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CHARDIN
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Mensaje CHARDIN 
 
Este trabajo está dedicado al pintor francés Jean Siméon Chardin, fue uno de los pintores franceses más importantes del siglo XVIII, cuya pintura de género y naturalezas muertas reflejan la vida de la burguesía parisina, temas heroicos y las alegres escenas del rococó que se estilaban en la época. Dominio de la técnica le permitió a Chardin dotar a sus pinturas de una asombrosa textura realista. Lograba crear formas con juegos de luz, mediante pinceladas superpuestas cargadas de materias y destellos finos y luminosos. Los críticos le denominaron el gran mago y no hubo ningún otro pintor del siglo XVIII que le igualara.


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Jean Siméon Chardin - Autorretrato con gafas. 1775 (pastel, 46 × 38 cm). Museo del Louvre, París.

Jean Siméon Chardin, llamado sin razón, incluso en vida, Jean-Baptiste-Siméon (París, 2 de noviembre de 1699 – 6 de diciembre de 1779), está considerado como uno de los más importantes pintores franceses del siglo XVIII. Se le conoce principalmente por sus naturalezas muertas y sus retratos.

Primeras obras

Jean Siméon Chardin nació en París el 2 de noviembre de 1699 de padre artesano ebanista, fabricante de billares.

No se sabe mucho de su educación antes del 6 de febrero de 1724. Se sabe que fue alumno de Pierre-Jacques Cazes (pintor de paisajes históricos) y que siguió los consejos de Noël Nicolas Coypel. El 6 de febrero de 1724 fue admitido en la Academia de Saint-Luc con el título de Maestro, al que renunció en 1729. Según los hermanos Goncourt, Coypel le pidió que le pintara un fusil en un cuadro de caza, apasionándolo por las naturalezas muertas.

Es probable que en 1728 dos miembros de la Real Academia de Pintura y Escultura, Louis Boullongne y Nicolas de Largillière, se fijaran en dos de los cuadros que fueron presentados en la Exposición de la juventud (presentaciones libres al aire libre alrededor de la plaza Dauphine y que se realizaban el día de Corpus Christi): Bodegón con gato y raya (La raya) y El buffet son esas dos obras maestras que le dieron el título de académico el 25 de septiembre de 1728, «en el talento de los animales y las frutas», es decir el nivel más bajo de la jerarquía de géneros (históricos, retratos, paisajes, marinas, flores y frutos) que regía la Academia Real Francesa.


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Chardin - Bodegón con gato y raya, 1728. Museo del Louvre, París.

La raya será objeto de admiración y fascinación unánimes desde el siglo XVIII. El buffet es una de las primeras obras fechadas de Chardin. Henri Matisse realizó copias de estas dos obras en 1896. En ambas representó un animal vivo, lo que constituye un modelo muy raro para Chardin pues pintaba muy despacio, corrigiendo continuamente lo realizado, lo que no es conveniente para la pintura de animales vivos. Es probable también que temiera la comparación con los dos maestros «en el talento de los animales» de la época: Alexandre-François Desportes (1661-1743) y Jean-Baptiste Oudry (1661-1755). Oudry le había precedido en la Academia Saint-Luc (1708) y en la Academia Real (1717)

En 1731 Jean Siméon se casó con Margarita Saintard, siete años después de haber firmado un contrato de matrimonio con ella. Su padre murió poco después y su hijo Jean Pierre nació en noviembre. Ese mismo año bajo la dirección de Jean-Baptiste van Loo (1684-1745) participó en la restauración de los frescos de la galería Francisco I de Francia del Palacio de Fontainebleau.

Cuatro años más tarde fallecería su mujer Margarita.


Las escenas de género

Las primeras escenas de género de Chardin fueron pintadas en 1733. Chardin se dio cuenta de que no podría vender eternamente bodegones. Necesitaba ejercer en otro arte. Mariette, un contemporáneo de Chardin, cuenta en su Abecedario que Chardin habría comentado a uno de sus amigos, Joseph Aved (1702–1766), que un salario incluso pequeño era siempre de agradecer por un retrato aunque el artista no fuera muy conocido, Aved le habría contestado :

    « Sí, si un retrato fuera tan fácil de hacer como una salchicha. »

Chardin se lanzó un desafío, tenía que pintar otra cosa que naturalezas muertas. Pero no era esta su única razón para cambiar de «talento». Según Mariette:

    « La frase le impresionó y, tomándolo menos como una burla que como una verdad, analizó su arte y cuanto más lo examinó, más se convenció que nunca le sacaría provecho. Temía, puede que con razón, que pintando sólo objetos inanimados y poco interesantes, se cansasen de sus producciones y que pintando animales vivos, quedara muy por debajo de Desportes y Oudry, dos competidores temibles cuya reputación ya estaba establecida. »

Chardin se inició en las "scènes de genre" (pintura representando escenas domésticas), lo que no fue fácil para él. Los clientes de la pintura del siglo XVIII querían sobre todo imaginación, que era la facultad que más faltaba a Chardin. Tenía dificultades para componer sus cuadros lo que se explica, en parte, porque cuando, tras largas y pacientes investigaciones, una estructura le convenía la reutilizaba en varias obras. Este periodo de la vida de Chardin se abrió con dos obras maestras :

    - Señora sellando una carta (146 x 147 cm, Berlín, Stiftung Preußischer Kulturbesitz) representa a una persona joven que espera con impaciencia que le acerquen luz para poder sellar una carta. Fue expuesto por primera vez en 1734 en la plaza Dauphine.

    - La cisterna de cobre (38 x 43 cm, Museo Nacional, Estocolmo) representa a una mujer agachada cogiendo agua en una cisterna de cobre. Como en la obra precedente, una puerta en el muro del fondo muestra una escena secundaria. Pero las aberturas son raras en las obras de Chardin, los interiores cerrados impiden cualquier comparación con los cuadros holandeses.

    - En la Muchacha con volante (también conocido como Muchacha con el juego de la pluma ) el artista no intentó en ningún momento dar sensación de movimiento. La niña completamente inmóvil, la mirada fija, posa para el artista reflejando con su actitud la vigilancia permanente de la que es objeto. Este defecto fue sin embargo utilizado admirablemente en El castillo de naipes y realizó hasta cuatro obras con pocas variaciones sobre el tema.

De esta época data El niño de la peonza (1738) que se exhibe en el Museo del Louvre.


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Chardin - La lavandera, c. 1735 (37 × 42 cm) Hermitage (San Petersburgo)

Chardin fue presentado en 1740 a Luis XV de Francia en Versalles por Philibert Orry, superintendente de los edificios del rey (Surintendant des Bâtiments du Roi, equivalente a un ministro de cultura actual) e interventor general de finanzas. Chardin, para la ocasión, ofreció dos cuadros al rey, La bendición y La madre trabajadora. Fue la única vez que Simeón Chardin coincidió con Luis XV.

La bendición (49,5 x 38,5 cm, París, Louvre) y La madre trabajadora (49,5 x 38,5 cm, París, Louvre) fueron olvidados diez años después de la muerte de Luis XV y redescubiertos en 1845, revalorizados por los gustos de la burguesía del siglo XIX, que apreciará la representación de las virtudes burguesas (honor, orden, ahorro) en contraposición al presunto libertinaje general de la nobleza.

En 1744, con 45 años, casó con Françoise Marguerie Pouget (1707–1791), que tiene 37. Poco después será protegido por un personaje importante, el marqués de Vandières, futuro marqués de Marigny y director de los edificios del rey entre 1751 y 1773. Con el rango preciso de Director de los Edificios, Artes, Academias, Jardines y Manufacturas del Rey era hermano de Madame de Pompadour. Como su hermana, apreciaba mucho el talento de Chardin, del cual poseía algunas obras. Será él quien ayude a Chardin para la obtención de una pensión de 500 libras.

Su hijo Jean-Pierre, tras la obtención en 1754 del primer premio de la Academia, viajó a Roma para continuar sus estudios. Secuestrado por unos corsarios en 1762 frente a las costas de Génova morirá tras su liberación en 1767.

Chardin fue nombrado tesorero de la Academia en 1755 y dos años más tarde Luis XV le concedió una vivienda oficial en las galerías del Louvre, a instancias del marqués de Marigny, como él mismo se encargó de anotar:

    « Le comunico con placer, Señor, que el Rey le concede la vivienda desocupada de las Galerías del Louvre tras el fallecimiento de S. Marteau, sus talentos le alcanzaron la esperanza de esta gracia del Rey, estoy muy contento de haber podido contribuir a que le fuera cedida. Soy, Señor, su humilde y obediente servidor. »
    (Carta del 13 de marzo de 1757, ortografía y puntuación de la época)

El inventario de los bienes de Chardin tras su muerte revela que esta vivienda estaba compuesta de cuatro habitaciones, comedor, cocina, pasillo, sótano y una buhardilla bajo la escalera.


Las naturalezas muertas

Muy ocupado por sus funciones de tesorero y por la responsabilidad de organizar la instalación de los cuadros para el Salón de la Academia, oficio llamado «tapissier» (tapicero) que le causará varios altercados con Oudry, Chardin volvió a su primer oficio a partir de 1748 y pintó cada vez más naturalezas muertas. Expuso aún algunas escenas de género pero había dejado de componerlas; serán sólo copias de obras anteriores o variantes de estas.

Chardin (según Pierre Rosenberg, Catalogue de l'Exposition de 1979, p. 296) cambió poco a poco de estilo. Entre 1755 y 1757, realizó obras en las que multiplicaba y miniaturizaba los objetos, intentando organizar composiciones más ambiciosas en las que dará más importancia a las transparencias; cada vez más le preocupará el aspecto del conjunto, haciendo surgir de una penumbra misteriosa objetos y frutos.


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Chardin - Naturaleza muerta con jarrón y frutas. 1750 Óleo sobre tela. Karlsruhe.

En 1765 fue aceptado por unanimidad como asociado libre en la Academia de Ciencias y Bellas letras de Ruan. De esa época son algunas naturalezas muertas (Naturaleza muerta con atributos de las artes). En 1769 el matrimonio Chardin recibió una renta vitalicia de 2000 libras que aumentó al año siguiente.

En 1772 Chardin enfermó. Sufría probablemente del «mal de la piedra» (cólicos nefríticos). En 1779 debido a su edad y su enfermedad dimitió de su cargo de tesorero de la Academia.


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Chardin - Uva y granada. 1763 (47 × 57 cm) Óleo sobre tela. Museo del Louvre, París.


El pastel

La técnica de pintura al pastel, que ya fue practicada por Leonardo da Vinci y Hans Holbein, despegó en el Siglo XVIII gracias, entre otros autores, a los retratos de la familia real realizados por Maurice Quentin de La Tour amigo de Chardin.

En 1760 Quentin de la Tour realizó un retrato de Chardin con esta técnica y lo ofreció en 1774 a la Academia para que esta festejara a Chardin tras dimitir de sus funciones como tesorero de la Academia. El retrato fue colgado en la sala de sesiones el 17 de enero de 1775 en presencia de Jean Simeon Chardin.

1774 marca otro punto de inflexión en la vida de Chardin, tras la sustitución del marqués de Marigny como Director de los Edificios del Rey por del conde de Angevilliers a la muerte de Luis XV. Las relaciones entre Chardin y el conde de Angevilliers eran muy distintas de las que tenía con el hermano de la Pompadour. Es probable que Chardin tuviera que enfrentarse a un desdén hóstil, sufriendo distintos menosprecios por parte del conde.


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Chardin - Retrato de Madame Chardin. 1775 (pastel, 46 × 38 cm). Museo del Louvre, París.

En paralelo, tras la muerte de François Boucher (1703-1770), Primer Pintor del rey, el conde hizo dimitir a Charles Nicolas Cochin hijo (1715-1790) (otro protegido de Marigny y amigo de Chardin) de su cargo de Secretario de la Academia y nombró en su lugar a Jean-Baptiste Marie Pierre (1714-1789) al mismo tiempo Primer pintor del Rey y Secretario de la Academia.

Jean Simeon Chardin se dedicó realmente a esta técnica a partir de 1770. Explicó este cambio por problemas de salud en una carta al conde el 21 de junio de 1778 en la que le pedía seguir percibiendo la renta de la función de tesorero de la Academia, que había dejado cuatro años antes. En su respuesta del 21 de julio de 1774, el conde le dirá que ya cobraba mucho más que muchos otros "funcionarios" de la Academia, aún siendo maestro de un género menor.

En este contexto y muy a pesar de sus enemigos, Chardin se impuso como retratista con sus pasteles. Entre 1771 y 1779 expondrá en los Salones distintos autorretratos, retratos de su esposa, distintos cuadros "de expresión" y una copia de Rembrandt.

El 25 de agosto de 1779, Chardin expuso sus últimos pasteles. Una de las hijas de Luis XV que apreciaban sus obras compró un Jacquet (nombre genérico para el retrato de un joven lacayo). El 6 de diciembre de 1779, a las nueve de la mañana, murió Jean Simeon en su vivienda del Louvre. El conde de Angevilliers negará la concesión de una renta a su viuda. Mme de Chardin murió el 15 de mayo de 1791 en casa de un familiar.
Difusión de sus obras

Desde finales del siglo XIV, el grabado, aparte de técnica esencial para grandes artistas como Rembrandt, fue el método más importante para la reproducción y difusión de los cuadros. Durante el siglo XVIII los "coleccionistas" se complacían en la adquisición de estampas que reproducían sus obras con poemas relacionados. Chardin es uno de los autores más copiados en este sentido, convirtiéndose en el autor de moda gracias a sus obras de género.

Los originales en cambio eran poseídos por unos pocos admiradores contemporáneos, entre los cuales se encuentran nombres como Catalina II de Rusia (5 obras), Federico II el Grande (3 obras), Luis XV de Francia (2 obras) o Luisa Ulrica de Prusia, reina de Suecia (al menos 10 cuadros).

Espero que este homenaje que le dedico a Chardin en nuestra sección de arte del foro de xerbar, sea de vuestro interés, y en la medida de lo posible contribuya en su divulgación.



 

Sus obras más importantes


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Señora sellando una carta. 1732. Óleo sobre lienzo, 81 × 64 cm. Schloß Sanssouci, Bildergalerie (Potsdam). Obra de Jean Siméon Chardin.


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Señora sellando una carta grabado de Etienne Fessard. Obra de Jean Siméon Chardin


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El buffet es una pintura de Jean Siméon Chardin realizada en 1728. Óleo sobre tabla, 194 × 129 cm. Está expuesta en el Museo del Louvre. Este trabajo, junto a La raya (Bodegón con gato y raya), también en el Louvre, permitió a Chardin ser elegido miembro de la Real Academia de Pintura y Escultura como pintor de animales y frutas.

El autor, especialista en sus primeros años en pinturas de bodegones, representa en este caso una mesa repleta de alimentos, entre los que resalta un frutero lleno de melocotones, una naranja a medio pelar, lo que le permitió demostrar su habilidad pictórica y un plato con ostras. En el suelo, un perro parece ladrar al conjunto de alimentos, junto a unas botellas. El animal sería un motivo difícil de ejecutar debido a su movilidad, lo que exigiría un esfuerzo considerable para un pintor caracterizado por su tranquilidad a la hora de representar sus modelos.


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Naturaleza muerta con atributos de las artes. Jean Siméon Chardin, 1766. Óleo sobre lienzo, 112 × 141. Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia. La pintura es un encargo de la emperatriz Catalina II de Rusia, fundadora del Hermitage. Representa una alegoría de las artes, con una estatua del dios Mercurio realizada por Jean-Baptiste Pigalle en 1744. A la izquierda de la estatua, una paleta de pintor alude al oficio de Chardin. A sus pies, unos planos y una escuadra aluden a la arquitectura, mientras que unos libros y unas monedas representan la literatura y la orfebrería.1 El pintor realizó un año antes una obra emparentada, Los atributos de las artes (1765) del Museo del Louvre de París.


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El niño de la peonza. Retrato de Auguste Gabriel Godefroy. Es un cuadro del pintor francés Jean Siméon Chardin. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 67 cm de alto y 76 cm de ancho. Fue pintado en 1738, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre, de París (Francia), que lo adquirió en 1907.

Es un retrato de Auguste-Gabriel, hijo menor del joyero Charles Godefroy. Se representa en el cuadro a un niño absorto en la contemplación del giro de una peonza. El juguete gira sobre la mesa en la que se apoya el niño. En esta mesa, en un segundo plano, pueden distinguirse libros, una pluma y un tintero.

Se trata, ante todo, de una imagen que está fuera del tiempo, la de un niño absorto en su mundo de juegos, ajeno a todo lo que le rodea. El siglo XVIII se caracterizó por el descubrimiento y valoración del mundo infantil, al que se concedió gran interés, como puede verse en las obras de Jean-Jacques Rousseau. El cuadro consigue reflejar sosiego y la felicidad infantil.


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La cisterna de cobre. Obra de Jean Siméon Chardin. Óleo sobre lienzo, 38 x 43 cm. Museo Nacional, Estocolmo) representa a una mujer agachada cogiendo agua en una cisterna de cobre. Como en la obra precedente, una puerta en el muro del fondo muestra una escena secundaria. Pero las aberturas son raras en las obras de Chardin, los interiores cerrados impiden cualquier comparación con los cuadros holandeses.


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Bendición (Le Bénédicité). Óleo sobre tela, 49,5 × 38,5 cm. Museo del Louvre, París, Francia. Obra de Jean Siméon Chardin

Historia. Esta escena de género fue presentada por Chardin en el salón de 1740. Fue muy admirada por el filósofo Diderot, sin duda por su exaltación de la sencilla vida familiar y la intimidad que se transmite. La adquirió el rey Luis XV y pasó a formar parte de las colecciones reales. No obstante, es un cuadro que quedó olvidado diez años después de la muerte de Luis XV.

Durante la Revolución francesa, pasó al Muséum Central des Arts, germen del Museo del Louvre, en 1793.

La burguesía del siglo XIX redescubrió esta obra en 1845. En la época se apreciaban las virtudes burguesas (honor, orden, ahorro) en contraposición al libertinaje general de la nobleza. Chardin pintó varias versiones de este lienzo.

Análisis. Se representa una modesta escena de interior. Una madre y sus dos hijos se disponen a comer. Pero antes bendicen la mesa. Es un tema que ya con anterioridad se había tratado en la escuela holandesa de pintura del siglo XVII.

Chardin enfatiza las virtudes burguesas, tranquilas, discretas, ocultas. Describe una vida dedicada al deber. Es una obra de composición simple, con grandes espacios vacíos. La ambientación se reduce al mínimo: una estantería con botellas, una fuente de arcilla y una cacerola en la pared. Una mesa cubierta por un mantel blanco.

La forma redonda de la mesa se reitera en la disposición de las figuras en torno a ella. Sus miradas no salen del cuadro, enlazándose entre sí para recrear el mundo cerrado en sí mismo. La ejecución es refinada; la luz y los colores, moderados.


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Muchacha con volante o E juego de la pluma[/b]. Obra de Jean Siméon Chardin. 1741. Óleo sobre lienzo, 81 × 64 cm. Galleria degli Uffizi (Florence)

Es una escena de género, esto es, una pintura que representa una escena doméstica, que denota influencia de los flamencos. Se ha representado a una criatura abstraída en su mundo de juegos. En este sentido, refleja el interés que despertó en el siglo XVIII el mundo infantil, como se refleja en las obras de Jean-Jacques Rousseau.

La muchachita sostiene el volante de su juego de raqueta y ha quedado ensimismada, ajena a todo lo que le rodea. El artista no intentó en ningún momento dar sensación de movimiento. La niña completamente inmóvil, la mirada fija, posa reflejando con su actitud la vigilancia permanente de la que es objeto, pero no pierde la naturalidad. Caracterizan a esta obra su delicadeza.

Al igual que ocurre en El niño de la peonza, Chardin refleja aquí a «una criatura, próxima a la naturaleza, inocente y auténtica», que permanece allí donde nadie la inquieta: en el paraíso perdido de la infancia.



Otras obras


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Young Student Drawing. c. 1738. Obra de Jean Siméon Chardin


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French - Still Life with Fish, Vegetables, Gougères, Pots, and Cruets on a Table. 1769


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Still Life with Leg of Lamb. 1730


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Jar of Apricots. 1758


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French - Still Life with Peaches, a Silver Goblet, Grapes, and Walnuts. 1759-60


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French - Still Life with a Hare. 1730


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Naturaleza muerta, jarro de flores, c. 1760-1763. Óleo sobre tela, 44 × 36 cm. National Gallery of Scotland, Edimburgo. Obra de Jean Siméon Chardin


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Vegetables for the Soup. 1732. Obra de Jean Siméon Chardin


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Still Life with Partridge and Pear. 1748. Obra de Jean Siméon Chardin


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Still life with attributes of the arts, c. 1726. Obra de Jean Siméon Chardin


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The Good Education, c. 1753. Obra de Jean Siméon Chardin


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Soap Bubbles. 1733-34. Obra de Jean Siméon Chardin


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Washerwoman, 1733-39. Obra de Jean Siméon Chardin


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Woman Drawing Water at the Cistern, 1733-39. Obra de Jean Siméon Chardin



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al pintor francés Jean Siméon Chardin (1699-1779), fue uno de los pintores franceses más importantes del siglo XVIII, cuya pintura de género y naturalezas muertas reflejan la vida de la burguesía parisina, temas heroicos y las alegres escenas del rococó que se estilaban en la época. Dominio de la técnica le permitió a Chardin dotar a sus pinturas de una asombrosa textura realista. Lograba crear formas con juegos de luz, mediante pinceladas superpuestas cargadas de materias y destellos finos y luminosos. Los críticos le denominaron el gran mago y no hubo ningún otro pintor en su época que le igualara.
 
 
Fuentes y agradecimientos a: es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, pintura.aut.org, artehistoria.jcyl.es, artcyclopedia.com, hermitagemuseum.org, backtoclassics.com/gallery/agostinocarracci/triumphofbacchusandariadne2, museodelprado.es, artrenewal.org, pinacotecabologna.it, genusbononiae.it, italianochefatica.it, flickr.com y otras de Internet.
 




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"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

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última edición por j.luis el Sabado, 21 Marzo 2015, 00:54; editado 2 veces 
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Mensaje Re: CHARDIN 
 
Gracias J.Luis por esta nueva galería del pintor francés Chardin.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: CHARDIN 
 
Gracias xerbar..., habrás visto la cantidad de bodegones, y, también diferentes escenas de género. Chardin fue todo un artista; con sus cuadros el artista francés producía diferentes sensaciones, pero lo importante es que con su arte a nadie dejaba indiferente. Fue muy criticado en su época por las envidias de los academicistas, pero tres siglos después nos sigue deslumbrando con su arte, por lo menos a mí.



 


Saludos
 




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Mensaje Re: CHARDIN 
 
El silencio de Chardin resuena en el Museo del Prado


La pinacoteca madrileña organiza la primera muestra en España del gran pintor francés de los bodegones y las escenas de género



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La raya (1725-26). Este cuadro, también llamado Interior de cocina, fue la obra que presentó Chardin en septiembre de 1728 para ingresar en la Real Academia de Pintura y Escultura francesa. Desde entonces se ha exhibido en el Louvre, donde fue admirado por pintores como Cézanne y Matisse y escritores como Diderot y Marcel Proust.

"Nada se entiende de esta magia". Las palabras de Diderot sobre Chardin, pintor que, como a Proust, le entusiasmaba, son ya todo un clásico a la hora de hablar del longevo artista francés. Y lo son porque, todavía hoy, tres siglos y toneladas de metáforas después, los cuadros del gran maestro del bodegón y las escenas de género siguen fieles a la tarea de provocar sensaciones en vez de comunicar ideas. "Las ideas de los que mandan, que otras no hay", apostilla el crítico Ángel González en Pintura para ateos, su brillante ensayo para el catálogo de la exposición Chardin. 1699-1779, que puede visitarse en el Museo del Prado desde hoy y hasta el próximo 29 de mayo.
 
Pierre Rosenberg, director honorario del Louvre y principal autoridad mundial en el artista parisino, analiza desde el punto de vista histórico la rareza de un pintor cuyo trabajo se instala sigilosamente y a contracorriente en el siglo XVIII hasta que el tiempo termina por darle la razón. Si los artistas franceses de su tiempo dibujan con facilidad, pintan deprisa y con habilidad rayana en el virtuosismo para captar el movimiento, adoran el espectáculo y recrean narrativamente la mitología y la historia para apoyar a veces discurso moral, Jean Siméon Chardin, dice Rosenberg, "no dibuja, pinta lentamente, con dificultad, huye del movimiento, pinta los gestos congelados, desprecia la anécdota, rechaza la narración, no de la lecciones de moral". Y continúa: "Le gustan las cosas humildes, los objetos de la vida cotidiana, los gestos de todos los días que se repiten incansablemente. Ama el silencio que nada perturba".

De la proverbial lentitud de Chardin son testigos los poco más de 200 cuadros que pintó en sus 80 años de vida. De ahí la importancia de una muestra como la del Prado, que reúne 57 de ellos, 11 procedentes del Museo del Louvre, dueño de 30. El otro gran motivo para celebrar tal acontecimiento es el hecho de que, en España, solo la colección Thyssen cuenta con obra del maestro francés. Se entiende, así, que Miguel Zugaza, director de la pinacoteca madrileña, habla ayer de la exposición como "un regalo especial al Prado". Sobre todo teniendo en cuenta que, como recordó él mismo, Velázquez vive en el museo "huérfano" de la pintura holandesa y de la de sus herederos, entre ellos Chardin, adorado por artistas como Cézanne, Morandi o Picasso, que, entre las pocas obras de maestros antiguos de su colección, contaba con una atribuida a él.

La de su obra, dijo también Zugaza, es "una belleza que nos concierne". La entendamos o no, como Diderot. Y puede que no haga falta más. Es la sensación que se tiene al recorrer el montaje realizado por Gabriele Finaldi, director adjunto del Prado. En él se pasa de su primera etapa con pintor de bodegones -con La raya, el cuadro que en 1728 le sirvió para ingresar en la Real Academia de Pintura y Escultura- a su conversión a las escenas de género que le hicieron popular -mucho mejor pagadas y amortizadas por los derechos de autor que generaban los grabados que las reproducían -. La muestra se cierra con la magistral vuelta de Chardin a la naturaleza muerta y con algunas piezas pintadas al pastel al final de su vida. Con el cambio de técnica trataba de mitigar los efectos de la amaurosis, una enfermedad producida por el plomo que se usaba como aglutinante para el óleo y que terminaba por paralizar los párpados.

La selección del Prado contiene muchos de los grandes hitos de la producción de Chardin: de tres versiones de Pompas de jabón (a partir de 1733) la popularísima La Bendición (1740) pasando por el retrato de la mujer del pintor tomando el té meses antes de morir (1735), una obra que rara vez sale de Universidad de Glasgow. Además, en Madrid pueden verse por vez primera juntas las tres copias salidas de la mano del artista de uno de sus cuadros más célebres: La joven maestra de escuela (1736). En ellos se resumen bien el universo de un hombre que apenas salió de París y que hizo protagonistas de sus cuadros a las mujeres, los adolescentes y los niños: Tanto como a los humildes objetos cotidianos, la intimidad y el silencio.



Algunas obras de Chardin que veremos en el Prado


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Pompas de jabón (1733-34). En la muestra del Museo del Prado pueden verse las tres versiones que Chardin hizo de este mismo cuadro. El tema, un clásico de la historia de la pintura holandesa y francesa, simboliza la vanidad y la fragilidad de la vida.


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Dama tomando el té (1735). En este óleo Chardin retrató a su primera mujer, Marguerite Saintard, pocos meses antes de que muriera. Si algunos intérpretes han criticado el torpe uso de la perspectiva -sobre todo en la silla y la mesa- otros han alabado el detalle del vapor que sale de la taza y la complicidad entre el pintor y su modelo.


 34la_joven_maestra_de_escuela_1735_36

La joven maestra de escuela (1735-36). El Prado reúne por primera vez las tres copias autógrafas que se conservan de esta obra, considerada una de las más perfectas de Chardin, que contribuyó decisivamente a la rehabilitación de su autor en la segunda mitad del siglo XIX.


 35la_tabaquera_1737

La tabaquera (1737). Los objetos de la composición pertenecieron al propio pintor, que se demostró su gusto por el detalle en la minúscula nota roja de la pipa incandescente con la cazoleta ennegrecida, de la que escapan algunas volutas de humo.


 36vaso_de_agua_y_cafetera_1761

Vaso de agua y cafetera (1761). A la vista de este cuadro, que pinta magistralmente la transparencia del agua en el vaso, los hermanos Goncourt declararon a su autor "el primer pintor de naturalezas muertas, ¡y de cualquier escuela!".


elpais.com / epdlp.com


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Nuevamente el Prado ha vuelto a acertar trayéndonos a Chardin, un excelente pintor francés al que admiro y que podré disfrutar en unos días.
 




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"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
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