercino- quienes, hasta que él los desempolvó, habían quedado incomprensiblemente relegados a criar telarañas en la sombra.

"Mahon trabajó con ahínco desde la década de los 30 hasta su muerte, centenario, en abril del año pasado, por dar a conocer a los grandes artistas italianos del siglo XVI", señala Rosella Vodret. "Esta muestra de hecho nace como un homenaje a sir Denis Mahon", admite.

La exposición de Guercino marca además la reapertura como salas de exposición de varias monumentales estancias del Palacio Barberini, que durante décadas habían albergado el Círculo de Oficiales del Ejército. Esas salas, que en total ocupan una superficie de unos 1.000 metros cuadrados, marcan el fin de la larga restauración del Palacio Barberini.


Fuente: elmundo.es
 




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Mensaje Re: GUERCINO (Giovan Francesco Barbieri) 
 
'De Caravaggio a Bernini', el esplendor del Seicento italiano en el Palacio Real de Madrid


Maestros italianos y españoles italianizados



- Patrimonio Nacional exhibe 72 obras maestras barrocas en Madrid hasta octubre

- La exposición recoge joyas como Salomé con cabeza del Bautista, de Caravaggio

- Una escultura única de Bernini y La túnica de San José, de Velázquez, piezas clave




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'Salomé con la cabeza del Bautista', de Caravaggio.


La muestra De Caravaggio a Bernini. Obras maestras del Seicento italiano en las Colecciones Reales reúne en las salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid 72 piezas entre pinturas y esculturas italianas del siglo XVII. “Italianas” no es exactamente cierto, salvo que se consideren italianos a Velázquez o Ribera, y a Charles le Brun o Fischer von Erlach… y en cierto modo lo son en este contexto y en su condición de viajeros embelesados por la Roma del XVII e influidos por el arte que allí se produjo.


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'La túnica de San José'. c. 1630-34. Obra de Diego Velázquez.

De hecho, una de las joyas de esta extraordinaria exposición compuesta exclusivamente por fondos de Patrimonio Nacional es La túnica de José, de Velázquez (1630-1634), óleo sobre lienzo supuestamente pintado por el maestro sevillano al volver de su primer viaje a Italia. Tanto este velázquez mayúsculo como la mayoría de las aquí expuestas en la sobria y brillante escenografía de Jesús Moreno han experimentado una suerte de renacimiento. Un renacer en forma de restauración que, en el caso concreto de La túnica de José, ha hecho reaparecer el paisaje semioculto y el emocionante contraste de luces y sombras sobre los dos personajes de la izquierda.


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'Cristo crucificado' (h. 1654-1656), de Bernini.

Este conjunto de piezas maestras del XVII abre sus puertas tras un largo, complejo y costoso proceso de restauración y catalogación en el que han tomado parte 46 restauradores y 20 expertos italianos, y que ha arrojado como resultado varias nuevas atribuciones.


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'Lot y sus hijas', 1617. Obra de Giovanni Francesco Barbieri (Guercino).

Entre ellas destacan las de Cristo muerto llorado por dos angeles de Le Brun, la de Santa Catalina de Guido Reni y, sobre todo, la de Conversión de Saulo o Conversión de San Pablo, también obra de Reni, que dormitaba como pintura anónima en la Casa de la Botica del Monasterio de El Escorial hasta que fue descubierta en 2013 por Gonzalo Redín, comisario de la exposición hoy inaugurada. Una exposición de fondos propios “impensable en otros grandes museos del mundo”, según el director de Colecciones Reales de Patrimonio Nacional, José Luis Díez. La muestra y el proceso previo de restauración y catalogación de obras ha contado con el mecenazgo de la Fundación Banco de Santander.


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'La conversión de Saulo' (h. 1621), de Guido Reni.

Una exposición ¿italiana? Desde luego, no hay más que acudir a la apabullante nómina de artistas. No solo Caravaggio y la Escuela Napolitana… no solo Bernini (su Cristo crucificado vale por sí solo el desplazamiento al Palacio Real) o Guido Reni… los Algardi, Luca Giordano, Antonio Raggi, Giambologna, Doménico Montini, Gargiulo, Andrea Vaccaro o Il Guercino, entre otros, conforman este vibrante conjunto de pinturas y esculturas del Barroco que vivirá hasta octubre en las salas del Palacio Real.


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La Fundación Banco Santander patrocina esta exposición organizada por Patrimonio Nacional y dedicada al Seicento italiano en las Colecciones Reales. La muestra incluye alrededor de setenta destacadas obras de la pintura y la escultura de este período, y ha ido acompañada de una importante campaña de restauración, ya que muchas de ellas se exhiben al público por primera vez.



elpais.com / rtve.es
 




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