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GAUGUIN (Eugène Henri Paul Gauguin)
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Mensaje GAUGUIN (Eugène Henri Paul Gauguin) 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado al pintor francés, Eugène Henri Paul Gauguin (1848-1903), su estilo inicial fue el impresionismo, pero fue derivando a lo largo de su carrera a otros estilos.

0000_1423418599_937206Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 9 de mayo de 1903) fue un pintor postimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en la cultura occidental.

De sus pinturas de Martinica, opinó Van Gogh:

    «¡Formidables! No fueron pintadas con el pincel, sino con el falo. Cuadros que al mismo tiempo que arte son pecados (...) Esta es la gran pintura que sale de las entrañas, de la sangre, como el esperma sale del sexo».

Su obra está considerada entre las más importantes de los pintores franceses del siglo XIX y mantuvo su influjo más tiempo que los impresionistas, contribuyendo decisivamente al arte moderno del siglo XX. Sus experimentos sobre el color y, en general, el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, tanto en Picasso como en el expresionismo alemán, y tuvieron especial impacto sobre el fauvismo (movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908).


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Paul Gauguin - Autorretrato, (1893) Museo de Orsay, París


Sus inicios

De familia liberal, era hijo de Clovis Gauguin, un periodista antimonárquico, y de la peruana Aline Marie Chazal, hija de la feminista Flora Tristan. Cuando Paul contaba sólo con un año, la familia tuvo que huir a América tras el golpe de Estado de Napoleón III en 1851. Durante el viaje su padre murió y su madre tuvo que recurrir a la hospitalidad de sus parientes en Lima (Perú). En esta ciudad pasó sus primeros años de infancia.

En 1855 regresan a Francia, a Orleans y se instalan en casa de su tío Isidore. Gauguin estudiará en Orleans entre 1859 y 1865. Se embarca en la marina mercante siendo aún muy joven, y luego en la Armada Francesa, en la que sirve a bordo de la corbeta Jerôme Napoléon.

A su regreso de Francia en 1870, se convirtió en agente de cambio para la empresa Bertin en la Bolsa de París, teniendo bastante éxito en sus negocios. Llevó una vida burguesa y acomodada junto a su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos: Émile , Aline, Clovis, Jean-René y Paul-Rollon.


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Paul Gauguin - El baile de las cuatro bretonas (1888) Neue Pinakothek - Múnich.

Su tutor, Gustave Arosa, hombre de negocios y gran amante del arte, introdujo a Gauguin entre los impresionistas. En 1874, conoce la obra del pintor Camille Pissarro y visita por primera vez una muestra de pintura impresionista. Al igual que su tutor, se aficiona al arte, lo que le lleva a tomar clases de pintura y a hacer sus primeros intentos de creación en este terreno. Expone sus obras junto a los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886 y reúne una colección personal con obra de Manet, Cézanne, Monet y Camille Pissarro .

En 1882, deja su trabajo en la Bolsa para dedicarse por completo a su nueva pasión, la pintura. Como eso no le basta para sobrevivir, se marcha a vivir con su mujer e hijos con la familia de ésta a Copenhague. Las relaciones con su familia política no son buenas y sus negocios tampoco van bien. Decide regresar a París en 1885 para dedicarse exclusivamente a la pintura, pero incapaz de asegurar la subsistencia de su familia, abandona a su mujer y a sus hijos en Dinamarca.

Gauguin se traslada a Ruan, en Normandía, en donde se ha instalado Pissarro, pero en 1887 decide viajar junto a su amigo Charles Laval a Panamá, en la restaurada República de Colombia.


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Paul Gauguin - Jinetes en la playa, (1902).


Viaje a las Antillas

Gauguin llegó al istmo de Panamá, en abril de 1887, a la isla de Taboga, de la cual diría en una carta: "está casi deshabitada y es muy fértil. Llevo mis colores y mis pinceles y me empaparé de ellos lejos de todos los seres humanos". Después no sería tan elocuente sobre el entorno panameño, como le dice a su esposa, Mette-Sophie, desde la Ciudad de Panamá, - donde su cuñado colombiano (esposo de su hermana Marié Gauguin Tristán) lo había invitado con promesas de conseguirle un trabajo estable –.

En la siguiente carta a Mette-Sophie le contará su desventura ocurrida en el barrio de San Felipe, donde fue tomado preso por la policía, por el delito de haber orinado en una de sus calles.2 Durante un tiempo trabajará en la perforación del canal, como obrero de la Panama Canal Company, pero el clima y las enfermedades tropicales lo postran muy pronto. Apenas recuperado de la disentería y el paludismo o fiebre amarilla, continúa el periplo en la isla Martinica en 1888.

De este viaje al Caribe, que resultaría fundamental para su futuro artístico, puesto que le mostró la sensualidad del color y lo interesó por una naturaleza primitiva capaz de acentuar las relaciones humanas, Gauguin regresará a Europa enfermo y abatido. Allí encuentra la hospitalidad de Theo Van Gogh, quién además expondrá sus pinturas en su propia galería.


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Paul Gauguin - Fatata Te Miti (cerca del mar) 1892, Washington, National Gallery of Art


Etapa en Bretaña

Pero dejando aparte este viaje, entre 1886 y 1891, vive principalmente en Bretaña en donde se convierte en el centro de un grupo de pintores experimentales, conocidos con el nombre de Escuela de Pont-Aven. Allí tuvo como discípulos a Émile Bernard, Paul Sérusier y Maurice Denis, que constituirían el llamado simbolismo (Grupo de los Nabis). Su estilo de pintura empezará a transformarse desde las cercanías del impresionismo hasta un estilo mucho más personal.

Por influencia de uno de sus jóvenes discípulos, Émile Bernard, su estilo evoluciona a lo que se ha dado en llamar sintetismo, un modo de pintar más natural y sintético. Busca inspiración en el arte indígena, en las vidrieras medievales y en las estampas japonesas.

Estas últimas las descubre gracias al holandés Vincent Van Gogh en 1888 en los dos meses en los que viven juntos (entre octubre y diciembre) en Arlés, en el sur de Francia, dedicándose ambos a pintar. Gauguin había conocido a Vincent y Theo Van Gogh en París en 1886, y había quedado impresionado por la expresividad de Vincent. Trabajan juntos y pintan la serie de vistas de Alyscamps. Pero la convivencia es muy difícil, ambos tienen un carácter muy temperamental, y Gauguin se cansa de Vincent. Van Gogh tratará de suicidarse más adelante. Su convivencia se deteriora y acaba con el famoso episodio de la oreja cortada de Van Gogh. Se sabe que Van Gogh tenía problemas emocionales y que se cortó la oreja; pero no es tan seguro que fuese por culpa de Gauguin. Anécdota que puede ser real o un mito.


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Paul Gauguin - Mujeres de Tahití (En la playa), (1891), Museo de Orsay, París


Vida en Polinesia

Arruinado y enfermo, Gauguin se embarca en 1891 hacia la Polinesia, con el dinero conseguido en una exposición en el Hotel Brouot, éxito alcanzado gracias a las críticas favorables de Octave Mirbeau. Se establece en Tahití, tratando de huir de la civilización europea y de todo lo artificial y convencional. Empieza también a redactar un relato autobiográfico ("Noa"). Sin embargo, una enfermedad en los ojos, la soledad y la falta de dinero le obligan a regresar a Francia junto a su compañera javanesa Ana. En Francia recibe la inesperada herencia de su tío Isidore, y consigue vender unos pocos cuadros, por lo que regresa ya de modo definitivo a Polinesia.

Las características esenciales de su pintura (en la que sigue usando grandes superficies de colores vivos) no experimentan demasiados cambios. Su primitivismo se atempera por la influencia de algunos pintores neoclásicos como Ingres o contemporáneos como Puvis de Chavannes. Cuida especialmente la expresividad de los colores, la búsqueda de la perspectiva y el uso de formas plenas y voluminosas. Influido por el entorno tropical y la cultura polinesia, anticipa el arte abstracto: simplifica aún más las composiciones dando preponderancia al color y a la idea que el color puede sugerir, su obra adquiere fuerza, lleva a cabo esculturas en madera y pinta sus cuadros más bellos, en especial su obra más importante y de mayor dimensión, que hoy se encuentra en el Museum of Fine Arts de Boston: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, que él mismo considera su testamento pictórico.

En Tahití, conocerá a Tehura, que se convertirá en su modelo. Está muy inspirado y pinta 70 lienzos en unos pocos meses. Pero tras algunos años de felicidad en los que publica su autobiografía "Noa", problemas administrativos y personales (su hija preferida Aline muere) lo hunden. También tiene problemas de salud: una herida en la pierna que no consigue curar desde 1894 y una crisis de sífilis. Hacia los últimos años de su vida formó pareja y tuvo un hijo, Émile, con Pau'ura, una joven de las Islas Marquesas, pero también contrajo lepra. En 1897 intenta suicidarse, después sobrevive prácticamente en la miseria con una pequeña pensión que desde París le enviaba un marchante.

Decide entonces establecerse definitivamente en las Islas Marquesas para volver a encontrar la inspiración. En 1901, llega a Atuona, en las Islas Marquesas. Cree estar en el paraíso. Pronto se dará cuenta de su error al conocer los abusos cometidos por las autoridades y al tratar de defender a los indígenas. Se dedicó a realizar esculturas "primitivas".

Débil, cansado de luchar, muere el 9 de mayo de 1903.


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La escultura Thérese (1902), de Gauguin, consiguió 30,9 millones de dólares de precio final, más que ninguna obra anterior del artista. La subastada se celebró en Christie's y tuvo lugar el 9/11/2015. Thérese representa una mujer Polinesia que trabajó para el obispo católico de las Islas Marquesas José Martin.


Obras destacadas de Gauguin

    - El lago en la llanura, (1874), Museo Fitzwilliam, Cambridge
    - El Sena en el puente de Jena, (1875), Museo de Orsay, París
    - Paisaje de otoño, (1877), Colección particular.
    - Mette Gauguin cosiendo, (hacia 1878), Colección Bührle, Zúrich
    - Jardín bajo la nieve, (1879), Szépmûvészeti Múzeum, Budapest
    - Los hortelanos de Vaugirard, (1879), Smith College Museum of Art, Northampton, Massachusetts
    - Estudio de un desnudo o Susana cosiendo, (1880), Ny Carlsberg Glypotek, Copenhague
    - Interior del artista en París, rue Carcel, (1881), Nasjonalgalleriet, Oslo
    - Jardín en Vaugirard, (1881), Ny Carlsberg Glypotek, Copenhague
    - Ruan, tejados azules, (1884, Colección particular, Winterthur, Suiza
    - Mette Gauguin con traje de noche, (1884), Ny Carlsberg Glypotek, Copenhague
    - La visión tras el sermón, (1888), Galería nacional de Escocia, Edimburgo
    - Lavanderas de Arlés (1888), Museo de Bellas Artes de Bilbao
    - El cristo verde (1889)
    - El Cristo amarillo, óleo sobre lienzo de 92 x 73 cm, pintado en 1889. Se encuentra en el Museo Albright-Knox[1] de Buffalo (Nueva York).
    - La bella Ángela, óleo sobre lienzo de 92 x 73 cm, pintado en 1889. Se encuentra en el Museo de Orsay, París.
    - Mujeres de Tahití (En la playa), (1891), Museo de Orsay, París
    - Manao Tupapau, (1892)
    - Ta Matete (1892), Museo de Orsay, París
    - Mata Mua (1892), Colección Carmen Thyssen-Bornemisza
    - Yo te saludo, María (Ia orana Maria), óleo sobre lienzo de 113,7 x 87,7 cm, pintado en 1892. Se encuentra en el Metropolitan Museum[2] de Nueva York
    - Arearea, (1892), Museo de Orsay, París
    - Autorretrato con sombrero, (1893)
    - Campesinas bretonas, (1894), Museo de Orsay, París
    - Vairumati (1897), Museo de Orsay, París
    - Never more, óleo sobre lienzo de 68 x 116 cm, pintado en 1897. Se encuentra en Courtauld Gallery, Londres.
    - ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? (1897), Museum of Fine Arts, Boston
    - Joven con abanico, óleo sobre lienzo de 92 x 73 cm, pintado en 1902. Se encuentra en Museo Folkwang[3] en Essen, Alemania.
    - Cuentos bárbaros, (1902), Museo Folkwang, Essen
    - Dos mujeres o La cabellera florida

He realizado una recopilación de la obra de Paul Gauguin, que espero sea del agrado de los visitantes de esta sección de arte del foro de xerbar, y en lo posible contribya en su divulgación.






Algunas obras


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El Cristo amarillo. Obra de Paul Gauguin, 1889, Óleo sobre lienzo, 92,1 × 73,3 cm. Buffalo, Museo Albright-Knox de Buffalo (Estados Unidos). El cuadro sigue la técnica del cloisonné inspirada en los esmaltes y vidrieras. Grandes zonas de color plano son delimitadas por contornos en azul o negro. Además, es una muestra del fauvismo influenciado por van Gogh donde el elemento primordial es el color. Gauguin llama su estilo como sintetismo ya que sintetiza la observación del sujeto con los sentimientos que provoca el artista.

La coloración es típica del otoño bretona. En paralelo con el amarillo de Cristo, se combinan amarillos, naranjas y verdes. La tradición bretona da un significado espiritual en otoño considerándola como una «crucifixión» de los cultivos que resucitan en primavera.

Para la figura central de Cristo, el pintor se inspiró en una talla policromada del siglo XVII, de autor anónimo, que se encuentra en la capilla de Trémalo, a las afueras de Pont-Aven. El color blanquecino pálido de Cristo es transformado por Gauguin en amarillo.

Junto a Cristo se muestran tres mujeres bretonas en actitud reverente que ocupan el lugar histórico de las Marías en la Crucifixión. La actitud reverente sugiere la misma devoción mostrada en el cuadro de La visión tras el sermón. La figura de Cristo en medio del cuadro es una visión que aparece a las mujeres que están rezando. Los motivos centrales están desplazados hacia la izquierda. En el plano medio de la derecha una figura salta una valla interpretado como una evasión. Al fondo el campo bretón y casas dispersas entre los árboles.


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Obra de Paul Gauguin - Autorretrato con Cristo amarillo, 1889.

El mismo año, Gauguin volvió a pintar el Cristo amarillo en Autorretrato con Cristo amarillo. Es un cuadro dentro de otro cuadro. Detrás del autorretrato en primer plano se muestra la figura central de Cristo amarillo invertida como en un espejo. El rostro de Cristo muestra aquí similitudes con la fisonomía del propio artista.

Un estudio del Cristo amarillo hecho a lápiz se conserva en la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, y un esbozo en acuarela en la colección Chapman de Nueva York.


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La visión tras el sermón, también llamado La lucha de Jacob con el ángel es un cuadro del pintor francés Paul Gauguin. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 73 cm de alto y 92 cm de ancho. Fue pintado en 1888. Se encuentra en la National Gallery of Scotland, Edimburgo, Reino Unido.

Considerada como una de las primeras obras del estilo simbolista en el que empieza a trabajar el artista desde ese momento. Fue pintado para una iglesia de la zona pero el párroco la rechazó.

Esta obra la pintó el autor durante una segunda estancia en Pont-Aven (Bretaña), obra en la que pretende representar, según él mismo señala la «simplicidad rústica y supersticiosa». Es una obra característica de la escuela de Pont-Aven.

Respecto a la descripción formal de la obra, en primer plano vemos una serie de figuras de mujeres bretonas con sus características cofias, orando, mientras al fondo vemos la supuesta visión que tienen las devotas tras el sermón, donde aparece Jacob luchando con el ángel. Paul Gauguin rehúsa manejar la perspectiva tradicional, por lo que consigue un efecto de figuras planas. Los colores también han experimentado un cambio importante, son colores puros, sin mezclar, que reafirman el efecto de la planitud. El contorno de las figuras empieza a estar muy delimitado, siguiendo un estilo típico de estos momentos llamado Cloisonnisme, inspirado en la realización de esmaltes y de vidrieras, rellenando esos contornos con colores muy vivos. La visión tras el sermón contiene los elementos esenciales de la poética de Gauguin. El artista quería dar una forma al sentimiento de la gente, que creía ver la lucha de Jacob con el ángel a la salida de la iglesia. Un grupo de campesinas «ve» la escena de la lucha, que Paul Gauguin traza de un dibujo del gran maestro japonés Hokusai, adaptando a un luchador de sumo a la iconografía occidental del ángel. La influencia de la estampa japonesa se evidencia asimismo en la rama del manzano. Este árbol, situado en diagonal separa simbólicamente la esfera de la realidad de aquella de la imaginación.

Paul Gauguin está orgulloso de esta pintura y sobre todo de las figuras, ''muy rústicas y supersticiosas'', como él mismo escribe a Vincent van Gogh.


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Estudio de un desnudo o Suzanne cosiendo (Étude de nu ou Suzanne cousant). Obra de Paul Gauguin, 1880. Óleo sobre lienzo, 114 × 79,5 cm. Gliptoteca Ny Carlsberg, Copenhague, Dinamarca. El cuadro describe una mujer joven que está arreglando una prenda mientras se encuentra en una desnudez nada disimulada. La escena está situada en un dormitorio, con la mujer sentada en la cama deshecha que está contra una pared malva y decorada con una mandolina y un tapiz. El cuerpo de la modelo está en una perspectiva de tres cuartos con la cabeza de perfil. Mientras que la cara sugiere una mujer atractiva, el cuerpo es flácido, desproporcionadamente periforme e intencionadamente feo.

El cuadro fue pintado en los primeros años de Gauguin como pintor, cuando aún compaginaba la pintura con su profesión de agente de bolsa, y frecuentaba los círculos impresionistas. Gauguin lo presentó en la 6ª Exposición Impresionista de 1881. En total eran ocho telas entre las que había naturalezas muertas y un retrato de su mujer Mette. Esta exigió que el estudio de un desnudo se colocara lejos de su retrato para evitar malentendidos.

Fue expuesto simplemente con el título Étude de nu, pero más tarde Gauguin se refirió en una carta como «la Suzanne». Según su hijo, Pola Gauguin (1883-1961), se trataba de su niñera Justine. Según el crítico de arte George Wildenstein (1,892-1,963), se trata de una modelo profesional tal como se deduce de una carta de Gauguin a Pissarro.

Para el público el cuadro resultó provocativo. La desnudez de la modelo se explicaba porque estaba cosiendo su camisa, y sus proporciones porque estaba embarazada. Atrajo la atención de los críticos, que lo calificaron de cruel y horrorífico, aunque el artista mostraba talento. Pero para Joris-Karl Huysmans era la «representación de una mujer de nuestro tiempo». Encontró que era de un realismo que ninguno de sus contemporáneos podría conseguir, lo comparó con los desnudos de Rembrandt, y elogió el atrevimiento de Gauguin para plantear una alternativa a los desnudos artificiosos de los pintores académicos. Supuso un gran éxito para Gauguin, pero respondió que Huysmans no había entendido nada de la pintura ya que su intención era simplemente expresar una experiencia, y no criticar el modelo de belleza ideal ni impresionar a la burguesía con su atrevimiento.

La técnica usada supone una experimentación del estilo puntillista de Georges Seurat. La aplicación de la pintura a través de pinceladas finas de color puro, provoca una luminosa impresión de movimiento. En contraste, el color del fondo es totalmente estático y nada impresionista. Más tarde, Gauguin se referiría a los puntillistas como los «jóvenes químicos que hacen cuadros a base de manchas».

Previamente Gauguin ya había pintado a su mujer, Mette, cosiendo en una escena doméstica. Pero el de Suzanne es el primer desnudo que hizo Gauguin. En cuanto a concepción y ejecución es una ruptura con las obras anteriores, y una novedad respecto a los desnudos eróticos contemporáneos. Sin embargo, Gauguin no siguió explorando la novedad estilística y siguió con composiciones impresionistas. No se sabe si fue por las críticas recibidas o porque tenía algún significado personal relacionado con la niñera Justine.

En la composición incluye dos elementos personales: una mandolina y un tapiz. La mandolina es el instrumento que Gauguin tocaba y que llevó siempre con él. Es de las pocas pertenencias que tenía cuando murió en Hiva Oa. Le servía para abstraerse, pasando largos ratos a solas tocando con notas inconexas y canturreando, aunque también con los amigos. Pintó mandolinas en varios cuadros, el mismo año en Mandolina sobre una silla. Un tapiz hecho a mano con motivos peruanos, ya fue un motivo de discusión con su esposa Mette por las diferencias de opinión que tenían sobre la decoración de la casa. El mismo tapiz del estudio de un desnudo lo pintó en Naturaleza muerta con jarra de arcilla y taza de hierro, del mismo año.

El cuadro recuerda La Grande baigneuse (1808) de Dominique Ingres, uno de los pintores favoritos de Gauguin. Pero, a diferencia de los modelos de Ingres, la figura de Gauguin es natural y nada idealizada, representando una actividad cotidiana en la intimidad y totalmente despreocupada del posible observador.

Historia. A pesar del impacto que causó en la exposición impresionista, no se vendió. Su mujer Mette se negó a que el cuadro estuviera colgado en casa, pero cuando Gauguin dejó su familia en Copenhague, el cuadro quedó en poder de Mette hasta que lo vendió, en 1892, al artista danés Philipsen. Entonces Gauguin ya estaba en Tahití y comentó la venta de forma irónica: «Hay muchos tontos en Dinamarca que creen en los periódicos, y ahora están empezando a pensar que tengo talento. Por eso un pintor danés ha malgastado novecientos francos para convertirse en el poseedor del estudio que hice de una mujer desnuda el '76 (aquella de la que hablaba Huysmans)»

En 1920 lo donó al Museo Real de Bellas Artes, y desde 1922 está en depósito en la Gliptoteca Ny Carlsberg.



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Mandolina sobre una silla, 1880. Obra de Paul Gauguin


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Mette cosint, 1878. Obra de Paul Gauguin


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Vahine no te Tiare, 1891. Obra de Paul Gauguin


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Vahine no te Vi, 1892. Obra de Paul Gauguin


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"villa Julia",Pont-Aven ancienne collection "lefort des ylouses". Obra de Paul Gauguin


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Naturaleza muerta con jarra de arcilla y taza de hierro, 1880. Obra de Paul Gauguin


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La bella Ángela 1889, óleo sobre lienzo, 92 x 73 cm, Museo de Orsay, París. Obra de Paul Gauguin


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Retrato de Suzanne Bambridge, 1891, Bruselas, Museo de Arte Moderno. Obra de Paul Gauguin


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El escultor Aube y su hijo, 1882, París, Museo del Petit Palais. Obra de Paul Gauguin


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I Raro te Oviri, 1891, Museo de Arte de Dallas. Obra de Paul Gauguin


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Vincent Van Gogh pintando los girasoles, 1888, Ámsterdam, Museo Van Gogh. Obra de Paul Gauguin


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Tres niñas bretonas bailando, 1888, National Gallery de Washington. Obra de Paul Gauguin


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El Swineherd, Britania, 1888, Los Ángeles, LACMA. Obra de Paul Gauguin


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Mujeres de Tahiti, 1891, París, Museo de Orsay. Obra de Paul Gauguin


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Rupe Rupe, 1899, Moscú, Museo Pushkin. Obra de Paul Gauguin


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Jinetes en la playa, 1902, Essen, Folkwang Museum. Obra de Paul Gauguin


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Manao tupapau, 1892, Buffalo, Museo Albright-Knox. Obra de Paul Gauguin


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Apartamento de Gauguin, rue Carcel 1891. Obra de Paul Gauguin


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El cuidador de cerdos, Bretaña, 1888, 93 cm X 74 cm, Los Ángeles County Museum of Art. Obra de Paul Gauguin


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¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, 1897. Obra de Paul Gauguin

Las tres preguntas son las típicas que un tahitiano, curioso y hospitalario, hace a un extraño que se encuentra por el camino: ¿quién eres? ((o vai ´oe?), ¿De dónde vienes? (nohea roa mai ´oe?), ¿Dónde vas? (te haere ´oe hea?). Seguramente a Gauguin le habían hecho a menudo estas tres preguntas, que las transforma en la primera personal del plural y hace una alegoría de la vida...


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Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás?). Obra de Paul Gauguin. Ahí está, sobre estas líneas. Tal vez sea la obra de arte más cara de la historia (hasta el momento [6 de febrero de 2015]. Lo revela The New York Times. Nafea Faa Ipoipo, una bella pintura del periodo tahitiano de Paul Gauguin, ha sido vendida a un comprador anónimo catarí en una transacción privada por 300 millones de dólares (264 millones de euros).

La tela, fechada en 1892, formaba parte de la colección de Rudolf Staechelin, 62 años, un antiguo ejecutivo de Sotheby’s, hoy retirado, que vive en Basilea (Suiza). Su familia, a través de un consorcio, posee una veintena (Picasso, Van Gogh, Pisarro) de obras maestras de arte impresionista y postimpresionista. Durante varios días se ha estado especulando acerca de la identidad del comprador. Preguntado por el tema, el propio Staechelin no ha querido ser muy explícito sobre sí finalmente el destino ha sido Catar, el rico emirato petrolero. “Ni lo niego, ni lo confirmo”, ha dicho. También ha rechazado aclarar el precio.



Algunas esculturas


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Oviri salvaje (Escultura), 1894, de Eugène Henri Paul Gauguin

Un Gauguin desconocido. Los artistas siempre han buscado escapes del mundanal ruido, el que los atosiga en las urbes, entre la rutina y las costumbres que saben a herrumbre. No resulta extraño que más de uno haya buscado estímulos, energías en nuevos territorios, como un modo de abandonar la decandencia del país natal.

Ya sea en busca de la aventuras, bajos imaginarios de lo prohibido o huyendo del tedio, tenemos a un Lord Byron que viaja y muere en Grecia, un Gérard de Nerval que pasa largas temporadas en las costas egipcias o un Gustave Flaubert que se refugia en paisajes orientales.

Y no solo se trató de una inquietud romántica, así tendremos décadas después el viaje que hace Antonin Artaud a México (testimonio que se encuentra en su Viaje al país de los tarahumaras) o el descubrimiento que André Breton hace de Martinica.


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Cabeza con cuernos (Escultura), 1895, 1894, de Eugène Henri Paul Gauguin

Un artista necesita viajar, ampliar el horizonte, buscar nuevos abrevaderos para su sed verdadera. No otra fue la senda que siguió Paul Gauguin en su viaje a Tahiti. Dicha travesía no solo era una extravagancia o una huida si no que se trataba de una parte esencial de su lidia contra la razón utilitaria y positivista de su época.

Las pinturas de Gauguin pertenecientes a su estadía en Tahiti nos muestran así una tendencia al equilibrio en medio del trazo colorido o los contornos sugeridos. Sin embargo, ahora conoceremos otra estética en sus dibujos en papel, en sus esculturas o grabados en madera. Este lado de su obra será expuesto públicamente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde el 8 de marzo hasta el 8 de junio de 2014.


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Grabado en madera de la tierra de los placeres, de Eugène Henri Paul Gauguin


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Oviri Salvaje (Grabado en madera), 1894, de Eugène Henri Paul Gauguin


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Mujer tahitiana con espíritu diabólico, 1900, de Eugène Henri Paul Gauguin

Fue un pintor que reconoce la dualidad del hombre y aprovecha el aspecto siniestro de lo sagrado y que, asimismo, expresa un erotismo que raya con lo sórdido y salvaje. Este es el arte oscuro de Gauguin, cual maraña nerviosa, donde acaso se hayan filtrado los recuerdos de una vida agitada, excesiva en sus odios y pasiones.


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Jeune tahitienne, pequeña escultura de 24,5 cm, de Paul Gauguin

De Paul Gauguin (1848-1903), la pequeña y primitiva escultura, pieza única, titulada De Paul Gauguin, la escultura Jeune tahitienne, se vendió por 11.282.500 dólares en Sotheby's, nuevo récord mundial para sus esculturasJeune tahitienne (24,5 cm), se vendió por 11.282.500 dólares. Realizada sobre madera a finales de la primera estancia del artista en la isla de Tahití, entre 1890 y el verano de 1893, pocos meses más tarde Gauguin retornó a París y regaló la talla a la hija de nueve años del crítico y coleccionista Jean Dolent, a la que había prometido traer algún regalo del trópico… En 1961, su descendiente Fournier confió la venta de la pieza al padre Celas Rzewuski, de la orden de los dominicos, que la subastó en Sotheby’s Londres (28 de junio, lote 46) y fue comprada por su actual propietario. Venta dentro de la estimación de 10 a 15 millones, supuso sin embargo, como decíamos, un nuevo récord para su producción escultórica.


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Thérese (1902), de Gauguin

la escultura de 1902 llamada Thérèse que desapareció de la vista pública en 1980. Resulta que han sido inéditas en una colección privada en Londres. El director de la Fundación Beyeler vio en el arte fino de Lefevre en Londres en octubre pasado y arregló un préstamo de la figura de la exposición. Teresa es una figura notoria de la vida de Gaugin. Que representa una mujer Polinesia que trabajó para el obispo católico de las Islas Marquesas José Martin, Teresa se muestra frente a la casa del artista junto con una pieza de acompañamiento: Père Paillard o padre lujuria. No era ningún misterio que esas esculturas fueron significadas para representar.


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Père Paillard o padre lujuria, de Gauguin

Père Paillard está escrito claramente en toda su base y Monseñor Martin tenía un criado llamado Teresa quien fue uno de varios reputados haber sido el destinatario de los avances sexuales del obispo. Puesto que el obispo repetidamente amonestó a Gaugin para sus relaciones sexuales con las mujeres locales, el artista expresó su opinión de consistencia moral del sacerdote con este par de esculturas. Père Paillard está en exhibición en la Galería Nacional de arte en Washington, D.C. y no será parte de la exposición de Beyeler con su compañero recién redescubierto, por desgracia.


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Dos esculturas de Paul Gauguin, Idole à la coquille, (1892) Paris, musée d’Orsay. Obra de Paul Gauguin


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"Dos mujeres de Tahiti"dePaul Gauguin (Copia de Bronce artificial)


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Idole à la coquille. Obra de Paul Gauguin


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L'idole à la coquille (1891-1893) - collection particulière. Obra de Paul Gauguin


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Totem. Obra de Paul Gauguin


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Le faune, le monstre aux oreilles pointues, c'est lui... Obra de Paul Gauguin


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La sculpture sur bois; la chanteuse. Obra de Paul Gauguin


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La poterie; pot orné d'une figure bretonne. Obra de Paul Gauguin


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Idole à la coquille. Obra de Paul Gauguin




Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado este trabajo recopilatorio dedicado al pintor y escultor Paul Gauguin (1848-1903), su estilo inicial fue el impresionismo, pero fue derivando a lo largo de su carrera a otros estilos. Fue un pintor postimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en la cultura occidental.



Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, pintura.aut.org, elpais.com, invertirenarte.es, thehistoryblog.com, maisonarts.forumgratuit.org, ars-mundi.es, thehistoryblog.com, cral.in2p3.fr y otras de Internet
 




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Mensaje Re: GAUGUIN 
 
J.Luis gracias por este nuevo trabajo de Gauguin, hay algunos cuadros que no se ven, espero que sea algo temporal del imageshack.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: GAUGUIN 
 
Gracias xerbar, ya he solucionado el problema de las imágenes, ya se ven todas.




Saludos.
 




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Mensaje Re: GAUGUIN 
 
Gauguin en Bretaña


¿Es realmente verde? Entonces ponga el verde más bonito de su paleta

Lugar de peregrinación para muchos amantes del arte, enclavado en la Bretaña más mágica, este lugar acogió varias escuelas de pintores y a muchos de quienes participaron en las rupturas que cristalizaron en el siglo XX



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Puente de Pont-Aven, en Francia

Pero no era en Tahití? También, pero antes de perderse por el Pacífico y dejarnos sensuales imágenes de un incierto paraíso, Paul Gauguin estuvo en Bretaña. Llegó por primera vez en el verano de 1886 a Pont-Aven, en la costa sur, al final de una ría; un bucólico lugar que ya acogía una colonia de artistas, y durante los cuatro años siguientes volvió varias veces, alternando esas estancias con viajes a París y también con el tempestuoso episodio de su visita a Arles, en Provenza, en 1888, para pintar con su amigo Vincent van Gogh.

Pont-Aven se alinea con un riachuelo que desciende impetuoso hasta el mar. Inevitablemente todo recuerda al pintor, incluidas las cajas de las sabrosas galletas sablès, de mantequilla. Y es inexcusable darse una vuelta por el Bois d'Amour, un bosque primigenio como sólo los hay en Bretaña, que sigue congregando a los enamorados, aunque pocos sepan que el famoso cuadro que identifica este lugar, Le Talisman, l'Aven au bois d'Amour no es de Gauguin, sino de Paul Sérusier.

Contaba Sérusier que Gauguin, como quien transmite una revelación, le había enseñado la tapa de una caja de puros en la cual había pintado un paisaje sin forma, sintéticamente expresado en violeta, bermellón, verde veronés y otros colores puros, tales como habían salido del tubo, sin casi mezcla de blanco. "¿Cómo ve este árbol?", le preguntó. "¿Es realmente verde? Entonces ponga verde, el verde más bonito de su paleta; ¿y esta sombra es un poco azul? No tenga miedo de pintarla tan azul como sea posible". De vuelta a París, Sérusier mostró la obra a todos sus amigos que la bautizaron como El Talismán, y entorno a esta pieza surgió el movimiento de los Nabi y también se abrió la puerta de la abstracción.

Pero Pont-Aven se acaba pronto. Por eso es preferible retrasar la llegada atravesando la Península para impregnarse de la magia de este finisterre celta por el camino, y como aperitivo dejarse seducir por el Mont Saint Michel, que no está en Bretaña, sino en Normandía.

No cabe más que extasiarse ante el espectacular artefacto inventado por Violet le Duc en el siglo XIX. Este arquitecto, que reconstruyó media Francia con los criterios fundacionales de todos los nacionalismos modernos -incluida la catedral de Notre Dame-, realizó su obra maestra sobre lo que no era más que un viejo convento medio en ruinas, edificado en lo más alto de una gran roca flotante en el canal de la Mancha. Y para coronarlo se inventó la grandiosa flecha gótica que transformó la abadía en el icono que hoy conocemos.

Al Mont Saint Michel hay que llegar por la mañana, pronto. Enterarse de los horarios de las mareas, coger aliento, subir hasta arriba y contemplar cómo el océano cubre la llanura fangosa a una velocidad inesperada. Y después partir raudo hacia Saint Maló, el gran puerto corsario, ya en Bretaña, y darse un buen atracón de fruits de mer. Como en Galicia, el marisco es extraordinario, y también las ostras, concretamente las de Belon, una variedad que debe su nombre a la localidad de Riec-sur-Belon.

Cruzar la Península, de Dinan a Quimperle, por las pequeñas carreteras que serpentean por un paisaje boscoso, es sumergirse en ese mundo rural que sedujo a Gauguin, que se hartó de pintar a dulces campesinas con cofia; bosques misteriosos con árboles milenarios y gigantescos; iglesias y ermitas cubiertas de musgo. Y antes de llegar a Pont Aven conviene pasarse por Tremalo, donde se encuentra el crucifijo que sirvió de modelo para Le Christ jaune, una de las piezas clave del simbolismo.

El interior bretón, no dista mucho del que amaba Gauguin, que reivindicó su carácter "rústico y primitivo", en contraste con la sociedad industrial que ya se adueñaba de las grandes ciudades. De Bretaña salió hacia la Polinesia y acabó muriendo en las Marquesas. Pero lo cierto es que tenía también razones más prosaicas para escoger Pont Aven: una vida barata en la pensión Gloanec donde un grupo de artistas, de amigos, se divertían pintando y discutiendo y metiéndose con los turistas ingleses reaccionarios y los burgueses locales.

Altamente recomendable es pasarse a la ría siguiente y subirse al barco que recorre la ruta entre Benodet y Quimper. Es un barco restaurante en el que, mientras se remonta por entre bosques pespunteados por grandes mansiones del esplendor del XIX y se divisa elegantes garzas reales pescando en sus orillas, sirven un almuerzo inolvidable.


EL PAÍS
 




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Mensaje Re: GAUGUIN 
 
Antológica en la Tate Modern de Gauguin, el terrible


Una muestra redescubre la obra del pintor, más allá de las anécdotas pintorescas



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'Aha oe Feii? (What! Are You Jealous?)', 1892.

A Paul Gauguin (1848-1903) no le dedicaba una exposición un museo londinense desde hace medio siglo. Y no se puede decir que la Tate Modern se lo haya tomado a la ligera. Su muestra es un sugerente recorrido por la obra del autor francés, incomprendida a menudo y en ocasiones desfigurada por una biografía de película.


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Detalle de 'Autorretrato de Paul Gauguin con sombrero', 1893.

La exposición le adjudica al autor el título de creador de mitos. Una etiqueta que entronca con sus célebres cuadros tahitianos pero también con etapas menos conocidas de su obra. Gauguin aspiró siempre a transfigurar la realidad. No a ser el espejo de los reflejos de la luz como sus colegas impresionistas. Una voluntad transcendente que no modificaron sus meses en Arles con Van Gogh o sus años en diversos pueblos de la Bretaña.

En cierto modo, Gauguin es el pintor que abrió la puerta a las vanguardias. Y no sólo por su pasión por el arte primitivo sino por el modo en el que anticipó tendencias que sólo cristalizaron en los años que siguieron a su muerte. El cubismo que late en algunos de sus bodegones. El expresionismo de sus obras religiosas. El fauvismo chillón de 'La visión del sermón', que se puede contemplar aquí por gentileza de la National Gallery escocesa.

Una sorpresa: redescubrir la obra religiosa (a veces, blasfema) del pintorLa muestra -que permanecerá abierta hasta el 16 de enero y luego viajará a Washington- está coordinada por la historiadora del arte Belinda Thomson y consta de más de 100 obras. La mayoría son pinturas. Pero hay dibujos, grabados, esculturas, cartas, relieves y obras de cerámica. También objetos personales del artista que ayudan a entender su peripecia y lo rescatan de la caricatura con la que lo ha ido ensombreciendo la leyenda negra.


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'Two Tahitian Women'.

La muestra retrata a Gauguin como un creador de mitos. Pero también como el hombre de las mil caras. Esposo enamorado de una mujer danesa. Padre torturado por la muerte de sus hijos. Genio satírico antifrancés y anticolonialista.

Gauguin no habría sido pintor de no ser por el crack financiero que lo expulsó de su oficio de agente de Bolsa. Y no habría desarrollado su gusto por la luz del Sur de no ser por su niñez en el Perú, de donde procedía la familia de su madre.

Gauguin retornó con siete años a París. Pero fue allí donde nació su fascinación por el exotismo de los países del Sur, que le llevaría a Martinica, Tahití y las islas de la Polinesia.


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'Nevermore O Tahiti', 1897.

La caricatura ha reducido esa fascinación a su gusto por las mujeres indígenas. Fue un gusto real pero anécdotico en el viaje iniciático que el pintor emprendió en la Polinesia. Gauguin indagó en los mitos locales, difuminados por el barniz de la conversión al cristianismo. Un barniz que combatió con jaculatorias y escritos irónicos y coronó bautizando su domicilio tahitiano como "la casa del placer".

Se trataba de provocar al obispo católico, escándalizado por sus costumbres de fauno y sus poemas de viejo verde. Pero quizá también de vengarse contra la rigidez de sus años en el seminario y de la superstición de la Bretaña.


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'Words of the Devil or Reclining Tahitian Women'.

Y sin embargo el capítulo más fascinante de la muestra es quizá el dedicado a la obra religiosa de Gauguin. El candor de su vírgen tahitiana. La simplicidad expresionista de su crucifixión amarilla. Y sobre todo su autorretrato blasfemo travestido de Jesucristo en el Huerto de los Olivos. Una efigie luminosa en un paraje en tonos fríos. La metáfora del artista atormentado en un entorno que a menudo le fue hostil.


EL MUNDO
 




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Mensaje Re: GAUGUIN 
 
Gauguin en los abismos de Tahití


El Museo Thyssen acoge una exposición sobre el artista y su influencia en las vanguardias



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'Mata mua' ('Érase una vez') es una de las obras más conocidas de Paul Gauguin (1848-1903) que pueden verse en la exposición del museo Thyssen.

Dos mujeres jóvenes, una de frente y otra de perfil están sentadas en el suelo entretenidas con alguna labor del campo. Sus potentes piernas y brazos al aire destilan poder, pero están caídos sobre el suelo y sobre el cuerpo. Sus rostros oscuros y negras melenas no expresan emociones. Ambas van vestidas con coloridos vestidos que llenan de luz la imagen. Su actitud contemplativa las transforma en máscaras situadas delante del espectador, sin ninguna perspectiva. Se trata de Parau api (¿Qué hay de nuevo?) (1892), una de las telas más famosas de la historia de la pintura, pintada por Paul Gauguin en 1892. Este es el cuadro elegido para recorrer con el artista francés (París, 1848- Atuona, Polinesia francesa, 1903) sus viajes por los mares del Sur y transitar con él por los abismos que transformaron su concepción del arte, que marcó dos grandes movimientos del siglo XX: el fovismo francés y el expresionismo alemán.

El colorido salvaje y plano a la vez de los nativos y los paisajes arcádicos que llevó a sus lienzos hicieron de él uno de los artistas más influyentes de toda la historia del arte. Son muchas las exposiciones que se le han dedicado en todo el mundo y, al igual que Picasso, siempre hay caminos nuevos por explorar para disfrutar de su obra.


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Dos operarios cuelgan el óleo 'Dos mujeres tahitianas' (1899), traído para esta ocasión desde el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

El Museo Thyssen, que le dedicó una compleja antología en 2005, ha escogido a Gauguin para celebrar dos décadas de existencia que se cumplen el lunes 8. Gauguin está representado en la colección de Carmen Thyssen con siete obras maestras, entre las que destaca Mata Mua (Érase una vez), un cuadro que representa como ningún otro el mundo idílico que perseguía Gauguin. Es un paisaje rodeado de montañas en el que un grupo de mujeres adora a Hina, la deidad que simboliza la Luna. Esas mujeres que bailan en medio de su peculiar paraíso son una perfecta metáfora del mundo que el artista buscaba en islas remotas de la Polinesia francesa. No sabía que el mundo del que venía huyendo ya había contaminado también el paraíso remoto que necesitaba encontrar para empezar de cero en su atormentada vida y reinventar su forma de entender la pintura.

Gauguin realiza su primer viaje a Tahití en 1891, con 43 años. Enfermo de sífilis, busca calma para renacer como persona y como artista. Hijo de una familia liberal, de niño tuvo que huir con su familia a América después del golpe de Estado de Napoleón III en 1851, un viaje durante el que se quedó huérfano de padre y la madre se vio obligada a recurrir a la generosidad de unos parientes que vivían en Lima (Perú). El entorno natural de esos primeros años influirá en gran parte de su obra. Vendrían después su vuelta a Francia, su éxito como agente en la bolsa, su matrimonio y sus cinco hijos, su inmersión en el impresionismo y la posterior debacle de su cómodo nido familiar y profesional tras el desastre de la economía.


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La exposición 'Gauguin y el viaje a lo exótico' esta comisariada por Paloma Alarcó, jefe de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen- Bornemisza, que en la foto descubre 'Mujer tahitiana'.


Esas mujeres que bailan en su peculiar paraíso son una metáfora del mundo que buscaba

Su viaje a la Polinesia es una incursión en lo exótico, pero también una búsqueda desesperada de otra forma de vida y ese es el momento con el que arranca la exposición que hoy viernes se presenta en la Fundación Thyssen. La comisaria Paloma Alarcó, jefa de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza, ha escogido 111 obras prestadas por colecciones públicas y privadas de todo el mundo para narrar la aventura de Gauguin y su influencia en generaciones posteriores. Hay obras de la Fondation Beyeler de Basilea, el Albertina de Viena, el Bellas Artes de Budapest, la National Gallery de Washington o el Pushkin de Moscú.

La intención del artista es llevar una existencia armoniosa, acorde con la inocencia y vida de los nativos "sin otra preocupación en el mundo", escribe. "Más que expresar, como lo haría un niño, las impresiones de mi mente, usando solo el medio del arte primitivo; el único medio correcto, el único medio verdadero". Solo quiere amar, pintar y morir, pero allí se encuentra con que esa paz soñada ha sido violentada por los colonizadores y por la Iglesia y, a modo de denuncia, proclama en sus cuadros el retorno al paraíso perdido. La primera parte de la exposición arranca con obras que mezclan mitos ancestrales, indolencia nativa y paisajes exóticos.

En ese inicio de la exposición, los paisajes de Gauguin se exponen junto a la versión que de escenas similares pintó Charles Laval. La Martinica, sus mujeres nativas, las palmeras... muestran un deslumbrante paraíso tahitiano. En las primeras salas del recorrido cuelgan la mayor parte de las 33 obras de Gauguin reunidas para esta ocasión. "Son obras", explica la comisaria, "en las que Gauguin cuenta lo que le hubiera gustado encontrar: una vida idílica que él había visto en un salto atrás, antes de que llegara la civilización y prohibieran sus bailes y su música". "En estas telas, las montañas cercan espacios en los que los nativos dedican sus sacrificios a los dioses y se distraen con sencillos entretenimientos como los juegos con frutas y flores". El lenguaje pictórico que utiliza en esta época es muy poco naturalista. Las formas son planas y la perspectiva del cuadro no existe. Todo cae delante de los ojos del espectador.

Su intención era llevar una existencia armoniosa, acorde con la inocencia de los nativos

Vendrán después las obras de su segundo viaje, el definitivo. Los nuevos cuadros parecen contener los mismos elementos, pero aparecen ya los símbolos de la maldad que los colonizadores y las iglesias protestantes y católicas han infligido a los nativos: mujeres desnudas junto a las que aparece la serpiente que representa el final del paraíso tal como él lo había imaginado. Y para ello recurre a los colores oscuros y al simbolismo.

El mundo de lo primitivo es abordado en aquellos años por otros pintores ajenos personalmente a Gauguin, y así se recuerda en la exposición: Henri Rousseau, primero; Emil Nolde y Max Perchtein, después, tocan esos temas con diferentes planteamientos. Paisaje tropical con un gorila atacando a un indio, firmado por Rousseau en 1910, es una de las obras clave de este apartado.

La salvaje libertad en el uso del color de Gauguin y su influencia en los fovistas franceses y los expresionistas alemanes se desarrolla en las salas siguientes, después de mostrar detalladamente su tratamiento del desnudo y del retrato. En esos dos grandes ismos netamente europeos, la naturaleza salvaje presidida por desnudos protagoniza un nuevo concepto de vida. Los franceses absorben las formas y el color de Gauguin; los alemanes, la forma de relacionarse con el mundo con unas nuevas pautas para representar el cuerpo humano. Todos ellos participan de una misma entrega a la naturaleza y comparten una misma esperanza por conseguir la armonía a partir de los elementos más básicos.

Cuando Gauguin murió, en 1903, no había conseguido el reconocimiento de la crítica en las diferentes exposiciones que se le habían dedicado en París. La venta de su obra era tan escasa que para el primero de sus viajes tuvo que pedir una subvención al gobierno francés. Después, las ayudas fueron inexistentes. Su dedicación a recuperar Tahití para los maoríes y vivir como un nativo más no le generó buena reputación en la metrópolis. Fue después de muerto, cuando su reconocimiento internacional se extendió por toda Europa y los artistas de todo el mundo ensalzaron y se inspiraron en su obra. Él murió pobre, pero acompañado de quienes le habían ayudado a revolucionar el concepto del arte.



La inocencia que impulsó la vanguardia


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'Mata mua'. Una de las piezas que ha aportado el Museo Thyssen es el célebre 'Mata mua' ('Érase una vez'), una representación de la naturaleza y cultura maorí que estaba en proceso de desaparición y el artista quería recuperar. COLECCIÓN CARMEN THYSSEN-BORNEMISZA


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'Muchacha con abanico'. 'Gauguin y el viaje a lo exótico' es el nombre de la exposición con la que el Museo Thyssen celebra sus 20 años. La muestra permanecerá abierta del 9 de octubre al 13 de enero de 2013. MUSEO FOLKWANG, ESSEN


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'Haere mai' ('Venid') (1891) es uno de los óleos prestados para esta muestra compuesta por 111 obras de las que una tercera parte son del artista parisiense. MUSEO SOLOMON R. GUGGENHEIM, NUEVA YORK


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'Dos mujeres tahitianas'. La muestra del Thyssen tiene como hilo conductor la huida de Paul Gauguin a Tahití, a mundos supuestamente más auténticos. Allí retrató a los habitantes de la isla, como en 'Dos mujeres haitianas', y sus paisajes. THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART, NUEVA YORK


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'Idas y venidas'. En la exposición, además de la obra de Gauguin puede verse su influencia y diálogo con artistas posteriores como Nolde, Matisse, Kandinsky, Klee y Macke. 'Idas y venidas' es un buen ejemplo de la breve pero intensa estancia de Gauguin en Martinica en 1887. COLECCIÓN CARMEN THYSSEN-BORNEMISZA


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'Matamoe'. Entre los préstamos especiales para esta ocasión está 'Matamoe' ('Muerte. Paisaje con pavos reales'), pintado por el artista en 1892, que plasma ese deseo de viajar a los confines para encontrar el paraíso. STATE PUSHKIN MUSEUM OF FINE ARTS, MOSCÚ


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'Cambio de residencia'. Una de las últimas obras que realizó Gauguin, el pequeño óleo (28 x 45,5 centímetros) 'Cambio de residencia', de 1902, en el que pintó uno de sus motivos favoritos en sus años finales, los caballos. NATIONALMUSEUM, ESTOCOLMO


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'Parahi te marae' ('Ahí está el templo'), de 1892, muestra el interés de Gauguin en conocer las costumbres tahitianas y su religión, como este óleo de un recinto para practicar ritos. MUSEO DE ARTE DE FILADELFIA


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'Parau api'. En el fecundo año de 1892 Gauguin pintó 'Parau api' ('¿Qué hay de nuevo?'), en el que retrató a estas dos mujeres en las que sobresalen el colorido de los vestidos y los detalles de los arreglos en el pelo. GALERIE NEUE MEISTER  


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'Mujer tahitiana'. En sus últimos años de vida, debido al deterioro de su salud, las composiciones de Gauguin se vuelven más oscuras y misteriosas. 'Mujer tahitiana' es de 1898, el año en que intentó suicidarse bebiendo arsénico pero falló, aún viviría cinco años más. ORDRUPGAARD, COPENHAGUE


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'Paisaje con perro'. Podría ser su epitafio pictórico. 'Paisaje con perro' (1903) lo pintó poco antes de su fallecimiento. Es el paisaje que un Gauguin enfermo veía desde su ventana. THE ISRAEL MUSEUM, JERUSALÉN

elpais.com


VER ESPECIAL. Todo sobre Gauguin

Ver vídeo de la exposición



 

Una gran exposicición que en breve veré, ya comentaré.
 




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Mensaje Re: GAUGUIN 
 
Dos lienzos de Gauguin y Bonnard, colgados en una cocina de Sicilia


     - Los Carabineros italianos recuperan los lienzos que habían sido robados en Londres durante la década de los 70

    - Las obras son 'Fruits sur une table ou nature au petit chien' y 'La femme aux deux fauteuils'




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El ministro de cultura italiano, Dario Franceschini (izqda.), y el brigadier general de cultura, Mariano Mossa (dcha.)

Los Carabineros italianos han encontrado dos cuadros atribuidos a los pintores impresionistas franceses Paul Gauguin y Pierre Bonnard que fueron robados en Londres en los años 70. Los lienzos, que fueron sustraídos juntos en Londres, y de los que se ha verificado su autenticidad, están valorados en varios millones de euros.

Ambas obras colgaban desde hace 40 años de la pared de la cocina de un trabajador de la Fiat de Turín, que desconocía su valía. Se trata de Fruits sur une table ou nature au petit chien de Paul Gauguin, valorada entre 15 y 35 millones de euros, y La femme aux deux fauteuils de Pierre Bonnard, de unos 600.000 euros.

Un trabajador de la casa automovilística Fiat adquirió el lote de los dos cuadros por tan sólo 45.000 liras, lo que actualmente serían cerca 24 euros, los colgó en la cocina de su casa de Turín y posteriormente se los llevó a su ciudad natal de Sicilia, donde había vuelto tras jubilarse.

La noticia del hallazgo de los dos cuadros llegó a los Carabineros en el verano de 2013 cuando algunos expertos de arte les contactaron para señalarles la existencia de estas dos obras de importante valor. Fue el hijo del trabajador de Fiat, un estudiante de arquitectura, quien empezó a sospechar de las similitudes que estos cuadros tenían con algunos de los postimpresionistas franceses que había estudiado y contactó a expertos de arte para saber si podían tener algún valor.

La división policial de la Protección del Patrimonio Cultural de Italia lanzará una aplicación para móviles y tablets que permitirá que los ciudadanos puedan "participar activamente en las búsquedas de obras de arte robadas" enviando fotografías.
La magnitud del comercio ilegal de arte

En enero, el general Mossa recordó que "el volumen de negocio generado por el comercio ilegal de obras de arte ocupa el cuarto puesto a nivel mundial, después de las armas, la droga y los productos financieros". Los Carabineros italianos gozan de reputación internacional en la recuperación de patrimonio cultural y tienen el mayor banco de datos de obras de arte robadas, unos 5,7 millones de objetos.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: GAUGUIN 
 
Un 'gauguin' de 300 millones de dólares. ¿La obra de arte más cara de la historia?



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Ahí está, sobre estas líneas. Tal vez sea la obra de arte más cara de la historia. Lo revela The New York Times. Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás?), una bella pintura del periodo tahitiano de Paul Gauguin, ha sido vendida a un comprador anónimo catarí en una transacción privada por 300 millones de dólares (264 millones de euros).

La tela, fechada en 1892, formaba parte de la colección de Rudolf Staechelin, 62 años, un antiguo ejecutivo de Sotheby’s, hoy retirado, que vive en Basilea (Suiza). Su familia, a través de un consorcio, posee una veintena (Picasso, Van Gogh, Pisarro) de obras maestras de arte impresionista y postimpresionista. Durante varios días se ha estado especulando acerca de la identidad del comprador. Preguntado por el tema, el propio Staechelin no ha querido ser muy explícito sobre sí finalmente el destino ha sido Catar, el rico emirato petrolero. “Ni lo niego, ni lo confirmo”, ha dicho. También ha rechazado aclarar el precio.

Pero es bien conocido el apetito del emirato, a través de la Autoridad de los Museos de Catar, por el arte. En 2011 pagó 250 millones de dólares por una de las dos versiones que existen de Los jugadores de cartas de otro Paul, en este caso Cézanne. Aunque también ha estado atesorando piezas de Warhol, Mark Rothko o Damien Hirst.


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Detalle de 'Nafea Faa Ipoipo', un óleo sobre lienzo de Paul Gauguin vendido por 300 millones de dólares (263 millones de euros).

El cuadro colgaba desde hace casi 50 años en préstamo en el Kunstmuseum de Basilea y las razones de la venta, más allá de un cierto desacuerdo de la familia con la institución suiza, las explica con sinceridad Rudolf Staechelin. “Hemos vendido la pintura principalmente porque teníamos una buena oferta. El mercado está muy alto y quién sabe qué sucederá en diez años. Siempre he tratado de retener la mayor cantidad de obras que he podido. Un 90% de nuestros activos son pinturas que cuelgan gratis en los museos”.

La familia Staechelin nunca ha convivido con su colección pues la ha considerado demasiado valiosa para estar en el salón de una casa particular y durante años ha ido prestando las piezas.

Lo curioso es que antes de que llegue a las manos de su nuevo propietario, algo que sucederá en enero de 2016, Nafea Faa Ipoipo llegará a España. La veremos en el Museo Reina Sofía. El Kunstmuseum de Basilea cierra por obras de remodelación gran parte del año y algunos de sus tesoros, como el millonario gauguin, salen de viaje. Una buena oportunidad para despedirse de la pintura.



Por: Miguel Ángel García Vega | blogs.elpais.com
 




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Mensaje Re: GAUGUIN (Eugène Henri Paul Gauguin) 
 
Un Gauguin desconocido


Muestra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York nos permite descubrir el lado oscuro del pintor francés.



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Oviri salvaje (Escultura), 1894, de Eugène Henri Paul Gauguin

Los artistas siempre han buscado escapes del mundanal ruido, el que los atosiga en las urbes, entre la rutina y las costumbres que saben a herrumbre. No resulta extraño que más de uno haya buscado estímulos, energías en nuevos territorios, como un modo de abandonar la decandencia del país natal.

Ya sea en busca de la aventuras, bajos imaginarios de lo prohibido o huyendo del tedio, tenemos a un Lord Byron que viaja y muere en Grecia, un Gérard de Nerval que pasa largas temporadas en las costas egipcias o un Gustave Flaubert que se refugia en paisajes orientales.

Y no solo se trató de una inquietud romántica, así tendremos décadas después el viaje que hace Antonin Artaud a México (testimonio que se encuentra en su Viaje al país de los tarahumaras) o el descubrimiento que André Breton hace de Martinica.


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Cabeza con cuernos (Escultura), 1895, 1894, de Eugène Henri Paul Gauguin

Un artista necesita viajar, ampliar el horizonte, buscar nuevos abrevaderos para su sed verdadera. No otra fue la senda que siguió Paul Gauguin en su viaje a Tahiti. Dicha travesía no solo era una extravagancia o una huida si no que se trataba de una parte esencial de su lidia contra la razón utilitaria y positivista de su época.

Las pinturas de Gauguin pertenecientes a su estadía en Tahiti nos muestran así una tendencia al equilibrio en medio del trazo colorido o los contornos sugeridos. Sin embargo, ahora conoceremos otra estética en sus dibujos en papel, en sus esculturas o grabados en madera. Este lado de su obra será expuesto públicamente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde el 8 de marzo hasta el 8 de junio de 2014.


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Grabado en madera de la tierra de los placeres, de Eugène Henri Paul Gauguin


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Oviri Salvaje (Grabado en madera), 1894, de Eugène Henri Paul Gauguin


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Mujer tahitiana con espíritu diabólico, 1900, de Eugène Henri Paul Gauguin

En esta muestra, titulada "Gauguin: Metamorfosis",  conoceremos a un pintor que reconoce la dualidad del hombre y aprovecha el aspecto siniestro de lo sagrado y que, asimismo, expresa un erotismo que raya con lo sórdido y salvaje. Este es el arte oscuro de Gauguin, cual maraña nerviosa, donde acaso se hayan filtrado los recuerdos de una vida agitada, excesiva en sus odios y pasiones.


Publicado el 2014-03-07 / lamula.pe
 




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Mensaje Re: GAUGUIN (Eugène Henri Paul Gauguin) 
 
Subastada en Christie's el 9/11/2015



La escultura Thérese (1902), de Gauguin, récord del artista francés


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La escultura Thérese (1902), de Gauguin, consiguió 30,9 millones de dólares de precio final, más que ninguna obra anterior del artista. La subastada se celebró en Christie's y tuvo lugar el 9/11/2015. Thérese representa una mujer Polinesia que trabajó para el obispo católico de las Islas Marquesas José Martin.

la escultura de 1902 llamada Thérèse que desapareció de la vista pública en 1980. Resulta que han sido inéditas en una colección privada en Londres. El director de la Fundación Beyeler vio en el arte fino de Lefevre en Londres en octubre pasado y arregló un préstamo de la figura de la exposición. Teresa es una figura notoria de la vida de Gaugin. Que representa una mujer Polinesia que trabajó para el obispo católico de las Islas Marquesas José Martin, Teresa se muestra frente a la casa del artista junto con una pieza de acompañamiento: Père Paillard o padre lujuria. No era ningún misterio que esas esculturas fueron significadas para representar.


elpais.com / thehistoryblog.com / / lamula.pe
 




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Mensaje Re: GAUGUIN (Eugène Henri Paul Gauguin) 
 
500 millones de dólares por dos cuadros

Un gestor de fondos destroza los récords de arte al adquirir un ‘dekooning’ por 300 millones y un ‘pollock’ por 200 millones



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'Interchange' De Kooning y 'Number 17A' de Pollock. En primer plano, 'Interchange', de De Kooning. Detrás, 'Number 17A', de Pollock, en su sala en el Instituto de Arte de Chicago. Kenneth Griffin, destroza los récords al comprar 'Interchange' por 300 millones de euros y 'Number 17A' por 200 millones de euros... Ver vídeo

Kenneth Griffin, una de las figuras más poderosas en el mundo de las finanzas, acaba de convertirse en el protagonista de la compra de arte más cara de la historia. El fundador del fondo de cobertura Citadel pagó en otoño –la compra se hizo pública anoche- 500 millones de dólares (450 millones de euros) por Interchange (1955), un lienzo de Willem de Kooning, y por Number 17A (1948), de Jackson Pollock. El dekooning le supuso un desembolso de 300 millones y el pollock, los 200 restantes.

El dekooning, que hasta ahora era propiedad de la fundación David Geffen —de donde también procede el pollock— se habría convertido así en la obra de arte contemporáneo más cara nunca antes vendida, de acuerdo con los detalles revelados por las cadenas financieras CNBC y Bloomberg, y sería por tanto también la pieza de arte más valorada de la historia, igualada con Nafea faa ipoipo (¿Cuándo te casarás?), de Paul Gauguin, adquirida en febrero de 2015 por el mismo precio por Qatar. Los dos trabajos de los maestros expresionistas abstractos han sido cedidos por el magnate al Instituto de Arte de Chicago, la ciudad donde tiene su firma la sede, y allí están expuestos actualmente en la misma sala. En 1989 Interchange (1955) ya batió récords al ser adquirido por el coleccionista japonés Shigeki Kameyama por 20,6 millones de dólares en una subasta en Sotheby’s en Nueva York.

Griffin, a sus 47 años, es el gestor de fondos mejor pagado de Wall Street y su fortuna personal asciende a 7.400 millones de dólares. El pasado mes de septiembre realizó la mayor operación inmobiliaria en la ciudad de Nueva York, al comprar tres plantas en el rascacielos del número 220 de Central Park South. Pagó por la propiedad 200 millones. El fondo de cobertura, que maneja activos por valor de 26.000 millones, tiene entre sus asesores al expresidente de la Reserva Federal Ben Bernanke. Empezó en el mundo de las finanzas cuando estudiaba en la Universidad de Harvard. Seguía sus inversiones desde el dormitorio gracias a que logró que la dirección del centro le dejara instalar una parabólica. La última crisis financiera se llevó por delante más de la mitad de su fortuna, pero el agresivo inversor logró capear el temporal y ahora su fondo es uno de los que tiene mejor rendimiento.


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Ken Griffin en 2013.

La colección personal del magnate incluye una obra del artista alemán Gerhard Richter, por la que pagó 46 millones de dólares en una subasta celebrada hace ahora un año en Sotheby´s. Griffin es fideicomisario del Instituto de Chicago desde 2004 y dedicó parte de su fortuna a la ampliación del centro. El pasado diciembre donó 40 millones al Museo de Arte Moderno de Nueva York, en la que está considerada como una de las mayores contribuciones privadas a la institución. Griffin empezó a construir su propia colección privada hace dos décadas. Recientemente, sin embargo, advirtió de los riesgos que corre el mundo del arte, al decir que “se está convirtiendo en un mercado opaco dominado por especuladores y eso impide entender el valor futuro de la obras”.

l financiero hizo esta reflexión pocos días después de que Nu Couché, una pintura del artista italiano Amedeo Modigliani fuera subastada por 170,4 millones de dólares en Christie’s en noviembre del año pasado. El comprador fue Liu Yiqian, un multimillonario chino que empezó como taxista y vendedor ambulante para acabar especulando en el mercado bursátil y acumular una fortuna de casi 1.500 millones de dólares, según Bloomberg. Aquella adquisición se realizó vía telefónica en una puja que duró nueve minutos, y Liu Yiqian pagó la compra con su tarjeta American Express. “Lo hice así para acumular puntos y que la familia siga volando gratis”, respondió el millonario chino a The New York Times.

La compra que ahora protagoniza el magnate, que se negoció el pasado otoño por la vía privada, supera el récord de 300 millones de dólares que la Autoridad de los museos de Qatar pagó en febrero de 2015 por Nafea faa ipoipo (¿Cuándo te casarás?), de Paul Gauguin, considerada la compra de arte más cara de la historia y que estuvo expuesto en el Reina Sofía posteriormente, desde finales de junio a mitad de septiembre. Los Museos de Qatar ya había adquirido anteriormente Los jugadores de cartas, de Cézanne, por 250 millones de dólares.



Las obras más caras (hasta ahora)


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Nafea faaa ipoipo. Este gauguin fue vendido en una operación que ascendió a un total de 264 millones de euros. Es la obra de arte más cara en términos absolutos de toda la historia. Adquirido por la Autoridad de los Museos de Qatar.

Los jugadores de cartas. La familia real de Qatar adquirió en febrero de 2012 este conocido lienzo de Cézanne por 191 millones de euros.

Les femmes d’Alger. Christie’s adjudicó el pasado mayo en Nueva York este picasso de 160,8 millones de euros.

Nu Couché. Uno de los últimos trabajos de la corta carrera de Modigliani fue subastada en Christie’s en noviembre de 2015 y llegó a los 158 millones de euros.

...



Otras obras que han batido récord


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Paul Cézanne, 'Los jugadores de cartas'. Catar acaba de adquirir la pintura de Paul Cézanne 'Los jugadores de cartas' (1894-95) por 191 millones de euros (250 millones de dólares), lo que la coloca en el primer puesto de los cuadros más caros de la historia.


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'Desnudo acostado', de Amedeo Modigliani. La obra Nu Couché (Desnudo acostado) del italiano Amedeo Modigliani, fue subastada en Christie's por 158 millones de euros (170,4 millones de dólares), por lo que superó con creces el último récord del artista, que se situaba en 66 millones.  


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Gustav Klimt, 'Retrato de Adèle Bloch-Bauer' (1905): 104 millones de euros (subastado en 2006)


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Picasso, 'Desnudo, hojas verdes y busto'. El cuadro 'Desnudo, hojas verdes y busto' (1932), de Pablo Picasso, se subastó en 2010 en Christie's por 81,9 millones de euros.


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Picasso, 'Muchacho con pipa' (1905). Por el cuadro de Pablo Picasso pagaron 80 millones de euros (subastado en 2004)  


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Van Gogh, 'Retrato del doctor Gachet' (1890). Por el cuadro de Vincent van Gogh pagaron 63 millones de euros (subastado en 1990)


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Van Gogh, 'Los lirios' (1889). Por el cuadro de Vincent van Gogh pagaron 41,5 millones de euros (subastado en 1987)


elpais.com
 




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