Portal    Foro    Buscar    FAQ    Registrarse    Conectarse
Mensaje del equipo




Publicar nuevo tema  Responder al tema 
Página 1 de 1
 
 
ARTE GÓTICO
Autor Mensaje
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje ARTE GÓTICO 
 
Este trabajo recopilatorio esta dedicado al Arte Gótico, pintura, escultura y arquitectura, principalmente al español, pero con algunas pinceladas del gótico europeo.

Como siempre el tema está tratado, bajo un prisma muy personal, sin intentar ser estricto, ni didáctico, lo que pretendo es representar lo más significativo, aún sabiendo que me dejaré muchos temas en el tintero.

Gótico español, Gótico hispánico o Gótico peninsular son denominaciones bibliográficas1 para designar la división espacial del arte gótico que corresponde a los reinos hispano-cristianos. Se localiza temporalmente entre finales del siglo XII y comienzos del siglo XVI. Sus rasgos estilísticos son en lo esencial comunes con el Gótico europeo (en determinados periodos con mayor o menor influencia del Gótico francés, del Gótico italiano o del Gótico flamenco, espacios con los que se mantuvieron muy dinámicas relaciones políticas y económicas, incluyendo un naciente mercado de arte y la emigración de artistas);2 y en lo particular diferenciados entre las distintas zonas en que suele subdividirse.

Se diferencian el Gótico de la Corona de Aragón (de la Corona de Aragón, con un Gótico aragonés donde predomina el Gótico-mudéjar y un Gótico mediterráneo o levantino -Gótico catalán, Gótico valenciano, Gótico mallorquín-), el Gótico navarro (del Reino de Navarra, que quedó marginado de la expansión hacia el sur y mantuvo una mayor relación artística con Francia), el Gótico de la Corona de Castilla (de la Corona de Castilla -Gótico gallego, Gótico asturiano, Gótico leonés, Gótico extremeño, Gótico castellano, Gótico vasco,3 Gótico andaluz, Gótico murciano-) y el Gótico portugués (del Reino de Portugal).4 A diferencia del Románico español, que se limita a la zona septentrional, el Gótico se extiende por la totalidad del territorio peninsular, e incluso por fuera de él, en las islas Baleares (desde la conquista cristiana, 1231) y en los territorios atlánticos incorporados en el siglo XV (en las islas Canarias, en Ceuta y en Melilla, y en Santo Domingo).5 Al igual que se hace para periodos anteriores, la historiografía del arte suele presentar conjuntamente el arte de todos los territorios, estudiándolos separadamente, y considerando en su caso las diferencias y similitudes estilísticas, a pesar de la ausencia de unidad política entre ellos (hasta 1516 -con Carlos V- no se unen definitivamente Castilla y Aragón, pocos años antes se había incorporado Navarra a Castilla, mientras que la incorporación de Portugal a la Monarquía Hispánica de Felipe II no se produce hasta 1580).

La Wikipedia dedica también: Arquitectura gótica en España, Pintura gótica en España, Escultura gótica en España y Artes suntuarias del Gótico en España.

Al final pongo algunos enlaces -creo interesantes- de trabajos realizados a pintores góticos españoles en este foro.

Espero que os guste la recopilación que he realizado vía internet y contribuya en la divulgación del arte gótico.




 99catedral_de_burgos2

Catedral Santa María de Burgos, un templo católico dedicado a la Virgen que empezó a construirse en 1.221 siguiendo patrones góticos franceses aunque tuvo importantísimas modificaciones en los siglos XV y XVI como las agujas de la fachada principal, la Capilla del Condestable y el cimborrio del crucero, elementos del gótico avanzado que dotan al templo de su perfil inconfundible.



La arquitectura gótica


El estilo gótico se desarrolla en Europa, sucediendo al románico desde la cuarta década del siglo XII hasta bien entrado el XVI.

La denominación peyorativa "gótico" fue inventada por los eruditos del Renacimiento con sentido de desprecio a un arte que consideraban bárbaro (el "arte de los godos") muy inferior en consideración al arte grecorromano.

Sin embargo fue revalorizado y exaltado en el siglo XIX por los movimientos nacionalistas y románticos europeos y en la actualidad se considera universalmente como uno de los momentos más brillante,s desde el punto de vista artístico, del mundo occidental.

Aunque el gótico sucede arquitectónicamente al románico del siglo XII, lo cierto es que ambas arquitecturas responden a principios inspiradores opuestos...


 98sta_maria_de_la_asuncion_castro_urdiales

Iglesia de Santa María de la Asunción (Castro Urdiales, Cantabria). En la imagen vista del ábside. Es un templo católico de estilo gótico construido a principios del siglo XIII que está situado frente al mar Cantábrico, junto al castillo-faro y al puerto pesquero de Castro-Urdiales. Un templo imponente que bien pudiese ser una catedral. Es un templo de estilo gótico, presentando la características propias de este estilo: amplias naves, elevadas bóvedas, arbotantes y contrafuertes que soportan el peso del edificio.


La arquitectura gótica sustituyó los muros por ventanales, lo que dificultó seguir pintando murales en las paredes de las iglesias, como se hizo en el románico. En cambio, surgió el arte de las vidrieras. La pintura gótica se fue desplazando hacia los retablos, pintándose en madera al temple, esto es, usando huevo o cola como aglutinante. Ya en el siglo XV se difunde la pintura al óleo.

En España, la llegada de la pintura gótica significa una mayor independencia de ésta respecto a la arquitectura, así como la diversidad de temas y formas. Se produce un predominio de lo pintoresco, con la aparición de los primeros paisajes. El dibujo se vuelve minucioso y detallista. Se desarrolló a lo largos de los siglos XIV y XV, en los que apareció una amplia diferenciación en las formas arquitectónicas y decorativas regionales. El desarrollo de la arquitectura en España durante estos siglos reflejó las diferentes circunstancias históricas a las que estaban sujetos los diversos reinos hispanos. Así sobre todo en el sur de España el desarrollo del gótico se adoptó algo tardíamente. Por su parte la prosperidad económica en Cataluña estimuló la construcción civil en esta zona. A finales del siglo XV surgió un estilo panaespañol, característico del círculo de los Reyes Católicos, que nació del encuentro de estructuras tardogóticas europeas con decoraciones mudéjares y motivos renacentistas...



Algunas Catedrales Góticas españolas


 1fachada_de_la_catedral_de_le_n

Catedral de León. La catedral de León es una de las catedrales españolas que mejor representa la pureza y unidad del estilo gótico, con una profunda influencia francesa. Su construcción data del siglo XIII. En la imagen se contempla su fachada occidental, con un pórtico triple similar al de la catedral de Reims, con rosetón central, y flanqueada por dos torres góticas, de diferente forma y altura.


 2catedral_g_tica_de_le_n

Estilización de las formas en la catedral de León. La actual catedral de León, iniciada en el siglo XIII, presenta un diseño del más depurado estilo gótico clásico francés. Conocida como la pulchra leonina, es la más "francesa" de las grandes catedrales góticas españolas del siglo XIII. Su relación con la catedral de Reims es evidente en la planta y Amiens y Beauvais, en el alzado. Es un templo de tres naves a las que se le cruza un amplio crucero y rematadas por cabecera con girola a la que se abren capillas poligonales.


 3altar_mayor_catedral_de_le_n

Altar mayor de la catedral, rodeado por las vidrieras del ábside. Siendo bello el exterior, con las portadas del Juicio Final, San Juan y San Francisco o el desarrollo de sus grandes torres, lo más celebrado de la catedral de León es sin duda la desmaterialización de los muros en vidrieras policromadas.


 4_interor_de_la_catedral_de_le_n

Interior de la catedral destacando las vidrieras. Para ello se cumple aquí el concepto de "alzado tripartito" es decir, la sucesión vertical de tres niveles en la nave principal: arcos formeros, triforio o pasillo sobre las naves laterales calado al exterior y ultimo piso o claristorio, con vanos amplísimos con vidrieras.

Sin desmerecer el gran valor de otros edificios españoles, nuestra opinión - y la de la mayoría de los especislistas- es que si se desea conocer el espíritu que animó el arte gótico del siglo XIII en Europa -sobre todo a nivel de arquitectura- se ha de visitar el interior de esta preciosa catedral.



 5segovia07_21_4_03

Catedral de Segovia. Santa Iglesia Catedral de Nuestra Señora de la Asunción y de San Frutos de Segovia, conocida como la Dama de las Catedrales por sus dimensiones y su elegancia, es una catedral construida entre los siglos XVI y XVIII, de estilo gótico con rasgos renacentistas.


 19_1418816754_221558

Capilla mayor de la catedral de Segovia


 6burgos_catedral_173

Catedral de Burgos, es una catedral dedicada a la Virgen María. Su construcción comenzó en 1221, siguiendo patrones góticos franceses. Tuvo importantísimas modificaciones en los siglos XV y XVI. La Catedral de Burgos es una catedral dedicada a la Virgen María. Su construcción comenzó en 1221, siguiendo patrones góticos franceses. Tuvo importantísimas modificaciones en los siglos XV y XVI.


 7retablo_mayor_burgoscat

Retablo de la Capilla Mayor. Catedral de Burgos


 8burgos_catedral_046_escalera_dorada

Escalera Dorada, de Gil de Siloé. Catedral de Burgos


 9burgos_condestable

Bóveda estrellada de la Capilla del Condestable. Catedral de Burgos


 21sevila10

Catedral de Sevilla, también conocida como Catedral de Santa María de la Sede, es la catedral gótica más grande del mundo, y es el tercer templo más grande del mundo tras la Basílica de San Pedro del Vaticano en Roma ,y San Pablo en Londres ,le siguen il Duomo de Milan y Santa Maria Del Fiore de Florencia. Su construcción se inicia en 1401, sobre el solar que quedó tras la demolición de la antigua Mezquita Aljama de Sevilla.


 22b_veda_crucero_sevilla

Bóveda del crucero. Catedral de Sevilla. La catedral posee cinco naves que se distribuyen, mirando hacia Levante. No cuenta con una cabecera en el sentido gótico habitual en forma de ábside sin girola, ya que su planta salón es un perfecto rectángulo de 116 m de largo por 76 m de ancho, que se corresponde con el espacio que ocupaba la gran mezquita almohade que estaba situada en el mismo lugar.34 La nave central y la del crucero son más altas que el resto. A las naves exteriores se abren unas capillas situadas entre los contrafuertes y que igualan en profundidad a la nave del crucero. Los muros cuentan con poco espesor. Sin embargo, las capillas están separadas por estribos perpendiculares al eje central del templo, terminando en 28 pilares adosados que, con otros 32 exentos, soportan a 68 bóvedas ojivales. Estos pilares son de mampostería, revestidos de piedra. Las bóvedas de carácter ojival, son cuatripartitas en las naves y sixpartitas en las capillas, siendo las del crucero de forma estrellada. La luz natural penetra a través de numerosas vidrieras.


 23retablo_mayor_de_la_catedral_de_sevilla

Retablo mayor de la Catedral de Sevilla. El Retablo Mayor de la Catedral de Sevilla es una grandiosa obra de arte que fue diseñada por el escultor flamenco Pedro Dancart en 1482 y está considerado el mayor retablo de la cristiandad. Se realizó a lo largo de más de 80 años, quedando totalmente finalizado en 1564. En él trabajaron de forma sucesiva diversos tallistas españoles y extranjeros que continuaron la labor de Dancart, como el maestro Marco, Pedro Millán, Jorge Fernández Alemán, Roque Balduque, Juan Bautista Vázquez el Viejo y Pedro de Heredia.



 24catedral_de_toledo

Catedral de Toledo. La catedral de Santa María de Toledo, llamada también Catedral Primada de Toledo, sede de la Archidiócesis de Toledo, es un edificio considerado como la magnum opus del estilo gótico en España. Su construcción comenzó en 1226 bajo el reinado de Fernando III el Santo y las últimas aportaciones góticas se dieron en el siglo XV cuando en 1493 se cerraron las bóvedas de los pies de la nave central, en tiempos de los Reyes Católicos.


 25catedral_de_toledo_altar_mayor

Retablo de la Catedral de Toledo. Es un retablo gótico florido, una de las últimas manifestaciones de este arte que desaparecía para dar paso al Renacimiento. Fue encargado por el cardenal Cisneros; la obra se inició en 1497 y terminó en 1504. Entre los arquitectos, pintores y escultores que intervinieron en esta obra maestra colectiva, estuvieron: Enrique Egas y Pedro Gumiel (diseño); Francisco de Amberes y Juan de Borgoña (estofado y policromía); Rodrigo Alemán, Felipe Vigarny, Diego Copín de Holanda y Sebastián de Almonacid (imaginería); y Petit Juan o Peti Joan (entallado y filigranas).


 26b_vedas_de_la_catedral_de_toledo

Bóvedas de la catedral de Toledo. La estructura del edificio tiene gran influencia del mejor gótico francés del siglo XIII pero adaptado al gusto español. Mide 120 m de longitud por 59 m de ancho. Consta de 5 naves más crucero y doble girola. Las naves externas presentan una anomalía extraña al ser algo más anchas que las otras dos. La parte más antigua del templo es la cabecera que mantiene en su arquitectura los triforios originales que se extendían a lo largo de las naves de donde fueron suprimidos en una de tantas reformas y evoluciones que sufrió la catedral. Todavía en época del gótico, estos triforios fueron sustituidos por los grandes ventanales-vidrieras. Los que se conservan de la cabecera son de influencia mudéjar. El más bajo está compuesto de arcos apuntados y el alto presenta una bóveda de crucería. No se sabe si estos temas mudéjares existían en la anterior mezquita y fueron copiados como recuerdo o bien se añadieron en una de las mejoras y enriquecimiento de la fábrica, como algo original y de buen gusto.



 28catedral_de_palma

Catedral de Palma de Mallorca. La Catedral de Santa María de Palma de Mallorca, es popularmente conocida como La Seu es el principal edificio religioso de la isla de Mallorca. Se trata de una catedral de estilo gótico levantino. La catedral se asoma al mar sobre las murallas árabes que protegían la ciudad, siendo la única catedral gótica que cumple con esta peculiaridad. Su construcción se inició en 1229, después de la conquista de la isla por la Corona de Aragón, y fue consagrada en 1346, aunque los trabajos y acabados continuaron bastantes años después, ya que no se terminó hasta 1601.


 27_vista_interior_de_la_catedral_de_palma_de_mallorca

Vista interior de la Catedral de Palma de Mallorca. Es una construcción de estilo gótico levantino, con claras influencias norte europeas, mide 121 metros de largo y 55 de ancho. No se conoce el nombre de sus arquitectos, aunque hay constancia de numerosos artistas que trabajaron en ella (escultores y pintores). El gótico levantino se caracteriza por no seguir los modelos clásicos franceses, sino por usar una planta de salón al estilo alemán, estrictamente basilical (hallenkirche): con tres naves sin girola ni crucero. Tiene tres capillas paralelas en la cabecera y numerosas capillas laterales entre los contrafuertes. Se trata de la catedral con uno de los mayores rosetones del mundo gótico y una de las de mayor altura de la nave entre las de estilo gótico europeas.



 30cathedral_of_salamanca_romanesque

Catedral Vieja de Salamanca, conocido como la torre del gallo. En la imagen observamos el exterior del cimborrio románico. la Es una de las dos catedrales que hay en Salamanca. Fundada por el obispo Jerónimo de Perigord, se empezó a contruir en el primer tercio del siglo XII y siguió hasta el XIV en estilo románico y gótico.


 29salamanca_retablo_catedral_vieja_lou

Retablo de la Catedral Vieja  de Salamanca. La obra debe situarse entre los años 1430-1450 y son tres los autores que trabajan en las 53 tablas que componen el retablo de la Catedral Vieja de Salamanca (2 en la planta). Las obras principales corresponden al artista Italiano Daniel Delli, más conocido como Dello Delli, a él corresponden las 12 primeras tablas, que son sin duda las que mayor calidad tienen. Dello contaría con ayuda de sus dos hermanos, Sanson Delli realiza algunas tablas de la parte central del retablo ayudado de artistas locales que trabajarían bajo las órdenes de Dello Delli. Por fin el tercer hermano Nicolás Delli, más conocido como Nicolás Florentino, realiza algunas de las últimas tablas de la obra y la pintura del Juicio Final que se encuentra en el cascarón del ábside de la Catedral.

El retablo presenta un ciclo de la vida de la Virgen María y de Jesucristo, desde el Nacimiento de la Virgen hasta el tránsito de la Madre de Cristo, todo acompañado de escenas de la vida de Jesús y rematadas por el magnífico Juicio Final. Las pinturas se muestran como muy avanzadas para el momento artístico que se vive en España en ese momento, algunas de las soluciones renacentistas que aparecen en los edificios de las pinturas, así como algunas cúpulas que recuerdan la obra que Brunelleschi son demasiado nuevas para un país que todavía construye en gótico. Los colores vivos, destacando entre ellos el rosa, hacen muy reconocibles las pinturas. La influencia de la pintura italiana, en concreto de la escuela sienesa y florentina, mezclado con los detalles típicos de la pintura flamenca, se unen de forma magistral para ofrecer un magnifico ciclo pictórico.



 43catedral_de_san_antol_n_de_palencia_01

Catedral de Palencia. La Santa Iglesia Catedral Basílica de san Antolín es un templo de culto católico, sede episcopal de la diócesis de Palencia, en la ciudad del mismo nombre, en la comunidad autónoma de Castilla y León, España.

Es un templo de grandes proporciones: 130 metros de longitud, con una anchura de 50 metros en el crucero, más otros tantos del claustro y sala capitular; el ábside roza los 43 metros de altura. Está dedicada a san Antolín mártir, patrono de Palencia, parte de cuyas reliquias conserva.

Se trata de un edificio de estilo predominantemente gótico, aunque conserva elementos anteriores, de época visigoda y románica, y elementos decorativos renacentistas, barrocos y neoclásicos. La construcción comenzó en el siglo XIV, siendo la única gran catedral castellana iniciada en esa centuria.

El exterior carece de una fachada principal propiamente dicha y se presenta austero y macizo, situación que no refleja la grandeza de su interior, donde pueden verse más de veinte capillas de gran interés artístico e histórico. Aunque la construcción de la catedral gótica duró desde el siglo XIV hasta el XVI, en realidad lo que hoy día se observa ha tardado casi catorce siglos en ser levantado, pues la parte más antigua de la Cripta de San Antolín data del siglo VII y hubo importantes obras y reformas en el siglo XX.


 42b_vedas_de_la_nave_central_catedral_de_palencia

Bóvedas de la nave central. Catedral de Palencia. La catedral románica tuvo un siglo de existencia. Al cabo de esos cien años el obispo Don Gómez, de acuerdo con el cabildo, propuso levantar en el mismo lugar un nuevo edificio, al estilo del momento, el Gótico. Se supone que se tomó esta decisión por el mal estado del edificio románico y por la necesidad de que Palencia tuviera una sede digna del prestigio que había tomado la diócesis.

El 1 de junio de 1321 se colocó la primera piedra ante la presencia del legado pontificio, cardenal Guillaume Pierre Godin, (obispo de Santa Sabina, Italia) y de varios obispos españoles. Ese año era obispo Juan II (1321-1325). Se desconoce el nombre del autor de las trazas, aunque por su obra se supone que era un maestro-arquitecto español que se inspiró en las catedrales de Burgos y León. Está documentado el primer canónigo obrero o fabriquero, Juan Pérez de Acebes, que era prior de la abadía de Husillos y comendador.



 31catedral_de_santo_domingo_de_la_calzada

Catedral de Santo Domingo de la Calzada. Santo Domingo se dedicó toda su vida a mejorar la viabilidad del Camino de Santiago y vio consagrar una iglesia en 1106 de la que nada se conserva. Medio siglo más tarde, en el año 1156, se comenzó a levantar un magnífico templo al estilo de las grandes catedrales de peregrinación dirigido por el Maestro Garçion. El proyecto inicial fue verdaderamente ambicioso. Se pensó hacer un templo de tres naves, crucero poco acusado, y cabecera con tribuna sobre el deambulatorio y tres capillas radiales.
La cabecera de la catedral se construyó como estaba planificada durante la mitad del siglo XII, pero al llegar el XIII las obras se relantizaron y simplificaron en crucero y naves. Posteriormente, entre los siglos XIV y XVI sufrió distintas modificaciones hasta presentar su aspecto actual.


 32nave_central

Nave central de Catedral de Santo Domingo de la Calzada[. El templo presenta tres naves, una central y dos laterales, que se comunican por detrás del altar, en la cabecera de la planta, dan lugar a una girola. En la nave lateral añaden más tarde, entre el siglo XV y XVI dos capillas laterales (Capilla de Hermosilla, donde se encuentra la conocida "Tabla de los Milagros", y la Capilla de San Juan Bautista o de Santa Teresa); así como otra capilla (fechada el siglo XVII) que hará de baptisterio, el ubicarse en ella la pila bautismal.

Como la planta es de cruz latina existe crucero y en el altar mayor se dispone en el lateral izquierdo del crucero, al igual que el retablo obra de Damián Forment, mirando a la puerta sur de la concatedral y junto al crucero donde se instala el acceso a la cripta del Santo y el gallinero.


 33retablo_catedral_del_salvador_santo_domingo_de_la_calzada

El escultor del renacimiento, Damián Forment, dejó en la catedral una de sus más grandiosas obras, la del retablo mayor, actualmente en el crucero norte de la Catedral. En la parte inferior, anomanada zócalo, encontramos las únicas trazas de alabastro, pero gran parte de su obra lo realizó en alabastro (retablo del Pilar de Zaragoza, retablo del Monasterio de Poblet). De nueve metros de ancho y trece de alto, aunque murió en 1540, dejó prácticamente terminada la obra. La policromía es obra de Andrés de Melgar. Destaca la presencia de temas mitológicos: tritones, sátiros, nereidas y centauros.

Tras la reciente reforma del suelo de la Catedral (2009) se instala junto al retablo una pantalla táctil interactiva que permite al visitante ver con detalle cualquier elemento del retablo gracias a una fotografía de gran definición. También se instala un sistema de proyección audiovisual sobre el propio retablo que muestra la historia de su construcción narrada por el propio Damián Forment.



 41_barcelona_38_2013

Catedral de Barcelona. La Catedral de la Santa Cruz y Santa Eulalia (también llamada, en lugar de catedral, Seo, o Seu en catalán) es la catedral gótica de Barcelona, sede del Arzobispado de Barcelona, en Cataluña, España.

La catedral actual se construyó durante los siglos XIII a XV sobre la antigua catedral románica, edificada a su vez sobre una iglesia de la época visigoda a la que precedió una basílica paleocristiana, cuyos restos pueden verse en el subsuelo, en el Museo de Historia de la Ciudad. La finalización de la imponente fachada en el mismo estilo, sin embargo, es mucho más moderna (siglo XIX). El edificio es Bien de Interés Cultural y, desde el 2 de noviembre de 1929, Monumento Histórico-Artístico Nacional.


 39cathedral_of_santa_eulalia_barcelona

Se iniciaron las obras de construcción de la catedral gótica en mayo de 1298, reinando Jaime II y bajo el mandato obispal de Bernardo Pelegrí (1288-1300), empezando por la cabecera, desmontando a la vez la antigua catedral románica y aprovechando algún elemento escultórico como las impostas de la puerta de San Ivo. Las obras no se plantearon como la construcción de una nueva catedral sino como una reforma y ampliación de la catedral románica, que se hizo por fases sin derribar nunca completamente el templo y haciéndolo servir para el culto durante toda la obra. Así la catedral gótica conserva el mismo eje que la románica y el deambulatorio está construido alrededor del ábside románico.


 38catedral_de_barcelona_interior2

El edificio consta del templo y el claustro perfectamente unidos por un mismo estilo. La catedral mide 90 metros de longitud por 40 de ancho y el jardín del claustro es de 25 metros por lado por seis de anchura de cada galería de las cuatro que lo rodean.

La catedral está formada por tres naves de la misma altura, la central el doble de ancho que las laterales; desde el falso crucero las circulares se unen en girola, pasando por detrás del presbiterio y formando un arco semicircular, donde se alojan nueve capillas cubiertas por arcos ojivales de cuatro tramos y por encima de estas capillas se encuentran los vitrales góticos que llenan de luz el ábside. Hay una galería en forma de U que está por encima de las capillas laterales y sobre esta galería y las capillas radiales de la girola dando la vuelta a toda la nave central hay un falso triforio, desde donde se pueden ver las claves de bóveda a una corta distancia.

En las naves laterales hay otras 17 capillas, cubiertas por ojivas de seis tramos, con arcos apuntados en cada entrada; hay dos capillas colocadas entre cada contrafuerte con proyección interior. A estas capillas se ha de unir la capilla de Santa Lucía con entrada desde el exterior.


 40barcelona_cattedrale_volte_pilastri

Bóvedas de la catedral de Barcelona. La restauración llevada a cabo en el año 1970, permitió descubrir la policromía de las claves de bóveda que el paso de los siglos había ido oscureciendo. La catedral tiene en total 215 claves, siendo las de la nave principal las más grandes, de dos metros de diámetro y con un peso de 5 toneladas. Las claves de la bóveda central empezando por el prebisterio son:



 35santamariadelmar_9257

Basílica de Santa María del Mar. La Basílica Menor de Santa María del Mar es una iglesia gótica catalana de Barcelona, situada en el barrio de la Ribera y construida entre 1329 y 1383. Los maestros de obra fueron Berenguer de Montagut (el diseñador principal del edificio) y Ramón Despuig. La iniciativa sobre la construcción de la iglesia la tuvo el canónigo Bernardo Llull.


 37santa_maria_del_mar_5

Bóveda de la girola; se pueden ver los pilares prismáticos y las claves policromadas de la nave central. Basílica de Santa María del Mar. Barcelona. Merece la pena destacar la austeridad conseguida, una vez más, por las paredes lisas; por las columnas octogonales limpias, ya que los nervios terminan a nivel de los capiteles en lugar de llegar a tierra; por el hecho de que los arcos de las naves laterales y los de la central arrancan de la misma alzada (la línea de impostas, en los capiteles) que dan una mayor impresión de igualdad de las naves, etc.


 34la_bas_lica_de_santa_mar_a_del_mar_representa_el_tipo_m_s_puro_del_g_tico_catal_n_con_grandeza_arquitect_nica_amplitud_de_espacios_paredes_lisas_y_escasa_decoraci_n

La Basílica de Santa María del Mar representa el tipo más puro del gótico catalán, con grandeza arquitectónica, amplitud de espacios, paredes lisas y escasa decoración. La importancia que adquirió el barrio de la Rivera partir del siglo XIII como centro neurálgico de mercaderes y armadores hizo que se planteara la construcción de una gran iglesia en sustitución de la vieja Parroquia de las Arenas.



 36la_luz_es_la_gran_protagonista_del_interior_de_santa_mar_a_del_mar

La luz es la gran protagonista del interior de Santa María del Mar. La nave central se ilumina mediante óculos abiertos entre las galerías de la nave central y los laterales. Estos óculos se convierten en ventanales entre las columnas del presbiterio, los cuales ocupan casi todo el espacio disponible y contribuyen a reforzar el efecto de las columnas con un semicírculo de luz. Las naves laterales se iluminan con ventanales (uno por tramo y no muy grandes) que también contribuyen a iluminar la nave central.



 44catedral_girona_from_montjuic

Catedral de Gerona. La catedral de Girona -en catalán-, se comenzó a construir en 1317, su construcción fue de un extraordinario atrevimiento en la época. En principio su diseño era similar a la de Barcelona, pero durante su construcción, el arquitecto Guillermo Bofill, decidió unificar las tres naves de la cabecera en una sola con capillas laterales, lo que dio a la catedral una fisonomía bien diferente a la de los restantes edificios góticos religiosos.


 45catedral_de_girona_nau_central

Nave central de la Catedral de Gerona. La catedral de Gerona consagrada a Santa María, se encuentra en el punto más alto de la ciudad; posee la nave gótica más ancha del mundo, con una anchura total de 22,98 metros. Su construcción se inició en el siglo XI en estilo románico, siguiendo en el XIII con el gótico, conservando tan solo el claustro románico del XII y la torre de la misma época que data de 1040; se terminó en el siglo XVIII.



 48_cimbori_almoina_valencia

Catedral de Valencia. La Iglesia Catedral-Basílica Metropolitana de la Asunción de Nuestra Señora de Valencia, llamada popularmente “Seu” en valenciano, es sede del arzobispado de Valencia y está dedicada por deseo de Jaime I —siguiendo la tradición del siglo XIII—- a la Asunción de santa María. Fue consagrada el año 1238 por el primer obispo de Valencia posterior a la Reconquista, Fray Andrés de Albalat. Se encuentra sobre la antigua mezquita de Balansiya, que se había alzado sobre la antigua catedral visigótica, edificada sobre un antiguo templo romano dedicado a Júpiter o Diana, del que aun hoy se pueden ver en pie las columnas, en el museo de la Almoina, junto a la Catedral.

El gótico mediterráneo español es el estilo constructivo predominante de esta catedral, aunque también contiene elementos del románico, del gótico francés, del renacimiento, del barroco y neoclásico.

En su interior se venera el Santo Cáliz, fechado del siglo I, y dado a la catedral por el rey Alfonso el Magnánimo en 1436.

Contiene algunas de las primeras y mejores pinturas del Quattrocento de toda la Península Ibérica, que llegaron de Roma a través de artistas contratados por Alejandro VI. Este último Papa valenciano, cuando aún era el cardenal Rodrigo de Borja, hizo la petición para elevar la sede valentina al rango de Metropolitana, categoría que le fue otorgada por el papa Inocencio VIII en 1492.


 49snave_central_de_la_catedral_de_valencia_g_tica_y_austera

Nave central de la catedral de Valencia, gótica y austera. La estructura principal de la Catedral de Valencia se alzó entre los siglos XIII y XV, razón por la que es principalmente de estilo gótico. Sin embargo, su construcción se prolongó durante siglos,2 razón por la cual hay una mezcla de estilos artísticos -que van desde el temprano románico, hasta el sutil renacimiento, el barroco recargado y el más contenido neoclásico- que es la característica más relevante de la catedral de Valencia y que la convierte en una joya de la arquitectura universal.


 51_cimbori_seu5

El cimborrio. De estilo gótico francés (siglo XIV-XV), está formado por un prisma octogonal de dos cuerpos superpuestos, con ocho vidrieras de fina tracería calada en cada cuerpo. El primer cuerpo o parte baja es de autor insabido, del siglo XIV, mientras que el segundo cuerpo o parte alta es obra de Martí Llobet (de hacia el 1430). El cimborrio dota de luz natural siempre blanca al crucero, gracias a las ventanas translúcidas de alabastro y al hecho de que su armazón de piedra está reducido al mínimo.

El cimborrio descansa en trompas cónicas y se cierra con una bóveda de crucería compuesta por ocho nervios y plementería de ladrillo. Con una altura de unos 40 metros, la ausencia de contrafuertes y la ligereza contructiva derivada de la tracería calada de sus muros resulta prodigiosa desde el punto de vista arquitectónico.


 50vista_occidental_plaza_de_la_virgen_puerta_de_los_ap_stoles_cimborrio_y_obra_nova

Vista occidental (Plaza de la Virgen): Puerta de los Apóstoles, cimborrio y Obra Nova. Catedral de Santa María de Valencia. El templo conserva de la obra gótica del siglo XIV, la puerta de los apóstoles, el rosetón y su espléndido cimborrio.



 46catedral_del_burgo_de_osma_soria_castilla_espa_a

Catedral de El Burgo de Osma. La catedral de El Burgo de Osma (Soria, España) es un edificio de estilo gótico que sustituyó a otro anterior románico. Comenzada su construcción en 1232, muestra también otros aportes estilísticos, concluyendo con el neoclásico (1784). Como otras muchas catedrales españolas del siglo XIII, fue dedicada a la Asunción de la Virgen. Es el principal monumento de la localidad de El Burgo de Osma.


 47catedral_de_el_burgo_de_osma_interior

Tomando como referencias las formas del gótico cisterciense, sobre la edificación románica, se construye la catedral de El Burgo de Osma en el segundo tercio del siglo XIII.



 52tortosa_town_view

Catedral de Tortosa. La basílica-catedral de Santa María de Tortosa, es sede de la diócesis de Tortosa en la provincia de Tarragona. El actual edificio es gótico del año 1347 y fue edificado sobre uno anterior románico; fue consagrado por primera vez en 1441 y continuando las fases de construcción hasta llegar a la fachada barroca acabada en 1757. Se encuentra situada en el centro de la ciudad de Tortosa a orillas del río Ebro, las excavaciones arqueológicas, han puesto de manifiesto que aproximadamente en este mismo lugar se encontraba el foro romano. Le fue concedido el título de basílica en el año 1931.



 53_seu_de_manresa

Colegiata Basílica de Santa María en Manresa. La Colegiata Basílica de Santa María, o como se la denomina popularmente La Seu, es el edificio más emblemático del gótico manresano. Corona el monte Cardener, cuna histórica de la ciudad, desde donde se contempla un magnífico panorama sobre el río, ocupando el espacio de construcciones religiosas y civiles más antiguas. Su primer nombre hace referencia al capítulo de canonjías que recoge, mientras que la denominación de basílica corresponde al título otorgado en 1886 por el papa León XIII. En 1931 fue declarada monumento histórico.


 54seunau

Vista de la nave central de la Colegiata Basílica de Santa María en Manresa. De planta de salón, dividida internamente por dieciocho pilastras octogonales, coronadas con capiteles ornamentales de tema vegetal, y grandes vidrieras policromadas, es una caso notable de síntesis de estructuras propias de los templos de una y de tres naves en un mismo edificio. Destaca su gran amplitud interior entre columnas, el gran campanario cuadrado de más de 50 metros de altitud, los contrafuertes que dan solidez a todo el edificio y que permiten una doble hilera de grandes ventanales. Como curiosidad, uno de los contrafuertes, en la parte del ábside, tiene la forma de torre hexagonal y es conocida, popularmente, como el caracol de San Pedro.

Sus dimensiones son: 68 metros de largo y 33 de ancho total, 18 metros en la nave central que está flanqueada por dos naves más estrechas (7,5 metros). La estructura del edificio es de una única y amplia nave, sin transepto, con un ábside poligonal en la parte de levante y una girola alrededor del presbiterio. Al lado de la gran nave principal hay, a cada lado, unas capillas laterales de gran altura que se comunican entre sí por medio de unas arcadas. Se puede considerar como una de las naves más atrevidas y amplias del gótico, un estilo austero y horizontal, con pocos elementos ornamentales que interrumpan la verticalidad.

Más info de Arquitectura gótica en España en la Wikipedia



Algunas Catedrales Góticas europeas


 151_saint_denis_basilique_ext_rieur_fa_ade_ouest

Basílica de Saint-Denis (París) es una iglesia, célebre por ser la primera que se erigió en el estilo Gótico, así como por ser el lugar de sepultura de la mayor parte de los reyes de Francia. Está situada en Saint-Denis, cerca de París. Tiene el estatuto de catedral (de la diócesis de Saint-Denis) desde 1966, aunque sigue funcionando como abadía.


 152saint_denis_basilique_saint_denis_abside_1

Abside de la Basílica de Saint-Denis, París. Aunque en otras iglesias se utilizó con anterioridad algún elemento que más tarde se relacionaría con el gótico, fue en ésta, la más famosa de las basílicas francesas y lugar de sepultura de los reyes de Francia, donde de forma consciente el abad Suger desarrolla a mediados del siglo XII las señas de identidad del nuevo estilo.



 153catedral_de_notre_dame_de_amiens

Catedral de Amiens. La Catedral de Notre-Dame de Amiens —en francés: Cathédral Notre Dame d'Amiens— es una iglesia catedralicia de culto católico bajo la advocación de Nuestra Señora en la ciudad de Amiens del departamento del Somme; la catedral gótica que cerró el ciclo de catedrales del período gótico clásico. Su construcción se inició en 1220, sobre otra anterior de arquitectura románica destruida por un incendio. Fue diseñada con una planta de cruz latina y más tarde entre 1366 y 1401 fueron construidas las torres que se encuentran en ambos lados de su fachada principal.


 154la_parte_m_s_antigua_del_edificio_la_nave_con_una_altura_de_42_3_metros_vista_desde_el_triforio_del_coro

Notre-Dame (Amiens). Es la más extensa de las catedrales góticas francesas y una de las mejor conservadas por lo que ha sido declarada Patrimonio de la Humanidad. Es famosa por las esculturas de sus pórticos y por haber conservado los restos de su primer obispo, San Fermín, que había nacido en Pamplona. En la imagen observamos la parte más antigua del edificio, la nave, con una altura de 42,3 metros. Vista desde el triforio del coro.



 155notre_dame_dalla_senna

Catedral de Notre Dame (París). La Catedral de Nuestra Señora (Cathédrale Notre Dame) es una iglesia de culto católico, sede episcopal de París, la capital de Francia. Se trata de uno de los edificios más señeros y primitivos de cuantos se construyeron en estilo Gótico. Se empezó su edificación en el año 1163 y se terminó en el año 1345. Dedicada a María, madre de Jesucristo, se sitúa en la pequeña Isla de la Cité, rodeada por las aguas del río Sena.


 156_1418921253_765317

Notre-Dame (París). A medio camino entre un gótico temprano y uno ya clásico, al haber sido construida a lo largo de más de doscientos años, está considerada como uno de los epítomes de la catedral gótica. Aun así, debe sobre todo su fama mundial a la novela de Víctor Hugo El Jorobado de Notre Dame. Muy cerca no hay que perderse las vidrieras de la Sainte Chapelle, la iglesia privada de San Luis, máximo ejemplo del estilo gótico en todo su esplendor.



 157catedral_de_reims

Catedral de Reims. La Catedral de Nuestra Señora de Reims (en francés: Cathédrale Notre-Dame de Reims), es una catedral de culto católico bajo la advocación de Nuestra Señora, la Virgen María en la ciudad de Reims, en el departamento de Marne, en Francia, al noreste del país, a unos 160 km de la capital estatal, París, es la cabeza de la diócesis de Reims.

Construida en el siglo XIII, después de las catedrales de París y de Chartres, pero antes de las catedrales de Estrasburgo, Amiens y Beauvais. Es uno de los edificios góticos de mayor importancia en Francia, tanto por su extraordinaria arquitectura como por su riquísima estatuaria. En 1991, fue incluida en la lista del Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.


 158interior_de_la_catedral_de_nuestra_se_ora_de_reims

Interior de la catedral de Nuestra Señora de Reims. Construida entre 1211 y 1275, cuenta con el mayor número de esculturas en una iglesia gótica, incluyendo 56 estatuas de reyes de cerca de 5 metros de altura, además de una extenso número de vidrieras, por lo que ha sido declarada Patrimonio de la Humanidad. Es conocida sobre todo por haber sido testigo de la coronación de la mayoría de los reyes de Francia.



 159cathchartres

Catedral de Chartres. La Catedral de la Asunción de Nuestra Señora (en francés: Cathédrale de l'Assomption de Notre-Dame), es una iglesia catedralicia de culto católico bajo la advocación de Nuestra Señora en la ciudad de Chartres, en el departamento de Eure y Loir, en Francia, a unos 80 km al suroeste de la capital, París. Asimismo es la sede de la Diócesis de Chartres, en la Archidiócesis de Tours.


 160porchecentralnordcathedralechartre041130

Pórtico norte. Esta catedral marcó un hito en el desarrollo del gótico e inició una fase de plenitud en el dominio de la técnica y el estilo gótico, estableciendo un equilibrio entre ambos. Es sumamente influyente en muchas construcciones posteriores que se basaron en su estilo y sus numerosas innovaciones, como las catedrales de Reims y Amiens a las que sirvió de modelo directo.



 161chartres_cath_drale_16

Notre-Dame (Chartres). Considerada por muchos especialistas como uno de los mejores ejemplos de catedral gótica clásica en todo su esplendor, fue construida entre 1145 y 1220 y ha sido declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Su estado de conservación es admirable. Es famosa por sus vidrieras, por sus tres pórticos y por haber servido de modelo a otras muchas catedrales.



 150la_catedral_de_saint_tienne_de_bourges_considerada_como_una_de_las_joyas_del_arte_g_tico_franc_s

Catedral de Bourges. La Catedral de Saint-Étienne de Bourges, considerada como una de las joyas del Arte gótico francés, y sede de la diócesis de Bourges (departamento del Cher y del Indre), fue construida entre el final del siglo XII y del siglo XIII.



CONTINÚA MÁS ABAJO...
 




___________________________
.
.
"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
.
.
 
última edición por j.luis el Jueves, 18 Diciembre 2014, 18:59; editado 15 veces 
j.luis - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
Volver arribaPágina inferior
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Re: ARTE GÓTICO 
 
Gracias J.Luis por esta nueva y buena representación del arte gótico.

Un Saludo.
 




___________________________
Antes que nada lee las NORMAS del foro.
Los mensajes deben de ser con respeto y educaci�n hacia todos los usuarios.
Xerbar Administrador del Foro.
[b]
 
xerbar - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privadoVisitar sitio web del usuario 
Volver arribaPágina inferior
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Re: ARTE GÓTICO 
 
La arquitectura gótica me gusta muchísimo! Gracias j.luis, como siempre por otro magnífico trabajo
 




___________________________
"Vive, pues, sin nostalgia ni esperanza: tu única posesión es el instante."
 
Green_woman - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
Volver arribaPágina inferior
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Re: ARTE GÓTICO 
 
Gracias xerbar y Green, me alegro que os guste el trabajo.


 


Saludos.
 




___________________________
.
.
"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
.
.
 
j.luis - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
Volver arribaPágina inferior
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Re: ARTE GÓTICO 
 
...CONTINUACIÓN



Escultura Gótica



Escultura Gótica en España

Aunque el gótico sucede al románico, el hecho es que se produce un cambio brusco en la concepción de las formas, no sólo arquitectónicas, sino escultóricas y en todos los órdenes. El hieratismo geométrico de la figura escultórica románica que induce una percepción atemporal y simbólico deja paso a un progesivo naturalismo. Mediante el concepto naturalista de la escultura gótica se pretende representar el mundo visible tal y como es. Se representa la naturaleza, y por tanto desaparece el anhelo simbólico, que sólo por la arquitectura permanece en el arte gótico.

La escultura gótica es el estilo escultórico que corresponde al periodo gótico del arte occidental, y por tanto se extiende desde finales del siglo XII hasta comienzos del siglo XV por la Europa Occidental cristiana. Este estilo que permaneció durante tres siglos aproximadamente en apogeo, nació en dos lugares de gran prestigio religioso, político y cultural la Basílica de Saint Denis y la catedral de Chartres pertenecientes a la Isla de Francia.

Fue un tipo de escultura que evolucionó a partir de la románica y que más adelante se «disolvió» en lo que sería la escultura del renacimiento y el manierismo. Durante el renacimiento —cuando los valores clásicos fueron reconsiderados de nuevo—, la escultura de los siglos inmediatamente anteriores era considerada como grosera y basta y se la llamó «gótica», ya que se creía que era fruto de la cultura de los godos, unos bárbaros responsables de la desaparición del Imperio Romano. Pero nunca los que vivieron en la época gótica hicieron servir esta denominación, ni mucho menos, se consideraban bárbaros. Al contrario, la aparición del arte gótico fue visto como una innovación y fue nombrado opus modernum ( obra moderna), siendo la escultura una de sus expresiones más importantes. Sin embargo, esta valoración negativa se prolongó hasta mediados del siglo XIX, cuando surgió un movimiento revivalista, llamado neogótico, que hizo recuperar sus valores. A pesar de saber que el arte gótico no tenía nada que ver con los godos, se mantuvo el nombre, seguramente, por tantos años de uso.

La escultura gótica nació estrechamente vinculada a la arquitectura, como se observa en la decoración de las grandes catedrales y otros edificios religiosos, pero con el tiempo fue ganando independencia. Durante una primera etapa se cultivó un estilo austero, estilizado, de proporciones alargadas y con una apariencia general hierática, que quería transmitir espiritualidad, alejándose de la anatomía real de un cuerpo. Pero pronto evolucionó hacia un naturalismo más grande, hacia el realismo, a partir de una absorción progresiva de influencias clásicas y una observación más profunda de la naturaleza. A pesar de tratarse de forma independiente, la escultura gótica, incluso en sus etapas finales, continuó estando integrada a la decoración arquitectónica.

La historia de la escultura gótica aún tiene puntos oscuros. En algunas épocas hubo una destrucción masiva de monumentos y obras de arte medievales, como por ejemplo durante el movimiento iconoclasta que acompañó la Reforma protestante, y durante la Revolución Francesa. Por tanto, la determinación de la cronología, la genealogía y la distribución y propagación geográfica del estilo presenta muchos vacíos difíciles de llenar. Hay que añadir que cuando el gótico fue bien valorado, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, por desconocimiento, se hicieron restauraciones inadecuadas en muchos monumentos. A pesar de estos problemas, existe una gran colección de esculturas esparcidas por toda Europa, lo que demuestra la intensa producción de los artistas de la época...



Algunas imágenes de escultura Gótica en España y en Europa


 61portada_central_del_p_rtico_oeste_de_la_catedral_de_laon

Portada central del pórtico oeste de la catedral de León.


 62p_rtico_real_de_la_catedral_de_chartres

Pórtico Real de la catedral de Chartres. Francia


 77fachada_neog_tica_de_la_catedral_de_santa_mar_a_del_fiore_en_florencia_con_decoraci_n_escult_rica

Fachada neogótica de la catedral de Santa María del Fiore, en Florencia. Italia, con decoración escultórica.


 78fachada_neog_tica_de_la_catedral_de_santa_mar_a_del_fiore_en_florencia_con_decoraci_n_escult_rica

Relicario arqueta de Sant Cugat gótico del siglo XIV. La arqueta de Sant Cugat, es un relicario de orfebrería de principios del siglo XIV, realizada con placas de plata repujada y cincelada en parte doradas y sobrepuestas sobre una arqueta de madera, que representan escenas de la vida y muerte de san Cugat. Sus autores fueron Joan de Gènova i Arnau Campredon. Durante el siglo XVII se procedió a su desmontaje y se construyó una nueva de menor tamaño, en la que se reutilizaron las planchas de plata de la anterior. Se conservó en el monasterio de Sant Cugat del Vallés desde el siglo XIV hasta el año 1835, que debido a la desamortización del monasterio, la arqueta con las reliquias pasó a venerarse a la iglesia de Sant Cugat del Rec, en Barcelona. En la actualidad pertenece a la colección del Museo Diocesano de Barcelona.


 76cath_drale_notre_dame_de_paris_32

Portal de Santa Ana en la fachada de Notre Dame de París. Francia.


 63puerta_del_sarmental_de_la_catedral_de_burgos

Puerta del Sarmental de la catedral de Burgos.


 65cartuja_de_moraflores_burgos_retablo_mayor_y_tumba_de_juan_ii

Retablo de la Cartuja de Miraflores (Burgos), de Gil de Siloé.


 66retablo_en_la_iglesia_de_santa_mar_a_de_l_beck

Retablo en la iglesia de Santa María de Lübeck. Alemania.


 67sig_enza_catedral_14
 67sig_enza_catedral

El celebérrimo Sepulcro del Doncel, en la Catedral de Sigüenza. Guadalajara. Tumba de Martín Vázquez de Arce, El Doncel de Sigüenza, taller de Sebastián de Almonacid, hacia 1486.


 68detalle_del_retablo_mayor_de_la_iglesia_de_santa_mar_a_de_veit_stoss_en_cracovia_polonia

Detalle del retablo mayor de la iglesia de Santa María de Veit Stoss en Cracovia. Polonia.


 69el_c_lebre_sant_jordi_san_jorge_de_pere_johan_hacia_1420_palacio_de_la_generalidad_de_catalu_a_barcelona

El célebre Sant Jordi (San Jorge), de Pere Johan, hacia 1420. Palacio de la Generalidad de Cataluña, Barcelona.


 70el_jinete_de_bamberg_en_la_catedral_de_bamberg

El Jinete de Bamberg en la Catedral de Bamberg. Alemania.


 80fachada_principal_de_la_catedral_de_cuenca

Portada de la Catedral de Cuenca. La catedral de Santa María y San Julián de Cuenca es el templo principal de la ciudad y la sede diocesiana de la diócesis de Cuenca, en la provincia eclesiástica de Toledo. La catedral conquense es una de las más importantes catedrales góticas de España a pesar de ser bastante menos conocida que sus parientes de Toledo, Burgos, León, Segovia... Lo más destacado del edificio es que pertenece a un planteamiento muy inicial del gótico, ligado al arte franconormando del siglo XII francés, como las catedrales de Sason y León.


 71altar_de_la_sagrada_sangre_por_tilman_riemenschneider_en_rothenburg_ob_der_tauber

Altar de la Sagrada Sangre por Tilman Riemenschneider en Rothenburg ob der Tauber. Alemania.


 73virgen_de_los_ngeles_c_1500_de_alejo_de_vah_a_villafrech_s_valladolid

Virgen de los Ángeles, c.1500 de Alejo de Vahía. Villafrechós, (Valladolid).


 72imagen_de_la_virgen_con_ni_o_que_presenta_el_t_pico_contrapposto_del_g_tico_ejemplo_del_tipo_virgen_bella_museo_de_erasmus_cioleka_en_cracovia

Imagen de la Virgen con Niño, que presenta el típico contrapposto del gótico, ejemplo del tipo «Virgen bella». Museo de Erasmus Cioleka, en Cracovia. Polonia.


 81claustro_de_catedral_de_oviedo_ref_0006

Pórtico de la Catedral de San Salvador de Oviedo (Principado de Asturias). La catedral de estilo gótico que se encuentra en la ciudad de Oviedo . Es conocida también como Sancta Ovetensis, refiriéndose a la calidad y cantidad de las reliquias que contiene. Es de estilo gótico florido. Se tiene documentación del siglo XV con la que se demuestra que trabajaba en ella Bartolomé Solórzano, arquitecto procedente de Trasmiera (Cantabria) y que había intervenido ya en la catedral de Palencia.


 64relicario_de_los_reyes_magos_en_la_catedral_de_colonia_obra_de_nicol_s_de_verd_n

Relicario de los Reyes Magos en la catedral de Colonia, Alemania. Obra de Nicolás de Verdún.


 55juan_de_cervantes_sepulcro_lorenzo_mercadante_de_breta_a_1458_catedral_de_sevilla

Juan de Cervantes, sepulcro. Lorenzo Mercadante de Bretaña (1458). Catedral de Sevilla.


 56escuela_de_veit_stoss_altar_rosenkranz_liebfrauenm_nster_en_ingolstadt_g_tico_tard_o_c_1510

Escuela de Veit Stoss: Altar Rosenkranz, Liebfrauenmünster en Ingolstadt. Gótico tardío c. 1510.


 57ap_stoles_del_p_rtico_de_la_gloria

Imágenes de apóstoles en el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela.


 58_ngel_de_la_sonrisa_catedral_de_reims_siglo_xiii_g_tico_primitivo

Ángel de la sonrisa, catedral de Reims, siglo XIII. Gótico primitivo.


 59catedral_de_toledo_altar_mayor_detalle_3

La Anunciación, tabla del retablo mayor de la Catedral de Toledo.


 74detalle_del_retablo_mayor_de_la_catedral_de_toledo

Enmarcado por la rejería renacentista de Francisco de Villalpando (1540-1548), un fragmento del Retablo mayor de la Catedral de Toledo (1497-1504). Entre los arquitectos, pintores y escultores que intervinieron por encargo del Cardenal Cisneros en esta obra maestra colectiva, de la escultura gótica, estuvieron: Enrique Egas y Pedro Gumiel (diseño); Francisco de Amberes y Juan de Borgoña (estofado y policromía); Rodrigo Alemán, Felipe Vigarni, Diego Copín de Holanda y Sebastián de Almonacid (imaginería); y Petit Juan (entallado y filigranas).


 60p_rtico_de_la_catedral_de_bamberg_detalle_a_la_derecha

Pórtico de la Catedral de Bamberg, Alemania. Detalle a la derecha.


 79puerta_perdon_toledo

Puerta del Perdón. Catedral de Toledo. La puerta del Perdón es del siglo XV: se comenzó, bajo la dirección de Alvar Martínez, en 1418. Se llama así porque hubo un tiempo en que se concedían indulgencias a los penitentes que entraban por ella. Esta puerta en la actualidad está siempre cerrada y se abre en las grandes ocasiones y cuando el nuevo arzobispo toma posesión de la catedral primada. Tiene un gran arco con seis arquivoltas góticas. Sigue la iconografía clásica del gótico, con la figura del Salvador en el mainel y un apostolado en las jambas, y en el tímpano aparece la Virgen imponiendo la casulla a San Ildefonso, tema muy especial de esta catedral que se repetirá en el interior en capillas y pinturas. Las hojas de la puerta miden más de 5 m de altura y están chapadas en bronce y muy trabajadas; son del siglo XIV. La del Juicio Final es la más antigua, y representa, como su nombre indica, la escena del Juicio Final.


 75t_mulo_de_d_in_s_de_castro_52b

Detalle de la tumba de Inés de Castro en Alcobaça. Portugal.


 82claustro_pamplona_lateral_oeste

Claustro de la Catedral de Pamplona. El actual claustro de la Catedral de Pamplona fue levantado entre 1280 y 1360 aproximadamente. Es considerado uno de los mejores ejemplos de claustro gótico de toda Europa y sin duda, el mejor del siglo XIV.


Más info de la Escultura Gótica en la Wikipedia



CONTINÚA MÁS ABAJO...
 




___________________________
.
.
"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
.
.
 
j.luis - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
Volver arribaPágina inferior
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Re: ARTE GÓTICO 
 
... CONTINUACIÓN



Pintura Gótica


La pintura gótica, una de las expresiones del arte gótico, no apareció hasta alrededor del año 1200, es decir, casi 30 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a principios del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia septentrional de finales de siglo. Diseminándose por el resto de Europa, el periodo gótico se extendió durante más de doscientos años.


 0giotto_di_bondone_017

Expresión de dolor y lamentación en uno de los ángeles del Llanto sobre el cuerpo de Cristo, pintura mural realizada por Giotto (h. 1266-1337) en la Capilla de los Scrovegni de Padua, Italia.

Características generales. La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor, frente a las simplificadas e idealizadas representaciones del románico. Se considera que esta característica surge por vez primera en la obra de los artistas italianos de finales del siglo XIII, y que marcó el estilo dominante en la pintura europea hasta el final del siglo XV. La pintura gótica se aproxima a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, no obstante, sigue siendo poco usual. Se desprende de los convencionalismos y amaneramientos bizantinos y románicos, pero no toma como ideal de belleza el arte griego ni romano antiguo. Por lo mismo, aunque dicha pintura es un verdadero renacimiento, se distingue de la propiamente llamada del Renacimiento clásico en que no cifra, como ésta, su perfección en la belleza de las formas exteriores (que, aún sin descuidarlas, resultan, a veces, algo incorrectas en la pintura gótica) sino, sobre todo, en la expresión de la idea religiosa y en dar a las figuras cierto sabor místico y eminentemente cristiano. A pesar de ello, también ha de decirse que es en este momento en el que comienza la pintura profana, esto es, la pintura en que los temas ya no son siempre religiosos.

En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico. El artista gótico busca su inspiración en la vida. Hay mucho sentimiento en las obras góticas. Paralelamente, la cultura burguesa demanda una nueva elegancia dentro del arte. Hay más detalles narrativos, más frescura, color, luminosidad,... que se logran con técnicas más refinadas.

En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines religiosos. Muchas pinturas eran recursos didácticos que hacían el cristianismo visible para una población analfabeta; otras eran expuestas como iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones. Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva. En efecto, se produjeron lentos avances en el uso de la perspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento de los soportes (que permiten la mayor difusión de un arte mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes


Las técnicas de la pintura gótica, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas.



Pintura Gótica en España


 83virgen_de_los_reyes_cat_licos_an_nimo_hispano_flamenco_1491_93_museo_del_prado

Virgen de los Reyes Católicos, anónimo hispano flamenco, 1491-93, Museo del Prado, Madrid.

La arquitectura gótica. que dificultó seguir pintando murales en las paredes de las iglesias, como se hizo en el románico. En cambio, surgió el arte de las vidrieras. La pintura gótica se fue desplazando hacia los retablos, pintándose en madera al temple, esto es, usando huevo o cola como aglutinante. Ya en el siglo XV se difunde la pintura al óleo.

En España, la llegada de la pintura gótica significa una mayor independencia de ésta respecto a la arquitectura, así como la diversidad de temas y formas. Se produce un predominio de lo pintoresco, con la aparición de los primeros paisajes. El dibujo se vuelve minucioso y detallista.
Miniatura de las Cantigas de Santa María.

Se desarrolló a lo largos de los siglos XIV y XV. Se diferencian cuatro fases.


 84miniatura_de_las_cantigas_de_santa_mar_a

Miniatura de las Cantigas de Santa María.


Estilo gótico lineal o francogótico

Se inicia en el siglo XIII y predomina hasta mediados del siglo XIV.

Es una pintura de tendencia dibujística; se concede especial importancia a las líneas del dibujo. Los temas son de un naturalismo ingenuo.

En España las vidrieras se reducen, prácticamente, a algunas de la Catedral de León. En cambio, sigue produciéndose pintura mural. Se cultiva, asimismo, la pintura sobre tabla y las miniaturas.


 85pinturas_de_la_sala_capitular_del_monasterio_de_sigena_villanueva_de_sigena_huesca

Pinturas de la sala capitular del Monasterio de Sigena (Villanueva de Sigena, Huesca).

Pintura mural. Las obras maestras de la pintura mural en esta época son la Sala capitular de Sigena en la comarca aragonesa de los Monegros, hoy en Museo Nacional de Arte de Cataluña, y los frescos de la capilla de San Martín o del Aceite, en la Catedral Vieja de Salamanca, obra de Antón Sánchez de Segovia. Además, pueden citarse las pinturas murales de Santa Clara de Toro, las de la iglesia de San Martín de Tours en Gazeo (Álava), las de San Fructuoso de Bierge y las del museo de Pamplona, procedentes de la catedral.


 86retablo_de_santo_domingo_de_guzm_n_tamarite_de_litera

Retablo de Santo Domingo de Tamarite de Litera. En la actual exposición permanente del Museo de Arte de Cataluña podemos ver este retablo de Santo Domingo de Guzmán donde se representan diversas escenas de la vida del dominico. Su primer origen conocido es la sacristía de la ermita de San Miguel de Tamarite de Litera. Sobre un soporte rectangular de madera de pino, el maestro pintó las historias del Santo en el primer cuarto del siglo XIV. En la tabla central aparece Santo Domingo de pie, portando un libro y un cetro rematado en flor de lis blanca, tonsurado y barbado, de tamaño mucho mayor al de las restantes figuraciones y bajo un arco polilobulado que apoya sobre columnillas sogueadas.

Pintura sobre tabla. Cabe citar, en primer lugar, los frontales catalanes y aragoneses que siguen las estructuras románicas, pero con técnicas e iconografía góticolineales, como el frontal de Valltarga, y el de Aviá.

Se hacen los primeros retablos, que dedican la calle central al santo o tema correspondiente, y las calles laterales a escenas relativas a su historia. El más destacado de este grupo es el retablo de Quejana, de 1396.

Pueden citarse, además, los retablos de Santo Domingo de Tamarite de Litera, el de San Pedro Mártir, el de Luis de Tolosa (Monasterio de Santa Clara de Tordesillas), el de San Millán de la Cogolla (La Rioja) y el de San Cristóbal.

Se han de incluir también en este tipo de pintura sobre tabla las del arca de San Isidro (Palacio Arzobispal de Madrid) y las del sepulcro de Sancho Saiz de Carrillo, de Mahamud (Burgos).

Igualmente, se pinta sobre los techos, como puede verse en la Catedral de Teruel, atribuida a Domingo Peñaflor.


 87_alfonso_x_el_sabio_con_sus_colaboradores_del_escritorio_real

Alfonso X el Sabio con sus colaboradores del escritorio real. Por literatura de Alfonso X el Sabio se entiende toda la obra literaria de carácter lírico, jurídico, histórico, científico y recreativo realizada en el ámbito del escritorio del rey Alfonso X de Castilla.

Miniatura. La obra maestra de la miniatura española son las cuarenta que se encuentran en el códice de Monasterio de El Escorial de Las Cantigas, realizada en el escritorio de Alfonso X.

Pueden citarse, además, dos Biblias de Pamplona, particularmente la que se conserva en la Biblioteca Municipal de Amiens, encargada por Sancho el Fuerte de Navarra, en 1197.


 88retaule_de_fra_bonifaci_ferrer_atribu_t_a_gherardo_starnina_museu_de_belles_arts_de_val_ncia

Retablo de fray Bonifacio Ferrer, Valencia, Museo de Bellas Artes. Obra atribuida a Gherardo Starnina (Florencia, segunda mitad del siglo XIV — inicios del siglo XV) fue un pintor italiano, identificado con el Maestro del Bambino Vispo.

Estilo italogótico o trecentista. Son los rasgos típicos de este estilo el estudio de la perspectiva clásica, así como de la anatomía; se profundiza en la representación de los sentimientos.

Es el estilo del Duecento (siglo XIII) y Trecento (siglo XIV), en el que se diferencia entre la Siena y la Florencia.

En España, este estilo se impuso en la segunda mitad del siglo XIV, siguiendo especialmente el estilo de la escuela sienesa. Su recepción se produjo a través de la Corona de Aragón, tanto a través de la llegada de obras de arte pintadas en este estilo (el retablo de la Pasión en Santa Clara de Asís de Palma de Mallorca), como de pintores italianos (Gherardo Starnina).


Corona de Aragón. Predomina la influencia sienesa.

 89frescos_de_la_capilla_de_san_miguel_del_monasterio_de_pedralbes_por_ferrer_bassa

Frescos de la capilla de San Miguel del monasterio de Pedralbes, por Ferrer Bassa.

    • Cataluña:
        - Ferrer Bassa, del que destacan las pinturas murales del Monasterio de Pedralbes (Barcelona).
        - Ramón Destorrents, es el pintor más representativo. Su obra maestra es la Santa Ana del retablo de la Almudaina de Palma de Mallorca. Se le atribuye, además, el retablo de San Marcos de la Seo de Manresa.
        - Los hermanos Serra: Jaime, Juan y Pedro. De Pedro Serra destaca el retablo del Espíritu Santo, de la Seo de Manresa (hacia 1394). De Jaime Serra, activo en el Reino de Aragón, pueden citarse los retablos de Sigena (Huesca) y el de fray Martín de Alpartil para el convento del Santo Sepulcro de Zaragoza.


 90manresa_col_legiata_bas_lica_de_santa_maria_de_manresa

Retablo del Espíritu Santo. Autores: Pere Serra y Lluís Borrassà. 1394. Estilo: Gótico. Pintura al temple sobre tabla. Colegita Basílica de Santa María, Manresa.

    • Aragón:
        - Maestro de Estopiñán: Retablo de San Vicente, procedente de Estopiñán del Castillo, de mediados del siglo XIV.


 91retaule_de_sant_vicen_mestre_de_estopany

Retablo de San Vicente. Maestro de Estopiñán, 1350-1370. Estilo: Gótico. Temple sobre tabla, 200 × 255 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.


Castilla. Predomina la influencia florentina. En 1395 se documenta la presencia de los florentinos Gherardo Starnina y Nicolás de Antonio, autores de las tablas del retablo de San Salvador de la catedral de Toledo, actualmente desmembrado, del que alguna tabla se conserva en el retablo de la capilla de Santa Eugenia. Por su evidente italianismo es muy probable que estos mismos pintores sean los autores de los frescos de la capilla de San Blas en el claustro de la misma catedral toledana, construida hacia las mismas fechas, colaborando con ellos Juan Rodríguez de Toledo, cuya firma aparece en las pinturas de la zona inferior. Al mismo Rodríguez de Toledo se atribuye el retablo de Don Sancho de Rojas, actualmente en el Museo del Prado.


 92retablo_del_arzobispo_don_sancho_de_rojas_actualmente_en_el_museo_del_prado

Retablo del arzobispo don Sancho de Rojas. Rodríguez de Toledo, Juan. 1415 - 1420. Técnica: Temple sobre tabla, 532 x 618 cm. Actualmente en el Museo del Prado, Madrid.


 93retablo_del_arzobispo_don_sancho_de_rojas

Andalucía. En Andalucía merecen mencionarse las pinturas murales con la Coronación de la Virgen en Santa María de Arcos de la Frontera (Cádiz) y las realizadas por un artista cristiano en la Sala de los Reyes de La Alhambra de Granada.


Estilo internacional

En la primera mitad del siglo XV nace en el centro de Europa, al fundirse la influencia italiana (estilización de las figuras, melancolía, aspectos iconográficos) con la francesa (tendencia a lo caligráfico, sentido caballeresco).

Se valora más la expresión. Las figuras se estilizan. Predomina la línea curva, especialmente en los ropajes, que presentan numerosos plegados. Se añaden detalles de fuerte sabor simbólico.

En España, se desarrolla en particular en la Corona de Aragón, habiendo diversas escuelas regionales.


 95batalla_del_puig_por_marzal_de_sas_1410_20

Batalla del Puig. Marzal de Sax. Hacia 1410-20. Temple sobre tabla. Victoria and Albert Museum. Londres. Representa la batalla en la que el Rey de Aragón (vestido con el Señal Real de Aragón), Jaime I, conquista El Puig a las tropas musulmanas con la intercesión de San Jorge (vestido con la Cruz de San Jorge), que aparece en segundo plano.

Corona de Aragón. La escuela de Valencia tiene su auge en la primera mitad del siglo XV, con obras como la Transfiguración de Cristo de Sanchis y Sivera, en la sacristía de la Catedral de Valencia y autores como Lorenzo Zaragoza, Pedro Nicolau y Marzal de Sax.

En Cataluña destacan Luis Borrassá y Bernardo Martorell al que siguen Ramón de Mur o Pere Lembrí activo en las comarcas de Tortosa y el Maestrazgo.

En Aragón trabajaron Pedro Zuera, Maestro de Arguís y Juan Leví.

La principal figura de Mallorca es Francisco Comes.


 96tablas_del_retablo_de_los_lorenzo_prudencio_y_catalina_catedral_de_tarazona

Juan de Leví. Tablas del Retablo de los Lorenzo, Prudencio y Catalina, Catedral de Tarazona.


 97retablo_de_la_catedral_vieja_de_salamanca_con_la_pintura_mural_del_juicio_final_en_el_cascar_n_del_bside

Retablo de la Catedral Vieja de Salamanca con la pintura mural del Juicio Final en el cascarón del ábside. Obra de Nicolò Delli, llamado en España Nicolás Florentino (Florencia, 1413 - Valencia, 1470) es un pintor italiano del estilo gótico internacional que trabajó en España, en concreto en el reino de Castilla. Se ha considerado tradicionalmente que los hermanos Nicolás y Dello Delli pintaron la bóveda del Juicio Final y el retablo mayor de la Catedral Vieja de Salamanca, aunque es cuestión controvertida.


Castilla. Nicolás Francés trabaja en León: retablo de La Bañeza. Nicolás y Dello Delli trabajan en las pinturas de la bóveda y retablo mayor de la Catedral Vieja de Salamanca, y en la diócesis de Sigüenza lo hace el Maestro de Sigüenza, identificado con Juan de Sevilla.


 94nicol_s_franc_s_retablo_de_la_vida_de_la_virgen_y_de_san_francisco_1445_1460_museo_del_prado_madrid

Nicolás Francés. Retablo de la vida de la Virgen y de san Francisco, 1445-1460. Museo del Prado, Madrid.


Estilo flamenco

A fines del primer cuarto del siglo XV se inicia el estilo flamenco, que arranca de las formas del estilo internacional de los maestros que trabajaron en las cortes de los duques de Berry y de Borgoña. Su principal característica es el uso del aceite como aglutinante, técnica al óleo que tiene unas consecuencias estéticas: mayor viveza de colores, la superposición (veladura) permite una mayor variedad de tonos, más minuciosidad y detallismo. En consecuencia, se refleja el ambiente con mayor realismo (en los rostros, los ropajes, las cosas, plantas, animales, paisajes) no exento, sin embargo, de simbolismo.

A mitad de siglo, dentro del contexto cultural denominado hispano-flamenco, llega a la Península, en particular a Castilla, esta pintura realista, rica en colores y minuciosa en sus detalles. Existieron varias escuelas regionales.


 100santo_domingo_de_silos_bartolom_bermejo_1418859628_366849

Bartolomé Bermejo. Santo Domingo de Silos entronizado como obispo, c. 1475. Museo del Prado, Madrid.


Corona de Aragón. En Cataluña destacan el valenciano Luis Dalmau, autor de la Virgen dels Consellers (1443), muy influido por Jan Van Eyck; y Jaime Huguet (m. 1492), el más representativo de esta escuela. Además, tuvieron un importante taller los Vergós.


 103dalmau_mare_de_deu_dels_consellers

La Virgen dels Consellers (Virgen de los Consejeros en castellano) es una tabla pintada al óleo por el artista Lluís Dalmau en 1445,óleo sobre tabla, 311,5 × 311 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona. Está considerada como una de las piezas en pintura gótica flamenca más importantes realizadas en Cataluña.

En Valencia trabajaron el brujense Louis Alincbrot, conocedor de la obra de Jan van Eyck, establecido en la capital del Turia de 1439 a 1460, Jacomart, a partir de 1451, autor del retablo de Catí, y Juan Rexach, a quien se atribuye el retablo de San Martín, en la catedral de Segorbe.

Destaca en las Islas Baleares el pintor Pedro Nisart, muy influido por Van Eyck, según se advierte en el San Jorge, con una vista de Palma de Mallorca al fondo.

El pintor más destacado de la época en la Corona aragonesa fue, sin embargo, cordobés: B. Bermejo, cuyas obras más destacadas son Santo Domingo de Silos y la Piedad del arcediano Desplá.


 101jaime_huguet_001

Jaime Huguet. Retablo del condestable Don Pedro de Portugal. Museo de Historia de la Ciudad, Real Capilla de Santa Águeda, Barcelona (1464)


Castilla. Jorge Inglés pintó el retablo de la Virgen para Buitrago del Lozoya (1455), en el que destaca el conocido retrato del Marqués de Santillana como donante. Influyó en el Maestro de Sopetrán.

Juan de Segovia, identificado con el Maestro de los Luna, y Sancho de Zamora contrataron en 1488 el retablo de la capilla de don Álvaro de Luna, en la catedral de Toledo.

Alto valor artístico y documental tiene la tabla de la llamada Virgen de los Reyes Católicos, de un maestro anónimo provisionalmente conocido como el Maestro de los Reyes Católicos.

Destaca el trabajo del salmantino Fernando Gallego, cuya obra maestra es el retablo de San Ildefonso de Toledo de la Catedral de Zamora. Otras obras: la Piedad, Cristo bendiciendo y la representación de las constelaciones en la Universidad de Salamanca.

En Andalucía merece citarse a Juan Sánchez de Castro por la Virgen de Gracia de la Catedral de Sevilla y a Pedro de Córdoba, autor de una excepcional Anunciación para la catedral de Córdoba.


 102_retablo_gozos_de_santa_mar_a_jorge_ingl_s_doc_1455_prado

Jorge Inglés. Retablo de los Gozos de Santa María. Doc. 1455. Óleo sobre tabla, 497 x 463 cm, Depositado en el Museo del Prado por don Íñigo de Arteaga, duque del Infantado.


Fernando Gallego

Fernando Gallego es posiblemente el pintor más importante de este periodo. Debió conocer bien la pintura de los primitivos flamencos y es posible que fuera allí en alguna de las expediciones que partieron desde Castilla.

Una de sus principales obras es el Martirio de Santa Catalina. La escena se desarrolla al aire libre. En el paisaje del fondo se aprecia un gran detallismo en los motivos arquitectónicos. En el desnudo de Santa Catalina -contemporánea al Nacimiento de Venus de Boticelli- todavía no hay rasgos de la antigüedad clásica, sino que se trata de una figura medieval.  Otro hecho destacable es el caricaturismo con que pinta a los verdugos.

 104fernando_gallego_martirio_de_santa_catalina

Martirio de Santa Catalina. Fernando Gallego, 1470 h. Óleo sobre tabla, 125 x 109 cm. Museo del Prado, Madrid


 106fernando_gallego_epiphany_1418860767_877532

Epifanía. Fernando Gallego, 1480-1490, óleo sobre tabla, 136 x 106 cm, Barcelona, Museu Nacional d'Art de Catalunya.


 cristo_bendiciendo_leo_y_temple_sobre_tabla_de_pino_169_x_132_cm_madrid_museo_del_prado

Cristo bendiciendo. Fernando Gallego, hacia 1492, óleo y temple sobre tabla de pino, 169 x 132 cm, Madrid, Museo del Prado, Madrid.


 el_cielo_de_salamanca_fernando_gallego

Bóveda celeste. Fernando Gallego. 1483-86. Óleo y temple sobre tela (antigua pintura mural). Diámetro 850 cm. Escuelas Menores, Universidad de Salamanca.


En el Retablo de la Piedad. Fernando Gallego se muestra un realismo humanizado y dramático donde aparecen lágrimas, gotas de sangre.


 105la_piedad_gallego_fernando_mp_sxv_1418860204_468533

La Piedad. Fernando Gallego, óleo y temple sobre tabla de pino, 117,8 x 111 cm, Madrid, Museo del Prado. Se trata de una de las tres únicas obras firmadas por el pintor que se han conservado, punto de partida para la fijación de su estilo.




... CONTINÚA MÁS ABAJO
 




___________________________
.
.
"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
.
.
 
j.luis - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
Volver arribaPágina inferior
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Re: ARTE GÓTICO 
 
... CONTINUACIÓN



Pintura Gótica en Europa



 0madonna_con_ngeles_y_san_francisco_obra_de_cimabue_hacia_1280_pintura_al_fresco_ejecutada_en_la_iglesia_inferior_de_as_s

Madonna con ángeles y San Francisco, obra de Cimabue, hacia 1280, pintura al fresco ejecutada en la iglesia inferior de Asís. Asis, Italia.

técnicas de la pintura gótica. La técnicas de la pintura gótica, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas.


Pintura mural o frescos. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, especialmente en Italia, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores. Fuera de Italia no se cultivaron mucho. Italia, apegada a la forma basilical de las iglesias, conservó mayor extensión en los muros para las pinturas y mosaicos que narran historias religiosas.

En la Toscana, las escuela sienesa y florentina, con el Giotto como el más grande de los pintores del Trecento, continuaron la tradición de la gran pintura mural, ya que la arquitectura gótica no llegó a echar raíces en Italia como en Francia. Esta pintura toscana del Trecento, siendo plenamente gótica, anticipa ya el Renacimiento. Los nombres más destacados fueron Cimabue y Giotto.


 125vitral_de_la_cabecera_de_la_iglesia_de_san_pedro_de_caen_siglo_xiii_normand_a_francia

Vitral de la cabecera de la Iglesia de San Pedro de Caen (Siglo XIII). Normandía, Francia.


Vidrieras. Frente a lo que ocurre en Italia, en el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV. El desarrollo de la Arquitectura gótica con la progresiva sustitución del muro por grandes ventanales con vitrales de colores que permiten el paso hacia el espacio interior de una luz polícroma y matizada, implicó, en las grandes catedrales góticas de Francia, a la prálctica desaparición de la pintura mural que se había desarrollado ampliamente en los muros de las iglesias románicas.

El muro translúcido fue el primer espacio propio o ámbito donde se desarrollaron las artes del dibujo y del color en el Gótico. Durante la Baja Edad Media el arte de los vitrales de las catedrales e iglesias se desarrolló, en Europa, paralelamente con la arquitectura gótica, la cual se caracterizaba por la altura de sus naves y la audacia de sus estructuras con bóvedas de crucería que se apoyaban en esbeltos soportes y arbotantes para transmitir al suelo el peso y el empuje de las bóvedas, liberando de las funciones resistentes a los muros de los edificios que progresivamente fueron sustituidos por ventanales y tracerías o encajes de piedra con vitrales de color.


 cath_drale_de_chartres_vitraux_choeur

Vidrieras de la Catedralde de Chartres, Francia.

En una primera etapa los colores son vivos y saturados, el plomo delimita las formas, las cuales son delineadas con precisión para poder ser vistas a través de la irradiación luminosa de la vidriera, ello conduce a la tendencia de descomponer la vidriera en medallones, nichos u otro tipo de compartimentos. Las vidrieras revelan, más que ningún otro arte, el componente irrealista y artificial del arte gótico.

A mediados del siglo XIII se produce una modificación profunda de la gama de colores ya que los fondos incoloros se asocian a los tonos quebrados de las escenas y figuras. Con una gama potente pero restringida, las menudas figuras humanas se hacen más agitadas y libres. En la Iglesia de San Urbano de Troyes (hacia 1270) o en las vidrieras de medio punto de la catedral de Beauvais, es donde se dan los mejores ejemplos de estas innovaciones.


 163normandie_eure_evreux2_tango

Vidrieras de la Catedral de Evreux, Francia.

En el siglo XIV, tras el descubrimiento del amarillo de plata los vitrales ganan en ligereza, llenándose de un preciosismo dorado que antes nunca tuvieron. En Normandía, en el coro de Saint-Ouen de Ruan y en la Catedral de Evreux se hallan las vidrieras más bellas. El arte de las vidrieras culmina en un estilo exquisito de una calidad igual o superior a las obras maestras de la miniatura. En la cuenca del Loira, en Champaña o en Alsacia se completa el panorama de las vidrieras en Francia, culminando en las naves laterales de la Catedral de Estrasburgo.


 vidrieras_cinco_hermanas_de_la_york_minster_catedral_g_tica_de_york2

En Inglaterra destaca la gran ventana occidental de la catedral de York.


 vidrieras_cinco_hermanas_de_la_york_minster_catedral_g_tica_de_york


Vidrieras y bóveda de la Catedral de York. Reino Unido.


 vidrieras_de_la_catedral_de_leon_ii_80b03e98_a060_430c_918b_35f1d5ab64c3

En España, las vidrieras más destacadas son las de la catedral de León.


 126el_mes_de_enero_p_gina_del_calendario_de_las_muy_ricas_horas_de_los_hermanos_limbourg_1411_1416_museo_cond

El mes de enero. Página del calendario de Las muy ricas horas, de los hermanos Limbourg (1411–1416) Museo Condé de Chantilly, Francia.

Miniaturismo e ilustración de libros. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica, registrando en sus miniaturas la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales. En la pintura de los códices (o miniaturas), sobre todo en Francia, buscando la realidad y delicadeza en las figuras, todavía les faltaba mucho a éstas para ser modelos en dibujo y perspectiva.

Las miniaturas consistían en pequeñas composiciones : pinturas o dibujos de figuras enmarcadas en las letras iniciales o en diversos compartimentos como medallones, arabescos etc. Se llamaban miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido de hierro, mezclado con colorantes naturales.

En el periodo románico y en el primer gótico los temas tenían carácter sacro, su composición estaba influida por criterios similares a los que regían para los vitrales de las catedrales e iglesias del propio periodo. En el siglo XIV, se introdujeron temas profanos y el arte de las miniaturas se trasladó a los talleres artesanos de París, Borgoña y Flandes.

Los manuscritos ilustrados tuvieron una amplia difusión internacional, a través de las cortes de la nobleza europea.

Destacados miniaturistas fueron Jean Pucelle, Jacquemart de Hesdin y los hermanos Limbourg. Quizá el más famoso manuscrito gótico sean Las muy Ricas Horas del Duque de Berry.


 127maest_del_duomo_de_siena_obra_de_duccio_di_buoninsegna_una_de_las_obras_m_s_famosas_de_la_pintura_italiana_temple_sobre_madera_214_x_412_cm

Maestá del Duomo de Siena, obra de Duccio di Buoninsegna, una de las obras más famosas de la pintura italiana; temple sobre madera, 214 x 412 cm Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo, Siena.

Pintura sobre tabla. Aunque se ha dicho que la pintura gótica tiene su espacio propio en los grandes vitrales de las Catedrales y en las miniaturas polícromas de los libros, lo cierto es que la pintura propiamente dicha donde subsistió fue en los retablos, las tablas pintadas que forman los frontales o los laterales de los altares y en los muros de las capillas laterales. Puede diferenciarse, además, entre los retablos, que son tablas pintadas o esculpidas que ornamentan los altares de las iglesias, y las tablas de devoción, individuales, de menor tamaño, que adornan las iglesias y las casas particulares.

La pintura sobre tabla, generalmente retablos, se impuso por toda Europa. En el siglo XV era ya la forma pictórica predominante, suplantando incluso a las vidrieras. De tablas o frontales únicos se pasó a dípticos, tríptico, y luego complicados polípticos que combinaban numerosas piezas hasta llegar a los grandes retablos del siglo XIV, con muchas tablas que se organizan con el banco o predela (cuerpo inferior) y calles verticales, separadas por estrechas entrecalles; en la calle central se representaba el tema principal del retablo.

Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de animales. Es novedad de la última fase del gótico el cambiar ese aglutinante por aceite, dando así lugar a la pintura al óleo. El óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista.


Fases de la pintura gótica


 128sainte_chapelle_01_1418900742_126193

«El diablo y una mujer», vidriera h. 1248, de la Santa Capilla de París.

Estilo gótico-lineal o franco-gótico. El estilo gótico lineal se desarrolla entre el siglo XIII y el XIV.Y Destaca la importancia que le da a las líneas del dibujo. Predomina un cromatismo vivo frente a los matices de color. Los temas, naturalistas, se tratan con sencillez.

Ejemplifica esta época las vidrieras de las catedrales y las miniaturas. En Francia, destaca el conjunto de la catedral de Chartres. Otras vidrieras son las de las catedrales de Bourges, Tours, Bayeux y de la Santa Capilla de París.

Es característico de las miniaturas de esta época el empleo de encuadramientos arquitectónicos, así como el uso abundante de oro y las orlas vegetales. Entre las obras producidas dentro de este estilo, cabe citar las Biblias historiadas, como la Biblia Pauperum, las dos biblias de Pamplona o la llamada Biblia moralizada de San Luis (catedral de Toledo); otras obras de devoción fueron el Salterio de la reina Blanca de Castilla (Biblioteca del Arsenal, París) y el Pasionario de Cunegunda (Praga), ya del siglo XIV. La obra maestra de la miniatura española de la época es el Códice de El Escorial de Las Cantigas, obra del scriptorium de Alfonso X.

Comienza a verse en esta época pintura sobre tabla, pudiéndose mencionar el Díptico de la Virgen (Museo de Berlín) y numerosos frontales catalanes y aragoneses, como el de Valltarga o el de Avià. En España se sigue cultivando la pintura mural en esta época, destacando la Sala Capitular de Sigena (MNAC) y la capilla de San Martín, en la Catedral Vieja de Salamanca, obra de Antón Sánchez de Segovia. En el techo de la catedral de Teruel pueden verse las pinturas atribuidas a Domingo Peñaflor.


Estilo italo-gótico. Este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (Duecento) en Italia. Se fundieron las tradiciones del arte bizantino con los primitivos estilos clásicos o paleocristianos en pinturas y paneles de Florencia y Siena. Demostraban más realismo del que se encontraba en el arte románico y en el bizantino, caracterizado por una huida de la llamada maniera greca que dominaba Italia, y que fue sustituida por un estilo más realista. Se sentía fascinación por la perspectiva, y por la ilusión de crear espacios que parecieran reales, con figuras menos rígidas y estilizadas, más anatómicamente correctas y que presentaran estados de ánimo en sus gestos y actitudes. Se muestra también un interés por la narrativa pictórica y una espiritualidad intensificada por influencia franciscana.

En el siglo XIII (Duecento) se distingue la escuela toscana, particularmente la obra de Giunta Pisano. A esta primera etapa de la pintura gótica ha de atribuirse igualmente la labor de la escuela romana de mosaicos y pintural murales, cuyos nombres más destacados son los de Jacopo Torriti y Pietro Cavallini. Cavallini fundió la pintura de la tradición local romana (arte romano y arte paleocristiano) con las convenciones bizantinas; sus vigorosos y bellos frescos y mosaicos muestran un dominio del naturalismo.


 129el_beso_de_judas_1304_1306_fresco_200_x_185_cm_capilla_de_los_scrovegni_padua

El beso de Judas, atribuido a Giotto. 1304-1306, fresco, 200 x 185 cm, Capilla de los Scrovegni, Padua, Italia.

Escuela florentina. Se considera a Cimabue el iniciador de la escuela florentina del Trecento. Trabajó en Roma en 1272, conociendo allí el mundo clásico y la pintura paleocristiana y románica, lo que le influyó para abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo. Su obra más conocida es la Maestà, que estaba en el altar de la iglesia de Santa Trinità de Florencia. A finales de siglo estuvo trabajando en la Asís.

No obstante, el gran maestro de esta escuela es un discípulo suyo, Giotto (h. 1266-1337), al que se considera como auténtico iniciador de la pintura moderna. Es Giotto quien busca representar el espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje. Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran paso en la historia de la pintura. Con él llega a la cumbre la pintura gótica italiana. En la Capilla de los Scrovegni, en Padua, se encuentra todo un ciclo de frescos (1305-1306) que mostraron escenas de la vida de la Virgen. También es importante su intervención en Asís, con un ciclo sobre la vida de San Francisco. Giotto tenía un gran poder para organizar toda una escena en torno a una imagen central, como puede verse en una de sus obras más famosas, el Beso de Judas. Estuvo en Roma en 1330, donde pintó un fresco en el palacio de Letrán. Allí conoció las innovaciones de Pietro Cavallini.

La impresión que les causó la fidelidad a la naturaleza de la obra de Giotto a sus contemporáneos, fue irresistible. La capacidad de simplificar y ordenar la experiencia de la realidad para lograr la representación directa de las cosas, junto a la disposición las historias en compartimentos historiados concebidos como ventanas donde Giotto sitúa los personajes cargados todavía de un peso escultórico que contrasta con la elocuencia de sus gestos. Sobre el fondo de arquitecturas o paisajes dibujados en complejas perspectivas, Giotto desarrolla el «espacio pictórico», un ámbito de tridimensional que se extiende en profundidad por detrás de la superficie pintada en lo que es la principal innovación de la pintura del Trecento y el más importante avance que se haya dado en toda la Historia de la Pintura. Con el espacio pictórico nace la pintura moderna. Seguidores suyos fueron Taddeo Gaddi y Andrea Orcagna.

La Peste Negra que devastó Italia a mediados del siglo XIV afectó profundamente a Florencia, lo mismo que a Siena. Su versión más impresionante es un fresco ejecutado en el año 1350 en el Campo santo de Pisa, el cementerio junto a la catedral de Pisa. Esta obra, atribuida a Francesco Traini, discípulo y seguidor de Giotto, reproduce fragmentos dramáticos y simboliza el crepúsculo de la gran pintura italiana del Trecento. Un incendio, en 1944, dañó el fresco, que tuvo que ser retirado.

La herencia de Giotto y Martini que había suscitado la mayor renovación pictórica de toda la Historia de la pintura, no se reencontrará en Italia hasta un siglo más tarde, cuando el genio del arquitecto Brunelleschi, juntamente con los pintores Masaccio y Piero della Francesca o del escultor Donatello, eleven los destinos del Arte hasta el Renacimiento.


 130simone_martini_mar_a_magdalena_detalle_del_retablo_del_altar_mayor_1321_orvieto

Simone Martini: María Magdalena, detalle del retablo del Altar Mayor (1321), Orvieto, Italia.

Escuela sienesa. Se inicia con Duccio, quien, aún fuertemente influido por la pintura bizantina, intentó superar su bidimensionalidad. En los siglos XIII y XIV, la ciudad de Siena competía en el esplendor de su arte con Florencia. Es en esta ciudad en la que Duccio ejecuta su mayor obra y una de las más famosas pinturas italianas: la Maestà de la catedral de Siena. Fue contratada por la catedral de Siena en 1308 e instalada allí con gran ceremonia en 1311. Posteriormente, la obra fue desmantelada y vendida, en parte porque no era apreciada. Como consecuencia, hay paneles de la Maestà en diversas partes del mundo, como Washington DC, Nueva York y Londres. La Maestà fue pintada por los dos lados: en un lado la Virgen con el Niño y en el otro escenas de los Evangelios; revela fuertes lazos con la tradición bizantina, pudiendo apreciarse la influencia de Europa Septentrional en las formas graciosas y ondulantes de las figuras. Duccio recibió esa influencia de segunda mano, a través de las esculturas de Nicola y Giovanni Pisano XXXX.

Se considera a Simone Martini como el artista más puramente gótico de Siena, ejemplo por antonomasia del estilo italo-gótico, y el único que podía rivalizar con Duccio. El estilo gótico norte-europeo estaba representado en la Italia de la época por Francia. En 1266 una de las ramas de la Casa de Anjou estableció una corte en Nápoles y Martini fue llamado para pintar un cuadro por encargo del rey Roberto el Prudente. Su Madonna con santos y ángeles del gran salón del Palacio Comunal de Siena (1315) es muy característica, poniendo de manifiesto la influencia que en él ejerció la pintura francesa, aunque aún mantiene lazos con la tradición bizantina.


 131_ambrogio_lorenzetti_006

Ambrogio Lorenzetti: «Alegoría de la Paz», modelo de belleza femenina del Trecento, detalle de las alegorías del Buen y del Mal Gobierno 1338-1340, Siena.

Los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti traen la marca de Giotto a la escuela sienesa. Los hermanos Lorenzetti difundieron un modelo de Virgen con Niño en un coloquio impregnado de tristeza. De las obras que ejecutaron, la obra más destacada de Ambrogio es el fresco que representaba las alegorías del Buen y del Mal Gobierno, encargado para el interior del palacio comunal de Siena. Era el primer intento de mostrar un escenario real con habitantes reales. En la alegoría de la Paz se encuentra representado el modelo de belleza femenino de la época. Ambos hermanos murieron de repente en el año 1348, probables víctimas de la Peste Negra.

Las basílicas de Asís fueron el lugar donde coincidieron los grandes pintores del final del Ducento con los del Trecento: Cimabue junto con sus discípulos, pintó en ambas basílicas. Giotto con sus discípulos, pintó las Historias Franciscanas de la Iglesia Superior, otros pintores de la escuela florentina así como Duccio di Buoninsegna, Simone Martini y otros pintores de la escuela sienesa estuvieron también en Asís. Reinventaron el retablo o la pintura sobre tabla que decoraba los altares de las catedrales e iglesias toscanas y continuaron la tradición de la gran pintura mural que culminará en el Palacio de los Papas de Aviñón.


 135_1418901794_595666

Tabla central del Retablo de San Jaime para el monasterio de Jonqueres de la ciudad de Barcelona. Se conserva en el Museo Diocesano de Barcelona.1 62 La autoría se atribuye a Ferrer Bassa y a su hijo Arnau, firmantes del contrato.


Difusión por Europa. El nuevo estilo italiano influyó en la pintura de los distintos países, pudiendo citarse a Jean Pucelle en Francia y al maestro Bertram en Alemania. Por lo que se refiere a España, pronto se recibieron directamente obras realizadas en Italia, como el retablo de Don Juan de Manuel (catedral de Murcia), obra de Barnaba da Modena. Pintores italianos, como Gerardo Starnina, trabajaron en la Península Ibérica. En Cataluña inició el estilo Ferrer Bassa, que debió pasar un tiempo en Italia. No obstante, el autor más destacado de la escuela catalana es Ramón Destorrents. Pueden mencionarse, asimismo, a los hermanos Jaume y Pere Serra.


 pere_serra_retablo_manresa

Pere Serra, Retablo de la Pentecostés, hacia 1394, Catedral de Manresa, Barcelona.


Estilo internacional. El estilo internacional fusiona, a finales del siglo XIV, características del gótico lineal propio del Norte de Europa y la pintura trecentista italiana. Los artistas destacados viajaban de Italia a Francia y a la inversa, así como por toda Europa, de manera que las ideas se divulgan y combinan. Los pintores siguen una técnica minuciosa, representando con gran detalle las anécdotas, buscando reflejar la realidad con gran naturalismo, pero sin olvidar el sentido simbólico de lo que se representa. Las figuras se estilizan, y abundan los plegados en los ropajes. Ahora, los temas, aunque religiosos, se interpretan como profanos, los santos se transforman en apuestos caballeros y distinguidas damas, que se desenvuelven con ademanes exageradamente afectados en ambientes palaciegos. Obras de este estilo se vieron no sólo en esos dos países ya mencionados, sino también en Inglaterra, Alemania, Austria o Bohemia.



 132he_wilton_diptych_left

El Rey Ricardo II es encomendado a la Virgen, Parte izquierda del Díptico de Wilton, hacia 1395, National Gallery de Londres.


Francia es el centro difusor de estas tendencias, comenzando por la influencia de los duques Juan de Berry y Felipe de Borgoña. Aún prevalecía allí la iluminación de manuscritos como la forma de pintura predominante. Llegó a nuevas cumbres con la obra de los Hermanos Limbourg, quienes aún viviendo en los Países Bajos, trabajaban para la nobleza francesa. Su obra maestra conjunta son las Muy Ricas Horas, encargo del duque de Berry. Pertenece al género de los libros de horas, un libro de oraciones ilustrado que contenía los rezos para cada una de las siete horas canónicas del día. También incluía un calendario y uno de cada dos meses está ilustrado con temas profanos referentes a cada estación. La obra aún estaba incompleta cuando los artistas murieron, posiblemente debido a la Peste Negra.


 lamentation_of_the_virgin_rohan

El epítome del arte del Maestro de Rohan es la «Lamentación de la Virgen» (f. 135, Pl. 57) de las Horas de la Cruz. La Virgen doliente no puede ser consolada por Juan el Evangelista, quien mira hacia arriba, consternado, hacia un Dios entristecido.

Algunas obras de arte gótico muestran el impacto de la Peste Negra. Esta epidemia, que hoy se sabe que era de peste bubónica, desvastó Europa entre 1347 y 1351. En aquella época muchos consideraron que se trataba de un castigo de Dios. Artistas como el Maestro de las Horas de Rohan reflejaban en sus obras un interés por la muerte y el juicio divino. En aquella misma época, sin embargo, había autores que no parecían afectados por la peste, como el sienés Sassetta. Vivió este pintor una época de paz en Siena, bajo un gobierno republicano durante el cual la ciudad pudo rivalizar artísticamente con Florencia.


 137_meister_des_frankfurter_paradiesg_rtleins_001

Maestro del Jardín del Paraíso, escena: «María en el jardín con santos», Instituto Städel, Fráncfort del Meno, h. 1410.

Otro miniaturista de renombre fue Jacquemart de Hesdin. Artista destacado del gótico internacional fue Melchior Broederlam, un flamenco que trabajó para la corte del duque de Borgoña, en Dijon. Sus tablas presentan las características del gótico internacional: una calidad pictórica suave y un detallado realismo. Otros pintores de tablas de Borgoña fueron Jean de Beaumetz, Jean Malouel y Henri Bellechose.

Se trató de un estilo verdaderamente internacional, cultivado en países como Alemania por Conrad Soest, el maestro Francke o Stefan Lochner. Hubo una escuela de Praga a la que pertenecieron el Maestro del Jardín del Paraíso y el de Trebon. Un ejemplo clásico del estilo verdaderamente internacional es el Díptico Wilton, actualmente en la National Gallery de Londres. Se pudo pintar en cualquier momento del reinado de Ricardo II de Inglaterra. Y su autor pudo haber sido de cualquier nacionalidad, no habiendo consenso sobre la misma, lo que revela el carácter de esta etapa del gótico.

En España, por su parte, se desarrolló especialmente en la Corona de Aragón. En Valencia trabajaron Lorenzo Zaragoza, Pedro Nicolau y Marzal de Sax. En Cataluña trabajó primero Luis Borrassá y, después, más cercano al estilo flamenco, Bernat Martorell (Retablo de San Jorge). Otros autores son los aragoneses Pedro Zuera, el maestro de Arguís y Juan Leví, y el mallorquín Francisco Comes. En la Corona de Castilla trabajaron Nicolás Francés, Nicolás Delli, Dello Delli, el maestro de Sigüenza y Juan Hispalense.


 138llu_s_borrass_san_pedro_salvado_de_las_aguas_1411_iglesia_de_santa_maria_de_terrassa

Lluís Borrassà, San Pedro salvado de las aguas, (1411) Iglesia de Santa Maria de Terrassa.

Estilo flamenco. Surge en Flandes durante el primer tercio del siglo XV, al mismo tiempo en que en Italia se encuentran ya en el Renacimiento. Este estilo se difunde por el resto de Europa, salvo Italia, durante el resto del siglo. Actualmente, también puede encontrarse que a esta etapa de la pintura se la llama Prerrenacimiento o también Renacimiento nórdico, abarcando la obra de los flamencos hermanos Van Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes y Memling o los alemanes Multscher y Witz.


 hans_memling_072

Arqueta de Santa Úrsula o Caja de las Reliquias de Santa Úrsula y de las Once Mil Vírgenes (antes de 1489), donde se encuentran las reliquias de Santa Úrsula, conservada en el Museo Memling de Brujas. Se la considera su obra maestra.

Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. Hay una minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura repleta de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más triviales hay mensajes ocultos, lo que convierte los cuadros en auténticas alegorías.


 el_pol_ptico_de_gante_la_adoraci_n_del_cordero_m_stico_vista_interior_pintado_en_1432

Jan van Eyck. Políptico de Gante: La adoración del Cordero Místico (vista interior), pintado en 1432.

A Jan van Eyck se le atribuye la invención de la pintura al óleo. Jan trabajaba como pintor oficial del Duque de Borgoña, lo que le permitió moverse en un ambiente aristocrático y refinado y se convirtió en un pintor elitista. Por eso sus cuadros son auténticas joyas, con personajes muy solemnes, fríos e impasibles. Sus mayores preocupaciones fueron el realismo, el tratamiento de la luz y la perspectiva. Con su hermano, hizo una obra maestra del arte flamenco: el Políptico del Cordero Místico de la catedral de San Bavón en Gante (1432), basado en un pasaje del Apocalipsis. Otras obras famosas de Van Eyck son cuadros de devoción, especialmente la Virgen del Canciller Rolin y la del canónigo Van der Paele, ambas muy similares y con excelentes retratos de los donantes; y retratos admirables, como el del Matrimonio Arnolfini, una alegoría con un avanzado tratamiento de la perspectiva y de la luz.

Comparte mérito como iniciador de este estilo el Maestro de Flémalle, con gran riqueza de colorido y sentido escultórico de las formas, además de un indudable simbolismo. Se ha identificado con Robert Campin, aunque también hay quien ha sostenido que es Roger van der Weyden en su fase juvenil. Destaca el Tríptico de Werle, tablas en las que está representada Santa Bárbara, el donante Enrique Werle con San Juan Bautista y los desposorios de la Virgen, en el Museo del Prado.


 139jan_van_eyck_giovanna_cenami_esposa_de_giovanni_arnolfini_detalle_del_retrato_de_los_arnolfini_hacia_1434

Jan van Eyck, Giovanna Cenami, esposa de Giovanni Arnolfini, detalle del Retrato de los Arnolfini, hacia 1434.

Segundo tercio del siglo. En el segundo tercio del siglo XV trabajan una serie de pintores que afirman y asientan el estilo flamenco. El más destacado de ellos es Roger van der Weyden, considerado la antítesis de Van Eyck por la expresividad. No se preocupó tanto por la perspectiva o la minuciosidad, sino por el dinamismo y el dramatismo. Su obra maestra es El Descendimiento, en la que llama la atención su apariencia escultórica, su emotividad, su esmerada composición a base de poderosas diagonales y la asociación rítmica de las figuras en grupos de tres, de enormes dimensiones y aprisionadas en un nicho fingido. Aquí no hay frialdad, sino calor, reflejando un gusto popular propio de una burguesía acomodada, no tan culta como la que frecuentó Van Eyck. Ejerció una enorme influencia sobre los pintores posteriores.

En esta misma época trabajaron dos pintores que dieron gran importancia a la luz: Dierick Bouts, cuyas figuras alargadas están dotadas de un fuerte carácter escultórico y Petrus Christus, con cierta tendencia a la abstracción.


 136_1418901243_478933

El Descendimiento. Roger van der Weyden, h. 1435. Óleo sobre tabla, 220 × 262 cm. Museo del Prado, Madrid. Procedencia: Capilla de los Ballesteros de Lovaina (Bélgica); adquirida por María de Hungría, para la capilla del Palacio de Binche; posteriormente enviado a España, a la capilla de El Pardo; Monasterio de El Escorial, 1574-1936; depositada en el Museo del Prado por la Junta Delegada de Incautación, Protección y Conservación del Tesoro Artístico Nacional, 1936; por Decreto de 02-03-1943 quedó establecido el depósito temporal, renovado en 1998 mediante Acta de regularización de Depósitos con Patrimonio Nacional.

El gran maestro de Tournai centra la composición en la Compassio Mariae, la pasión que experimenta la Virgen ante el sufrimiento y la muerte de su Hijo. Para traducirla en imágenes, el pintor escoge el momento en que José de Arimatea, Nicodemo y un ayudante sostienen en el aire el cuerpo de Jesús y María cae desmayada en el suelo sostenida por San Juan y una de las santas mujeres.

La riqueza de sus materiales -el azul del manto de María es uno de los lapislázulis más puros empleados en la pintura flamenca de la época- y sus grandes dimensiones, con las figuras casi a escala natural, evidencian ya lo excepcional de la obra. El espacio poco profundo, de madera dorada, en que Weyden representa a sus figuras y las tracerías pintadas de los extremos superiores -imitando también la madera dorada-, al igual que el remate rectangular del centro, las hacen semejar esculturas policromadas. Además, el engaño óptico se refuerza aún más por el fuerte sentido plástico que Weyden imprime a sus figuras, siguiendo el ejemplo de su maestro Robert Campin, como hace en todas sus obras tempranas.

Weyden maneja con maestría las figuras representadas en un espacio limitado al fondo y en los extremos, donde los movimientos opuestos y complementarios de San Juan y la Magdalena cierran la composición. En el interior de ese espacio sobresale el juego de diagonales paralelas que diseñan los cuerpos de Cristo y de María, poniendo de manifiesto su doble pasión. Impactan los gestos, la contención con que se expresan los sentimientos y el juego de curvas y contra curvas que une a los personajes.

Es encargada por la Cofradía de los Ballesteros de Lovaina hoy en Bélgica para su capilla en la Iglesia de Nuestra Señora de Extramuros. En las esquinas superiores están representadas pequeñas ballestas. Adquirida por María de Hungría en el siglo XVI, pasa después a manos de su sobrino Felipe II. Éste la coloca en la capilla del Palacio de El Pardo hasta su entrega a El Escorial en 1574. Desde ese año estuvo allí hasta 1936 en que se trae al Museo Nacional del Prado, enviándose como contrapartida la copia de Michel Coxie.


Último tercio de siglo. En el último tercio del siglo XV y principios del XVI trabajaron una serie de pintores que profundizaron en las características del nuevo estilo. Algunos de ellos fueron meramente conservadores de las técnicas anteriores a ellos, como Hans Memling y Gérard David. Gerard David fue el sucesor de Memling en Brujas y fue un artista de éxito. Su obra representa el auge del estilo característico de los Países Bajos.

Pero hubo otros de mayor originalidad, que pretendían superar los límites del estilo flamenco, entre ellos, Hugo van der Goes, Geertgen tot Sint Jans y, el más notable de ellos, Hieronymus Van aeken, llamado el Bosco. Aunque tuvo una vida acomodada, le obsesionaban la religión y el pecado. Por eso, sus tablas se llenan de figuras fantásticas y visiones diabólicas, cuyo objetivo parece ser moralizar a base de ácidas críticas, pero recurriendo a numerosos recursos pictóricos (el claroscuro, la perspectiva, los paisajes), que suavizan su mensaje haciéndolo más poético. Es célebre por sus obras fantásticas y misteriosas, por lo que hay que considerarlo aparte de sus contemporáneos. Tiene un estilo inigualable y su simbolismo permanece vivo incluso en la actualidad. El Bosco expresa las ansiedades de una época de convulsión social y política. De su abundante obra destacan El Jardín de Las Delicias, gran tríptico que resume la historia moral de ser humano de la creación a la condenación, y El Carro de Heno, otro tríptico que critica el egoísmo y la falta de templanza frente a los placeres prohibidos. Estas dos obras se encuentran en el Museo del Prado, gracias a que el rey Felipe II era gran admirador de su obra y formó una importante colección de pinturas del artista.
Difusión del estilo flamenco por Europa. En la segunda mitad del siglo XV, la influencia flamenca se extendió por Europa. En Francia destaca el pintor de la corte, Jean Fouquet. En torno a Aviñón trabajaron Enguerrand Charonton, Nicolás Froment, y el Maestro de Moulins. En Alemania destacan los nombres de Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein el Viejo y Michael Wolgemut, maestro de Durero. El principal autor de estilo luso-flamenco fue Nuno Gonçalves.


 140konrad_witz_la_pesca_milagrosa_detalle_del_altar_de_san_pedro_de_la_catedral_de_ginebra_hacia_1444_museo_de_arte_e_historia_ginebra

Konrad Witz: La pesca milagrosa, detalle del altar de San Pedro de la catedral de Ginebra, hacia 1444, Museo de Arte e Historia, Ginebra.

La pintura hispano-flamenca tuvo un enorme desarrollo. En la Corona de Aragón cabe citar al valenciano Luis Dalmau (Virgen dels Consellers), aunque el más representativo de la escuela catalana es Jaime Huguet. De la escuela valenciana pueden mencionarse a Jacomart y su discípulo Juan Rexach. En Baleares trabajó Pedro Nisart, de probable origen francés. Finalmente, el más destacado representante de la escuela aragonesa es el cordobés Bartolomé Bermejo, con su excepcional Santo Domingo de Silos En la Corona de Castilla la llegada del estilo flamenco es posterior, considerándose introductor del mismo a Jorge Inglés. El pintor de más renombre tal vez sea Fernando Gallego, pudiendo citarse otros como Juan de Segovia y Sancho de Zamora (autores del retablo de la capilla de Don Álvaro de Luna en la catedral de Toledo), el llamado Maestro de los Reyes Católicos y Juan Sánchez de Castro.



Enlaces interesantes


Ver trabajo 'Pere Serra y Hermanos'

Ver trabajo de Pere Serra

Ver trabajo de Jaume Ferrer Bassa

Ver trabajo de Luis Borrassá

Ver trabajo de Jaume Huguet

Ver trabajo de Blasco de Grañén (Maestro de Lanaja)

Ver trabajo de Martín de Soria

Ver trabajo de Tomás Giner (Maestro del Arzobispo Dalmau de Mur)

Ver trabajo de Enrique de Estencop

Pintura gótica en Aragón: http://pintura-gotica-aragon.blogsp...as-giner-y.html

Más Info de Pintura Gótica en Europa, enlace: http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_g%C3%B3tica

Enlace interesante de arte gótico: http://www.flickr.com/photos/844930...57623069144202/



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado o interesado el trabajo recopilatorio que he realizado sobre el Arte Gótico, en todas sus expresiones: Arquitectura, Escultura y Pintura. El tema es tan amplio y diverso que he realizado una amplia selección, aunque seguramente me haya dejado muchas obras en el tintero.


Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, museodelprado.es, artehistoria.com, pintura.aut.org, arteguias.com, oronoz.com, flickr.com, arte-paisaje.blogspot.com, pbase.com, porlospueblosblancos.blogspot.com, cristiandadypatria.es, spaintravelsuite.com, imagenessagradas.blogspot.com y otras de Internet.
 




___________________________
.
.
"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
.
.
 
j.luis - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
Volver arribaPágina inferior
Mostrar mensajes anteriores:    

Publicar nuevo tema  Responder al tema  Página 1 de 1
 

Usuarios navegando en este tema: 0 registrados, 0 ocultos y 1 invitado
Usuarios registrados conectados: Ninguno


 
Lista de permisos
No puede crear mensajes
No puede responder temas
No puede editar sus mensajes
No puede borrar sus mensajes
No puede votar en encuestas
No puede adjuntar archivos
No puede descargar archivos
Puede publicar eventos en el calendario