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ANTONELLO DA MESSINA
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Este trabajo está dedicado al pintor siciliano: Antonello da Messina. Se formó en el taller napolitano de Niccoló Colantonio. Posteriormente trabajó en Milán para los Sforza, más tarde en el taller de Jacopo Bellini coincidiendo con sus hijos Giovanni y Gentile. También se cree que con anterioridad pudo ser discípulo de Van Eyck y que de ahí le viniese la influencia flamenca; sin embargo, no consta que Messina viajara por Flandes o los Países Bajos.

Antonello da Messina, fue un caso atípico; era frecuente durante el siglo XV que los artistas flamencos adoptaran las novedades de los renacentistas italianos; lo que no era tan usual es que un pintor del Quattrocento adoptara las novedades flamencas. Esto es lo que Messina hizo, realizando una perfecta síntesis entre lo nórdico y lo mediterráneo, de tal manera que causó hondo impacto en otros pintores del sur italiano, y también de Venecia, puesto que viajó al taller de Bellini en aquella ciudad. Resulta sorprendente la adaptación que Messina hizo de las teorías empíricas del espacio, propias de los flamencos, disponiendo de las mediciones matemáticas de los quattrocentistas.

Antonello da Messina - Antonello di Giovanni d'Antonio, llamado Antonello da Messina. (Hacia 1430 en las inmediaciones de Mesina-1479 en Mesina). Pintor italiano nativo de Sicilia considerado como uno de los introductores de las técnicas pictóricas con óleo en Italia.

Antonello da Messina. Integrante de una familia del gremio de artesanos cinceladores (mazoni), muy tempranamente evolucionó hacia las bellas artes, destacándose como el pintor que reúne la cultura luminística atmosférica de los pintores flamencos con la cultura monumental-perspectivista italiana.

Se inicia con los modelos locales. Se atribuye a Antonello la Annunciata -o Virgen de la Anunciación- cuyo modelo parece haber sido su vecina y amiga de la infancia: santa Eustochia Smeralda Calafato, de la cual habría estado enamorado.

Entre 1445-1446 realiza su aprendizaje más sistemático con Colantonio en Nápoles, tal aprendizaje con Colantonio es atestiguado por una carta que Pietro Summonte envía a Marcantonio Michiel en 1524. De esta primera época es el influjo -aún prerrenacentista- que recibe de la escuela llamada "ibérico-provenzal", caracterizada por la importancia de la luz y la diafanidad.

Hacia 1450 se supone que trabaja en Milán para los Sforza, tal hipótesis es casi una certeza ya que en las actas de los Sforza figuran como pintores contratados "Antonellus Sicilianus" y "Peter Brugensis"; el segundo es Petrus Christus del cual se tiene perfecta constancia respecto a su estancia en Milán y, más aún, del influjo que recibiera de Antonello da Messina. En la obra de Antonello da Messina una de las cuestiones que más llaman la atención son sus finos trabajos al óleo sobre tabla, con -muchas veces- un detallismo y un rigor típicos de los Primitivos Flamencos, es así que sus estudios de la vegetación recuerdan a los de Jan van Eyck y a Roger van der Weyden, esta misma influencia flamenca se percibe en la armonía de tonos y la delicadeza con que representa rostros de muy definidos rasgos.

A partir de 1460 su pintura se vuelve decididamente más italiana y plenamente renacentista, ya que comienza a usar la perspectiva y dar más énfasis al claroscuro, es en tal período que se nota influido por Piero della Francesca, influjo que le dota de un profundo entendimiento del sentido del espacio, de modo que las figuras que representa se destacan por sus volúmenes nítidos llegando así a una logradísima síntesis del "particularismo" y detallismo flamenco y los pierfrancescanos planteos espaciales, tal cual se nota en La Virgen y El Niño. En 1475 es ya célebre como maestro en toda Italia, siendo contratado en Venecia, ciudad donde realiza su gran Retablo de san Casiano, allí en Venecia es un precursor de la llamada "Escuela tonal véneta". Sintiéndose enfermo regresa a Mesina en donde efectúa sus últimos trabajos "mal de cuerpo aunque sano de alma", falleciendo en 1479.

Caracteriza a toda su obra una gran sencillez aunada con un extraordinario talento para crear formas puras hasta transfigurar la realidad tal como se percibe en La Virgen y El Niño, aunque más interesante es su coloratura llena de luz, una luz que une delicadamente a los colores y da extraordinaria claridad a gran parte de sus cuadros. En sus numerosos retratos (que incluyen autorretratos) se destaca un gran rigor formal y -sobre todo- una gran penetración psicológica.

Aprecio especial merece su Virgen de la Anunciación, guardada en el Museo de "Palazzo Abatellis", en Palermo; en primer lugar llaman la atención la disposición de las manos de la Virgen, como en un plano de perspectiva distinto del conjunto, así las manos aparecen como adelantadas y suspendidas.

El rostro de la Virgen está representado de tal manera que se elude una idealización de carácter místico, es el rostro de una bella siciliana real, tal realismo es obtenido casi imperceptiblemente con pequeños detalles (por ejemplo, el pliegue del velo que cubre a la virgen, es un pliegue como de pieza de lencería recién sacada de un cofre). Tal mujer se destaca por la piel contrastando con el velo azul, y, a su vez, el velo azul se destaca "sobre" un fondo absolutamente obscuro. Dándonos una atmósfera recoleta e íntima.

Bien ha dicho en 1915 el crítico italiano Adolfo Venturi de Antonello da Messina:

"Clásico sin haber estudiado a los clásicos, minucioso, exacto como un maestro flamenco, luminoso como Piero della Francesca"...

Sus influjos directos se observan en la obra del ya citado Petrus Christus, así como en las de Lorenzo Lotto, Zanetto Bugatto, Pier Maria Pennacchi y Giovanni Bellini.

Algunas de las principales obras de Antonello da Messina:

- Autorretrato (1473)
- San Jerónimo en su lectorium (1474)
- La Anunciación (1474)
- Crucifixión (1474)
- Virgen de la Anunciación (1475)
- Retrato de hombre, (h. 1475), National Gallery de Londres.
- San Sebastián(1476)
- Retablo de san Casiano(1476)
- Cristo muerto sostenido por un ángel (h. 1479), Museo del Prado.

Espero que os guste la recopilación que he realizado de su obra.






Algunas obras


Antonello da Messina en el Museo del Prado





Antonello da Messina (Messina, h. 1430-1479). Pintor italiano, el más importante renacentista del sur de Italia, famoso por el fuerte carácter flamenco de su estilo y especialmente por su dominio precoz de la técnica flamenca de pintura al óleo. Es probable que se formara en Nápoles con Niccolò Colantonio, muy influido a su vez por el gusto por la cultura ­neerlandesa que impulsaron las dinas­tías de Anjou y Aragón. Aparte de eso, apenas hay noticia sobre la vida y la carrera tempranas de Antonello. Está documentado por vez primera en 1457, en relación con un encargo para Reggio Calabria. Los documentos le sitúan en su Messina natal entre 1461 y 1465, y nuevamente entre 1471 y 1474, pero las lagunas que abundan en su biografía dejan abierta la posibilidad de que hiciera visitas prolongadas a la Italia continental, donde podría haber conocido la obra de maestros centroitalianos, como Piero della Francesca, y adquirido un mane­jo más refinado de la técnica eyckiana de veladuras que el que pudo aprender de Colantonio. Su visita documentada a Venecia en 1475-1476 tuvo gran repercusión en la evolución de la pintura en esa ciudad. A juzgar por la relativa abundancia de obras documentadas o fechadas en esa etapa, debió de ser muy solicitado en Venecia como pintor de cuadros de altar, retratos e imágenes devotas de uso privado. Vuelto a Messina, en los tres últimos años de su vida parece haber seguido trabajando para clientes ­venecianos. Una de esas obras pro­bablemente tardías, San Sebastián (Gemäldegalerie, Dresde), es un ejem­plo perfecto de su estilo maduro por la armoniosa síntesis de las tradiciones pictóricas italiana y neerlandesa. Netamente italiana es la relación entre el volumen y el ­espacio, con la grandiosa figura columnar del santo colocada en el ­espacio geométricamente articulado de una piazza; pero la sutileza de las transiciones tonales y los chis­peantes efectos de luz muestran una deuda no menos evidente con la pintura flamenca, como marcadamente flamencos son también los minúsculos detalles e incidentes de género del fondo. Esas cualidades se aprecian aún mejor en la obra más eyckiana de Antonello, San Jerónimo en su estudio (National ­Gallery, Londres). Pero la crítica sigue estando dividida sobre si San Jerónimo es una obra anterior, pintada en Sicilia hacia 1465, antes de que el artista dominase plenamente las reglas florentinas de la perspectiva matemática y el escorzo, o si está próxima en el tiempo a San Sebastián y se hizo en un estilo deliberadamente eyckiano debido a su pequeño formato y el uso íntimo al que iba destinada. A pesar de los estrechos lazos dinásticos existentes entre los reinos de Nápoles y España, no consta que ninguna obra de Antonello llegara a formar parte de las colecciones reales españolas. Algunas, sin embargo, parecen haber entrado pronto en la Península Ibérica, entre ellas Cristo atado a la columna (Musée du Louvre, París) y Cristo muerto, sostenido por un ángel, que no fue adquirido por el Prado hasta 1965.


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Cristo muerto, sostenido por un ángel. 1475-76. Técnica mixta sobre tabla. 74 x 51 cm. Museo del Prado. Obra de de Antonello da Messina

Formado en Nápoles, la ciudad italiana donde mayor era la influencia de la pintura flamenca, Antonello trabajó después en Sicilia y la Italia continental. En 1475 viajó a Venecia, y aunque esta obra fue pintada a su vuelta a Messina, la ciudad que se vislumbra al fondo, es incomprensible sin Giovanni Bellini, autor de versiones del tema de la Piedad que proporcionaron a Antonello un referente compositivo (ubicación de Cristo en primer plano) e iconográfico (inclusión de ángeles).

En la pintura de Antonello, de gran virtuosismo técnico, convive una caligrafía minuciosa de origen nórdico, perceptible en el paisaje o el cabello de Cristo, con un tratamiento monumental de la anatomía y una preocupación por el volumen y la perspectiva claramente meridionales.


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Cristo muerto sostenido por un ánge, es una de las pinturas más relevantes de la última etapa de Antonello da Messina (1430-1479).

La pintura se fecha hacia 1470 y algunos expertos creen que Antonello la terminó con ayuda de su hijo Jacobello. Hacia 1965, la obra fue localizada en una colección particular de Irún (España), y se propuso su compra al Museo del Prado (Madrid). Al ser obra inédita, suscitó algunas dudas, pero posteriores estudios la han situado entre las piezas magistrales del artista. Se cuenta que previamente se había conservado en Monforte de Lemos (Galicia), a donde pudo ser llevada desde Italia por un eclesiástico de alto rango.

Ante un paisaje luminoso, de verdes prados y árboles de copas redondas, un ángel lloroso sostiene a Cristo muerto. Las figuras son proporcionadas, como pintura renacentista. Cristo está representado de manera proporcionada, siguiendo la anatomía clásica. El cuerpo está desnudo, cubierto por el paño de pudor y se ve la herida del costado, de la que sale un rastro de sangre. En la mano izquierda se ve la herida del clavo. No hay expresión de dolor en el rostro de Cristo, sino serenidad; pero sí en el del ángel que lo sostiene, marcado su rostro infantil en una ligera expresión de llanto.

Esta dramática imagen del primer plano choca con el paisaje tranquilo del fondo. En el manso paisaje se observan olivos verdes en segundo plano; pero, en contraste con este árbol, se distinguen calaveras y algún tronco seco erguido que contrastan con el verde de sus alrededores y la ciudad al fondo. Éste es un claro simbolismo que representa o alude al monte Calvario (del latín, o Gólgota en arameo y Κρανιου Τοπος en griego, cuyo significado es siempre calavera).



Antonello da Messina en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid


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Retrato de un hombre, c. 1472-1476. Óleo sobre tabla, 27,5 x 21 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Antonello da Messina.

Según Vasari Messina aprendió la técnica al óleo directamente de la mano de Van Eyck durante una estancia en Flandes, es la figura más importante de la escuela siciliana y el difusor en Italia de la entonces novedosa técnica del óleo. Formado en Nápoles, su paso por Venecia, donde apenas estuvo un año, desde noviembre de 1475 hasta antes de septiembre de 1476, fecha en la que está documentado de nuevo en Mesina, fue decisivo para el desarrollo del género del retrato en esa ciudad. La huella que este pintor dejó en artistas como Giovanni Bellini fue determinante y sus secuelas llegan a la generación siguiente, a la que pertenecieron Giorgione y Tiziano. Actualmente la tesis generalmente aceptada sobre la formación de Antonello es la de que se inició en el taller de otro pintor siciliano, Colantonio, rechazándose la hipótesis difundida por Vasari sobre su viaje al norte de Europa; hipótesis que parece una invención destinada a explicar la dependencia nórdica que se aprecia en la obra del siciliano.

La circulación de estilos que tuvo lugar durante el siglo xv en la Italia meridional, donde se conjugaron influencias italianas, españolas, provenzales y flamencas, ha sido uno de los puntos en los que se ha fijado la crítica moderna para establecer los vínculos de Antonello con el arte de los Países Bajos. Sin embargo, las vías concretas a través de las cuales Antonello aprendió y asimiló los elementos nórdicos visibles en su obra no han sido resueltos aún satisfactoriamente. Su conocimiento de la obra de Van Eyck y de Van der Weyden ha sido explicado aludiendo a las pinturas de estos maestros que se encontraban en Nápoles en la colección de Alfonso I. En cuanto a la dependencia de modelos de Petrus Christus, la cuestión de una posible formación con este pintor se encuentra también sin resolver.

La pintura, que lleva en el parapeto la inscripción en letras mayúsculas «Antonellus Messanus Pinx», perteneció a la colección de sir George Houston-Boswell, en Caulderhaugh, Escocia, que la recibió en herencia. Más tarde pasó a lady Houston-Boswell, en Windsor, y a Mrs. Phoebe Timpson, en Goring-on-Thames, tercer propietario que tuvo en Gran Bretaña y el último antes de ingresar en la colección Thyssen- Bornemisza. La tabla entró en la colección de Lugano en 1964.Durante el tiempo que este óleo permaneció en colecciones inglesas fue expuesto una sola vez en Londres, en el Burlington Fine Arts Club, entre 1934 y 1935, y la primera referencia bibliográfica fue precisamente de 1964, coincidiendo con su entrada en Villa Favorita. Este primer comentario estuvo a cargo de Philip Hendy, que la incluyó en su estudio sobre algunas pinturas italianas del Renacimiento de la Colección, y al que siguió, tres años más tarde, el de Pallucchini, entrando a formar parte desde entonces del catálogo de retratos del artista.

Este retrato de un personaje desconocido se incluye dentro de la docena de efigies autógrafas que de este maestro han llegado hasta nosotros. El tipo y la forma encajan dentro del arquetipo utilizado por Antonello. Sobre un fondo oscuro se coloca el modelo, cuyo rostro emerge con fuerza, situado de tres cuartos y mirando al espectador intensamente. La solidez de la cabeza, en la que se cuidan meticulosamente los detalles, como el cabello y la barba, se suaviza con unos contornos delicados y un modelado que dulcifica los rasgos y que nos remite, con un acento personal, a modos italianos. La obra se encuentra firmada en el borde inferior, parapeto que sirve de arranque del personaje. Este recurso fue utilizado por Antonello en otros retratos, como el del Museo Civico de Turín y el del Musée du Louvre. Este parapeto también fue el lugar favorito de Antonello para situar un cartellino con su firma y la fecha de su trabajo (como los ejemplos mencionados) o para incluir su nombre a modo de inscripción (como en esta tabla). Respecto a la fecha de ejecución de la pintura se han barajado dos opciones: un poco antes del viaje del pintor a Venecia, hacia 1472-1473, o dentro de su producción veneciana, 1475-1476. Rosenbaum comparó el busto de este joven con otros dos más: uno en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y otro perteneciente a la colección Johnson del Museum of Art de Filadelfia. La pintura fue recortada en su borde inferior y trasladada al soporte actual.



Otras obras


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Retrato de hombre. Este es uno de los más conocidos cuadros de Antonello da Messina. Está realizado al óleo sobre tabla de álamo. Mide 36 cm de alto y 25,4 cm de ancho. Fue pintado hacia 1475, encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título inglés de Portrait of a Man.

Fue adquirido por la National Gallery en 1883. Se considera que este cuadro es obra tardía de su autor. Probablemente existió originariamente un pedestal en la base con la firma del autor, pero ahora ya no existe.

Se piensa a menudo que es un autorretrato, debido a la mirada directa del personaje, como si se hubiera pintado mirando un espejo. No obstante, el análisis con rayos X revela que antes los ojos miraban hacia el otro lado, con lo que se ha puesto en duda la teoría del autorretrato.
Antonello fue uno de los primeros artistas italianos que aprendieron del arte flamenco. La atención al detalle, como la descripción de cada uno de los pelos de la barba, la atención a la textura de la piel, la intensidad expresiva de este retrato lo asemejan a los retratos flamencos. Este detalle y realismo sólo se consiguen con una gran habilidad en la pintura al óleo.


 8portrait_of_a_man_il_condottiere

Portrait of a Man (Il Condottiere), 1475. Oil on canvas, 36 x 30 cm. Musée du Louvre, Paris


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Portrait of a Young Man. 1478. Oil on walnut panel, 21 x 15 cm. Staatliche Museen, Berlin


 10portrait_of_a_man

Portrait of a Man. 1474. Oil on wood, 32 x 26 cm. Staatliche Museen, Berlin


 11portrait_of_a_man

Portrait of a Man, c. 1475. Oil on wood, 31 x 26 cm. Galleria Borghese, Rome


 12portrait_of_a_young_man

Portrait of a Young Man. 1470-72. Oil on wood, 27 x 21 cm. Metropolitan Museum of Art, New York


 13trivulzio_portrait

Trivulzio Portrait. 1476. Oil on panel, 37 x 28 cm. Museo Civico d'Arte Antica, Turin



 15st_jerome_in_his_study

San Jerónimo en su estudio, c. 1460. Oil on lime. 46 x 36 cm. San Jerónimo en su estudio es un cuadro pintado por Antonello da Messina hacia 1474 - 1475 y que actualmente está expuesto en la National Gallery de Londres.

Se trata de un cuadro de pequeño tamaño que describe a san Jerónimo, doctor de la Iglesia, que tradujo la Biblia al latín, trabajando en su estudio. Va vestido como un cardenal, título póstumo que le fue otorgado por la iglesia teniendo en cuenta su papel en vida como consejero del papa Dámaso I.

Antes de realizar la Vulgata, san Jerónimo estuvo errante durante tres años por el desierto de Siria. Allí domesticó un león después de sacarle una espina de la pata. Este animal aparece paseando por la nave de lo que parece una iglesia, edificio que enmarca la escena. La iglesia ofrece un marco simbólico que se ve reforzado por diversos objetos y animales que aluden al alegóricamente a la verdad contenida en la Biblia.
Antonello da Messina fue el primer pintor de la Italia meridional que fusionó la tradición flamenca con la italiana. El humanismo toscano se aprecia en la organización espacial del cuadro según las leyes de la perspectiva, visible en las dos naves laterales de la iglesia y remarcada por las baldosas y los focos de luz. La tradición flamenca de su maestro Colantonio se ve en la descripción minuciosa de los objetos, en el tratamiento a vista de pájaro del paisaje y el realismo de la escena.


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Virgin of the Annunciation. Oil on panel. Alte Pinakothek, Munich. Obra de Antonello da Messina


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Virgen de la Anunciación - Virgin Annunciate, c. 1476. Oil on wood, 45 x 34,5 cm. Galleria Regionale della Sicilia, Palermo. Obra de Antonello da Messina


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Madonna and Child. 1473. Oil on panel, 129 x 76 cm. Museo Regionale, Messina. Obra de Antonello da Messina


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San Sebastián. 1476-77. Oil on canvas transferred from panel, 171 x 86 cm. Gemäldegalerie, Dresden. Obra de Antonello da Messina


 6san_cassiano_altar

San Cassiano Altar. 1475-76. Oil on panel. Kunsthistorisches Museum, Vienna. Obra de Antonello da Messina


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Christ at the Column, c. 1476. Oil on wood, 30 x 21 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Antonello da Messina


 16salvator_mundi

Salvator Mundi. 1465. Oil on panel, 39 x 30 cm. National Gallery, London. Obra de Antonello da Messina


 17piet

Pietà, c. 1475. Oil on panel, 115 x 86 cm. Museo Correr, Venice. Obra de Antonello da Messina


 19crucifixion

Crucifixion. 1475. Wood, 42 x 25,5 cm. National Gallery, London. Obra de Antonello da Messina


 20crucifiy

Crucifixion. 1475. Oil on panel 52.5 x 42.5 cm. Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antwerp. Obra de Antonello da Messina


 21crucifiz

Crucifixion. 1467-69. Tempera and oil on panel, 39 x 23 cm. Muzeul National Brukenthal, Sibiu. Obra de Antonello da Messina

Antonello da Messina (Hacia 1430 en las inmediaciones de Mesina - 1479, Mesina) Siciliano de nacimiento, Antonello da Messina fue un caso atípico: era frecuente durante el siglo XV que los artistas flamencos adoptaran las novedades de los renacentistas italianos; lo que no era tan usual es que un pintor del Quattrocento adoptara las novedades flamencas. Esto es lo que Messina hizo, realizando una perfecta síntesis entre lo nórdico y lo mediterráneo, de tal manera que causó hondo impacto en otros pintores del sur italiano, y también de Venecia, puesto que viajó al taller de Bellini en aquella ciudad. Resulta sorprendente la adaptación que Messina hizo de las teorías empíricas del espacio, propias de los flamencos, disponiendo de las mediciones matemáticas de los quattrocentistas. Vasari consideraba que había sido discípulo de Van Eyck y que de ahí le venía la influencia; sin embargo, parece que Messina no viajó por Flandes o los Países Bajos. El secreto de su éxito en Venecia estribó en varios factores. Uno de ellos fue que enseñó en el taller de Bellini el dominio del óleo que aunque era conocido se manejaba torpemente. Por otro lado, impactaron mucho sus retratos de tres cuartos al estilo flamenco, pero con un aire italianizante y moderno diferente a los retratos de Memling que se importaban en aquellos años desde Brujas. Su obra más importante, el Cristo muerto sostenido por los ángeles, se encuentra hoy día en las salas del Museo del Prado de Madrid.



Enlaces interesantes


Ver Antonello da Messina en Artehistoria

Ver más imágenes de Antonello da Messina en la Wikipedia




Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a Antonello da Messina. (ca. 1430 en las inmediaciones de Mesina - 1479, Mesina) fue un pintor cuatrocentista italiano. Nacido en Sicilia, está considerado como uno de los introductores de las técnicas pictóricas con óleo en Italia. Integrante de una familia del gremio de artesanos cinceladores (mazoni), muy tempranamente evolucionó hacia las bellas artes, destacándose como el pintor que reúne la cultura luminística atmosférica de los pintores flamencos con la cultura monumental-perspectivista italiana.


Fuentes y agradecimientos: museodelprado.es, pintura.aut.org, es.wikipedia.org, wga.hu, artehistoria.com, artandarchitecture.org.uk y otras de Internet.
 




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Last edited by j.luis on Thursday, 05 March 2015, 20:24; edited 4 times in total 
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Post Re: ANTONELLO DA MESSINA 
 
Gracias J.Luis bonita obra la de este pintor que merece un rincón en la galería de arte del foro de xerbar.

Un Saludo.
 




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Post Re: ANTONELLO DA MESSINA 
 
Gracias xerbar, otro pintor más para nuestra galería.




Saludos.
 




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Post Re: ANTONELLO DA MESSINA 
 
La 'Anunziata' de Antonello da Messina, una de las joyas del Renacimiento, se exhibe en la Galería Regional de Palermo custodiada por ex sicarios de Cosa Nostra     



virgendelaanunciacindea

Virgen de la Anunciación, de Antonello da Messina, la obra custodiada por ex sicarios mafiosos en Palermo

Uno de los retratos más delicados del Renacimiento italiano, la Virgen de la Anunciación de Antonello da Messina (entre 1430 y 1470), está custodiada en la Galería Regional de Sicilia por media docena de ex presidiarios de Cosa Nostra, la mafia local. Los ex sicarios comparten las tareas de vigilancia del museo, situado en el imponente palacio Abatellis, con policías y vigilantes privados. Se trata de un programa de la región autónoma siciliana destinado a reinsertar a presos que han cumplido una parte de su condena. Las cárceles italianas no dan abasto y las autoridades intentan solventar el hacinamiento con imaginación. Algunos condenados de Cosa Nostra, que sufrió innumerables detenciones a finales de los años ochenta, están volviendo al mundo exterior en un ambiente de cultura y calma, lejos de las lupare (escopetas), las drogas y la extorsión.

Entre los extraños guardianes de la Annunziata, una virgen guapísima tocada con un velo azul cobalto del que emergen unas manos suspendidas en el aire, hay algunos mafiosos a los que en su día les fue aplicado el artículo 41 bis del Código Penal, que establece duras condiciones carcelarias para los delitos más graves, dijeron a este diario fuentes del museo.

Además de la obra maestra pintada en 1475 por Antonello da Messina, los excarcelados vigilan obras medievales y renacentistas de un valor incalculable, como el busto de Leonor de Aragón, de Laurana, o el célebre fresco del siglo XIV titulado El triunfo de la muerte, que ocupa una gran pared de la planta baja del museo.

El problema para los que quieran visitar a la Anunciación, que algunos conocedores consideran tan fascinante como La Monna Lisa, es que solo se puede hacer por las mañanas. Los ex presidiarios de la Galería Regional (antes Nacional) solo trabajan en horario matinal, de modo que uno de los principales museos de Palermo no tiene personal suficiente para abrir por las tardes.

En este momento, el museo solo abre sus puertas cuatro horas al día, entre las 9.00 y las 13.00, aunque la página web de la pinacoteca afirma que una parte de la galería se puede visitar también por las tardes.


"Es como poner al zorro a cuidar del gallinero", ha dicho la revista 'L' Expresso'

Según Lirio Abbate, activista antimafia y periodista de L'Espresso, "Sicilia es así, es como poner al zorro a vigilar el gallinero, y los mafiosos tienen más privilegios que los recién licenciados, con lo que suceden cosas tan alucinantes como esta, que el museo solo abre cuando los mafiosos trabajan".

La tarde del pasado viernes, el museo se encontraba cerrado, pero no del todo: uno de los vigilantes se ofreció amablemente a mostrar el maravilloso óleo a un pequeño grupo de turistas, previo pago de una entrada de cuatro euros (precio reducido). La virgen de Da Messina parecía estar segura: la tabla de inspiración flamenca está metida en un soporte hermético y protegida por un cristal.

Un trabajador del museo explicó que era preciso abonar el billete porque los servicios de taquilla han sido privatizados, situación que se repite en otras pinacotecas del país ante el continuo recorte de fondos a la cultura. Según medios palermitanos, en algunos museos sicilianos se han producido últimamente desfalcos en los ingresos de las taquillas.


La iniciativa forma parte de un programa de reinserción

La falta de personal y de actividad en el Palacio Abatellis resulta especialmente irónica porque las cifras de desempleo en Sicilia superan de largo la media nacional, y porque el Gobierno regional, que preside el centrista y ex democristiano Raffaele Lombardo, manejó durante 2010 un presupuesto que ascendió a 27.196 millones de euros, mayor que el de algunos países de la UE.

El Palacio Abatellis, construido por Matteo Carnalivari en el siglo XV, es uno de los más ilustres ejemplos del estilo gótico-catalán de Sicilia y preside el acceso al puerto de la ciudad de Palermo desde el viejo barrio de la Kalsa. El estado de conservación del edificio es excelente (fue restaurado en 2009), y en la fachada lateral se pueden ver dos antiguos escudos con la senyera, el águila imperial y la leyenda Manya y Fuerza.


Caravaggio, ¿comido por los cerdos?

La relación entre las mafias italianas y el arte no es nueva. El tráfico de arte, sobre todo sacro, y de piezas robadas en los cientos de sitios arqueológicos y museos poco vigilados de Italia es una actividad habitual del crimen organizado local. El caso más llamativo es el robo de una de las dos natividades sicilianas de Caravaggio: la tela fue descosida del altar del oratorio de San Lorenzo de Palermo por dos desconocidos durante la tormentosa noche del 17 al 18 de octubre de 1969 y desde entonces las autoridades no han vuelto a verla.

El primero en atribuir el robo a Cosa Nostra fue el colaborador de la justicia Francesco Marino Mannoia, un mafioso siciliano detenido hace 20 años en Estados Unidos, que se adjudicó el hurto cuando declaró en el juicio por complicidad mafiosa celebrado en Palermo contra el siete veces primer ministro, Giulio Andreotti. La tétrica declaración de Mannoia, que afirmó que cuando estaba enrollando la tela para llevársela se deshicieron los colores hasta destruir la pintura, fue desmentida posteriormente por otros bosses detenidos, que dijeron que el culpable no fue Mannoia sino dos ladronzuelos que no pidieron permiso a la mafia, por lo que esta se limitó a localizarles antes que la policía para arrebatarles la tela, que luego habría pasado de familia en familia como símbolo de prestigio y poder. Hoy, 41 años después, el robo ha prescrito pero el cuadro sigue desaparecido. Según algunas voces, ha presidido muchas reuniones de la cúpula de Cosa Nostra y lo seguirá haciendo. Otros afirman, sin embargo, que el caravaggio ya no existe. Según ha declarado el sicario arrepentido Gaspare Spatuzza a los fiscales de Palermo, su capo Filippo Graviano le contó en la cárcel hacia 1999 que el cuadro "había sido destruido en los años ochenta por la familia Pullará". Según la versión del pentito, "la obra fue escondida en un establo pero se arruinó: se la comieron los ratones y los cerdos, y por eso finalmente fue quemada".


elpais.com
 




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