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MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York)
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Mensaje MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
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Este trabajo esta dedicado al Museo de Arte Moderno de Nueva York, más conocido como MoMa, es uno de los museos más prestigiosos del mundo y una cita obligada para todo aquél que es aficionado al arte –moderno- o quiere dar sus primeros pasos en este universo tan atractivo y complicado que es la pintura.

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Entre otra obras famosas, están piezas tales como La noche Estrellada de Van Gogh, Kandinshy, Brodway Boggie Wogie de Piet Mondrian, y obras de artistas americanos como Jackson Pollok, Andy Warhol y Edward Hooper.

También están representados grandes maestros españoles, como Picasso, Dalí, Miró y Juan Gris.

En el MoMA, no sólo podrán encontrar las obras maestras de las bellas artes sino también galerías de fotografías, películas, objetos de alfarería, mobiliario y objetos arquitectónicos. En sus seis plantas de galerías se exponen 135.000 obras de arte, tanto permanentes como temporales.

Sin duda, el MOMA es una de las joyas culturales que no podemos dejar de visitar cuando estemos en la ciudad de Nueva York. El museo está abierto de viernes a martes desde las 11 hasta las 18 horas, y los jueves hasta las 21 horas. Los miércoles no abre sus puertas al público.

Espero que la recopilación realizada, sea del gusto de los visitanten de esta sección de arte del foro de xerbar.






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Vista del jardín, en el nuevo edificio del MoMA construido por Yoshio Taniguchi.

Su Web: http://www.moma.org/





MUSEO MOMA


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El MoMA es el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Sus edificios permanentes se encuentran situados en Manhattan en el 11 West con la 53 Street de Nueva York. El MoMA abrió sus puertas al público el 7 de noviembre de 1929.

Es considerado uno de los santuarios del arte moderno y contemporáneo del mundo, constituyendo (a juicio de muchos) una de las mejores colecciones de obras maestras. Alberga piezas tales como La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie Wogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon (1906) de Pablo Picasso, La persistencia de la memoria de Salvador Dalí y obras de artistas norteamericanos de primera fila como Jackson Pollock, Andy Warhol y Edward Hopper. El MoMA posee además importantes colecciones de diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, arquitectura, cine e impresos.


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Cuando el Museo de Arte Moderno comenzó a exponer sus obras, gran parte del público de aquella época despreciaba el cubismo y el arte abstracto, porque chocaban con las líneas directrices que hasta ese momento marcaban la pauta del "verdadero arte".

De las primeras vanguardias del siglo XX, el MoMA conserva obras clave de Pablo Picasso, Marc Chagall, Kandinsky, Mondrian, Henri Matisse, etc. Tiene un Jardín de Esculturas con obras Auguste Rodin, Alexander Calder, Louise Nevelson y Aristide Maillol, además de una sala de cine.

Después de cuatro años de reformas que han costado cerca de 55 millones de dólares, recientemente fue inaugurado el nuevo MoMA con mucho más espacio. Este museo tiene dos restaurantes: el Garden Café, una cafetería y el Members Dining Room. Este museo está abierto de viernes a martes desde las 11 hasta las 18 horas; los jueves, hasta las 21 horas. Está cerrado los miércoles.


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Exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Museo de arte Moderno (MoMA) en Manhattan (Nueva York). 2007. Edificado y proyectado por el arquitecto francés Jean Nouvel, que recientemente se le ha otorgado el Premio Pritzker, considerado como el Nobel de la Arquitectura.

 



Algunas obras


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Van Gogh. Noche estrellada. 1889. Óleo sobre lienzo. 73,7 x 92,1 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA.

A diferencia de sus amigos Gauguin y Benard, que estaban elaborando una pintura de contenido simbolista, fruto de su imaginación y no inspirada en modelos reales, Vincent se decanta por el contacto directo con la realidad, pero ésto le supone un problema ya que le resultaba difícil representar el cielo nocturno, para ello ideó un sistema tan extravagante como ingenioso: colocó velas encendidas en su sombrero y pudo así realizar la primera obra nocturna al aire libre de la historia.

Sin embargo, y a pesar de haber trabajado al natural, el resultado es cualquier cosa menos realista, la poderosa imaginación del autor transforma la vista nocturna en una especie de acontecimiento cósmico donde el cielo parece iluminado por multitud de cometas que giran vertiginosamente, creando una serie de remolinos de luz, haciendo que el pueblo parezca sumergido en una atmósfera sobrenatural.




Van Gogh. Naturaleza muerta; Jarrón con adelfas y libros




Van Gogh. Retrato de Joseph Roulin




Van Gogt. Madame Roulin and Her Baby




Van Gogh. Corredor del Hospital de Saint-Paul




Warhol. Gold Marilyn Monroe. 1962


  











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Exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.




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TRABAJO PENDIENTE DE REEDICIÓN





PUES ESTO ES TODO AMIGOS, ESPERO QUE OS HAYA GUSTADO LA RETROSPECTIVA DEDICADA AL MOMA DE NUEVA YORK.



Fuentes: Cdad. pintura, Web del MoMA, wikipedia y otras de Internet
 




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última edición por j.luis el Miercoles, 10 Febrero 2016, 10:57; editado 7 veces 
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Mensaje Re: MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) 
 
J.Luis gracias por este magnífico reportaje del Museo MoMa de Nueva York.  

Un Saludo.
 




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Xerbar Administrador del Foro.
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Mensaje Re: MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) 
 
Un pecado pasar por NYC y no visitarlo.
Gracias por el reportaje, J.Luis. Me ha traido muy gratos recuerdos.
 



 
Rosadeldesierto - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 



Gracias xerbar y rosadeldesierto.





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MÁS NOTICIAS...



El MOMA dentro de casa



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Pelador de manzanas

Siempre a la última en diseño, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) ... exhibe en su tienda piezas de coleccionismo cotidiano. Los utensilios de hogar y cocina tienen un lugar preferente.

En sus estantes (o través de la Red) se encuentran objetos que vienen bien para esta época invernal y festiva. ¿Que hay que pelar un montón de manzanas y nueces para hacer un pastel? Dos objetos con remite europeo (de Alemania, en concreto) ayudan en la tarea: un pelador de manzanas con forma de anillo y un cascanueces que parece una caja de sorpresas.


elpais.com
 




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última edición por j.luis el Jueves, 11 Febrero 2016, 17:23; editado 1 vez 
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Mensaje Re: MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) 
 
Bueno ya he conseguido que se vean todas las imágenes del MoMA y he aprovechado para subir algunas más.




Saludos.
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
ES UNO DE LOS ARTISTAS EN ACTIVO MÁS IMPORTANTES


El pintor Lucien Freud exhibe por primera vez en solitario en el MoMA de Nueva York

Regresa con una colección de 68 aguafuertes y 21 lienzos a la ciudad estadounidense

No había expuesto en ningún museo de Nueva York en los últimos 14 años




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Una de las obras que se exponen. (Foto: EFE)

NUEVA YORK.- El pintor Lucien Freud, nieto del creador del psicoanálisis, exhibe su obra en solitario por primera vez en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), gracias a una exposición que protagonizan sus casi desconocidos aguafuertes.

La obra de Freud contará con su propio espacio en el prestigioso MoMA, desde el domingo y hasta el próximo 10 de marzo, con una exposición que analizará la maestría del pintor en un arte por el que se le conoce poco, el de los aguafuertes, y la relación que tienen estos trabajos sobre papel con sus lienzos.

Con más de 60 años de carrera y reconocido como uno de los artistas en activo más importantes del mundo, Freud regresa con una colección de 68 aguafuertes y 21 lienzos a Nueva York, donde no había expuesto en ninguno de sus museos en los últimos 14 años.

Freud inició su idilio con los trabajos en papel en la década de los 40, pero no hizo de ellos una constante en su producción artística hasta comienzos de los 80, cuando se lanzó a la ejecución de unas obras complejas y de grandes dimensiones con las que redescubrió ese formato.

Con una exposición en la que se ha trabajado durante más de cuatro años, el prestigioso museo neoyorquino presenta una buena representación de los poco más de 80 grabados del pintor.

"Lo más sorprendente de la exposición es constatar cómo Freud considera el grabado: no como una parte separada de su trabajo, sino como una pieza clave más de su obra, no secundaria", explicó la comisaria de la exposición, Starr Figura.


Sus temas recurrentes

La exposición se organiza alrededor de los temas que resultan cruciales en la obra de Freud, de entre los que destacan con nombre propio los desnudos y los retratos, y también aquellos otros recurrentes en su trayectoria como los perros o las estampas extraídas del jardín de su casa.

Enfrentados a los lienzos, la vertiente más conocida del pintor, se exponen los grabados al aguafuerte y algunos dibujos, con los que la muestra rinde cuenta de la habilidad de Freud para transgredir las fronteras entre los diferentes formatos con las mismas imágenes, a las que regresa en más de una ocasión pese al paso del tiempo.


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Otra de las obras. (Foto: EFE)

"Freud no sigue ninguna convención en particular a la hora de ejecutar los grabados. Algunos se realizan después de la pintura, otros antes y otros ni siquiera encuentran relación en sus famosos lienzos", ahondó Starr, quien dejó claro que, "al contrario de otros artistas, el aguafuerte forma parte de su preparación para acercarse a una pintura".

Para el director del MoMA, Glenn Lowry, la exposición, que se presenta bajo el nombre de 'Lucien Freud: Los aguafuertes del pintor', presenta una faceta de Freud que pocos conocen, pero que dice mucho de la visión del autor del mundo.

El grabado es para Freud un formato íntimo y autobiográfico, comparable al dibujo, pero, como él mismo ha dicho en más de una ocasión, "con un elemento de peligro y misterio que hace que nunca se sepa cómo va a quedar, ya que lo que es negro se transforma en blanco, y lo que está a la izquierda se desplaza a la derecha".

Los mismos temas que se dejan ver repetidamente en sus cuadros son los protagonistas de unos aguafuertes en los que dominan los retratos a sus amigos íntimos y a miembros de su familia, como su madre Lucie o su hija Bella, en los que se aprecia el mismo impacto emocional que impregna sus cuadros.

Los desnudos, masculinos y femeninos, ocupan un lugar destacado en la muestra del MoMA y dejan constancia así del interés que este tipo de retratos tienen para Freud, ya que en ellos sacia su fascinación por la naturaleza y el cuerpo humano, "al que se acerca como un auténtico biólogo, algo curioso sabiendo quién fue su abuelo", reconoció el director del museo.


EL MUNDO
 




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última edición por j.luis el Jueves, 11 Febrero 2016, 17:25; editado 1 vez 
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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
Diseños españoles en Nueva York

Piezas de El Último Grito y Martín Ruiz de Azúa, adquiridas por el MoMA



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Micos, diseño de El Último Grito para la firma italiana Magis
  
Diseños de los españoles El Último Grito y Martín Ruiz de Azúa, entre otros, se codean ya en el MoMA neoyorquino con piezas creadas por los grandes maestros de la historia del diseño como Alvar Aalto, Marcel Breuer, Eileen Gray, los Eames, Joe Colombo, Gaetano Pesce, Richard Sapper, Achille Castiglioni, Enzo Mari... Para un artista sería algo así como compartir sala con Warhol, Duchamp, Judd o Pollock.

La última remesa de adquisiciones por parte del MoMA para su colección de arquitectura y diseño, que se encuentra expuesta desde el 21 de diciembre en la sala Leonard Dobbs de la tercera planta, incluye una selección de hasta 60 productos, maquetas y trabajos gráficos realizados durante los últimos cinco años por diseñadores de todo el mundo y adquiridos por el museo en los últimos dos.

En una plataforma en mitad de la sala han sido colocados los asientos más destacables, entre los que se encuentran los Micos, diseñados por El Último Grito para la firma italiana Magis. Es un objeto infantil de uso polivalente que, según cómo se coloque, adopta diferentes formas y usos, convirtiéndose en un asiento, un caballito o un tobogán. Rosario Hurtado y Roberto Feo, que en la actualidad viven entre Berlín y Londres, se convirtieron a finales de los noventa en uno de los estudios españoles con mayor proyección internacional. Sus diseños fusionan toques maestros de ironía y humor con un profundo análisis sobre cómo usamos los objetos que nos rodean.


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Azulejos de espuma forrados

También Martín Ruiz de Azúa ha entrado a formar parte de la colección del MoMA con su Casa Básica, que ya en 2005 fue expuesta en el museo al estar incluida en la exposición SAFE: Design Takes On Risk. Consiste en un volumen plegable, hinchable y reversible realizado en poliéster metalizado. Se puede llevar en un bolsillo y permite improvisar una guarida habitable y básica en pocos segundos. Fue uno de los primeros prototipos experimentales con los que se dio a conocer este diseñador de origen vasco asentado en Barcelona. La Casa Básica forma también parte de la colección del Vitra Design Museum.

Otros españoles que forman parte de esta colección del MoMA son los diseñadores Antoni Gaudí, Antonio Bonet, Martí Guixé y Patricia Urquiola. También los arquitectos Ricardo Bofill, Mansilla+Tuñón, Alejandro Zaera-Polo, MTM Arquitectos, Carme Pinos, Enric Miralles, Cloud 9 y Santiago Calatrava.

La muestra Just In: Recent Acquisitions from the Collection, en la que se encuentran expuestos estos diseños, incluye otras piezas sobresalientes, como los azulejos North de espuma, diseñados por los hermanos Ronan y Erwan Bouroullec para la empresa textil danesa Kvadrat, y las Algas, que crearon en 2004 para la suiza Vitra. Ambos son dos sistemas flexibles que no tienen razón de ser sin la participación activa del consumidor. Los azulejos de espuma, recubiertos en tela de diferentes colores, permiten forrar paredes o crear pequeñas estructuras divisorias que resultan impactantes por su variedad de colorido.


EL PAÍS
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
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Las portadas que querían cambiar el mundo




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En los convulsos años 60, el diseñador y publicista George Lois revolucionó el diseño de revistas desde sus portadas para la publicación estadounidense 'Esquire'. Desde la guerra de Vietnam, los conflictos raciales o el declive del Pop Art, sus portadas han pasado a la historia del diseño y del periodismo. Irrevetentes, rompedoras, comprometidas, irónicas, estéticas.

Una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) repasa la obra de Lois


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La revista 'Esquire' había nacido en los años 30 como una publicación de moda masculina. Como contrapunto a este tipo de información, más habitual en las revistas para mujeres, se combinaba con ilustraciones un tanto misóginas y artículos de 'rudos' escritores como Hemingway. Se convirtió en la revista favorita de 'yuppies' y estudiantes. Todo cambió en los años 60, 'Esquire' se volvió más rompedora y comprometida, posicionándose en contra de la guerra de Vietnam y las ideas conservadoras. 'Esquire' era radical desde la portada, siempre firmada por George Lois.


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El cambio de 'Esquire' vino de la mano de su editor Harold Hayes, que llegó a la publicación en 1961. La revista atravesaba entonces horas bajas y Hayes decidió renovar su imagen, comenzando por la parte más visible e importante: la portada. Hayes se reunió con su amigo Lois, quien le sugirió que un solo diseñador se encargase de las 'covers'. Hayes le pidió una portada. Un cuadrilátero, con el entonces campeón del mundo de pesos pesados, Floyd Patterson, fue la propuesta de Lois. Eran los prolegómenos del esperado cara a cara entre Patterson y Sony Liston. Liston se convirtió en campeón del mundo y aquel número de 'Esquire' (octubre de 1962). en el más vendido de la revista.


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"No eran simplemente portadas. Los manifiestos dentro [de una revista] son inútiles a menos que haya un manifiesto fuera", declaraba Lois con motivo de la exposición. La 'cover' de la izquierda condensa en una sola imagen y una frase el reto al que se enfrentaba Nixon en las elecciones de 1968: 'La última oportunidad de Nixon. Más le vale aparecer bien', en clara alusión a la derrota en el debate televisivo que enfrentó a Kennedy y a Nixon en 1960. En su segunda oportunidad, ganó.


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El nuevo de editor 'Esquire' dio a su diseñador total liberdad para crear sus portadas. Hayes daba unas ideas sobre el tema de portada y, después, Lois se ponía manos a la obra para producir el diseño final, sin venderle ningún boceto previo. Organizaba sesiones de fotos y creaba clip-arts, recuperaba fotos antiguas... Sus fotomontajes son una auténtica antesala de los actuales retoques digitales a las portadas. El de la imagen es de 1969. Para ilustrar el declive de las vanguardias americanas, Lois fotografió por separado a Andy Warhol y una lata de sopa Campbell. Después, las combinó creando su propia parodia del Pop Art: Warhol ahogado en la sopa que había popularizado.


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Las portadas de Lois supusieron una auténtica revolución creativa: imágenes potentes y concisas; fuera lo innecesario, incluidos los grandes textos. Todo lo que había que decir estaba en la imagen. La portada de abril de 1968, con un Mohamed Ali como un moderno San Sebastián en su martirio, es un buen ejemplo. Cassius M. Clay acababa de unirse a la Nación del Islam y se negó a ir a Vietnam, declarándose objetor de conciencia por motivos religiosos. Le condenaron a cinco años de cárcel y los comités de boxeo le suspendieron y retiraron el título. La portada se publicó mientras el púgil esperaba respuesta del Supremo a su apelación.


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La oposición de 'Esquire' a la guerra de Vietnam fue uno de los temas recurrentes de la revista durante aquellos años. Esta es una de las más impactantes. Tras esa imagen idílica, que pudiera recordar a esas imágenes americanas del clásico americano Norman Rockwell, se encuentra el responsable de la masacre de My Lai, en la que se mató a cientos de niños y mujeres. La orden la dio el hombre que sonríe junto a cuatro niños vietnamitas: William Calley.


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La cáustica mirada de 'Esquire' abordaba también otros temas polémicos. En pleno movimiento de los derechos civiles, llevó a su portada al primer Santa Claus negro. La escandalosa portada navideña de 1963 era el boxeador Sonny Liston (precisamente, el que había noqueado a Patterson), una irónica imagen de la creciente división racial del país. La portada hizo perder a 'Esquire' unos 750.000 dólares en ingresos publicitarios, aunque su éxito en los quioscos compensó las pérdidas. Durante los cuatro años posteriores, 'Esquire' ingresó unos tres millones de dólares al año. Su circulación anual pasó de 500.000 a dos millones y medio de ejemplares.


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¿Y qué opina Lois de las portadas de las revistas actuales? Al diseñador y publicista no le gustan nada. Son imágenes sin significado, rostros conocidos que acaparan cada centímetro de papel, dice. Las históricas que él creó (al menos, 31 de aquellas 92 memorables 'covers') podrán verse en el MoMA hasta el 31 de marzo de 2009.



EL MUNDO
 




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última edición por j.luis el Jueves, 11 Febrero 2016, 17:33; editado 1 vez 
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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
Miró se pasea por el MOMA


Obras inéditas. La frase de "quiero asesinar el arte", pronunciada por Miró en aquellos años, es el punto de partida para explorar una exhibición que incluye doce trabajos que comenzó en 1927 y que terminó diez años después, entre los que se incluye la singular "Naturaleza muerta con un zapato" (1937), descrita por los expertos como "alucinante". En la imagen, "La cabeza de Georges Auric", de 1929. Esa obra "marca el fin histórico de una década" para el pintor, pues fue el resultado de su decisión de hacer algo totalmente diferente, en un momento en que la guerra civil española (1936-1939) le había hecho alejarse de Barcelona y refugiarse en París. Umland ha indicado que 1927 "marca el cambio con el pasado y el nuevo compromiso de Miró con nuevos materiales, mientras que 1937 es el momento en que se encontró con las realidades de su tiempo". Para consumar su asesinato del arte, Miró se sirvió de colores ácidos y desfiguraciones grotescas, además de una determinación estilística heterogénea, así como de la utilización de las técnicas del collage y de materiales que normalmente no son considerados como aplicables al arte por su uso cotidiano, ha precisado el MoMA. "Con esta muestra se ve lo que era el arte para Miró y lo que él proponía por oposición, además de que en ese proceso se revelaba la paradójica naturaleza del artista, que era la de la violencia y la resistencia de alguien que nunca dejó de ser un pintor y un creador de formas", considera la experta.


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El asesino del arte. La idea del pintor catalán Joan Miró de "matar el arte" ha inspirado al Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York para organizar una exposición sobre el artista con pinturas, collages y objetos que creó en los años treinta, cuando le surgió ese pensamiento. "Joan Miró: Pintura y Antipintura, 1927-1937", que se abre al público del 2 de noviembre próximo al 12 de enero de 2009, es una exposición que, según sus organizadores, "ofrece una mirada al interior del surrealismo del más grande y más lírico de los pintores-poetas". En la imagen, "Dutch Interior I", de 1928.


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Contra el arte burgués. Es también la primera exposición museística que investiga el famoso pensamiento de Miró (1893-1983) de querer "asesinar el arte" y que, según los expertos, nació en él durante la década de los treinta del pasado siglo como su personal acto de rebeldía contra el arte burgués visto como instrumento de propaganda y de identidad cultural entre las clases acomodadas. El MoMA ha reunido noventa pinturas, dibujos, collages y diferentes objetos que el artista español creó "durante una década de transforaciones" para él, indicó la institución neoyorquina. En la imagen, "Cuerda y gente", de 1935.


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Una década turbulenta. "La exposición realiza un acercamiento profundo a una década de trabajo de Miró, en una época de turbulencias políticas y económIcas, y muestra que su camino para asesinar al arte le llevó a reforzar, reinventar y radicalizar su pintura", dijo la comisaria de la muestra, Anne Umland. En la exposición, ha explicado Umland a Efe, "hay muchas obras que resultan muy familiares y otras que no son conocidas", lo que "transforma nuestro entendimiento sobre el legado de Miró en el siglo XXI". El resultado, según la experta, "es a veces intencionadamente feo y otras salvajemente bello". Entre las obras están veinte nunca vistas con anterioridad en Estados Unidos, como el célebre "Retrato de bailarina" (1928) que ha sido cedido para esta ocasión por el Centro Pompidou de París. El MoMA, que organizó en 1941 la primera retrospectiva del arte del pintor catalán y realizó otras exhibiciones en 1959, 1973 y 1993, identifica con esta muestra las prácticas y estrategias que Miró utilizó entre 1927 y 1937, cuando vivió entre París y Cataluña. La Fundación Joan Miró, de Barcelona, también ha cedido algunas obras para esta exposición. En la imagen, "Naturaleza muerta con zapato viejo", de 1937.


EL PAÍS /MOMA
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
ORGANIZADO POR EL LÍDER DE SONITH YOUTH


El MoMa elige los 15 mejores vídeos de Bowie

'Life on Mars' o 'Heroes' sonaron en un acto organizado por el líder de Sonic Youth



NUEVA YORK.- El líder de la banda neoyorquina Sonic Youth, Thurston Moore, presentó el lunes en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) los que, para su gusto, son los mejores 15 videoclips del camaleónico artista británico David Bowie.

Temas tan conocidos como 'Life on Mars', 'Heroes' o 'Ashes to ashes' sonaron con fuerza en el MoMA, gracias a una retrospectiva con la que la institución neoyorquina rindió homenaje a la vertiente audiovisual de la obra de Bowie y que organizó el propio Moore.

"Bowie ha sido siempre una figura musical, ya que sus ideas y lo que él representaba siempre estuvieron cargadas de significado para el fenómeno punk-rock", dijo en la presentación de los videoclips Moore, una de las figuras más importantes de la escena musical neoyorquina desde finales de los años 70.

Moore se encargó de repasar la importancia de cada una de sus elecciones musicales para la noche, lo que resultó en un auténtico viaje por el recorrido melódico de Bowie así como por la historia del videoclip, gracias a las colaboraciones del británico con artistas como Mick Rock, Stanley Dorfman o David Mallet .

De las creaciones simples de principios de los 70 hasta las más elaboradas de finales de los 90, los 15 videoclips rinden tributo a una persona que, "como los Rolling Stones, nunca dejará de influir en la cultura contemporánea", según recordó Moore.

La retrospectiva se inició con los vídeos de 'John I'm Only Dancing' (1972), 'Jean Genie' (1972) y 'Life on Mars' (1973), dirigidos por Mick Rock, uno de los fotógrafos que mejor retrató el fenómeno 'glam', gracias a sus colaboraciones con grupos como Blondie, The Ramones o Lou Reed.

David Mallet, creador del emblemático vídeo 'I Want to Break Free' de Queen, fue otro de los colaboradores de Bowie, con quien dirigió el innovador 'Ashes to Ashes' (1980) y 'China Girl' (1983), y de quien se mostró, asimismo, el temprano 'DJ' (1979).

Moore también incluyó el videoclip que realizó el aclamado director cinematográfico estadounidense Gus Van Sant, 'Fame 90' (1990), y otras piezas de Stanley Dorfman, Julien Temple, Floria Sigismondi, Sam Bayer, Walter Stern y Dom & Nic.

'Blue Jean' (1984), 'As the World Falls Down' (1986), 'Jump They Say' (1993), 'The Hearts Filthy Lesson' (1995), 'Dead Man Walking' (1997), 'I'm Afraid of Americans' (1997) y 'Survive' (1999) completan los que, al menos para Thurston Moore, son los mejores videoclips de Bowie.

El MoMA recibió este mismo año toda la colección de videoclips del cantante británico como una donación de parte de los archivos de David Bowie, algo que ha permitido a la institución museística llevar a cabo la retrospectiva e incluir una de sus piezas, 'Space Oddity', en la exposición 'Looking at music'.

La muestra, que estará abierta al público hasta el próximo 5 de enero, explora el papel que ha jugado la música en la experimentación multimedia que han realizado varios artistas desde la década de los 60.



Ver videos: http://www.elmundo.es/elmundo/2008/12/02/cultura/1228218509.html
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
RETROSPECTIVA EN EL MOMA




Richard Serra: 40 años de escultura


Reúne 27 piezas de acero, plomo, caucho y fibra de vidrio

Muestra tres esculturas nuevas que ocupan unos 13.000 metros cuadrados

Se exhibe una segunda versión de la obra de 38 toneladas robada en el Museo Reina Sofía




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Richard Serra frente a su trabajo 'Sequence' en el MoMA.

NUEVA YORK.- La obra del artista estadounidense Richard Serra, vinculada a la experiencia física y la percepción subjetiva del tiempo, el espacio y la memoria, será objeto una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

Es la más monumental presentada por el MoMA al reunir 27 macizas piezas de acero, plomo, caucho y fibra de vidrio, los materiales industriales con los que ha experimentado el creador en los últimos 40 años.

Considerado uno de los escultores vivos más importantes, Serra (San Francisco, 1939) es reconocido por ampliar la definición de escultura, al hacer inherentes a ésta el proceso, el movimiento, el tiempo y la participación del espectador.

"La muestra está diseñada para pensar en el significado de la escultura, cuáles son los elementos esenciales que explora Serra -masa, forma, gravedad y balance- y la relación corporal con ésta y con el espacio que nos rodea", dijo el comisario de la muestra, Kynaston McShine.

La exhibición comienza con sus primeras obras de 1966 a 1986, continúa con dos instalaciones de acero de los 90 en el jardín de esculturas del museo y finaliza con tres obras nuevas del 2006 que ocupan unos 13.000 metros cuadrados del segundo piso del edificio.

La titánica tarea de instalación de las obras, para la que Serra prácticamente montó carpa en el museo por seis semanas, fue descrita por el director del MoMA, Glenn Lowry, como "todo un ejercicio militar".

Elementos clave: tiempo y espacio

Esta es la segunda retrospectiva de la obra escultórica de Serra organizada por el MoMA después de la de 1986, y desvela que el artista sigue radicalizando la noción de escultura, al privilegiar la experiencia física y psicológica del espacio por encima de la inactiva contemplación de un objeto sobre un pedestal.

"Considero el espacio como un material. El tiempo y el espacio son los elementos que me conciernen", dijo Serra.

El tiempo y el espacio son elementos que cada quien experimenta de manera diferente, dependiendo del ritmo de cada cuerpo, según Serra. "Una vez dentro, uno siente que la galería desaparece. Uno entra y pronto se olvida de que está en un museo", agregó el artista.

La exposición, que estará abierta hasta el 10 de septiembre, incluye además la segunda versión de su pieza 'Equal-Parallel: Guernica-Bengasi' (1986), que a principios del 2006 desapareció de un almacén del Museo Reina Sofía de Madrid, que la había adquirido.

"La rehice especialmente para esta exposición y luego regresará a España", dijo Serra, quien, dice tajantemente, no tiene idea del paradero de la monumental obra, de 38 toneladas de peso.


EL MUNDO
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
Los herederos de George Grosz se querellan contra el MoMA

Acusan al museo de no devolver varias obras que el pintor expresionista dejó en Alemania al huir de los nazis



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Cuadro 'Los autómatas republicanos' de George Grosz

El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA, en sus siglas inglesas) se enfrenta a una querella presentada en un juzgado federal por los herederos del pintor expresionista alemán George Grosz, quienes acusan a la institución de no devolver dos pinturas y acuarelas que el artista dejó en Alemania cuando en 1933 huyó de los nazis, informa The New York Times.

Las obras fueron dejadas a su marchante, Alfred Flechtein, quien a su vez fue perseguido por los nazis y huyó de Alemania. Murió en 1937, y las obras se consideraron perdidas. Se trata de las pinturas Retrato del poeta Max Herrmann-Neisse (1927) y Autorretrato con modelo (1928); y de la acuarela Autómatas republicanos (1920).

Los abogados de los demandantes aseguran que otra marchante de arte, Chralotte Weidler, también conservadora del Carnegie Institute de Pittsburg, aseguraba que había heredado de Flechteim el Retrato del poeta Max Herrmann-Neisse y que se lo había dado a Curt Valentin, una marchante alemán de Manhattan, para que se lo vendiera al MoMA en 1952.

El museo compró los Autómatas republicanos a un coleccionista de Toronto en 1946 y le fue donado el Autorretrato con modelo en 1954, señala el diario neoyorquino y añade que un portavoz del museo declinó hacer comentarios sobre el caso mientras dure el litigio.


EL PAÍS
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
La magia de Tim Burton en el MoMA


El Museo de Arte Moderno de Nueva York acoge desde el 22 de noviembre un restrospectiva sobre el universo onírico del cineasta Tim Burton, autor de filmes como 'Eduardo Manostijeras', 'La novia cadáver' y 'Pesadilla antes de Navidad'. En la muestra se descubre las distintas facetas del artista en sus trabajos como ilustrador, fotógrafo y pintor. En esta muerta que se podrá visitar hasta el próximo mes de abril, no faltan imágenes de sus películas más importantes, pinturas al óleo y bocetos pensados para los rodajes


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Sin título (Chica con calavera), 1992-1999. Tim Burton es el padre de Eduardo Manostijeras, Beetlejuice o Chico Ostra entre otros muchos personajes que habitan su universo infantil y siniestro. Polaroid (83.8 x 55.9 cm). Colección Privada.


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Sin título (Eduardo Manostijeras), 1990. En la imagen, boceto para la película Eduardo Manostijeras (1990) en la que Jonny Deep interpretaba a un autómata de buen corazón con cuchillas por dedos. Pluma, tinta, lápiz y papel. (36.2 x 22.9 cm). Colección Privada. Edward Scissorhands .


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Chica azul con vino. c. 1997. La exposición reúne 700 piezas entre dibujos originales, fotografías, muñecos, maquetas y un largo etcétera de objetos fruto del oscuro imaginario del artista, muchos de ellos inéditos. Óleo sobre lienzo. (71.1 x 55.9 cm). Colección Privada.


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Sin título (Ramone). 1980-1990. Los admiradores del artista tendrán la oportunidad de ver piezas insólitas como esta caricatura del cantante Joe Ramone. Pluma, tinta, rotulador y lápiz de color sobre papel. (27.9 x 22.9 cm). Colección privada.


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Sin título.(Creature Series). 1997-1998. Ron Magliozzi, uno de los comisarios de la exposición ha dicho de Burton que "no hay otro cineasta vivo con su reputación y sus logros profesionales cuyo trabajo haya sido tan inaccesible para el público. Ver todo lo que ha estado escondido hasta ahora en un contexto expositivo debería servir para revalorizarle". Pastel sobre papel. (35.6 x 27.9 cm). Colección privada.


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Sin título (The Melancholy Death of Oyster Boy and Other Stories). 1982-1984. La melancólica muerte del Chico Ostra y otros cuentos ilustrado y dirigido por Burton narra las peripecias del niño con cabeza de crustáceo y otros tantos muchachos extraños y solitarios omnipresentes en su obra. La muestra reúne algunos bocetos originales de la colección de cuentos. Pluma y tinta, rotulador, lápiz de color sobre papel. (25.4 x 22.9 cm). Colección privada.


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Sin título (The Melancholy Death of Oyster Boy and Other Stories). 1998. La exposición representa la primera oportunidad para el público para ver trabajos de juventud de Burton. También incluye trabajos inacabados y los que realizó en la etapa menos conocida de su carrera en los estudios Disney. Pluma, tinta, acuarela sobre papel. (27.9 x 35.6 cm). Colección privada.


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Sin título (Truco o trato). 1980. Junto a la obra del cineasta el MoMA presenta una exposición paralela The lurid beauty of monsters (La morbosa belleza de los monstruos) que reúne una serie de películas escogidas por Burton que le influenciaron, le intrigaron o le sirvieron de inspiración. Nosferatu de Murnau o El gabinete del Dr. Caligari de Wiener están entre las escogidas. Pluma, tinta, acuarela lavada sobre papel (38.1 x 30.5 cm). Colección privada.



Tim Burton / EL PAÍS
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
La evolución creativa de Matisse puede verse en las salas del MoMA


Desde 1909 el pintor francés reelabora sin cesar toda su obra

La restauración de 'Bañistas en el río' evoca su pasión por la experimentación




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Bañistas en el río (1909-1910), de Henri Matisse, cuadro cuya restauración ha inspirado la exposición del MoMA

A veces restaurar un cuadro puede llevar a descubrir misterios soterrados bajo el lienzo de los que solo el propio autor era consciente y que permiten mirar hacia el artista desde una nueva perspectiva. Bajo la superficie del cuadro de Henri Matisse Bañistas en el río (1917), joya de la colección del Art Institute de Chicago, se escondían nueve años de trabajo en los que el pintor francés viajó de un lienzo lleno de color similar a los de su primera etapa a otro con connotaciones cubistas para finalmente terminarlo con una dosis de experimentación que culminaría en la obra que todos conocemos y que desde el próximo domingo corona la muestra Matisse, Radical invention 1913-1917, en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

Tras haberse mostrado previamente en el Art Institute de Chicago, esta exposición -compuesta por 110 obras- plantea una nueva forma de mirar hacia uno de los periodos clave en la cronología del artista. "El germen de la exposición está precisamente en el trabajo de restauración de Bañistas en el río. El Art Institute quería mostrar el lienzo en todo su esplendor y me llamaron como asesor. Al eliminar las capas de barniz y de antiguas restauraciones, y a través de rayos X y otras técnicas descubrimos líneas ocultas y colores más cercanos a su primera época que a la fecha en la que finalizó el cuadro. Entonces decidimos analizar otras 25 obras de este periodo y vimos que había similitudes. Así nació esta muestra, centrada en ese periodo tan especial de Matisse que hasta ahora no se había analizado en profundidad". Con su fuerte acento británico, el conservador jefe emérito de pintura y escultura del MoMA, John Elderfield, explica con pasión de erudito el viaje de cinco años junto a su colega Stephanie D'Alessandro, del museo de Chicago, y que ha culminado con esta exposición, ordenada cronológicamente y que arranca con un pequeño cuadro de Cézanne, Tres bañistas, adquirido por Matisse en 1899.

"Le intrigaba Cézanne, aunque nunca lo había entendido del todo. Pero cuando vio este cuadro se enamoró, aunque no podía pagarlo. Se acababa de casar y su mujer, que recibió un anillo de diamantes por la boda, decidió cambiar el anillo por el cuadro. Ese lienzo es la piedra angular para desarrollar una nueva forma de composición y trabajo con el color", asegura Elderfield. Así, en la primera sala se ven diversos trabajos inspirados en esa obra, entre ellos Bañistas con tortuga (1909), que inauguraría un periodo caracterizado por el continuo retorno a lienzos pintados previamente. "Los cambios no ocurren de la noche a la mañana, por eso hemos querido mostrar cómo se va a acercando a ellos", dice Elderfield. La primera entrega de la escultura La espalda I, también está fechada en 1909. Matisse realizaría cuatro versiones diferentes en los siguientes 20 años, utilizando siempre el molde de la anterior para arrancar.

Sus viajes a Marruecos provocarán un giro radical en las composiciones de este artista nacido en 1869 y al que su encuentro con otros paisajes hizo interesarse por las estructuras formales y dejar de lado su interés por el color. En 1913 pinta tres obras diferentes a todo lo hecho anteriormente: La ventana azul, Flores y plato de cerámica y Retrato de Madame Matisse. Retratos como Mujer italiana o el espectacular lienzo Los marroquíes, ambos de 1916, dejan constancia de los atrevimientos de este artista al que también marcó la frustración de no poder participar (por su edad) en la I Guerra Mundial. Lo escribió en 1916: "A veces me enferma pensar en todo lo que no estoy participando ni contribuyendo. Trabajo todo lo que puedo... No puedo decir que no luche, pero no es la lucha real".


EL PAÍS
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
Picasso: Guitarras 1912-1914
Exposición MoMA Nueva York
Del 13 Febrero al 6 Junio de 2011




Cirujano Picasso



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¿Otra exposición dedicada a Picasso? Sí. De las que los enemigos del malagueño necesitan pasar con caldo de almax. No una elefantiásica, destinada a congregar multitudes, sino pequeña, turbadora, necesaria. Picasso: guitars 1912-1914, es la historia viva del cubismo. Ese zarpazo parido entre el genio y su amigo Georges Braque. Muestra collages, dibujos, óleos (pocos) y esculturas en los que la guitarra descompuesta aparece y desaparece. Dos años después de soliviantar retinas con Las señoritas de Avignon, Picasso viaja en compañía del cortocircuito. Discute los principios últimos del arte. ¿Qué es hermoso? ¿Qué puede hacerse mientras Einstein dinamita las esferas y el cinematógrafo y la fotografía devoran la representación? ¿Hasta donde llegar? ¿Cuales son los límites? Como explica Holland Cotter en su crónica para el New York Times, «El cubismo fue, inicialmente, menos un estilo (aunque llegaría a serlo) que una manera de repensar el papel del arte en el mundo (…) Por una parte, se enchufaría al mundo real, cotidiano (en contraposición a la Academia), por el otro lado, crearía un mundo propio, que abrazará una constante experimentación pero también remodela las tradiciones existentes».

Por supuesto que esos parámetros, con el auge de la "posposposposmodernidad" (Montalbán dixit) derivarían en una suerte de lánguida apropiación de códigos sin otra chicha que el mero y sonriente niquelado que nada muerde o cuestiona. En la boutade inane. En la performance de genealogía estalinista que no cuenta nada, primero, ya lo explicaba David Mamet, por miedo a acabar en el gulag. Una vez exportada, triunfante, porque el mensaje pierde tracción, tuétano, hasta convertirse en incómodo abanico del que el artista prescinde. Así, hasta desembocar en cierto cine experimental, ciertos cortos patrocinados, cierta novela idiota, cierto vídeoarte, casi todo, que hace de la metáfora vacía, cool, estridente, niñata, su única bandera. Picasso no tiene la culpa. Ni de la miríada de tonterías que reciben bendiciones críticas ni de la caricaturización del arte moderno que acabo de perpetrar. Picasso, a lo suyo. A recoger y despojar influencias.

En la exposición del MoMA Picasso abarca cafés humeantes. Estudios gélidos. Postales vistas desde su ventana. Botellas y migas de pan sobre el hule a cuadros que hay frente al caballete. Periódicos de calendario quemado. Etc. Como un monje paciente y loco borra lo prescindible. Los clientes del café. El camarero. El perrito que husmea bajo las mesas, los churros, las bufandas, el vaho de los cristales, los ceniceros bronquíticos, las conversaciones y hasta las puertas. Elimina a la casera gorda. Al vecino mirón. Las telarañas del estudio. Las manchas de semen en las sábanas de la modelo y la modelo misma. Los anuncios por palabras. Los grandes discursos políticos, los columnistas y titulares del diario. Todo lo que los pintores previos dibujaron con paciencia, barba amarilla, muñeca somnolienta, anillo de diamante falso, sombrero de artista respetable, ardor de estómago y bostezo. Deja lo necesario. El perfil femenino de la guitarra. La sombra de unos muslos automáticos. El trasluz de las palabras colocadas junto a la bombilla insuficiente. Con eso, con lo mínimo, busca la función última, el interruptor cerebral que lejos de querer abrumarnos o perpetrar la mera continuación de lo ya visto redescubre la vida y desabrocha sus venas. Rechazadas las convenciones, guías y estilos destripará el mundo con intención y finura de relojero valiente. Construirá esqueletos desprovistos de mala literatura y peores costumbres.


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Picasso en su estudio, sin datar

Tan amante de la figura humana, tan capaz de radiografiar una psique abocetando un ojo, abandona los tristes arlequines, los niños con paloma, los payasos azules. Deja para más tarde el colosalismo de las bellísimas gordas que corren por la playa, los minotauros priápicos, las palomas románticas, los mosqueteros, para cuando la planta necesite reactivarse bebiendo en el limo de la pintura barroca española, cuando la Guerra Civil solicite de una pasión política que veinte años antes congela en favor de un ruidoso silencio. Con los años llegaría a ser una repetición de sí mismo, como por otra parte le sucede a cualquier artista con demasiada obra. En 1912, antes del triunfo, hambriento de gloria, incapaz de abrazarla por vías convencionales, se maneja con poco. Con los cuchillos que evisceran objetos. Que galvanizan, felices, la música oculta para cualquiera excepto el pintor atento.

Según sentencia luminosa de Arcadi Espada a Picasso solo le interesaron dos cosas. Su polla y su pintura. Eso que ganamos quienes estamos hartos de tanto creador palabrero y tanto ego derrochado en salvas. Durante siglos el arte desempeñó un papel mágico u ornamental. Después, en tiempos recientes, quedaría dañado por los misioneros de la jerga, los críticos alelados, la nausea que provocan las noticias de subastas millonarias, los modernos sin nada que contar, su metafísica curil, los catálogos de prosa tartaja, las sublimes instalaciones que invitan al pistoletazo. En 1912, ajeno a lo ya visto, incapaz de otra cosa que no fuera cabalgar el tigre, Picasso modelaba el cubismo. También podría haberlo llamado verdad. Cirugía.


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Guitars 1912-14. Obra de Pablo Picasso. (Naturaleza muerta con guitarra). Estado Variant. París, reunidos antes de Noviembre 15 de 1913. Posteriormente conservado por el artista. Cartón, papel, cuerda y alambre pintado instalado con caja de cartón cortado, 76,2 x 52,1 x 19.7cm. Museo de Arte Moderno de Nueva York. Regalo artista.



elmundo.es / moma.org / pinterest.com
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
El MoMA dedica por primera vez una exposición a Willem de Kooning



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Two Women with Still Life, 1952. Obra de Willem de Kooning

[size=14][b]El Museo de Arte Moderno de Nueva Yor (MoMA) dedica por primera vez una exposición a Willem de Kooning (1904-1997), icono del expresionismo abstracto, en la que reúne unas doscientas obras del que fue uno de los artistas más destacados y prolíficos del siglo XX.


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Seated Woman, c. 1940. Obra de Willem de Kooning

La retrospectiva, que se podrá visitar hasta el 9 de enero de 2012, ocupa la sexta planta del museo de arte moderno de Nueva York, con casi 200 obras, entre pinturas, esculturas o dibujos, procedentes tanto de museos como de colecciones privadas y públicas, y desplegadas en siete salas que ocupan más de 1.500 metros cuadrados.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
Cinco murales de Diego Rivera regresan al MOMA de Nueva York


El MoMA expone cinco de los ocho murales que el museo encargó al pintor mexicano en 1931


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'Energía electrica, es uno de los murales de Diego Rivera


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'El levantamiento', de Diego Rivera


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Boceto 'Taladro neumático', de Diego Rivera


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Detalle del boceto 'Zapata, lider agrario', de Diego Rivera


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'Guerrero indio', 1931, de Diego Rivera



Más info
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
jLuis ....Difícil de describir. Me ha gustado mucho, mucho, muchisimo. Gracias a ti he podido admirar con todo lujo de detalles, algo que se que jamas ire a visitar. Me he pasado una tarde deliciosa. Eres genial, haces unos trabajos perfectos y que nos hacen creer que estamos viendolos personalmente.
Ahora ya podre alardear entre mis conocidos que conozco el Moma mas que muchos que allan estado visitandolo.
Estas haciendo una gran tarea, enseñarnos al que no sabemos o no podemos ir. Dios te bendiga.        
 



 
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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
Gracias desamp por tu amabilidad, me alegro que te gusten mi ytrabajos. Te animo a que participes en el foro de xerbar.




 

Saludos.





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El MoMA ‘arrebata’ una obra maestra del arte contemporáneo al MET


El águila que contiene 'Canyon', de Robert Rauschenberg, está sujeta a impuestos por tratarse de un animal protegido, razón por la que sus dueños han decidido regalar la pieza



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Robert Rauschenberg (American, 1925-2008). Canyon, 1959. Combine painting. 220.3 x 177.8 x 61 cm (86 3/4 x 70 x 24 in.). Sonnabend Collection, New York.

En ocasiones poseer una obra maestra del arte contemporáneo no es sinónimo de inversión. Los dueños de Canyon, los hijos de la galerista Ileana Sonnabend, lo saben bien. El cuadro, una de las famosas combinaciones del artista Robert Rauschenberg, contiene un águila calva, una especie protegida de acuerdo con las leyes federales, que impiden que éste pueda venderse o adquirirse y que grava su posesión. La Agencia Tributaria de Estados Unidos llegó a un acuerdo con los propietarios de la pieza en virtud del cual les eximía de tributar por él 41 millones de dólares a cambio de que lo regalaran a un museo.

Canyon se había convertido en una de las obras más codiciadas del director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, MoMA, Glenn D. Lowry, desde que hace 17 años tomara las riendas de la galería. La pieza, una suerte de collage realizado con óleo, lápiz, metal, acrílico, cartón, papel de periódico, fotografías, madera, tubos de plástico, espejos, un águila disecada, cuerda y una almohada, estaba expuesta desde 2005 en el Metropolitan Museum, Met. Cuando se supo que los propietarios de la combinación estaban dispuestos a regalarlo, ambas entidades se apresuraron a cortejar a los dueños para quedarse con la codiciada pintura.

La Agencia Tributaria de Estados Unidos llegó a un acuerdo con los propietarios de la pieza en virtud del cual les eximía de tributar por él 41 millones de dólares a cambio de que lo regalaran a un museo

Finalmente los herederos de Sonnabend se decantaron por el Museo de Arte Contemporáneo porque “allí tendrá el rango de una estrella, algo que no hubiera ocurrido con el Met”, según declaró el abogado de la familia, Ralph Lerner. El MoMA posee otras cinco combinaciones de Rauschenberg, además de obras de Willem de Kooning y Joseph Cornell, dos autores en los que el pintor tejano se inspiró.

La comisaria de pintura y escultura de la galería, Ann Temkin, cree que ese factor también fue importante en la decisión. “Así se puede entender al autor en su contexto, ofreciendo a los espectadores una visión del trabajo de Rauschenberg que de otro modo no obtendrían”, explicó Temkin el pasado martes durante la presentación de la nueva adquisición del MoMA. “Si tuvieras que soñar con un lugar donde disfrutar de la obra del artista probablemente imaginarías a Rebus y Bed [dos de las obras de Rauschenberg que se encuentran en la colección de la pinacoteca] conversando con Canyon”, indicó en el mismo acto Lowry.

Además de por el entorno, otro de los motivos que influyeron en la resolución de los propietarios fue la oportunidad de ver el nombre de su madre en el muro que contiene los nombres de los fundadores del museo y que se  encuentra a la entrada del MoMA, si bien los propietarios tratan de trivializar esa circunstancia. “Poner tu nombre en una placa y todo eso no es lo que más importa a la familia”, indicó su abogado. Esta oferta también realizaron los responsables del Met, pero no convenció a los dueños de Canyon.

La obra que Rauschenberg realizó en 1959 está inspirada en la pintura de Rembrandt, El rapto de Ganímedes, que el holandés realizó en 1635 y que representa el secuestro del joven por Zeus, convertido en águila, para que le sirviera de copero y amante. En la recreación del artista estadounidense, el jefe del Olimpo está representado por un águila calva disecada, regalo de su amigo, el artista Sari Dienes, y Ganímedes adopta la forma de una almohada suspendida de una cuerda.

Otro de los motivos que influyeron en la resolución de los propietarios fue la oportunidad de ver el nombre de su madre en el muro que contiene los nombres de los fundadores del museo

Los agentes del Servicio de Pesca y Naturaleza de EE UU fueron los primeros en reparar en la excepcionalidad de Canyon en 1981 cuando interceptaron la obra en la aduana tras haber estado expuesta en varias capitales europeas. Entonces el Departamento de Interior no puso reparos legales a la dueña, la señora Sonnabend, pero en 1998, cuando trató de ceder la combinación para una retrospectiva de Rauschenberg, la Administración le exigió que pagara impuestos por la pieza, al contener un animal protegido -disecado, sí, pero protegido igualmente- o que lo donara a un museo.

La galerista no fue la primera en tener problemas con el águila. El propio Rauschenberg fue obligado a declarar ante notario que el ave había sido disecada antes de 1940, la fecha en la que entró en vigor la Ley de Protección del Águila Calva. De acuerdo con el juramento del pintor, que los agentes federales creyeron en el acto, Dienes rescató el animal, que ya había pasado por las manos de un taxidermista, de un cubo de basura en Carnegie Hall. Al parecer, la rapaz había pertenecido previamente a un terrateniente que en su juventud fue miembro de los Rough Riders de Theodore Roosevelt, como se denominaba al grupo de voluntarios que se alistó para luchar en la Guerra de Cuba contra el Ejército español en 1898.

El águila y el cuadro cuelgan desde el miércoles pasado de las paredes del MoMA, que en 2013 albergará una exposición especial que tendrá a Canyon como protagonista.


elpais.com
 




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Mensaje Re: MoMA (Museo De Arte Moderno De Nueva York) 
 
Crece la polémica por la discutida ampliación del MoMA


El plan de renovación del museo conllevará la demolición el American Folk Art Museum, situado en la finca contigua



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Fotografía cedida de un esbozo del concepto creado por el estudio de arquitectos Diller Scofidio - Renfro. / Diller Scofidio Renfro (EFE)

El anuncio de que la ampliación del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA, por sus siglas en inglés) provocará la demolición del Museo de Arte Popular Americano (AFAM, en sus siglas en inglés), situado en la calle 53 West, justo a su lado, ha encendido la polémica en la Gran Manzana, a pesar de que era lo esperado. La expansión, que está dirigida por el estudio de arquitectura Diller Scofidio + Renfro comenzará este próximo verano e incluye, además, la ocupación de las tres primeras plantas de una nueva torre residencial de 82 pisos que se construirá al otro, según confirmaron fuentes del museo la semana pasada.

El director del MoMA, Gleen Lowry, que lleva 20 años al frente del museo y es el máximo responsable del rediseño, ha asegurado que a pesar de que los arquitectos han revisado todas las opciones, “nuestro objetivo de crear más galerías y espacios públicos para el museo que exigen demoler el AFAM”. “Es la única manera de lograr una sede completamente integrada”, añadió Lowry en el texto. “Con estas nuevas galerías, que proporcionarán un 30% más de espacio para disfrutar de la colección del MoMA, vamos a ser capaces de ampliar nuestra programación, presentar las recientes adquisiciones y reunir obras de todos los medios en formas nuevas e inesperadas", concluyó Lowry.

El AFAM tiene 13 años de vida (construido de 1997 a 2001 por los arquitectos Tod Williams y Billie Tsien). El edificio es reconocido por su fachada de bronce y será derribado para acoger un edificio de cristal -más a tono con el estilo del MoMA- y que ampliará las instalaciones del museo en más de 3.700 metros cuadrados.

En este espacio habrá dos zonas abiertas al público -que incluirán una reconfiguración del jardín de esculturas Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden-; dos aéreas que acogerán exposiciones itinerantes, y un espacio para representaciones artísticas. El nuevo edificio se comunicará con el centro de arte moderno directamente desde la calle, lo que facilitará, según el museo, el tránsito de personas. El MoMA, fundado en 1929, es uno de los destinos turísticos favoritos y más visitados -con unos tres millones de visitas al año - de Nueva York.

La decisión de acabar con el AFAM, adquirido por el MoMA en 2011, ya fue acogida negativamente por el mundo de la arquitectura cuando se anunció por primera vez su demolición en abril de 2013. Tras esta reacción, el plan fue revisado por expertos para intentar salvar todo lo posible del edificio. La revisión ha durado seis meses, aunque no ha prosperado y el derribo del AFAM es inminente.


elpais.com
 




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