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RISUEÑO, José
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Mensaje RISUEÑO, José 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado al escultor y pintor granadino, José Risueño, fue seguidor de Alonso Cano, Diego y José de Mora y Pedro de Mena,, trabajó en Granada, donde realizó las figuras de la capilla del Sacramento de la cartuja, el San Juan de Dios de la iglesia de San Matías y el Cristo crucificado del Sacromonte. Es famoso por sus figurillas de barro cocido policromado la “Magdalena penitente”, el Tabernáculo del Sagrario de la Cartuja de Granada, el Cristo de los gitanos y La Virgen de Belén entre otras obras.

José Risueño Alconchel. (Granada, 1665- id., 1732) Escultor y pintor español. Nacido en Granada (1665) hijo de un carpintero de basto, se casó dos veces y tuvo siete hijos de la primera esposa. Protegido del doctor Martín de Ascargorta, luego arzobispo de Granada, trabajó para la abadía del Sacromonte y la Cartuja, para la catedral y el palacio arzobispal, y su taller, en el que colabora como entallador su hermano Manuel, gana pronto clientes y fama. Cuando muere (1732) se le entierra en la parroquia de Santa Ana.

Utiliza el barro y el “pino de segura”, más corriente en Andalucía.

La técnica cuidadosa de su primera época, se hace luego desenfadada y suelta, de grandes trazos y menudos pliegues. Al principio acusa la influencia de los paños y plegados al modo de Mora, pesados y voluminosos, pero en su última época evolucionará hacia las maneras de Cano, con una técnica más impresionista, pictórica y dibujística.

Define los volúmenes principales con una talla profunda que le da hondos claroscuros. No suele usar amplias zonas lisas, sino que riza los contornos de los pliegues con líneas ondulantes que proporcionan a toda la figura un mayor efecto de nerviosa naturalidad.

Cuida en extremo la policromía, donde prefiere los tonos mates, sin recurrir a los trucos entonces habituales de ojos de cristal.

Espero que la recopilación que he realizado sea del gusto de los visitantes de esta sección de arte del foro de xerbar.





Algunas obras

José Risueño (Granada, 1665 - id. 1732) fue un pintor y escultor español. Formado en el taller de su padre Manuel ­Risueño con los escultores Diego y José de Mora y con el pintor Juan de Sevilla, todos ellos discípulos de Alonso Cano. Aventajado alumno de la Escuela granadina de pintura, fue considerado El dibujante de Andalucía para "significar su excelencia".

Risueño disfrutó del amparo de los eclesiásticos de la época y trabajó en la fábrica de la Catedral de Granada, consiguiendo así mantener una producción continua sin que le afectasen demasiado los altibajos económicos.

Las obras de Risueño tienden a ser menudas, de pequeño formato, pero con una técnica muy depurada influida por el rococó y su condición de excelente pintor. En escultura destaca el trabajo sobre barro, con el que se descubre un detalle insólito en otros muchos autores. También destacó en sus trabajos minuciosos en madera, donde se recuerda a Alonso Cano y su gran influencia. No es ajeno a otras influencias como la de Pedro Atanasio Bocanegra y Juan de Sevilla en pintura.

Protegido por el arzobispo Azcalgorta desde 1693, es en esta etapa de su vida como artista cuando despunta su maestría. Destacan entonces el Cristo del convento del Santo Ángel, varios Niños Jesús, la Magdalena penitente, que se conserva en el Museo Catedralicio, la Inmaculada en el altar de la catedral granadina, la Virgen del Rosario, San Juan Bautista, Ecce homo y La Dolorosa de la Cartuja de Granada. En el Victoria and Albert Museum de Londres se conserva un San José con el Niño, de clara influencia flamenca. Su obra más significativa y última será, no obstante, el conjunto de dieciséis figuras que componen el Retablo mayor de San Ildefonso


Retablo Mayor de la Iglesia de San Ildefonso de Granada


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El Retablo Mayor de la Iglesia de San Ildefonso de Granada ha sido reabilitado. El conjunto barroco fue realizado en 1720 en madera policromada con esculturas de José Risueño representando la imposición de la casulla a San Ildefonso rodeado de otros santos. Tiene una gran riqueza decorativa y variedad de imitaciones de mármoles de distintos colores

Autoría:

- Trazas: Atribuido a Blas Antonio Moreno, José Risueño y Francisco Hurtado Izquierdo
- Ensamblador: Bernabé de Haro
- Esculturas: José Risueño
- Labores sin determinar (posiblemente dorado): Manuel de Aranda, Gabriel Romero y José Martínez

Cronología: 1720. Dimensiones: 15,47 x 11,14 x 3 m. Materia: Pino


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Retablo Mayor de la Iglesia de San Ildefonso de Granada, Imposición de la Casulla. Obra de de José Risueño.


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Retablo Mayor de la Iglesia de San Ildefonso de Granada. Obra de de José Risueño.



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“La Encarnación”. 1717-18. Obra de José Risueño. Fachada catedral de Granada. La mayoría de sus trabajos más afamados, tanto en pintura como en escultura, se encuentran en la catedral granadina, y es que desde 1693 recibiría el favor del arzobispo Azcalgorta quien le encargará numerosas obras, entre ellas el relieve de la portada principal de la catedral con el tema de la Encarnación.



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El Cristo del Consuelo o de los Gitanos de Granada. Es una escultura de José Risueño. Es un Cristo muerto (1695-98) de cuatro clavos, con los pies apoyados en un subpedáneo, que se inspira en las versiones de Zurbarán y muestra el mismo deseo de turalismo cercano que el de Mora. El cuerpo, al que el paño de tela encolada pone un contrapunto de agitación barroca, cae a plomo, recto, sin  torsión, con toda la pesadumbre de la muerte reciente, que todavía no ha borrado la tensión de las cejas ni bajado la hinchazón del pecho. El modelado de las piernas, paralelas y frontales, acentúa el naturalismo en los músculos fláccidos, en la fragilidad escalofriante de las rodillas o en la minuciosa talla de los pies. «La carnosidad que consigue hacer brotar de la madera... se aumenta por la aplicación adecuada de una policromía, limpia de sangre, entonada en gamas dominantes verdosas y ocres» (García de la Concha).


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El Cristo de los Gitanos de Granada. Obra de José Risueño



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Tabernáculo del Sagrario (Cartuja de Granada). En muchos casos, el escultor contribuye decisivamente al efecto de una obra de carácter estructural, como lo es en este caso el retablo-baldaquino que aparece como tipología preferente a lo largo de la cultura artística del Barroco español. Risueño se adapta al programa arquitectónico, que asume sobre propio pathos vinculado a un complicado simbolismo, pero a pesar de que le sirve el instrumento arquitectónico de guía en su alzado triunfante, la sutil escultura se impregna de delicadeza, de fragilidad y de gracia, bajo la sugerencia del encanto sensual del rococó. Contagia una atmósfera entrañable y alegre y otorga a las figuras, casi ingrávidas, el efecto de una danza que se combina con el realismo y el candor en la afirmación de la eficacia religiosa del arte, afectuosa y enternecedora. Es una obra en su conjunto de nueva sintaxis, en una hermosa síntesis de emociones distintas bien sincronizadas, vinculada al género de esquemas en relación asociativa.


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Tabernáculo del Sagrario. Cartuja de Granada. 1702-1720. Obra de José Risueño y Francisco Hurtado Izquierdo principalmente, aunque también trabajaron otros. Sagrario de la cartuja de Granada, 1702-1720



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San José con el Niño. Obra de José Risueño (ca. 1720) V&A Museum (Londres). En el museo Victoria & Albert Museum de Londres se encuentra una representación de la producción de este artista con tres obras en terracota y madera policromadas que fueron adquiridas por el coleccionista y conservador de arte Sir John Charles Robinson (1824-1913) en España.


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Virgen de Belén. 1700 - 1732. Escultura de barro cocido y policromado, 48 x 51 x 45,5 cm. Museo de Bellas Artes de Granada. Obra de José Risueño.

José Risueño es uno de los artistas granadinos que mejor reinterpreta la obra de Alonso Cano pese a no haberlo conocido nunca, ya que nació en 1665, dos años antes de la muerte del Racionero.

Escultor y pintor trabaja en Granada para iglesias y conventos bajo la protección del arzobispo Ascargorta. En este museo se conservan numerosas obras del artista y una de las más destacadas es esta Virgen de Belén, grupo realizado en terracota y policromado.

Risueño escogió habitualmente esta técnica del barro cocido como soporte para sus esculturas de pequeño formato. De rápida ejecución, dejaba en ellas una impronta fresca e inmediata que hace de este tipo de grupos uno de los más interesantes de su producción y que mejor ejemplifican su arte.

Son grupos escultóricos compactos y cerrados en los que aparecen san José y la Virgen, o sólo uno de ellos, con el Niño en brazos, recreados con una apariencia extremadamente delicada y dulce y con una enorme carga intimista lo que relaciona directamente estas obras con Cano.

Risueño no acostumbra a representar a sus figuras en acción de dialogar, al contrario, el estrecho vínculo comunicativo que conlleva el afecto paterno filial que logra transmitir en sus grupos no necesita de palabras, como dijera el poeta: "el silencio se hizo imagen".



Serie Niños Jesús y San Juanitos de distintas procedencias

José Risueño. Es un escultor para ahondar mucho en su producción, pero yo solo os voy a mostrar (cortesía de José María Cámara Salmerón) una serie de niños que realizó este magnífico escultor, y que creo que merecen la pena ser conocidos, por su belleza, su buen trabajo y sus gráciles gestos y por supuesto trabajadas emociones.


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José Risueño. San Juanito. Colegiata de Lerma (Burgos)


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José Risueño. San Juan Bautista. Colección particular


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José Risueño. San Juanito. Priego de Córdoba


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José Risueño. El Niño Jesús del cordero. Iglesia de San Francisco (Priego, Córdoba)


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José Risueño. Otro Niño Jesús del cordero


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José Risueño. El Niño Jesús del cordero. San Juanito. Monasterio de Santa Paula (Sevilla)



José Risueño en el V&A (Londres)


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San Juan Bautista niño. Obra de José Risueño (ca. 1700). V&A (Londres).

Esta es la única obra que se encuentra expuesta al público en la sala de Esculturas, Room 111. Se trata de una pequeña escultura realizada en madera de no más de 27 cm de altura. Representa a la figura de San Juan Bautista niño vestido con camisa de piel de cordero y envuelto en una túnica roja. Está sujetando a un pequeño cordero por sus patas y toda la composición tiene como base un follaje y rocas para ubicar la escena en un ambiente natural.

Compositivamente destaca el movimiento de la escultura, ya que el cuerpo de San Juan se encuentra completamente girado. Mientras que el torso y sus brazos toman una posición girada para recoger al cordero, sus piernas, ligeramente arrodillado tienen una posición frontal. La cabeza gira igualmente con la mirada puesta hacia el suelo. Los colores son sencillos y en tonos terrosos, destacando el rojo del manto que lo arropa.

Las esculturas aisladas tanto del Niño Jesús como de San Juanito fueron una iconografía muy recurrida a lo largo del siglo XVII y extendiéndose al siglo XVIII. El tamaña de esta obra indica que su uso fue puramente devocional y privado.


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San José con el Niño Jesús. José Risueño (Ca. 1720) V&A (Londres) (Fuente: V&A).

Esta obra adquirida en 1863 en Granada es una escultura realizada en terracota, madera de pino y posiblemente lino natural. Representa a la figura de San José portando al Niño Jesús en sus brazos. Se trata de una figura devocional posiblemente ubicada en alguna capilla privada. La imagen de San José aparece sentada, envuelto en ropajes con gran importancia al movimiento de los pliegues. La figura dinámica de San José, cuya cabeza y mirada alza al cielo en actitud de oración contrasta con la de un Niño Jesús desnudo y arropado en los brazos de San José en una actitud durmiente.

La posición de la mano de San José que abraza al Niño, junto con el brazo del Niño reposando en el pecho de su padre y la mirada de San José son aspectos de gran expresividad que destacan en esta obra tardía.


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Niño Jesús desnudo o San Juanito (ca.1700-1735). Atribuido a Risueño o a su taller. V&A Museum (Londres).

La última de las obras se trata o bien una escultura de Risueño o bien de su taller. Es otra pequeña escultura de 32 cm de alto realizada en madera de pino y policromada. Representa a la figura del Niño Jesús o también es probable que fuera la figura de San Juan Bautista Niño (aunque no hay atributos que lo identifiquen como tal). Nuevamente podemos ver las carnaciones del cuerpo del Niño, algo que viene siendo común en Risueño, y la composición contorneada de la figura en la que una de las piernas del Niño aparece en posición de ascender por una roca esculpida en la base.

Los brazos se alargan en oposición al cuerpo con la idea de sustentar o recoger algo, por ello esta obra tendría que ir acompañada por algún objeto que hoy se ha perdido. Destacar que los ojos de la obra están realizados en cristal, algo frecuente en la escultura barroca para otorgarlas de un mayor realismo.



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Adoración de los Magos. 1710-1715. Óleo sobre lienzo, 255,5 x 259,5 cm. Museo de Bellas Artes de Granada. Obra de José Risueño. Risueño es uno de los epígonos del influjo canesco en el arte granadino, avanzado ya el siglo XVIII. Su doble condición de pintor y escultor, así como su arte intimista le acercan a la plástica de Cano aunque no tuvo la oportunidad de conocerlo, pues falleció cuando Risueño contaba tan sólo con dos años.

En este lienzo representa la Adoración de los Magos, reinterpretando con toda seguridad la obra de Rubens, conocida a través de los grabados de Vosterman o Bolswert. Será ésta una práctica habitual en la trayectoria de Risueño y la de la mayoría de los artistas de la época que se inspiraban en grabados para la composición de sus pinturas como demuestra Benito Navarrete.

La pintura de inusitado formato alargado, presenta dos partes bien diferenciadas, por un lado la figura de la Virgen que muestra al Niño en sus manos y el San José en segundo término, y una segunda compuesta por los Magos y su comitiva que se dispone en segundo término al igual que las ruinas que conforman el establo, equilibrando la composición.

Finalmente y como novedad Risueño sitúa en la parte superior una brillante estrella, que sería la que guió a los Magos hasta Belén, acompañada de ángeles y querubines cargados de flores.


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Aparición de la Virgen a San Pedro Nolasco, San Raimundo de Peñafort y el Rey Don Jaime de Aragón, óleo sobre lienzo (122 x 184,5 cm) Granada, Museo de Bellas Artes. Obra de José risueño.


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Santo Tomás de Aquino. Cronología: Último tercio del siglo XVII - Primer cuarto del siglo XVIII. Óleo sobre lienzo, 108 x 82 cm. Museo del Prado. Obra de José Risueño.

Santo Tomás de Aquino, de cuerpo entero y de pie, está representado con el hábito de los monjes dominicos, llevando la túnica blanca con escapulario y manto negro con capuchón echado hacia la espalda. Con la mano derecha sujeta una pluma de la que sale un haz de rayos de luz y en la izquierda lleva un libro, objetos que hacen referencia a su doctrina. Sobre el pecho cuelga un sol que es atributo de su sabiduría y por detrás de su espalda sobresalen dos grandes alas que hacen alusión al momento en que los ángeles ciñen al santo el cíngulo de la castidad. Sobre su cabeza, el Espíritu Santo desciende de los cielos en forma de paloma para inspirarle. La figura del santo, representado como un hombre joven, inberbe y con tonsura monacal, se superpone a un paisaje en el que aparece una pequeña iglesia en la parte izquierda  (Fotografía cedida por el Museo Provincial de Lugo, institución depositaria de la obra).    



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Ver biografía y obra de José Risueño en La Hornacina



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado e trabajo recopilatorio dedicado al escultor granadino, José Risueño, fue seguidor de Alonso Cano, Diego de Mora y Pedro de Mena,, trabajó en Granada, donde realizó las figuras de la capilla del Sacramento de la cartuja, el San Juan de Dios de la iglesia de San Matías y el Cristo crucificado del Sacromonte. Es famoso por sus figurillas de barro cocido policromado la “Magdalena penitente”, el Tabernáculo del Sagrario de la Cartuja de Granada, el Cristo de los gitanos y La Virgen de Belén entre otras obras.


  
Fuentes y agradecimientos: David Gutiérrez/bloghistoriadelarte.com, josemariacamarasalmeron.blogspot.com.es, es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, museodelprado.es, artehistoria.com, parroquiasanildefonso.com, museosdeandalucia.es, platea.pntic.mec.esa, ceres.mcu.es, gentedepaz1940.blogspot.com, cabra.es, monumentosdemalaga.wordpress.com, regmurcia.com, domuspucelae.blogspot.com, museosdeandalucia.es, bloghistoriadelarte.com y otras de Internet
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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última edición por j.luis el Martes, 09 Febrero 2016, 09:32; editado 13 veces 
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Mensaje Re: RISUEÑO, José 
 
Gracias J.Luis por esta exposición de José Risueño. Cuando estuve en Granada visité la cartuja y pude contemplar el Tabernáculo del Sagrario sin duda impresionante todo lo que había dentro del sagrario, sólo por eso mereció la pena la visita a la cartuja de Granada.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: RISUEÑO, José 
 
Me alegro xerbar, que pudieses comprobar in situ la belleza en la talla de este gran artista granadino.




Saludos
 




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Mensaje Re: RISUEÑO, José 
 
Añado la pieza del trabajo dedicado a la Escuela Granadina de Escultura, donde José Risueño tuvo un papel protagonista.



Este trabajo recopilatorio está dedicado a la Escuela Granadina de Escultura y el significado e influencia que ha tenido en la Artes en nuestro país desde los siglos XVI y hasta el XIX.

La extraordinaria actividad artística desarrollada en la Granada renacentista, con la presencia de grandes artistas nacionales y extranjeros, fue la que preparó la base para que surgiera esta escuela de escultura, plagada de grandes maestros como: Diego de Siloé, Alonso Cano, Pedro de Mena, Bartolomé Ordoñez, Diego de Aranda, Baltasar de Arce, Diego de Pesquera, Felipe Vigarny, Jacopo Florentino, Pablo de Rojas, José de Mora y Familia, Alonso de Mena, Pablo de Rojas, Torcuato Ruiz del Peral, Pedro Duque Cornejo y Roldán, Pedro Antonio Hermoso y el más reciente José Navas-Parejo, José, entre otros.

Espero que os guste la recopilación que he conseguido de estos grande escultores granadinos, que en su mayoría he dedicado trabajos individualizados, y en la medida de lo posible, contribuya en su divulgación.





Escuela Granadina de Escultura



 1sagrada_familia_obra_de_diego_de_silo_actualmente_en_el_museo_nacional_de_escultura_de_valladolid

Sagrada Familia. Obra de Diego de Siloé actualmente en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

La Escuela Granadina de Escultura va definiéndose a través del siglo XVI, hasta concretarse plenamente en el siglo XVII. La extraordinaria actividad artística desarrollada en la Granada renacentista, con la presencia de grandes artistas nacionales y extranjeros, fue la que preparó la base para que surgiera esta escuela de escultura.



 2alonso_cano_museo_nacional_de_escultura_de_valladlid

San Juan Bautista. Escultura en madera policromada que representa a San Juan Bautista, obra del escultor barroco Alonso Cano (Granada, 19 de marzo de 1601 - 3 de octubre de 1667). La obra fue contratada en 1634 para el retablo mayor de la iglesia de Villana de San Juan de la Palma. En la actualidad se encuentra custodiada en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Los nombres que marcan los tres momentos de iniciación, desarrollo y culminación de esos rasgos granadinos son, respectivamente, Diego de Siloé, Pablo de Rojas y Alonso Cano. Los rasgos fijados por el estilo del último son los que propiamente atribuimos a la escuela granadina.



 7felipe_vigarny_virgen_con_ni_o_felipe_vigarny_museo_nacional_de_escultura_de_valladolid

Felipe Vigarny - Virgen con niño, relieve tallado en mármol por el Arquitecto y escultor de ascendencia francesa Felipe Vigarny, actualmente en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

De todos los artistas citados es Diego de Siloé, el que, no sólo por su afincamiento en la ciudad, sino por la potencia y variedad de su arte, logró atraer y crear un grupo de seguidores con quienes se inicia una escuela local...



 08baltasar_de_arce_el_se_or_atado_a_la_columna_probablemente_perteneci_a_la_hermandad_del_corpus_christi_de_granada

Baltasar de Arce - El Señor Atado a la Columna. Probablemente, perteneció a la Hermandad del Corpus Christi de Granada que la formaban artistas de la ciudad y tenía su sede en los Hospitalicos. En esta iglesia está enterrado Alonso de Mena.

Baltasar de Arce (?-1564). Escultor español, discípulo y continuador de Diego de Siloé. Trabajó en la ciudad de Granada desde 1558 a 1564, año en que falleció. En el museo granadino de la Alhambra existe de él una imagen mutilada de la Virgen sentada con el Niño.




 9diego_de_aranda_calvario_iglesia_del_sagrario_de_granada_bajo_la_advocaci_n_de_cristo_de_la_salud_diego_de_aranda

Diego de Aranda - Calvario iglesia del Sagrario de Granada, bajo la advocación de Cristo de la Salud. Diego de Aranda (s. XVI). Escultor español del siglo XVI, nacido en Granada. Era discípulo y amigo de Diego de Siloé y trabajó con él en la catedral de Granada. Es autor de las imágenes que adornan las portadas de las iglesias granadinas de Santa Ana y San Ildefonso. También intervino en los pedestales del testero oriental del palacio de Carlos V.

... El más fiel continuador fue Diego de Aranda; pero los que dan la nota más personal son Baltasar de Arce y Diego de Pesquera. El primero con su «Cristo a la columna» de la iglesia de los Hospitalicos, que nos ofrece una figura de violento movimiento concentrado, típicamente manierista, pero de intensidad expresiva prebarroca. Con más brío y grandiosidad se muestra en la figura central del fragmentado retablo mayor de la iglesia de S. Cristóbal.



 10mercurio_en_la_fuente_del_mismo_nombre_en_la_plaza_de_san_francisco_de_sevilla_obra_de_diego_de_pesquera

Imagen de Mercurio en la fuente del mismo nombre en la Plaza de San Francisco de Sevilla. Obra de Diego de Pesquera (segunda mitad del s. XVI) Escultor español. Su obra, en la que se percibe la influencia italiana, en especial la de Miguel Ángel, está documentada en Granada en 1563, y en Sevilla entre 1571 y 1580. Sus Virtudes de la sala capitular de la catedral de Granada y el grupo de Santa Ana, la Virgen y el Niño de la misma catedral revelan su perfecto dominio de la piedra, así como también sus esculturas Julio César y Hércules en la alameda sevillana.

Pesquera, formado en Roma según Gómez Moreno, vino a trabajar con Diego de Siloé, logrando dentro del estilo de éste acentuados efectos de finura de modelado con rasgos expresivos de tierna y desmayada sensibilidad. Trabajó en la Catedral, y destaca entre su obra la portada de la Sala capitular, con figuras de Virtudes en las que se extreman dichos rasgos. El artista pasó después a Sevilla y se pierde su huella en 1580.



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El Entierro de Cristo - Jacopo Florentino (Jacopo Torni), el Indaco (Jacopo da Torni, L'Indaco), (Florencia, 1456 - Villena (Alicante), 1526). Grupo escultórico en madera policromada. 195 x 255 cm. Entre 1521 y 1526. Museo de Bellas Artes de Granada. Procedencia: Monasterio de San Jerónimo, Granada.

Los contactos con dicha ciudad, en un intercambio de artistas e influencias, constituyen un rasgo distintivo de los decenios finales del siglo XVI. Así, como ejemplo importantísimo para el desarrollo de ambas escuelas, tenemos que destacar el monumental retablo del monasterio de San Jerónimo realizado hacia 1585. Se ha atribuido a Vázquez el Mozo, pero muy bien pudiera ser obra del granadino Melchor de Turín -o Torines- que se inició en Sevilla en el taller de Vázquez el Viejo, con quien colaboró después en alguna obra importante. Responde su estilo a un templado manierismo, seducido por la composición clara y la noble belleza de tipos y actitudes.

Realizado para el enterramiento del Gran Capitán, en el altar mayor del Monasterio de San Jerónimo, este grupo escultórico representa el Entierro de Cristo. En un primer término, Cristo yacente es colocado sobre un sarcófago por José de Arimatea y Nicodemo. En un segundo plano, la Virgen María llora la muerte de su hijo, acompañada por San Juan, María Magdalena y María, madre de Santiago el Menor. Realizado en madera policromada, dorada y estofada, destaca el suave modelado del cuerpo de Cristo, cuyo rostro aparece tranquilo y sereno. Las restantes figuras muestran un dolor sereno y contenido -característica de lo que será la escuela granadina- que nos recuerda al grupo escultórico del Laoconte.



 13_santo_domingo_de_guzman_penitente_martinez_monta_es_1607_museo_de_bellas_artes_de_sevilla

Martínez Montañés - Santo Domingo de Guzman penitente, del año 1607. La policromía fue realizada por Francisco de Pacheco. La escultura fue encargada para el convento de Porta Coeli, hoy en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español que trabajó entre la escultura del Renacimiento y la del barroco. Se formó en Granada con Pablo de Rojas y completó su educación en Sevilla, donde se estableció para el resto de su vida, convirtiéndose en el máximo exponente de la escuela sevillana de imaginería.



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Pedro de Mena - Magdalena Penitente en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Escultura de María Magdalena meditando sobre la crucifixión. Concebida con un intenso realismo, destaca en ella el bello rostro consumido por un fervoroso sentimiento de místico amor, magníficamente reflejado en la emotiva mirada dirigida al crucifijo que sostiene con una de sus manos, aislando a la santa del entorno y desligándola del mundo terrenal. Destaca el virtuosismo de la talla, con el que consigue magníficos efectos realistas en el tratamiento de las calidades.



Siglo XVII

A ese momento corresponde Rodrigo Moreno, del que sabemos hizo un «Crucificado» para Felipe II y que se dice fue maestro de Pablo de Rojas, figura ésta que marca el paso a una nueva época y el surgir de la gran imaginería andaluza. Centró la actividad escultórica de Granada y fue maestro de Martínez Montañés, quien conserva rasgos de esta formación.



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Pablo de Rojas -Nazareno de las Angustias. Iglesia de las Angustias (Granada, 1586). Había nacido hacia 1549, hijo de un pintor de origen sardo (había castellanizado su apellido de "Raxis" por "Rojas") establecido en Alcalá la Real y casado con una alcalaína; hacia 1579 se traslada a Granada, donde se forma con Rodrigo Moreno y establece taller en la parroquia de Santiago, lugar de residencia de muchos artistas que trabajaban en las numerosas iglesias y conventos que por aquellos años se levantaban en la ciudad. Fue maestro de Martínez Montañés.

A Pablo de Rojas corresponde en 1605 la ampliación del citado retablo, donde trabajan también sus colaboradores. De ellos destaca Martín de Aranda, que recoge su arte, aunque sin su vigor y nobleza, y, sobre todo, Bernabé de Gaviria, con quien evoluciona su estilo con una libertad, brío y dinamismo de aliento barroco. Conocemos por Gómez Moreno algunas fechas de su actividad entre 1603 y 1622 en que murió. De sus obras destaca de lo conservado el colosal «Apostolado» en madera dorada -terminado en 1614- en la Capilla mayor de la Catedral. Las diez figuras que realizó sorprenden por la grandiosidad de sus tipos y la valentía y dinamismo de sus gestos y actitudes, que si en algunos casos suponen una complicación violenta manierista, otras tienen una impetuosidad de movimientos de pleno barroco.



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Nazareno de Monturque (Córdoba), de 1662. Bernardo de Mora (Porreras, 1614-Granada, 1684) se instaló en Granada desde 1650 . Entró en el taller de escultura de los Mena y, más tarde, lo dirigió. Junto con Pedro de Mena fueron discípulos del maestro Alonso Cano, de los cuales recibió una notoria impronta que se puede observar en sus obras: Virgen de las Angustias, San Miguel, San Rafael y San Juan de Dios.

Como contemporáneos de Pablo de Rojas hemos de destacar también a los hermanos Miguel y Jerónimo García que, desligados de la vida de los talleres, trabajaban juntos y que ya en 1600 eran famosos, sobre todo por sus esculturas de barro. Sobresale entre todo lo que se les atribuye un importante grupo de Ecce-Homos, de gran variedad de tipos y todos ellos de cuidada técnica y honda emotividad. Unos son de muy pequeño tamaño, finísimos de modelado y policromía; pero en contraste se nos ofrece el de la Cartuja, mayor que el natural, donde se hermanan formas nobles y musculosas con detalles de observación realista, acordes con una intención devocional popular. La estrecha relación con esta obra obliga a atribuirles el grandioso «Crucificado» de la Sacristía de la Catedral que constituye el antecedente inmediato del «Cristo de la Clemencia» de Montañés.



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José de Mora - Ecce-Homo. Escultura en madera policromada, 58 x 49 x 25,5 cm. Museo de Bellas Artes de Granada. Entre 1675 y 1700. Procedencia: Convento del Ángel Custodio, Granada.

El estilo del gran maestro Alonso Cano se impuso de manera decisiva y tiránica en todas las artes. Así, el joven Mena evolucionó de acuerdo con este influjo, aunque dando una vigorosa nota personal de intenso realismo. Tras de él como último gran discípulo destaca José de Mora y Familia, hijo de Bernardo, que estiliza los tipos y sutiliza la expresión hasta la ensoñación mística. Con su hermano Diego el arte canesco se hace superficial y decorativo; pero de él brota con brío el arte de José Risueño, que vuelve a Cano y estudia directamente el natural, dando una nota de sobrio realismo, pero con sensibilidad abierta también a la gracia y belleza delicada.

El tema del Ecce-Homo como prototipo de las imágenes de la Pasión de Cristo adquiere una gran importancia en la Granada barroca. Siendo un tema muy repetido por José de Mora, el que predomina es el modelo contrarreformista, muy expresivo de la sensibilidad granadina individualista e intimista, que prefiere la imagen aislada en la soledad de una capilla o incluso más cercana, en la intimidad de la casa. José de Mora, durante su periodo de madurez creativa, realiza los tipos iconográficos de los bustos de Ecce-Homo y Dolorosa, realizados en pequeño formato. Es uno de los artistas que más éxito alcanzó, tanto por su número como por la calidad en la ejecución de estas figuras. La talla se encuentra cortada a la altura de los hombros con expresión estática y contemplativa, tristemente resignada. Cristo viste una túnica púrpura y debió de llevar una corona de espinas, a juzgar por los agujeros en la sien y el cráneo. Las manchas y gotas de sangre en la frente y la cara, así como los hematomas de los pómulos, son restos de la flagelación. La cabeza inclinada hacia delante y girada hacia la derecha, las facciones alargadas del rostro y la mirada baja, responden a la tipología que caracteriza a Mora. La boca entreabierta, la cabellera larga y la incorporación de la cuerda como elemento iconográfico de la Pasión hacen que esta imagen sea una de más conseguidas. Procede de Convento del Ángel Custodio de Granada, al igual que el busto de la Dolorosa con el que forma pareja y que también se encuentra en el museo.



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José Risueño - El Cristo del Consuelo o de los Gitanos. Es una escultura de José Risueño. Es un Cristo muerto (1698) de cuatro clavos, con los pies apoyados en un subpedáneo, que se inspira en las versiones de Zurbarán y muestra el mismo deseo de turalismo cercano que el de Mora. El cuerpo, al que el paño de tela encolada pone un contrapunto de agitación barroca, cae a plomo, recto, sin  torsión, con toda la pesadumbre de la muerte reciente, que todavía no ha borrado la tensión de las cejas ni bajado la hinchazón del pecho. El modelado de las piernas, paralelas y frontales, acentúa el naturalismo en los músculos fláccidos, en la fragilidad escalofriante de las rodillas o en la minuciosa talla de los pies. «La carnosidad que consigue hacer brotar de la madera... se aumenta por la aplicación adecuada de una policromía, limpia de sangre, entonada en gamas dominantes verdosas y ocres» (García de la Concha).

Si el barroquismo sobrevive potente en Granada en las letras y en todas las artes, no nos extrañará que del taller de Diego de Mora arranquen otros escultores que mantengan los rasgos de la escuela. Así ocurre con [color=#000cff][i]Soledad de Torcuato Ruiz del Peral, nacido en 1708 en un pueblecito de cerca de Guadix, que formado con el citado maestro, le encontramos en 1737 al frente de un taller propio.



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Soledad de Torcuato Ruiz del Peral. Estuvo muy influido por los hermanos De Mora. José de Mora, fue el más conocido, aunque el que más influyó en la formación de Ruiz Peral, fue Diego, del que se le considera su mejor discípulo. Se trata de uno de los escultores más importantes de la imaginería barroca española, especialmente la andaluza; junto a José de Mora y familia, y especialmente Alonso Cano, ocupa un lugar preeminente en la escuela barroca granadina (ss. XVII y XVIII).

Independiente de los ecos del barroco italiano y del rococó francés, mantiene los tipos granadinos, sobre todo de José de Mora, pero buscando nuevos efectos compositivos y expresivos en los que se une la suavidad de rostros con el vigoroso movimiento de grandes pliegues con violentos efectos de policromía. Se explica que tallara la imagen más procesional de toda la escuela, cual es la «Virgen de las Angustias» de S. María de la Alhambra. Entre su variada producción destacaba el conjunto de pequeñas figuras de la sillería de coro de la catedral de Guadix -destruido en 1936-, donde realizó otras obras importantes. Junto a lo citado, su mejor creación en Granada es el «S. José con el Niño de la mano» en su iglesia parroquial. Su taller fue de gran actividad hasta su muerte en 1773.

Procedente del mismo taller hay que citar a Agustín de Vera Moreno, menos personal en su arte, pero con algunos aciertos, sobre todo en imágenes de San José -en las Carmelitas Calzadas-. Destacó sobre todo en la escultura en piedra, como vemos en las imágenes hechas para la iglesia del Sagrario y el trascoro de la Catedral, y falleció en 1760.

Los demás escultores que trabajan en Granada en los años de Peral y Vera dan una nota análoga, pero con escasa personalidad. Así Juan José Salazar, Ramiro Ponce de León, Pedro Tomás Valero y Martín José Santisteban. De sentido distinto es la obra del pintor y escultor Diego Sánchez Sarabia, de culta formación y académico de número de la Real de S. Fernando.



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Pedro Duque Cornejo y Roldán - Sillería del coro de la catedral-mezquita de Córdoba. Obra maestra de Pedro Duque Cornejo y Roldan. Además de la escultura religiosa, cultivaría la retablística, el dibujo y el grabado. Miembro de una de las más célebres sagas de artistas españoles. Su padre fue el escultor José Felipe Duque Cornejo, su madre la pintora Francisca Roldán y Villavicencio, su tía Luisa Roldan y Villavicencio "La Roldana" y su abuelo materno el patriarca del clan: Pedro Roldán y Onieva, cuyas maneras y las del italiano Gian Lorenzo Bernini serían sus fuentes de inspiración.

Entre 1714 y 1718 trabajó en Granada y dejó buenas obras el cordobés Pedro Duque Cornejo y Roldán, pero su vigoroso arte, con aparatosidad barroca de ascendencia italiana, dejó escasa huella en la obra de todos esos escultores nombrados. Tampoco pesó en la evolución de la escuela la venida en 1780 del escultor francés Miguel Verdiguier, que trabajó en la Catedral en los relieves de su fachada y en la capilla de S. Cecilio, con arte que marca el paso del rococó al neoclasicismo. Menos aún pesó el arte del escultor neoclásico Juan de Adan, que trabajó en la Catedral, y tras de él el catalán Jaime de Folch, aunque se pueda recordar al granadino discípulo del primero Pedro Antonio Hermoso, muerto en 1830.


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Retablo de la Capilla de la Antigua en la Catedral de Sevilla. Obra de Pedro Duque Cornejo y Roldan. En Sevilla, en la catedral hizo las esculturas del retablo de la Virgen de la Antigua. En 1706 se le encargan las estatuas, angelotes y medallones en mármol del desaparecido retablo del crucero de la Iglesia del Sagrario, y en 1711 hace el retablo de la iglesia de San Lorenzo.



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Pedro Antonio Hermoso - Tres escenas taurinas ('El picador herido a caballo', 'Picador herido acompañado por los toreros' y 'Pepe Hillo señalando al toro muerto entre Costillares y otros dos toreros'). Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Pedro Antonio Hermoso (Granada, 1763-Madrid, 1830) Escultor español. Fue escultor de cámara de Carlos IV y Fernando VII. De formación académica y orientación neoclásica, es autor de retablos y estatuas de San Juan de Dios (Madrid) y Moisés (Museo del Prado).

La escuela granadina continuó su evolución con modestos artistas seguidores de Peral, entre los que destaca Felipe González, cuyas obras enlazan con la de su hijo Manuel, que vive hasta mediados del siglo XIX y que nos ofrece imágenes como el «Niño Nazareno» del convento de los Ángeles y la «Soledad» de la iglesia de Sto. Domingo, que creeríamos ser obras de mediados del siglo anterior. Se produce como una vuelta a Cano y sus discípulos, rasgo que perdura en la imaginería hasta en los escultores barristas en la segunda mitad del S. XIX, Francisco Morales y Fernando Marín, con familiares y discípulos que siguen el arte de ambos y que mantienen los rasgos de la escuela hasta finalizar el siglo. Entre estos últimos destacan Pablo de Loyzaga y su discípulo José Navas-Parejo, José como últimos exponentes de esta escuela.




Capilla Real. Catedral de Granada


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Bartolomé Ordoñez, autor del Mausoleo de Juana la Loca y Felipe el Hermoso en Capilla Real de Granada (a la derecha) y a la izquierda el de los Reyes Católicos, realizado por Domenico Fancelli.

Las imágenes góticas traídas a Granada en la época de los Reyes Católicos, aunque centraran la devoción, no pudieron actuar en el desarrollo de una escultura local. Fue la actividad aludida de los años del Emperador la que, teniendo como núcleo inicial las obras reunidas o realizadas en la Capilla Real, actuó en el desarrollo de la vida artística de Granada.


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La tumba de los Reyes Católicos, obra de Fancelli; la de Don Felipe y Doña Juana, debida a Bartolomé Ordóñez; el gran retablo -renovador de traza y de concepción escultórica- hecho por Felipe Vigarny y los trabajos como la «Encarnación» y el «Entierro de Cristo» -hoy en el Museo- debidos a Jacopo Florentino, constituían realizaciones maestras de nueva y variada orientación. A ello hay que unir la inmensa obra que realiza Diego de Siloé, especialmente en el monasterio de San Jerónimo y en la Catedral; y como foco, más aislado, la labor de decoración del Palacio de Carlos V, en la que interviene Nicolao de Carte, el flamenco Antonio de Leval y el discípulo del primero, Juan de Orea, en el que se une un vigoroso realismo con un sentido de la composición y del movimiento de estilo italiano.


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Isabel la Católica. Capilla Real. Catedral de Granada. Obra de Felipe Vigarny


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Fernando el Católico. Capilla Real. Catedral de Granada. Obra de Felipe Vigarny

El maestro Enrique Egas fue el encargado de hacer el proyecto de la catedral de Granada y al mismo tiempo de la Capilla Real. La construcción de esta capilla se realizó entre 1506 y 1517, llevándose a buen ritmo ya que estaría dedicada a panteón real según deseos de Carlos V. La capilla presenta una arquitectura sencilla que enlaza con el tipo de iglesia de una sola nave con ábside poligonal y coro elevado sobre los pies del templo. En un primer momento, don Fernando exigió un austero diseño que sería contrarrestado con la rica decoración que había pensado su nieto.


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Retablo-Relicario de la Capilla Real. Catedral de Granada. Obra de Alonso de Mena.


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Entrada a la Capilla Real. Catedral de Granada.


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Los restos mortales de doña Isabel y don Fernando se trasladaron aquí en 1521, labrando el escultor Domenico Fancelli un exquisito cenotafio en mármol de Carrara, en el que aparecen los monarcas yacentes sobre un lecho, como si de un túmulo exento se tratara, con decoradas paredes en talud. Dependiente de los modelos post-donatellianos ensayados previamente en el sepulcro del Infante don Juan (convento de Santo Tomás, Avila), el monumento funerario de los Reyes Católicos supone una adaptación en suelo español del tipo de sepulcro codificado por Pollaiuolo en la tumba del pontífice Sixto IV. La serenidad clasicista de los dos yacentes y la reducción de los elementos heráldicos enfatizan el papel de las escenas religiosas y alegóricas flanqueadas por los cuatro grandes grifos de las esquinas.


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En 1520 se finalizaba la gran reja con el escudo y los emblemas monárquicos, obra del maestro Bartolomé. El altar mayor se debe a Felipe Vigarny, quien lo realizó entre 1520 y 1522, uno de los primeros retablos platerescos, tallado en madera y policromado, con influencias italianizantes en lo que a la arquitectura se refiere.


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Mausoleo de Juana la Loca y Felipe el Hermoso en Capilla Real de Granada (detalle)

La Capilla se completa con un segundo cenotafio, el de los reyes Juana la Loca y Felipe el Hermoso, encargado por su hijo Carlos V a Bartolomé Ordóñez en 1519, colocándose en el lugar actual en 1603.


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Retablo mayor de la Capilla Real. Catedral de Granada


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Alonso de Mena - Panel con Carlos V y su esposa en la capilla real de Granada, 1632. Alonso de Mena y Escalante (Granada, 1587 - † Granada, 1646). Fue un escultor barroco español. Continuador del estilo de Pablo de Rojas (1580-1607). Sus imágenes más célebres son las Inmaculadas y los retablos-relicarios de la catedral de Jaén y los de la Capilla Real de Granada, donde realizó los retratos reales del banco así como las imágenes de los santos de las puertas del cuerpo principal. Su hijo Pedro de Mena, fue discípulo suyo y continuador del taller de su padre, que alcanzó tanto o más renombre que su progenitor.

Con ecos de estos artistas, pero con directo y fuerte entronque con el arte de Pablo de Rojas, se ofrece el escultor Alonso de Mena, que marca con su estilo un proceso de observación naturalista, si bien de un realismo estático de lo externo con gestos impasibles. Vivió hasta 1646 y en su taller, centro de la actividad artística granadina, se formaron su hijo Pedro, Bernardo de Mora y Pedro Roldán. Los primeros encargados del taller a la muerte de Alonso, y asimismo otros múltiples discípulos mediocres, cambiaron su estilo con la vuelta de Alonso Cano a Granada en 1652.


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Capilla Real. Catedral de Granada



Nuestra Señora del Carmen de Málaga. Obra de José Navas-Parejo, escultor, orfebre e imaginero, nació en el pueblo malagueño de Álora el 22 de Octubre de 1883. A los siete años marcho con su familia a Granada y se formó profesionalmente en la Escuela de Bellas Artes Industriales de dicha Ciudad.



La escuela granadina de escultura en los siglos de oro, enlace: http://www.terra.es/personal5/aurel...manos%20García



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a la Escuela Granadina de Escultura. La verdad la mayoría de los miembros que la integran tienen una obra excepcional, casi todos representados en este foro en trabajos individuales.


Fuentes y agradecimientos a: es.wikipedi.es, fuenterrebollo.com, lahornacina.com, islapasionforos.mforos.com, artehistoria.jcyl.es, juntadeandalucia.es, humildad.org, forosderealeza.com, diocesisdeguadixbaza.org, tubiografia.com.ar, domuspucelae.blogspot.com, granadamagazine.es, museosdeandalucia.es, monturque.info, elrincondedario.blogspot.com.es, diocesisgranada.wordpress.com, platea.pntic.mec.es, artehistoria.com, viacrucisgranada.com, tertuliataurinamacarena.blogspot.com.es y otras de Internet.
 




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