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POUSSIN, Nicolas
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Mensaje POUSSIN, Nicolas 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado al pintor francés Nicolas Poussin, fue el fundador y máximo representante de la pintura clasicista francesa del siglo XVII. Era cuñado de Gaspard Dughet.

Según los especialistas: "La lógica, el orden y la claridad fueron virtudes esenciales en su trabajo y ha influido de manera decisiva en el devenir del arte francés hasta nuestros días.


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Nicolas Poussin. Autorretrato, 1650, óleo sobre lienzo, 98 x 74 cm., Museo del Louvre, París.

Nicolas Poussin (Les Andelys, Normandía, 15 de junio de 1594 - Roma, 19 de noviembre de 1665) fue un pintor francés, uno de los más destacados de la escuela clasicista.

Poussin fue el fundador y gran practicante de la pintura clásica francesa del siglo XVII. Su obra simboliza las virtudes de la claridad, la lógica y el orden. Ha influenciado el curso del arte francés hasta la actualidad.

Pasó la mayor parte de su vida pintando en Roma, excepto durante un corto período cuando el Cardenal Richelieu le ordenó regresar a Francia como pintor del rey.

Hasta el siglo XX permaneció como fuente de inspiración dominante para los artistas de orientación clásica como Jacques Louis David y Paul Cezanne.


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Nicolas Poussin - Mars and Venus, c. 1633-34.

Nació cerca de Les Andelys, ahora perteneciente al departamento de Eure, en Normandía. Sus primeros dibujos atrajeron la atención de Quentin Varin, un pintor local, del cual Poussin se convirtió en aprendiz, hasta que se fue a París, en donde comenzó a asistir al estudio del pintor flamenco Ferdinand Elle, y luego al de George L'Allemand. Él encontró al arte francés en un estado de transición: el viejo sistema doctrinario estaba perturbado y las academias de arte destinadas a suplantarlo aún no estaban establecidas.

Después de dos intentos fallidos de ir a Roma, se juntó con Marini, el poeta de la corte de María de Médicis, en Lyon. Marini lo contrató para ilustrar sus poemas, lo tomó como casero y, en 1624 le permitió reencontrarse con él en Roma. Allí murió Marini y Poussin cayó en una gran depresión. Habiéndose enfermado, fue recibido en la casa de su compatriota Gaspard Dughet y cuidado por su hija Anna María, con quien se casó Poussin en 1629.


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Nicolas Poussin - Paisaje con edificios o paisaje con tres hombres. Museo del Prado, Madrid.

Entre sus primeros clientes estuvieron el Cardenal Barberini, para quien pintó la obra Muerte de Germanicus (Palacio Barberini); el Cardenal Omodei para quien produjo, en 1630 Triunfos de Flora (Louvre); Cardenal Richelieu para quien comisionó una Bacanal (Louvre); Vicenzo Giustiniani, para quien realizó Masacre de los inocentes, del cual hay un primer boceto en el Museo Británico; Cassiano dal Pozzo, quien se convirtió en el dueño de la primer serie de Siete Sacramentos (Castillo de Belvoir); y Fiart de Chanteloup, con quien en 1640 regresó a Francia.

Sobre el tema Et in Arcadia ego realizó dos cuadros, uno en 1627 y otro más tarde, en 1637-1638.

Luis XIII le otorgó el título de pintor principal, y durante dos años en París realizó varias pinturas para las capillas reales (La última cena, pintada para Versalles, ahora en el Louvre) y ocho dibujos para los gobelinos, las series de Los trabajos de Hércules para el Louvre, El triunfo de la verdad para el Cardenal Richelieu y muchos otros trabajos menores.

En 1643, disgustado por las intrigas de Simon Vouet, Feuquires y el arquitecto Jacques Lemercier, Poussin se fue a Roma. Allí, en 1648 terminó para De Chanteloup la segunda serie de Los siete sacramentos (Bridgewater Gallery) y también Diogenes throwing away his Scoop (Louvre); en 1649 pintó Aparición de San Pablo (Louvre) para el poeta cómico Scarron y, en 1651 La Sagrada Familia (Louvre) para el Duque de Crqui. Año tras año continuó produciendo una enorme variedad de trabajos, muchos de los cuales se incluyen en la lista dada por Flibien.

Poussin murió en Roma el 19 de noviembre de 1665 y fue enterrado en la basílica de San Lorenzo in Lucina.

No tuvo hijos propios, pero adoptó a Gaspard Dughet, el hermano de su mujer como su hijo. Él tomó el apellido del pintor.


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Nicolas Poussin - La inspiración del poeta (detalle), h. 1630.


Estilo

A lo largo de su vida, Poussin se mantuvo alejado de la tendencia popular hacia lo decorativo tan propia del artes francés de la época. En las obras de Poussin se unen la supervivencia de los impulsos del Renacimiento y una referencia consciente al arte de la antigüedad clásica como el estándar de excelencia. Su propósito era la claridad de expresión que se lograba a través del disegno o "nobleza de diseño" preferido al colore o color. Quizá su preocupación con el disegno se puede ver mejor en las copias grabadas de sus obras; entre los muchos que reproducían sus cuadros, algunos de los más exitosos son Audran, Claudine Stella, Picart y Pesne.

En la obra de Poussin prevalecían los temas de la tragedia y la muerte. Et in Arcadia ego, un tema que pintó dos veces, una en 1627 y otra en 1637-38, ejemplifica su enfoque cerebral. En esta composición, idealizados pastores examinan un atumba que tiene grabada la frase del título, que a menudo se interpreta como un memento mori: "Incluso en la Arcadia estoy", como si lo dijera la Muerte personificada. Según el historiador del arte Christopher Wright, Poussin pretendía que sus obras "mostraran la más refinada y típica actitud y emoción para el papel que están interpretando", pero estaba preocupado por la emoción "en una manera más generalizada y nada específica... Así ambas composiciones de Et in Arcadia Ego (Chatsworth y Louvre) el tema es ser consciente de la muerte, en vida. Los modelos específicos nada importan. No pretendemos sentir simpatía por ellos y en lugar de ello nos vemos obligados por los artistas a pensar sobre un tema."

Poussin es una importante figura en el desarrollo de la pintura de paisajes. En sus primeras pinturas, el paisaje normalmente formaba un fondo gracioso para un grupo de figuras; más tarde progresó a la pintura de paisaje por sí mismo, aunque la figura nunca acaba de estar ausente. Ejemplos son Paisaje con San Juan en Patmos (1640, Instituto de Arte de Chicago) y Paisaje con una calzada romana (1648, Galería Dulwich).


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Nicolas Poussin - La muerte de Germánico, 1628.


Obras

La mejor colección de pinturas de Poussin, así como también sus dibujos está en posesión del Louvre; pero además de las pinturas en Londres (National Gallery y Dulwich) hay otras: El triunfo de Pan está en Basildon House, cerca de Pangbourne, (Berkshire), y su mayor pintura alegórica, Las Artes está en Knowsley. En Roma, en el Palacio Colonna y Palacio Valentini hay notables trabajos de él, y uno de los departamentos privados del Palazzo Doria-Pamphili está decorado con una gran serie de paisajes en témpera.

El Museo del Prado posee cerca de ocho pinturas del círculo de Poussin, entre ellas varias de autoría segura y muy relevantes, como "El Parnaso", "El triunfo de David" y una "Cacería" de formato muy alargado, que hace pareja con otra del museo de Sao Paulo.

A lo largo de toda su vida se mantuvo distante de los movimientos populares de su escuela. El arte francés en su época era puramente decorativa, pero en Poussin se encuentra una supervivencia de los impulsos renacentistas asociados con una referencia consciente a las obras clásicas.

En general, sus pinturas tienen una gran desventaja en el color, incluso las mejores preservadas han cambiado en algunas partes, así que su mantenimiento es perturbador; y la construcción de sus diseños pueden ser observadas mejor en grabados que en los originales.

La mejor colección de pinturas y dibujos de Poussin está en posesión del Louvre de París, aunque hay otras obras de Poussin en muchos otros museos del mundo. En Madrid hay varios en el Museo del Prado.16 En Roma, en el Palacio Colonna y Palacio Valentini hay notables trabajos de él, y uno de los departamentos privados del Palazzo Doria-Pamphili está decorado con una gran serie de paisajes en témpera.

Poussin fue un artista prolífico que, además, dio lugar a numerosas imitaciones.


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Nicolas Poussin - Tancredo y Erminia, de Nicolas Poussin (principios de los años 1630, óleo sobre lienzo, 98.5 x 146.5 cm, Museo del Hermitage) muestra una evolución de la primera emulación de Poussin de Caravaggio para volver al clasicismo.


A continuación, se señalan algunas de sus obras más destacadas.

    - Bacanal (1625-1626) Museo del Prado, Madrid
    - La destrucción del Templo de Jerusalén (1626) Museo de Israel, Jerusalén
    - Ninfas y un sátiro (≪Amor Vincit Omnia≫, h. 1625-1627) Museo de Arte de Cleveland
    - El regreso de la Sagrada Familia a Nazaret (h. 1627) M.º de Arte de Cleveland
    - Escena báquica (1626-1628) M.º del Prado, Madrid
    - Eco y Narciso (1627-28)Museo del Louvre, París
    - Santa Cecilia (1627-1628) M.º del Prado, Madrid
    - La inspiración del poeta (1629–1630) M.º del Louvre, París
    - El triunfo de David (h. 1630) M.º del Prado, Madrid
    - La peste de Ashdod (1630) M.º del Louvre, París
    - Midas ante Baco (h. 1630) Alte Pinakothek, Múnich
    - El Parnaso (h. 1631-1633) M.º del Prado, Madrid
    - La adoración del becerro de oro (1633-34) National Gallery de Londres
    - El paso del mar Rojo (1633-34) Galería Nacional de Victoria, Melbourne
    - Tancredo y Erminia (h. 1634) Instituto Barber de Bellas Artes, Birmingham) Segunda versión del tema
    - Himeneo disfrazado de mujer durante una ofrenda a Príapo (1634)17
    - Paisaje con ruinas (h. 1633-1635) M.º del Prado, Madrid
    - El triunfo de Pan (1636) National Gallery, Londres
    - Paisaje con san Jerónimo (1637-38) M.º del Prado, Madrid
    - La caza de Atalanta y Meleagro (1637-1638) M.º del Prado, Madrid. De formato muy alargado, que hace pareja con El sacrificio a Príapo del Museo de Arte de São Paulo.
    - El rapto de las sabinas (1637-38) M.º del Louvre, París. Una versión anterior de esta composición, que data de alrededor del año 1635, se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York
    - Et in Arcadia ego (1637-38) M.º del Louvre, París
    - Teseo encuentra la espada de su padre (1638) Museo Condé, Chantilly (Oise)
    - La destrucción del Templo (1638) Kunsthistorisches Museum, Viena
    - Los hebreos recogiendo el maná en el desierto (1637-39) M.º del Louvre, París
    - Los Sacramentos (varios lienzos de finales de los años 1630) Castillo de Belvoir
    - Una danza con la música del tiempo (1639–40) Colección Wallace, Londres
    - La clemencia de Escipión -a veces también aparece como La continencia de Escipión- (1640) Museo Pushkin, Moscú
    - El éxtasis de san Pablo (1643) Museo de arte John & Mable Ringling, Sarasota
    - Moisés rescatado de las aguas (1647) M.º del Louvre, París
    - Paisaje con Polifemo (1648) Museo del Hermitage, San Petersburgo
    - La Sagrada Familia en las escaleras (1648) M.º de Arte de Cleveland
    - El funeral de Foción (1648) Museo y Galería Nacional, Cardiff
    - Eliezer y Rebeca (1648) M.º del Louvre, París
    - El juicio de Solomón (1649) M.º del Louvre, París
    - Los hombres ciegos de Jericó (1650) M.º del Louvre, París
    - Paisaje con Orfeo y Eurídice (h. 1650) M.º del Louvre, París
    - Paisaje con tres hombres o Paisaje con edificios (h. 1648-1651) M.º del Prado, Madrid
    - La adúltera (1653) M.º del Louvre, París
    - El testamento de Eudamidas (h. 1653) Museo estatal de Arte, Copenhague
    - Noli me tangere (h. 1657) M.º del Prado, Madrid
    - Descanso en la huida a Egipto (1657) Museo de Bellas Artes de Lyon
    - Ester ante Asuero (finales de los años 1650) M.º del Hermitage, San Petersburgo
    - Paisaje con Hércules y Caco (h. 1659–1661) M.º Pushkin, Moscú
    - Las cuatro estaciones (series) (1660–1664) M.º del Louvre, París

Espero que la recopilación realizada de este pintor francés, sea de vuestro interés, y contribuya en su divulgación.





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Ecole nationale superieure des Beaux-Arts, Paris, Ensba, Nicolas Poussin





Algunas obras


Poussin en el Museo del Prado

Nicolas Poussin (Les Andelys, Normandía, 1594-Roma, 1665). Pintor francés. Muy pocos elementos permiten conocer la vida del pintor desde su nacimiento hasta su llegada a Roma en 1624 e incluso hasta su matrimonio en 1630. Recibe proba­blemente una primera formación de Quentin Varin, de visita en Les Andelys en 1612. Ese mismo año, abandona el domicilio familiar para ir a París en donde frecuenta brevemente los talleres de Georges Lallemant y Louis Ferdinand Elle. En 1623 pinta, para la catedral de Nôtre Dame, una Muerte de la Virgen (encontrada en una iglesia de Bélgica). Antes de marchar a París a finales de 1623 o comienzos de 1624, Poussin había intentado en vano, por dos ocasiones, ir a Roma. Tras detenerse en Venecia, llega por fin a la Ciudad Eterna en la primavera de 1624. Introducido en el medio romano por el caballero Marino, se gana la confianza de grandes mecenas y amantes del arte, entre los que se cuentan Francesco Barberini, sobrino del papa, para el que rea­liza, en 1627, la Muerte de Germánico (Minneapolis Institute of Art, Mineápolis). Participa también en las grandes obras de renovación de la basílica de San Pedro, emprendidas por Bernini, pintando un gran Martirio de san Erasmo (Musei ­Vaticani). Contrae una larga enfermedad -probablemente sífilis- y es asistido por un cocinero francés, Jacques Dughet, con cuya hija se casa en 1630 y cuyo hijo, Gaspard, será su único alumno. Esta primera parte de la obra de Poussin, durante largo tiempo misteriosa, ha sido objeto de numerosas investigaciones, publicaciones y, sobre todo, de exposicio­nes en los últimos años (Nicolás Poussin I primi anni romani, Palazzo delle Esposizione, Roma, 1998-1999), que permiten, además de redescubrir algunos cuadros perdidos durante mucho tiempo -citaremos solamente el Saco de Jerusalén, adquirido por el Israel Museum de Jerusalén-, captar mejor los comienzos del artista. Gracias a la protección de los Barberini y de Casiano del Pozo, para quienes pinta la primera serie de los «Siete Sacramentos» (colección del duque de Rutland, Belvoir Castle y National Gallery of Art, Washington) de 1636 a 1642, y luego, a partir de 1634, a los encargos que recibe de Francia, la fama del pintor crece. A partir de 1638, el rey de Francia Luis XIII le invita a su corte, pero hasta di­ciembre de 1640 y después de largas vacilaciones, Poussin no llega a París. Tras un corto periodo de euforia, la estancia allí se revela desastrosa. La clase de encargos que recibe (bacanales, cuadros religiosos de gran formato, y sobre todo, la decoración de la gran galería del Louvre) no convienen al artista, que debe hacer frente además a la hostilidad de ciertos pintores parisienses, en particular de Simon Vouet. Poussin regresa finalmente a Roma para no abandonarla ya jamás. Su arte del momento está impregnado de meditación y marcado por el estoicismo, cuyo reflejo se percibe en la segunda serie de los «Sacramentos», pintada para Paul Fréart de Chantelou. Inventa composiciones fuertes, perfectamente equilibradas, que traducen las tragedias humanas, como el Juicio de Salomón (Musée du Louvre, París), y se vuelve cada vez más hacia la naturaleza que él quisiera representar «exactamente». De este último periodo datan algunos de sus más bellos paisajes, Los funerales (National Museum of Wales, Cardiff) y Las cenizas de Focion (Walker Art Gallery, Liverpool), La tormenta (Musée des Beaux-Arts de Rouen) o también las Cuatro Estaciones (Musée du Louvre, París) que pinta entre 1660 y 1664 para el duque de Richelieu. Para poder trabajar hasta el último momento, tiene que luchar contra la enfermedad y los temblores de su mano, que le aquejan a partir de 1642. Su mujer Ana María fallece a finales del año 1664 y Poussin solo la sobrevivirá unos meses, ya que muere el 22 de abril de 1665. El Prado, con ocho cuadros de su mano -no tenemos en cuenta sino aquellos que son suyos con toda seguridad- es uno de los museos más ricos en obras de Nicolas Poussin. Gracias a la diversidad de sus temas y, sobre todo, a sus fechas que cubren el conjunto de la carrera del artista, estos cuadros ofrecen un valioso panorama de su obra. Dos de estos cuadros, La caza de Atalanta y Meleagro y Paisaje con san Jerónimo, pertenecían a las colecciones reales españolas desde finales del siglo XVII; el segundo de ellos fue encargado seguramente por el rey Felipe IV para la decoración del Buen Retiro. Otros cuatro, El triunfo de David, El Parnaso, Noli me tangere y Paisaje con edificios, figuraron en la colección del negociante y armador de Róterdam, Jacques Meyer. En la Descripción, publicada en francés en 1714, del gabinete de ese aficionado y luego en su inventario tras su muerte en 1722 aparecen documentados y se mencionan por primera vez en 1746 en las colecciones reales españolas, en La Granja, en compañía de otros dos cuadros de Poussin: Paisaje con ruinas, que provenía, sin duda, de la colección del pintor Carlo Maratta y Bacanal, que había pertenecido a la familia del Pozzo. Este cuadro, probablemente el último adquirido por la Corona española, es, sin embargo, el más antiguo en cuanto a la fecha, de las obras de Poussin hoy en el Prado. Registrado en el inventario de 1746 con el nombre del artista francés, fue durante mucho tiempo después atribuido a Giovanni Benedetto ­Castiglione, y se encontraba en un estado de conservación poco satisfactorio; unánimemente atribuido a Poussin (con excepción notable de Blunt) y generalmente fechado hacia 1626. Las dos obras maestras indiscutibles de Poussin en el Prado, El triunfo de David y El Parnaso, datan, la primera, de finales de los años 1620 y la segunda, de los comienzos de la década de 1630. En este decenio el artista se encuentra en plena posesión de sus medios, crea sus obras más líricas y las más perfectamente compuestas y es el periodo mejor representado en los lugares de honor del Museo, junto con otros tres cuadros: un largo friso de dimensiones excepcionales, La partida de caza, también llamado La caza de Atalanta y Meleagro, y dos paisajes. La atribución del primero de estos paisajes, que muestra un anacoreta -probablemente san Jerónimo- en el primer plano, no plantea ya casi ningún problema, pero su fecha -hacia 1638- no es segura. El segundo era atribuido, desde principios del siglo xx, a Jean Lemaire, antes de que le devolviésemos su atribución tradicional («Un Poussin en el Prado», Antologia di belle arti, n.os 55-58, 1998, pp. 13-19). La articulación de los planos, la disposición de los motivos arquitectónicos en un paisaje soleado, la maestría del espacio y la calidad de la ejecución no pueden corresponder, a nuestros ojos, más que a Nicolas Poussin. Más tardío, un poco anterior a 1650, es un Paisaje con edificios que parece no tener ningún tema concreto y que muestra a dos hombres que preguntan el camino a otro tendido sobre un talud. El artista describe en él una naturaleza idílica e idealizada donde los esplendores del sol vienen a subrayar los planos o algún detalle de la composición, de una gran nobleza y cuya sencillez aparente esconde una ingeniosa novedad. El más tardío de los Poussin conservados en el Prado, Noli me tangere, fue pintado para ­Jean Pointel en 1653. De pequeño formato, limitado a dos figuras, de una austeridad y una sobriedad poco corrientes, incluso para Poussin, el cuadro es excelente por la intensidad del diálogo mudo ante la aparición milagrosa y por la fuerza de las expresiones que evitan todo sentimentalismo. Mencionemos, finalmente, dos cuadros cuya atribución a Poussin no es segura: una Santa Cecilia, a veces atribuida a Charles Mellin, y Escena báquica del que existen otras versiones y que, si es verdaderamente del artista, debe pertenecer a la época en que empezó a pintar en Roma, hacia 1626-1627.

Obras del Prado

    - Paisaje con san Jerónimo, óleo sobre lienzo, 155 x 234 cm, 1637-1638 [P2304].
    - Noli me tangere, óleo sobre lienzo, 47 x 39 cm, h. 1657 [P2306].
    - Paisaje con ruinas, óleo sobre lienzo, 72 x 98 cm, h. 1633-1635 [P2308].
    - Paisaje con edificios, óleo sobre lienzo, 120 x 187 cm, h. 1648-1651 [P2310].
    - El triunfo de David, óleo sobre lienzo, 100 x 130 cm, h. 1630 [P2311].
    - Bacanal, óleo sobre lienzo, 122 x 169 cm, 1625-1626 [P2312].
    - El Parnaso, óleo sobre lienzo, 145 x 197 cm, h. 1631-1633 [P2313].
    - Santa Cecilia, óleo sobre lienzo, 117,8 x 89 cm, 1627-1628 [P2317].
    - Escena báquica, óleo sobre lienzo, 74 x 60 cm, 1626-1628 [P2318].
    - Paisaje con ninfa dormida, óleo sobre lienzo, 50 x 68 cm, 1635-1640 [P2319]. Atribución dudosa.
    - La caza de Atalanta y Meleagro, óleo sobre lienzo, 160 x 360 cm, 1637-1638 [P2320].
    - La matanza de los inocentes, lápiz y pluma sobre papel amarillento, 250 x 340 mm [D3163].
    - Paisaje, aguada y pluma sobre papel, 155 x 255 mm [D3191].


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Paisaje con san Jerónimo, óleo sobre lienzo, 155 x 234 cm, 1637-1638. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Santo eremita tradicionalmente identificado con San Jerónimo y actualmente considerado San Pablo Ermitaño, orando en el claro de un bosque. El santo, semidesnudo, sólo se cubre con una falda de palma trenzada y se inclina ante una cruz y una calavera, símbolos propios de los santos penitentes que aluden a la meditación sobre la muerte, mientras su mano derecha sujeta una piedra con la que, según la tradición, golpeará su cuerpo para expiar los pecados.

La cuidada técnica del paisaje, a manchas siguiendo la influencia de Tiziano (h.1485 - 1576), revela la característica siempre presente en la obra de Poussin: la Naturaleza es la verdadera protagonista de sus cuadros, relegando a un segundo plano el tema representado.

Pertenece a la serie de cuadros, con temas de anacoretas, pintada para el Palacio del Buen Retiro por orden del rey Felipe IV, citándose en su inventario de 1701.


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Noli me tangere, óleo sobre lienzo, 47 x 39 cm, h. 1657. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Esta pequeña tabla es la más tardía de las pinturas del artista conservadas dentro de la colección. Fue pintada para Jean Pointel y al menos entre 1714 y 1722 se documenta en posesión de Jacques Meyer, negociante y armador de Róterdam. En 1746 se menciona por primera vez, junto con otras obras del pintor, en la Colección Real española, en el palacio de La Granja de San Ildefonso (Segovia). La composición se limita a las figuras de Cristo y de María Magdalena, que se sitúan en un paisaje, siempre ideal y exacto, delante del sepulcro. La austeridad de la escena queda potenciada por la armonía cromática y la monumentalidad de los personajes, a los que dota de importante expresividad (Texto extractado de La Belleza Cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado, Museo Nacional del Prado, Obra Social la Caixa, 2014, p. 128).


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Paisaje con ruinas, óleo sobre lienzo, 72 x 98 cm, h. 1633-1635. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Paisaje alegórico alusivo a las glorias de la ciudad de Roma. En primer plano, delante de un sarcófago etrusco símbolo del origen de la civilización romana, una figura señala el camino hacia las construcciones del fondo de claro carácter clasicista.

Francés afincado en la Ciudad Eterna, Poussin estudió a Rafael y la Antigüedad clásica, fuentes principales de su obra.


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Paisaje con edificios, óleo sobre lienzo, 120 x 187 cm, h. 1648-1651. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Vista de un valle surcado por un río, en cuyas orillas se sitúan varios edificios, enmarcados por árboles y montañas en el horizonte.

En primer plano aparecen tres personas sentadas y dos acompañadas de caballos. Podría tratarse de la representación del viaje a Atenas del filósofo cínico Diógenes de Sinope (siglo IV a. C), ejemplo clásico de honestidad y rebeldía hacia lo artificial de la civilización. Como muestra de renuncia hacia cualquier lujo, se le suele representar con una tosca capa como única vestimenta.

Se conserva un grabado de esta obra realizado por Châtillon.

Este cuadro se cita en el inventario de 1746 de la colección del rey Felipe V en el Palacio de la Granja de San Ildefonso.


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El triunfo de David, óleo sobre lienzo, 100 x 130 cm, h. 1630. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Bajo un escenario arquitectónico una Victoria alada corona con laurel a David, quien sujetando la espada con una mano mira directamente a la cabeza decapitada de Goliath, depositada sobre las piezas de una armadura. Tres putti completan el conjunto. Uno de ellos toca un instrumento mientras otro acerca a la Victoria la corona real destinada a David.

El tema representado alude a un pasaje del Antiguo Testamento (Samuel 17, 12-58) que narra como David, joven pastor hebreo y futuro rey de Judá, se enfrentó con el gigante Goliath para salvar a su pueblo.

Este lienzo está considerado como una de las obras maestras de la producción de Poussin. En él, se aprecia con claridad la influencia de Tiziano , tanto en la técnica pictórica general como en los modelos formales de los amorcillos. También aparece una de las características más personales del artista: la mezcla de un asunto mitológico, con la Victoria y los putti, y bíblico, en el tema central del rey David.

Este cuadro ingresó en las Colecciones Reales a través de los herederos del pintor Maratta. En 1746 se cita en los inventarios del Palacio de la Granja de San Ildefonso, de donde pasó al Palacio de Aranjuez.


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Bacanal, óleo sobre lienzo, 122 x 169 cm, 1625-1626. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Escena tradicional en la iconografía de Baco, dios romano del vino, donde se representa su encuentro con Ariadna en la isla de Naxos. El dios, sobre un carro tirado por leones hace subir a su futura esposa abandonada por Teseo. Les acompaña su cortejo habitual formado por bacantes, sátiros y ménades precedidos por Sileno sobre un asno, enmarcados por la vegetación y con el mar al fondo.

Resalta la influencia de Tiziano, como en otras obras de Poussin, y el interés por el detallismo y conseguir las mejores calidades en elementos secundarios, como la propia naturaleza y los diferentes objetos.

Este cuadro se cita en la colección del rey Felipe V en el Palacio de la Granja de San Ildefonso, lugar del que se trasladó en 1829 al Museo del Prado.


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Escena báquica, óleo sobre lienzo, 74 x 60 cm, 1626-1628. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Este tema es frecuente en la producción de Poussin. Presenta una bacante desnuda sosteniendo un cántaro mientras que un fauno caprípedo, coronado y ceñido por hojas de yedra, bebe de un vaso que levanta un amorcillo.

En esta obra, en contraposición a otras posteriores, prima el desarrollo del tema sobre el entorno paisajístico, combinando la mitología con el culto al desnudo, lo que ha hecho pensar que la escena trata de un pasaje concreto aún por descubrir.

La técnica, rápida y poco cuidada, se combina con una composición muy sencilla donde priman los colores apagados realzados por algunos toques de rojo.

Se conserva una réplica de este lienzo en el Museo Pushkin de Moscú. Presenta también importantes semejanzas con La bacante y el sátiro, de la Galería Nacional de Dublín.

Citado en el inventario de 1746 de la colección del rey Felipe V en el Palacio de la Granja de San Ildefonso, ingresó en el Museo del Prado en 1829.


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El Parnaso, óleo sobre lienzo, 145 x 197 cm, h. 1631-1633. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Representación del Parnaso, monte mitológico consagrado a Apolo y las Musas. Es una celebración de las Artes, especialmente de la Poesía. Apolo ofrece el néctar de los dioses a un poeta, probablemente Homero, coronado de laurel por Calíope, la musa de la poesía épica. En primer plano dos amorcillos ofrecen a los poetas el agua inspiradora que mana de la Fuente Castalia, personificada por la mujer desnuda. Inspirado en el fresco de Rafael en el Vaticano, es quizás un homenaje al poeta italiano Giovanni Battista Marino (1569 - 1625), mecenas de Poussin.

Se conserva un dibujo preparatorio de esta obra en la colección G. Wildenstein y un grabado realizado por Jean Dughet antes de 1667.


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Santa Cecilia, hacia 1635, óleo sobre lienzo, 118 × 89 cm, Museo del Prado, Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Virgen y mártir, Santa Cecilia ha sido venerada desde la Antigüedad cristiana considerada desde el siglo XVI como patrona de la música ya que, según la leyenda, mientras los músicos tocaban en su boda su corazón cantaba sólo a Dios, tras haber hecho voto de castidad.

La santa suele ser representada con un instrumento musical o en el momento de su martirio, cuando un verdugo intentó decapitarla sin conseguirlo.

Tanto la técnica como la composición y el colorido de esta obra reflejan la influencia que la pintura veneciana tuvo en la producción de Poussin. Fue atribuida anteriormente a uno de sus colaboradores, el pintor francés Charles Mellin (1597 - 1649).


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La caza de Atalanta y Meleagro, óleo sobre lienzo, 160 x 360 cm, 1637-1638. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.

Esta escena, perteneciente a las Metamorfosis de Ovidio, narra un episodio del mito de Meleagro y Atalanta: el instante en el que la expedición organizada por Meleagro parte en busca del jabalí enviado por Diana, diosa romana de la caza, para devastar el mítico reino de Calidón como venganza por no haber sido honrados sus altares.

Los protagonistas, acompañados de otros héroes clásicos, están situados a la derecha de la composición, ella rubia, vestida de azul y tocada con un casco. En el centro, una estatua de la diosa cazadora preside la escena con dos de sus símbolos, el arco y las flechas. Al fondo se distingue una ciudad y, a la derecha, una estatua de un sátiro tocando una siringa. Atalanta fue la primera en herir a la bestia, que fue rematada certeramente por Meleagro. Éste, impresionado por la belleza de Atalanta, le ofreció como trofeo la cabeza y la piel del animal, acto que desencadenaría su muerte.

La composición, elegante y pausada, recuerda a los bajorrelieves clásicos, característicos por su dinamismo contenido.

Este cuadro forma pareja con la Danza en honor de Príapo, del Museo de Arte de São Paulo en Brasil. Ambas obras aparecen citadas en el inventario de 1701 del Palacio del Buen Retiro, Madrid, donde formaron parte de la decoración de “historias de Roma”.


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Paisaje con ninfa dormida, óleo sobre lienzo, 50 x 68 cm, 1635-1640. Museo del Prado. Madrid. Obra de Nicolas Poussin.



Otras obras


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Et in Arcadia ego o Los pastores de Arcadia. Nicolas Poussin. 1637-38. Museo del Louvre, París. Se incluyó este cuadro en la Exposición del Louvre en Atlanta, que se organizó para el High Museum of Art y se inauguró en enero del 2007.

La obra pertenece al género mitológico, alegórico y bucólico, y representa a tres pastores idealizados y una dama dispuestos ante una tumba austera. Con este título, Nicolas Poussin (1594–1665) pintó dos cuadros pastorales que representan pastores idealizados de la Antigüedad clásica, rodeando una austera tumba. Esta es la segunda versión, la más famosa.

La frase es un memento mori: "Et in Arcadia ego" se traduce literalmente por "también yo en la Arcadia (estoy)",o "incluso en Arcadia (estoy) yo"; se podría interpretar como "yo, la muerte, reino incluso en la Arcadia'".

Sin embargo, el biógrafo de Poussin, Andre Felibien, interpreta que quiere decir que "la persona enterrada en esta tumba ha vivido en la Arcadia"; en otras palabras, que ellos también en un tiempo disfrutaron de los placeres de la vida sobre la tierra. Se considera normalmente que la interpretación correcta es la primera. De cualquiera de las dos formas, el sentimiento pretendía establecer un contraste irónico al representar la sombra de la muerte sobre el usual entretenimiento y alegría que se supone que disfrutaban las ninfas y demás habitantes de la Arcadia. Tradicionalmente, se considera un símbolo de la caducidad de la vida, incluso en sus momentos más idílicos.

Poussin sitúa a unos pastores con sus atributos, coronas y bastones, en un paisaje plácido y luminoso. Han perdido todo gesto de turbación ante la muerte, el cráneo que había en una versión anterior ha desaparecido, su actitud de leer y descifrar nos indica que son pastores cultos.

La primera versión de Poussin de este tema (hoy en la mansión Chatsworth House, en Derbyshire) pudo ser encargada como una imitación de la versión de Guercino. Tiene un estilo más Barroco que la versión posterior, característico de las primeras obras de Poussin. En el cuadro de Chatsworth los pastores están descubriendo de forma activa la tumba semiescondida, y leyendo la inscripción con expresiones curiosas. La pastora, en pie a la izquierda, posan de un modo sexualmente sugerente, muy distinto de su austero contrapunto de la versión posterior. La versión posterior tiene una composición mucho más geométrica, y las figuras son mucho más contemplativas. La cara de la pastora, que recuerda a una máscara, cumple las convenciones del clásico "perfil griego"...


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Midas ante Baco. Nicolas Poussin , hacia 1630. Óleo sobre lienzo, 98 × 153 cm. Alte Pinakothek, Múnich.

Poussin representa una escena mitológica. La leyenda del rey de Frigia Midas no es un tema mitológico frecuentado por la pintura occidental. Baco le ofreció cumplir un deseo, y el rey pidió que se convirtiera en oro todo lo que tocase. Esto resultó ser una maldición, puesto que todo lo que legaba a sus labios se convertía en oro, de manera que no podía comer ni beber. Para quedar liberado, Baco le dijo que debía bañarse en el río Pactolo, que desde entonces contuvo arenas auríferas.

Parece que Poussin representa en este cuadro el momento final de la historia, cuando el rey Midas, arrodillado frente a Baco, agradece al dios haberle salvado de perecer. En un segundo plano puede verse al dios fluvial y un personaje arrodillado que parece estar descubriendo el oro en las arenas del río.


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Eco y Narciso, de Nicolas Poussin, hacia 1627-1628, óleo sobre lienzo, 74 × 100 cm, Museo del Louvre, París.

La obra pertenece al género mitológico. Según Las metamorfosis de Ovidio, la ninfa Eco se enamoró de Narciso, pero éste la rechazó. Por eso ella, desolada, se ocultó en una cueva y se consumió de dolor, hasta quedar solamente su voz.

Némesis, la diosa de la venganza, castigó a Narciso haciendo que se enamorara de su propia imagen reflejada en una fuente, consumiéndose de amor hacia sí mismo.

Allí donde murió, brotó la flor azafranada que lleva su nombre: Narcissus.

Poussin refleja esta leyenda situando a tres personajes en un paisaje idílico: en primer término, Narciso, detrás Eros y sentada sobre una roca, Eco. De la cabeza del joven Narciso están brotando ya los narcisos. Eco, recostada sobre una roca, resulta «una aparición elegíaca e inmaterial».

La de Eco y Narciso es una historia que inspiró la ópera homónima de Gluck.


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Nicolas Poussin - La masacre de los inocentes, 1628-1629, Museo Condé, Chantilly.

Este lienzo es uno de los más importantes de los realizados por Poussin en los años veinte. Pintado casi con seguridad para el marqués Vincenzo Giustiniani, es un claro exponente de la pintura del joven tocado con "la furia del diablo", tal y como lo describía Marino al presentarlo al Cardenal Barberini. Evoca un pasaje tomado de San Mateo, el terrible momento en que el rey Herodes ordena el asesinato de todos los niños recién nacidos en Belén, asustado por las profecías que anunciaban un futuro rey de Israel nacido en la localidad. Pero el tratamiento que otorga Poussin a la escena es bien diferente a la que se puede encontrar en Rafael. La obra es la más clara expresión de las emociones humanas a través de la articulación de formas corporales. Mientras en la escena bíblica la matanza tiene lugar en el poblado, entre una multitud angustiada, para reforzar el efecto dramático y simbólico Poussin aísla la escena, la concentra en un acto concreto y la eleva a la categoría de universal. Sobre un fondo de inmutable clasicismo, sitúa, como las máscaras de la tragedia griega, las expresiones de terror de la madre, la determinación asesina del soldado, la angustia de la mujer que porta a su hijo... en una composición de perfecta geometría.







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La inspiración del poeta, 1624-1633, óleo sobre lienzo, 183 × 213 cm, Museo del Louvre, París. Obra de Nicolas Poussin



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Bacanal. 1634-35. National Gallery, Londres. Obra de Nicolas Poussin


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Helios y Faetón con Saturno y las Cuatro Estaciones, c. 1635. Obra de Nicolas Poussin


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La Primavera, también conocido como Adán y Eva en el Paraíso terrenal, 1660-1664, óleo sobre lienzo, 117 x 160 cm, Museo del Louvre, París. Obra de Nicolas Poussin


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Las cuatro estaciones: verano, o Rut y Boaz, 1660-1664, óleo sobre lienzo, 118 x 160 cm, Museo del Louvre, París. Obra de Nicolas Poussin


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Diluvio, también conocido como Invierno, 1660-1664, óleo sobre lienzo, 118 x 160 cm, Museo del Louvre, París. Obra de Nicolas Poussin


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Thésée retrouvant l'épée de son père. Óleo sobre lienzo. 98 x 129 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Nicolas Poussin


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Christ Healing the Blind. Lienzo. 119 x 176 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Obra de Nicolas Poussin


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Descanso en la huída a Egipto. Óleo sobre lienzo. 105 x 142 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Obra de Nicolas Poussin


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El descendimiento de la cruz. 1630. Óleo sobre lienzo. 119 x 99 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Obra de Nicolas Poussin


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San Juan Bautizando. Lienzo. 94 x 120 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Obra de Nicolas Poussin


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Apolo y Dafne. 1625. Óleo sobre lienzo. 97 x 131 cm. Alte Pinakothek. Munich. Alemania. Obra de Nicolas Poussin


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Apolo y Dafne. Lienzo. 155 x 200 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Obra de Nicolas Poussin


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Midas y Bacchus, 1629. Óleo sobre lienzo, 98 x 130 cm. Alte Pinakothek. Munich. Obra de Nicolas Poussin


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La peste de Azoth, 1631. Óleo sobre lienzo, 148 x 198 cm. Museo del Louvre. París. Obra de Nicolas Poussin


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Adoracion del becerro de oro, 1637. Óleo sobre lienzo, 153.4 x 211.8 cm. National Gallery. Londres. Obra de Nicolas Poussin


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El funeral de Foción, 1648. Óleo sobre lienzo, 114 x 175 cm. Museo Nacional de Gales. Cardiff. Obra de Nicolas Poussin


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El verano (Ruth y Boaz), 1664. Óleo sobre lienzo, 118 x 160 cm. Museo del Louvre. París. Obra de Nicolas Poussin


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Landscape with a Calm, 1650. Obra de Nicolas Poussin


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Saint John Baptizing in the River Jordan, c. 1630. Obra de Nicolas Poussin


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Cephalus and Aurora. Obra de Nicolas Poussin


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Landscape during a Thunderstorm with Pyramus and thisbe, 1651. Obra de Nicolas Poussin


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Landscape with Saint John on Patmos, 1640. Obra de Nicolas Poussin


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Landscape with the Ashes of Phocion, 1648. Obra de Nicolas Poussin


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L’enfance de Bacchus, 1630. Obra de Nicolas Poussin


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Mars and Venus, 1630. Obra de Nicolas Poussin


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Pan and Syrinx, 1637. Obra de Nicolas Poussin


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Paysage avec deux nymphes et un serpent, 1659. Obra de Nicolas Poussin


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The Conquest of Jerusalem by Emperor Titus, 1638. Obra de Nicolas Poussin


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The continence of Scipio, 1642. Obra de Nicolas Poussin


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The Destruction and Sack of the Temple of Jerusalem, c. 1925-26. Obra de Nicolas Poussin


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The Empire of Flora, 1631. Obra de Nicolas Poussin


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The Rest on the Flight into Egypt, c. 1628-30. Obra de Nicolas Poussin


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The Sacrament of Ordination (Christ Presenting the Keys to Saint Peter), 1636-40. Obra de Nicolas Poussin


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The Triumph of Bacchus, c. 1635-36. Obra de Nicolas Poussin


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Venus and Adonis, c. 1628-29. Obra de Nicolas Poussin


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The Birth of Venus, 1635. Obra de Nicolas Poussin


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A Roman Road. Obra de Nicolas Poussin


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The Return of the Holy Family from Egypt, c. 1628-38. Obra de Nicolas Poussin


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The Translation of Saint Rita of Cascia, c. 1630. Obra de Nicolas Poussin


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Rinaldo and Armida, c. 1630. Obra de Nicolas Poussin


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The Adoration of the Magi, c. 1633. Obra de Nicolas Poussin


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The Nurture of Bacchus, 1628. Obra de Nicolas Poussin


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The Nurture of Jupiter, c. 1630. Obra de Nicolas Poussin


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Venus and Mercury, c. 1627-29. Obra de Nicolas Poussin


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The Triumph of David, c. 1628-31. Obra de Nicolas Poussin



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Roma, San Lorenzo in Lucina: tumba de Nicolas Poussin: "F. A. de Chateaubriand, Nicolas Poussin, para la gloria de las artes y el honor de Francia, Nicolas Poussin, nacido en les Andelys en MDLXXXIV, murió en Roma en MDCLXV y enterrado en esta iglesia".



Enlaces interesantes


 0nicolas_poussin

Ver 286 obra de Nicolas Poussin en Artehistoria

Más info de Nicolas Poussin en la Wikipedia

Ver la obra de Nicolas Poussin en Web Gallery of Art

Ver la obra de Nicolas Poussin en Art Renewal Center

Ver todos los enlace de Nicolas Poussin en Art Cyclopedia


Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopillatorio dedicado al pintor francés Nicolas Poussin (1594-1665), fue el fundador y máximo representante de la pintura clasicista francesa del siglo XVII. Era cuñado de Gaspard Dughet.

 

Fuentes y agradecimientos: museodelprado.es, es.wikipedia.com, artcyclopedia.com, wga.hu, artrenewal.org, pintura.aut.org, epdlp.com, artehistoria.com y otras de Internet
 




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última edición por j.luis el Jueves, 21 May 2015, 11:42; editado 11 veces 
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Mensaje Re: POUSSIN 
 
Gracias J.Luis por este nuevo pintor Poussin representado en nuestra galería.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: POUSSIN 
 
Gracias xerbar, esta exposición ya hace la número 200... Creo que este pintor francés Poussin, es digno de ocupar el segundo centenario de nuestra Galería de arte.




Saludos.
 




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Mensaje Re: POUSSIN, Nicolas 
 
Inglaterra busca 17 millones de euros para salvar un 'poussin'



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El 22 de abril. Esta es la fecha límite que tiene el Gobierno británico y sus instituciones culturales para no perder una de las joyas de su patrimonio artístico. Es una cuestión de tiempo pero, sobre todo, de dinero. Un comprador extranjero ha cerrado un acuerdo para hacerse con la mejor pintura de Nicolas Poussin que albergan las colecciones del Reino Unido. La tela (imagen superior) The Infant Moses trampling Pharaoh’s Crown (El infante Moisés pisoteando la corona del Faraón) saldrá de las islas si el Estado no consigue igualar en un plazo de tres meses la oferta de un coleccionista privado: 14 millones de libras (17 millones de euros). Una cifra bastante superior a la cotización actual de Poussin.

El cuadro del pintor clasicista francés del siglo XVII ha estado durante más de dos siglos en el país y ahora podría perderse para siempre. Alarmado, el ministerio de Cultura ha prohibido temporalmente la salida de la obra. Tiene 90 días para encontrar el dinero. Un plazo que de forma excepcional puede prorrogarse hasta el 22 de octubre sí, de verdad, hay alguna posibilidad de conseguir esa pequeña fortuna.

El óleo fue vendido al coleccionista hace dos meses por los administradores de la mansión de Woburn Abbey (Bedfordshire, Inglaterra), en representación del duque de Bedford, con el propósito de conseguir fondos para restaurar el palacio y poder conservar al menos parte de una estupenda colección que incluye, entre otras piezas, 24 canalettos y un soberbio, y recién descubierto, rembrandt.


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'Retrato de un anciano' obra atribuida en 2012 a Rembrandt y que pertenece a la colección del duque de Bedford (Inglaterra).

La pérdida del óleo preocupa a las autoridades inglesas que han visto como hace escasos meses una de las obras emblemáticas de la National Gallery, Niño con paloma, un cuadro de Picasso de 1901 en el que ya se aventuraba su época azul, corría la misma suerte y terminaba en Catar. “Sería una terrible lástima que este extraordinario trabajo de Poussin dejara el país para siempre. Espero que podamos encontrar un comprador en el Reino Unido y que permanezca aquí para disfrute de los británicos”, apuntaba al comienzo de la semana Ed Vaizey, ministro de Cultura.

Por ahora, el comité que vigila la exportación de bienes culturales (Committee on the Export of Works of Art and Objects of Cultural Interest) ha frenado la salida. Aunque por poco tiempo. El Reino Unido tiene que luchar en este tema contra sus propias contradicciones. Londres es, junto con Nueva York, el principal mercado para el arte del mundo y sus leyes en este tema no pueden ser restrictivas si quieren seguir manteniendo el negocio. Sin embargo este laissez faire, laissez passer provoca estas situaciones. Fuera de las islas, además, cada vez hay una mayor tensión sobre las obras. Países como Catar quieren construir sus propias colecciones y están adquiriendo con avidez piezas antiguas, modernas y contemporáneas para sus museos. A esto se suman los coleccionistas millonarios de siempre, ya sean estadounidenses o chinos.


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La colección de la masión Woburn Abbey (fachada principal) alberga 24 'canalettos'. El mayor número de obras del pintor italiano en manos privadas.

El problema es que Bruselas quiere acercar la legislación española, francesa y italiana —mucho más restrictiva en la exportación de obras de arte— a la británica. Si esto ocurriera España, que ya tiene un serio problema de pérdida de su patrimonio histórico, enfrentaría situaciones similares a las de la tela de Poussin. ¿Y de dónde, con la que cae, se iban a conseguir 17 millones de euros para proteger una obra que narra la historia de cómo Thermutis, la hija sin descendientes del Faraón de Egipto, salvó la vida a Moisés siendo niño?



Por: Miguel Ángel García Vega | blogs.elpais.com
 




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Mensaje Re: POUSSIN, Nicolas 
 
HOLA A TODOS
SOY NUEVO EN ESTE GRUPO Y DECIDI ENTRAR PUES NECESITO CONECTARME CON ALGUNA ORGANIZACION Y/O ESPECIALISTA EN LA OBRA DE NICOLAS POUSSIN, MUCHO AGRADECERE SI ME PUEDEN BRINDAR INFORMACION AL RESPECTO.
GRACIAS

 



 
obradearte - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Re: POUSSIN, Nicolas 
 
J.LUIS
TE AGRADECERE SI ES QUE ME DAS INFORMACION DE PERSONAS ESPECILISTAS EN LA OBRA DE NICOLAS POUSSIN

 



 
obradearte - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Re: POUSSIN, Nicolas 
 
Hola 'obradearte', he reeditado el tema, pues había muchas imágenes que no se veían, además he ampliado los contenidos y agregado nuevos enlaces que te ayudarán a conocer mejor a este excepcionel pintor francés.




 

Saludos.
 




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Mensaje Re: POUSSIN, Nicolas 
 
Del 02 abril 2015 al 29 junio 2015



Poussin y Dios, exposición en el Museo del Louvre


Representar lo humano, representar lo sagrado. Como parte del 350 aniversario de la muerte de Nicolás Poussin (1665), el Museo del Louvre ofrece una exposición con gran variedad de obras.


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Nicolás Poussin - Bacchanal with guitar player or The Great Bacchanal .1627–1628. Paris, musée du Louvre

Representar lo humano, representar lo sagrado.Como parte del 350 aniversario de la muerte de Nicolás Poussin (1665), el Museo del Louvre ofrece una exposición que pone de relieve la originalidad de la pintura religiosa del artista. Estas obras representan una fuente inagotable de reflexión personal sobre Dios. Representante fundamental del clasicismo pictórico, Nicolas Poussin es el pintor francés más grande del siglo XVII. Auténtico "pintor-poeta", también considerado "pintor-filósofo", el artista creó una obra colosal, cuya dimensión cristiana ha sido ignorada demasiado a menudo, asó como discutida. La exposición pretende aportar una nueva mirada sobre la potencia imaginativa de un gran artista, cuyas obras han hecho historia. Lo sagrado y lo profano que se desprende de ellas permite meditar mejor sobre los misterios de la religión.


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Nicolás Poussin - The massacre of the innocents, 1628. Paris, musée du Louvre


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Nicolás Poussin - The Inspiration of the Poet, 1628. Paris, musée du Louvre


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Nicolás Poussin - Echo and Narcissus, 1628. Paris, musée du Louvre


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Nicolás Poussin - The Triumph of Flora, 1628. Paris, musée du Louvre


Ver más obras




es.parisinfo.com / http://en.wikipedia.org
 




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