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PARMIGIANINO (Francesco Mazzola)
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Mensaje PARMIGIANINO (Francesco Mazzola) 
 
Este trabajo está dedicado al pintor renacentista italiano a Francesco Mazzola (1503-1540), conocido por el sobrenombre de Parmigianino por su ciudad de origen, Parma. Fue un artista precoz, pues a los 19 años ya recibió su primer gran encargo, en la difícil técnica del fresco, para una iglesia de su Parma natal. Estuvo muy influido por las obras de Correggio de Rafael y de Miguel Ángel. Toda su vida huyó de diversos conflictos bélicos que cruzaron la geografía italiana. Esto hace que su obra se halle en diferentes ciudades, obra que se incluye dentro del Manierismo sofisticado y selecto. Sus pinturas más hermosas son las Madonnas estilizadas, casi deformadas en su esbeltez, quizá su obra más conocida sea la Madona del cuello largo.


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Parmigianino - Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parma, 11 de enero de 1503 - Casalmaggiore, cerca de Cremona, 24 de agosto de 1540), llamado il Parmigianino («el parmesanito») por su lugar de nacimiento y por su reducida estatura y aspecto grácil, fue un pintor italiano, uno de los máximos exponentes del manierismo.

Se formó en su ciudad con sus tíos Pier Ilario Filippo y Michele Mazzola, modestos pintores de provincia. Continuó su periodo de aprendizaje en contacto directo con Correggio que en ese momento trabajaba en los grandes ciclos de frescos de Parma.

Su primera obra es de 1519, El Bautismo de Cristo. Se dedica además a la decoración de algunas capillas del templo de San Juan Evangelista. Hacia 1523 trabaja en el tocador de Paola de Gonzaga en la Rocca de los Sanvitale en Fontanello, donde hace una recreación de la estancia de San Pablo de Correggio.

Instalado en Roma, en 1524, conoce la obra de Miguel Ángel y Rafael Sanzio, quienes le influirán decisivamente. En la ciudad se sabe que tomó parte en los encuentros y discusiones que tenían lugar en la casa de Paolo Valdambrini, secretario del Papa Clemente VII, a los que acudía Rosso Fiorentino, Perin del Vaga y Giulio Romano. Entre las obras de este periodo destaca La visión de San Jerónimo de 1525, Desposorios Místicos de Santa Margarita y el Retrato de Lorenzo Cybo, del mismo año.


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Parmigianino - La sibila de Tibur y el emperador Augusto, grabado diseñado por Parmigianino y grabado por Antonio da Trento.

Tras el Saqueo de Roma (1527), se instala en Bolonia. Allí encomienda a Antonio da Trento la reproducción de diseños suyos mediante xilografía de chiaroscuro, que imita las texturas de la acuarela; actualmente se conocen seis planchas, como Martirio de dos santos y La sibila tiburtina y el emperador Augusto. La relación entre el maestro y el grabador no hubo de terminar cordialmente, y éste huyó llevándose pertenencias del taller, según las crónicas.

Parmigianino retorna posteriormente a su ciudad natal, donde pasó los últimos años de su vida atormentado por los constantes requerimientos del capítulo de la iglesia de Steccata, que le apremiaba para que finalizase los frescos que le habían sido encargados en 1531.

Encarcelado a causa de las deudas, logró huir a Casalmaggiore. Allí mientras que trataba de resolver sus problemas mediante la alquimia, murió desesperado con sólo 37 años.


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Parmigianino - La Madona del cuello largo, 1535-1540, óleo sobre tabla, 214 x 133 cm, Galería de los Uffizi, Florencia.


Obra y estilo

La importancia de su obra supera ampliamente el hecho de contarse con pocas obras legadas. Entre ellas se encuentran La conversión de san Pablo de 1527 y el Autorretrato ante el espejo (ambos en el Kunsthistorisches Museum de Viena), La Virgen de la Rosa de 1529, La Virgen del cuello largo (hacia 1535; Galería de los Uffizi de Florencia), la Esclava turca y la Antea.


 0parmigianino_selfportrait_1540  Autorretrato de Parmigianino (1540).

Su obra y su personalidad se afirman en contacto con el primer manierismo toscano y, a través de las obras de los grandes maestros Rafael y Miguel Ángel, consiguiendo traducir en términos originales los modelos del Renacimiento con una orientación ya plenamente manierista. Para él la función del arte era trasmitir sensaciones exquisitas y excitantes, para lo cual tuvo que crear una necesaria artificiosidad. De Correggio asimilará el clasicismo, convirtiéndolo en manierismo, manteniendo el ilusionismo del primero pero traduciéndolo a modelos más decorativos y una mayor vitalidad de las formas.

En los Esponsales de Santa Catalina, de 1521, hay una rebuscada elegancia en las formas y una composición en la que todas la figuras giran alrededor del pedestal de la Virgen, este cuerpo geométrico se va a repetir deliberadamente en toda la composición, incluso el marco arquitectónico aparece con forma semicilíndrica.

La Visión de San Jerónimo, realizada tras su llegada a Roma y tras conocer las obras de Rafael y Miguel Ángel, es una obra que resume todas esta experiencias. La dimensión de sus personajes y su expansividad formal se inspiran en Miguel Ángel, pero la energía propia de este artista se reduce y se sustituye por la elegancia.

Hay grandiosidad en las apariencias y dignidad en la representación del tema, aunque parece haberse evaporado todo sentimiento específicamente cristiano. Esta representación ilustra la actitud de las creencias de la Roma de Clemente VII, virtualmente indiferente a los valores tradicionales de la devoción cristiana, para la cual los símbolos religiosos y el dogma solo poseían una dimensión estética.


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Parmigianino, autoritratto, 1530. Windsor.

En sus obras posteriores a su estancia en Roma, mantendrá el aire elegante y en ciertos momentos majestuoso, tendiendo cada vez más a una belleza abstracta y una gracia artificial.

Obras en España

El Museo del Prado posee tres obras suyas: una Sagrada Familia con ángeles que perteneció al escultor Pompeo Leoni, un pequeño busto de Santa Bárbara y el Retrato del conde de San Secondo. El retrato de su esposa se considera de inferior calidad, posible obra de ayudantes, si bien es muy curioso porque está acompañada de sus hijos.


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Parmigiano - Los Desposorios Místicos de Santa Margarita. Museo del Patrimonio Municipal de Málaga.

El Museo del Patrimonio Municipal de Málaga posee un cuadro de Los Desposorios Místicos de Santa Margarita, de atribución por confirmar, que fue donado en el siglo XIX por el británico B. Newbery al Hospital Noble de la misma ciudad.

Espero que esta recopilación que he realizado de este pintor extranjero sea de vuestro interés, y en lo posible contribuya en su divulgación.





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Statua in gesso del Parmigianino, di Cristoforo Marzaroli, presso il Liceo artistico Paolo Toschi di Parma.




Algunas obras

Parmigianino en el Museo del Prado

Parmigianino. Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parma, 1503-Casalmaggiore, 1540). Pintor, dibujante y grabador italiano, toma su sobrenombre de su ciudad natal. Su padre Filippo, que murió cuando él era pequeño, y dos de sus tíos eran pin­tores, pero la principal influencia temprana sobre su estilo fue la de ­Correggio. Parmigianino fue excepcionalmente precoz, y tenía solo dieciséis años cuando pintó su primer cuadro de altar, Bautismo de Cristo (Berlín). A continuación pintó frescos en San Juan Evangelista de Parma y una decoración al fresco con la historia de Diana y Acteón en la Rocca de Fontanellato, antes de trasladarse en 1524 a la Roma de Clemente VII. Allí obsequió al papa con tres obras: La Sagrada Familia con un ángel (Prado), Circuncisión (The Detroit Institute of Arts, Detroit) y Autorretrato en un espejo convexo (Kunsthistorisches Museum, Viena), y no tardó en verse aclamado como la reencarnación de Rafael. Clemente VII le encargó pintar al fresco las paredes de la Sala de los Pontífices del Vaticano, pero esa obra no se llegó a hacer. En su lugar, Parmigianino siguió pintando retratos -siempre una parte central de su producción-, empezó a suministrar diseños para grabados a buril y en camafeo, y quizá practicó el aguafuerte. En 1526 se le encargó un cuadro de altar para San Salvador en Lauro, Virgen con el Niño y los santos Juan Bautista y Jerónimo (National Gallery, Londres), y estaba trabajando en él cuando en 1527 se produjo el Saco de Roma; los soldados irrumpieron en su estudio y tuvo suerte de escapar con vida. Tras el Saco marchó a Bolonia, donde realizó cuadros de altar para San Petronio (San Roque con un donante) y Santa Margarita (La Virgen con el Niño y santos, Pinacoteca Nazionale di Bologna), nuevos retratos y pinturas religiosas de formato menor. También siguió experimentando en el medio gráfico, seguramente por inclinación espontánea, pues no en vano fue uno de los dibujantes más prodigiosos y fecundos de todo el renacimiento. Al parecer estaba de vuelta en Parma ya en 1530, y allí permaneció hasta el último año de su vida, dividiendo su tiempo entre el encargo de pintar la bóveda y el ábside de Santa María de la Empalizada, tarea de la que solo completó la primera parte con una magnífica decoración al fresco que muestra a las vírgenes prudentes y necias junto con las figuras en grisalla de Adán y Eva, Moisés y Aarón, y el cuadro de altar que se conoce como La Virgen del cuello largo (Galleria ­degli Uffizi, Florencia), que no llegó a terminar. En esas y otras obras de la misma década, como el Cupido (Kunsthistorisches Museum, Viena) y el llamado Retrato de Antea (Museo Nazionale di Capodimonte, Nápoles), se manifiestan el extraordinario alargamiento de la figura humana y la refinada ejecución que caracterizan su última manera. En 1539 huyó de Parma estando en libertad bajo fianza y fijó su residencia en la vecina Casalmaggiore (perteneciente a la jurisdicción de Cremona), donde pintó un cuadro de altar de La Virgen con el Niño, los santos Esteban y Juan Bautista y un donante (Staatliche Kunstsammlungen, Dresde) y una Lucrecia (Museo Nazionale di Capodimonte, Nápoles). Cuenta Vasari que su obsesión por la alquimia transformó al agraciado joven del temprano Autorretrato en un salvaje barbudo, pero estas obras finales no dan el menor indicio de que su autor hubiera enloquecido.


Obras

    - Pedro Maria Rossi, o Roscio, conde de San Segundo, óleo sobre tabla, 133 x 98 cm, 1533-1535 [P279].
    - Camilla Gonzaga, condesa de San Segundo, y sus hijos, óleo sobre tabla, 128 x 97 cm, h. 1533-1535 [P280].
    - Cupido, óleo sobre tabla, 148 x 65 cm [P281]. Copia.
    - Santa Bárbara, óleo sobre tabla, 48 x 39 cm, h. 1522-1523 [P282].
    - La Sagrada Familia con un ángel, óleo sobre tabla, 110 x 89 cm, h. 1524 [P283].
    - Cabeza de hombre con barba, sanguina sobre papel crema, 90 x 65 mm [D1740]. Atribuido.
    - Circe, pluma y tinta parda sobre papel, 125 x 77 mm [D1755]. Atribuido.


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Pedro Maria Rossi, o Roscio, conde de San Segundo, 1533-1535, óleo sobre tabla, 133 x 98 cm. Museo del Prado. Obra de Parmigianino.

Retrato del conde de San Segundo delante de un cortinaje. La composición, serena y equilibrada, está marcada por el hieratismo del personaje, la riqueza del paño dorado, inspirado en el Retrato de Julio II de Rafael, y por el paisaje que se abre en el lateral derecho con edificios clásicos y libros apoyados en el alfeizar de la ventana.

La sofisticación del manierismo de Parmigianino queda especialmente patente en las figuras del Conde y de la estatua del dios clásico (posiblemente Perseo o Marte) situado a la derecha, que se alargan alejándose de las proporciones lógicas.

Pedro Maria Rossi (1504-1547) fue un brillante militar que sirvió a Francisco I de Francia, Cosme I de Medici y Carlos V (1500-1558). El retrato se pintó cuando militaba en el bando imperial, lo que explica la presencia de la palabra “IMPERIO” sobre uno de los libros, y la cantidad de citas clásicas.

Esta obra perteneció a la colección del marqués de Serra. En 1664 fue adquirida por el conde de Peñaranda para Felipe IV (1605-1665), apareciendo en el inventario de 1686 en el Alcázar de Madrid y en el de 1772 de El Buen Retiro.

Probablemente sea pareja del retrato del mismo artista Camilla Gonzaga, condesa de San Segundo, y sus hijos (P00280), aunque en los inventarios aparezcan desparejados.


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Camilla Gonzaga, condesa de San Segundo, y sus hijos, h. 1533-1535, óleo sobre tabla, 128 x 97 cm. Museo del Prado. Obra de Parmigianino.

Retrato de Camilla Gonzaga, casada en 1523 con el conde de San Segundo, y tres de los seis hijos del matrimonio, posiblemente Troilo, Hipólito y Federico.

Esta obra es seguramente pareja del cuadro del mismo artista de Pedro María Rossi, conde de San Segundo (P00279), aunque aparezcan desparejados en los inventarios.

El retrato de la Condesa y sus hijos es considerado de inferior calidad al de su esposo, y su frialdad ha sido achacada a la posible intervención del taller. Sin embargo, cabe destacar el gran interés iconográfico de su composición, siendo la primera vez que se muestra en Italia a una mujer rodeada de sus hijos a modo de la Caridad clásica, como sólo había hecho anteriormente Hans Holbein.

Parmigianino fue uno de los máximos representantes del Manierismo italiano, caracterizándose especialmente por el extremado alargamiento de sus figuras que aparecían sofisticadas y selectas. Aunque nació en Parma, ciudad de la cual recibe su sobrenombre, los conflictos bélicos que golpearon Italia en el siglo XVI le obligaron a viajar y a trabajar por gran parte del país, llegando incluso a ser hecho prisionero en Roma durante el saqueo de las tropas de Carlos V (1500-1558).

Esta obra perteneció a la colección del marqués de Serra. En 1664 fue adquirida por el conde de Peñaranda para Felipe IV (1605-1665), apareciendo en el inventario de 1686 en el Alcázar de Madrid y en el de 1772 de El Buen Retiro.


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Cupido, óleo sobre tabla, 148 x 65 cm. Copia. Museo del Prado. Obra de Parmigianino.


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Santa Bárbara, h. 1522-1523, óleo sobre tabla, 48 x 39 cm. Museo del Prado. Obra de Parmigianino.

Retrato de Santa Bárbara de perfil sobre fondo negro, sujetando una torre, su símbolo, entre las manos.

Santa Bárbara, mártir cristiana del siglo III, fue encerrada en una torre y posteriormente decapitada por su padre Dióscoro como castigo por no querer casarse ni profesar el paganismo. Aunque suele representarse acompañada también de una espada y de la palma del martirio, en esta imagen el artista nos muestra a la santa casi desprovista de símbolos y vestida a la moda del siglo XVI.

Este cuadro es un ejemplo de la influencia del clasicismo de Correggio en la pintura de Parmigianino a partir de 1520, momento en el que ese llegó a Parma. Por tratarse de una obra temprana, se pueden observar diversos fallos en el dibujo de detalles anatómicos.

La pintura se cita en 1662 en la colección Muselli de Verona y en el Palacio de la Granja de San Ildefonso en 1746.


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La Sagrada Familia con un ángel, h. 1524, óleo sobre tabla, 110 x 89 cm. Museo del Prado. Obra de Parmigianino.


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Cabeza de hombre con barba. Primer tercio del siglo XVI, sanguina sobre papel crema, 90 x 65 mm. Museo del Prado. Obra atribuida a Parmigianino.

Catalogado tradicionalmente en la colección como de Miguel Ángel (1475-1564). Esta identificación del dibujo parece remontarse al siglo XVIII, cuando al parecer la familia florentina Martelli lo conservó junto con los dibujos que poseían de Miguel Ángel y su círculo. Según los antiguos números de inventario de Martelli, la hoja con estudios a sanguina atribuidos al discípulo de Miguel Ángel, Antonio Mini (D01736), precedía inmediatamente al presente dibujo en la colección.

Aunque este estudio es pequeño, es perfectamente compatible con el estilo de la primera etapa de Parmigianino, y por eso se cataloga como de este pintor. Si efectivamente la obra es de Parmigianino, el dibujo del Museo del Prado habría sido realizado muy al principio de la carrera del artista, cuando todavía era muy fuerte la influencia de Correggio (ca. 1489-1534). En el Ashmolean Museum de Oxford, se conserva un dibujo de Parmigianino según Correggio que proporciona una comparación especialmente buena en apoyo de la presente atribución.


Circe. Primera mitad del siglo XVI, pluma y tinta parda sobre papel, 125 x 77 mm. Museo del Prado. Obra atribuida a Parmigianino.

Identificado tradicionalmente como obra de Parmigianino, el dibujo, que se creía perdido, se conocía a través de una reproducción al aguafuerte -junto a otros dibujo que por entonces se creían de Parmigianino- realizada a comienzos del siglo XVIII por el escritor y amateur francés conde de Caylus. En la estampa de Caylus, la figura aparece invertida.

Este estudio de Circe está relacionado con la conocida composición de Parmigianino Circe y los compañeros de Ulises, fechable a mediados de la década de 1520, cuyo grabado en madera realizado mediante la técnica del claroscuro fue publicado poco después. En la obra terminada, la tentadora mujer bebe seductoramente su poción ante los atemorizados camaradas de Ulises, en lo que parece ser un gesto más sutil e invitador que la mano que señala en el dibujo del Museo del Prado.



Otras obras


 0autorretrato_ante_el_espejo_kunsthistorisches_museum_de_viena
    
Autorretrato ante el espejo o Autorretrato en espejo convexo. Parmigianino. 1524 h. Kunsthistorisches Museum de Viena. Características: Óleo sobre tabla. Parmigianino llegó muy joven a Roma procedente de Parma, donde se había formado tomando como modelos las obras de Correggio. A su llegada a la Ciudad Eterna mostrará este curioso autorretrato como tarjeta de presentación, demostrando con él su habilidad. A los veinte años exhibe su interés hacia las deformaciones obtenidas a través de lentes, que más tarde culminará con la Madonna del largo cuello...


 000autorretrato_ante_el_espejo_kunsthistorisches_museum_de_viena

... En primer plano está la enorme mano del artista para mostrar después su joven rostro recortado ante un fondo de habitación, presente en la ventana curva que se contempla en la izquierda debido al efecto distorsionador del espejo convexo. La pincelada empleada por Francesco es rápida y abocetada, creando un efecto atmosférico que recuerda a Correggio. Los escorzos serán una de las principales atracciones del artista y fueron tomados de los círculos manieristas que frecuentó durante su estancia en la Corte del papa Clemente VII.



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Madonna de largo cuello. Parmigianino. 1535-1540, óleo sobre tabla, 214 x 133 cm, Galería de los Uffizi, Florencia, Italia. Esta magnífica Virgen con Niño, ángeles y san Jerónimo - más conocida como la Madonna del largo cuello - es la obra más interesante de la producción del Parmigianino ya que recoge su manera de entender el Manierismo y resume su lenguaje pictórico, en el que emplea figuras alargadas al máximo debido al empleo de lentes aberrantes y lleva la anatomía al extremo de la verosimilitud.


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Parmigianino Madonna Long Neck - Detail

Estas imágenes serán admiradas por El Greco, como fuente de sus figuras estilizadas. La figura de María sujeta en su regazo a un estilizado Niño Jesús, que llega incluso a la deformidad, mientras los ángeles que contemplan la escena muestran un canon similar. La figura de la Virgen es más elegante y en ella destaca su alargada mano de finísimos dedos. El fondo parece sacado de una obra surrealista: una columna aislada a cuyos pies contemplamos a san Jerónimo, quien lleva en sus manos la traducción de las Sagradas Escrituras. La iluminación crea contrastes que refuerzan el volumen de los personajes, empleando la "técnica de los paños mojados" que pega las telas al cuerpo para mostrar su anatomía. El resultado es una elegante composición donde podemos encontrar algún elemento simbólico que ha permanecido oculto hasta hoy día.


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La Madona del cuello largo (detalle) de Parmigianino. 1535-1540, óleo sobre tabla, 214 x 133 cm, Galería de los Uffizi, Florencia. En el segundo escalón de la columnata está inscrito «Fato praeventus F. Mazzoli parmensis absolvere nequivit». Según el crítico Herbet Horne: No hay excelente belleza sin algo extraño y anormal en la forma.

Se trata de una Virgen con Niño, acompañados por ángeles. La pintura está inacabada debido a la muerte de Parmigianino en 1540. La Virgen se sienta en un alto pedestal y la envuelven ropas lujosas; sostiene en su regazo un Niño Jesús bastante grande. A su derecha son visibles seis ángeles que se agrupan en torno a la Virgen y que adoran a Cristo. El rostro inacabado del ángel en la parte inferior derecha (desde la perspectiva del espectador) puede verse más claramente en reproducciones recientes posteriores a la restauración de la pintura. Además, el ángel en el medio de la fila inferior actualmente mira al jarro que sostiene el ángel de su derecha, en el que puede verse la imagen de una cruz. Antes de la restauración, este ángel miraba hacia abajo, hacia el Niño Jesús. Los cambios que se realizaron durante la restauración probablemente reflejan la pintura original, que debe haberse alterado en algún momento de su historia. A la izquierda de la Virgen hay una escena enigmática, con una fila de columnas de mármol y la figura extremadamente delgada de san Jerónimo. El comitente había exigido una representación de san Jerónimo debido a la conexión del santo con la veneración a la Virgen María. La pintura recibe popularmente el nombre de «Virgen del cuello largo», debido a que «el pintor, en su impaciencia por hacer que la Virgen pareciera graciosa y elegante, le ha proporcionado un largo cuello, como el de un cisne». E. H. Gombrich analiza la composición, indicando que agrupa a varios ángeles a un lado, mientras que al otro está un espacio abierto con la figura del santo, con lo que se refleja la pretensión del pintor de ser poco ortodoxo. Esta composición se aparta de la solución clásica de perfecta armonía y equilibrio.

Parmigianino, perteneciente a la escuela manierista distorsiona la naturaleza para conseguir sus mejores propósitos artísticos. La Virgen no tiene proporciones humanas, con dedos largos y elegantes; y casi tiene el doble del tamaño de los ángeles que hay a su derecha.3 Es de interés el pie derecho de la Virgen: descansa en cojines que parecen estar sólo a unos centímetros del plano pictórico, pero el pie en sí parece proyectarse más allá de él, y está por lo tanto en «nuestro» lado del lienzo, rompiendo las convenciones de un cuadro enmarcado. Jesús es también extremadamente grande para ser un bebé, y descansa precariamente sobre el regazo de María como si fuera a caerse en cualquier momento.


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Matrimonio místico de Santa Catalina (The Mystic Marriage of Saint Catherine). Parmigianino. 1527-31. National Gallery de Londres. Oleo sobre lienzo. Entre los manieristas destaca la figura del Parmigianino. Sus figuras son heredadas de Correggio, Rafael y Pordenone, estilizándolas a través del empleo de lentes en algunas ocasiones lo que provoca que sus cuellos y sus manos sean muy largos, como podemos contemplar en esta bella imagen protagonizada por la Virgen que sujeta al Niño Jesús en su regazo y Santa Catalina que recibe el anillo de Cristo. La inmensa rueda situada en primer plano y la cabeza de San José nos introducen en la escena, creando un sensacional efecto de perspectiva al colocar al fondo un espejo donde se refleja el asunto que contemplamos. Una gruesa cortina verdosa y un óculo cierran el espacio por la zona superior del lienzo. La sensación atmosférica creada es magnífica, distorsionando los contornos y creando un ambiente espiritual de admirable belleza en sintonía con los rostros de los protagonistas. El colorido - verdes, amarillos y rojos - servirá a El Greco como fuente al igual que el alargamiento excesivo de los miembros. La Leyenda Dorada nos cuenta que Santa Catalina - joven de estirpe real perseguida por el emperador Majencio que la martirizó con una rueda y la decapitó tras intentar que cincuenta filósofos la hicieran abdicar de su fe - tuvo la aparición en sueños de la Virgen con el Niño en brazos, quien se negó a tomarla como sierva tras afirmar que no era lo suficientemente bella. La santa interpretó el sueño como falta de fe por lo que se retiró al desierto para aprender con un ermitaño, haciéndose bautizar. En una segunda aparición consiguió convertirse en la esposa de Cristo, sellando la alianza con un anillo. Éste es el momento que recoge Parmigianino en la admirable composición.


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Visión de San Jerónimo. Parmigianino. 1526-27. National Gallery de Londres. Oleo sobre tabla. Mientras trabajaba Parmigianino en la elaboración de esta obra en Roma, la ciudad fue tomada por las tropas del emperador Carlos V, teniendo lugar el famoso Saqueo de Roma, uno de los episodios más destacados del siglo XVI. El pintor fue capturado pero consiguió escapar a Bolonia, donde permaneció por un periodo de casi tres años, regresando en 1530 a su Parma natal. Esta estancia romana será de gran utilidad para Francesco ya que ampliará sus influencias iniciales - tomadas de Correggio - con la admiración de las obras de Pordenone y Rafael, contactando con los círculos manieristas por el interés que tenía hacia los escorzos y el empleo de un colorido diferente al de los grandes maestros del Cinquecento, más vivo y brillante.


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Detalle 'Visión de San Jerónimo', de Parmigianino. 1526-27

Durante la estancia de san Jerónimo en el desierto como anacoreta tuvo una importante serie de visiones en las que se le aparecía la Virgen María acompañada del Niño Jesús. La escena es presentada por san Juan Bautista en una postura totalmente escorzada mientras que san Jerónimo se encuentra en segundo plano, situado en profundidad, acompañado de su capello cardenalicio y cubierto con un manto rojo. En la parte superior de la tabla se hayan María y el Niño, dos figuras amplias y escultóricas que recuerdan a Miguel Ángel. El Niño está totalmente desnudo mientras la Virgen muestra los paños pegados a su cuerpo en un perfecto estudio anatómico. La luz que irradia de las figuras divinas y la iluminación procedente de la derecha crean un clima de especial sensibilidad, que resalta la expresividad del rostro de san Juan.


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Detalle 'Visión de San Jerónimo', de Parmigianino. 1526-27



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Antea. Parmigianino. 1524-1535. Óleo sobre lienzo, 136 x 86 cm. Pinacoteca de Capodimonte. Nápoles. Italia. Poco después de llegar a Roma, Parmigianino realizará este bello y elegante retrato femenino, identificado como Antea, en el que destaca la soberbia elaboración de los detalles de las telas, mostrando las diferentes calidades con una delicada ejecución técnica. Su rostro es poco expresivo y oculta cierta tensión en su gesto. La joven se recorta ante un fondo neutro que resalta su volumetría, ilumina la figura con un potente foco de luz procedente de la izquierda, que resalta los brillos de las telas. La minuciosidad casi miniaturística se pone de manifiesto en los bordados y encajes de la falda, de modo que se obtienen efectos casi fotográficos.


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La esclava turca, 1530. Galería Nacional de Parma. Obra de Parmigianino


 47parmigianino_ritratto_maschile_uffizi

Ritratto maschile, c. 1520-30. Obra de Parmigianino


 48parmigianino_uomo_su_sfondo_verde

Uomo su sfondo verde, c. 1520-30. Obra de Parmigianino


 50parmigianino_ritratto_di_giovane_hampoton_court

Ritratto di giovane hampoton court, c. 1520-30. Obra de Parmigianino


 51ritratto_del_signor_giovan_battista_castaldi_parmigianino_022

Ritratto del Signor Giovan Battista Castaldi. Obra de Parmigianino


 49parmigianino_portrait_of_francesco_mazzola

Portrait of Francesco Mazzola. Obra de Parmigianino


 14parmigianino_011

Uomo che sospede la lettura, c. 1525-26. Kunsthistorisches Museum, Viena. Obra de Parmigianino


 15condottiere_malatesta_baglione_parmigianino_015

Condottiere Malatesta Baglione?, c. 1527-28. Kunsthistorisches Museum, Viena. Obra de Parmigianino


 15parmigianino_013

Ritratto di costanza rangoni, c. 1520-30. Kunsthistorisches Museum, Viena. Obra de Parmigianino


 34parmigianino_portrait_of_lorenzo_cybo_google_art_project

Portrait of Lorenzo Cybo, c. 1523. Obra de Parmigianino


 43_parmigianino_the_mystic_marriage_of_st_catherine_wga17038

Mystic Marriage of Saint Catherine, Louvre Museum. Obra de Parmigianino


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Obra de Parmigianino. Kunsthistorisches Museum, Viena


 17the_conversion_of_st_paul

The Conversion of St Paul, c. 1527-28. Kunsthistorisches Museum, Viena. Obra de Parmigianino


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Baptism of Christ by Parmigianino


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 24_parmigianino_affreschi_di_fontanellato_04

Diana and Actaeon frescos by Parmigianino


 56parmigianino_david_11

David, c. 1520-23. Santa Maria della Steccata (Parma) - Paintings by Parmigianino


 57parmigianino_santa_cecilia_11

Santa Cecilia, c. 1520-23. Santa Maria della Steccata (Parma) - Paintings by Parmigianino


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Three Foolish Virgins Flanked by Adam and Eve. Santa Maria della Steccata (Parma) - Frescos by Parmigianino


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Santa Maria della Steccata. Santa Maria della Steccata (Parma) - Frescos by Parmigianino


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Santa Maria della Steccata (Parma) - Frescos by Parmigianino


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Sant'agata e il carnefice. Frescos 1522 by Parmigianino in San Giovanni Evangelista (Parma)


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San Vitale. Frescos 1522 by Parmigianino in San Giovanni Evangelista (Parma)


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Putto. Frescos 1522 by Parmigianino in San Giovanni Evangelista (Parma)


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Sante Apollonia e Lucia. Frescos 1522 by Parmigianino in San Giovanni Evangelista (Parma)


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Santi Stefano e Lorenzo. Frescos 1522 by Parmigianino in San Giovanni Evangelista (Parma)


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Portrait of Francesco Mazzola by Parmigianino


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Los Desposorios Místicos de Santa Margarita, 1520-22. Museo del Patrimonio Municipal de Málaga. Obra de Parmigianino


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The Entombment of Christ, c. 1526. Obra de Parmigianino


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Pallas Athene, c. 1539. Obra de Parmigianino


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The Madonna and Child, c. 1527-30. Obra de Parmigianino


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Madonna and Child, c. 1525. Obra de Parmigianino


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Virgin and Child with an Angel, c. 1523. Obra de Parmigianino


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Madonna Vasari, c. 1520-30. Obra de Parmigianino


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Madonna col bambino e un certosino. Obra de Parmigianino


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Sacra famiglia con san Giovannino, c. 1524-27. Obra de Parmigianino


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Madonna of the Rose, c. 1528-30


 46pala_di_casalmaggiore_parmigianino

Pala di Casalmaggiore, c. 1539-40. Obra de Parmigianino


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The Holy Family. Obra de Parmigianino

Madonnas by Parmigianino


 26wenceslas_hollar_infant_hercules_asleep_after_parmegiano_state_2

Wenceslas Hollar - Infant Hercules asleep, after Parmegiano (State 2)

Engravings after Parmigianino


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Incoronazione della vergine, 1530

Ver 26 dibujos de Parmigianino


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Estatua de Parmigianino. Parma. Italia.



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al pintor renacentista italiano a Francesco Mazzola (1503-1540), conocido por el sobrenombre de Parmigianino por su ciudad de origen, Parma. Fue un artista precoz, pues a los 19 años ya recibió su primer gran encargo, en la difícil técnica del fresco, para una iglesia de su Parma natal. Estuvo muy influido por las obras de Correggio de Rafael y de Miguel Ángel. Toda su vida huyó de diversos conflictos bélicos que cruzaron la geografía italiana. Esto hace que su obra se halle en diferentes ciudades, obra que se incluye dentro del Manierismo sofisticado y selecto. Sus pinturas más hermosas son las Madonnas estilizadas, casi deformadas en su esbeltez, quizá su obra más conocida sea la Madona del cuello largo.


Fuentes y agradecimientos a: museodelprado.es, es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, wga.hu, artcyclopedia.com, pintura.aut.org, flickr.com, artehistoria.com, biografiasyvidas.com y otras de Internet.
 




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última edición por j.luis el Viernes, 12 Junio 2015, 23:46; editado 3 veces 
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Mensaje Re: PARMIGIANINO (Francesco Mazzola) 
 
Gracias J.Luis me gusta la obra de este pintor.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: PARMIGIANINO (Francesco Mazzola) 
 
Gracias xerbar, otro gran pintor italiano que ya tenemos representado en nuestra galería. Este pintor es de los importantes, pero Permigianino vivió una época en la que tuvo una fezoz competencia.




 

Saludos.
 




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