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Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC)
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Mensaje Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado al Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), auque no lo conozco personalmente, sí tengo buenas referencias, por lo que he querido tenerlo representado en nuestra galería de arte.

El Museo está ubicado en el Palau Nacional (Palacio Nacional) es el edificio más emblemático de la Exposición Universal de 1929.

Se emplaza en la montaña de Montjuïc y desde allí las vistas de la ciudad son impresionantes.
Colección

Alberga una magnífica colección de arte, desde la Edad Media hasta principios del s. XX.

Permite un recorrido de más de mil años de arte en Catalunya.


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Mariano Fortuny. La batalla de Tetuán. 1862-64. Óleo sobre tela, 972 × 300 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

Cuenta con cuatro colecciones permantentes: arte románico y arte gótico; arte del Renacimiento y arte barroco; arte moderno, fotografía, dibujos, gravados, carteles y Gabinete  Numismático de Catalunya; y por último la Sala mongráfica dedicada a Picasso.

Además se realizan exposiciones temporales.

Espero contribuir con esta recopilación en su divulgación y que virtualmente podamos conocer el MNAC al menos un poco.




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Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC)
        
Localidad: Barcelona  

Dirección: Parque de Montjuïc. Palacio Nacional -  C.P.: 08038

Zona: Sants-Montjuïc

Metro: Espanya

Tlf: 93 622 03 60

Horario: de mar. a sáb. de 10 a 19 h. Dom. y fest. de 10 a 14.30 h. Lun. cerr.

Precio: 6 €. 8,5 € con audioguía. Primer juev. de mes gratuito. Jornada de puertas abiertas el 18 de mayo de 10 a 14.30 h.

Asociaciado a Articket BCN.

web: www.mnac.es




Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC)


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El Palacio Nacional, ubicado en el Parque del Montjuïc, alberga en su interior el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).

Además de las exposiciones temporales que el museo organiza, aquí se pueden contemplar las muestras permanentes de las colecciones de arte de los siglos XI al XVIII. La sala de arte románico contiene, en su mayoría, piezas de procedencia catalana de los siglos XI, XII y XIII. Su fondo de arte gótico, que abraza el período comprendido entre el siglo XIII y finales del XV, ilustra la plenitud y el momento de máxima expansión territorial catalana en el contexto de la Europa mediterránea de la época.


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Ramon Casas y Pere Romeu en un tándem (1897), obra de Ramon Casas. Una de las obras maestras del modernismo en el MNAC

El arte del Renacimiento y el Barroco está recogido en las obras del legado Cambó, una colección que abarca la historia de la pintura europea desde el siglo XIV hasta el inicio del siglo XIX. A partir de Diciembre del 2004 la colección que se podía visitar en el Museo de Arte Moderno (ahora sede del Parlament) pasa a formar parte del este edificio. Son obras que abarcan desde el siglo XIX al XX y que ilustran de manera clara y sintética el camino recorrido por el arte catalán a las que se añaden piezas de la colección Thyssen, prestadas por 7 años.

En total, 1700 obras en uno de los museos nacionales más grandes del mundo (45.000 metros cuadrados) y que tras años de restauración abre definitivamente todas sus salas el 16 de diciembre de 2004.

Después de su cierre por reformas se abren en su totalidad las salas de este espectacular museo. Además del salón oval y las salas del Gótico y el Románico, se recomienda utilizar unas tres horas para visitar también la biblioteca, auditorios, ludotecas y talleres didácticos que posee.


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De izquierda a derecha, Narcís Serra, presidente de la fundación del MNAC; la directora del museo, Maite Ocaña, y el ministro César Antonio Molina. (Foto: Antonio Moreno / 09/01/2008)

El ministro de Cultura, César Antonio Molina, ha entregado al Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) una pintura gótica del siglo XV por la que se han pagado 330.000 euros y que otorgará un valor singular a la colección ya que se trata de una pieza única en España de la escuela de Girona.


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La pintura del MNAC, que representa la escena del Calvario, procede de un antiguo retablo desmembrado y se debe relacionar con el grupo de obras atribuidas a los pintores Joan Antigó y Honorat Borrassà, que trabajaron en Girona.

Tanto el ministro como el principal conservador del MNAC han destacado el valor de la tabla teniendo en cuenta que se han conservado escasos ejemplares de esta escuela.


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Font Mágica del Palacio Nacional de Montjuïc




ALGUNAS IMÁGENES


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Sala  Oval. MNAC


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Cúpula principal del Palacio Nacional, con frescos de Francesc d'Assís Galí. MNAC

Para la decoración de la cúpula, Lluís Plandiura, propuso que fuera encargada a unos de los mejores artistas catalanes de la época, así la parte central de la cúpula, de unos 300 metros cuadrados de superficie, fue realizada por Francesc d'Assís Galí, que según el contrato se había de representar:

    ...de una manera apoteósica, la grandeza de España, valiéndose para ello de una composición simbólica, definida en cuatro campos: la Religión, la Ciencia, las Bellas Artes y la Tierra.5 :27

    - La Religión se representó con la escena de Cristo Crucificado a cuyos lados aparecen las figuras de un mártir y de un ángel y a sus pies un infiel vencido, en otra escena se representa la entrega de llaves de una ciudad, por un sarraceno al ejército cristiano.
    - El tema dedicado a la Ciencia española se representa con la alegoría femenina de la geometría y los triunfos de la ciencia con la representación de Miguel Servet en su investigación de la circulación de la sangre, a Blasco de Garay inventor de la navegación con ruedas de pala y a un árabe de Córdoba observando los astros.
    - Las Bellas Artes están representadas en una figura de mujer con un arco iris y una rama de laurel, la arquitectura son dos figuras femeninas sosteniendo una maqueta de un edificio, además se encuentran la representación de la pintura, la escultura, la literatura y la música.
    - La Tierra la representa una figura femenina sosteniendo la luna con una mano y el sol se encuentra a sus pies. Hay pintados diversos frutos de la tierra, con relación a la agricultura, la industria y la ganadería.


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Reino de Navarra por M. Humbert. MNAC


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La Religión por Enric Casanovas. MNAC

El tambor de la cúpula consta de ocho plafones de pintura representando antiguas civilizaciones, realizadas por Josep de Togores y Manuel Humbert.5 :137 Las pechinas están pintadas, por estos mismos artistas, en grisalla y con las cuatro alegorías de los antiguos reinos de León, Castilla, Navarra y la Corona de Aragón.5 :138 Bajo estas pechinas, se encuentran cuatro esculturas dentro de unas hornacinas, representando La Ley y La Fuerza por el escultor Josep Dunyach y El Trabajo y La Religión del escultor Enric Casanovas.



ALGUNAS OBRAS DE LA COLECCIÓN PERMANENTE:


Románico catalán



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Frontal de altar de la Seu d'Urgell o de los Apóstoles. Segundo cuarto del siglo XII Temple y restos de hoja metálica corlada sobre tabla Iglesia del obispado de Urgell Museu Nacional d'Art de Catalunya. Anónimo, primera mitad del siglo XII. Pintura sobre tabla • Románico, medidas: 102 cm × 151 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.

El Frontal de la Seo de Urgel o de los Apóstoles es un frontal de altar de estilo románico expuesto en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Procede de una iglesia del obispado de la Seo de Urgel y fue adquirida en 1905. Es una de las obras maestras de la colección de pintura sobre tabla del MNAC.

La obra es una representación de las más características del románico catalán, debido al cumplimiento de los principios estilísticos del románico, como son la simetría bilateral, la inexistencia de un fondo, la perspectiva jerárquica y la geometrización antinaturalista de las formas, como se puede observar en los pliegues de las ropas. También destaca por la calidad de la policromía. La obra muestra semejanzas, sobre todo en cuanto a los colores y las cenefas, al Frontal de altar de Ix, lo que indica que probablemente pudieron salir del mismo taller o autor.
      

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Baldaquino de Tost. Ca. 1200 Temple, relieves de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla Iglesia de Sant Martí de Tost (Alt Urgell Nacional d'Art de Catalunya) Barcelona Museu Nacional d'Art de Catalunya.



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Majestat Batlló i Maresdedéu


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Absis de Sant Climent de Taüll


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Frontal d'Avià


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Imatgeria


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Pintures de Sorpe i Davallaments de la Creu


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Virgen de Ger. Anónimo. Segunda mitad del siglo XII Talla en madera policromada al temple y relieves de estuco Iglesia de Santa Coloma de Ger (Cerdanya, Girona) Museu Nacional d'Art de Catalunya.


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Majestad Batlló. Anónimo. Segunda mitad del s. XII


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Madonna de la Humildad, cuadro de Fra Angelico (depósito del Museo Thyssen-Bornemisza)


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Pantocrátor de San Clemente de Tahull, obra cumbre del románico catalán en el MNAC


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Copón de la Cerdaña. Limoges, ca. 1195-1200 Cobre embutido, repujado, cincelado y dorado, con aplicación de esmalte champlevé Iglesia de la comarca de la Cerdanya Museu Nacional d'Art de Catalunya.


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Báculo de Mondoñedo. Limoges, primer cuarto de siglo XIII Cobre repujado, calado, cincelado y dorado, con aplicación de esmalte champlevé y perlas de vidrio Catedral de Mondoñedo (Lugo) Museu Nacional d'Art de Catalunya.


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Paloma eucarística, SXIII. Cobre repujado, grabado y dorado con aplicaciones de esmalte.Curioso receptáculo reservado para sagradas formas.


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Pinturas de Boí: Lapidación de San Esteban (Lapidació de Sant Esteve), c. 1100. Fresco traspasado a lienzo Iglesia de Sant Joan de Boí (Alta Ribagorça, Lleida). Museu Nacional d'Art de Catalunya.


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Agnus Dei, Cordero de Dios. Cruz de Baguergue. Temple, relieves de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre madera, procede del Valle de Arán. INSCRIPCIÓN: "Oh AGNUS DEI QUI TOLLIS PECCATA MUNDI MISERERE NOBIS"



Gótico

Juan Rexach (en catalán, Joan Reixac) es un pintor español de Valencia, fl. entre 1431 y 1482, de estilo gótico. Estudió con Jacomart, en cuyo taller trabajó, llegando a ser más importante que su maestro.

Entre sus obras se encuentra lel Retablo de Santa Úrsula, procedente de Cubells (en la comarca de la Noguera), actualmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona. Aparece su firma en un cartellino a los pies de la santa, lo que es un rasgo renacentista.


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Retablo de la Epifanía del Señor de Joan Reixac (Grabado entre 1431 y 1484) Retablo de la Epifanía. 1465 h. Temple sobre tabla, 422 x 308 cm. Procede del cov. m. agustinas de Mora de Teruel. MNAC

El retablo de la Epifanía es una pintura al temple y óleo sobre tabla obra de Juan Rexach realizada en 1469 para el convento de monjas agustinas de Rubielos de Mora. Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, quien lo adquirió en 1952.

Fue financiado por Guillem Joan "de la familia de los Juanes".

Desde su realización, ha perdido la tabla cumbrera y algunas de las partes altas del guardapolvo.


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Santa Margarita. Joan Rexach.. Museu Nacional d`Art de Catalunya. Barcelona


Características generales del Gótico a lo largo de los siglos  XIII y XIV

Retablos, la palabra viene del latín RETROTABULA ALTARIS (la tabla detrás del altar) re-tablo, es un elemento arquitectónico que se colocaban en los coros o en las capillas y tiene un esquema global dibujado.

De hecho, se desarrolló la pintura de altares a partir de la construcción de las capillas adosadas a las naves laterales, al ábside central o a los demás ábsides. Un conjunto de tablas de madera pintadas e insertadas en un marco arquitectónico. Los que se encargaban de estas pinturas podían ser los cabildos o donantes devotos, o nobles o reyes quienes al encargar retablos hacían un acto de piedad. Generalmente la pintura es al temple o a tempera sobre tabla (la détrempe – el huevo que impide a la pintura secar demasiado rápido).


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Jaume Serra, retablo de la Virgen 1362 y 1375. MNAC

El retablo está dividido por calles, la calle central se llama el ático en el se presenta la escena del calvario o la crucifixión de Cristo. En la parte inferior se encuentra una serie de tablas más pequeñas que se llaman la predela o el Bancal. Luego, podemos ver el guardapolvos que es el marco que sirve, como su nombre dice, para proteger el retablo del polvo.

Este retablo y otros realizados por Serra y su hermano crearon una norma, un modelo típico de la zona levantina a lo largo del siglo XIV con cinco calles y una predela. Pero puede existir mayor complejidad en la estructura como por ejemplo entre-calle (de un retablo de su hermano), o sea pequeñas tablas colocadas entre las calles principales, lo que da una mayor complejidad. A lo largo del siglo XV notamos aún más complejidad (como el ejemplo del retablo mayor de Salamanca de Nicolás El Florentino, 1440-1445).

El Gótico abarca tres siglos, del siglo XIII hasta el siglo XV, cuando el Gótico español tiene un panorama bastante complejo:

A lo largo del siglo XIII, el Gótico español se asimiló con el estilo francés de  influencia franco borgoñona. Se desarrolló en las miniaturas tanto en las vidrieras como en los tapices. En el siglo XIV la influencia italiana fue el arte italogótico. Influencia que vino de Toscana, sobre todo de Siena y Florencia, la influencia se notará en la zona de Levante. Poco más tarde, en el siglo XV, el estilo gótico internacional se mezcló con las distintas corrientes del gótico.

En la segunda mitad del siglo XV se desarrolló el Gótico Hispano Flamenco que se alejó notablemente del arte del Medievo, está considerado como paralelo al Renacentismo... Leer más



Otras colecciones


Mariano Fortuny en el MNAC


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Autorretrato. 1859. Mariano Fortuny. Óleo sobre lienzo, 62´5 x 49´5 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña
Sería éste uno de los primeros autorretratos pintados por Fortuny cuando contaba con unos veinte años. Se presenta con una indumentaria extraña que recuerda a los ropajes imperiales romanos. No en balde la figura tiene cierto aire estatuario clásico, incidiendo en ello al tomar sólo el busto. Los ojos del pintor suponen el centro de atención del lienzo, correspondiendo con la túnica en la tonalidad empleada, sirviendo ésta también como punto de referencia al espectador. El gusto por el claroscuro y el efecto atmosférico impuesto indican la admiración de Fortuny hacia los pintores venecianos y del Barroco. El espectacular dominio del dibujo, la pincelada rápida y minuciosa y el interés hacia la luz dominan una obra que sirve de punto de partida hacia el estilo característico del artista, suprimiendo paulatinamente la dosis de clasicismo que aquí encontramos.


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Odalisca. Mariano Fortuny Marsal. 1861. Óleo sobre cartón, 56´9 x 81 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña. En 1860 Fortuny abandonó Roma para trasladarse a Marruecos pensionado por la Diputación de Barcelona; su objetivo era realizar una serie de cuadros de batallas donde se exaltaran los éxitos del general Juan Prim y los soldados de Cataluña en la Guerra de África. Fortuny se entusiasmó con el mundo árabe nada más llegar a tierras africanas, como observamos en este cartón realizado en Roma, evocando quizá el ambiente que había abandonado. La protagonista es una odalisca, esclavas dedicadas al servicio del harén del Gran Turco que ya habían puesto de moda Delacroix e Ingres en Francia. La mujer aparece desnuda, sensualmente tumbada sobre un paño de seda labrada, creando con su postura un acertado escorzo. Junto a ella observamos a un músico tocando un laúd, quedando en una zona ensombrecida mientras la odalisca está iluminada por un potente foco de luz que resalta la sensualidad de su desnudez. Al fondo apreciamos diversos objetos de clara inspiración árabe como un arcón de madera labrada con decoración geométrica, una bandeja de plata o una pipa de agua junto a una pequeña taza de té. El maestro hace una primera exhibición de su estilo preciosista y minucioso, casi caligráfico, a pesar de emplear rápidos toques de color, reforzando la intensidad de las tonalidades con la luz utilizada y los contrastes cromáticos. La atmósfera creada por Fortuny también es digna de elogio, obteniendo la sensación de haber detenido el tiempo para deleitarnos con la música del tañedor. Se trata de una primera obra maestra que fue enviada a Barcelona por el artista junto al Condesito para que en la Diputación barcelonesa apreciaran su evolución, resultando la institución altamente satisfecha.


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Retrato de Carmen Bastián. Mariano Fortuny. 1871-72. Óleo sobre tela, 45 x 62 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña. Barcelona. La imagen es atípica en la producción del pintor, el desnudo erótico que muestra esta tela tenía como modelo a una joven gitana de Granada que fue pintada por el artista en otros cuadros. Carmen aparece recostada en un sofá, levantando sus vestidos para mostrar su sexo, esta postura era habitual en las fotografías eróticas de la época. Los otros desnudos de Fortuny especialmente las odaliscas, eran aceptadas por la sociedad por representar escenas más típicas como también eran respetables las representaciones de Venus. Sin embargo, esta obra entra de lleno en un realismo poco habitual principalmente por la representación de «retrato», la modelo no fue mitificada ni idealizada en su anatomía, así se puede observar unas piernas cortas, una cara demasiado redondeada e incluso con cierta papada y unas cejas pobladas, en definitiva no tiene el sentido de feminidad clásica exigida en ciertos cánones.


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La señorita Del Castillo en su lecho de muerte. Mariano Fortuny. 1871. Óleo sobre tela, 57 × 70,5 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña. Barcelona. El encargo lo efectuó el padre de la fallecida, familia que tenía una fonda en Granada y que acogió a los Fortuny durante un año antes de cambiarse a la residencia de El Realejo. El pintor escogió un encuadre justo de medio cuerpo, sin querer mostrar detalles de la estancia, dando el protagonismo absoluto a muerta, en una exposición atípica en la forma de su trabajo, sin apuntes previos con una pincelada fluida y colores blanquecinos que se diluyen con las sombras proporcionadas de rosas, azules, grises y en la almohada, que sostiene la cabeza, con tonalidades violetas.


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La matanza de los Abencerrajes. Mariano Fortuny Marsal, c. 1870. Óleo sobre tela, 73,5 × 93,5 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña. Barcelona. Es una obra inacabada que muestra la leyenda de la matanza de los Abencerrajes el año 1445 recogida entre otros por el escritor Ginés Pérez de Hita. Las intrigas cortesanas por el poder hicieron que en una encerrona por parte del linaje de los Zegríes fueran asesinados varios miembros de los Abencerrajes en una sala de la Alhambra de Granada próxima al Patio de los Leones. Fortuny obtuvo el permiso para pintar directamente en esa misma sala, antes realizó varios estudios preparatorios tanto de personajes como de la arquitectura. La obra presenta una perspectiva un poco forzada para conseguir una amplia vista de todo el drama, es una puesta en escena donde se cuidó hasta el mínimo detalle.


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La batalla de Tetuán. Mariano Fortuny Marsal. 1862-64. Óleo sobre tela, 972 × 300 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona. La tela se pintó en Roma y vino a Cataluña una vez muerto su autor.

La batalla de Tetuán es un cuadro pintado por Mariano Fortuny y Marsal por encargo de la Diputación de Barcelona entre 1862 y el 1864, donde se reflejan los hechos de la batalla de Tetuán, durante la Guerra de África. La Diputación quería ubicar esta obra en el Saló de Consells del Palacio de la Diputación.1 Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona, con el número de inventario 010695-000, gracias a una aportación de la Diputación de Barcelona en 1919.

La Diputación de Barcelona pagó a Fortuny un viaje a París para que se inspirara en La toma de la Smala de Abd-el-Kader por el duque de Aumale en Taguin, de Horace Vernet pintada aproximadamente en 1843.


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El coleccionista de estampas II. Mariano Fortuny Marsal. 1866. Óleo sobre tela, 52 × 66,5 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña. Barcelona.    Es esta una de las versiones sobre el mismo tema que pintó Fortuny, todas las variantes se diferencias en detalles y elementos que añadía o quitaba a voluntad el artista, con antigüedades de objetos pertenecientes a su propia colección, así el arca veneciana o la silla donde se encuentra apoyada la carpeta con las estampas eran propiedad suya. El gusto de la época por el abigarramiento de habitaciones llenas con todo tipo de objetos, cerámicas, relojes, vidrios, se disponen en una especie de horror vacui. Cuantos más pormenores era capaz de realizar el pintor, más gustaba a los compradores y más subia el precio de la obra.


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Corrida de toros. Picador herido, por Mariano Fortuny. 1867-68. Óleo sobre tela, 80,5 × 140,7 cm. Museo Nacional de Arte de Cataluña
Barcelona.    El óleo presenta la «tercio de varas» sacadas de unos bocetos en acuarela el Picador herido y Corrida (suerte de varas), une ambas temáticas en esta pintura donde aparecen dos grupos, en una mitad la acción del picador y el caballo contra las tablas y en la otra mitad el grupo donde los subalternos recogen a un picador herido entre sus brazos. Este momento de la cogida del picador había sido ya representado por Goya en sus series «Torrecilla» y «Tauromáquia» (1793-1794) y más tarde lo fue por Picasso. Así en la iconografía taurina era frecuente la interpretación de varias escenas como en esta pintura, se representa un «cuadro dentro de otro cuadro» con dos puntos de vista, dentro todo ello de unas pinceladas de trazos pequeños, junto la combinación del color amarillo, rojo y azul y los más oscuros para los espectadores.



Ramón Casas


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Autorretrato vestido de flamenco. Óleo sobre lienzo, 115 × 96,5 cm. Es una pintura al óleo realizada por Ramón Casas en 1883 en París y que actualmente se expone en el Museo Nacional de Arte de Cataluña de Barcelona.

Ramon Casas tenía sólo 17 años cuando pintó este autorretrato en el que ya ponía en evidencia sus dotes para el género del retrato. Anteriormente había pintado los de sus abuelos y padres, y ese mismo año realizó el de sus primos Joaquim Casas y Miquel Carbó, así como dos autorretratos de busto, de dimensiones bastante reducidas, uno de los cuales se considera un estudio preparatorio del este. Curiosamente, Casas eligió para plasmar su propia imagen un vestido corto de torero con pantalón gris, muy ceñido de caderas, y chaquetilla negra corta, con la única nota de color de una faja roja en la cintura.

Las características formales del autorretrato de Casas, con una figura recortada sobre fondo negro y focos de luz intensa dirigida al rostro, reflejan el influjo de su maestro en París, Carolus-Duran, y, a través de éste, del de Velázquez, especialmente en el tratamiento de la luz y del color.


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Autorretrato de Ramón Casas, parte de la donación del artista al MNAC, efectuada el año 1909.


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Ramón Casas y Pere Romeu en un tándem (1897), obra de Ramón Casas. Una de las obras maestras del modernismo en el MNAC.

Ramón Casas y Pere Romeu en un tándem, es una pintura al óleo realizada por Ramon Casas en 1897 en Barcelona y que actualmente se encuentra expuesta en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona.

Esta pintura estuvo decorando las paredes de Els Quatre Gats, centro de reunión de los modernistas, desde su inauguración en 1897 hasta el 1900, y que estaba regentado por Pere Romeu. La obra estaba en la pared principal, sobre la larga mesa alrededor de la cual se sentaban Casas y Rusiñol y a su lado toda una serie de jóvenes artistas que iniciaban su carrera y que en pocos años pasarían a ocupar los primeros lugares del arte de Cataluña, como Nonell, Mir, Canals o Manolo, entre otros, o a liderar el cambio que se produciría pocos años después en el arte europeo como Picasso. Para todos ellos esta pintura fue una imagen mucho más familiar que la que en 1900 la substituyó y que representa a los mismos personajes conduciendo un automóvil, ya que en aquel momento se había producido la desbandada de los contertulianos jóvenes hacia París. Por lo que parece la sustitución de la pintura con Romeu y Casas en un tándem por la que los representa en un coche se produjo con motivo del cambio de siglo por considerar que el automóvil era un vehículo más propio del siglo XX.


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Procesión del Corpus de la Iglesia de Santa María. Óleo sobre lienzo, 115,5 × 196 cm. Es una pintura al óleo realizada por Ramón Casas en el año 1907 en Barcelona y que se expone actualmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluña de Barcelona.

En 1896, una bomba anarquista explotó en media procesión del Corpus Christi, que había salido de la iglesia de Santa María del Mar de Barcelona, mató a doce personas y sembró el pánico en la ciudad. El hecho, que fue conocido como el Atentado de la Procesión del Corpus, formaba parte del turbulento panorama social en la Cataluña de principios del siglo XX, dominado por atentados anarquistas como este o el que había tenido lugar en el Gran Teatro del Liceo cuatro años antes.

Casas elige, para la pintura, el momento de la salida de la procesión de la iglesia, antes de su paso por la calle Canvis Nous, donde se produjo el atentado. Como en su obra El garrote vil, la escena está encuadrada desde una visión de altura y el pintor se recrea en el juego cromático y festivo de los estandartes, los damascos colgados de los balcones y los velos de las niñas vestidas de Primera comunión que acompañan la procesión, aludiendo así de forma elíptica al caos y la desesperación que se producirá poco después y de lo que sus personajes son ajenos. La técnica, muy suelta, de pinceladas rápidas y poco cargadas de materia, es propia de cuadros de pequeño formato, pero resulta mucho más difícil de aplicar en una tela de las dimensiones de esta. Casas aplica, una vez más, con una gran audacia, los recursos de la pintura moderna en un género que le parecía vedado.



Otras obras


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Mujer con sombrero y cuello de piel (Marie-Thérèse Walter). Picasso. 1937. Esta pintura mide 61 x 50 cm y se encuentra alojada en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona.


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Mujer con sombrero y cuello de piel, fue pintado en París el año 1937, es uno de los numerosos retratos que Pablo Picasso hizo de Marie-Thérèse Walter, su compañera sentimental entre 1927 y 1935, aproximadamente, y madre de su hija Maya. En este retrato, Picasso realiza un ejercicio analítico exhaustivo en que la juventud y la personalidad de Marie-Thérèse se someten a mil figuraciones metamórficas. El artista convierte a la modelo en un icono de la sensualidad a través de un rico lenguaje pictórico en el que la distorsión de las formas supone la consolidación del llamado “estilo Picasso”. El retrato constituye al mismo tiempo el epílogo de la confrontación entre las dos modelos esenciales de aquel momento, Marie-Thérèse Walter y Dora Maar. Picasso muestra aquí a Marie-Thérèse mucho más convencional y exenta de dramatismo. A pesar de la distorsión de la forma, la divergencia de la mirada y la angulosidad de los rasgos fisionómicos, este retrato es fácilmente identificable, ya que, como los que hizo en el mismo momento de Nusch, la segunda esposa de Paul Éluard, y de Dora Maar, conserva los rasgos esenciales de la retratada.


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Goya - Alegoría del Amor: Cupido y Psique. Se desconoce el comitente del cuadro y la primera noticia documental del mismo procede del catálogo de la colección Laffite, cuya venta tuvo lugar en París en 1861. Más tarde estuvo en Jaén en casa de García de Quesada y luego, fue propiedad de Victoriano Hernández García y Quevedo. El político y mecenas Francisco Cambó lo compró a la marquesa de Bermejillo del Rey en 1928, con intención de legarlo al Museo Nacional de Arte de Cataluña; tras la muerte del prócer catalán en Buenos Aires, en 1947, las circunstancias no favorecieron el cumplimiento inmediato de su última voluntad y el traslado de la tela a Barcelona e ingreso definitivo en el museo no se hizo posible hasta 1956.

Desde su aparición en el mercado artístico, la escena se asoció con la fábula de Cupido y Psiquis. El asunto mitológico, aunque raro, existe en la producción del Goya joven y, tratado a modo de alegoría, se da en obras de madurez. La libre interpretación del argumento presenta aspectos que se apartan de la narración clásica y dan origen a especulaciones sobre la iconografía. J. R. Buendía, en el brillante ensayo para la ficha correspondiente en el catálogo de la exposición, La Colección Cambó, de 1991, interpretó la obra como un encuentro de amor entre Cupido y Psiquis, con carácter de Alegoría del amor.



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Velázquez. San Pablo. 1618-20. Museo:Museu Nacional d'Arte de Catalunya. Características: 99 x 78 cm. Material:Oleo sobre lienzo. Estilo: Ésta es una excelente muestra de la etapa juvenil de Velázquez, influida profundamente por Caravaggio. El sevillano pone de manifiesto su dominio del retrato al dar la imagen de un hombre de carne y hueso, captado directamente del natural y envuelto en una amplísima túnica en la que destacan los pliegues casi escultóricos. La figura del santo está sentada sobre un escalón que se confunde con el fondo, zona donde se ven las limitaciones de Velázquez al esconder hábilmente las piernas y ocultarlas bajo los pliegues. El colorido terroso es un rasgo común de estos años sevillanos al igual que la iluminación, heredados ambos del Tenebrismo. Posiblemente fuese compañero de Santo Tomás, lo que hace pensar que se trataría de los restos de un Apostolado, muy frecuente en el Barroco español. Buena muestra son los que se pueden apreciar en el Museo del Prado, de Rubens, Ribera o El Greco.


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Inmaculada, es uno de los cuadros más conocidos del pintor español Francisco de Zurbarán. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 252 cm de alto y 168 cm de ancho. Está firmado y fechado en 1632, encontrándose actualmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona, España.

Francisco de Zurbarán pintó numerosas Inmaculadas en defensa de este dogma del catolicismo, con representaciones poéticas de la Virgen como una joven muchacha. Esta en concreto es la que se exhibe en Barcelona. Fue legada por la familia Espona. Se representa a María (madre de Jesús) como "una muchachita sumida en éxtasis. La luz describe su faz y los planos y volúmenes de su figura, con una coloración que es, a un tiempo, suave y esplendorosa" (M. Olivar). A su alrededor, ángeles y querubines. Hay dos figuras infantiles a los pies de la Virgen. Zurbarán combina "el realismo con un sentimiento místico de inspiración jesuítica" (L. Monreal). El naturalismo de la obra es propio de la pintura contrarreformista.


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Joaquim Sunyer. Maternidad. 1920. Óleo sobre tela. 73 x 60 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona. En Maternidad las figuras son tratadas con volumen y peso propio. Son personajes distantes, diferenciados por completo del paisaje.


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Joaquim Sunyer. Cala Forn. 1917. Óleo sobre tela.20 x40 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona. el artista recurre al clasicismo en la composición y vuelve a introducir el horizonte en el cuadro, creando una escena que se sitúa en primer término sobre un fondo.


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Joaquim Sunyer. Tres desnudos en el bosque. 1913. Óleo sobre tela. 25 x51 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona. Composición de paisaje con tres desnudos. En Composición de paisaje con tres desnudos (1913-1915) y en Composición de paisaje con cuatro desnudos aborda de nuevo el desnudo femenino, haciendo alusión a las bañistas de Cezanne. Aquí el horizonte y el cielo ya han desaparecido por completo, adquiriendo protagonismo el paisaje, los árboles y la vegetación donde las mujeres se encuentran inmersas.


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Joaquim Sunyer. Los espejos. 1905-1907. Óleo sobre tela. 55 x 65 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Desnudo (Primavera). 1919. Óleo sobe tela.00 x 82 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Paseo de Luxemburgo. 1900. Pastel, retocado con lápiz plomo, sobre cartón. 43.8 x 33 cm. Gabinete de Dibujos y Grabados del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Calle de París. 1902. Óleo sobre cartón. 44.5 x 34.5 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Place Pigalle. 1904. Óleo sobre cartón. 35 x 47.5 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Paisaje de Fornalutx. 1916. Óleo sobre tela. 100 x 125 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Paisaje de Mallorca. 1916. Óleo sobre tela.125 x01 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Paisajes de sitges. 1920. Óleo sobre tela. 65 x 80 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Paisatge de Mallorca. 1916. Óleo sobre lienzo. 125 x 101 cm. Museo d'Art Modern del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. La oropéndola. 1910-1911. Óleo sobre tela. 65.5 x 54.5 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Las hermanas Ribas. 1913. Óleo sobre tela.07.5 x 77.5 cm. Museu d` Art Modern del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Maria Dolors. 1916. Óleo sobre tela. 85 x 70 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Mi familia. 1922. Óleo sobre tela.15.5 x00..5 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Niña con un perro. 1917. Óleo sobre tela. 81.5 x 65.5 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Retrato de Tototte. 1912. Óleo sobre tela. 45 x 32 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. Retrato de Maria Llimona. 1917. Óleo sobre telo.01 x 82 cm. Museo de Arte Moderno del MNAC. Barcelona


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Joaquim Sunyer. El trapero. 1900. Estampado en bistre de colores. 50 x 40 cm. Biblioteca de Catalunya. Barcelona



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Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC)



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Vista aérea del Palacio Nacional con la Plaza de España al fondo.

Más info en la Wikipedia



PUES ESTO ES TODO AMIGOS, ESPERO QUE OS HAYA GUSTADO EL TRABAJO RECOPILATORIO DEDICADO AL MUSEO NACIONAL DE ARTE DE CATALUÑA (MNAC) CON SEDE EN BARCELONA, LA VERDAD A MÍ ME HA ENCANTADO.


Fuentes y agradecimientos: museunacional.cat, pintura.aut.org, es.wikipedia.org, artehistoria.jcyl.es, elpais.com, nikonistas.comelmundo.es, grisoscohen.wordpress.com y otras de Internet.
 




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Mensaje Re: MUSEO NACIONAL DE ARTE DE CATALUÑA (MNAC) 
 
Gracias J.Luis por este trabajo del Museo Nacional de Cataluña, el cual alberga obras de muy buena calidad.  

Un Saludo.
 




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Los mensajes deben de ser con respeto y educaci�n hacia todos los usuarios.
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Mensaje Re: MUSEO NACIONAL DE ARTE DE CATALUÑA (MNAC) 
 
Gracias xerbar, me alegro que te guste... me voy a ver al Atleti con el Valencia, que va a empezar.





Saludos.
 




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Mensaje Re: MUSEO NACIONAL DE ARTE DE CATALUÑA (MNAC) 
 
El MNAC compra un cuadro de juventud de Ramon Casas

El museo pide un crédito de 410.000 euros para pagarlo




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Toros, cuadro de Ramon Casas que ha adquirido el MNAC.
  
La compra directa más significativa que ha realizado el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) en los últimos años es un óleo de Ramon Casas titulado Toros (Estesa de cavalls), de 73,7 por 64,8 centímetros. Se trata de una pieza de 1886, de cuando Casas tenía 20 años, que pasará a engrosar la extensa colección de obras del artista -40 óleos, 400 dibujos y numerosos carteles- que atesora el museo. Aun así, el centro ha considerado que esta pieza resultaba de gran valor para el museo, por lo que incluso ha pedido un préstamo para asumir los 410.000 euros que ha costado la obra, adquirida en la galería French & Company de Nueva York.

"Era una oportunidad que no podíamos dejar escapar porque Casas fue un artista precoz y de este tema taurino no había ninguna representación en nuestra colección", explicaba ayer Maite Ocaña, directora del MNAC. Fue ella misma, explica, la que localizó esta obra en la feria de Maastrich, la más prestigiosa de arte antiguo en Europa, y ya en Barcelona el equipo del museo le siguió la pista hasta cerrar el trato. "La pintura se expuso en 1900 en la primera retrospectiva del artista en la Sala Parès y después la compró directamente al pintor el millonario americano Charles Deering, en cuya colección se mantuvo hasta que en 2007 se subastó en Christie's".

Según Ocaña, pese a los efectos de la crisis económica en el museo, se consideró que esta obra era de "muy buena calidad y mejoraba nuestras colecciones, además de ser una manera de recuperar patrimonio catalán", por lo que se solicitó la autorización a las tres administraciones que rigen el consorcio del museo (Generalitat, Ministerio de Cultura y Ayuntamiento de Barcelona) para asumir el préstamo.

El presupuesto ordinario anual de adquisiciones del MNAC es de unos 150.000 euros, que se destinan a comprar dibujos, fotografías y algunas pinturas de menor coste. "El crédito a cuatro años lo podemos asumir en parte con este presupuesto y en parte con el ahorro que consigamos de otras partidas", indicó Ocaña. La principal será la que ya no tienen que destinar al seguro de las obras para exposiciones temporales gracias a que ya puede aplicarse la Garantía de la Generalitat, acordada el pasado mes de mayo.

La estrenará la exposición Convidats d'honor, en la que se presentará la obra de Casas y que conmemora el 75 aniversario de la creación del museo, ya que desde finales de septiembre el centro no ha presentado ninguna gran exposición temporal.


El museo cierra por reforma las salas de gótico, Cambó y Thyssen

De hecho, éste parece ser un año de estancamiento en el MNAC. A mediados de octubre comenzó el cierre de las salas de gótico y parte de las de Renacimiento y Barroco para renovar su discurso museográfico y cambiar también la iluminación y los suelos de las salas. A finales de mes estarán cerradas también las salas de la colección Cambó y de la colección Thyssen, parte de cuyas obras, las más significativas, se exhibirán temporalmente en el Museo Thyssen de Madrid, dado su interés para el gran público. La reforma de las salas del gótico se prolongará hasta la próxima primavera.


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Mensaje Re: MUSEO NACIONAL DE ARTE DE CATALUÑA (MNAC) 
 
Los frescos más viajeros


El MNAC recuerda la peripecia de los murales románicos atesorados en el museo y debate sobre su conservación



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Desprendimiento de una pintura mural de la iglesia de Santa María de Taüll, en el valle de Bohí (Lleida)
 
Arrancar un fresco de incalculable valor histórico puede parecer una intervención cruel, arriesgada y extrema. Sin embargo, a menudo ha sido -y sigue siendo- la única forma de salvar el patrimonio amenazado por el expolio o el deterioro de los elementos. Lo saben bien los expertos españoles e italianos convocados para debatir sobre el asunto por el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC). ¿El motivo? Un seminario organizado en el 75º aniversario del museo y la celebración de la exposición La princesa sabia. Las pinturas de Santa Catarina de la Seu d'Urgell, que reúne por primera vez desde que fueron arrancados los tres fragmentos del mismo ciclo pictórico.

Además de para compartir sapiencia sobre restauración y conservación de los frescos extraídos por este procedimiento, la ocasión sirve para recordar que si la colección de arte románico del museo barcelonés es una de las más interesantes del mundo es precisamente porque está formada en gran parte por ábsides y pinturas murales, arrancados a principio del siglo XX. Y también, para dar a conocer a alguno de los aventureros de la técnica del strappo, tirón en italiano, que introdujeron en Cataluña los Stefanoni, saga de restauradores.

A diferencia de su maestro -el conservador Secco Suardo, que prefería investigar en la tranquilidad de su taller- los Stefanoni prefirieron lanzarse a lomos de sus burros por los caminos de Europa para responder a la llamada del mejor postor.


Se desprendieron murales románicos para venderlos en América

En torno a 1919, el marchante Gabriel Dereppe y el anticuario Ignasi Pollack, ambos estadounidenses, les contrataron para expoliar en Cataluña, arrancar las obras románicas y luego venderlas a los museos americanos. La alarma saltó cuando Vidal Ventura, fotógrafo de la expedición, dio el aviso de que habían comprado el ábside de la iglesia de Santa María de Mur para venderlo al Museo de Bellas Artes de Boston, donde se sigue exhibiendo.

"Ahora se haría de otra forma, pero entonces no había un marco legal que impidiera tales ventas, así que la Junta de Museos reaccionó de la única forma posible: compró los frescos y encargó el arranque a los Stefanoni. Los italianos se quedaron tres años recorriendo las iglesias del Pirineo con la ayuda de la documentación recopilada, entre otros, por el arquitecto Lluís Doménech i Montaner, y arrancaron 300 metros cuadrados de pinturas a 500 pesetas el metro, según el contrato que aún se conserva", indica Manuel Castiñeiras, comisario de la exposición La princesa sabia.

El arranque necesitaba mano firme. Había que cubrir el fresco con una tela y pegarla con cola orgánica de cartílago, que al secar permitía arrancar la película pictórica, como si de un negativo se tratara, y enrollarla. Así se podía trasladar hasta el Palacio de la Ciudadela, entonces Museo de Arte y Arqueología, donde se le aplicaba otra tela en el dorso y se colocaba en un nuevo soporte. Así legaron al MNAC los ábsides que conforman su excepcional colección, desde los de San Climent o Santa María de Taüll a San Joan de Boí o Santa Maria de Aneu.

Estas decoraciones de bienes inmuebles traspasadas a nuevos soportes móviles, como si de un decorado teatral se tratara, han ido acumulando con los años materiales añadidos. Procesos químicos, que plantean problemas de conservación y restauración muy complejos y a veces inéditos.

Algunos de los expertos convocados por el MNAC trabajan con los frescos de los siglos XIV y XV que decoraban el claustro gótico del Camposanto Monumental de Pisa. Este cementerio fue destruido por un bombardeo durante la II Guerra Mundial. Esta agresión junto con la voluntad de mantener las pinturas murales, una vez restauradas, en su emplazamiento original, ha generado un proceso de deterioro acelerado, que ha obligado a los restauradores italianos a convertir el camposanto en una especie de macrolaboratorio de pruebas.

"Aunque las condiciones controladas del museo permiten retrasar el ineluctable envejecimiento, nuestras pinturas presentan alteraciones similares a los frescos de Pisa, como el abombamiento de las telas de traspaso y pérdidas de policromía", explica Mireia Mestre, jefa de Restauración del MNAC.

Hoy se buscan técnicas menos invasivas y agresivas. Como un sistema de biolimpieza para eliminar sustancias orgánicas mediante microorganismos, desarrollado por Giancarlo Ranalli de la Universidad de Molise. Se trata de una bacteria, que ha sido diseñada expresamente para que se coma el caseinato cálcico, sustancia que se aplicaba para adherir la pintura a las telas de traspaso que, como indica su nombre, permitían trasladar la pintura de la piedra a otra estructura.



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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
Unas 1.900 obras del Museo Nacional de Arte de Cataluña se pueden visitar por Internet


Se espera que en un futuro también estén disponibles otras 280.000 piezas de diferentes colecciones, como las de numismática




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Poble escalonat, de Joaquim Mir, es una de las obras que se pueden consultar en la página del MNAC

Las pinturas del ábside románico de Sant Climent de Taüll (Lleida), el lienzo de La Virgen y los Consejeros de Lluís Dalmau o la Mujer con sombrero y cuello de piel, de Picasso. Tres de las 1.900 obras de los fondos del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) que ahora pueden ser visitadas virtualmente a través de la página web del centro.

Cada obra está acompañada de una ficha técnica con información en catalán, castellano e inglés. También existe la posibilidad de solicitar imágenes bajo unas determinadas condiciones de uso. En un futuro cercano se espera que la página albergue otras 280.000 piezas de diferentes colecciones, como las de numismática.

Otra de las novedades de la página es la presencia de las llamadas "gigafotos" (fotografías de altísima resolución) de las pinturas murales de Sant Climent de Taüll y de La Vicaría, una obra de Mariano Fortuny, del siglo XIX. Estas imágenes permiten ver aspectos de las pinturas imposibles de apreciar en la contemplción directa, gracias al detalle extremo al que se puede llegar desde la pantalla del ordenador

El consejero de Cultura y Medios de Comunicación, Joan Manuel Tresseras, y el presidente del MNAC, Narcís Serra, han presentado el nuevo proyecto, que ha supuesto una inversión de 594.000 euros, de los que 100.000 han sido aportados por el Ministerio de Industria, 300.000 provienen de un crédito y los 194.000 restantes son del presupuesto de la institución.


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Pintures murales situades a l'absis central. Reconstrucció de les originals traslladades a Barcelonac.

Ver "gigafotos" del Museo Nacional de Arte de Cataluña: http://cultura.gencat.cat/patrimoni...mnac/index.html


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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
Museo en obras: se alquilan fondos


Por prestar sus joyas el centro catalán cobra 900.000 euros


La muestra en la Fundación Mapfre de los tesoros de las salas románicas del MNAC de Barcelona, cerradas por reformas, es el último ejemplo de una tendencia en alza     



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Arriba, tabla de La Seu d'Urgell. Abajo, a la izquierda, figura de San Pedro Arlanza, y a la derecha, talla de San Juan Erill al Vall.  MNAC de Barcelona.

"Girando por obras". La frase podría colgar de las puertas cerradas de las salas del románico del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC). Contienen habitualmente una de las mejores colecciones del género en el mundo. Un tesoro que rara vez ha abandonado las dependencias de Montjuic. Hasta ahora: a cambio de 900.000 euros, las joyas más brillantes del conjunto se podrán ver en la sede madrileña de la Fundación Mapfre a partir del próximo miércoles.

Web de la Fundación Mapfre: http://www.exposicionesmapfrearte.com/romanico/

La fórmula no es nueva pero está en franco auge, dados los tiempos de crisis que corren. Se puede resumir en el viejo adagio que aconseja hacer de la adversidad una virtud. ¿La adversidad? El MNAC se encuentra en obras para reordenar museográficamente las salas del Románico. ¿La virtud? Mientras tanto, alquila con alta rentabilidad su colección (el resto del Museo sigue abierto al público).

Es una fórmula actualmente ensayada en varios museos del mundo. La colección de Sterling and Francine Clark, con su sede de Williamstown (EE UU), también en obras, ha sacado de gira mundial una selección de 70 obras impresionistas. El parisiense Museo D'Orsay, también en proceso de reformas, mostró en la Fundación Mapfre 90 obras impresionistas que ahora cuelgan en otros escenarios europeos. Y tres años hace ya que el Museo Picasso de París recorre el mundo. Las 400 piezas que en el estreno de su gira se pudieron ver en Madrid costaron al Reina Sofía 3,5 millones de euros. Después, se han expuesto después en Emiratos Arabes, Canadá, Estados Unidos, Finlandia, Rusia y Australia.

Pablo Jiménez Burillo, director de exposiciones de Mapfre, institución pionera en recurrir a la fórmula del alquiler de colecciones, piensa que el beneficio es tan importante para el que presta como para el que expone. Ve la muestra que se abre la próxima semana, El esplendor del Románico, como una oportunidad única. "Fuera del MNAC", opina, "hay muy pocas obras. El propio museo del Prado tiene cuatro cosas. Estos tesoros están cargados de significado. Frente a ellos, Picasso modificó su forma de entender el arte. Es más, la ruta del Románico se va a contemplar de otra manera a partir de nuestra exposición. Solo salió de Cataluña, en 1937, para la exposición de París. Nuestro criterio es aprovechar oportunidades únicas como esta".

El director general de Mapfre añade que, además de la compensación económica por el préstamo para la exposición, la compañía de seguros se ha comprometido a desarrollar un programa de investigación en el que se incluye la digitalización de los fondos del MNAC.

La exposición, comisariada por Jordi Camps, conservador jefe del área del Románico del MNAC, ofrece 59 obras distribuidas en cinco secciones que detallan lo que fue la pintura mural, la escultura en piedra y los objetos de mobiliario litúrgico.

Fuera de España, y al margen de los recorridos de los Museos D'Orsay y Picasso, la gira más espectacular por el interés de sus fondos es la de la colección de Sterling and Francine Clark. La pasada semana, Richard Rand, jefe de Conservación del museo, presentó en Madrid la itinerancia prevista para una parte de la colección (setenta obras impresionistas), mientras que en su sede de Williamstown el arquitecto japonés Tadao Ando acomete obras de ampliación y modernización del edificio. La contraprestación de los museos receptores es variable. Supondrá préstamos a largo plazo para las diferentes exposiciones programadas. El Prado, a cambio de la exposición Pasión por Renoir, prestará cuadros para la muestra que en el futuro dedicarán a la historia del retrato.

La selección hecha por los directivos del museo americano incluye 70 cuadros de artistas como Renoir, Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet, Camille Pisarro o Paul Gauguin. La primera parada será en Milán, a primeros de marzo, en el Palazzo Reale. Después se podrá ver en el Museo de los Impresionistas, en Giverny y el 18 de noviembre llegará a España, a la sede barcelonesa de Caixaforum. El recorrido seguirá por la Royal Academy de Londres, el Kimbell Art Museum de Fort Worth (Texas), el Montreal Museum of Fine Arts de Canadá y acabará su extenuante gira en Japón y China.


Todo un negocio

- MNAC. 59 piezas procedentes de las salas del Románico, en reordenación, se expondrán en Mapfre. La aseguradora pagará 900.000 euros, coste de las obras del museo.

- Colección de Sterling y Francine Clark. Setenta obras del Impresionismo viajan durante tres años por museos de todo el mundo. Llegará a CaixaForum de Barcelona el 18 de noviembre. Los acuerdos varían con cada centro.

- Museo Picasso de París. La gira, con 400 obras, empezó en el Reina Sofía a cambio de 3,5 millones de euros. Acaba de batir el récord de visitantes del Museo de Arte de Seattle.


Ver selección de imágenes de la exposición 'El Esplendor del Románico' de la Fundación Mapfre de Madrid, enlace: http://www.mapfre.com/fundacion/es/...-romanico.shtml



elpais.com
 




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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
Courbet apadrina el realismo catalán


El MNAC expone 17 obras maestras del pintor junto a las de artistas del país



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Huyendo de la crítica, I. Una joven observa la obra "Huyendo de la crítica, I" de Pere Borrell, que se muestra en la exposición "Realismo(s). La huella de Courbet" en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo (MNAC), que exhibe por primera vez en España, las pinturas más relevantes del pintor francés y su influencia en el realismo español.

    
Se ha dicho que con él la pintura puso la realidad con los pies en el suelo. Podría decirse también que con él la pintura se abrió -literalmente- de piernas.

Gustave Courbet (1819-1877), el mayor exponente del realismo francés del XIX, sacudió el mundo del arte con su visión sin concesiones y dio el paso previo necesario para la llegada de la modernidad a las artes plásticas. Ahora, el autor de la otrora escandalosa El origen del mundo -ese sexo femenino exhibido sin tapujos en un primer plano de afelpada evidencia-, rinde otro servicio al arte apadrinando a los pintores realistas catalanes en la exposición Realismo(s), la huella de Courbet, que ha producido el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) y que se inaugura hoy.

La exposición, compuesta por 80 obras -pinturas, dibujos, fotografías y grabados- cuenta con la friolera de 17 de las pinturas más emblemáticas de Courbet que se podrán ver por primera vez en nuestro país. Entre ellas ese gran revolcón lésbico, apoteosis del tribadismo y la cara de polvo, que es El sueño, denominado también eufemísticamente Las dos amigas y ya más concretamente Pereza y lujuria (atención al collar de perlas roto que simboliza el embate amoroso) y el famoso autorretrato conocido como El desesperado, que muestra al artista eso, desesperado (acaso por no vender ni un cuadro), y con un inesperado parecido a Johnny Depp -reconocido incluso por la directora del MNAC, Maite Ocaña-.

El despliegue de Courbet, con el acompañamiento de otros pintores franceses como Millet y Corot, sirve al MNAC para mostrar la impronta de este en la pintura realista catalana del XIX y especialmente en Ramon Martí Alsina. También para saldar la deuda del MNAC con el realismo catalán y descubrir o revalorizar a pintores como Simó Gómez.

La exposición es atrevida más allá del despelote de muchas obras. Atrevida conceptualmente, pues se ha decidido que se concentre en la figura y prescinda de la pintura de paisaje y casi íntegramente de la connotación social del realismo (recuérdese el activismo de Courbet, miembro de la Comuna de París y modelo de pintor proletario de Proudhon). En cambio, se subraya en la exposición la relación de los realistas con la pintura del XVII -con la inclusión de obras de Velázquez, Murillo, Rembrandt (su minúsculo retrato con la mirada extraviada tan similar a El desesperado) o Ribera- y se presentan audaces comparaciones y guiños (¡Fortuny!). De manera harto heterodoxa, se incluye asimismo un apasionante epílogo a la exposición -del que es responsable el artista Antoni Llena- en forma de cara a cara entre cinco pinturas y otras tantas obras de ¡Tàpiès!

En este último apartado de la exhibición, que reivindica el realismo como una corriente viva, se contrapone un Tàpies inédito, de agosto de 2010, Cames, con su obvia inspiración, El origen del mundo. Desgraciadamente, el MNAC, que ha conseguido para la ocasión préstamos sensacionales de museos como el Petit Palais, el Metropolitan, el Musée d'Orsay y la National Gallery, no ha logrado el velludo lienzo de Courbet, así que lo que se muestra en su lugar es una proyección.

La exposición, que va combinando obras de franceses y catalanes, está estructurada en cinco ámbitos. Arranca con Espejos, que exhibe autorretratos, entre ellos seis fascinantes de Courbet, incluido uno, el primero que encuentra el visitante -el pintor con un perro negro-, que ya estuvo en Barcelona, en 1917. Presencias muestra a personajes del entorno de los artistas, Arte viviente escenas cotidianas (mucha siesta). Transgresiones tiene más morbo: centrado en la representación del desnudo femenino con todas sus rotundidades y alguna celebración del michelín incluye pillinas fotografías de Antoni Esplugas y un dibujo à la Courbet de Martí Alsina de un sexo femenino que no deja el mínimo resquicio (!) a la imaginación...


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El desesperado. Una persona contempla la obra "Retrato del artista" o "El desesperado" de Gustave Courbet, que se muestra en la exposición "Realismo(s). La huella de Courbet" en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo (MNAC), que exhibe por primera vez en España, las pinturas más relevantes del pintor francés y su influencia en el realismo español.


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La fuente. Dos personas ante la obra "La fuente" o el oleo también llamado "Bañista en la fuente" de Gustave Courbet, que se muestra en la exposición "Realismo(s). La huella de Courbet" en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo (MNAC), que exhibe por primera vez en España, las pinturas más relevantes del pintor francés y su influencia en el realismo español.


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La mujer de la ola. Una visitante observa la obra "La mujer de la ola" de Gustave Courbet, que se muestra en la exposición "Realismo(s). La huella de Courbet" en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo (MNAC), que exhibe por primera vez en España, las pinturas más relevantes del pintor francés y su influencia en el realismo español.


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Realismo. Dos personas pasan ante las pinturas "Autorretrato" de Bartolomé Murillo (i) y "Fugint de la crítica, " de Pere Borrell (d) que se muestran en la exposición "Realismo(s). La huella de Courbet" en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo (MNAC), que exhibe por primera vez en España, las obras más relevantes del pintor francés Gustave Courbet y su influencia en el realismo español.


No podemos dejar de recordar (y homenajear) aquí a Khalil-Bey, el diplomático turco de origen egipcio (su padre fue capitán de Mehmed Alí) para el que Courbet pintó El sueño y El origen del mundo.


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El origen del mundo (L'origine du monde) Óleo sobre lienzo. 46 x 55 cm. Colección particular. París. Francia. Es un cuadro realizado por Gustave Courbet en 1866. Es una pintura al óleo sobre lienzo, de unos 55 cm por 46 cm, que representa en primer plano un pubis femenino, el de un tronco de mujer desnudo, reclinado sobre las sábanas de un lecho y que tiene las piernas separadas. La escala, el encuadre y el punto de vista elegidos por el artista supusieron una radical novedad respecto de toda la tradición pictórica anterior, produciendo en el espectador una fuerte impresión de sensualidad y erotismo.

La modelo favorita de Courbet cuando se pintó el cuadro era la joven Johanna Heffernan, a la que se llamaba familiarmente Jo. Era la amante y modelo de James McNeill Whistler, un pintor norteamericano amigo y discípulo de Courbet. Aparte de incluirla en varios cuadros más, Courbet hizo un retrato suyo en 1866, Portrait de Jo, la belle Irlandaise. La suposición de que Johanna fuese también la modelo para L'origine du monde está por ello bastante extendida.

Tras más de un siglo de vida vergonzante, L'origine du monde... goza por fin del puesto que merece. Pero incluso bien avanzado el siglo XX seguía resultando amenazante; puede que las circunstancias de su concepción inicial, como destinado a una contemplación privada, le sean consustanciales.

Los comisarios de una gran exposición retrospectiva de Courbet realizada en París en 1977 no se atrevieron a exponerlo, a pesar de estar disponible. Sí se incluyó, en cambio, en otra similar celebrada en Nueva York en 1988. Y cuando empezó a mostrarse en el Museo de Orsay se colocó inicialmente una vigilancia especial en la sala, por temor a las reacciones del público. Todavía hoy causa asombro e incredulidad a los no iniciados.


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Las dos amigas. Una persona contempla la obra "El sueño", "Las dos amigas" o el oleo también llamado "Pereza y lujuria" de Gustave Courbet, que se muestra en la exposición "Realismo(s). La huella de Courbet" en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo (MNAC), que exhibe por primera vez en España, las pinturas más relevantes del pintor francés y su influencia en el realismo español.


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El sueño (en francés, Le Sommeil), es un cuadro del pintor francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 135 cm de alto y 200 cm de ancho. Fue pintado en 1866, encontrándose actualmente en el Museo del Petit-Palais, de París, Francia. También es conocido como Las durmientes, o Pereza y lujuria o Las amigas.

Esta tela, al igual que El origen del mundo, fue encargada por el diplomático turco Jalil-Bey.

Se trata de un cuadro de carácter sensual, propio de algunas de las obras que el autor pintó durante el Segundo Imperio. Protagonizan el cuadro dos figuras femeninas desnudas durmiendo, que recuerdan a las figuras de diosas mitológicas de la escuela veneciana. Trataba un tema morboso para la época en que vivió el artista: la relación sexual entre dos mujeres. Aún es objeto de debate si se trata sólo de representar el sueño inocente de dos amigas o se trata de una obra sobre el amor lésbico.

La puesta en escena es refinada. Las mujeres están sobre una cama, enmarcada por cortinas de terciopelo azul oscuro. Se ha considerado que, por la expresión del rostro, la mujer de cabellos rubios tiene un sueño erótico.1 En primer plano, sobre una mesita de madera con motivos florales en la tapa, hay un cáliz y un collar de perlas roto han de interpretarse como alegorías. En efecto, el collar roto que pasa por debajo de la mujer morena, simbolizaría la falta cometida mientras que el cáliz es signo de arrepentimiento. Junto al cáliz, hay una botella azul y una jarra de cristal. Al fondo, a la derecha, hay un jarrón con flores, posible regalo de una de las amigas a la otra.


elpais.com / es.wikipedia.com
 




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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
El románico contemporáneo


El MNAC de Barcelona remodela su valiosísima colección de arte de los siglos XI, XII y XIII, arrancada hace un siglo de las iglesias del Pirineo catalán     



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Sala 11 de las nuevas instalaciones del MNAC: Sant Joan de Boí / MNAC

El pantocrator del ábside de la iglesia de Sant Climent de Tahull, en el Pirineo catalán, es uno de los iconos de la cultura visual contemporánea. Lo pintó en el siglo XII el llamado maestro de Tahull, un artista exquisito, pero podría considerarse una pieza moderna, descubierta a principios del siglo XX, porque hasta entonces estuvo oculta tras un retablo gótico. Es, también, la pieza central de la colección de arte románico del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), que hoy vuelve a abrirse al público tras un proceso de remodelación con el que ha recuperado el "misticismo y la espiritualidad que había perdido en anteriores presentaciones", según la directora del MNAC Maite Ocaña.

La historia del descubrimiento del románico catalán es peculiar, y explica el origen de la extraordinaria colección del MNAC. En 1904, el arquitecto modernista Lluís Domenech i Montaner visitó la iglesia de Tahull e hizo una serie de fotografías de la cabecera y de otras piezas del templo. En 1908, Joan Vallhonrat pintó una acuarela del pantocrator y también de los frescos de muchas otras iglesias del Pirineo que fueron reproducidas en unos fascículos de la Junta de Museos. La colección tuvo un gran éxito y un efecto imprevisto: en poco tiempo los traficantes de arte pretendían exportar todo lo que encontraban. La Junta de Museos hizo algo insólito: entre 1919 y 1923 compró todos los conjuntos de pinturas, contrató a unos técnicos italianos que habían elaborado un sistema para arrancar las pinturas de su lugar original, básicamente pasando los pigmentos a tela, y los trasladó a Barcelona. Hoy sería algo inimaginable, pero gracias aquella decisión siguen en el país y forman parte de esta increíble colección de obras de los siglos XI, XII y XIII.

Más es menos, vino a decir ayer la directora de las colecciones del museo, Cristina Mendoza, cuando explicó que como parte de la reordenación -patrocinada por la Fundación Mapfre, que a cambio exhibió en su sede madrileña una exquisita selección- se ha reducido el número de piezas expuestas. Por ejemplo: en la sala dedicada a las esculturas en piedra, básicamente capiteles, ha habido una reducción del 30%.


Renace el misticismo que se había perdido en anteriores presentaciones

El trabajo de remodelación tenía, además, una dificultad extra: suponía entrar en las tripas de la muy valorada instalación llevada a cabo en 1995 por la arquitecta italiana Gae Aulenti, sin que las modificaciones fueran demasiado evidentes. "El cambio es radical aunque pueda parecer poco perceptible, y esta es su gran virtud", explicó Mendoza. La iluminación, por ejemplo, cambia la sensación plana que tenía antes el conjunto y confiere a los ábsides un volumen muy peculiar.

Lo que muchos expertos consideran el conjunto de pintura mural románica más valioso del mundo ha pasado también por un proceso de restauración un tanto peculiar, en razón de sus características. La solución que se había aplicado a las lagunas -los espacios en los que la pintura se ha perdido- era poner una capa de pintura blanca o gris pálido. El problema es que, como en realidad son telas, la nueva pintura generaba tensiones con los viejos pigmentos, amén de desviar la mirada del espectador. La técnica utilizada ahora consiste en aplicar argamasa hecha con la tierra del mismo lugar donde está la iglesia de la que proceden. Funciona no sólo técnicamente, sino que consigue crear un sorprendente efecto de realidad.



elpais.com
 




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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
Buen trabajo de nuevo!!!

Yo personalmente (a parte de otras muchas galerias de arte existentes en Cataluña) Os recomiendo que si teneis oportunidad visiteis el museo de historia de Cataluña...es interesantisimo....a mi me encanto...
Casa-Museo Gala Dalí (Púbol) es otro de los sitios que merece la pena visitar...tiene algo especial...

Un saludo!  
 



 
sammylee - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
Gracias sammylee por paticipar en este hilo, me alegro que te haya gustado el trabajo dedicado al MNAC, y también gracias por tus recomendaciones.



 

Saludos.
 




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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
El MNAC restaura el 'El violinista', una obra única de Gargallo'


'El violinista', pieza de plomo y madera, componentes incompatibles para su conservación. La obra es única; no se conoce otra creada con los mismos materiales


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Àlex Masalles restaura El violinista, en los talleres del MNAC. Abajo, el gargallo radiografiado.
    
Primero de laboratorio: si se coloca una moneda de plomo en un cajón de madera, se producirá una reacción química que acabará destruyendo el metal. La profunda incompatibilidad de estos dos materiales debía de ser desconocida para Pablo Gargallo, uno de los grandes escultores del siglo XX, cuando creó en 1920 El violinista, escultura de madera forrada de planchas de plomo que, tras más de 90 años de vida ha ingresado de urgencia para un "tratamiento médico". La degradación de sus partes podrían acabar con el todo artístico.

El Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC), propietario de la escultura desde su creación, lucha por salvar esta pieza única; no se conoce otra creada con los mismos materiales. Y la búsqueda de soluciones no es fácil. Lo primero que necesitaban saber Mireia Mestre, jefa del Área de Restauración y Conservación Preventiva del MNAC, y Àlex Masalles, responsable del Área de Escultura, era conocer el grado de alteración de la pieza, incluso aunque el plomo impida el paso de los rayos X. Por esa razón, la carbonatación del metal, resultado de la alteración, se había manifestado en la superficie, pero del interior no se sabía nada.

En noviembre, la obra, de 50 centímetros de alto, viajó de la mano de Masalles a Suiza, al Neutron Imaging and Activation (NIAG) instalado en el Scherrer Institut de Berna, un sincrotrón de tercera generación. Allí fue sometida a un bombardeo de neutrones térmicos durante 15 horas en el que se realizaron 2.250 radiografías. Con las imágenes se creó una tomografía, que permite ver la pieza como si se cortara en milimétricas rodajas horizontales y verticales y, finalmente, una imagen de la obra en 3D. Las fotografías, una vez tratadas informáticamente, han permitido conocer el interior de esta misteriosa obra. "Fue como un sueño contemplar lo que escondía: el núcleo de madera de pino tallado formado por tres trozos, los clavos de hierro que Gargallo colocó para fijar el plomo y la técnica que utilizó el escultor para forrar la talla", explica Masalles, especialista avezado que ha intervenido en restauraciones tan trascendentes como la de la escultura griega de Esculapio, del siglo II antes de Cristo y un icono de la cultura catalana, al que le reintegró los dos brazos, después de un siglo "manco", y que hoy se expone en el yacimiento de Empúries.

Tras nueve días en Suiza (los últimos cuatro esperando que los niveles de radiación permitieran al gargallo volar), Masalles regresó a Barcelona con la obra y las imágenes. "Por fin hemos podido ver el estado de deterioro del metal", señala Masalles, mientras señala en su ordenador unas manchas blanquecinas presentes por casi toda la capa interior del plomo. "Es mayor en las zonas en las que la madera y el plomo están juntos, y si no actuamos, en zonas como el cuello y la espalda, aflorarán pronto a la superficie".

Hecho el diagnóstico, se planteó la intervención. Mestre y Masalles realizaron una "réplica" de la pieza, hecha de madera de pino con plomo. Aceleraron su alteración con ácido acético. Luego lo llevaron al Instituto Químico de Sarriá donde, en una bomba de vacío y con técnicas empleadas en la restauración de metales arqueológicos, le intentaron devolver su aspecto original. El resultado no fue, ay, el esperado.

Por eso, los restauradores se plantean una solución, que de entrada, suena traumática: diseccionar la pieza en fragmentos y realizar el tratamiento a la vez que se elimina la madera y se sustituye por resina inocua. "Nuestro deber es preservar las obras y el proceso de deterioro iniciado no tiene fin, a no ser que se actúe", asegura Mestre. "Será con todas las garantías de que la pérdida de material será mínima, de tan solo un 0,02%", puntualiza Masalles.

Para ello se recurrirá a técnicas prestadas como la microsoldadura, y al consenso con otros conservadores del MNAC, como es norma de la casa, y con los herederos del artista. "Y en el peor de los casos, haremos una copia igual a la escultura que se podrá ver si la original acaba destruyéndose". Pero incluso en plena era de la reproducción mecánica, no hace falta ser Walter Benjamin para saberlo, no será lo mismo.


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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
Los monjes vendieron legalmente los bienes de Sigena


La sentencia del Constitucional llega tras 14 años y afecta a 96 piezas vendidas entre 1983 y 1992



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Pinturas de la sala capitular que se exhiben en el Museo Nacional de Arte de Catalunya. MNAC

Es una de las sentencias que más ha tardado en emitir el Tribunal Constitucional: 14 años, lo que hacía parecer que el contencioso entre las comunidades de Aragón y Cataluña por 96 obras de arte religioso provenientes del monasterio de Sigena no acabaría nunca. Por fin, el alto tribunal ha emitido su veredicto, en el que ha dado la razón a Cataluña y declara inconstitucionales y nulas las dos disposiciones presentadas por los gobernantes aragoneses en 1998, en las que planteaban el derecho de retracto de esa comunidad.

La sentencia del Constitucional, que no tiene nada que ver con otro de los pleitos sobre bienes eclesiásticos entre estas dos comunidades, el de las obras de la Franja que están depositadas en el Museo de Lleida, argumenta que apoyar el derecho de retracto hubiera supuesto una extralimitación del Gobierno aragonés en el ejercicio de competencias y un menoscabo para Cataluña. Por último, el tribunal considera que es a Cataluña a la que corresponde ejercer la competencia sobre bienes patrimoniales depositados en su territorio, con independencia de su lugar de origen. No ha habido unanimidad, ya que se han emitido dos votos particulares de magistrados que aseguran que el conflicto no tiene relevancia constitucional.

El proceso arrancó en 1998, cuando la Generalitat interpuso ante el Constitucional un conflicto de competencias contra la orden de la Diputación General de Aragón que exigía poder ejercer el derecho de retracto sobre los bienes que las monjas de la orden de Jerusalén de Sigena vendieron en 1983 (44 piezas por 66 millones de pesetas) y 1992 (52 piezas por 39 millones), tras trasladarse la comunidad en 1970 a Valldoreix, en Barcelona. Los bienes fueron depositados en el Museo Diocesano de Lleida y en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), donde pueden verse a diario. Aragón pedía todos los bienes, tras devolver la cantidad pagada por Cataluña, alegando que no había podido ejercer su derecho de retracto porque no se había enterado de la venta.

En su defensa las monjas alegaron que disponían de un permiso del Vaticano para enajenar los bienes, aunque sus opositores adujeron que, siendo una orden femenina, deberían haber tenido también el permiso del obispo de Barbastro-Monzón.

Los bienes fueron depositados en el Museo de Lleida y en el MNAC

En 2010 el Gobierno de Aragón elaboró un inventario de todos los bienes de este monasterio, que en 1936 fue arrasado por un incendio, y determinó que había piezas compradas legalmente; un segundo grupo, las 96 del litigio, adquiridas legalmente, pero sin haber podido ejercer la opción de retracto, y un tercer grupo que están en depósito pacífico, propiedad de la orden.

Tras conocer la sentencia, no han tardado las opiniones de uno y otro lado, que por supuesto han sido opuestas.

Mientras el abogado del Ayuntamiento de Sigena, Jorge Español, ha asegurado que "todavía hay fórmulas jurídicas más serias que el derecho de retracto" para recuperar los bienes vendidos y que habrá que implementar en el futuro, ha recordado que esta sentencia no ha sido una sorpresa y ha subrayado que "no tiene efecto alguno" sobre los bienes de las parroquias de la Diócesis de Barbastro-Monzón que permanecen en Lleida y cuya devolución reclama Aragón.

Por su parte, la Chunta Aragonesista (CHA), que a lo largo de estos años ha sido una de las formaciones políticas que más veces ha reclamado la resolución del tema, considera "indignante y un menosprecio al pueblo aragonés" la sentencia. Para ellos "se contrapone el Estatuto catalán al aragonés y desde luego el nuestro pinta menos".

Por su parte, el presidente de la Diputación de Lleida, Joan Reñé, lo ve diferente, como no podía ser de otra forma. Para él, el TC da la razón a la Generalitat como "un paso más" en la protección de los bienes de la Franja y es un espaldarazo a la legislación catalana, que tutela los bienes "independientemente de su origen".


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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
Parte de ‘guerra’ en la Franja


Acusaciones, denuncias y ‘secuestros’ marcan la relación entre Aragón y Cataluña, a la espera de un acuerdo por el conflicto sobre obras de  arte



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Una representación del Calvario, de autor anónimo

El conflicto que enfrenta a Cataluña y Aragón desde 1995 por un centenar de obras de arte de las parroquias que pasó de la diócesis de Lleida a la de Barbastro, en Huesca, tiene una sombra muy alargada. Cualquier acto relacionado con la zona conocida como la Franja que realice una de estas comunidades despierta recelo y suspicacia en la otra y acaba en acusaciones y, en muchos casos, denuncias en los juzgados. Son los daños colaterales de la guerra del arte que puede estar viviendo sus últimos momentos si la reunión anunciada para los próximos días entre los presidentes de las dos comunidades, Artur Mas y Luisa Fernanda Rudi, pone fin a este asunto enquistado.

Pero el camino no está siendo fácil. El Museo Diocesano y Comarcal de Lleida, aparte de esperar el acuerdo que puede significar desprenderse de parte de su colección, vive una situación kafkiana con una de sus obras. La Resurrección, una tabla del siglo XV atribuida a Pedro García de Benabarre, que trabajó en Lleida y la Franja, fue entregada por la Diputación de Lleida al museo en mayo de 2009, tras comprarla en una subasta por 22.000 euros, su precio de salida, al no pujar nadie más. A los tres meses, la Guardia Civil se incautó de la obra impidiendo tocarla, moverla, restaurarla o exponerla. Y sigue inmovilizada, casi tres años después.

“No podemos hacer nada con ella, más allá de garantizar su conservación. Es como si estuviera secuestrada en nuestro museo”, se lamenta la directora Montserrat Macià que asegura no haber recibido denuncia alguna. “No sabemos que se hayan abierto diligencias, pero estamos tranquilos porque todo se ha hecho ajustado a derecho”, remacha. La Guardia Civil, contactada por este diario, no ha aportado más información sobre el caso.

Detrás de esta acción está el Gobierno de Aragón que mantiene que la venta es fruto de un expolio. Tras quejarse de no haber sido informado de la subasta, el Ejecutivo aragonés ejerció el derecho de retracto argumentando que “la obra pertenecía a la capilla del castillo de Benabarre y todos los bienes muebles que están en castillos aragoneses son bienes protegidos [por un decreto] desde 1949”. Sin embargo, desde Lleida aseguran que la obra estaba en la parroquia de Santa María de Valdeflores, tal y como muestran fotografías anteriores a 1936.

En Balclis, donde se subastó la tabla —un Cristo que emerge de su tumba ante dos soldados dormidos—, tampoco saben nada de la denuncia. Aseguran que la obra les llegó de dos hermanos que la habían heredado de su padre y que la bibliografía habla de su pertenencia a la iglesia parroquial. Así lo han explicado a la policía, además de mostrar correos que prueban que sí habían hablado con el Ayuntamiento de Benabarre. “Nosotros solo tenemos obligación de notificar la venta de piezas a los cuerpos de seguridad, la Generalitat y el Ministerio de Cultura”, defiende Enric Carranco, experto en pintura de la sala. “La obligación de cualquier buen gestor es seguir todas las subastas y no esperar a que te informen”, explica.

Pero la cosa no acaba aquí. Tras la compra, Aragón incluyó la obra en su catálogo del patrimonio cultural, a pesar de que Cataluña ya lo había hecho. Contra el derecho de retracto y la inclusión en el catálogo aragonés la Diputación presentó alegaciones ante el Tribunal Superior de Justicia de Aragón que están pendientes de resolver.


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'La Resurrección', tabla del siglo XV atribuida a Garcia de Benabarre

El origen de las obras está siendo clave para determinar quién tiene derecho a comprarlas. Es lo que pasó con otra pieza, un Calvario vendido en junio de 2009 en Alcalá Subastas (Madrid), una obra gótica atribuida a un anónimo aragonés de origen desconocido. La Generalitat alertó al Gobierno aragonés de la venta y comunicó al Ministerio de Cultura su interés en comprarla al pedírselo la Diputación y el Museo de Lleida. Este museo atribuyó la pintura a Pere Espallargues, activo en Lleida y la Franja a finales del siglo XV, que la pintó para el retablo de la localidad leridana de Son. Para los aragoneses la compra tenía sentido porque fue el Maestro de Viella quien la realizó para un retablo de Barbastro. Ante esta disyuntiva, el Ministerio de Cultura adquirió la tabla por 9.500 euros, y tras varios informes y 15 meses, apostó por la tesis aragonesa y la entregó al Museo de Huesca; una resolución que la Generalitat impugnó tras llevarla a la justicia ordinaria.

A esta situación tan crispada se añaden sentencias y decisiones recientes que nada ayudan a superar el impasse: la semana pasada la diócesis de Barbastro hizo llegar al obispo de Lleida una queja por prestar dos obras, de las 112 en litigio, para la exposición de arte gótico que inauguró el MNAC el 28 de marzo. En la misiva aseguran que no se les ha pedido permiso a ellos, que son los dueños de las piezas. “Se ha seguido a pies juntillas la legislación catalana que rige este tipo de cesiones, ya que son obras que a día de hoy forman parte del patrimonio cultural catalán”, dicen desde Lleida.

La última acción es la demanda que el Gobierno de Aragón presentó el miércoles pasado en un juzgado de Huesca, a raíz de la sentencia del Tribunal Constitucional del 24 de enero que dictaba, 14 años después, que la venta de las obras del monasterio de Sigena a la Generalitat en 1983 y 1992 fue legal.

Sin fecha fija, la reunión entre Mas y Rudi deberá calmar los ánimos y terminar con estos desencuentros entre las dos comunidades. Una tarea difícil que no se consiguió ni cuando Aragón y Cataluña estaban gobernadas por la misma fuerza política. La única lectura positiva es que el conflicto ha conseguido hacer famosos en los despachos de los políticos catalanes y aragoneses del siglo XXI a pintores como Garcia de Benabarre, Espallargues, el Maestro de Viella que vivieron en el siglo XV y que, de otra forma, serían totalmente ignorados.


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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
El MNAC expone 'La conversión de san Pablo', recientemente atribuido a Maíno



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Tras un largo proceso de restauración, La conversión de san Pablo, de Juan Bautista Maíno (Pastrana, 1581 – Madrid, 1649), se expone desde hoy jueves, 5 de julio, y hasta finales de septiembre en las salas de la colección permanente del Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC, Barcelona). Los expertos han podido identificar esta obra como una de las pocas que se conservan de Maíno, uno de los introductores en España de la cultura figurativa de Caravaggio y del círculo de pintores activos en Roma a principios del siglo XVII.

La tela, que se encontraba gravemente dañada a causa de un incendio ocurrido en 1985 en las dependencias municipales en las que estaba depositada, forma parte de los fondos del Museo desde 1952, aunque estaba atribuida al pintor valenciano José Vergara (1726 – 1799). Esta nueva atribución supone una aportación importante al catálogo de un artista clave para entender la pintura española del siglo XVII y del que se conservan tan sólo 44 obras.

Además de La conversión de san Pablo, el MNAC cuenta también en sus colecciones con el Retrato de Fray Alonso de Santo Tomás (1648-1649), una de las últimas producciones del pintor dominico.

Aportar luz

Con objeto de aportar luz sobre la génesis de la obra, su atribución y explicar el profundo y delicado proceso de restauración al que ha sido sometida, el lienzo se expone temporalmente en una sala propia, junto a una pintura preparatoria procedente de una colección particular, una radiografía que muestra su estado antes de la intervención así como un vídeo que explica su proceso de restauración.

Durante más de seis meses, los técnicos del MNAC, restauradores y conservadores, han trabajado conjuntamente para poder recuperar esta obra, documentarla y ahora exponerla al público. Estra restauración forma parte del programa BNP Paribas for Arts, que ha permitido la restauración de más de 200 obras de arte conservadas en museos de todo el mundo.
 
Una nueva atribución

La conversión de san Pablo, que ingresó en el antiguo Museo de Arte de Catalunya tras ser adquirida en el año 1952, despertó desde un principio el interés de Joan Ainaud de Lasarte (1919-1995), en aquel momento director general de los museos de arte de Barcelona. Ainaud contempló en un principio la posibilidad de que la autoría de la obra fuera italiana. Desde entonces el perfil del artífice de esta pintura se ha ido dibujando con mayor nitidez, lo que ha permitido realizar su atribución a Juan Bautista Maíno.

La conversión de san Pablo es una obra muy representativa de la producción de Maíno. Recuerda al Retablo Mayor de las Cuatro Pascuas (1612-1614), pintado para la iglesia de San Pedro Mártir de Toledo, que se conserva en el Museo del Prado y que está considerada como una de las producciones más relevantes de la pintura española del siglo XVII.

Dadas las evidentes similitudes estilísticas, compositivas y figurativas entre la obra del MNAC y las citadas telas, parece lógico establecer una cronología posterior a 1614, año que corresponde al de finalización del citado retablo.

En esta obra se aprecian los principales y más representativos aspectos que definen el repertorio gráfico del pintor y su lenguaje, caracterizado por un dibujo vigoroso, de trazo minucioso en los contornos, la monumentalidad escultórica de las figuras, creadas mediante una iluminación contrastada, y un colorido intenso.

Esta obra muestra la deuda contraída por Maíno con la pintura italiana, particularmente, con el estimulante ambiente romano, en cuya ciudad aparece documentada la presencia del artista entre 1605 y 1610.

El lenguaje de Maíno acusa también la influencia de Caravaggio, especialmente visible en La conversión de san Pablo en el modelado del cabello de los ángeles y en el aspecto severo del rostro de Jesús, que muestra grandes coincidencias estilísticas con el representado en la tela de La Trinidad (1612-1620), perteneciente al retablo que sobre el mismo tema Maíno realizó para el convento de Nuestra Señora de la Concepción, de Pastrana, su villa natal.

El exiguo número de producciones de Maíno acrecienta la importancia de una obra que, situada en el contexto de la colección de arte barroco del MNAC, contribuye además a diversificar los diferentes itinerarios de penetración del denominado naturalismo seiscentista en España.

A las dos corrientes naturalistas ya presentes en el Museo, la sevillana, representada por una obra de juventud de Diego Velázquez (1599-1660) -una imagen de San Pablo, realizada hacia 1618-1620- y la valenciana, ejemplarizada por dos composiciones de la familia Ribalta - por un lado, el Retrato de Ramón Llull, composición fechada hacia 1619, obra de Francesc Ribalta (1565-1628) y, por el otro, un San Jerónimo (1618), producción del hijo, Juan Ribalta (1596/ 1597-1628)-, Maíno significa una tercera vía: la de la pintura castellana del primer tercio del siglo XVII, que hasta ahora no tenía visibilidad en la colección y que viene a completar el paisaje del arte español de la época.

A diferencia de las otras dos corrientes, la obra de Maíno presenta un aspecto singular y novedoso, resultado de sus años de residencia en Roma. Una vez regresa, Maíno no se limita a realizar una trasposición mimética de los modelos figurativos que ha podido ver allí, sino que es capaz de reinterpretar estas fuentes con ímpetu renovador. Este fenómeno de importación de las novedades por la vía del viaje artístico es lo que diferencia el estilo de Maíno del de sus contemporáneos.


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El MNAC atribuye a Maíno la pintura 'La conversión de San Pablo' después de restaurarla. Los expertos del Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) han atribuido la pintura 'La conversión de San Pablo' al pintor Juan Bautista Maíno (1581-1649), uno de los introductores en España de la cultura figurativa de Caravaggio.


Fuentes: hoyesarte.com / fotos.lainformacion.com Publicado el 5/07/2012




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El MNAC abraza el siglo XXI con Tàpies pero sigue apostando por el románico

El director Pepe Serra presenta la programación y el nuevo modelo de museo




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'La calle', de Joan Colom, fotografía de 1961.

En 2013 se podrán ver las fotografías de Joan Colom

“No sabemos cómo vamos a realizar el programa, pero estamos muy comprometidos con el nuevo modelo de museo que este perfila, hasta el punto de presentarlo”. Lo afirmó ayer Pepe Serra, director del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) en la presentación del calendario expositivo 2013. La duda se refiere a la dotación presupuestaria: “14 millones de euros que no se corresponden con el papel que este museo debería jugar”, ya que, además de los casi 1,2 millones de euros que disminuirá el Ministerio de Cultura (37% menos), se desconoce el importe de la aportación de Generalitat y Ayuntamiento.

Si el cómo es una incógnita, el qué está meridianamente claro. Pese al reducido margen de tiempo, Serra, que asumió el cargo en enero, se ha declarado “muy satisfecho” con la programación. No solo por las propuestas, sino porque apuntan a un nuevo MNAC, que quiere arrancarse el corsé decimonónico para abrazar el siglo XXI, desde una perspectiva multiformato, que le convierta “en un lugar esencial para visitar. La mayoría de turistas no saben que tenemos el mejor románico del mundo, a veces visitan el edificio sin saber que se encuentran en un museo”, aseguró Serra.


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La batalla de Tetuán (1864). Óleo sobre lienzo. 300 × 972 cm. Museu Nacional d'Art de Catalunya. Barcelona. Autor: Mariano Fortuny

La colección protagonizará el primer semestre con una exposición monográfica sobre La batalla de Tetuán, una de sus obras más emblemáticas, coincidiendo con el 175 aniversario del nacimiento de Marià Fortuny. Trabajos preparatorios, fotografías y obras de Dalí, autor de una versión del cuadro, ocuparán las salas donde se exponen unas 50 pinturas que viajarán a Reus para la exhibición Fortuny, el mito. “Es un proyecto paradigmático. Nos permite revisitar la colección, exponer obras de las reservas y realizar intercambios”, explicó Serra, recordando que la exposición sobre los años 30 del Reina Sofía incluye 22 obras del MNAC.

La mirada sobre el Norte de África se completa con la primera presentación de la serie completa de fotografías captadas por José Ortiz Echagüe en esos parajes entre 1909 y 1916, con un espíritu entre antropológico y pintoresco muy original, que descontextualiza la realidad y la convierte en creación artística.


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La gran exposición del año marca la entrada de Antoni Tàpies en el museo y del museo en el siglo XX por la puerta grande. Con esta retrospectiva termina una historia de desencuentros entre el MNAC y el principal pintor catalán, que empezó con la célebre escultura del calcetín, nunca realizada, y terminó con dos espectaculares tàpies colgados en el restaurante. Serra ha subsanado el entuerto y la exhibición Desde el interior, organizada con la Fundación Tàpies, ofrecerá una nueva mirada sobre el pintor a través del comisariado intuitivo de Vicente Todolí y una selección de obras en gran medida inéditas, prestadas por la familia. Para subrayar el nuevo planteamiento, en paralelo se explorará la fascinación de Tàpies por el románico en una exposición sobre el Grupo Taüll, que se expondrá junto al románico.

Se multiplican así las incursiones en la colección permanente, poniendo de manifiesto que la relación entre esta y las temporales será mucho más fluida, tanto práctica como conceptualmente. “No nos refugiamos en la colección por la situación económica. Es nuestro capital y nuestro piñón, hay que estudiarla y ponerla en valor a través de diversas estrategias y formatos, empezando por invitar a artistas contemporáneos a trabajar con ella”, explicó Serra. La presencia del siglo XX se potenciará con la gran retrospectiva de Joan Colom, motivada por el depósito de más de 9.000 fotografías en el MNAC. “Potenciar una cosa no significa disminuir otra. El reto es captar diversos tipos de públicos, implicándolos en un museo social con una oferta diversa”, insistió Serra.


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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
El MNAC y los Cambó hacen las paces

El museo potenciará la visibilidad de la colección de arte legada por el político y nombrará a su hija Helena miembro del patronato


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Un operario acondiciona la sala donde se exponen piezas de la colección Cambó en el MNAC. / CARLES RIBAS

Desde hace años las relaciones entre la familia Cambó y el Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC) no han sido buenas. El descontento por cómo se mostraban las obras legadas por el político y mecenas Francesc Cambó en el museo de Montjuïc se había hecho patente entre sus herederos, su hija Helena Cambó y sus nietos, y la comunicación entre las partes era casi nula. Ayer se puso fin a esta situación tras la reunión que mantuvieron Pepe Serra y Miquel Roca, director y presidente del MNAC respectivamente, con Francesc Guardans, el mayor de los catorce nietos, en la que se acordó, entre otras cosas, potenciar la exhibición de la colección reunida por Cambó, uno de los legados más importantes con que cuenta el primer museo catalán, formada por medio centenar de pinturas del siglo XIV al XIX realizados por autores europeos como Lucas Cranach el Viejo, Fragonard, Goya, Rubens y Tiépolo, y un largo etcétera. La otra, nombrar a Helena Cambó vocal del Patronato del museo, máximo órgano de gobierno del centro.

Hasta ahora, el visitante del MNAC, tras ver las colecciones de románico, gótico y renacimiento, podía acceder a un sala en la que se exponían, de forma algo compactada, las obras de la colección Cambó, pero en la que no existía ningún tipo de explicación, más allá de una cartela en la que ponía "Legado Cambó", que explicara por qué esas obras estaban allí y quién era el tal Cambó. La intención es que esto cambie y que quede clara la importancia del legatario y de las obras reunidas. Fuentes cercanas a la negociación aseguran que el acuerdo, que se anunciará en los próximos días, pasa por crear una comisión de trabajo que estudie cómo dar mayor visibilidad de las obras, dentro del conjunto del museo. También, porque algunos de los cuadros que habían dejado de exhibirse al considerar el museo que no estaba probada su autoría, vuelvan a colgarse de las paredes del MNAC, ya que los herederos siempre han mantenido que el convenio de cesión establecía que así tenía que ser. No se descarta que, tras el dictamen de la comisión, las obras acaben integradas en el discurso museográfico del MNAC y no ocupen un solo espacio como han hecho hasta ahora.

El acuerdo entre las partes pasa, asimismo, por el reconocimiento personal a la labor de la familia Cambó, y en especial a Helena, la única hija de Francesc Cambó, que entrará a formar parte del órgano de gobierno del museo. Será el primer nombramiento que realiza Miquel Roca desde que ocupa la presidencia del MNAC ahora hace justo un año, en diciembre de 2011. Los estatutos dan potestad al presidente para nombrar a tres personas de "reconocida trayectoria en el ámbito del mecenazgo y el coleccionismo". El nombramiento tendrá que ser ratificado en la próxima reunión del patronato del MNAC el día 10 de diciembre.

Las conservaciones, entre el museo y la familia Cambó, comenzaron desde el mismo nombramiento de Pepe Serra al frente del MNAC, en noviembre pasado. De hecho, miembros de esta familia fueron de los primeros en ser recibidos en el despacho del nuevo director que le dejaron claro que no estaban de acuerdo con el trato sufrido por las pinturas en los últimos años.

Helena Cambó forma parte de organismos como la Fundación Bernat Metge, fundada por su padre, y la Fundación Bíblica Catalana y es presidenta de Honor del Institut Cambó. Además, en 2011 fue nombrada Patrono de Honor del Museo del Prado en 2011, en reconocimiento a la labor de mecenazgo que ha realizado la familia con la primera pinacoteca española. En 1941, Francesc Cambó donó al Prado, entre otros, los únicos botticellis que posee este museo: las tres escenas de La historia de Nastagio Degli Onesti que se instalaron en la sala de pintura del renacimiento italiano. Desde abril de 2004, junto a estas pequeñas pinturas, se ha podido ver una obra excepcional y joya de la colección Cambó: el Retrato de Michele Marullo Tarcaniota, pintado por Sandro Botticelli probablemente en 1491 que representa a un poeta, soldado y humanista griego del círculo intimo de los Medici;  es el único retrato que hay en España del gran pintor florentino. Hasta entonces, la pintura había ocupado un lugar de honor en el salón del domicilio barcelonés de los Cambó. Fue la única obra que Helena Cambó decidió quedarse del legado de su padre, pese a que pudo hacerlo con cualquier otra pintura.

La noticia de que el cuadro viajaba a Madrid cayó en 2004 como un jarro de agua fría en el MNAC, que siempre había confiado en que esta obra quedara algún día depositada en el museo, junto con el resto del legado. Eduard Carbonell, director del museo de entonces, aseguró que era "una lástima que esta obra no pueda verse en Barcelona en la inauguración de la rehabilitación del museo", prevista para finales de ese mismo año. Por su parte, Francesc Guardans, en representación de la familia, añadió que no descartaba que este cuadro pudiera verse en el futuro en Barcelona "cuando toda la Colección Cambó tenga un espacio estable y digno que agrade a todos", algo que dejaba claro que las relaciones, por entonces, ya no eran las óptimas. La obra fue cedida al museo madrileño por un año prorrogable. Desde entonces, ha viajado por museos y centros de arte de medio mundo mostrándose en exposiciones, pero jamás ha vuelto a Barcelona.

Fuentes próximas a la negociación mantienen que el cuadro de Botticelli no está entre los asuntos que hay sobre la mesa, pero reconocen que se están sentando las bases "para que algún día pueda volver a verse en esta ciudad".


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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
El MNAC conseva cuatro tablas



El retablo de Peralta de la Sal


Se buscan piezas para completar el puzle de una joya gótica

Un estudio acredita que un retablo del siglo XV fue troceado y vendido por partes



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GRÁFICO: El retablo de Peralta de la Sal. Distribución de las 26 escenas

Resulta difícil creer que aún quedan joyas artísticas de las que no se tiene noticia. Pero es así. La última es un retablo gótico del siglo XV de enormes proporciones que hasta hoy había escapado del foco de la historiografía pictórica. Es más, era un completo desconocido. Esta gran obra de arte creada para el culto cristiano estaba formada, igual que todos los retablos, por diferentes tablas, como en un mecano de madera. La pieza acabó desmontada y dispersa por medio mundo. Hasta que un grupo de investigadores ha desvelado su verdadero misterio con perseverancia y horas de trabajo. Como auténticos detectives del arte. Alberto Velasco, conservador del Museo de Lleida, diocesano y comarcal, y Francesc Ruiz i Quesada, investigador en excedencia de arte gótico del Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC) publican hoy en la revista digital Retrotabulum el extenso artículo El retablo de Peralta de la Sal (Huesca), una obra desconocida de Jaume Ferrer y Pere García de Benabarre. En él, reconstruyen el relato de esta obra maestra, hasta ahora inédita. Hilan la historia desde la ejecución de la pieza hasta nuestros días. También brindan el análisis iconográfico de las pinturas, quiénes fueron sus promotores o las razones de su dispersión en el siglo XX.

Además, comprueban, por primera vez, que dos de los pintores más representativos del gótico en Lleida, Jaume Ferrer y Pere García de Benabarre, participaron juntos en la realización de esta obra entre 1450 y 1456.

Todas estas conclusiones parten del descubrimiento de un croquis. Velasco encontró el diagrama de una pieza de 6,5 metros de alto por cuatro de ancho entre los expedientes conservados de la Junta de Museos de Catalunya. Lo dibujó en marzo de 1908 Josep Pijoan para incorporarlo a un informe, tras visitar la localidad de Peralta de la Sal, en Huesca. Acudió allí para valorar si convenía que la Junta comprase la pieza. Contaba con el beneplácito del obispo de La Seu d'Urgell, como parte de un procedimiento que se venía repitiendo desde hacía años y que logró salvar del expolio muchas obras.

El párroco avisó entonces de que había dos anticuarios, un tal Suárez, de Madrid, y Celestí Dupont, de Barcelona, que ofrecían 15.000 pesetas por el retablo y que el sacerdote planeaba destinar el dinero para arreglar la iglesia. Finalmente, la Junta decidió no comprarlo, y el informe quedó olvidado entre otros muchos papeles. Hasta ahora.

Los investigadores empezaron a tirar del hilo a partir de un croquis de 1908

El croquis ha sido para Velasco y Ruiz desde 2009 como un mapa del tesoro. De él se han servido para localizar y reunir muchas de las piezas de un asombroso puzle gótico para reconstruir el aspecto original del retablo. En el croquis de 1908, única imagen conocida de la obra, se explicaban los diferentes motivos de las tablas, bautizados con nombres como Vida de la Virgen, la Anunciación, la Adoración de los pastores, escenas de la Pasión de Cristo y un Calvario o Crucifixión, que coronaba todo el conjunto. El resultado pintaría una especie de cómic del siglo XV en el que las viñetas explican la vida de la madre de Cristo. En una predela de la parte inferior aparecían representados seis de los profetas. En total, el conjunto estaba formado por 26 pinturas.

Después de cuatro años, han logrado determinar que 11 tablas diseminadas por varios museos y colecciones particulares pertenecieron al conjunto de Peralta de la Sal. La tarea no ha sido fácil, y seguro que su hipótesis, que de momento es eso, una hipótesis académica, generará polémica. Según esta, dos enormes y excepcionales tablas del MNAC que ingresaron en el museo en 1956 provenientes de la colección Muntadas pertenecieron al retablo de Peralta de la Sal: la Dormición, de Pere García de Benabarre, y El Calvario, de Jaume Ferrer.

García Benabarre y Ferrer colaboraron en el conjunto de Peralta de la Sal

Las demás viñetas de ese cómic gótico perdido fueron exportadas y vendidas. Dos acabaron en los años treinta en el museo de arte de Cleveland, en Ohio (Estados Unidos). En concreto, la Anunciación de Jaume Ferrer y la Adoración de los Pastores de Pere García de Benabarre. Estas, unidas a las dos del MNAC, son las únicas partes del retablo identificadas y localizadas (en la infografía figuran numeradas del 1 al 4).

De las 10 porciones pequeñas, situadas a derecha e izquierda del Calvario, se ha podido identificar seis a partir de las fotografías antiguas que el instituto Amatller hizo de cada una de las pinturas. Dos pertenecen en la actualidad a una colección de Verona (Italia), tras ser comercializadas, en diferentes fechas, en Múnich, Ámsterdam y Venecia. También han identificado la predela inferior. La bibliografía la sitúa en una colección particular de Barcelona, que aún no ha podido ser localizada.

En su investigación fue fundamental el trabajo de otro investigador, Jaume Barrachina, director del Museo de Peralada, que descubrió en el inventario de la colección de Maties Muntadas que la Dormición que hay en el MNAC provenía de Peralta de Sal. Pijoan explicó que esta obra central estaba flanqueada por una Anunciación y una Natividad, las dos escenas representadas en las tablas de Cleveland. El hecho de que las tres tablas tengan medidas idénticas y que las tres, en total, sumen 3,98 centímetros, dos menos que la medida que Pijoan aportó, además de que en las tres aparezca en el manto de la Virgen, como un bordado, una 'M' seriada idéntica, lleva a los investigadores a considerar que las piezas son parte de una sola obra.

Algunos expertos habían sugerido que los dos pintores, Joan Ferrer y Pere Garcia Benabarri habían colaborado en algunas de las obras realizadas al final del gótico en la Corona de Aragón, sobre todo en la zona de la Franja. Para los dos investigadores no hay duda de que los autores trabajaron juntos en este retablo, incluso ven la mano de los dos en una de las tablas: la Adoración de los pastores, una de las dos que se encuentran en Cleveland: Ferrer hizo los pastores y el Niño, y el resto se atribuye a Garcia, o a alguien de su taller. Por eso, aseguran, los dos participaron desde el primer momento en la composición de la obra, repartiéndose las tablas y fue un proyecto compartido. Una práctica que Velasco y Ruiz ven excepcional en los retablos catalanes, pero normal en obras realizadas en Aragón o Valencia.

Velasco y Ruiz concluyen su trabajo pidiendo que el nuevo retablo de Peralta de la Sal se incorpore a la lista de obras creadas en Lleida y la Franja en tiempos del tardogótico. Incluso la valoran como capital dentro del arte medieval de esta zona, al estar creada por dos de los principales pintores del momento.

Garcia de Benabarre, es uno de los pintores más mediáticos y sufre los 'daños colaterales' del largo conflicto que enfrenta por el arte de la Franja a las comunidades de Aragón y Cataluña. Cada vez que una de sus obras sale a subasta se genera un revuelo para saber quién acudirá a comprarla y acabará quedándosela. El resultado es que algunas de las obras no pueden ser expuestas una vez adquiridas: es el caso de una Resurrección que compró en 2009 el museo de Lleida que permanece en sus sótanos incautada por la Guardia Civil impidiendo tocarla, moverla o restaurarla. El motivo es que Aragón presentó una denuncia por expolio de su patrimonio y por no ser informado de la venta, algo que niegan desde Lleida. El próximo día 16 se puede vivir un nuevo asalto de esta guerra del arte que parece no tener fin. La sala Balclis de Barcelona subasta, por 30.000 euros, otra Resurreción de Garcia de Benabarre procedente de un retablo de Montañana, Huesca. La polémica está servida.



Fuente: Estudio de Alberto Velasco y Francesc Ruiz, y elaboración propia. / Rodrigo Silva / EL PAÍS
 




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Mensaje Hallada En Egipto La Tumba De Un Médico De Los Faraones 
 
El arte moderno vuelve ‘loco’ al MNAC


El museo expondrá sus fondos de los siglos XIX y XX en los 5.000 metros del primer piso Casagemas y Viladomat, entre las exposiciones de 2014



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‘Casa de citas’, de Carles Casagemas, pintado entre 1899 y 1900.

Que el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), es algo más que arte medieval y que su discurso narrativo va más allá de las colecciones de arte románico y gótico quedará patente el año que viene. Será cuando el principal museo catalán inaugure una nueva presentación de las obras que conserva de los siglos XIX y XX que se expondrán en el primer piso del edificio construido en 1929. Eso comportará que los responsables del palacio de la montaña de Montjuïc trasladen las colecciones de Renacimiento y Barroco de lugar: “Una selección de las obras de este periodo se verán, de forma provisional, en la planta baja”, aseguró ayer el director del museo Pepe Serra durante la presentación de la temporada 2014.

Desde Fortuny y las corrientes artísticas de finales del siglo XIX, Modernismo, Noucentismo, vanguardias, los años treinta, los tres años de la guerra civil. Hasta los años 50 del siglo pasado, con corrientes como la de Dau al Set será lo que el visitante verá, a partir del verano que viene, en los 5.000 metros cuadrados del primer piso del MNAC. Según el nuevo jefe de colecciones del MNAC Juan José Lahuerta —en el cargo hace un mes— se trata de un relato crítico y complejo que evitará la mera sucesión de estilos y nombres, que incluirá todas las producciones del momento, como carteles, fotografías, cine, caricaturas, arquitectura o artes decorativas, más allá de pintura y escultura. “La nueva presentación será clave para modificar el relato del museo, que será más complejo y atractivo”, dijo Serra.


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‘Belleza de Tànger’, de Josep Tapiró

Sin duda uno de los platos fuertes de esta presentación será el Modernismo donde se podrán ver las obras que el museo tiene de Gaudí o todo lo relacionado con los Quatre Gats, con la voluntad de convertir el museo en el espacio de referencia para las artes en este periodo, potenciando autores hasta ahora condenadas a las salas de reserva como las obras de la pintora Lluïsa Vidal.

La nueva presentación permanente se completará con una exposición temporal que abarcará desde los 50 a los 80 con el fin de prefigurar un primer relato completo de todo este periodo, uno de los más relevantes del arte catalán del siglo XX, con piezas de Guinovart, Hernández Pijuan y Ràfols-Casamada.

De aquí a finales de 2014 en el museo se podrá ver una exposición que vincula románico y Tàpies donde la estrella será una obra (Pintura románica con barretina) propiedad del malogrado Miquel Tàpies; un conjunto de piezas escultóricas del Maestro de Cabestany; otra sobre una talla de San Juan Evangelista del Vinseum de Vilafranca perteneciente al descendimiento del Taller d’Erill; 500 fotografías de Joan Colom realizadas entre 1957 y 2007; se reivindicarán a dos “artistas del país y de la colección casi inéditos” como son el pintor de Tànger Josep Tapiró y Carles Casagemas, el amigo de Picasso que se suicidó a los 20 años. Se verá toda su producción. De los dos se presentarán monografías por primera vez.

Con motivo de la efeméride de 1714, el museo organiza dos muestras. Pereajume mostrará sus ‘conversaciones’ entre la tradición artística y las vanguardias, donde se pregunta si es reconocible cierto canon. La segunda es la que tendrá como protagonista al pintor catalán del siglo XVIII por antonomasia: Antoni Viladomat que permitirá al MNAC poner a prueba la nueva política de colaboración con los centros de arte del territorio: La muestra está repartida en sedes diferentes de Barcelona, Lleida, Mataró y Girona. No faltará la exposición anual que organiza el Gabinete Numismático, esta vez sobre medalla conmemorativas europeas.


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‘Retrato del marchante Josep Dalmau’, de Méla Muter

Sobre el presupuesto, Josep Maria Carreté, gerente y subdirector del MNAC, explicó que este año cuentan con 13,4 millones de euros —frente a los 20 de 2008—, de los que el 30% proceden de recursos propios. Cuando “no hay ningún gran museo que tenga un retorno del 30%-40% de los ingresos”, puntualizó Serra.

Serra recordó que de los 50.000 metros cuadrados que tiene el MNAC, pocos son zonas con capacidad expositiva y que los almacenes hay 300.000 obras. “Por eso, tenemos necesidad de crecer” y eso pasa por los pabellones que hasta ahora ocupaba la Fira. En la presentación no se mencionan ni se cuenta con ellos para 2014. Pero Serra dejó claro que están en los planes de futuro para conseguir aumentar la oferta y los visitantes. Por ahora no se cobrará, como se pensó, por entrar a ver la Sala Oval, pero preocupa el tema de los visitantes. “Cada año dos millones de turistas van a la Fuente Mágica, que está a 100 metros del museo”, dijo Serra.



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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
El ábside virtual de Sant Climent de Taüll recibe un premio internacional


Un 'mapping' permite proyectar las pinturas murales arrancadas en 1920 y que se exhiben en el MNAC desde entonces



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El ábside virtual de Sant Climent de Taüll, que ha sido premiado en Baltimore.

Desde hacía casi un siglo las paredes de la iglesia de Sant Climent de Taüll (Lleida), uno de los nueve templos románicos del Pirineo protegidos por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad desde el año 2000, estaban desnudas. Los frescos habían sido arrancados en 1920 por la Junta de Museos de Cataluña ante el peligro de que fueran expoliadas y vendidas en el extranjero. Pero la tecnología y la aportación económica de 400.000 euros de una entidad bancaria, han permitido que desde noviembre las coloristas pinturas vuelvan a lucir en sus paredes, aunque sea virtualmente.

En apenas 10 minutos un mapping permite, mediante la utilización de seis proyectores de alta definición, ver las pinturas arrancadas y trasladadas a Barcelona (en concreto en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, MNAC, donde forman parte del mayor conjunto de pintura mural románica del mundo), junto con las que se han conservado in situ (como una escena de Caín y Abel) y comprobar el aspecto y color que tuvieron hace 800 años, como lo pudieron hacer los habitantes del municipio de Valle de Bohí (Lleida).


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Detalle de la parte central de la recreación.

Seis meses después de inaugurarse, el proyecto, una iniciativa del Departamento de Cultura de la Generalitat y la Obra Social de La Caixa que lo incluyó en su programa Romànic Obert, ha recibido un premio internacional: en concreto el de mejor proyecto multimedia en el congreso Museums and de Web celebrado en Baltimore que premia cada año los mejores ejemplos mundiales de proyectos digitales en el sector de museos y patrimonio cultural, natural y científico, y un congreso de referencia en el mundo en su campo.

El proyecto ha coincidido con la restauración integral y la musealización de la iglesia. Durante los trabajos se recuperaron las capas profundas de las pinturas murales del siglo XII, que han permitido fijar con precisión en la pared las nuevas imágenes virtuales proyectadas. Desde noviembre han pasado por el edificio un 40% de visitantes que el año anterior.

Los otros trabajos premiados en otras categorías han sido: el MoMA de Nueva York con el proyecto Catalysts (educación), el Dallas Museum de Arte por DMA Friends (innovación), el Cleveland Museum of Art por Art Lens (móviles) y el Imperial War Museum de Londres por Operation War Diary (investigación).

El mismo premio que ha recibido Taüll este año lo recibió el Macba en 2009 por el proyecto de radio web y el Museo Picasso por su labor en redes sociales.


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Mensaje Re: Museo Nacional De Arte De Cataluña (MNAC) 
 
Gracias J. Luis por mantener al día este museo, que procuro visitar con frecuencia. La colección de arte románico es extraordinaria, aunque no he visto la visita virtual todavía.

El Sábado pasado fuí a ver la exposición de fotografías de Joan Colom, junto a otras de compañeros suyos de un grupo llamado "El Mussol"  (El búho). Una buena colección de fotos de Barcelona y otras ciudades como Paris sobretodo de los años 60

Y tambien pude visitar la terraza superior, abierta recientemente y que está encima de todo del edificio y que da la vuelta entera, con lo que se puede observar toda Barcelona y la montaña de Montjuic. Es una visita muy recomendable y muy poco conocida.
 



 
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