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EL RENACIMIENTO
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Mensaje EL RENACIMIENTO 
 
Este trabajo recopilatorio esta dedicado a los grandes artistas, algunos de ellos considerados genios, que dieron nombre a una brillante época para las Artes, llamada Renacimiento.


El Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas.

El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica. Además este término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. El Renacimiento planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el antropocentrismo renacentista.


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La creación de Adán, pintura de Miguel Ángel, que recubre parte del techo de la Capilla Sixtina. El Vaticano.

Historia. El artista y escritor italiano Giorgio Vasari fue uno de los primeros autores en utilizar esta expresión en su obra Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos, publicada en 1570, pero hasta el siglo XIX este concepto no recibió una amplia interpretación histórico-artística.

Sin embargo, Vasari -gran pintor y eminente historiador del arte- había formulado una presuponía marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista. De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, cl dedeterminante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, queon pleno desprecio, como un estilo de bárbaros, más tarde éste recibirá el calificativo de gótico. Con la misma consciencia el movimiento renacentista se opone al arte contemporáneo del Norte de Europa.

Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido supranacional.

Desarrollo. Históricamente, el Renacimiento fue contemporáneo de la Era de los Descubrimientos y las conquistas ultramarinas. Ésta «Era» marca el comienzo de la expansión mundial de la cultura europea, con los viajes portugueses y el descubrimiento de América, lo cual rompe la concepción medieval del mundo, fundamentalmente geocéntrica.


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"La adoración de los magos", obra de Giotto

El Renacimiento comenzó en Italia en el siglo XIV y se difundió por el resto de Europa durante los siglos XV y XVI. En este período, la fragmentaria sociedad feudal de la Edad Media, caracterizada por una economía básicamente agrícola y una vida cultural e intelectual dominada por la Iglesia, se transformó en una sociedad dominada progresivamente por instituciones políticas centralizadas, con una economía urbana y mercantil, en la que se desarrolló el mecenazgo de la educación, de las artes y de la música.


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"El tributo", de Masaccio

El desmembramiento de la cristiandad y el desarrollo de los nacionalismos, la introducción de la imprenta, entre 1460 y 1480, y la consiguiente difusión de la cultura fueron de la mano, potenciándose mutuamente, con la revolución operada en el mundo de las ideas. El determinante, sin embargo, de este cambio social y cultural fue el desarrollo económico europeo, con los primeros atisbos del capitalismo mercantil. En este clima cultural de renovación, que paradójicamente buscaba sus modelos en la Antigüedad Clásica, surgió a principios del siglo XV un renacimiento artístico en Italia de empuje extraordinario.


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La Anunciación (Museo del Prado de Madrid), de Fra Angelico

El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por el saber y comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad clásica a la vez que investigaba las técnicas del claroscuro, las formas de representar la perspectiva, y el mundo natural; especialmente la anatomía humana y las técnicas de construcción arquitectónica. Empezó con Giotto, considerado el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. También Fra Angelico, Fra Filippo Lippi o Paulo Ucello, fueron de los iniciadores.


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Monumento Funerario (o Monumento Ecuestre) a Sir John Hawkwood es un fresco de Paolo Uccello, en conmemoración al condotiero inglés John Hawkwood, encargado en 1436 por la Basílica de Santa María del Fiore de Florencia. La importancia del fresco reside en que es un importante ejemplo del arte conmemorativo al soldado mercenario en la Península italiana y es un trabajo seminal en el desarrollo de la perspectiva en el arte.

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Virgen con Niño y dos ángeles, 1445 (Uffizi de Florencia), de Fra Filippo Lippi.


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El escorzo del "Cristo Muerto" de Andrea Mantegna.

Masaccio a pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.


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La última cena, de Leonardo da Vinci. Temple y óleo sobre yeso, 460 × 880 cm. Santa Maria delle Grazie


El paradigma de esta nueva actitud es Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente renacentista, quien dominó distintas ramas del saber, pero del mismo modo Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli y Bramante fueron artistas conmovidos por la imagen de la Antigüedad y preocupados por desarrollar nuevas técnicas escultóricas, pictóricas y arquitectónicas, así como por la música, la poesía y la nueva sensibilidad humanística. Todo esto formó parte de el renacimiento en las artes en Italia.


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La Transfiguración, obra cumbre de Rafael.

Mientras surgía en Florencia el arte del Cuatrocento o primer Renacimiento italiano, así llamado por desarrollarse durante los años de 1400 (siglo XV), gracias a la búsqueda de los cánones de belleza de la Antigüedad y de las bases científicas del arte, se produjo un fenómeno parecido y simultáneo en Flandes (especialmente en pintura), basado principalmente en la observación de la vida y la naturaleza y muy ligado a la figura de Tomás de Kempis y la «devotio moderna», la búsqueda de la humanidad de Cristo. Este Bajo Renacimiento, conjugado con el italiano, tuvo gran repercusión en la Europa Oriental (la fortaleza moscovita del Kremlin, por ejemplo, fue obra de artistas italianos).


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El David, de Miguel Ángel. Galería de la Academia, Florencia.

La segunda fase del Renacimiento, o Cinquecento (siglo XVI), se caracterizó por la hegemonía artística de Roma, cuyos Papas (Julio II, León X, Clemente VII y Pablo III) (algunos de ellos pertenecientes a la familia florentina de los Médici) apoyaron fervorosamente el desarrollo de las artes, así como la investigación de la Antigüedad Clásica. Sin embargo, con las guerras de Italia muchos de estos artistas, o sus seguidores, emigraron y profundizaron la propagación de los principios renacentistas por toda Europa Occidental.

Durante la segunda mitad del siglo XVI empezó la decadencia del Renacimiento, que cayó en un rígido formalismo, y tras el Manierismo dejó paso al Barroco.


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Nicolás Maquiavelo (1469-1527), hombre arquetípico del renacimiento, autor de El Príncipe. Detalle de un retrato pintado por Santi di Tito.


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Girolamo Savonarola, en un retrato de 1498 por Fra Bartolomeo.

El fin del renacimiento resulta tan impreciso como su inicio. Para muchos, la llegada al poder en Florencia del austero monje Girolamo Savonarola en 1497 marca el fin del florecimiento de la ciudad. Para otros, el retorno triunfante de los Médicis representa el comienzo de la etapa artística tardía denominada manierismo. Savonarola alcanza el poder durante un retroceso generalizado contra el secularismo y la indulgencia del renacimiento - su corto gobierno promovió que muchas obras de arte fueran destruidas en la "Hoguera de las vanidades" en el centro de Florencia. Con los Medicis de nuevo en el poder, ahora como grandes duques de Toscana, la contrarreforma en las iglesias continuó. En 1542 se fundó la Inquisición y pocos años después se creó el Index Librorum Prohibitorum, excluyendo un gran conjunto de obras literarias renacentistas.


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Miembros de la familia Medici en un fresco pintado por Benozzo Gozzoli en 1461


Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento:

- La primera tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado Quattrocento, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.

- La segunda, afecta al siglo XVI, se denomina Cinquecento, y su dominio artístico queda referido al Alto Renacimiento, que se centra en el primer cuarto del siglo. Esta etapa desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica que conforma el Manierismo.

Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el Gótico en sus formas tardías, situación que se va a mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI.

En Italia el enfrentamiento y convivencia con la antigüedad clásica, considerada como un legado nacional, proporcionó una amplia base para una evolución estilística homogénea y de validez general. Por ello, allí, es posible su surgimiento y precede a todas las demás naciones.

Fuera de Italia la Antigüedad Clásica supondrá un caudal académico asimilable, y el desarrollo del Renacimiento dependerá constantemente de los impulsos marcados por Italia. Artistas importados desde Italia o formados allí, hacen el papel de verdaderos transmisores.

Los supuestos históricos que permitieron desarrollar el nuevo estilo se remontan al siglo XIV cuando, con el Humanismo, progresa un ideal individualista de la cultura y un profundo interés por la literatura clásica, que acabaría dirigiendo, forzosamente, la atención sobre los restos monumentales clásicos.


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Interior de la cúpula (duomo) de la Basílica de Santa María de Fiore (Florencia).

Italia en ese momento está integrada por una serie de estados entre los que destacan Venecia, Florencia, Milán, el Estado Pontificio y Nápoles.

La presión que se ejerce desde el exterior impidió que, como en otras naciones, se desarrollara la unión de los reinos o estados; sin embargo, sí se produjo el fortalecimiento de la conciencia cultural de los italianos.

Desde estos supuestos fueron las ciudades las que se convierten en centros de renovación artística.


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Dante y la Divina Comedia, por Domenico di Michelino.  Basílica de Santa María de Fiore (Florencia)

En Florencia el desarrollo de una rica burguesía ayudará al despliegue de las fuerzas del Renacimiento, la ciudad se convierte en punto de partida del nuevo estilo, y surgen, bajo la protección de los Médicis, las primeras obras que desde aquí se van a extender al resto de italia.


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Retrato de Lorenzo de Médici por Girolamo Macchietti

Lorenzo de Médici (en italiano: Lorenzo di Piero de' Medici; Florencia, 1 de enero de 1449 - Careggi, 9 de abril de 1492), también conocido como Lorenzo el Magnífico por sus contemporáneos, fue un estadista italiano y gobernante de facto1 de la república de Florencia durante el renacimiento italiano. Príncipe de Florencia, mecenas de las artes, diplomático, banquero, poeta y filósofo renacentista, perteneciente a la familia Médici, y también bisabuelo de Catalina de Médici.

Su vida coincidió con la cúspide del renacimiento italiano temprano; su muerte marca el final de la Edad de Oro de Florencia. La frágil paz que ayudó a mantener entre los distintos estados italianos terminó con su muerte. Los restos de Lorenzo de Medici reposan en la Capilla de los Médici en la Basílica de San Lorenzo (Florencia).


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Miguel Ángel. Tumba de los Médici, Florencia



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Autorretrato en bronce de Lorenzo Ghiberti. Battistero di San Giovanni Battista, Florencia

Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378 - id., 1 de diciembre de 1455) fue un escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del Quattrocento. Fue uno de los artistas iniciadores de la transición entre el período Gótico y el Renacimiento y para mí un genio, para muestra la 'Puerta del Paraíso' del Baptisterio de la Catedral de Florencia. Fue discípulo de Brunelleschi y maestro de Donatello entre otros ayudantes que formaban su prestigiosa escuela.


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La Puerta del Paraíso, Baptisterio de Florencia, Italia. La Puerta del Paraíso (Porta del Paradiso, en italiano) es el nombre con el que se conoce popularmente a la puerta este del Baptisterio de Florencia, se encuentra ubicada frente a la catedral de Santa María del Fiore. Es obra del escultor y orfebre italiano Lorenzo Ghiberti quien la comenzó en 1425 y la finalizó en 1452. La "Puerta del Paraíso" es la obra cumbre de Ghiberti y una de las producciones más destacadas del Renacimiento. Completamente dorada, le fue puesto el sobrenombre de del Paraíso por Miguel Ángel Buonarroti. Su popularidad en el Renacimiento fue considerable. El arquitecto y pintor Giorgio Vasari dijo de ella que era “la obra de arte más fina jamás creada”.

Su obra tuvo tanto éxito que posteriormente el gremio de comerciantes de Florencia le encomendó el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio una tercera doble puerta, que acabó en 1452. Está decorada con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento, en un estilo totalmente diferente al anterior, en el que se aplican consecuentemente las reglas de la perspectiva renacentista. Miguel Ángel bautizó esta puerta como «Puerta del Paraíso», nombre con que se la sigue conociendo actualmente. Resultó también finalista junto a Brunelleschi en el concurso para la construcción de la cúpula de la catedral (Santa María de las Flores), pero esta vez el trabajo le fue encargado a Brunelleschi

Ghiberti esculpió también algunas estatuas de bronce para la iglesia florentina de Orsanmichele. En sus últimos años escribió los tres tomos de «I Commentarii» (Los Comentarios), en el que se incluían con valiosas referencias a pintores y escultores italianos, así como una autobiografía, que es la primera que se conserva de un artista. Fue un propagador activo de las ideas humanistas. Su manuscrito inacabado Comentarios (1447-1448), consta de su autobiografía y sus opiniones artísticas.


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Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446), fue un arquitecto, escultor y orfebre, iniciador del Renacimiento, conocido como «el padre del Renacimiento». Su influencia fue decisiva en la evolución de la arquitectura florentina del Renacimiento. Conocido, especialmente por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia (Il Duomo), y también por haber descubierto la perspectiva en la pintura. Fue un artista innovador que impulsó el abandono del estilo arquitectónico Gótico, encantando positivamente a sus contemporáneos con un estilo de mayor simpleza, lleno de elegancia y pureza geométrica basado en formas elementales como el rectángulo y la esfera. Estudioso de la arquitectura antigua italiana lo que le permitió rescatar de ella aspectos positivos que introdujo para renovar la escuela arquitectónica de Florencia, que a la fecha era considerada de vanguardia y ejemplo a seguir en el arte italiano.

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Ascensión de Cristo al cielo (detalle cúpula de santa Maria del Fiore, Florencia) por Lorenzo Ghiberti


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El juicio final, fresco de Giorgio Vasari. Cúpula de santa Maria del Fiore, Florencia.

Brunelleschi Fue contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio. Giorgio Vasari incluyó la biografía de Brunelleschi  en su obra Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri, 1542–1550). Después de perder frente a Ghiberti el concurso para diseñar las puertas del Baptisterio de Florencia, se trasladó a Roma junto con su amigo Donatello. Allí dibujaron y midieron todas las ruinas antiguas que encontraron. A los dos se les conocía risueñamente con el apodo de “los buscadores de tesoros” Cuando regresó a Florencia, Brunelleschi fue comisionado para construir la cúpula de la Catedral, que fue probablemente su mejor trabajo. Controló cada detalle de la construcción y el decorado. Sus ideas sobre la arquitectura clásica tuvieron influencia sobre los artistas y arquitectos de la época y se convirtió en una de las principales figuras del Renacimiento.    


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Cúpula de Santa María del Fiore, Catedral de Florencia.. La cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores, es su obra más famosa y más controvertida. Esta enorme cúpula diseñada por Brunelleschi no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia. La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero. Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos de fuerzas. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza. La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal de fábrica, que más adelante se recubriría con mármoles, en el cual se abrieron óculos circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior.


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La catedral de Florencia fue levantada en el espacio que ocupó la antigua iglesia de Santa Reparata, impulsada su construcción por la magnificencia de las nuevas catedrales de Pisa y Siena.



Arquitectura

Había dos tipos de edificios: religiosos (iglesias) y civiles (urbanos y laicos). Los elementos constructivos más característicos son:


- Estructurales: Arco de medio punto, columnas, cúpula semiesférica, bóveda de cañón y cubierta plana con casetones.

- Decorativos: Pilastras, frontones, pórticos, motivos heráldicos, almohadillados, volutas, grutescos, guirnaldas y medallones.

Desde sus inicios, la arquitectura renacentista tuvo un carácter profano y, lógicamente, surgió en una ciudad en donde el Gótico apenas había penetrado, Florencia; en la Europa de las grandes catedrales, se implantó con dificultades.

Se caracterizó por el empleo de proporciones modulares, superposición de órdenes, empleo de cúpulas e introducción del orden colosal.

En el Quattrocento fue frecuente recurrir a columnas y pilastras adosadas, a los capiteles clásicos (con preferencia el corintio, aunque sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de animales), los fustes lisos y el arco de medio punto, a la bóveda de cañón y de arista, así como a cubiertas de madera con casetones. Lo que fundamentalmente distingue a la arquitectura del Quattrocento de la del Alto Renacimiento (o Cinquecento) es la decoración menuda (putti, guirnaldas de flores o frutos, grutescos, etc.), el alargamiento de la cúpula (catedral de Florencia, de Filippo Brunelleschi) y las fachadas de piedra tosca (Palacio Medici−Riccardi, de Michelozzo di Bartolommeo) o con los sillares en realce (Palacio Rucellai, de Bernardo Rosellino, proyecto de Alberti).


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Templete de San Pedro en Montorio, por Bramante, Roma, 1502.

La arquitectura del Cinquecento tuvo como centro Roma: En 1506 Donato d'Angelo Bramante terminaba su célebre proyecto para la basílica de San Pedro en el Vaticano. Los palacios se adornaron de valiosos bajorrelieves (Palacio Grimani de Venecia, 1549, obra de Michele Sanmicheli) o de esculturas exfentas (biblioteca de San Marcos, 1537–50, Venecia, obra de Jacopo Sansovino).

Música

Al no conocer la música griega o romana con tanta precisión como la arquitectura y la escultura, la música renacentista no se produce como una restauración de lo antiguo. La música de esta época fue una culminación de lo anterior, buscando naturalidad, proporción y armonía entre texto y melodía...


Renacimiento español

Arquitectura renacentista en España

1ª etapa: Estilo plateresco. En España, el Renacimiento comenzó a insertarse en las formas góticas en las últimas décadas del siglo XV. El desarrollo del Renacimiento se produjo principalmente por arquitectos locales. De esta manera, se creó una corriente puramente española del estilo, que se vio influenciada por la arquitectura del sur de Italia (dominios de la Corona de Aragón en esa época). Este estilo español llamado plateresco, combinaba las nuevas ideas italianas con la tradición gótica española, así como la idiosincrasia local. El nombre proviene de las extremadamente decoradas fachadas de estos edificios, que se asimilaban al intrincado y detallista trabajo de los plateros.


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Fachada de Convento de San Esteban (Salamanca). Asombroso logro del artista. La mejor aportación de la cantería de Villamayor. Todo el arte renacentista y elementos góticos del momento para enaltecer a la Orden Dominicana.


2ª etapa: Purismo. Con el paso de las décadas, la influencia del Gótico fue desapareciendo, llegándose a alcanzar un estilo más depurado y ortodoxo, desde el punto de vista del Renacimiento. El purismo se caracteriza por una mayor austeridad decorativa, que se limita a algunos elementos concretos, generalmente de inspiración clásica. Hay un cierto cansancio de la exuberancia decorativa a mitad del siglo XVI y se imponen los edificios de aspecto más sereno, armónico y equilibrado. Algunos arquitectos consiguen reciclar su producción tardo-gótica para iniciarse en este nuevo estilo: tal es el caso, por ejemplo, de Alonso de Covarruvias, Rodrigo Gil de Hontañón y Pedro de Ibarra. El centro de la producción renacentista se localizó en Andalucía con Diego de Siloé (fachada de la Catedral de Granada y Sacra Capilla del Salvador de Úbeda); Pedro Machuca (Palacio de Carlos V en Granada), el arquitecto más decididamente clásico; Andrés de Vandelvira (Catedral de Jaén y de Baeza) y Diego de Riaño (Ayuntamiento de Sevilla).


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Monasterio de El Escorial, desde el estanque de la huerta. Tradicionalmente se ha atribuido la construcción del Monasterio de El Escorial a una promesa de Felipe II en compensación por haber sido destruida durante la batalla de San Quintín una iglesia dedicada a San Lorenzo.


3ª etapa: Estilo herreriano. A mitad del siglo XVI, la iniciación del Monasterio de San Lorenzo de El Escorialcomo símbolo del poder de Felipe II de España por Juan Bautista de Toledo (fallecido en1567) y Juan de Herrera supuso la aparición de un nuevo estilo, que se caracteriza por el predominio de los elementos constructivos, la ausencia decorativa, las líneas rectas y los volúmenes cúbicos.

Este estilo bautizado posteriormente como estilo herreriano en honor de la figura indiscutible de Juan de Herrera, dominó la arquitectura española durante casi un siglo, y entre sus seguidores se encuentran figuras tan relevantes como Francisco de Mora, Juan Gómez de Mora o Juan Gómez de Trasmonte.

En todos los casos, los conceptos de la arquitectura y urbanismo de España en el Renacimiento, fueron llevados a las colonias de América, dónde encontró campo fértil para su difusión dada la urbanización extensiva que se dio a lo largo de tres siglos y que recibió, también, a estilos posteriores como el Barroco y el Neoclásico.


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Fachada de la Universidad de Salamanca.

En España el cambio ideológico no es tan extremo como en otros países; no se rompe abruptamente con la tradición medieval, no desaparece la literatura religiosa, y será en el Renacimiento cuando surjan autores ascéticos y místicos; por ello se habla de un Renacimiento español más original y variado que en el resto de Europa.

La literatura acepta las innovaciones italianas (Dante y Petrarca), pero no olvida la poesía del Cancionero así como toda la tradición. Es ecléctica (una mezcla entre lo conservador y lo «moderno») entonces por su tradicionalismo y su universalidad: cultiva todos los temas y géneros produciendo en todos obras maestras.


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Miguel de Cervantes Saavedra (retrato imaginario, pues no existe ninguna imagen autentificada). Retrato atribuido a Juan de Jáuregui.

Como síntesis del Renacimiento y preludio del Barroco, la literatura contará con la figura capital de Miguel de Cervantes (siglos XVI–XVII). Fue novelista, poeta y dramaturgo español. Nació el 29 de septiembre de 1547 en Alcalá de Henares y murió el 22 de abril de 1616 en Madrid (fue enterrado el 23 de abril, y popularmente se conoce esta fecha como la de su muerte). Es considerado la máxima figura de la literatura española. Es universalmente conocido, sobre todo por haber escrito El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, que muchos críticos describen como la primera novela moderna y una de las mejores obras de la literatura universal. Se le ha dado el sobrenombre de Príncipe de los Ingenios...

Renacimiento alemán

El renacimiento artístico no fue en Alemania una tentativa de resurrección del arte clásico, sino una renovación intensa del espíritu germánico, motivado por la Reforma protestante.

Durero fue una figura dominante del Renacimiento alemán. Su obra universal, que ya en vida fue reconocida y admirada en toda Europa, impuso la impronta del artista moderno, uniendo la reflexión teórica con la transición decisiva entre la práctica medieval y el idealismo renacentista.


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Autorretrato, Alberto Durero (1498). Museo del Prado

Alberto Durero (1471–1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos. Durero comprendió la imperiosidad de adquirir un conocimiento racional de la producción artística.

Tras la Reforma el mecenazgo de la nobleza alemana se centró en primer lugar en la arquitectura, por la capacidad de ésta para mostrar el poder y prestigio de los gobernantes.

Así a mediados del siglo XVI se amplia el castillo de Heidelberg, siguiendo las directrices clásicas e incorporó. Sin embargo, la mayoría de los príncipes alemanes prefirieron conservar las obras góticas, limitándose a decorarlas con ornamentación renacentista.

Los emperadores Habsburgo y la familia Fugger fueron los más importantes mecenas, destacándose la protección de Johannes Kepler y Tycho Brahe.


Renacimiento en los Países Bajos


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El triunfo de la Muerte. Pieter Brueghel el Viejo, h. 1562. Óleo sobre tabla, 117 × 162 cm. Museo del Prado

Al mismo tiempo que se desarrollaba en Italia el Cinquecento Italiano, la llamada Escuela Flamenca alcanzó un desarrollo notable. Esta escuela se hizo célebre por su notable naturalismo, rasgo que comparte con los maestros italianos. Algunos grandes nombres de la época fueron los paisajistas Joachim Patinir y Quentin Massys; el retratista Antonio Moro (Anthonis Mor Van Dashorst), El Bosco y Pieter Brueghel el Viejo. Más tarde se enfoco la literatura con los mejores autores de la época.


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El Jardín de las delicias. Es una de las obras más conocidas del pintor holandés Hieronymus Bosch (El Bosco). Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre tabla de 220 x 195 cm la tabla central y 220 x 97 cada una de las dos tablas laterales (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella. Es una de las obras maestras del Museo del Prado, Madrid.



Arquitectura renacentista en Francia.


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Fachada del Palacio del Louvre en París, obra de Pierre Lescot. Francia fue el primer país en acoger con entusiasmo el estilo renacentista. El Renacimiento llegó a finales del siglo XV, cuando Carlos VIII regresó en 1496 con algunos artistas italianos tras la conquista de Nápoles. Es destacable el uso de dicho estilo en los castillos del Valle del Loira, cuya primera construcción fue el Castillo de Amboise (c. 1405), donde Leonardo da Vinci pasó sus últimos años.

El estilo comenzó a ser predominante durante el reinado de Francisco I (1515-1547). El Castillo de Chambord (1519-1536) es una combinación de estructura gótica y ornamentación italianizante, un estilo que desarrollaron arquitectos como Sebastiano Serlio, que también trabajó después de 1540 en el Castillo de Fontainebleau. Allí, artistas italianos como Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio, y Niccolò dell'Abbate formaron la primera Escuela de Fontainebleau. Otros arquitectos, como Philibert Delorme, Androuet du Cerceau, Jacopo Vignola o Pierre Lescot, también se inspiraron en las nuevas ideas. Otro ejemplo es la fachada interior sudoeste del Palacio del Louvre en París, que fue diseñada por Lescot y cubierta por relieves de Jean Goujon. La arquitectura renacentista aún siguió creciendo con fuerza bajo los reinados de Enrique II y Enrique III.



ALGUNAS OBRAS DE LOS ARTISTAS RENACENTISTAS MÁS REPRESENTATIVAS:


Donatello, (Donato di Betto Bardia) (1386-1466)



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Donatello. David in bronzo (Firenze, Museo Nazionale del Bergello, c. 1430)


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Donatello. Atis-Amor (Firenze, Museo Nazionale del Bergello, c. 1440)


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Donatello. San Juan Evangelista, en el Duomo, Florencia.


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Donatello. Monumento ecuestre al condottiero Gattamelata (Erasmo de Narni), 1445-1450. Piazza del Santo, Padua


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Donatello, Altare maggiore, San Daniele (Padova, Basilica di Sant'Antonio, 1450ca.)



Jan Van Eyck. Flandes. (1390-1441)


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Van Eyck. Combate naval entre turcos y malteses. Museo del Prado


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Van Eyck. Políptico del Cordero místico. Aprox. 1424-32. Óleo sobre lienzo. 375 x 260 cm. Iglesia de San Bavón. Gante. Bélgica. Este trabajo lo hizo con su hermano Huberto.



- Verrocchio (Florencia 1435 - Venecia 1488)


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Verrocchio. Estatua ecuestre que realizó Verrocchio en 1480 de Bartolomeo Colleoni en Venecia


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Verrocchio. El bautismo de Cristo, Galería Uffizi, Florencia. Su obra más importante como pintor, en colaboración de su joven discipulo Leonardo da Vinci. Está realizado al óleo y temple sobre tabla. Mide 177 cm de alto y 171 cm de ancho (151 cm según otras fuentes). Fue pintado hacia 1475-1478.


- Bramante (1444-1514) fue un arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el «Alto Renacimiento» en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro.


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Templete de San Pietro in Montorio, de Donato d'Angelo Bramante


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Bramante. Tribuna del Convento de Santa Maria della Grazie en Milán



- Botticelli. Italia. (1445-1510).


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Botticelli. El Nacimiento de Venus, conservada en la Galleria degli Uffizi, Florencia. El paganismo se introduce en el arte renacentista como contrapunto al mundo hermético y cerrado del medievo en el que Dios era el fin de todo. El ser humano en su individualidad y diversidad será a partir de ahora el objeto máximo del interés de los artistas.


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Botticelli. La primavera (1481-82): icono de la renovación primaveral del Renacimiento florentino.


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Botticelli. Virgen con el Niño (Virgen del rosal) (1469-70) - Temple sobre panel, 124 x 65 cm, Uffizi, Florencia


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Botticelli. El embudo del Infierno



- El Bosco- (Jeroen Anthonizoon van Aeken)Holanda. (1450-1516)


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El Bosco. Las Tentaciones de san Antonioc, 1500-1525, óleo sobre tabla, 70 × 51 cm. Museo del Prado.


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El Bosco. Cristo con la Cruz a cuestas, 76,5 × 83,5 cm, óleo sobre tabla, c. 1510-1535, Museo de Bellas Artes de Gante.


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El Bosco. Tríptico del carro de Heno. Óleo sobre tabla, 135 × 100 cm. Museo del Prado



- Leonardo da Vinci. Italia. (1452-1519 )


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Leonardo da Vinci. La Mona Lisa o también conocido como La Gioconda. Este cuadro realizado por Leonardo, es uno de los cuadros mas enigmaticos que ha existido nunca ya que aún no se sabe cual es el significado de este retrado. Como se aprecia, es una composición de muchos detalles:

Si apreciamos a la modelo desde la parte superior a la inferior, en la cabeza posee un belo símbolo de castidad, aunque en la actualidad no se aprecia, la modelo tenía cejas y pestañas, las cuales desaparecieron por las diversas revisiones de los artistas porteriores.

Sus labios hacen una ilusión optiva a la persona que lo observa ya que si se mira la pintura de lejos parece que tiene una leve sonrrisilla pero si nos acercamos para analizarla mas de cerca apreciamos que no esta sonrriendo y la comisura de sus labios no tiene las curvas que realizamos cuando sonreimos.

Las manos cruzadas son un signo de serenidad, incluso, como en algunos cuadros de épocas anteriores, las manos sobre el regazo significa fertilidad, pero ahí no caen en el regazo si no, encima de unas asas de la silla en la que está sentada.

Si nos damos cuenta en la hubicacion de la modelo, nos damos cuenta que está bajo un pótico, es decir, que la pintura se realizó bajo techo en una galeria o pórtico, ya que se puede apreciar perfectamente en la parte izquierda de la imagen encima del pollete la basa de una columna.

El paisaje que se encuentra en el fondo posee una atmósfera humeda y acuosa que parece rodear a la modelo. Se ha intenteaodo localizar el aparente recodo del Arno o una porción del Largo Como. sin haber llegado a conclusiones definitivas. Pero la curiosidad del paisaje es que si cortáramos en dos partes el cuadro de arriba a abajo, podriamos apreciar dos paisajes totalmente diferentes, el de la izquierda más alto y el de la derecha mas bajo, pero si observamos con atención... ¿Cómo puede estar el agua a distintos niveles en un mismo paisaje? como bien dijimos antes son dos lugares diferentes, unos dicen que el paisaje fue pintado ya que a Leonardo le impresionó muchísimo el paisaje de la ciudad italiana de Milan.


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Leonardo da Vinci. La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla. La versión del Museo del Louvre fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la que se conserva en Londres aún permanece sobre tabla. En el 2005 fue descubierta una tercera versión atribuida a Leonardo, siendo expuesta en la muestra Leonardo: Genio e visione in terra marchigiana.


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Leonardo da Vinci. Homo Cuadratus o más conocido cómo "El hombre de Vitrobio". Ejemplo de la combinación de ciencia y arte.


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Leonardo da Vinci. La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana, por Leonardo da Vinci, Museo del Louvre, París. "Verdaderamente celestial y admirable fue Leonardo [...]. Hizo un cartón de Nuestra Señora y una Santa Ana, con un Cristo, que también les pareció maravilloso a todos los autores; una vez terminado, estuvo expuesto dos días para que lo vieran los hombres y las mujeres, los jóvenes y los viejos, como se va a las fiestas solemnes, para ver las maravillas de Leonardo, que hicieron asombrar a todo este pueblo". Giorgio Vasari, Las Vidas.



- Alberto Durero. Alemania. (1471-1528)


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Durero. La adoración de la Santísima Trinidad, quizá la obra de durero más reconocida. Pintura al temple y óleo sobre madera, 135 × 123 cm. Museo de Historia del Arte de Viena.


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Durero. El martirio de los diez mil. 1508, óleo, 99 × 87 cm, Kunsthistorisches, Viena


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Durero. Adán y Eva (1597), pintura sobre tabla, Museo del Prado.



- Miguel Ángel  Italia. (1475-1564)


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Miguel Ángel. La Piedad, 1499. Mármol, 174 x 195 cm. Basílica de San Pedro. Ciudad del Vaticano


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Miguel Ángel. El Moisés, 1509. Tumba de Julio II, Roma


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Miguel Ángel. Conjunto del sepulcro del Papa Julio II (San Pietro in Vincoli, Roma)


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Miguel Ángel. El Bacus del Museo del Bargello, en Florencia, (1496-1498).


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Miguel Ángel. La Piedad florentina a Santa Maria del Fiore, Florencia. El grupo escultórico de la Piedad florentina consta de cuatro personajes: el Cristo muerto que está sostenido por la Virgen, María Magdalena y Nicodemo, los rasgos del cual son un autorretrato de Miguel Ángel.


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Miguel Ángel. Bóveda de la Capilla Sixtina, vista parcial (1512).


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Miguel Ángel. Biblioteca Medicea Laurenciana, Florencia



- Joachim Patinir. Flandes. (1480-1524)


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Joachim Patinir. Caronte cruzando la laguna Estigia (h. 1520-1524) Museo del Prado.


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Joachim Patinir. El bautismo de Cristo (h. 1515) Museo de Historia del Arte de Viena.


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Joachim Patinir. Paisaje con San Cristóbal (h. 1520) Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.



Rafael Sanzio. Nació el 6 de abril de 1483 en Urbino. El 6 de abril de 1520 falleció Rafael en Roma, a los 37 años, sin poder disfrutar del éxito que había obtenido. En su pintura integra las influencias de los mejores maestros de su tiempo, resultando de ello un estilo personal que ha marcado a numerosas generaciones de artistas.


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Los desposorios de la Virgen de Rafael Sanzio. En esta obra, se puede apreciar la influencia de Perugino en la manera de pintar del joven.


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Rafael. La Fornarina, amante del artista


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Rafael. La Madonna del Foligno. 1512. Óleo sobre lienzo, 320 × 194 cm. Museos Vaticanos


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Rafael. La Galatea, una de sus principales obras mitológicas.


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El Parnaso, 1511, Estancia de la Signatura. El Vaticano. Estas enormes y complejísimas composiciones pueden ser consideradas entre las obras supremas del Renacimiento. Proporcionan una visión extremadamente idealizada de los sujetos representados, y las composiciones


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Rafael. La escuela de Atenas, éste fresco es mi favorito. Pintura al fresco, 500 × 770 cm. La Stanza della Segnatura. Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano. Espectacular composición ambientada en arquitecturas típicamente romanas (parecen termas antiguas) que servirían de inspiración a Bramante en sus planos para la basílica del Vaticano y donde aparecen multitud de filósofos griegos en diversas actitudes.

Giorgio Vasari dice que Rafael llegó a tener un taller con cincuenta pupilos y ayudantes, muchos de los cuales llegarían a ser después importantes artistas por su propio derecho. Fue, posiblemente, el mayor taller reunido bajo el magisterio de un único gran maestro de la pintura, y mucho mayor de lo habitual. Incluía destacados pintores provenientes de otras regiones de Italia, que probablemente trabajaban con sus propios equipos como subcontratistas, así como aprendices y obreros. Hay poca información sobre el taller y sobre su organización interna, aparte de las mismas obras de arte, a menudo difíciles de atribuir a la intervención de un artista concreto.


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Rafael. La disputa del Sacramento, 1509. Pintura al fresco, 500 × 770 cm. Estancia de la Signatura. El Vaticano.

Tras la muerte de Rafael, la actividad del taller continuó, sin embargo, muchas de sus pinturas quedaron incompletas, así como algunas de sus posesiones. Los miembros más destacados fueron Giulio Romano, joven discípulo de origen romano — de 21 años —, y Gianfrancesco Penni, ya considerado un maestro, de origen florentino. Penni no alcanzó el mismo nivel de reputación personal que Giulio, y después de la muerte de Rafael, ocupó el puesto de ayudante de Giulio Romano durante la mayor parte de su carrera. Perino del Vaga, ya un maestro, y Polidoro da Caravaggio, quien supuestamente ascendió a la posición de pintor luego de ocupar el humilde oficio de trasportar materiales para los obreros, también llegaron a ser importantes pintores. Maturino da Firenze, como en el caso de Penni, fue eclipsado por la fama de su compañero Polidoro. Giovanni da Udine gozaba de un estatus más independiente, y fue responsable de la decoración en estuco y los grotescos que decoraban los principales frescos. La mayor parte de los artistas se dispersaron, y algunos de ellos tuvieron una muerte violenta a raíz del saqueo de Roma de 1527.53 Esto contribuyó a la difusión del estilo de Rafael por toda Italia y a lugares más lejanos.

Vasari da mucha importancia al hecho de que Rafael logró un armonioso y eficiente taller, y al igual su habilidad y paciencia en la resolución de los conflictos o disputas entre los clientes y sus ayudantes, algo que carecía Miguel Ángel con ambos colectivos. Aun así, hoy en día, es casi imposible descifrar las partes que Rafael y sus ayudantes realizaron, ya que, tanto Giulio como Penn, eran diestros, no hay duda de que muchas de las últimas obras murales de Rafael, y probablemente algunas de sus obras de caballete, destacan más por el dibujo que por la ejecución. Sin embargo, muchos de sus retratos, que se encuentran en buenas condiciones, muestran la brillante técnica de ejecución que alcanzó al final de su vida.

Otros de sus destacados discípulos y ayudantes fueron Raffaellino del Colle, Andrea Sabbatini, Bartolommeo Ramenghi, Pellegrino Aretusi, Vincenzo Tamagni, Battista Dossi, Tommaso Vincidor, Timoteo Viti—pintor de Urbino—, así como el escultor y arquitecto Lorenzetto—cuñado de Giulio Romano. Se ha dicho que el flamenco Bernard van Orley trabajó durante un tiempo para Rafael, y que Luca Penni, hermano de Gianfrancesco, tal vez fue miembro del taller.



- Tiziano - (Tiziano Vecellio di Gregorio)  Italia. (1487-1576)


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Tiziano. La Venus de Urbino (1538), inspirada en la Venus dormida de Giorgione, que a diferencia de ésta, la de Tiziano está recostada, no en la naturaleza, sino en un elegante interior. Desde 1963, se mantiene la hipótesis de que podría ser un retrato de la duquesa Eleonora Gonzaga. (Galería Uffizi)


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Tiziano. Venus recreándose con el Amor y la Música, pintada hacia 1555 (Museo del Prado).


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Tiziano. Dánae recibiendo la lluvia de oro (1553) El cambio de estilo en la técnica pictórica se aprecia en esta obra, una de sus mejores pinturas mitológicas (o "poesías" como el pintor las llamaba) encargada por Felipe II. Aunque Miguel Ángel le adjudicaba deficiencias desde el punto de vista del dibujo, el estudio de Tiziano reprodujo esta misma escena para diferentes encargos (Museo del Prado).


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Tiziano. Carlos V a caballo en Mühlberg, 1548. Óleo sobre lienzo, 335 × 283 cm. Museo del Prado. Es el retrato iconográfico por excelencia. Representa al emperador como príncipe cristiano, vencedor del protestantismo y como símbolo de la hegemonía de los Austria sobre Europa.


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Tiziano. Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari. Le llevó a Tiziano dos años (1516-18) completar esta obra, cuya dinámica composición triangular y viveza de colores lo convirtió en el más clásico de los pintores fuera de Roma.


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Tiziano. Noli me tangere, pintado hacia 1512, muestra el Tiziano más lineal aún bajo la influencia de la pintura del Quattrocento (National Gallery de Londres).


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Tiziano. Como muchos de sus últimos trabajos, la última obra de Tiziano, la Piedad (1576) es una dramática escena de sufrimiento en un ambiente nocturno. Fue la pintura escogida para decorar su tumba (Galería de la Academia de Venecia).



- Bronzino. Italia. (1503-1572).


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Bronzino. Retrato de Lucrezia Panchiatichi. El retrato de Lucrezia Panchiatichi, es uno de los cuadros más conocidos del pintor Italiano. Está realizado en óleo sobre tabla, y fue pintado en 1540, encontrándose actualmente en la Galería Uffizi, Florencia, Italia.


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Bronzino. Allegory of Happiness. 1564. Oil on copper. 40 x 30 cm. Galleria degli Uffizi, Florence


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Bronzino. Deposition. 1565. Óleo sobre tabla. 350 x 235 cm. Galleria dell'Accademia, Florence



- Tintoretto (Jacopo Robusti) nacido en Venecia el 29 de septiembre de 1518 y fallecido en la misma ciudad el 31 de mayo de 1594), fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y probablemente el último gran pintor del Renacimiento italiano.


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Tintoretto. El paraíso, h. 1579, óleo sobre lienzo, modelo en el Museo del Louvre, París


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Tintoretto. Cristo en el lago Tiberíades, h. 1560, óleo sobre tela, National Gallery of Art, Washington (D.C.)


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Tintoretto. San Marcos liberando al esclavo, 1548, óleo sobre tela, Galería de la Academia de Venecia


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Tintoretto. El Lavatorio, h. 1550. Óleo sobre lienzo, 210 cm x 533 cm. Museo del Prado. Madrid



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Basílica de San Pedro, obra de Bramante y Miguel Ángel, autor del diseño final que se ejecutó en su mayor parte; la cúpula fue terminada por Giacomo della Porta, y la fachada es obra de Carlo Maderno, de época barroca. Concebida inicialmente según un diseño centralizado, las variaciones en la dirección de la obra dieron como resultado un nuevo prototipo de iglesia, llamado a extenderse con la Contrarreforma.



CONTINÚA MÁS ABAJO...
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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última edición por j.luis el Jueves, 18 May 2017, 12:04; editado 23 veces 
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Mensaje Re: RENACIMIENTO 
 
Gracias J.Luis, no podía faltar esta galería del movimiento renacentista. En la que podemos comprobar muy buenas obras.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: RENACIMIENTO 
 
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El Renacimiento en España


La pintura renacentista española es la realizada a lo largo del siglo XVI en las Coronas de Castilla y Aragón. El Renacimiento italiano se difundió por la Península Ibérica a partir del litoral mediterráneo. Así, se aprecian diferencias entre las regiones a la hora de incorporarse al italianismo: es más rápido en la Corona de Aragón, más vinculada con Italia, y tarda más en llegar al corazón de la Península, donde perviven los modelos flamencos preponderantes en la época de los Reyes Católicos.

Suele diferenciarse en tres momentos, dividiendo el siglo en tres períodos. Es característico del Renacimiento español el predominio prácticamente absoluto de la pintura religiosa, siendo muy ocasionales los temas mitológicos, históricos, alegóricos, o géneros como el bodegón o el paisaje. Sí se producen retratos, especialmente vinculados con la corte.

España, en la época del Renacimiento, recibe la visita de algunos grandes artistas. Las posesiones italianas así como las relaciones establecidas por Fernando II de Aragón, entrañaron movimientos de intelectuales y también de artistas a través del crecimiento de la influencia española en Europa, y más particularmente en Italia. Llegan a lo largo de todo el siglo numerosos artistas italianos, pero también flamencos. De todos los pintores que trabajan en España en el siglo XVI, destaca la figura de El Greco a finales de siglo.

En cuanto a los museos en los que hoy en día pueden verse cuadros de esta época y estilo, ante todo debe mencionarse el Museo del Prado, siendo también destacados los fondos del Museo de Bellas Artes de Valencia. Para conocer la obra de El Greco y otros, es fundamental la ciudad de Toledo y su Catedral. Finalmente, en la Catedral de Sevilla pueden verse diversas obras de esta época.


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Es interesante el alfarje de madera. La pintura, representando "La última cena", destaca en la pintura renacentista sevillana. Datada entre 1545 y 1550, de autor desconocido, siendo abadesa dª Leonor Pacheco, se atribuye a pintor de la escuela de Alejo Fernández. Primera que toma el modelo de la pintada por Leonardo da Vinci. (José Luis Filpo Cabana)


Artistas del Renacimiento Español

    • Jaume Huguet (1412-1493), pintor gótico de influencia italiana prerrenacentista
    • Rodrigo de Osona, activo entre 1440 y 1518
    • Pedro Berruguete (1450-1503), situado en la transición del estilo Gótico a la pintura renacentista.
    • Ayne Bru, en Cataluña documentado 1502 y 1507
    • Francisco de Osona, activo entre 1465 y 1514
    • Juan de Flandes (1465?-1519), gótico flamenco con algún detalle renacentista
    • Paolo de San Leocadio (1447-1520), pintor italiano que desarrolló la mayor parte de su obra en España
    • Hernando o Fernando de los Llanos, activo entre 1506 y 1525
    • Miguel Esteve, colaborador o seguidor de los Hernandos en Valencia
    • Pedro de Aponte (m. 1530), en Aragón
    • Juan de Borgoña (1468?-1536?), introductor de las formas del «Quattrocento» italiano en Castilla.
    • Maestro de Becerril, activo en los años 1530, pintor castellano con influencias flamencas e italianas
    • Fernando Yánez de la Almedina (1475?-1536)
    • Maestro De San Félix (Joan de Burgunya), en Cataluña
    • Pedro Matas, en Cataluña
    • Alejo Fernández (1475?–1545)
    • Juan Vicente Masip (1475-1545), conocido como Masip el Viejo, padre de Juan de Juanes
    • Alejandro Mayner (m. 1545?), milanés que pintó al fresco en el palacio imperial de Granada
    • Pedro Machuca (1485-1550), en Granada
    • Julio de Aquiles (m. 1556), italiano que trabajó en el palacio imperial de Granada
    • Hernando de Esturmio (1515?-1556), flamenco que trabaja en Sevilla de 1539 a 1557
    • Alonso Berruguete (1490?-1561), en Valladolid a mediados de siglo. Fue hijo de Pedro Berruguete
    • Francisco de Comontes (m. 1564), en Toledo
    • Leone Leoni (1509—1590) fue un escultor italiano de talla internacional que viajó por Europa, los Países Bajos españoles y España, país este último donde realizó la mayor parte de su obra.
    • Pompeo Leoni (h. 1533-1608); escultor italiano renacentista. Hijo del también escultor Leone Leoni, con el que colaboró al servicio de la familia real española. De familia originaria de Arezzo, se estableció en Milán y en 1556 se trasladó a España para dedicarse a los encargos de la Corte española, en la que permaneció hasta su fallecimiento. Es recordado como el mejor medallista del Cinquecento. Cimentó su reputación a través de encargos que recibió de los monarcas de la dinastía de los Habsburgo, como Carlos I de España y su hijo Felipe II.
    • Juan Correa de Vivar (1510?-1566), en Toledo
    • Luis de Vargas (1505?-1567), en Sevilla
    • Gaspar Becerra (1520-1570)
    • Tomás Peligret o Pelegret, italiano activo 1530-1570, manierista que trabaja en la catedral de Roda
    • Antonio Moro (1520?-1576?), retratista flamenco
    • Pablo Schepers (m. h. 1576), flamenco, trabajó para el duque de Villahermosa en Zaragoza desde 1559, realizando cuadros de tema mitológico
    • Pedro Morone (m. después de 1576), italiano, trabajó en Barcelona desde 1548 y activo en Soria, Navarra y Aragón
    • Juan de Juanes (1523-1579)
    • Vicente Requena el Viejo, colaboró con Juan de Juanes en las tablas de San Esteban
    • Juan Fernández de Navarrete el Mudo (1526-1579)
    • Pedro de Campaña (1503-1580?), fue un pintor flamenco del Renacimiento español, que trabajó en Sevilla
    • Luca Cambiaso (1527-1585), genovés
    • Luis de Morales el Divino (1509-1586)
    • Alonso Sánchez Coello (1531-1588)
    • Jerónimo Cósida (antes de 1510-1592?), pintor activo en la provincia de Zaragoza, encabeza la nueva escuela aragonesa de mediados de siglo
    • Roland de Mois (m. a. de 1593), flamenco que trabaja en Aragón y Navarra, tratratista muy influido por Tiziano
    • Diego de Urbina (1523-1593)
    • Pedro de Villegas Marmolejo (1519–1596), trabajó en Sevilla
    • Rodrigo de la Haya (c. 1520-1577) fue un escultor español de estilo romanista, autor del retablo mayor de la Catedral de Burgos, obra que dejó inacabada y que completó su hermano Martín de la Haya.
    • Pellegrino Tibaldi (1527-1596), boloñés
    • Simon Pereyns (1530?-1600?), flamenco que pasó a América
    • Juan Bautista y Francisco Peroli (muertos a principios del siglo XVII), hermanos italianos que realizaron pinturas mitológicas e históricas para el Palacio del Marqués de Santa Cruz en Viso del Marqués (Ciudad Real)
    • Miguel Joan Porta, nacido en Ager (Lérida), activo en Valencia
    • Vicente Requena el Joven (1556 - h.1606), trabajó en Valencia
    • Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608)
    • Alonso Vázquez (1564-1608), de Sevilla pasó a América
    • Vasco Pereira (1535-1609?, portugués que trabaja en Sevilla a partir de 1561
    • Federico Zuccaro o Zuccari (1542-1609), pintor florentino
    • Nicolás Borrás (1530-1610), fraile del Monasterio de San Jerónimo de Cotalba, discipulo y continuador del estilo de Juan de Juanes. Trabajó en Valencia y en el referido monasterio
    • El Greco (1541-1614), nacido en Grecia, fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló en España un estilo muy personal en sus obras de madurez.
    • César Arbasia (m. 1614), ayudó en la decoración del palacio del Viso y pinta frescos en la Catedral de Málaga en 1579-1589
    • Luis de Carvajal (1534-1617)
    • Juan Sariñena (h. 1545-1619), aragonés que trabaja en Valencia
    • Bartolomé González Serrano (1564-1627), retratista cortesano
    • Mateo Pérez de Alesio (Mateo de Lecce, 1547-1628), italiano que llegó a Sevilla donde pintó un fresco de San Cristóbal para la catedral y después marchó a Perú hacia 1590
    • Francisco Pacheco (1564-1654), pintor manierista que trabaja en Sevilla, fue maestro de velázquez
    • Juan Gómez de Mora (1586–1648), arquitecto y pintor de cámara de Felipe II, activo en Madrid a partir de 1592, pintó trípticos para El Escorial.


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Carlos V y el Furor. Autores: Leone Leoni y Pompeo Leoni. 1564. Técnica: Fundido en bronce. Medidas: 251 x 143 x 130 cm. Peso: 825 kg. Museo del Prado. Para este grupo, León Leoni se inspira en el Genio de la Victoria, de Miguel Ángel. La figura del emperador se concibió desnuda, como la de un emperador romano, y la armadura articulada puede quitarse pieza por pieza.

Carlos V aparece en un actitud serena y melancólica, alejada de todo triunfalismo. Los detalles son impresionantes. Está representado en pie, vestido a la romana, con peto o coraza, espalderas, hombreras formadas por cabezas de león y calzando sandalias. Su mano derecha apoyada suavemente en una lanza y la izquierda sobre el mango de su espada, cuya empuñadura es la cabeza de un águila. Completan la decoración un medallón con la figura de Marte en relieve, el Toisón de Oro y una figurilla de Tritón bajo el ristre.

El emperador está pisando sobre otra figura desnuda que encarna el Furor, representado mediante un hombre maduro encadenado en actitud colérica y de odio, quien en su mano derecha sostiene una tea encendida. El grupo reposa sobre una base recubierta de armas y trofeos militares, trabajados con detallismo de orfebre: un tridente, una trompeta, una maza, un carcaj e incluso un haz de lictor romano con el hacha, potenciando el efecto de escultura de la antigüedad que tiene el grupo.

Esta idea está en relación con la mentalidad del Renacimiento, cuando se vinculaba el poder imperial al pasado romano, tanto política como estéticamente. Congruente con esta tendencia está el hecho de que los autores representaran al emperador desnudo como una escultura antigua a la que se añadió la coraza, que todavía hoy puede ser retirada.

El grupo tiene antecedentes claros en otras esculturas del Renacimiento que siguen la misma disposición, siendo la más clara la Judith de Donatello, del Palazzo Vecchio de Florencia, donde la heroína tiene la figura de Holofernes a sus pies, de igual manera que en el grupo del Prado.

La obra fue encargada por el propio Calos V en 1549 a Leone Leoni, quien no la terminó en vida del Emperador, siendo finalizada en 1564 por su hijo Pompeo.

Carlos V encarga la obra a Leone, junto con otras siete esculturas más - tres de bronce y cuatro de mármol -, en 1549. La representación iconográfica del grupo es invención propia del artista, plasmando la grandeza y dignidad del Emperador, aludiendo al conjunto de sus victorias y de su vida como pacificador. La estatua del Furor está directamente inspirada en la evocación que hace Virgilio de la estirpe de Augusto ( La Eneida I, 259). Firmado y fechado por su hijo Pompeo sobre la base, tiene una inscripción alrededor del pedestal.



Maestros españoles del Renacimiento


- El Greco - Creta (1540-1614). Domenikos Theotokopoulos, su verdadero nombre, nació en algún lugar de Creta, posiblemente en Candía, quizá un uno de octubre, fiesta de san Domenikos en el santoral griego. Buena parte de su carrera la desarrolló en España.


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El Greco. El entierro del conde de Orgaz, 1586-1588. Óleo sobre lienzo. 480 x 360 cm. Iglesia de Santo Tomé. Toledo


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El Greco. Adoración del nombre de Jesús. Alegoría de la Liga Santa. 1577-1580. Óleo sobre lienzo. 140 x 110 cm. Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Patrimonio Nacional


- Pedro Berruguete. España. Nació en la localidad palentina de Paredes de Nava (1450-1504).  No existen datos sobre sus inicios como pintor, ni sobre quién pudo ser su maestro, ni del lugar de su aprendizaje. No obstante, es más que probable que se formara en el estilo hispano-flamenco que imperaba en su juventud en el ámbito artístico de Castilla. No existen datos sobre sus inicios como pintor, ni sobre quién pudo ser su maestro, ni del lugar de su aprendizaje. No obstante, es más que probable que se formara en el estilo hispano-flamenco que imperaba en su juventud en el ámbito artístico de Castilla.

 
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Pedro Berruguete. Piedad. 1480. Óleo sobre tabla, 130 x 94 cm. Museo Nacional de Escultura, Valladolid


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Pedro Berruguete. Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán (c. 1500) de Pedro Berruguete (Museo del Prado. Según Joseph Pérez, "la composición (152x92 cm.) tiende a acentuar el dramatismo de la escena, puesto que el pintor representa la hoguera donde arden los condenados. Santo Domingo aparece de pie sobre una tribuna, rodeado de seis inquisidores, entre los que se encuentra un dominico y otro que lleva el estandarte del Santo Oficio; otros doce inquisidores completan el grupo; dos herejes... esperan su turno"


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Pedro Berruguete. La prueba del fuego, Museo del Prado


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Pedro Berruguete. La Virgen con el Niño en un trono. Museo de Historia, Madrid, deposito en Museo del Prado.


- Juan de Herrera, nació en el barrio de Movellán, en la localidad de Roiz, del municipio cántabro de Valdáliga en el año 1530, y murió en Madrid en el año 1597. Importante arquitecto, matemático y geómetra español de origen cántabro.

Juan de Herrera, comienza en la arquitectura en 1561 con las obras del Palacio Real de Aranjuez. Fue erigido por orden de Felipe II de España, quien le encomendó el proyecto al arquitecto Juan de Herrera, que murió durante su construcción, por lo que su discípulo Juan Bautista de Toledo fue el encargado de rematar la obra.


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Juan de Herrera. Vista de El Monasterio de El Escorial. En 1563 comienza a colaborar con Juan Bautista de Toledo en la construcción del Monasterio de san Lorenzo del Escorial. Un año antes había trazado las figuras del Libro del saber de astronomía. Cuando en 1567 muere Bautista de Toledo sucede a éste en la dirección de las obras. Herrera modifica los planos, ampliándolos y cambiando la ornamentación del interior de la iglesia y la traza de la fachada, haciendo un edificio singular que llama la atención por su sobriedad. Basa sus diseño en la horizontalidad, la uniformidad compositiva y una sobria decoración.

Construye en El Escorial la monumental fachada occidental, la gran basílica de planta centralizada y el templete del patio de los Evangelistas. Además de esto cambia las técnicas constructivas y modifica las cubiertas...


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Juan de Herrera. Entrada Patio de los Reyes. Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.


- Juan de Juanes (1523-1579) Nació Valencia. Se formó junto a su padre Vicente Masip con el que creó un lenguaje artístico de raíz rafaelesca, que inspiró la actividad de la escuela levantina en toda la segunda mitad del siglo XVI.


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Juan de Juanes. Retrato de Alfonso V de Aragón, 1557. Óleo sobre tabla, 115 x 91 cm. Museo de Zaragoza. Juan de Juanes se basó en un retrato de Pisanello. Alfonso V de Aragón (1416-1458) viste armadura de época de Carlos I de España. La cabeza sin cubrir expresa su condición pacífica. En primer término, encima de la mesa, se presentan objetos significativos: corona (rey), yelmo (conquistador) y libro abierto (cultura). Este último denota su amor por la cultura y figura asimismo en la corona, la cortina del fondo, el pomo de la espada y el lateral del casco. La corona está ornamentada con piedras preciosas en su aro y cuernos de la abundancia, símbolo de la prosperidad. El libro muestra título y autor: "DE BELLO CIVILI LIB. I" y "C. IVLI. CAESARIS" (La guera civil de Julio César), y une la condición militar con la sabiduría, las armas y las letras. A través del ventanal se observa un paisaje con ruinas romanas, y se ha postulado que aparece el Castel Nuovo de Nápoles, residencia del rey de Aragón tras su conquista de Nápoles.


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Juan de Juanes. El entierro de san Esteban. 1560. Óleo sobre tabla, 160 x 123 cm. Museo del Prado


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Juan de Juanes. La Última Cena. Pintado: h. 1562. Tamaño original: 116 x 191 cm. Museo del Prado. Ésta es seguramente su mejor obra. Esta obra es una de las más conocidas y características del pintor valenciano que como el resto de casi todas sus pinturas, es de tema religioso. Demuestra su gran maestría en el uso de los distintos colores, fundamentalmente si lo comparamos con los maestros flamencos de esa época. Transmite una paz espiritual, una calma representada en las figuras de placidez absoluta.



-  Luis de Morales, apodado “el Divino”. Pintor español, nacido en Badajoz en 1509, y muerto en 1586.


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Luis de Morales. La Virgen de la leche, h. 1570. Óleo sobre tabla, 84 × 64 cm. Museo del Prado de Madrid.


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Luis de Morales. Ecce Homo. Óleo sobre tabla. Hispanic Society of America. New York. USA.


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Luis de Morales. La oración en el huerto, 1560 - 1570, óleo sobre tabla, 85 x 65,5 cm.


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Luis de Morales. Cristo justificando su Pasión, c. 1565, Museo del Prado.



Alejo Fernández (h. 1475 – 1545) fue un pintor del Renacimiento español, de origen alemán, reconocido y destacado miembro de la Escuela sevillana de pintura.


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Alejo Fernández. Anunciación. Museo de Bellas Artes de Sevilla


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Alejo Fernández. Retablo de la Virgen de los Mareantes o de los Navegantes, Capilla del cuarto del Almirante en el Alcázar de Sevilla.



Otros maestros


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Alonso Sánchez Coello Retrato de la Infanta Isabel Clara Eugenia, niña, h. 1570, lienzo, 116 × 102 cm, Museo del Prado


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Navarrete el Mudo. Degollación de Santiago, 1571, Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.


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Yánez de la Almedina. Santa Catalina, 1505-1510, óleo sobre tabla, 212 x 112 cm, Museo del Prado.


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Juan Correa de Vivar. Anunciación, 1559, óleo sobre tabla, 225 x 146 cm. Museo del Prado.


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Juan de Flandes. Escena de la Crucifixión, 1509 por el pintor hispano-flamenco Juan de Flandes. Museo del Prado


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Alonso Vázquez La muerte de San Hermenegildo, 1602, Museo de Bellas Artes de Sevilla.


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Juan Vicente Masip. Martirio de Santa Inés, c. 1540, óleo sobre tabla. Diametro: 58 cm. Museo del Prado


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Blas de Prado. La Sagrada Familia con san Ildefonso, san Juan Bautista y el maestro Alonso de Villegas. 1589. Madrid, Museo del Prado.


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Antonio de Comontes. Crucifixión, oleo sobre tabla, 198 x 96 cm. primera mitad siglo XV. Museo Nacional de Escultura, Valladolid


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Maestro del Retablo de Bolea. Pietà (Lamentación ante el cuerpo muerto de Cristo). 1499-1503. Óleo sobre tabla, 124 x 78 cm. Procede del Retablo mayor de la excolegiata de Santa María la Mayor de Bolea (Huesca, Aragón)


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La Virgen de los Reyes Católicos, de autor anónimo conocido como Maestro de la Virgen de los Reyes Católicos, c. 1491-93. Ejemplo del goticismo imperante en la pintura de la época. Museo del Prado



La escultura Renacentista en España


- Gaspar Becerra. (Baeza, Jaén, 1520 - Madrid, 1568) fue un pintor y escultor del renacimiento español con gran influencia del italiano Miguel Ángel.


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Gaspar Becerra - Paneles de la Leyenda de Perseo, techo del "aposento de la camarera", Madrid, Palacio del Pardo.


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Gaspar Becerra - Piedad. 1560. Museo de Bellas Artes de Valencia.


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Gaspar Becerra - Dánae concibiendo a Perseo con la lluvia de oro de Zeus. Palacio Real. El Pardo. Madrid.


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Gaspar Becerra - Virgen con Niño del retablo de Santa María la Mayor (Soria), atribuido a Gaspar Becerra.


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Gaspar Becerra. Retablo mayor de la catedral de Astorga (León). Ocupa el fondo del presbiterio de dicha catedral. Las obras de ejecución duraron desde 1558 (año en que se firmó el contrato) a 1584. Está todo él construido en madera policromada siguiendo las trazas arquitectónicas del escultor Gaspar Becerra.


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Las esculturas se deben a este mismo artista y a sus colaboradores, escultores muy estimados que trabajaban en el taller de Becerra a quien consideraban su maestro y de quien aprendían a ejecutar las nuevas tendencias manieristas-romanistas. La policromía final es obra de Gaspar de Hoyos y Gaspar de Palencia. Con esta obra, Becerra tuvo la oportunidad de mostrar las novedades artísticas aprendidas y asimiladas en Italia donde había trabajado junto a los escultores de gran talla Giorgio Vasari y Volterra...


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Gaspar Becerra - Retablo mayor de la catedral de Astorga. Detalles



Alonso Berruguete. (1491 – 1561). Nació posiblemente en la localidad palentina de Paredes de Nava. Es hijo del pintor Pedro Berruguete.


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Alonso Berruguete. Ecce Homo (1525). Madera policromada con dorados y corladura en el manto. Museo Nacional de Escultura, Valladolid


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Alonso Berruguete. Sacrificio de Isaac. (S XVI). (S XVI). Madera policromada. Dorado con oro fino al agua y bruñido. Estofado. Retablo mayor del Monasterio de San Benito el Real de Valladolid (banco), actualmente en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.


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Alonso Berruguete. Martirio de San Sebastian. (S XVI). Madera policromada. Dorado con oro fino al agua y bruñido. Estofado. Retablo mayor del Monasterio de San Benito el Real de Valladolid (banco), actualmente en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.


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Alonso Berruguete. Adoración de los Magos, escultura en madera policromada parte del retablo del monasterio de San Benito, en Valladolid, actualmente en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.


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Alonso Berruguete. Salomé. 1512-17. Galería Uffici de Florencia.



- Bigarny - Felipe Bigarny el Borgoñón (Nació en ¿1475? – Murió en 1542). Arquitecto y escultor francés / español. También se le conoce como Felipe de Borgoña.


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Bigarny. Virgen con niño atribuida a Felipe Bigarny (Museo Nacional de Escultura de Valladolid).


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Bigarny. La capilla de los Condestables, se encuentra el sepulcro de los Condestables. Dos esculturas labradas en marmol de Carrara por Felipe de Bigarny, muestran los cuerpos de Pedro Fernández de Velasco y Mencía de Mendoza con un realismo insuperable y un detallismo increíble tanto en las facciones como en la vestimenta. Ambas esculturas, obras culmen hispánicas, descansan sobre una gran losa de jaspe.


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Bigarny. Retablo mayor de la Catedral de Santa María de Toledo (de 1500 a 1503). Trabajó con Copín de Holanda. Contrasta el estilo gótico de este conjunto en escultura y arquitectura con el estilo renacentista del retablo de la Descensión hecho para la misma catedral.


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Coro de la Catedral de Toledo, realizado por Alonso Berruguete y Felipe de Bigarny


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Retablo mayor de la catedral de Palencia es una de las obras culminantes del Renacimiento castellano. Fue encargado por el obispo Diego de Deza para colocarlo en la primitiva capilla mayor del templo, que con los años dejó de serlo para convertirse en capilla del Sagrario. El obispo contrató al ensamblador Pedro de Guadalupe para que hiciera las trazas, entre 1504 y 1506, dando como resultado un monumental mueble de estilo plateresco, incipiente en aquellos años. El retablo no llegó a instalarse en el espacio para el que fue pensado, sino que se acomodó en la nueva capilla mayor, ubicada en la nave central. Las obras de terminación y adaptación duraron hasta los primeros años del siglo XVII, en que se terminó el tabernáculo. Las esculturas se deben a Felipe Vigarny, con dos de las tallas de Alejo de Vahía y el remate de Juan de Valmaseda...



- Juan de Juni (Joigny, Francia, 1506 – Valladolid, 1577) escultor franco-español. Juan de Juni será, junto con el precursor Alonso Berruguete, el gran representante de la nueva escultura española que se desarrollará a lo largo de todo el s.XVI. De origen francés (en este siglo España se convertirá en centro de atracción para artistas de diversos países), su asentamiento hacia 1530 en Valladolid dará como resultado el refuerzo del foco castellano, en lo que a escultura se refiere.


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Juan de Juni. El entierro de Cristo es una obra maestra del escultor de origen francés y afincado en Valladolid, Juan de Juni. Fue realizada entre 1541-1545. Es el primer grupo escultórico documentado de este escultor para la ciudad de Valladolid, según se reseña en su primer testamento redactado en Salamanca. Fray Guevara le encargó el conjunto escultórico para colocarlo en el retablo de su capilla funeraria recién edificada en el desaparecido convento de San Francisco. Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Escultura, Valladolid.


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Juan de Juni. Piedad de Medina del Campo, obra de Juan de Juni en el año 1575. Procede del palacete campestre llamado la Casa Blanca y, actualmente, se conserva en el Museo de las Ferias de Medina del Campo.


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Capilla de la Piedad. Catedral de Segovia. Juan de Juni, en plena madurez profesional (1571), acepta el encargo del mayordomo Juan Rodríguez de Noreña, para esculpir "otro" Santo Entierro. La obra, para algunos eclipsada por la primitiva de Valladolid, es extraordinaria, así como la policromía.


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Juan de Juni. Retablo de la Iglesia de Santa María de La Antigua. Madera policromada, anchura 11 metros. Catedral de Nuestra Señora de la Asunción de Valladolid.


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Sepulcro del arcediano Gutierre de Castro en piedra arenisca policromada realizada por el escultor Juan de Juni y conservado en el claustro de la catedralvieja de Salamanca.

Según la descripción de Palomino es:

    ...un retablo de piedra que está en la iglesia antigua de Salamanca, con un Descendimiento de la cruz, y a un lado Santa Ana dando lección a su Hija Santísima, y al otro San Juan Bautista, y en el frontal de la mesa del altar, el bulto del sepultado en bajorrelieve, sobre dos almohadas, en su féretro, muy bien dispuesto en perspectiva, en que se conoce lo sabía muy bien; y asimismo la arquitectura del retablo con sus buenos adornos, niños, serafines y algunas calaveras.

El sepulcro realizado en piedra arenisca policromada, es de tipo arcosolio enmarcado por dos columnas corintias con un entablamento con calaveras entre paños que cuelgan de cabezas de leones, con los escudos del arcediano. El arcosolio es profundo y formado por arco de medio punto. Hay angelotes sosteniendo guirnaldas que bordean toda la arquivolta. En la parte frontal cubre todo el fondo el relieve de la Piedad o Calvario. Todas las figuras están unidas por medio de sus manos: la Virgen ocupa el lugar central, María Magdalena toma una de las manos de Cristo, el cual tiene la cabeza en escorzo inclinada hacia atrás, formando una línea de composición con la cabeza de su Madre y de María Salomé, que a la vez tiene sujeta a la Virgen. Los pliegues son de una gran ductilidad, con ondulaciones suaves. Las esculturas de Santa Ana y San Juan Bautista que habían estado a los lados de este sepulcro, se encuentran en el trascoro de la Catedral Nueva de Salamanca; en las dos se aprecia con claridad la monumentalidad de la tendencia de Juni.


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Juan de Juni. Crucifijo del Convento de Santa Catalina de Valladolid realizado por Juan de Juni en su último período, entre los años de 1572-73.


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Juan de Juni. Retablo mayor de la catedral de Astorga, realizado por Gaspar Becerra y obra maestra del Romanismo en España.



Damián Forment (Valencia (?) c. 1480 - Santo Domingo de la Calzada (La Rioja), 1540) fue un escultor español, considerado el más productivo de la Corona de Aragón y uno de los primeros introductores del Renacimiento en España.


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Damián Forment. Nuestra Señora del Coro, h. 1515. Alabastro policromado y dorado. Procede del Convento de Las Fecetas de Zaragoza.


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Damián Forment. Adoración de los pastores. 1520-1530. Alabastro policromado y dorado, 38 x 47 cm. Procede de la iglesia de Santiago Apóstol de Sobradiel de Zaragoza.


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Damián Forment. Retablo del monasterio de Poblet en la provincia de Tarragona.


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Damián Forment. Retablo mayor de la Basílica del Pilar. Zaragoza, 1509.


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Retablo de Santiago (1532), obra de de Damián Forment y Gabriel Joli



- Rodrigo de la Haya (Burgos, c.1520 - ibídem, 4 de julio de 1577) fue un escultor español de estilo romanista, autor del retablo mayor de la Catedral de Burgos, obra que dejó inacabada y que completó su hermano Martín de la Haya.

Su apellido sugiere un origen noreuropeo, aunque tanto él como su hermano nacieron en Burgos. Su matrimonio con Juana Ortiz de Bringas, viuda del escultor Gregorio Ruiz de Camargo, parece indicar que se formó en el taller de este artista y que se hizo cargo del mismo a su muerte (práctica habitual en la época).


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Retablo principal de la catedral de Burgos. En 1562 recibió el encargo del cabildo de la catedral de Burgos de realizar un nuevo retablo que sustituyera al viejo, una obra pictórica tardogótica. El nuevo diseño, muy monumental, se adaptaba a las directrices surgidas del Concilio de Trento: gran claridad compositiva, exaltación de la eucaristía, de las reliquias de los santos diocesanos y de la Virgen María, titular del templo. Rodrigo de la Haya se inspiró en el retablo que Gaspar Becerra esculpió para la catedral de Astorga. Su muerte le impidió completarlo y su hermano Martín quedó al frente de la obra, que contó también con aportaciones de Juan de Ancheta.



- Pedro López de Gámiz fue un escultor español (Barbadillo del Pez, Burgos, 1528 - Miranda de Ebro, 1588).


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Escultura renacentista en madera sin policromar (tercer cuarto del siglo XVI). Obra de Pedro López de Gámiz (1517-1588). Se expone en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio de Valladolid.


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Retablo de la Asunción del antiguo Monasterio de Santa María la Real de Vileña (hoy en el Museo de Burgos). Obra de Pedro López de Gámiz.


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Retablo mayor renacentista manierista romanista (s. XVI). Iglesia de San Martín de Estavillo (Álava). Obra de Pedro López de Gámiz


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Retablo de la Iglesia del Convento de Santa Clara de Briviesca (brugos). Obra de Pedro López de Gámiz


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Santa Eulalia ante el Magistrado, relieve en el trascoro de la catedral de Barcelona, obra de Bartolomé Ordóñez.


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Sepulcro del obispo Luis de Acuña y Osorio (m. 1495), obra renacentista tallada en alabastro en 1519 por Diego de Siloé, en la Capilla de Santa Ana o de la Concepción de la Catedral de Burgos


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Capilla de Gabriel Zaporta de la Seo de Zaragoza, esculpida hacia 1575 por Juan de Ancheta.


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Retablo mayor de la parroquia de Valtierra. El gran retablo de la iglesia parroquial de Valtierra está ya en los límites del Renacimiento plateresco. Es una obra monumental con una estricta arquitectura en que se advierten el inicio de las formas clásicas del romanismo. La escultura fue realizada sucesivamente por cuatro escultores, comenzando por Juan Martínez de Salamanca en 1577; a su muerte continuó Blas de Arbizo a quien sucedieron Juan de Cambray y Lope de Larrea.



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San Jerónimo de Pietro Torrigiano, c. 1525. Es de estilo renacentista italiano, del primer tercio del siglo XVI. Esta obra se encuentra custodiada en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Pietro Torrigiano (Florencia, 24 de noviembre de 1472 - Sevilla, 1528) fue un escultor italiano, conocido por su carácter violento, fogoso y apasionado. Fue uno de los precursores del Renacimiento y gracias a sus viajes difundió esta tendencia artística por toda Europa.

Torrigiano hizo el final de su carrera en España, como anécdota en su época de aprendiz coincidió con Miguel Ángel en Florencia y Torrigiani en una disputa le rompió la nariz, desde entonces la cara de Buonarroti quedó desfigurada, lo que hizo sentirse siempre mal toda su vida.



Transición del Renacimiento al Barroco

Tras los elementos clasicistas y manierista-romanistas del siglo XVI, entró e imperó desde comienzos del siglo XVII, con gran éxito en España, el arte llamado barroco. Sus antecedentes hay que buscarlos en pleno Renacimiento cuando el Concilio de Trento y sus mandatos influyeron de manera activa en la espiritualidad y religiosidad del mundo católico. Estos fenómenos fueron calando en el arte de la escultura que finalmente llegó a expresar el sentir realista del pueblo. La escultura barroca fue casi exclusivamente religiosa respondiendo a un sentido ascético de la vida frente a la escultura renacentista que respondía a un sentido místico. Las imágenes religiosas pasaron de ser un símbolo venerado en la intimidad de un templo a ser un símbolo itinerante incluso dentro de las propias iglesias, en los hogares y en las calles. Fue entonces cuando surgió la imagen procesional.


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Retablo de la Trinidad en la catedral de Jaca. Detalle del grupo escultórico de la Trinidad.

A lo largo de la segunda mitad del siglo XVI el ejemplo italiano a seguir había sido Miguel Ángel. Entrado el siglo XVII fue Bernini el escultor que más llamó la atención y cuya influencia se extendió hasta finales del siglo XVIII.


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San Juan Bautista de Alonso Cano, escultor barroco nacido en Granada. Museo Nacional Colegio de San Gregorio. La obra fue contratada en 1634 para el retablo mayor de la iglesia de Villana de San Juan de la Palma.


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Cristo yacente (1627) conservado en el Museo Nacional de Escultura, Valladolid. Pbra del escultor barroco Gregorio Fernández.

La escuela de Valladolid fue decayendo a finales del siglo XVI hasta que de nuevo apareció el genio de un escultor: Gregorio Fernández que impuso su personalidad dentro de la nueva tendencia barroca. Por otro lado, en Andalucía surgió un foco bien diferenciado con artistas de primera magnitud que darían vida a la escultura del barroco andaluz.



Enlaces interesantes


Escultura del Renacimiento en España

Pintura renacentista en España

Renacimiento español

Renacimiento italiano

Pintura renacentista de Italia

Escultura del Renacimiento



Pues esto es todo amigos, espero que este trabajo recopilatorio de los artistas más importantes del renacimiento, os haya gustado o al menos interesado y nos sirva a todos, para conocer y valorar un poco más si cabe, la importancia que supuso para las artes, los grandes maestos, muchos de ellos verdaderos genios, que nos dejo esa maravillosa época del Renacimiento en Europa.


Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, museodelprado.es, artcyclopedia.com, pintura.aut.org, artehistoria.com, flickr.com, panoramio.com, tallerdetallaenmadera.blogspot.com.es, pic.twitter.com y otras de Internet.
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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última edición por j.luis el Jueves, 18 May 2017, 09:21; editado 29 veces 
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Mensaje Re: RENACIMIENTO 
 
Buen reportaje J. Luis.  

Saludos
 




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Para toda clase de males hay dos remedios: el tiempo y el silencio. A. Dumas

Dar amistad a quien te pide amor es lo mismo que dar pan al que tiene sed.

La felicidad es como la neblina, cuando estamos dentro de ella no la vemos. Amado Nevo

 
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Mensaje Re: RENACIMIENTO 
 
He subido algnas imágenes nuevas.




 
 




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Mensaje Re: EL RENACIMIENTO 
 
Lo africano en el Renacimiento europeo


África no es un país... "Salvo por el nombre geográfico, África no existe", decía Ryszard Kapucinski. Y sí, desde Europa, acostumbramos a simplificar su realidad hasta hacerla una y pobre, catastrófica y dependiente. Pero África es un continente: 55 países, mil millones de personas, multiplicidad de mundos, etnias, voces, culturas... África heterogénea y rica contada desde allí y desde aquí. Un blog coral de la mano de Lola Huete Machado.



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Retrato de una esclava africana. Annibal Carracci, atribuido, cerca de 1580 (se trata de un fragmento de una pintura más grande, probablemente un retrato de su dueña en donde ella era figura secundaria). Sostiene un reloj, el símbolo de la preocupación cristiana de su señora por el rápido paso de tiempo.Tomasso Brothers, Leeds (Inglaterra).

Sobra decir que el Renacimiento europeo posee suficiente contenido de por sí para llenar museos y exposiciones desde mil miradas distintas. Pero esta que abrió en el Walters Art Museum de Baltimore (en el Estado de Maryland, EE UU) en otoño pasado (con el rostro de esta esclava africana como cartel promocional por sus calles) nos llamó ya entonces la atención y la rescatamos ahora que se va a mover a Princenton (en Nueva Jersey). Su título es Revealing the african presence in Renaissance Europe y comprende el periodo entre 1480 a 1610, edad de grandes exploraciones, nuevas rutas de comercio, diplomáticos que viajan, efervescencia de influencias y productos.... La muestra aporta una visión no demasiado habitual, y no sólo en Norteamérica: la aparición de africanos en el arte de aquella época, su protagonismo en obras de distintos artistas relevantes.

Incluso la gestación de esta muestra tiene nombre europeo. El de una mujer, Giulia Medici.

Habla de la representación de la persona negra, de lo africano en aquel tiempo en que el humanismo fue rey y el individuo, la belleza y la medida se convirtieron en centro de toda inquietud artística. Y en un periodo en que los sucesivos descubrimiento mostraban la diversidad del globo... esto ponía sobre el tapete cuestiones como el cambio de color de la piel, la clase o distintos estereotipos. Aunque existía una larga tradición de esclavos en Europa, hasta el XV estos solían ser siempre blancos, procedían en su mayoría de Oriente y Asia, y aún no tanto de África. El comercio de esclavos se había iniciado de manos portuguesas en 1440, aunque al principio eran usados como fuerza de trabajo en las mismas colonias, poco a poco creció su valor y serían vendidos y exportados en masa generando el famoso triángulo comercial África/América/Europa que puso cimientos a las riquezas de más de uno.

Lo contaban al hilo de la inauguración en otoño en Artnews en un precioso artículo titulado From Congo to Othello to Tango to Museum Shows. En 1902, el Walters Art Museum adquirió un Pontorno a una noble italiana datado alrededor de 1539. Considerado un retrato femenino, en una limpieza en 1937 se encontró que allí había un niño, y se concluyó que se trataba de Cosimo de Medici. Pero tiempo despues los especialistas cambiaron de idea: no era o es él sino ella, Giulia de Medici, la hija del duque Alessandro, al parecer, hijo de una sirvienta negra. "Giulia se considera que fue la mujer de ascendencia africana más prominente de su tiempo", afirman.


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Los tres mulatos de esmeraldas, retrato de Don Francisco de Arobe y sus hijos Don Pedro y Don Domingo, de Andrés Sánchez Galque, 1599, Museo Nacional del Prado, Madrid.

Este descubrimiento fue semilla para esta exposición organizada por el centro en colaboración con el Princeton University Art Museum y montada gracias a préstamos de grandes museos y colecciones privadas europeas (El Prado, por ejemplo) y estadounidenses, incluyendo las obras que ya pertenecían a los dos organizadores. El Walters mismo describe la exhibición como "un esfuerzo por restaurar la identidad de personas que han sido invisibles en varios sentidos de la palabra". A través de estas piezas europeas se descubre quiénes eran, cómo vivían y cuáles eran su rol en la sociedad renacentista. Revealing the african presence in Renaissance Europe explora su presencia, muchos vivieron o viajaron a Europa (a Portugal donde más, pues ellos fueron los pioneros en viajes de exploración y en abrir colonias) y eran abogados, empresarios, artistas, aristócratas, santos y también esclavos... Los retratos seleccionados hablan de identidad, de sentido de clase y de los estereotipos de aquel tiempo. En Estados Unidos la inauguración tuvo su repercusión pues trata un asunto, el de la raza, con las implicaciones conocidas para los afroamericanos. Especialmente interesante fue el análisis que hizo el The Baltimore Sun que la definió como "verdadera revelación". En resúmenes del año de varios periódicos fue incluida como una de las mejores muestras de 2012.


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San Benito de Palermo, de José Montes de Oca, attrib.ca. 1734. The Minneapolis Institute of Art.

The New York Times, en un interesante artículo, afirma que es un regalo visual: "... obras maravillosas de artistas conocidos y venerados - Durero, Rubens, Veronés - con imágenes que la mayoría de nosotros nunca supo que existían, componen un mapa de la historia del arte, la política y la raza que pocos museos han tratado con tanta relevancia... La exposición en el Walters, organizada por J. Spicer, el curator de arte renacentista y barroco, trata más de preguntas que de respuestas". Han tomado un periodo precioso de la historia del arte, vienen a decir, y le han dado una dirección inesperada. Y se detienen a describir la visión enigmática, violenta y llena de bestias que poseían los europeos de entonces de todo lo africano. También desvelan un detalle interesante para este mes de enero español: fue en este periodo cuando se introdujo la figura del rey negro, Baltasar, adorando a los reyes en las pinturas religiosas.


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Chafariz d’el Rey en el barrio de la Alfama. Países Bajos, ca. 1570-80, The Berardo Collection, Lisboa.

En el Washington Post insisten también en que se trata de la primera gran exposición dedicada a un tema a menudo tan pasado por alto... "Comercio y exploración, en conflicto con el Imperio Otomano en el norte de África, la guerra religiosa y el deseo de esclavos crearon el primer contacto constante entre europeos y africanos desde la época romana, obligando a los artistas y al público a pensar sobre la raza y la identidad de nuevas maneras".

En otro medio local (Baltimore outloud) cuentan cómo la exhibición comienza con mapas e ilustraciones que demuestran la curiosidad europea sobre África y su "alteridad"; progresa luego hacia las pinturas religiosas en las que los modelos negros fueron utilizados a menudo para evidenciar la universalidad del cristianismo y, finalmente, se centra en retratos individuales de esclavos, visitantes, comerciantes,  miembros del tribunal y hasta santos, como San Benito (el primero negro europeo, ver arriba)...


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Busto de africano con turbante. Peter Paul Rubens, ca. 1609, colección privada, cortesía de Jean-Luc Baroni (Londres).

Personas, en fin, cuyas historias de vida eran y son un misterio. Unas ochenta piezas entre pinturas, esculturas... y firmadas por autores de altura como Rubens, Pontormo, Durero, Veronese o Bronzino. Así lo cuentan en la web del mismo centro, que ha organizado numerosas visitas educativas para escolares. Estos eran invitados a crear sus propias obras en respuesta a lo visto y aprendido, y estas fueron también expuestas en las salas.


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Workshop of Gerard David, Netherlandish, ca. 1460–1523. Adoration of the Magi, ca. 1514. Oil on wood panel. Museum purchase (y1932-34).

Revealing the african presence in Renaissance Europe se puede ver hasta hoy en el Walters de Baltimore y desde mitad de febrero (y hasta junio) en el Princeton University Art Museum.

Muchos de los artículos aparecidos en prensa desde que se abrió la exposición se pueden consultar pulsando aquí.


elpais.com
 




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