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TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives)
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Mensaje TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado a la Tate Gallery Britanica, es un conjunto que forman cuatro museos: Tate Modern, Tate Britain, Tate Liverpool, Tate St. Ives.


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Una visitante de la exposición de Henri Matisse de 2015 en la Tate Modern observa el cuadro 'El caracol'.

Vía Internet he recopilado bastante información e imágenes, que espero guste a los visitantes de esta página de la sección de arte del foro de xerbar, y en lo posible contribuya en su divulgación.




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Galería Tate de Arte Moderno, Londres.



Un poco de Historia de La Tate:

Tate Gallery (actualmente conocido como: La Tate) en Inglaterra es un conjunto de cuatro museos: Tate Britain (abierta en 1897), Tate Liverpool (1988), Tate St. Ives (1993) y Tate Modern (2000), más un sitio web, Tate Online (1998). La Tate es un museo estatal, recibiendo directamente una dotación del tesoro público. El cargo de director es por siete años.

La galería de arte Tate original se tituló oficialmente National Gallery of British Art (Galería Nacional de Arte Británico), y estaba situada en Millbank, Pimlico, Londres en el lugar donde anteriormente se alzaba la prisión de Millbank. La idea de una Galería Nacional de Arte Británico fue propuesta por vez primera en los años 1820 por Sir John Leicester, Baron de Tabley. Robert Vernon donó su colección a la National Gallery de Londres en 1847. Una década más tarde, John Sheepshanks donó la suya al Museo de South Kensington, hoy el Victoria and Albert Museum.

Cuarenta años más tarde, el magnate azucarero Henry Tate que era coleccionista de arte victoriano, se ofreció a fundar una galería para alojar el arte británico, a la que dejó igualmente su propia colección. Inicialmente se restringió al arte británico moderno, concentrándose en los pintores de la Inglaterra victoriana. Hasta 1954, fue controlada por la National Gallery.
A lo largo de los años, la colección fue creciendo con más donaciones y legados. Durante los años 1950 y 60, el departamento de artes visuales del Consejo de Artes de Gran bretaña fundó y organizó exposiciones temporales en la Tate, incluyendo una retrospectiva de Marcel Duchamp en 1966.


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Tate Modern and the Millennium Bridge

Era lógico que, con el tiempo, se separaran los aspectos "Británico" y "Moderno" de la colección, que hoy están en edificios separados en Londres. La Tate Modern, en Bankside Power Station en la orilla sur del Támesis, muestra la colección nacional de arte moderno desde 1900 hasta la actualidad.

La galería original se llama hoy Tate Britain y es la galería nacional de arte británico desde 1500 hasta la actualidad. Arte moderno británico puede encontrarse en ambas galerías.

En su colección figuran obras de artistas como: William Blake, Jonn Constable y William Turner entre otros.



TATE BRITAIN


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La Tate Britain es un museo de Londres que contiene una muestra del arte británico. Fue abierto en el año 1897.


Tate Britain. Se inauguró en 1897 como National Gallery of British Art. En 2000 cambió su nombre y pasó a denominarse Tate Britain.

La historia de la Tate Briain, empieza con controversia. Henry Tate, el magnate del azúcar del siglo XVIII, encabezó un movimiento popular pidiendo una muestra del arte británico. El mismo Tate ofreció a la nación su colección de pinturas victorianas y dinero para los gastos del montaje. El gobierno dudó antes de aceptar la oferta de Tate. Entonces tuvo lugar un gran debate sobre su emplazamiento: South Kensington, Blackfriars o Millbank, cuyo terreno fue el primero disponible. El dinero de Tate financión el edificio de Sidney Smith. La nueva galería sustituía a la Millbank Prison, un edificio propuesto por Jeremy Bentham, proyectado por Robert Smirke y construido entre 1812 y 1821.


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Tate Britain, una sala interior... La fachada de la Tate Briain, es neoclásica de Smith, el vestíbula y la rotonda se terminaron a tiempo para la inauguración. Siguieron muchas ampliaciones. Las más significativas fueron nueve galerías añadidas en 1899, la cúpula central y las galerías de esculturas, cedidas por el marchante de arte Joseph Duveen y su hijo, en 1937. Otra preciosa incorporación de 1983 fue el restaurante Whistler, donde el mural paisajístico de Rex Whistler, Expedición en busca de carnes extrañas (1926-1927), refleja la armonía entre el arte y la comida.



TATE MODERM


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La Tate Modern es considerada un éxito del director Sir Nicholas Serota. En su primer año, fue el museo más popular del mundo, con 5,250.000 visitantes.

La Tate Modern es el nuevo museo británico de arte contemporáneo en Londres y forma parte de la Tate Gallery junto con Tate Britain, Tate Liverpool y Tate St Ives, estos dos últimos fuera de Londres.


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La Tate Modern, se encuentra en la antigua central eléctrica de Bankside que fue originalmente diseñada por Sir Giles Gilbert Scott, y construida en dos fases entre 1947 y 1963. La central eléctrica fue cerrada en 1981 y el edificio fue reconvertido por los arquitectos suizos Herzog y de Meuron.

La Tate Modern, desde su apertura el 12 de mayo de 2000, se ha convertido en la tercera mayor atracción londinense.


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La Sala de las turbinas de Tate Modern.

Entre la colección permanente de La Tate Modern, figuran algunos cuadros de Picasso, Dalí, Miró. Kandinski, Chirico, Pollok, Warhol... entre otros.

Cada año, el Premio Turner se celebra en una Tate Gallery (históricamente, en la Tate Britain) y se otorga a aquel artista de menos de cincuenta años que sea británico o que haya trabajado principalmente en Gran Bretaña. Es tema de gran controversia y llama mucho la atención de los medios de comunicación sobre el arte británico contemporáneo.


LOS OTROS MUSEOS:


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Tate Liverpool Art Gallery by Ed OKeeffe

Tate St Ives is an art gallery in St Ives, Cornwall, UK, exhibiting work by modern British artists, including work of the St Ives School, vista de la entrada.


Tate Online http://www.tate.org.uk/  es la página oficial de la Tate,  creada en 1998. Proporciona información de las cuatro galerías Tate: Tate Britain, Tate St Ives, Tate Liverpool y Tate Modern.


Información de Tate en Español: http://www.tate.org.uk/home/spanish.htm
 


ALGUNAS OBRAS:


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Test Site by Carsten Höller at the Tate Modern, London


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Juan Muñoz. "Double Bind" ha resultado ser una antología, una visión global que resume y culmina toda la trayectoria de Muñoz, en ella, pueden verse muchos de los elementos distintivos de su obra: no sólo figuras de escala menor del natural, sino también balconadas, suelos, falsos agujeros o habitaciones. En suma, mecanismos espaciales y figurativos que transmiten sus preocupaciones artísticas y espirituales.


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Juan Muñoz. "Double Bind". Es una monumental instalación, de 155 metros de largo por 35 de alto, alude a la superación de la esquizofrenia y supone la cima de una carrera meteórica plena de éxitos internacionales.


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A Juan Muñoz se le concedío el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2000. Un año después falleció súbitamente de un paro cardíaco provocado por un aneurisma de aorta y una hemorragia interna a los 48 años de edad veraneando en Santa Eulalia del Río, Ibiza, el 28 de agosto de 2001. Al momento de su muerte se encontraba en exposición su obra Double Bind en el museo Tate Modern de Londres.


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Juan Muñoz. 'Many Times'. Esos monigotes pueden verse en 'Many Times' (1999), una de las obras más conocidas de las que se exhiben en la Tate, en la que nada menos que cien esculturas de personas de origen chino -todos calvos, grises, sonrientes y sin pies invaden una amplia sala, en la que están aparentemente inmersos en animadas charlas.


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'Many Times', según Juan Muñoz está inspirado por la mirada que el pintor español Diego de Velázquez (1599-1660) dedicó a los enanos.


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Juan Muñoz. Figura colgada, 2001


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Rodin, escultura en la Tate Modern


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Alma-Tadema. A Favourite Custom. 1909. Óleo sobre tabla. 66,1 x 45 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Blake. En el balcón. 1955-1957. 116 x 91 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Blake. Juguetería. 1962. Relieve con materiales diversos. 156.8 x 194 x 34 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Bonnard. La mesa. 1925. Óleo sobre lienzo. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Braque. Bottle and Fishes, c.1910–12. Oil paint on canvas, 856 x 984 x 67 mm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Burne Jones. Las Escaleras de oro. 1880. Óleo sobre lienzo. 270 x 117 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Cezanne. Still Life with Water Jug. 1892-1893. Óleo sobre lienzo. 53 x 71,1 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Chagall. El poeta tendido. 1915. Óleo sobre cartón. Tate Gallery. Londres


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Chirico. La familia del pintor. 1926. Óleo sobre tela. 146.5 x 115 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Chirico. La melancolía de la partida. 1916. Óleo sobre tela. 50.5 x 34 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Constable. Flatford Mill. 1817. Óleo sobre lienzo. 101,7 x 127 cm. Tate Gallery. London. Inglaterra


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Constable. The Valley Farm. 1835. Óleo sobre lienzo. 147,3 x 125 cm. Tate Gallery. London. Inglaterra


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Corinth. Die Versuchung des hl. Antonius. 1908. Óleo sobre lienzo. 135 x 200 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Dalí. Canibalismo otoñal. 1936. Óleo sobre lienzo. 65 x 65.2 cm. Anteriormente Colección Edward James. The Tate Gallery. Londres


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Dalí. Horizonte olvidado. 1936. Óleo sobre caoba. 22.5 x 26.7 cm. Anteriormente Colección Edward James. The Tate Gallery. Londres


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Dalí. Playa con teléfono. 1938. Óleo sobre lienzo. 73.6 x 92 cm. Anteriormente Colección Edward James. The Tate Gallery. Londres


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De Kooning. La visita. 1967. Óleo sobre lienzo. 152,5 x 122 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Delvaux. La Venus dormida. 1944. Òleo sobre lienzo. 173 x 199 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Derain. Retrato de Matisse. 1905. Óleo sobre lienzo. 46 x 34,9 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Dufy. Las velas secándose, Deauville. 1933


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El Aduanero (Henri Rouseeeau). Ramo de flores. 1895-90


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Ernst. Celebes. 1921. Óleo sobre tela. 125 x 107 cm. The Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Freud. Girl with a white dog. 1951-52


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Füsli (John Heinrich Füssli). La pesadilla. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.


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Gainsborough (Thomas Gainsborough). Boy Driving Cows near a Pool. 1786. Óleo sobre lienzo. 58,4 x 76,2 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.


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Gainsborough (Thomas Gainsborough). Giovanna Baccelli. 1782. Óleo sobre lienzo. 226,7 x 148,6 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.


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Gauguin. Harvest: Le Pouldu. 1890. Óleo sobre lienzo. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Arshile Gorky. Cascada. Arshile Gorky. 1943. Óleo sobre lienzo. Patronato de la Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Hockney. Hombre duchándose en Beverly Hills. 1964. Pintura acrílica sobre lienzo. 167.3 x 167 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Hogarth. Autoritrato col cane. 1745. Olio su tela. 90 x 70 cm. Tate Gallery. Londres


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Hogarth. I bambini Graham. 1742. Olio su tela. 160.5 x 181 cm. Tate Gallery. Londres. Gran Bretaña


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Hogarth. La famiglia Strode. 1738. Olio su tela. 87 x 92 cm. Tate Gallery. Londres. Gran Bretaña


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John Hoppner. Retrato de Mrs. Williams. 1790. Óleo sobre lienzo. 75,6 x 62,9 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.


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Oskar Kokoschka. Marianne-Maquis. 1942. Óleo sobre tela. 63.5 x 76 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Oskar Kokoschka. Polperro II. 1939. Óleo sobre tela. 60,5 x 86 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Léger. Nature morte à la chope. 1921-1922. Óleo sobre lienzo. 92 x 60 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Los orientalistas (Elizabeth Thompson, Lady Butler). The Remnants of an Army: Jellalabad, January 13, 1842. 1879. Óleo sobre lienzo. 132 x 234 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Magritte. El hombre del periódico. 1927-1928. Óleo sobre lienzo. 116 x 81 cm. Tate Gallery. Londres. Gran Bretaña


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Manet. Un bar en el Folies-Bergère. 1881-82. Óleo sobre lienzo. 96 x 130 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Matisse. Portrait of Andre Derain Collioure. 1905. Óleo sobre lienzo. 39,4 x 28,9 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Millais (Sir John Everett Millais). Ophelia. 1851-1852. Óleo sobre lienzo. 76 x 112 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Miró. Mujer y pájaro al claro de luna. Tate Gallery. Londres


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Modigliani. Victoria. 1917. Óleo sobre lienzo. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Hunt (William Morris Hunt). La reina Guinevere. 1858. Óleo sobre lienzo. 71.8 x 50.2 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Paolozzi. I was a Rich Man's Plaything. 1947. Collage sobre papel. 35,5 x 23,5 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.


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Picasso. La Danza. 1925. Óleo sobre lienzo. 21.5 x 14.2 cm. Tate Gallery. Londres


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Picasso. Mujer en camisa. 1905. Óleo sobre lienzo. 73 x 59.5 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Picasso. Mujer llorando. 1937. Óleo sobre lienzo. 60 x 49 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Picasso. Naturaleza muerta con flores. 1901. Óleo sobre lienzo. 65 x 49 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.


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Picasso. Mujer desnuda acostada con collar. 1968. Óleo sobre lienzo. 113.5 x 161.7 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Reynolds. La edad de la inocencia. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Rossetti. Beata Beatrix. 1863. Óleo sobre lienzo. 86 x 66 cm. Tate Gallery. London. Inglaterra.


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Rossetti. La amada, También conocida como; La Novia. 1865-1866. Óleo. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Rossetti. Monna Vanna. 1866. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Rufino Tamayo. Hombre y mujer. 1981. Óleo sobre tela. 124.8 x 180 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.


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Sargent. Miss Wedgwood and Miss Sargent Sketching. 1908. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Sir William Orpen. The Mirror. 1900. Óleo sobre lienzo. 50.8 x 40.6 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Stubbs. Yeguas y potros en un paisaje. Tate Gallery. Londres


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Turner. Buttermere Lake with Part of Cromackwater Cumberland, A Shower. 1798. Óleo sobre lienzo. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.


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Turner. El valeroso Téméraire relmocado a su último fondeadero. 1838


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Turner. La bahía de Baia, con Apolo y la Sibila. 1823. Óleo sobre tela. 145.5 x 239 cm. The Tate Gallery. Londres


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Turner. Roma vista desde el Vaticano. Rafael, acompañado de La Fornarina, prepara sus pinturas para la decoración de la Loggia. 1819. Lápiz, pluma y tinta china marrón con pintura a la aguada sobre fondo gris. 23.3 x 37.1 cm. The Tate Gallery. Londres


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Turner. La batalla de Trafalgar vista desde las jarcias del palo de mesana del Vistory. 1806-1808. Óleo sobre lienzo. 171 x 239 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Turner. Naufragio. 1805. Óleo sobre tela. 170.5 x 241.5 cm. The Tate Gallery. Londres


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Van Gogh. Casas con tejado de paja delante de una colina. 1890


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Vasarely. Supernovae. 241,9 x 152,4 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra


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Whistler (James Abbott McNeill Whistler) El viejo puente de Battersea. 1865. Óleo sobre lienzo. 66 x 50 cm. Tate Gallery. Londres. Inglaterra.


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Wyndham Lewis. Baghdad. 1927. Oil on plywood. 183 x 79 cm. Tate Gallery, London




La Tate compra las famosas pipas de Ai WeiWei



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Pipas de porcelana de Ai Weiwei.

La Tate Modern de Londres ha adquirido las pipas de girasol de porcelana creadas por el reconocido artista y disidente chino Ai Weiwei, que ya se expusieron en una gran instalación en esa galería en octubre de 2010.

En un comunicado difundido hoy, el grupo Tate informó de la adquisición, por una cifra no especificada, de ocho de los cien millones de pipas que conforman la obra 'Pipas de girasol 2010', que tapizó el suelo de la Tate Modern de octubre de 2010 a mayo de 2011.

En esa ocasión, las falsas semillas se dispusieron en la sala de Turbinas de la galería, de mil metros cuadrados, con la idea de que el público pudiera pisarlas.

Sin embargo, dos días después de la inauguración de la muestra se tuvo que prohibir el paso a dicha sala por considerar que el polvo que levantaban los materiales de que estaban elaboradas las pipas podían constituir un riesgo para la salud. La instalación pasó entonces a ser contemplada desde un puente instalado dentro de la galería.

La diez toneladas que pesan las pipas adquiridas por la Tate -de las 150 que conformaban la instalación inicial- pueden ser exhibidas como una escultura cónica de un metro y medio de altura y cinco metros de diámetro o como un cuadrado o rectángulo de diez centímetros de profundidad.

Una portavoz de la Tate indicó a Efe que no hay planes para exponer al público las pipas en el futuro inmediato -se mostraron con esta forma piramidal de junio de 2011 a febrero de 2011-, y de momento se guardaran en un almacén.


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Una obra polisémica. 'Pipas de girasol 2010' ha sido adquirida por una cantidad no especificada con la ayuda del Consejo internacional de la Tate y el Fondo de arte británico, especificó la Tate Modern en su comunicado.

Las pipas de girasol, que para la instalación de Ai Weiwei fueron elaboradas por expertos artesanos en porcelana china, tienen muchos significados en China. Además de ser un aperitivo muy popular, se asocian con el periodo de la Revolución Cultural (1966-1976), cuando la propaganda presentaba a Mao Tse-tung como el sol y al pueblo como girasoles vueltos hacia su persona.


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El propio Ai ha recordado haber compartido con otros en tiempos de penuria, represión e incertidumbre unas humildes pipas y lo ve como un gesto profundo de amistad y compasión humana.

Ai Weiwei, defensor de los derechos humanos en su país, fue detenido por las autoridades chinas en abril de 2011 y puesto en libertad vigilada en junio de ese año, tras una campaña global a favor de su liberación.

elmundo.es




La Tate Britain se hace un ‘lifting’


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El templo londinense del arte británico renace tras una espectacular rehabilitación. Los trabajos han durado cerca de seis años y han costado 55 millones de euros. La nueva escalera renovada de la Tate Britain, símbolo del museo londinense Tate Britain, con la espectacular escalera diseñada por los arquitectos Peter St John y Adam Caruso. Noviembre de 2013.

A principios del siglo XIX se edificó en el lugar, en las pantanosas orillas del Támesis a su paso por Millbank (Pimlico, Londres), una prisión tan insalubre y mal diseñada que en 1840 fue rebajada a depósito de reos en tránsito y luego a prisión militar, hasta que fue cerrada en 1890 y demolida en 1892. En 1897 se levantó allí la Galería Nacional de Arte Británico, que en 1932 se transformó en Tate Gallery y en el año 2000 en lo que es ahora, la Tate Britain.

Desde 2007, la Tate Britain se ha estado sometiendo a lo que su directora, Penelope Curtis, define como “un lifting”, aunque la galería se ha estirado algo más que la piel de la cara en una reforma que se abre hoy al público y que fue presentada ayer a bombo y platillo. Y que afecta no solo a la estructura arquitectónica del edificio, abierto más que nunca a la claridad de la luz natural, sino a la propia presentación de la colección permanente, que desde mayo se exhibe en orden cronológico en lugar de temático.


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Perspectiva de la escalera de caracol y de la cúpula del museo Tate Britain, cuya renovación ha supuesto una inversión de 55 millones de eurosl.

El edificio que aloja la Tate Britain nunca ha sido muy popular entre los arquitectos y estuvo a punto de ser demolido en los años 60. “Afortunadamente hubo una campaña en su defensa y se salvó”, recordó ayer el director de Tate, sir Nicholas Serota. En 2007, los Caruso St. John Architects, con despacho en Londres y en Zúrich, empezaron su transformación. Casi siete años y 55 millones de euros después, la reforma está ya a la vista del público, que sobre todo en los dos últimos años ha tenido que soportar con paciencia el cierre parcial de varias zonas del museo.


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Una visitante de la Tate Britain asciende por la nueva escalera de caracol del museo londinense.

Penelope Curtis cree que, pese a las dudas que suscitó en el pasado, el edificio se va a convertir ahora en un aliciente más para atraer al visitante. “Obviamente ahora es tan diferente que la gente vendrá para verlo”, sostiene la directora en una entrevista con este diario junto al arquitecto Adam Caruso. “La gente que ha venido a verlo en los últimos días se ha quedado sorprendida y encantada. Y les ha encantado porque es un edificio que conocían y siguen viendo, pero ven también que ahora es mucho mejor. Sí, en efecto, es como un lifting”, sintetiza.

Aunque el edificio sigue siendo reconocible, han cambiado muchas cosas. La fachada principal, con vistas al Támesis, vuelve a ser ahora también la entrada principal para el visitante. Tras el luminoso recibidor, el visitante llega a la gran Rotonda, convertida en el corazón de la reforma gracias a una espectacular escalinata en espiral que señala al visitante algo que antes no podía ver: que hay vida por debajo de la planta baja y que el sótano también está abierto al público.


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De izquierda a derecha, el arquitecto Peter St John; el presidente de Tate Britain, Lord John Browne; el director de Tate, Nicholas Serota; el otro arquitecto a cargo de la renovación, Adam Caruso, y la directora del museo, Penelope Curtis, posan al pie de la estrenada escalera de caracol.

Allí hay ahora un restaurante con un aspecto excelente; un bar en el que el visitante muy observador descubrirá en el techo abovedado una sutil obra de arte de Alan Johnston; los nuevos archivos; o diversas zonas dedicadas a la enseñanza. En la planta baja siguen estando las galerías, pero ahora iluminadas con luz natural y exponiendo la colección permanente de forma cronológica. El primer piso está dedicado sobre todo a los socios de Tate, con un amplio café con butacones en los laterales. Y acoge también el Grand Saloon: un espacio que ya existía pero que no se veía, dividido como estaba en tres despachos con un falso techo que tapaba la hermosa bóveda recuperada por la reforma.

Más que revolucionar el edificio, lo que han hecho los arquitectos ha sido recuperarlo. Volver a viejas estructuras que funcionaban. Dejar entrar la luz. Eliminar obstáculos y barreras que habían perdido su sentido. “El proyecto empezó porque había una serie de necesidades. Una era restaurar galerías que no se habían reformado durante más de 100 años. Otra era mejorar las instalaciones para el público. Mejorar la circulación en la galería. Adam Caruso y Peter St. John fueron designados en enero de 2007 y yo fui nombrada en noviembre de 2009. Supongo que fue por pura suerte que nuestros intereses coincidieron bien en términos de lo que yo quería hacer con la colección y el edificio para hacerlo más lógico”, explica Curtis.

“El museo tiene ahora tres niveles públicos; no era así antes. Eso es una claridad que es funcional pero que es también formal y muy satisfactoria. Desde el nivel principal, en la rotonda, extiendes el museo hacia abajo y puedes sentir todas las cosas que ocurren en el edificio”, explica el arquitecto Adam Caruso. “Es como una toma contemporánea del edificio público con esa idea de hacerlo todo visible, desde un espacio para comer a uno para el arte u otro para la educación. Todas esas cosas se revelan ahora y es obvio que en el siglo XIX probablemente no necesitabas comer en el museo. O sea, que no se trata solo de devolver cosas sino de utilizar el lenguaje clásico del edifico para hacer cosas que son muy contemporáneas”, añade.

“Cuando trabajas en un edificio que es tan viejo, que es realmente un edifico vivo, lo último que necesita es retórica arquitectónica vacía”, explica Caruso. “En general, no somos muy fans de ese tipo de arquitectura en nuestro trabajo. Lo que buscamos desde el principio fue encontrar claridad. Cuando empezamos, tuvimos nueve meses para mirar el lugar de forma muy general y desarrollar el master plan para toda la obra. Estudiamos los planos que había en los archivos; hicimos planos generales de todo el edificio que nunca se habían hecho, intentando comprender el sentido del edificio original, el porqué de los cambios que se habían ido haciendo, cómo algunos de esos cambios ya no tenían sentido y en realidad podíamos volver al pasado, a la forma en que funciona la circulación en la rotonda”, relata el arquitecto.


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La cúpula de la nueva rotonda de entrada la Tate Britain, vista desde la escalera en espiral.

Los cambios arquitectónicos han ido acompañados de un cambio metodológico en la exposición de la colección permanente: la ordenación temática del pasado ha dado paso a una ordenación cronológica. “La razón por la que me decidí por pura cronología fue la sencillez”, explica Penelope Curtis. “Pero también les pedí a los comisarios que lo hicieran de forma estricta, que no dieran marcha atrás con cánones, esta escuela, seguida de esta escuela, seguida de esta escuela, sino mirar al tiempo y ver qué pasó en ese año. Y esa es además una manera de dar entrada a artistas que normalmente no figuran porque no pertenecen a ninguna escuela. En especial, mujeres artistas”.

La directora ha aportado claridad al contenido. Los arquitectos le han dado claridad al continente. “La Tate ha intentado ser todo, antes, y lo que queríamos es que fuera mejor, que fuera un museo de arte más que un museo y que fuera más coherente en términos de experiencia única, de vivencia, en lugar de una serie de pequeñas vivencias separadas”, explica Curtis. “Lo que hemos intentado hacer en las galerías es una introducción al arte británico durante 500 años y que en un paseo por el edificio el visitante entienda el edificio y entienda la colección. Las dos cosas al mismo tiempo”, sintetiza la directora de Tate Britain. ¿Es el objetivo de todo esto acercarse al número de visitantes que recibe la galería hermana, Tate Modern? “Ni podemos competir con Tate Modern ni, en cierto modo, queremos, pero creo que vendrá más gente”, replica.


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Gran ventanal, obra del artista Richard Wright, instalado en la entrada de la restaurada pinacoteca de Londres Tate Britain.

elpais.com




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Tate Britain, Londres


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Tate Modern visto desde San Pablo, con el Puente del Milenio de Norman Foster cruzando el Támesis.



Pues esto es todo amigos, espero que os haya resultado interesante, esta recopilación de información e imágenes que he realizado del conjunto de museos de la Tate Gallery.


Fuentes y agradcimientos: pintura.aut.org, es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, tate.org.uk, arttattler.com, delianegro.wordpress.com, revistalafundacion.com, mecd.gob.es, elmundo.es, elpais.com, Getty Images, EFE, Reuters y otras de Internet
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Gracias J.Luis por este estupendo trabajo de la galería TATE, en el que se pueden contemplar obras curiosas y de buena calidad, algunas me han gustado personalmente.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Gracias xerbar, me alegro que te haya gustado y muchas de las obras expuestasmde la Tate. Creo que ha quedada bien, me ha costado bastante conseguir y coordinar las imágenes.


Este trabajo hace el número 271 de las galerías, cuando dispongas de un rato las actualizas, supongo que hace unos días te llegaría un MP para realizar algunas correcciones en la titulación de algunas galerías... sobre lo comentado me gustaría añadir; en pintores extranjeros, en EL ADUANERO, me gustaría qué quedara como sigue: EL ADUANERO (Henri Rousseau)


Un saludo.
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
J.Luis no he recibido ningún mensaje en estos últimos días.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Recuerdo hace siglos (era joven    e ingenuo   ) cuando visito la Tate por primera vez. Ahora lo hago porque se tome el Quiche Lorraine de lentejas más rico que he probado, y la tarta de zanahoria más pecadora que existe.  Pues bien. Estaban en obras, y yo aun no levantaba un palmo del suelo.

Doy un brinco, y me siento en un montoncito de ladrillos............al cabo de cinco minutos suena la alarma, todo el mundo corriendo, y viene un tierno policia que me dice.

-Me temo imprudente chavalote, que estas molestando la placidez de esta obra de arte. Señalando al monton de ladrillos. Pues bien, desde eso. No entiendo el arte "excesivamente" moderno.  
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Keltic, interesante anécdota... la verdad es que la palabra "arte" abarca tanto que llega a desvirtuarse, el arte moderno, pues pasa como el clásico, que lo hay bueno y lo hay malo, todo depende...


 
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Si, menudo corte llevé. De todas formas, hay obras grandiosas. Me queda por conocer el de St Ives.

Fantástico trabajo, como siempre.  
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Marcel Duchamp sí tenía razón...

Una pieza de porcelana sacudió el 'establishment' artístico en 1917



Una exposición en la Tate Modern demuestra cómo el creador definió el arte de nuestros días - Su célebre urinario, elegido la obra más influyente del siglo XX


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'Fuente' de Marcel Duchamp (1917) es una de las obras más representativas del arte moderno. El artista francés la firmó con el seudónimo de R. Mutt.


"¿Se pueden hacer obras de arte que no sean obras de arte?". Más que un interrogante es la expresión de una vocación subversiva y provocadora que acompaña a una reproducción a gran escala de La Gioconda, retocada con bigote y perilla, a la entrada de la Tate Modern en Londres. La irreverencia corresponde a Marcel Duchamp y ejerce de invitación para explorar una exposición que el museo londinense dedica a una de las figuras que más ha influido en la noción del arte contemporáneo. La idea de la obra, su proceso creativo, prima sobre el mérito de su realización final. Y ése es el gran pilar de arte conceptual. El mismo que se traduce en las cotizaciones millonarias de Damien Hirst o Tracy Emin y que, pese a los vaivenes de las tendencias, sigue en plena vigencia. Así lo demuestran iniciativas como la del comisario de la próxima bienal de São Paulo, que ha optado por presentar un pabellón vacío, carente de obras en el no va más del conceptualismo.

Mucho antes de erigirse en el signo de los tiempos, la obra de Duchamp supuso, hace casi un siglo, una radical ruptura de las convenciones. Con la complicidad, eso sí, de sus dos grandes amigos y colegas, Francis Picabia y Man Ray. A ese trío de vividores, unidos en el desprecio por el arte institucionalizado y, en general, por todo lo considerado "correcto", está consagrada la muestra de la Tate que, bajo el sencillo título Duchamp, Picabia, Man Ray, indaga en sus relaciones e influencias mutuas desde el corazón del dadaísmo y el movimiento surrealista, sin dejar de retener cada uno su singularidad. "No había rivalidad entre ellos, sino una cooperación genuina que les permitía pasarlo bien juntos a la vez que se comprometían en esos diálogos visuales", explica Jennifer Mundy, comisaria de la exposición (en Londres hasta finales de mayo y en el Museu Nacional d'Art de Catalunya, de Barcelona, desde el 19 de junio).

Duchamp es, sin duda, el genio del grupo, una imparable máquina de ideas y el primero que osó exponer en un museo vulgares objetos de la vida cotidiana bajo la etiqueta de de arte. Como el provocador urinario que decora esta página. Una pieza de porcelana que sacudió el establishment artístico del Nueva York de 1917. El autor francés lo presentó bajo el título La Fuente y la firma del fabricante del sanitario -R. Mutt-, elevándolo a la categoría de obra simplemente porque el artista lo proclamaba como tal. Ese urinario, transformado en escultura moderna, es el paradigma de sus readymade y trastocó para siempre el lazo entre el trabajo del artista y el valor de la obra, que desde entonces podía hacerse con cualquier cosa y tomar cualquier forma. Lo que entonces supuso un ultraje devino en símbolo: recientemente, un panel de quinientos expertos del mundillo votaba a La Fuente como la pieza de arte moderno más influyente.

En cuanto a la "pequeña ayuda de los amigos" (si se permite parafrasear a los Beatles) la muestra sitúa las obras de los tres en el contexto de la amistad que les inspiró y que, en un caso inusual en el mundo del arte, se mantuvo. Francis Picabia, nacido en el seno de una opulenta familia de origen cubano, era una treinteañero de vida disoluta cuando en 1911 conoció a Duchamp. Pese a lo diferente de sus contextos y al carácter más cerebral de este último, la química fue inmediata. Cuatro años más tarde, el espíritu aventurero del americano Man Ray se sumaba a la ecuación artística.

Uno de los nexos era la obsesión por el sexo, que refleja la fuerte carga de erotismo en muchas de las obras expuestas, empezando por las vírgenes, novias y viudas de Duchamp. El recorrido pierde brío en la etapa de la prematura retirada de Duchamp, que decidió consagrarse a sus textos filosóficos y a su gran pasión, el ajedrez, inmortalizada en un filme de René Clair, Entr'Acte, que completa la exposición.



Otras obras


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'Mujeres y Bull-dog' (1940-1942), de Francis Picabia. Para Picabia la idea de acción residia en el flujo de los recuerdos y las sensaciones. Este cuadro captura otras de las obsesiones de Piabia; la estética kitsch.


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Desnudo bajando las escaleras de Marcel Duchamp; Duchamp también tuvo una etapa cubista, este desnudo es una de sus obras de ese periodo. Los tres artistas compartieron sus obsesiones por el movimiento humano. Duchamp también tuvo una etapa cubista, este desnudo es una de sus obras de ese periodo.


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'Cadeau', de Man Ray. Man Ray es conocido por inventar la fotografía 'avant-gard' gracias a sus innovaciones técnicas. La exposición de la Tate Modern da también un amplio repaso a su obra como creador de objetos 'readymade'


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'La bailarina de la cuerda se acompaña con su sombra' (1916), de Man Ray. Esta obra es parte de los trabajos tempranos que Man Ray pintó en Nueva York, donde se encontraba influenciado por las vanguardias europeas.



Fuente: EL PAÍS
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
DEL 19 DE JUNIO Y HASTA EL 14 DE SEPTIEMBRE



La Tate Modern de Londres acoge una retrospectiva de Cy Twombly

Una obra que habría que adscribir a la corriente lírica del movimiento abstracto

La exposición reúne las dos versiones de su famoso ciclo 'Las Cuatro Estaciones'

Influido por la mitología clásica, griega y latina



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Muestra de la retrospectiva.


LONDRES.- La galería Tate Modern de Londres presenta a partir del próximo jueves 19 de junio y hasta el 14 de septiembre una gran exposición dedicada a Cy Twombly (Virginia, 1928), que abarca las distintas etapas de su carrera con motivo de su 80 cumpleaños.

Ordenada cronológicamente por el propio director de la Tate, Nicholas Serota y su colaborador Nicholsa Cullinan, la muestra ofrece una nutrida selección de los momentos más significativos de una obra que habría que adscribir a la corriente lírica del movimiento abstracto.

Una obra, la de Twombly, fuertemente influida por la mitología clásica, griega y latina, y toda la literatura europea desde Arquíloco o Catulo hasta Rilke o T.S. Eliot.

El artista, aunque estadounidense, se encuentra apegado a la civilización mediterránea y a Italia en concreto, país que visitó por primera vez en 1952-53 junto a su amigo y colega Robert Rauschenberg.

Ambos habían estudiado juntos en el famoso Black Mountain College de Carolina del Norte, donde enseñaban a algunos exiliados de la Bauhaus alemana y donde tuvieron como maestros a Franz Kline, al poeta Charles Olson y al compositor de vanguardia John Gage.

Cy Twombly regresó solo a Roma en 1957, alquiló un apartamento frente al Coliseo, en el que instaló su estudio. Tras un paréntesis entre Nueva York y Lexington y un viaje de recién casado a Cuba (poco después de la Revolución castrista) y a México, volvió con su esposa Tatiana a la Ciudad Eterna, ya para quedarse.

Una forma de arte poco agresiva

Influido tanto por el expresionismo de su compatriota Jackson Pollock y el dibujo automático de los surrealistas, el arte de Twombly se ha comparado muchas veces a los grafiti, aunque él mismo rechace esa descripción al ver en ellos una agresividad, una rabia que no tiene en cambio su arte.

La superficie de sus lienzos aparece muchas veces cubierta de garabatos, inscripciones, nombres de personajes mitológicos y citas fragmentarias de poemas clásicos; pero también símbolos priápicos, vulvas y otros elementos de fuertes connotaciones sexuales.

Un arte enigmático y abierto a toda suerte de interpretaciones que más que describir evoca. Alude a los placeres de la vida, a las condiciones de la naturaleza, a los elementos (sobre todo al agua), pero también al paso del tiempo y a la mortalidad.

En una de las raras entrevistas que ha concedido y que se incluye en el catálogo de la exposición, el artista explica al director de la Tate que trabaja en oleadas, casi por impulsos, dado su carácter impaciente.

Expresa también su preferencia por el lápiz frente a la pintura y, en el caso de usar esta última, dice preferir el acrílico al óleo por su rápido secado. El color es aplicado directamente del tubo y extendido luego con las manos por la superficie del lienzo en forma de manchones más o menos densos.

Una de sus obras más líricas es la serie dedicada a la fallecida esposa de su galerista romano, Nina Pirandello. Por su parte, la leyenda griega de Hero y Leandro expresa su fascinación por el mar en su aspecto más trágico.

La exposición incluye dos obras monumentales de su etapa minimalista, dos enormes pizarras en las que se elimina de pronto toda ornamentación, todo contenido representativo en beneficio de la pura abstracción geométrica a base de la repetición de módulos regulares.

Por primera vez, además, la Tate ha logrado reunir las dos versiones de su famoso ciclo 'Las Cuatro Estaciones'. Una la conserva la propia galería londinense, mientras que la otra, ligeramente anterior, pertenece al Museo de Arte Moderno de Nueva York.


EL MUNDO.es
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
A veces el Arte deberia llamarse "desarte" similar palabro a desastre, aunque no exista pero deberian agregarla a nuestro diccionario. Puesto que a veces el Arte moderno segun yo lo veo no es Arte, aunque claro... como en todo.... hay excepciones, aunque.....
En fín. J. Luis, como siempre gracias, me ha gustado mucho la Tate Gallery, aunque creo que aun no la terminaste, pero ya asoma tu explendido trabajo como siempre.
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
EL ARTISTA MÁS ENIGMATICO DEL SIGLO XX



En el borde de un abismo llamado Mark Rothko



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Christopher Rothko, hijo del artista y responsable de su legado, ante uno de los murales expuestos en la Tate. (Foto: AP)

LONDRES.- Mark Rothko tuvo una noción ambivalente del éxito. Pasó parte de su existencia buscando el reconocimiento pero, una vez que lo obtuvo, no supo cómo digerirlo. Prueba de ello, fue el episodio que marcó el advenimiento de sus célebres murales Seagram. En 1958 recibió una lucrativa propuesta de 35.000 dólares para cubrir las paredes del restaurante Four Seasons dentro del rascacielos Seagram de Mies van der Rohe. Dos años más tarde, dio marcha atrás, devolvió el dinero y decidió quedarse con las pinturas. Cuenta el mito que había aceptado el reto con intención malévola, "arruinar el apetito de cada hijo de puta que come en esa sala".

Pero fue el propio Rothko quien acabó atragantándose ante la ostentación del restaurante, insoportable para su credo socialista. En 1969 decidió donar nueve de esos murales a la Tate Gallery de Londres. Los murales llegaron a la orilla del rio Támesis el mismo día en que se tuvo noticia de su suicido. Su cuerpo había aparecido junto a un charco de sangre y una cuchilla en su estudio de Manhattan.

Desde el miércoles, los murales de la Seagram vuelven a lucir en la Tate como plato fuerte de la exposición que recuerda los años finales de Rothko. A su alrededor, las obras llegadas de otras dos colecciones, la del Kawamura Memorial Museum of Art de Japon y la National Gallery of Art de Washington, permiten considerar con ojos nuevos al pintor nacido en Letonia.

El conjunto marca "el comienzo del década más rica de mi padre", según el hijo del artista, Christopher Rothko, responsable de su legado. Pero también el más lúgubre, porque fue entonces cuando el pintor abandonó los colores intensos y brillantes de sus inicios para recrearse en oscurecidos tonos granate, rojo y negro. Según los expertos, Rothko quería obligar a una reflexión más profunda sobre su trabajo en su momento de máxima popularidad.

La cotización de su obra había alcanzado altas posiciones a principios de los 60, pero Rothko era muy consciente de que los gustos cambiantes del mundo del arte podían dar lugar a un cambio de tendencia. Quizá por eso, llamó a los representantes del Pop Art "charlatanes" y "jóvenes oportunistas". No se imaginaba que en 2008 seguiría siendo un pintor codiciado por los coleccionistas que, el año pasado, asistieron a la subasta de su cuadro 'White center', liquidado en Nueva York por 72,8 millones de dólares (récord entre los artistas de posguerra).


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La exposición estrá abierta del 26 de septiembre al 1 de oactubre. (Foto: REUTERS)

Claro que eso no tiene nada que ver con el deseo de Rothko de hacer del arte un instrumento de comunicación emocional. Su objetivo escondía una técnica meticulosa envuelta en un halo de misterio. Una de las salas de la muestra intenta desbrozar a través de fotografías aumentadas, y con ayuda de luces ultravioletas el método Rothko, las capas y y los retoques imperceptibles a simple vista.

El estudio ha sido realizado por la Tate en colaboración con especialistas holandeses e italianos pero aún deja en suspensión muchas preguntas sobre su técnica. Rothko rehusaba la presencia de testigos mientras pintaba y ni siquiera toleraba la presencia de sus asistentes. Las fotografías del pintor en su estudio solían retratarlo en una posición contemplativa, nunca en plena creación.

El entusiasmo que inspiraron sus murales Seagram llevaron al coleccionista Dominique de Menil a encargar a Rothko una serie de pinturas para la capilla de Houston, rebautizada para la posteridad Capilla Rothko. El edificio inspiró sus pinturas Black form (Forma negra) en 1964, un conjunto de lienzos negros de cambiante textura que supusieron un paso adelante respecto a la atmósfera crepuscular de los murales Seagram. La Tate ofrece algunos de esos cuadros, que representaron un corte con su trabajo anterior y también un desafío para quienes percibían su obra como decorativa.

La última sala de la exposición muestra algunos ejemplos de su última serie, 'Black on gray' ('Negro sobre gris'), un trabajo en el que se propuso desafiar sus propios límites. Durante su elaboración, Rothko abrió las puertas de su estudio a un grupo de miembros selectos del mundo del arte neoyorquino. Fue el epílogo de una carrera marcada por varios episodios depresivos regados por el alcohol.

El oscurecimiento de su última obra insinúa un mayor desánimo, pero sus herederos prefieren verla, a día de hoy, como una celebración de su mejor trabajo, como explicó recientemente su hija Kate en una entrevista a 'The Observer'. "Nadie puede negar que mi padre estuvo muy deprimido al final de su vida. Yo estaba muy convencida de esa idea. Tuve la terrible experiencia de ver cómo sus pinturas se oscurecían, para mí fue duro separarlas de su depresión. Pero cuando ví la exposición de la Capilla Rothko, me sentí fascinada. Ese fue el comienzo de una forma diferente de ver su trabajo".


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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La Tate dedica una retrospectiva al brasileño Cildo Meireles, último premio Velázquez



La exposición 'pone al artista brasileño donde se merece', según el director de la Tate

Para Todolí, Meireles 'cambia continuamente nuestra percepción de la realidad'




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Habitación blanca con objetos rojos, de Cildo Meireles.


LONDRES.- La retrospectiva de Cildo Meireles que se inaugura la próxima semana en Londres y viajará luego a España, EEUU y Canadá, "pone al artista brasileño donde se merece", según el director de la Tate Modern, Vicente Todolí.

Todolí fue el primero que organizó una gran exposición de Meireles cuando estaba al frente del Instituto Valenciano de Arte Moderno y es ahora comisario de esta retrospectiva junto al británico Guy Brett, otro gran conocedor del arte latinoamericano.

La gran exposición de la Tate, que podrá visitarse del 14 de octubre al próximo 11 de enero, viajará luego al Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, al Museum of Fine Arts, de Houston, al Los Angeles County Museum of Art y finalmente a la Art Gallery of Ontario (Canadá).

Meireles, que ha recibido el premio Velázquez, de España, y el Ordway, de EEUU, dedicado a artistas "no suficientemente reconocidos", representa con respecto al arte conceptual lo que el uruguayo Torres-García supuso frente a las vanguardias europeas de los años 20 o los brasileños Hélio Oiticia y Lygia Clark en relación con la abstracción geométrica.

"Aunque todos ellos pueden haberse nutrido de movimientos vanguardistas europeos, los adaptan siempre a la idiosincrasia latinoamericana, los transforman, eliminan su carácter sistemático y puritano y les dan siempre un toque poético, físico, corporal y emocional a un tiempo", explica Todolí.


Lado político; pasado dictatorial

El director de la Tate Modern explica, además, el lado político del arte de Meireles por el pasado dictatorial de su país y recuerda que lo mismo pasó con movimientos españoles como el pop del Equipo Crónica o el Equipo Realidad durante la dictadura franquista. Pero "en cuanto desapareció el enemigo: la dictadura, el arte de Meireles se vuelve menos directamente político y más poético", agrega Todolí.

Meireles aprovechó en su día los mecanismos de distribución, lo mismo del dinero que de las botellas de Coca-Cola, símbolo del capitalismo por excelencia, para hacer circular mensajes de resistencia política, que estampaba lo mismo en los billetes que en las etiquetas de las botellas.

Aunque, según Todolí, "su arte no es, sin embargo, sólo de protesta contra un determinado estado de cosas, sino que trata de asuntos que trascienden el contexto y la literalidad de la situación y se abre a múltiples interpretaciones, lo que le confiere universalidad".

"Su arte no es sólo de protesta, sino que trata de asuntos que trascienden el contexto y la literalidad de la situación", afirma Todolí, director de la Tate

Es un trabajo que "rebasa además el museo como institución", agrega el experto español, quien pone como ejemplo y "metáfora de su trabajo" la instalación 'La Bruja', consistente en una escoba cuyos hilos, de cientos de metros de longitud salen del museo e invaden la ciudad.

El director de la Tate cita con entusiasmo otras obras del brasileño de escala muy distinta, como su pequeño 'Espejo ciego', de plastilina, o la titulada 'Babel', una torre de cinco metros de alto formada por aparatos de radio de distintas épocas cada uno de ellos sintonizado con una emisora distinta.

Meireles "cambia continuamente nuestra percepción de la realidad, nos enseña que nada de lo que se ve es lo que parece y lo que no se ve es incluso más definitorio que lo visible". Como buen brasileño, agrega Todolí, el artista siente además una especial fascinación por la calle, "lugar de continuos trueques e intercambios", pero también por el fútbol "como metáfora de la vida" y la cultura primigenia de los indígenas.

Si Meireles muestra su admiración por otros artistas como Oiticica, Clarke y sobre todo el padre del arte conceptual, Marcel Duchamp, o el italiano Piero Manzoni, aquél ha influido a su vez en las nuevas generaciones de artistas latinoamericanos.

Así, Todolí recuerda que, cuando se le concedió al brasileño el citado premio Ordway, la colombiana Doris Salcedo, ganadora del mismo galardón, dijo de él que era para su generación "un modelo ético y estético".


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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Un niño de siete años colgará su obra en la Tate Modern



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Iker expondrá su obra 'Paseo por los espacios'

Iker Martínez Alandi, un niño de 7 años de Barcelona, alumno de la escuela Bon Pastor, expondrá su obra 'Paseo por los espacios' en la Tate Modern de Londres el próximo 2 de abril, representando a España, tras ganar el Proyecto Internacional de Arte Unilever junto a otros catorce seleccionados.

El objetivo de este proyecto para escuelas, patrocinado por la multinacional Unilever, y organizado junto a la Tate Modern, es motivar a la gente joven a crear obras en relación a la 'Unilever Series', el espacio que la firma promueve en este museo.

Este año, el tema del concurso es 'Espacios y Lugares', se inspira en la creación de Dominique González-Foerster, cuya pieza TH.2058 estará expuesta en la Tate Modern hasta el próximo 13 de abril.

En este proyecto, que comenzó hace ocho años, han participado más de 135.000 niños procedentes de 46 países distintos y, sólo en la presente edición, se presentaron cientos de obras procedentes de escuelas de países de todo el mundo, tan diferentes como China, Grecia, Bolivia, Japón, Turquía o Reino Unido.

"Son cajas con fotos de la ciudad...
... del barrio, la escuela, la clase y de mi mesa", así ha descrito el artista su obra. La obra 'Paseo por los espacios' está formada por un conjunto de cajas ilustradas de diversos tamaños que pueden ordenarse de distintas formas, consiguiendo con cada una un efecto diferente.

Iker Martínez Alandi, un niño tímido que asegura que las Artes Plásticas no están entre sus asignaturas favoritas, dice que el mayor regalo del concurso es "el viaje a Londres", ha relatado Iker.

"Mi hermana mayor quiere venir", ha explicado el niño aunque, como ha puntualizado, el concurso sólo permite que vayan "padre e hijo o madre e hijo" y, por el momento, no hay nada decidido.

EL MUNDO




   

Pues si su obra es meritoria, no importa la edad
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
El 'Arte Povera' invade la Tate Modern londinense


Pistoletto creará una gran esfera con periódicos de todo el mundo

Artistas como Millares o Tàpies pertenecieron al movimiento




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'La Venus de los trapos', de Pistoletto, será una de las obras expuestas

La Galería Tate Modern de Londres dedicará el fin de semana del 22 al 24 de mayo, prolongado por un lunes festivo, al 'Arte Povera' (en italiano: arte pobre, por los materiales utilizados), denominación acuñada por el crítico Germano Celant para describir ese movimiento de reacción frente al creciente comercialismo del mercado del arte.

Uno de los platos fuertes del evento será la presencia de Michelangelo Pistoletto. El artista italiano, una de las figuras más conocidas del 'Arte Povera' en los 60, creará una gran esfera con periódicos de todo el mundo, que posteriormente será paseada en procesión por las calles próximas al museo.

Una obra de Luigi Nono, compositor de vanguardia italiano y contemporáneo de muchos de esos artistas, titulada 'Contrapunto Dialettico Alla Mente', sonará en el espacio gigantesco de la Sala de Turbinas de la galería, evocando el espíritu de rebeldía estudiantil de 1968, año en que fue compuesta.

A su vez, un violonchelista animará la obra monumental 'Untitled' ('Sin Título', 1971) del griego Jannis Kounellis, que se inspiró para ella en una partitura de Johann Sebastian Bach, interpretando junto al cuadro un fragmento de 'La Pasión según San Mateo' del compositor alemán.

Exploración del 'Arte Povera' a través de 11 salas
La Tate Modern dedicará 11 salas a explorar este movimiento radical tanto con obras que ya pertenecían a su colección como con nuevas adquisiciones de artistas como Pistoletto, Anself Kiefer, Ana Mendieta, Marisa Merz, Robert Morris y Lynda Benglis.

El espacio central de esa nueva ala, titulada 'Energy and Process' ('Energía y Proceso'), acogerá obras creadas en los años 60 y 70 por representantes del 'Arte Povera', un movimiento artístico que tiene entre sus representantes más destacados a figuras como los italianos Alberto Burri o Mario Merz y los españoles Manolo Millares y Antoni Tàpies.

Entre las obras que se exhibirán figura 'La Venus de los Trapos' (1967/1974), de Pistoletto, en la que el artista combina una reproducción en mármol de la diosa griega y un montón de trapos que había utilizado previamente para limpiar las 'pinturas-espejo' que son su imagen de marca.

Y la artista norteamericana Jennifer West creará una nueva película en la galería, consistente en una 'performance' en la Sala de las Turbinas durante la cual un grupo de patinadores hará complejos movimientos con sus tablas sobre ruedas con las que rayarán largas cintas de celuloide esparcidas por el suelo.


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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Herzog & de Meuron amplían la Tate Modern



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El estudio de arquitectura suizo Herzog & de Meuron, autor de la reconversión de la antigua central de energía de Bankside en el Museo Nacional Británico de Arte Moderno es, también, responsable de la ampliación que se le está haciendo a este museo, el más visitado de su tipo de Europa.

El proyecto de ampliación sufrió grandes modificaciones desde su primera presentación en julio de 2006 hasta su presentación definitiva el 18 de julio de 2008. Primero pensado como una pirámide formada a partir de una serie de cubos de cristal, finalmente su fachada estará hecha de ladrillo, similar al del edificio principal, aunque interrumpido por ventanas de cristal. El nuevo edificio, de 70 metros de altura y que debe estar terminado para los Juegos Olímpicos de 2012, tendrá una galería de 1.500 metros cuadrados, aunque la superficie total, repartida entre 11pisos, llega a cerca de 25.000 metros cuadrados.


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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La Tate Modern homenajea a Theo van Doesburg



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Obra del holandés Theo van Doesburg. | Efe

El holandés Theo van Doesburg (1883-1913) fue no sólo uno de los pioneros de la abstracción geométrica sino un artista polifacético: pintor, arquitecto, grafista, diseñador, crítico, editor e incluso poeta Dada bajo identidad falsa.

Ahora, la galería Tate Modern le dedica -del 4 de febrero al 16 de mayo- una ambiciosa exposición, co-comisariada por su director, el español Vicente Todolí, bajo el título de 'Van Doesburg y la Vanguardia Internacional: La Construcción de un Nuevo Mundo'.

En ella se explora de modo exhaustivo el papel central de Doesburg en la vanguardia internacional tanto a través de sus propias creaciones en las distintas disciplinas como de las obras de muchos otros artistas en los que influyó, con los que colaboró o a los que promocionó en distintas etapas de su carrera.

Como señala la co-comisaria, la francesa Gladys Fabre, van Doesburg quiso crear "un arte universal mediante el establecimiento de un vocabulario visual de formas geométricas que debían ser comprensibles para todos y adaptables a cualquier disciplina". Van Doesburg fue no sólo un gran artista sino también un instigador y propagandista con un objetivo profeso de transformar el mundo.

La exposición, ordenada más o menos cronológicamente, parte de las primeras obras abstractas que creó, tras unos comienzos como pintor figurativo, bajo la influencia de la obra teórica de Kandinsky 'Sobre lo espiritual en el arte'.

Ya en 1916 van Doesburg estaba experimentando con la libre abstracción y ciertas formas de cubismo, aunque sin renunciar a la búsqueda de su propio camino, que pareció encontrar finalmente en una composición inspirada en el cuadro de Cézanne 'Los Jugadores de Cartas', que tradujo en una compleja estructura rigurosamente geométrica.

Fue el mismo año en que conoció a Mondrian, que acababa de regresar de París y estaba empeñado en una búsqueda similar de una nueva estética plástica. Para ambos, el arte debía estar en el futuro libre de toda representación figurativa y consistir sólo en elementos abstractos como la línea recta y el rectángulo, cada vez más depurados para eliminar entre otras cosas la división jerárquica entre figura y fondo.

Terminada la Primera Guerra Mundial, von Doesburg desarrolló sus contactos con otros artistas de vanguardia como el arquitecto ucraniano asociado al cubismo Alexander Archipenko o el pintor futurista italiano Gino Severini a quienes invitó a contribuir con 'De Stijl', la revista que fundó con Mondrian, Bart van der Leck y Vilmos Huszár, todos ellos pintores, el arquitecto JJP Oud y el poeta Antony Kok.

La revista, que se editaría entre 1917 y 1928, serviría de órgano de difusión de esa nueva estética conocida como Neoplasticismo, estética que propugnaba la geometría, el uso de los colores primarios- rojo, amarillo y azul- además de los neutros - blanco, el negro o gris- y la inmersión de lo individual en lo colectivo.

Pero Van Doesburg, que había escrito poemas Dada bajo el seudónimo de IK Bonset, abriría también sus páginas a dadaístas como Hans Arp y Kurt Schwitters, es decir a representantes de un movimiento con el que simpatizaba claramente y al que iba a dedicar incluso una revista de corta aparición, titulada Mecano.

Al cabo de unos años de estrecha colaboración entre Mondrian y Doesburg, estalló en 1924 una fuerte disputa teórica entre ambos cuando el segundo decidió renunciar a la rígida fórmula de horizontales y verticales del Neoplasticismo para dar juego a un nuevo elemento: las diagonales y los planes inclinados. Con ellas trataba de crear una impresión de dinamismo e inestabilidad, algo para lo que acuñó un nuevo ismo - Elementarismo-, aventura que Mondrian, sin embargo, consideró como una apostasía y que puso fin a su colaboración.

Según la comisaria de la exposición Gladys Fabre, si para Mondrian el arte es estático, armónico, de formas puras y eternas como las ideas de Platón, Van Doesburg tenía del mismo una concepción mucho más flexible y abierta a los avances científicos y técnicos como la teoría de la relatividad o a las nuevas artes como el cine.

Para la exposición de la Tate, montada en colaboración con el Stedelij Museum De Lakenhalt, de Leiden (Holanda), se han reunido más de 450 obras y abundante material documental de unos ochenta artistas relacionados con de Stijl en áreas como el cine, la tipografía, la poesía, la música, el diseño, la escultura y la arquitectura.

En ella se analiza, entre otras cosas, la influencia de las investigaciones de van Doesburg en las distintas disciplinas, lo mismo en los filmes abstractos de Viking Eggeling y Hans Richter que en las innovaciones tipográficas de Kurt Schwitters y El Lissitzky en sus publicaciones experimentales.

También se muestran las colaboraciones de Doesburg en el campo de la arquitectura con, entre otras cosas, una maqueta que reproduce la sala de espectáculos del Café Aubette, en la ciudad francesa de Estrasburgo, decorada junto a Hans Arp y Sophie Tauber-Arp y en cuyo interior aplicó a escala monumental su nueva estética de rectángulos dispuestos en diagonal y de colores elementales.


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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Vicente Todolí deja su puesto al frente de la Tate Modern
 
El museo ha logrado una media de 5 millones de visitantes al año
 


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Vicente Todolí, en Londres
 
A punto de cumplir su décimo aniversario, el próximo mayo, la Tate Modern londinense encara una nueva etapa tras confirmar que el español Vicente Todolí abandonará en verano la dirección de uno de los museos de arte contemporáneo más importantes del planeta.

El historiador del arte valenciano (Palmera, 1958) ha justificado el finiquito de siete años al frente de esa institución a orillas del Támesis en la voluntad de tomarse un respiro profesional, que era recibido con sorpresa en la capital británica. Todolí no sólo ha sido el alma mater de la Tate Modern a lo largo del grueso de la singladura del museo, sino también uno de los principales artífices del ambicioso proyecto de ampliación que prevé estrenar con ocasión de Juegos Olímpicos en Londres en el 2012.

"En los comienzos de mi carrera trabajé siete años en Valencia (IVAM) y después otros siete en Oporto (Museo Serralves de Arte Contemporáneo). Siempre tuve la intención de hacer una pausa en ese momento, pero la oportunidad de trabajar en Londres fue tan irresistible que me vine directamente en el 2003", explicaba un evasivo Todolí en su escueto comunicado de ayer.

El director que ha logrado dar forma a la importantísima colección propia de la Tate Modern, o que ha auspiciado grandes exposiciones que revisaban los trabajos de Kandisky, la Bauhaus, Duchamp, Man Ray y Picabia o Rodchenko, entre tantos otros, seguirá trabajando con la Tate "en proyectos futuros, incluida una gran exposición para el 2011 que se anunciará el próximo otoño".

El incuestionable éxito del museo, con una media de 5 millones de visitantes anuales, avalan la labor de Todolí, caracterizada por el director del Grupo Tate de galerías británicas, Nicholas Serota, como la "redefinición del modernismo contemporáneo".


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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La Tate Modern cumple una década de vida



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Recreación virtual de la futura Tate Modern

La galería de arte moderno Tate Modern, la más importante de Reino Unido, ha anunciado este viernes una cartelera de reputados músicos y artistas, entre los que se incluye el británico Martin Creed, ganador del premio Turner, con la que celebrará en mayo su décimo aniversario, con un festival que durará tres días.

En un comunicado, la Tate Modern ha publicado los nombres de los artistas que festejarán, del 14 al 16 de mayo, los diez años de vida de este museo, por el que han pasado más de 45 millones de visitantes desde que abrió por primera vez sus puertas al público el 12 de mayo del 2.000.

El evento, que será gratuito y lleva por nombre 'No Soul For Sale. A Festival Of Independents', promete presentar un innovador programa en el que se mezclarán el arte, el cine y la música y que incluirá actuaciones con sabor internacional.

El cantante y guitarrista americano Thurston Moore, miembro del grupo de rock Sonic Youth, en colaboración con la cineasta Eva Prinz, encabezará el grupo de músicos que llevarán sus espectáculos a la icónica Sala de las Turbinas de la Tate. JD Spooky, Kaffe Matthews, Cosey Fanni Tutti, Temperatures serán algunos de los encargados de amenizar las actuaciones nocturnas del décimo aniversario.

Los músicos seleccionados encarnan el "espíritu experimental" del festival, según destaca la propia galería mediante una nota que desvela que además contará para la ocasión con 70 organizaciones de arte independientes procedentes de todos los lugares del mundo, desde Shanghai a Río de Janeiro.

Ese elenco de artistas explorará, según se explica en el mencionado comunicado, el "puente" entre el arte visual y la música con gente de la talla de Creed o Mark Leckey, quienes pondrán en escena un espectáculo musical.


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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
J Luis, pronto voy a visitar los museos de la ciudad de Londres y me ha ido bien recordar tu post

Gracias por las noticias de última hora. Lástima que los actos en Mayo no coincidan con mi visita  
 



 
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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
El gran museo del arte como espectáculo. Cifras récord de asistencia y el reto de su ampliación marcan el décimo aniversario de la Tate Modern


Ha recibido 45 millones de visitas, más que el MoMA o el Pompidou

Quizá la mejor síntesis del centro esté en la Sala de Turbinas



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La Sala de Turbinas recibe a los visitantes a la Tate Modern londinense
  
Apenas había transcurrido una hora desde que la Tate Modern abrió sus puertas, el 12 de mayo de 2000, y más de cinco mil personas ya habían desfilado por sus instalaciones en la orilla sur del Támesis. La anécdota da una medida de su éxito inmediato. Diez años después, sus logros se han afinado; con este centro, el nuevo milenio ofrecía por fin a Londres un gran imán de arte contemporáneo a la altura de la importancia cultural y financiera de la metrópoli.

El arranque se demostraría síntoma. La Tate Modern se ha convertido en este tiempo en el museo de referencia de la cultura de masas. En su décimo aniversario, la Tate Modern presenta el balance de 45 millones de visitantes -por delante del Centro Pompidou parisiense y del MoMA neoyorquino- y es el segundo enclave más reclamado en una ciudad repleta de atracciones turísticas. El arte como espectáculo o la redefinición de una galería para las audiencias del siglo XXI.

El museo sustentó sus pilares en la colección de obras contemporáneas que integraba los fondos del grupo Tate, pero el principal reclamo fue y sigue siendo la magnífica sede del SouthBank, la antigua estación eléctrica remodelada por el despacho de arquitectos suizos Herzog & de Meuron. Un espacio de perfil moderno y democrático, centro cultural al tiempo que lúdico, con esa rampa de la Sala de Turbinas escenificando el acceso gratuito (una invitación a entrar) o las cristaleras que coronan el edificio y brindan estupendas vistas al río. Frente a quienes reprochan que muchos museos de nuestra era encarnan una celebración de la arquitectura por encima del mismo arte, la Tate Modern puede esgrimir una programación sólida y heterogénea, destinada a cautivar a todo tipo de públicos.

Las muestras dedicadas a Edward Hopper, Andy Warhol, Frida Kahlo, Kandinsky y, en primer lugar, al pulso entre dos gigantes del modernismo (Matisse / Picasso, 2002), fueron las que gozaron de mayor aceptación. También la exhibición de las últimas obras de Mark Rothko, nueve de ellas propiedad de los mismos fondos de la Tate Modern, esforzada en la búsqueda de nuevos formatos para subrayar el poderío de su colección permanente. Que en una década de singladura haya destacado la figura individual del artista por encima de los movimientos que lo enmarcan obedece al "sello" del español Vicente Todolí, director del museo a lo largo de los últimos siete años y ahora a punto de abandonar el barco antes de la nueva etapa de ampliación de la Tate. "Nunca hemos adoptado una actitud paternalista o condescendiente, ni hemos hecho creer al público que el arte contemporáneo es algo que está por encima suyo", declaraba recientemente a este diario para explicar las razones del éxito de unos de los museos emblemáticos del siglo XXI.

Quizá la mejor síntesis entre efervescencia artística y gancho popular se haga evidente en la espectacular Sala de Turbinas de la Tate, uno de los espacios más innovadores del panorama museístico. La serie Unilever invita cada temporada a una figura del arte a interpretar sus más de 3.400 metros cuadrados de superficie, inaugurados en 2000 por Louis Bourgeois y su araña gigante de acero Maman.

Le tomaron el relevo las enigmáticas figuras humanas que el español Juan Muñoz (fallecido poco después) ubicó en espacios geométricos a varios niveles, la inmensa campana escarlata de Anish Kapoor o la profunda brecha que la colombiana Doris Salcedo abrió en el suelo de la galería para subrayar las tensiones culturales de nuestro tiempo. Otras propuestas tuvieron mayor o menor aceptación entre la crítica, pero la respuesta de público ha sido siempre masiva. Pocos son los visitantes del nuevo Londres que no acaban recalando en la Sala de Turbinas, y por eso su marco desplegará a lo largo del próximo fin de semana un festival, con la participación de 70 colectivos experimentales e innovadores, en una celebración de los 10 años.

La presión de los números fuerza a crecer y expandirse; si los estragos de la recesión permiten estrenar ampliación de la sede -obra también de Herzog & de Meu-ron- coincidiendo con los Juegos Olímpicos de 2012. La nueva extensión busca un museo más amplio y flexible, aunque no un aumento significativo de las exposiciones que desborde a la institución. La Tate Modern no quiere arriesgarse a acabar víctima de su propio éxito.


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