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MUSEO DE ORSAY
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Mensaje MUSEO DE ORSAY 
 
Este trabajo esta dedicado al Museo de Orsay de París, es uno de los museos más prestigiosos del mundo y una cita obligada para todo aquél que es aficionado al arte o quiere dar sus primeros pasos en este universo tan interesante y atractivo que es la pintura y la escultura.


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Esta ubicado en la antigua estación de ferrocarril de Orsay, junto al Sena, en la orilla izquierda y muchos entendidos dicen que es el más bello de toda Europa.

En este museo podemos encontrarnos maravillosas obras de grandes pintores como: Van Gogh, Manet, Delacroix, Monet, Pissarro, Gauguin, Cézanne, Courbert, Seurat, Corot, Degas, Ingres, Sisley, Toulouse-Lautrec y Zuloaga entre otros... y de los escultores: Rodin, Jean-Baptiste Carpeaux, Cavelier, Paul Cabet, Pompon y Schoenewerk, por mencionar algunos artistas.

Sin duda, el Orsay es una de las joyas culturales que no podemos dejar de visitar cuando estemos en la ciudad de la luz, después del Louvre es el más importante de Francia.

Espero que la recopilación realizada, sea del gusto de los visitantes de esta sección de arte del foro de xerbar.




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Dirección Musée d'Orsay:

62, rue de Lille-Varenne 75343 Paris Cedex 07 Francia
(+33) 01 40 49 48 14

Página oficial del Museo de Orsay:

http://www.musee-orsay.fr/es/recepcion.html




MUSEO DE ORSAY


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El Museo de Orsay o Musée d´Orsay es un museo que se encuentra en París, Francia, dedicado a las artes plásticas. Inaugurado en el 1 de diciembre de 1986, por el Presidente de la República, François Mitterrand. Tras la remodelación, llevada a cabo por la arquitecta Gae Aulenti, de la estación de ferrocarril de Orsay. Ya en 1973 la Dirección de Museos de Francia concibió el proyecto de establecer un museo en dicha estación, que amenazaba ruina y en la que se hablaba de construir un hotel. La decisión se vio impulsada por el resurgimiento de un interés por el siglo XIX, siendo inscrita la estación en el inventario suplementario de Monumentos Históricos el 8 de marzo de 1973. Sin embargo, la decisión oficial de construir el museo no llegó hasta el consejo de ministros del 20 de octubre de 1977, al parecer presentada por iniciativa del mismo presidente, Valéry Giscard d'Estaing.


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El Museo d'Orsay es considerado por muchos como el de los más bellos de toda Europa. Está situado junto al río Sena, en el lugar que ocupaba hacia 1870 el Tribunal de Cuentas, destruido durante la Comuna. En 1898, fue reconvertido en estación de trenes por la Compañía Ferroviaria París-Orleáns, encargándole al arquitecto Víctor Laloux los trabajos de construcción, que apenas duraron dos años, pues se buscaba que estuviera construida antes de la Exposición Universal del 1900.

Se trataba de una enorme nave central, de 135 m. por 40, cuya estructura metálica había sido hábilmente recubierta al externo con estucos color claro. La nave dio cabida a 16 andenes, restaurantes y un elegante hotel con 400 habitaciones. Sin embargo, en 1939 la denominada Gare d'Orsay fue abandonada, declinando lentamente. Casi para demolición, en 1973 fue declarado Monumento Nacional por el Presidente Pompidou, ocupándose activamente en la construcción de un museo dentro de él. Éste acogió el medio siglo de arte que va desde el Segundo Imperio de Napoleón III hasta los albores del Cubismo.


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El nuevo edificio conserva gran parte de la arquitectura original. Las salas están divididas en: escultura, pintores particulares como Daumier, Ingres o también se divide por estilos como puede ser el Impresionismo, que ocupa una sala con obras de muy diferentes autores como Monet, Manet o Degas. La escultura representada en el museo abarca los periodos de 1850 a 1870 con obras como "El Genio de la Patria", obra romántica en donde se deforman los objetos para expresar una idea o un sentimiento.


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El desayuno sobre la hierba de Édouard Manet

También es interesante destacar la obra de Carpeaux como, por ejemplo, su Ugolino, que ya no responde a temas bíblicos o mitológicos, como hacían los pintores en su misma época, sino que se interesaba directamente por la naturaleza. La sala de Ingres plantea una obra que se encuentra a caballo entre dos épocas: el Clasicismo y el Romanticismo; la Fuente, del año 1820-1856, puede servir como ejemplo.


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Jean-François Millet, Las espigadoras, 1857

También se encuentra en el museo bien representada la pintura de historia de los años 1850-1880, en la que el pintor Alexandre Cabanel ofrece una de sus mejores obras, La Muerte de Francesca de Rímini y Paolo Malatesta, del año 1870. Otro autor muy conocido fue Daumier, quien se interesó tanto por la pintura como por la escultura, el dibujo y la litografía.


courbett Courbet. Museo de Orsay

Otro autor que ocupa un amplio espacio es el pintor Gustave Courbet, que destaca por sus dotes como retratista, paisajista, pintor de naturalezas muertas y por su sensibilidad a la hora de pintar el cuerpo femenino.

Otra sala la ocupan los pintores impresionistas y Manet; en este museo se encuentra una de sus mejores obras, Olimpia. Finalmente, hay artes aplicadas e industriales.


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Jean Auguste Dominique Ingres, The Source, 1856

En Orsay se alberga pinturas: impresionista, postimpresionista, y alguna clásica y escultura, artes decorativas, fotografía, cine y arquitectura, obras todas ellas pertenecientes al fondo del Museo del Louvre.

Existen, además de salas de pintura y escultura, otras dedicadas a la arquitectura, las artes decorativas (Art Nouveau y el movimiento Arts & Crafts), o la fotografía (Nadar, Gustave Le Gray, Regnault, Shaw...)


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Vincent van Gogh, La iglesia de Auvers-sur-Oise, 1890


Algunas obras destacadas:

- Retrato de Madame Charpentier, de Pierre-Auguste Renoir.
- Los tejados rojos, de Camille Pissarro.
- El circo, de Georges Pierre Seurat.
- Ta Matete, de Paul Gauguin.
- Bodegón con cebollas, de Paul Cézanne.
- Entierro en Ornans, de Gustave Courbet.
- Noche estrellada sobre el Ródano de Van Gogh.
- La habitación de Van Gogh en Arles de Van Gogh.
- La escultura The dance de Jean-Baptiste Carpeaux.
- La escultura de Conte ugolino, Category; Inferno Canto 33 de Auguste Rodin.



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IMÁGENES DE LAS OBRAS MÁS DESTACADAS:



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Van Gogh. Noche estrellada sobre el Ródano. 1888. Óleo sobre lienzo. 72.5 x 92 cm. Museo de Orsay. París. Francia. Los impresionistas destacan por su especial interés hacia la luz. Si Monet se preocupa por captar las diferentes luces en las distintas horas del día, Van Gogh se sentirá atraído por las luces nocturnas, ya sean las estrellas como en este caso, o las luces de gas del Café nocturno. Bien es cierto que las luces artificiales también las observamos aquí, reflejadas en las aguas del Ródano. En primer plano aparecen un par de figuras, contemplándose tras ellas el espectáculo del río semi-iluminado y las siluetas de algunos edificios de Arlés al fondo. Pero lo que llena de sentimiento a la escena son las estrellas, rodeadas de un halo amarillento, como si Vincent plasmara en ellas todos sus deseos. Los tonos empleados son oscuros, consiguiendo crear un efecto especial con los amarillos y verdes, dominando a los azules oscuros. La pincelada que Van Gogh muestra es muy particular, con pequeños toques de color, formando facetas que organizan rítmicamente la composición. La pincelada depurada y relamida del academicismo ha sucumbido ante el genio explosivo de los artistas impresionistas y neo-impresionistas.


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Van Gogh. La habitación de Van Gogh en Arles. 1888-1889. Óleo sobre lienzo. 57 x 74 cm. Museo de Orsay. París. Francia.  Vincent realizó diferentes versiones de este célebre cuadro, que representa su habitación en la Casa Amarilla en Arles.
Según el propio artista mirando el cuadro "uno debería dejar descansar el cerebro o, mejor dicho, la imaginación". Al contrario que la mayoría de sus cuadros, como el "Café por la noche", Vincent escogió tonos tenues y el acorde principal de ocre y azul tiene sin duda un efecto tranquilizador sobre el observador. El espacio, abierto a nuestra mirada, parece acogernos, invitando al silencio y al recogimiento. Todos los objetos - las sillas, la mesita, los cuadros de las paredes - se dirigen hacia el interior, mientras la ventana cerrada del fondo y las dos puertas de los lados eliminan cualquier riesgo de claustrofobia perceptiva. Incluso el color está aplicado de forma lisa, sin recurrir a las pinceladas espesas y pastosas ni a los toques breves y enérgicos tan característicos de su arte. Vincent, en suma, ha representado una isla feliz, el ideal doméstico, ordenado armonioso que respondía quizá a sus deseos pero no desde luego a sus inclinaciones. Los pocos objetos personales - los cuadros, la servilleta colgada, la colcha roja, la jarra de agua sobre la mesa - contribuyen a dar a la estancia el aspecto de un lugar que muestra el carácter de su habitante, una morada llena de paz que el pintor raras veces halló en vida.


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Renoir. El retrato de Madame Charpentier, es uno de los cuadros más conocidos del pintor francés Pierre-Auguste Renoir. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 46,5 cm de alto y 38 cm de ancho. Fue pintado entre 1876 y 1877. Estuvo en el Museo del Jeu de Paume y, actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, de París, Francia.
Este retrato está realizado aún con técnica impresionista. Es un lienzo preparatorio o esbozo de otro mayor, Madame Charpentier y sus hijos (Museo Metropolitano de Nueva York). En este caso, la retratada es una mancha blanca contra un fondo oscuro, en el que parece vislumbrarse un cortinaje floreado. Ella se vuelve hacia su izquierda, como si atendiera a la conversación de alguien situado a ese lado. La protagonista era la esposa de Georges Charpentier, famoso editor de música, en cuyos salones se celebraban reuniones de políticos, intelectuales y artistas.


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Pissarro. Los tejados rojos, es uno de los cuadros más conocidos del pintor francés Camille Pissarro. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 53 cm de alto y 64 cm de ancho. Fue pintado en 1877. Estuvo en el Museo del Jeu de Paume y, actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, de París, Francia.
Los tejados rojos (un pueblo en invierno) es un paisaje. Su centro de atención son los tejados rojos de un pueblo, en invierno, en los alrededores de Pontoise. Sobre ellos puede verse una colina y, por encima, una franja de cielo azul. En el primer plano se observan árboles frutales.
Fue realizado en un momento de la carrera de Pissarro en el que buscaba una atmósfera diáfana. También se nota influencia de Cézanne en la construcción del paisaje. Es un ejemplo de los motivos favoritos de Pissarro: rurales, sencillos y naturales.
Valora el espacio atmosférico a través de la retícula que forman las ramas de los árboles. Los colores se contraponen con cierta violencia, especialmente los complementarios. Pissarro utiliza pequeñas pinceladas rápidas que unifican todo el cuadro.


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Seurat. El circo, es un cuadro del pintor francés Georges Pierre Seurat. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 180 cm de alto y 148 cm de ancho. Fue pintado en 1891. Se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia.
Seurat representa el circo, con su atmósfera festiva.
Este cuadro trata el tema del circo, frecuentado en esos mismos años 1880 por otros autores como Renoir, Degas y Toulouse-Lautrec. Seurat lo trata con la técnica puntillista, en un cuadro en el que predomina el color amarillo. Seurat redujo su paleta a cuatro colores principales, con sus tonos intermedios, en estado puro; predominan el amarillo y el violeta, complementarios. Usaba esos colores en estado puro, mediante pequeños toques yuxtapuestos que se fundían en la retina del espectador.
Es la última obra de Seurat, empezado un año antes de morir de difteria. Realizó numerosos bocetos para esta obra y la dejó incompleta. Fue adquirido por Paul Signac que luego la revendió al coleccionista estadounidense John Quinn, con la promesa de dejarlo al Museo del Louvre.
Deseaba describir los contrastes de color en la pista del Circo Fernando, así como la diferencia entre la línea curva del escenario y las gradas rectas. En estas gradas retrata a las distintas clases sociales: los pobres arriba, los ricos abajo. En el centro de la pista hay un payaso que lanza el movimiento del carrusel. El caballo imprime dinamismo y movimiento a la obra.
La obra fue expuesta, aunque no estuviera terminada, en el séptimo Salón de los independientes, y durante el tiempo de la exposición murió Seurat.


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Gauguin. Ta Matete (en español El mercado) es un cuadro del pintor francés Paul Gauguin. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 73 cm de alto y 92 cm de ancho. Fue pintado en 1892. Se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia. Esta obra se pintó durante la primera estancia de Gauguin en la Polinesia (1891-1893).


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Cézanne. Bodegón con cebollas, es un cuadro del pintor francés Paul Cézanne, conocido en francés como Nature morte avec oignons. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 66 cm de alto y 81 cm de ancho. Fue pintado entre 1895 y 1900. Estuvo en el Museo del Jeu de Paume y actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia. El género del bodegón es uno de los favoritos de Cézanne, junto al paisaje y al retrato. Dentro de él, son sus temas predilectos las manzanas y los fruteros. Este en concreto lo pintó en plena etapa de madurez (década de 1890).


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Courbet. Entierro en Ornans, es uno de los cuadros más conocidos del pintor francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre tela. Mide 315 cm de alto y 668 cm de ancho. Fue pintado en 1849, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, de París, Francia.
Fue presentada en el Salón de 1850, provocando un escándalo, ya que había dado el tratamiento, en formato y estilo, de una pintura de historia a lo que no era sino un episodio banal, un entierro de pueblo, es decir, una escena de género.
En esta su obra maestra, Courbet transmite con el máximo realismo posible un funeral - posiblemente el de su propio abuelo materno, republicano convencido, constatándose la presencia de dos amigos jacobinos, aunque él mismo aparece en el extremo izquierdo como testigo- al que asiste toda la comunidad, desde los representantes del ayuntamiento hasta las plañideras oficiales, pasando por los hidalgos y la familia del pintor. Incluso un perro perdiguero no quiere perderse el evento y se presenta en primer plano. Por comentarios del propio pintor sabemos que toda la población de Ornans, pequeña población cercana a Besançon y pueblo natal del pintor1 , quiso posar para el cuadro, resultando un conjunto de 46 personas a tamaño natural representados con enormes dosis de veracidad1 . Se puede decir que esta obra es un panfleto del nuevo estilo artístico defendido por Courbet considerado como un arte científico, naturalista, anticlásico, antirromántico, antiacadémico, progresista y social, cuya única fuente debía ser la observación directa del natural. Las figuras forman un grupo compacto y se recortan sobre las planas montañas de la localidad, representadas en diversas actitudes y posturas, siendo una de las mejores galerías de retratos de la historia del arte. La expresión de los rostros que no provocan ningún sentimiento de dolor entre los asistentes. La muerte no ha producido en estos hombres el dolor, la angustia, sino que la viven como un hecho cotidiano.
Toma como modelos a sus padres, hermanos y amigos, y a varios habitantes de aquella localidad, y los reúne en un retrato colectivo, justamente en el momento en que se va a realizar la colocación del féretro en el hoyo que aparece en el centro de la parte inferior del cuadro, invadiendo el espacio del espectador.



ALGUNAS ESCULTURAS:



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Vista interior del museo de Orsay. Estatua de Jean-Baptiste Paul Cabet; Suzanne surprise au bain aka La Sortie du bain, mármol 1861


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Auguste Rodin; bust of Alphonse Legros


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Auguste Rodin; conte ugolino, Category;Inferno Canto 33


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Alexandre Schoenewerk (1820-1885) La jeune Tarantine, 1871


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Albert-Ernest Carrier-Belleuse (1824-1887) Hébé endormie 1869


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Charles Degeorge; Le Jeunesse d'Aristote


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Detalle de la entrada. Gates of Hell Musée d'Orsay Picture taken by deror avi...


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Femme piquée par un serpent, 1847


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François Pompon; L'ours blanc (The ice Bear)


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Jean-Baptiste Carpeaux. The dance


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Jean-Baptiste Claude Eugène Guillaume; Anakreon 1849-51


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Jean-Baptiste Paul Cabet; Suzanne surprise au bain aka La Sortie du bain, marble 1861


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Jules Cavelier Cornélie mère des Gracques, 1861


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Jean-Joseph Perraud. Despair


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Pierre Louis Rouillard (1820-1881) Cheval à la herse, 1878



ALGUNAS PINTURAS:



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Musée d'Orsay à Paris, les tableaux de Claude Monet


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Cézanne. Autorretrato de 1873-1876


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Cézanne. Crossroad of the rue Rémy, Auvers


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Cézanne. El puente de Maincy


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Cézanne. Naturaleza muerta con cesto


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Cézanne. Still Life with Soup Tureen


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Cézanne. Tres bañistas


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Cormon. F Cain


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Corot. El molino de Saint-Nicolas-les-Arraz


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Corot. Estudio del Artista


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Corot. Trouville; Barcos de pesca encallados en el canal


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Corot. Una mañana; El baile de las Ninfas


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Courbet. El arroyo sombreado


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Courbet. Los acantilados de Etretat después de la tormenta


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Couture. Les Romains de la décadence


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Courbet. Hombre moribundo


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Courbet. El Estudio del Pintor; Una Alegoría Real


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Courbet. Bañista en la fuente


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Courbet. Le sommeil (The Sleep)


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Courbet. L'Origine du Monde (El origen del mundo)


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Degas. Bailarina con ramo de flores en escenario


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Degas. La clase de danza


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Degas. Las planchadoras


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Degas. Mujer secándose el cuello


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Degas. Retrato de Familia


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Degas. Semiramis construyendo Babilonia


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Delacroix. Caballos Arabes luchando en un establo


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Delacroix. Caza del león


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Delacroix. Caza del tigre


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Delacroix. Vadeando un arroyo en Marruecos


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Dinet. Une Ouled Naïl


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El Aduanero. La Encantadora de serpiente


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El aduanero. War


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Gauguin. Breton Landscape


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Gauguin. Dos mujeres bretonas en un camino


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Gauguin. Still Life with Fan


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Gauguin. Washerwomen at Pont-Aven


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Gauguin. Y el oro de sus cuerpos


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Gauguin. Yellow Hay Ricks


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Ingres. La Virgen de la Hostia


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Ingres. Júpiter y Antíope


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Ingres. La fuente. 1856


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Ingres. Venus en Paphos


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Klimt. Rose Bushes Under the Trees


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Lenepveu. Los Mártires en las Catacumbas


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Manet. Comida en la hierba. 1863


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Manet. Mujer rubia con los pechos desnudos


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Manet. Olimpia


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Manet. Luz de luna sobre el Puerto de Boulogne


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Manet. Lectura. 1868


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Manet. El balcón. 1868-69


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Manet. Retrato de M. y Mme. Auguste Manet


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Monet. El estanque de los nenúfares, armonía rosa. 1900


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Monet. El Puente de Argenteuil


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Monet. Las amapolas


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Monet. Los pavos. 1877


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Monet. The Artist's Garden at Giverny


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Monet. Mujeres en el jardín. 1866-67


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Monet. Madame Louis Joachim Gaudibert


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Moreau-Nélaton. L'enfant au livre


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Moreau-Nélaton. La place de Fere-en-Tardenois


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Pils. La muerte de una hermana de la Caridad


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Pissarro. El camino de Louveciennes


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Pissarro. Entrada a la aldea de Voisins. 1872


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Pissarro. Escarcha. 1873


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Pissarro. La siega de Montfoucault. 1876


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Pissarro. Mujer en el campo; Salida del Sol de Primavera en el Prado de Eragny. 1887


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Pissarro. The Boïeldieu Bridge at Rouen; Setting Sun, Foggy Weather


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Renoir. Muchachas al Piano


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Renoir. El columpio


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Renoir. Railway Bridge at Chatou


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Renoir. Desnudo al sol


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Renoir. Gabrielle con la rosa


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Renoir. Sleeping Odalisque


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Renoir. Desnudo femenino visto de espalda


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Renoir. Las bañistas


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Rusiñol. La Glorieta (Aranjuez) 1909


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Sargent. Edouard Pailleron


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Sargent. La Carmencita


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Seurat. Modelo de frente


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Seurat. Boys Bathing


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Seurat. Port-en-Bessin, Outer Harbor, High Tide


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Sisley. La barca durante la inundación, Port Marly


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Sisley. La fragua de Marly-le-Roi


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Sisley. La Regata de Molesey (cerca de Hampton Court)


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Sisley. Niebla, Voisins


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Sisley. Nieve en Louveciennes


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Sisley. Puente de Argenteuil


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Sisley. The Ile Saint-Denis


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Toulouse-Lautrec. Jane Avril bailando


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Toulouse-Lautrec. Justine Dieuhl sentada en el jardín de Forest


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Toulouse-Lautrec. Mujer con guantes, sentada


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Toulouse-Lautrec. Mujer subiéndose las medias


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Toullouse-lautrec. Retrato de Paul Leclercq


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Wentzel. Sailor's Funeral in the Country


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Watts. Love and Life


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Zuloaga. The Anchorite


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Zuloaga. Mi tío y mis primas


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Zuloaga. La enana Doña Mercédes


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Van Gogh. Autorretrato de 1889


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Van Gogh. Corona imperial en un jarrón de cobre


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Van Gogh. Naturaleza muerta con jarrón japónes, rosas y anémonas. 1890


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Van Gogh. Delante del manicomio de Saint-Remy


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Van Gogh. La Italiana


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Van Gogh. Campesina sentada al fogón


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Van Gogh. Tha Guingette at Montmartre


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Van Gogh. El restaurante de la Sirène en Asnières. 1887. Óleo sobre lienzo. 54 x 65 cm. Museo de Orsay. París. Francia. Tras frecuentar la tienda del père Tanguy, comerciante de pinturas que simpatizaba con muchos artistas jóvenes, Van Gogh estableció amistad con los pintores Émile Bernard y Paul Signac, convertidos respectivamente en dos de los mayores exponentes del Simbolismo y del Neoimpresionismo.
En su compañía había ido varias veces a trabajar al aire libre a Asnières, suburbio de París a orillas del Sena, que había inspirado ya en los años anteriores a algunos impresionistas como Monet y Pissarro. En este cuadro Vincent escoge un lugar de encuentro, captado en un momento de tranquilidad; parece vivir la atmósfera de las primeras horas de una tarde dominical, que tantas veces habrían representado Renoir y sus compañeros.
En el cuadro domina un acorde de colores luminosos - amarillo, azul, rosa - con las notas rojas del muro, la puerta y algunos detalles, que contribuyen a dar vivacidad al cuadro. El uso del negro se reduce al mínimo y el artista recurre a las sombras coloreadas, es decir, a lo que había sido una de las mayores innovaciones del Impresionismo.
La representación del restaurante que da título al cuadro se convierte en un pretexto para mostrar, desde un ángulo visual insólito, el escorzo de una calle suburbana y para experimentar con las nuevas técnicas pictóricas que el artista estaba descubriendo en París, auténtica capital mundial del arte entre el siglo XIX y el XX.


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Van Gogh. Campamento de gitanos con carros. Óleo sobre lienzo. 45 x 51 cm. Museo de Orsay. París. Francia. En 1888 Vincent, harto de París, y gracias al respaldo económico que le brinda su hermano Theo, se traslada a Arlés, para fundar una comunidad de pintores. Allí se encontró con una primavera plácida y apacible, que le hizo pintar al aire libre todo lo que veía, como es el caso de este "Campamento de gitanos", en el que emplea unos colores intensos, brillantes, donde destacan los rojos, azules y amarillos.



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Museo de Orsay. París. Francia.



PUES ESTO ES TODO AMIGOS, ESPERO QUE OS HAYA GUSTADO LA RETROSPECTIVA DEDICADA AL MUSEO ORSAY DE PARÍS, YO AL MENOS HE DISFRUTADO UN MONTÓN, HACIENDO ESTE TRABAJO, ESPERO ALGÚN DÍA PODER VISITARLO.


Fuentes: Gallery of Art, Artehistoria, C. Pintura, Wikipedia y otras de Internet
 




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"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
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última edición por j.luis el Martes, 24 Septiembre 2013, 12:30; editado 12 veces 
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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
Gracias J.Luis por esta magnífica exposición del Museo Orsay donde hay variedad y calidad.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
Gracias xerbar, me alegro que te guste, es una asignatura pediente, el museo de Orsay, lo he visto sólo por fuera...




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El Museo d'Orsay recupera el realismo agresivo del suizo Ferdinand Hodler


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Autorretrato parisino (1891), de Ferdinand Hodler
 

Ferdinand Hodler (1853-1918) es un pintor suizo cuya fama apenas ha cruzado la muralla de los Alpes. Si en los museos de su país -en Ginebra, Berna, Zúrich, Basilea, Winterthur, etcétera- o en las casas de sus compatriotas se encuentran telas de Hodler, pocos son los museos extranjeros -en París, el Museo d'Orsay tiene tres obras suyas, en Alemania está representado en la Staatsgalerie de Stuttgart- que las poseen.


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La nuit (1889-1890), de Ferdinand Hodler


Por eso una retrospectiva dedicada a Hodler es un acontecimiento y hay que aprovechar la oportunidad que nos ofrece el Museo d'Orsay de descubrir reunidas más de 80 de sus pinturas hasta el 3 de febrero próximo.

Para Hodler, París fue la ciudad de su consagración. Su gran composición simbólica, La nuit (1891), en la que el pintor aparece desnudo, tendido, siendo poseído por una figura enlutada que es difícil no identificar con la muerte, y entre otras parejas, también desnudas, y compuestas por personajes perfectamente reconocibles en la época, entre ellos la esposa y la amante de Hodler, provocó un escándalo en Ginebra, pero fue acogida con grandes elogios en la capital francesa, entre ellos el de Puvis de Chavannes, artista que Hodler había escogido como referencia.

Si Puvis tiende a idealizar, Hodler es de un realismo agresivo. La composición es abiertamente simbólica, busca la esencia casi abstracta de lo representado, pero el trazo es preciso y potente. Frente a la minuciosidad de unos impresionistas empeñados en capturar el instante, los simbolistas pretenden dar a la pintura una significación espiritual. Eso no comporta un estilo común -entre Hodler, Gustave Moreau y Odilon Redon, por ejemplo, no hay afinidades en un plano estrictamente formal-, pero sí un discurso concomitante en el que el erotismo se hace místico, en el que los personajes se funden con la naturaleza y ellos y los paisajes son portadores de otro mensaje que el de su mero parecido.

La misión que Hodler se fija en tanto que artista -"expresar el elemento eterno que existe en la naturaleza, a saber, la belleza"- tiene como objetivo último "revelar un nuevo orden de las cosas" cuya percepción "será bella gracias a la idea de conjunto que se desprenderá de ella". Las figuras humanas aparecen a menudo al margen de cualquier signo de temporalidad, envueltas en túnicas o ropajes que se quieren eternos. "Lo que hace que todos seamos uno es más importante que lo que nos diferencia", dice para explicar su preferencia por una cierta repetición de recursos -"la repetición de formas parecidas"- en su búsqueda de "una unidad poderosa, de una armonía religiosa".

La comunión con la naturaleza, a menudo convertida también en unas pocas líneas, en un ritmo de nubes que se superpone a la línea del horizonte, es tan obsesiva como dramática es su crónica visual de la enfermedad y muerte de una amiga, Valentine, de la que realiza casi 200 dibujos y pinturas mostrando los estragos del tumor, una serie que alterna con otra no menos impresionante de vistas del lago Leman.

El Museo d'Orsay lleva años explorando la cara menos conocida del arte de la segunda mitad del XIX y principios del XX. Por sus salas han desfilado el polaco Jacek Malzewski, el danés Willumsen o el francés Maurice Denis, todos ellos emparentados con el movimiento simbolista en un momento o a lo largo de su vida. Las exposiciones citadas -o la actual y la dedicada al impresionista holandés Jongkind- abren la puerta a una revisión en profundidad de otros movimientos o temas. ¿Para cuándo la llamada pintura de historia?



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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
No había oído hablar de este museo pero me gusta  

Las esculturas son una maravilla! Como siempre, j.luis, un gran trabajo!  
 




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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
Green me alegro que te guste..., yo como decía no lo conozco por dentro, pero sí he seguido su trayectoría y conozco gente que habla maravillas, según he podido informarme después del Louvre es el más visitado de Francia, llegando a superar al Pompidú.




Saludos.
 




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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
Bueno j.luis pues es una razón para una próxima escapada a Francia  
 




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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
Revolución en el museo de Orsay

El quinto piso, 'sancta sanctorum' del museo, será remodelado entero


La institución acomete la reorganización completa de su colección y se dispone a 'pasear' sus obras maestras por el mundo - España será la primera etapa del periplo



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La clase de danza (entre 1871 y 1874), de Edgar Degas; a la derecha, El flautista (1866), de Edouard Manet
 
"Quiero que el siglo XIX no se acabe nunca". La frase, en palabras de Guy Cogeval, director del Museo de Orsay, resume la misión que se ha marcado: poner patas arriba el mayor museo mundial de arte del XIX. Una auténtica revolución que ya ha comenzado y que supondrá el salto al siglo XXI de una institución que nació en 1986 como una de las mayores apuestas francesas en la historia del arte.


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La urraca (entre 1868 y 1869), de Claude Monet, obras pertenecientes al Museo de Orsay de París

Cogeval quiere adaptar el espíritu de los museos al siglo XIX, y ha empezado por lo más obvio: pintar las paredes. El interior del museo está perdiendo el color indeterminado de la piedra que usó la arquitecta Gae Aulenti. Los muros se han recubierto de paneles pintados en verdes, magentas y tonos que se van ensayando para que las pinturas no se pierdan y luzcan todos sus matices. "Yo llevo 10 años en este museo y hay colores, por ejemplo en las obras de Millet, que estoy descubriendo ahora", explica Amélie Hardivillier, portavoz del museo.

Con ese mismo espíritu, Cogeval afronta la remodelación de la quinta planta del museo, auténtico sancta santórum que guarda el tesoro más preciado de este muelle del Sena: la colección de impresionistas y posimpresionistas. Durante el año que durarán las obras (arrancarán en marzo de 2010), el museo quiere repetir la experiencia del Museo Picasso de París y prestar su colección para financiar así el coste de la rehabilitación. "Unas 250 obras impresionistas y posimpresionistas viajarán y se expondrán en instituciones de otros países", tal y como anunció ayer mismo Cogeval.

Uno de los beneficiados será España: un centenar de joyas de Orsay aterrizarán el año próximo en la Fundación Mapfre de Madrid, como primera etapa de todo un periplo internacional.

La fundación Mapfre acogerá en enero un centenar de obras impresionistas del museo, según confirmó ayer en París Pablo Jiménez Burillo, director general de la fundación española. El propio Jiménez Burillo adelantó los títulos que se barajan para una exposición que pivotará en torno a 1874, fecha de creación del museo de Luxemburgo, predecesor del Orsay: El nacimiento del impresionismo o El impresionismo, un nuevo renacimiento.

Aunque aún no se ha cerrado la lista definitiva de piezas, Cogeval anticipó algunos de los préstamos, como El columpio, de Renoir; El flautista, de Manet; La urraca, de Monet; La escuela de danza, de Degas; La casa del ahorcado, de Cézanne; Reunión con familia, de Frédérique Bazille, y La Galatea, de Moreau. Pero hay obras que nunca franquearán las puertas del museo, como reconoció Cogeval. La Olimpia de Manet nunca abandonará París. Y lo mismo sirve para legados como el del doctor Gachet.

No obstante, los vínculos con España no se limitan a la Fundación Mapfre, ya que el año que viene el Museo de Orsay presentará una retrospectiva de Gérôme en el Thyssen y, en 2014 ó 2015, una exposición de Bonnard en el Museo del Prado.

La revolución Cogeval culminará en una reordenación de la colección del museo que dirige. Toda la colección de posimpresionistas, hasta hoy en la quinta planta, descenderá al nivel medio. La colección de impresionistas, a su vez, dejará de estar ordenada en bloques de autores, como hasta ahora. El espíritu decimonónico que Cogeval quiere recuperar supone además establecer un diálogo entre pintura, escultura, fotografía y cine.

Otras de las grandes innovaciones será la creación, precisamente, de un nuevo pabellón de artes decorativas: "Tenemos la mejor colección de art nouveau del mundo", indicó el director del museo, que alberga 250.000 obras, de las cuales se exponen al público unas 5.000. "Aunque nos gustaría ampliar arquitectónicamente el edificio no hay posibilidad física de hacerlo", dijo de una institución asentada en la antigua estación de ferrocarril que le da nombre. Dentro de un año el museo organizará en el Grand Palais una retrospectiva de Monet, la primera en 30 años.

Los planes de Cogeval se apartan de la tendencia que siguen otros museos de incluir arte contemporáneo: "Prefiero volver a los fundamentos de Orsay y gastar el dinero en la renovación", afirma. La única veleidad contemporánea será la cafetería, encargada a los hermanos Campana. La pareja de diseñadores brasileños tendrá como inspiración la obra de Julio Verne 20.000 leguas de viaje submarino.


Joyas que vendrán

- El columpio (1876), de Renoir

- El flautista (1866), obra de aire español de Manet

- La urraca (1868-1869), de Monet

- La clase de danza (1871-74) Interior de la Ópera de París de Degas

- La casa del ahorcado (1873), de Cézanne

- Reunión con familia (1867) también llamado Retratos de familia, de Frédérique Bazille

- La Galatea (1880), de Moreau


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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
Tras dos años de obras...


París celebra el 'segundo nacimiento' del Museo d’Orsay, jardín del impresionismo



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'El Desayuno sobre la hierba' de Manet preside una de las nuevas salas. | Alfredo Merino

El considerado templo del arte europeo y occidental del periodo comprendido entre 1848 y 1914 luce desde hace pocos meses como nunca en su historia. "Veinticinco años después de su creación, el Museo d’Orsay celebra un segundo nacimiento", aseguraba la víspera de la reinauguración y en exclusiva para ELMUNDO.es un más que satisfecho Guy Cogeval. El presidente de la institución recorría para este periódico los renovados espacios tan animado y satisfecho que hasta tuvo ánimo para reconocer cuál es su obra preferida: 'Mujer con cafetera', óleo de Cézanne realizado hacia 1895 que representa a una empleada de la casa familiar de Sas de Bouffan, cerca de Aix-en-Provence.

Bajo la luz carente de aristas que entra por las vidrieras, las salas de la pinacoteca parecen más amplias y sobrias. Paredes de color neutro, suelo de oscuros tablones... Todo acompaña para causar la más agradable sensación al público que la recorre. Sobre todo aquéllos que recuerdan las vetustas instalaciones donde hasta hace poco colgaba tanta obra irrepetible. Los madrileños tienen la suerte de poder contemplar algunas de estas pinturas durante los próximos meses.


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Cogeval, ante su pieza favorita, 'Mujer con cafetera'. | A. Merino

La transformación, que se prolongó durante dos años y ha tenido un coste superior a los 20 millones de euros, ha sido tan importante que se habla del 'Nuevo d'Orsay'. Cuatro plantas del Pavillon Amont se han reestructurado, dando coherencia a la exhibición de sus pinturas. Los impresionistas -Manet, Degas, Monet, Cézanne, Renoir y un ilustre etcétera- lucen en la quinta planta en la hermosa galería iluminada por las vidrieras.

Más superficie expositiva

Los maestros del postimpresionismo -Van Gogh, Gauguin, Seurat, Rousseau...- se exhiben en el piso intermedio, mientras que las plantas inferiores acogen muebles y otros enseres. Más de 2.000 metros cuadrados se han añadido a la antigua superficie, lo que a partir de ahora permitirá exponer colecciones escondidas en la sestina del museo, a orillas del Sena. Destaca su extenso catálogo de piezas de artes decorativas.

Diseñadas por Jean-Michel Wilmotte, en las sucesivas salas nada desvía la atención hacia las pinturas. El único mobiliario que las ocupa son los bancos de cristal, olas inmóviles varadas en la madera creadas expresamente por el japonés Tokujin Yoshioka. Dos espacios enmarcan, al principio y al fin, la nueva ala impresionista: el vestíbulo y la cafetería.


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La colección ha sido reubicada en las nuevas salas. | A. Merino

Dicha ampliación lleva la firma de los diseñadores brasileños Humberto y Fernando Campana, con su ecléptico estilo. Ambos aprovechan los vanos adjuntos a las inmensas esferas que marcaban el ritmo de los trenes en la vieja estación orillas del Sena. Hoy señalan el tiempo nuevo que vive el Museo d’Orsay. Bajo la primera de las esferas un diván con forma de pulpo vaticina a los visitantes lo que les espera: quedarse atrapados ante lo que van a ver. La segunda da las horas en una cafetería donde la gente se recupera, abrumada después de desfilar ante tanto talento.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
El Musée D'Orsay se llena de brujas, demonios y espíritus para evocar el Romanticismo negro


- El ángel de lo extraño abre al público el martes 5 de marzo

- Cerca de 200 obras y más de 10 películas conforman la muestra




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’Dante et Virgile aux enfers’, de Adolphe William Bouguereau-/ Musée d'Orsay de Paris

No fue hasta los años 30 cuando el escritor e historiador de arte italiano Mario Praz (1896-1982) puso nombre, por vez primera, a ese lado oscuro e irracional que se escondía bajo el triunfo aparente de las Luces y de la Razón que tuvo lugar a partir de 1760 en Europa.

Nacía, gracias a él, el término Romanticismo negro, una extensa vertiente de las artes plásticas y de la literatura de la época que fue todo un éxito y a la que ahora dedica una exposición el Musée D’Orsay de París.

A partir de este martes 5 de marzo, el excelente museo parisino abrirá al público El ángel de lo extraño. El romanticismo negro, de Goya a Max Ernst, una muestra que reúne cerca de 200 obras entre pinturas, dibujos, estampas y esculturas que datan desde finales del siglo XVIII hasta comienzos del siglo XX. Pero la exposición alberga también una docena de películas realizadas entre las dos grandes guerras mundiales.
Inglaterra, punto de partida

Este universo se construía a finales del siglo XVIII en Inglaterra, donde surgieron las novelas góticas. Era una literatura que seducía a un público atraído por el misterio y lo tétrico. Las artes plásticas no se quedaron atrás: los universos terribles de muchos pintores, grabadores y escultores de toda Europa rivalizaban con aquellos de los escritores.

Goya y Géricault nos confrontaban a las atrocidades absurdas de las guerras y de los naufragios de su época. Füssli y Delacroix daban cuerpo a los espectros, brujas y demonios de Milton, Shakespeare y Goethe, mientras que C.D. Friedrich y Carl Blechen proyectaban al público en paisajes enigmáticos y fúnebres, a imagen y semejanza de su destino.

A partir de la década de 1880, constatando la vanidad y la ambigüedad de la noción de progreso, muchos artistas empezaron a orientarse hacia lo oculto, reanimando los mitos y explotando los descubrimientos sobre el sueño, para confrontar al hombre a sus terrores y sus contradicciones: el salvajismo y la perversidad oculta en cualquier ser humano, el riesgo de degeneración colectiva, la angustiosa extrañeza del día a día revelada por los cuentos fantásticos de Poe o de Barbey d’Aurévilly.
Brujas, esqueletos y demonios

En plena segunda revolución industrial resurgían así hordas de brujas, esqueletos riendo con sarcasmo, demonios informes, Satanes lúbricos y magas fatales que traducían un desencanto provocador y festivo, de cara al presente.

Cuando, tras la Primera Guerra Mundial, los surrealistas hacen del inconsciente, del sueño y de la embriaguez, los fundamentos de la creación artística, dan el último toque al triunfo del imaginario en base a la realidad y, asimismo, al propio espíritu del romanticismo negro. En el mismo momento, el cine se ampara de Frankenstein, Fausto y demás obras maestras del romanticismo negro que se instala definitivamente en el imaginario colectivo.

La exposición, organizada en colaboración con el Museo Sädel de Fránfort y que estará abierta al público hasta el 9 de junio, permite también volver a leer la literatura de la fantasía negra que sigue impregnando las películas, los videojuegos y las músicas de nuestra época.



Algunas obras de la exposición 'El ángel de lo extraño'


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’Le Grenouillard’, de Jean Carriès


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Photographie Spirite (Anónimo)


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’La chasse sauvage’, de Franz von Stuck


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’La mort et le fossoyeur’, de Carlos Schwabe


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’La sorcière au chat noir’, de Paul Ranson


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’Méduse, dit aussi La Vague furieuse’, de Lucien Levy-Dhurmer



Fuente: rtve.es
 




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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
El Museo de Orsay se recrea en el colorido de los artistas Nabis


Del 16 de abril al 18 de agosto se expone la colección Hays

Reúne obras de Bonnard, Denis, Vuillard, Redon o Paul Ranson



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’Promenade’, (1892), de Louis Anquetin.

La explosión de color y la temática misteriosa de los artistas Nabis invadirá el Museo de Orsay de París lo que queda de primavera y casi todo el verano gracias al préstamo de la colección de los estadounidenses Marlene y Spencer Hays, que han permitido que sus cuadros salgan de Nueva York para regresar por un tiempo al París donde se pintaron.

Desde este martes 16 de abril hasta el 18 de agosto, en la exposición "Una pasión francesa. La Colección Marlene y Spencer Hays", podrán verse obras de Pierre Bonnard, Maurice Denis, Édouard Vuillard, Odilon Redon o Paul Ranson, encargado, este último, de aglutinar a este grupo de artistas franceses de finales del siglo XIX, los 'profetas' que abrían un nuevo camino al arte.


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’Fillettes se promenant’ (’Niñas paseándose’), (c.1891), de Edouard Vuillard. © Photographie John Schweikert.

Los Hays comenzaron a adquirir obras de arte a principios de la década de los 70 y, dados los precios desorbitados que habían alcanzado las obras impresionistas, ampliaron su campo hasta descubrir a los artistas Nabis, que habían creado un lenguaje estético propio y que retrataron el París del siglo XIX y la Belle Epoque.


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'Nature morte au homard' ('Naturaleza muerta y bogavante), (1883), de Gustave Caillebotte.

Las calles animadas de la capital parisina de finales de siglo, sus cafés y teatros y sus peculiares personajes pueden verse en obras como Le Jardin de Paris (El Jardín de París, 1896), de Bonnard; o los tristes personajes circenses de Grimaces et Misère, les saltimbanques (Muecas y miseria, los saltimbanquis), de Fernand Pelez, una de las joyas de la colección Hays.


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’Pas redoublé. Morceau d¿Emilio Nendiri’ (1893), de Pierre Bonnard.

La sede permanente de esta colección es el apartamento en Nueva York de los Hays y una mansión edificada expresamente en Nashville. En el comedor de ese apartamento -y ahora en el Museo de Orsay- se puede contemplar el Bogavante (1883) de Caillebotte; y en el vestíbulo El desayuno después del baño, de Degas.


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’Paysage Japonisant ou Le mur fleuri’ (’Paisaje japonés o el muro adornado’) (1899), de Paul-Elie Ranson.


Colores intensos y composiciones misteriosas

Los colores intensos y su oda a la vida del arte francés de comienzos del siglo XX puede contemplarse en numerosas obras de la colección: en Arlequín con guitarra de Derain; o en El Verano, de Maillol, además de en otros cuadros de Matisse o Marquet que integran la muestra.

También seducen a los Hays obras misteriosas y difíciles de desencriptar como Jardins publics (Jardínes públicos) o Les fillettes se promenant (Las niñas paseándose), ambas de Vuillard.


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’L’Atelier de Corot’ (Mujer joven con vestido rosa, sentada frente a un caballete y tocando una mandolina), 1860, de Camille Corot.

En la muestra también pueden encontrarse obras de Modigliani, como el Portrait de Soutine (Retrato de Soutine), que pintó encima de una puerta del apartamento del marchante Léopold Sborowski y que los Hays adquirieron en 2001; o composiciones de Redon como La fleur rouge (La flor roja) y Vase de fleurs et profil (Jarrón de flores y perfil).


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’Le Goûter sur la côte ou Le Goûter au Pouldu’ (1900), de Maurice Denis.



rtve.es
 




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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
El Museo de Orsay desnuda a los hombres


- El cuerpo masculino al natural es el objeto de esta inusual muestra parisina

- Casi 200 obras (pinturas, esculturas, fotografías) podrán verse hasta febrero




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Dos mujeres frente a una obra. | Efe

El parisino Museo de Orsay expone a partir de este martes y hasta febrero del próximo año 'Masculin/Masculin', una exposición que aúna pintura, escultura, fotografía y vídeo bajo una sola temática, el cuerpo masculino desnudo. Ciento ochenta obras en distinto soporte recorren la representación del desnudo masculino desde 1800 hasta la actualidad, repartidas en 11 espacios temáticos que abarcan desde el ideal clásico hasta el desnudo heroico, el cuerpo en la naturaleza o el dolor.

El conservador del Museo de Orsay y comisario de la exposición Xavier Rey señaló en una entrevista que la idea era recolocar "la problemática estética y cultural del hombre desnudo", que aparece aquí bajo muchas perspectivas, pero siempre observado desde un punto de vista fundamentalmente masculino. Ese protagonismo de la mirada masculina es explicado por Rey como una consecuencia natural de la dominación social por parte de los hombres a lo largo de los siglos y hasta un periodo de tiempo relativamente reciente.


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'Lucha de dos hombres desnudos', de Eadweard Muybridge. | Museo de Orsay

"La gran mayoría de artistas que representan a los hombres son hombres ellos mismos, así que vamos a ir desde el espejo narcisista del artista cara a cara consigo mismo, a una representación más masculina del deseo que puede aparecer en algunas de ellas", aclaró Rey, uno de los cinco comisarios de la muestra. Así observamos una fuerte diferencia entre la representación clásica de San Sebastián a los ojos de Guido Reni y la mirada de Zoe Leonard, que nos muestra al hombre como objeto de deseo con 'Pin-up nº1, Jennifer Miller como Marilyn Monroe', donde se puede ver a un hombre posando desnudo sobre terciopelo rojo, emulando con cierto humorismo a la actriz estadounidense.

La desnudez masculina formó parte de la formación pictórica entre los siglos XVII a XIX, pese a que estemos más acostumbrados a la representación frecuente y natural del desnudo femenino, explicó el museo. Por tanto, su aparente ausencia no quiere decir que el cuerpo del hombre "haya sido abandonado por los artistas", sino que "no ha sido nunca considerado como tal", aclaró Rey, que consideró que esta exposición permite "comprender cómo se ha perpetuado, modificado y reinventado a lo largo del tiempo".

Para ello el recorrido propuesto, en lugar de ser cronológico, es temático, de modo que podemos observar en una misma sala dos obras a las que separan 200 años en su creación, pero cuya unión formal y temática es absoluta. El comisario señaló que hay cánones comunes "como el neoclásico inspirado en la antigüedad, que se ha perpetuado hasta nuestros días", aunque otros den la vuelta a los esquemas, como la revolución realista (segunda mitad del siglo XIX), que "modificó completamente los códigos de representación para algunos artistas".

En ese sentido apuntó también a la influencia de unas artes en otras, como "la llegada de la fotografía", una disciplina también muy presente en la muestra desde sus comienzos, como se ve en 'Lucha de dos hombres desnudos' (1887), de Eadweard Muybridge.

Los amplísimos temas que se dan la mano en 'Masculin/Masculin' van desde la realidad más cruel, como la enfermedad o la muerte, hasta "el desnudo filosófico", pues, según explicó Rey, el desnudo masculino se reinventa a finales del XIX con una "perspectiva más teórica y espiritual", en "respuesta a la indiferencia de la naturaleza" como consecuencia de la revolución industrial.


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El óleo sobre lienzo 'Abel' (1874-1875), de Camille Félix Bellanger, que podrá verse en la exposición del museo parisino.


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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
El Museo d’ Orsay de París desnuda a los hombres



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En París, más de 100 obras recorren la representación del desnudo masculino desde principios del XIX hasta la actualidad. En la imagen: 'L'Ecole de Platon', de Jean Deville.

Ver Fotogalería

Fuente: elpais.com
 




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Mensaje Re: MUSEO DE ORSAY 
 
Antonin Artaud & Vincent van Gogh en el Museo de Orsay



El genio y la locura


Una exposición en el Museo de Orsay de París reivindica la vigencia de los dos genios mediante los cuadros de uno y los textos de otro



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Autorretratos de Vincent van Gogh (izquierda) y Antonin Artaud (derecha).

¿Qué tienen en común Vincent van Gogh y Antonin Artaud? En el plano espacio temporal, poca cosa. Los dos creadores no llegaron jamás a coincidir ni conocerse personalmente puesto que, cuando el primero murió en Auvers-sur-Oise, a los 37 años, el segundo todavía llevaba pantalón corto en su Marsella natal.

Sin embargo, ambos fueron artistas dotados de un extraordinario talento y una visión diferente del mundo, cuyas personalidades inquietas y atormentadas les provocaron una febril actividad productiva, en medio de crisis depresivas y constantes visitas a sanatorios mentales. Hombres que volcaron sus vivencias en una obra insobornable, adelantada a su tiempo, henchida de lucidez y de fantasmas, que ha influido a las generaciones siguientes más de lo que ellos mismos pudieron nunca imaginar. Enemigos de los convencionalismos, exploradores de lenguajes nuevos, abanderados de la modernidad, adictos al exceso, malditos e incomprendidos, irremediablemente abocados a la autodestrucción.

Bajo el título de 'Van Gogh / Artaud: le suicidé de la société', el Museo de Orsay parisino acoge, hasta el 6 de julio, una exposición que reivindica la permanente vigencia de estos dos genios iluminados e hipersensibles, mediante los cuadros de uno y los textos de otro. ¿Se trata de una de esas muestras tan en boga últimamente que nacen del capricho de un comisario? Para nada.

El subtítulo de la expo en cuestión, 'El suicida de la sociedad', no es otro que el de un ensayo que Artaud escribió en 1947, por sugerencia del galerista Pierre Loeb, acerca de una amplia retrospectiva de Van Gogh inaugurada el 24 de enero de aquel año en el Musée de l'Orangerie de la capital francesa. Por entonces, el autor de 'El teatro de la crueldad' acababa de salir del sanatorio mental de Rodez (Aveyron), dejando atrás tres años de duro internamiento, para instalarse en la casa de salud del Doctor Delmas en Ivry-sur-Seine, bajo los cuidados de una joven internista en Psiquiatría llamada Paule Thévenin.

Tenía varios proyectos literarios entre manos y Gallimard le acababa de comunicar su intención de editar sus obras completas. Además, en julio se había comprometido con Loeb a exponer en su galería sus últimos retratos y dibujos. Así que no le hizo demasiado caso al consejo.

Pero en la 'maison de Santé' de Delmas cayó en sus manos Du démon de Van Gogh, de François-Joachim Beer, uno de los muchos libros escritos sobre el artista holandés desde una perspectiva vagamente psiquiátrica, que le exasperó profundamente. Así que, el 2 de febrero, decidió visitar la exhibición de L'Orangerie, en compañía de Thévenin, y entre el 8 de febrero y el 3 de marzo, escribió y dictó 'Van Gogh, le suicidé de la société', que sería publicado en diciembre.

"Nadie nunca ha escrito, pintado, esculpido, modelado, construido o inventado excepto para salir del infierno", dejó escrito el poeta, actor y director teatral Antonin Artaud

En aquel texto reivindicativo, el poeta, dramaturgo, director escénico y actor galo no sólo se oponía ferozmente a la manida tesis sobre la alienación de Van Gogh, sino que se empeñaba en demostrar que la extremada lucidez del pintor holandés molestaba tanto a las conciencias ordinarias que éstas, tratando de impedir que emitiera todas esas "verdades insoportables", terminaron empujándole al suicidio.

"Lo que me consuela es que empiezo a considerar la locura como una enfermedad como cualquier otra y acepto la cosa como tal", escribe el artista a su hermano Theo en una de las cartas que forman parte de la expo. Pero, más que un demente, el autor de 'La noche estrellada' es, para Artaud, alguien sin miedo a mostrar la realidad: un artista que podía "escudriñar la cara de un hombre con una fuerza tan abrumadora, diseccionando su refutable psicología como un cuchillo".

"Nadie nunca ha escrito, pintado, esculpido, modelado, construido o inventado excepto para salir del infierno", dejó escrito el literato, apenas tres meses antes de fallecer víctima de una sobredosis de hidrato de cloral. "En el momento de escribir estas líneas veo el rostro color rojo sangre del pintor venir hacia mí, en medio de una pared de girasoles reventones y una gran conflagración de polen de jacintos y brotes de lapislázuli", prosigue unas páginas más allá.

Para el actor predilecto de Gance o Dreyer, Van Gogh debe ser considerado, ante todo, como "un pintor de lo ordinario, de las pequeñas cosas y los objetos cotidianos", aunque sus pinturas "asemejan bombas atómicas cuyo ángulo de visión habría sido capaz de perturbar gravemente el conformismo larval de la burguesía del Segundo Imperio".

Apoyándose en esa singular visión, la conservadora jefe del Museo de Orsay, Isabelle Cahn, ha concebido una exhibición muy particular, en la que nos invita a contemplar la obra de Van Gogh a través de los ojos de Artaud, a lo largo de 40 cuadros del pintor, así como una selección de dibujos y cartas, que se completa con los citados textos del poeta, pintados en la pared, y 15 obras gráficas suyas, inequívocamente influidas por el loco del pelo rojo.


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Autorretrato de Van Gogh de 1887 (© RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Gérard Blot)

"Lo más interesante del texto de Artaud es que contradice todas las teorías existentes sobre Van Gogh y el diagnóstico de su locura", señala Cahn. "Creo que las emociones que nos transmite son humanas", prosigue. "En cuanto a la angustia del pintor, viene a explicarnos que son los artistas quienes soportan nuestra angustia, la angustia de la sociedad de su época, e incluso nos enseñan cómo superarla".

Nada más comenzar el recorrido, el visitante se da de bruces en la segunda sala con cuatro autorretratos del neerlandés, colgados juntos pero realizados en distintas etapas de su carrera, entre 1887 y septiembre de 1889, que muestran el camino que va de sus años en París a su internamiento en Saint-Rémy de Provence, así como la evolución en su manera de pintar y su actitud ante la vida.

Las telas son en su mayoría muy conocidas y proceden del Museo de Orsay, el Van Gogh Museum de Amsterdam, el Metropolitan de New York, el Kröller-Müller de Otterlo, la National Gallery de Washington o el Folkwang Museum de Essen, aunque también hay unos pocos lienzos menos famosos, cedidos por coleccionistas privados. "Pero eso no ha de suponer un problema", comenta el crítico de arte de Le Monde Philippe Dagen, "ya que, incluso vista por enésima vez, la obra de Van Gogh permanece inagotable e imprevisible. Y lo mismo se puede decir de la de Artaud".

Vincent van Gogh a su hermano Theo: "Lo que me consuela es que empiezo a considerar la locura como una enfermedad como cualquier otra y la acepto como tal"

Efectivamente, los dibujos de este último mantienen el tipo puestos al lado de los coloridos óleos del maestro post impresionista. Los que factura durante su periodo de reclusión en Rodez (1943-1947), en el cual recibió medio centenar de electroshocks, resultan tan enigmáticos como inquietantes. Con sus cabezas y otras partes del cuerpo humano taladradas por clavos o sumergidas en manchas de tinta, transmiten con una inusitada intensidad la insoportable sensación del tormento. En cuanto al trazo obsesivo y convulso de Van Gogh, su clarividente exegeta se refiere a él como "un momento de salud entre dos crisis febriles".

Todo el texto de 'Le suicidé de la société' parece un ajuste de cuentas de su autor con la psiquiatría, personalizada aquí en el Doctor Gachet, que trató a Van Gogh durante sus últimos días en Auvers-sur-Oise. "En todo psiquiatra hay un sórdido y repugnante atavismo que le hace ver en cada artista a un enemigo", denuncia Artaud, pensando acaso en Jacques Lacan, eminente teórico francés que le diagnóstico que jamás volvería a escribir y viviría 80 años.

¿Cómo podía entender tan bien a Van Gogh y sus crisis de discernimiento el padre del teatro moderno? "Probablemente, por haber experimentado angustias similares en relación con la enfermedad y su tratamiento", apunta Cahn. "Fue después de una conversación con Gachet que Van Gogh volvió a su habitación, como si nada hubiera pasado, y se suicidó", escribe Artaud, para indicar después que sabe muy bien de lo que habla. "Pasé nueve años en un manicomio y nunca tuve la obsesión de suicidio", comenta. "Pero recuerdo que cada conversación que tenía con un psiquiatra, por la mañana, en el momento de la visita, me daba ganas de ahorcarme, sintiéndome impotente por no poder estrangularle".

O sea, una historia de locos.


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