Home    Forum    Search    FAQ    Register    Log in
Message From The Staff



Normas de la Secci�n 
En esta sección sólo se permiten exposiciones de Pintores Extranjeros. La forma de abrir una exposición es el autor con su fotografía y su biografía y los cuadros de la exposición con un tamaño no superior a los 800 píxeles.


Post new topic  Reply to topic 
Page 1 of 1
 
 
RENI, Guido
Author Message
Reply with quote   Download Post  
Post RENI, Guido 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado al gran pintor boloñés, Guido Reni (1575-1642), seguidor y continuador del estilo que implantó en Bolonia la familia Carracci del que fue aprendiz desde los 9 años. Uno de sus discípulos fue Simone Cantarini.

Reni fue un renombrado pintor de temas religiosos y escenas mitológicas, su técnica es clásica y realista, contrastando con el estilo barroco de sus contemporáneos.

 0_guido_reni_autorretrato_c_1635_1435244606_360449

Guido Reni (Calvenzano di Vergato, cerca de Bolonia, 4 de noviembre de 1575 - Bolonia, 18 de agosto de 1642) fue un pintor italiano perteneciente a la Escuela Boloñesa y famoso del clasicismo romano-boloñés.

Nació cerca de Bolonia, en el seno de una familia de músicos; sus padres eran Danieli Reni y Ginevra de’ Pozzi. A los nueve años, entró como aprendiz en el taller boloñés de Denys Calvaert. Poco después, se le unieron en tal taller Albani y Domenichino. Puede que también haya tenido un periodo de aprendizaje con un pintor llamado Ferrantini. Cuando Reni tenía unos veinte años de edad, los tres discípulos de Calvaert se marcharon a un taller rival por entonces emergente, llamado Accademia degli Incamminati (Academia de los «recién embarcados» o progresivos), dirigida por Lodovico Carracci. Formaron el núcleo de la prolífica y exitosa Escuela de pintores boloñeses que siguieron a Annibale Carracci a Roma. Como muchos otros pintores boloñeses, la pintura de Reni era de estilo temático y ecléctico.


 25aurora_1435247933_844177

Guido Reni - Aurora. 1614. Fresco. Casino dell'Aurora, Palazzo Pallavicini, Rome.


Obra en Roma

A finales de 1601, Reni y Albani se habían trasladado a Roma1 para trabajar en los equipos a las órdenes de Annibale Carracci en decoraciones al fresco del Palacio Farnesio. Durante el período 1601-1604, su principal mecenas fue el cardenal Sfondrato. Para los años 1604-1605, recibió un encargo independiente para un retablo que se colocaría en la Basílica de San Pedro de la Crucifixión de San Pedro. Después de un breve viaje a Bolonia, regresó a Roma para convertirse en uno de los primeros pintores durante el papado de Pablo V (Borghese). Desde los años 1607-1614, fue uno de los pintores protegidos por los Borghese.


 2rapto_de_deyanira_1620_1621_museo_del_louvre_de_par_s_guido_reni

Guido Reni - Rapto de Deyanira, 1620-1621, Museo del Louvre de París.

Se considera que su obra maestra es el techo pintado al fresco por Reni de la gran sala central del palacio del jardín, llamado Casino dell'Aurora y que se ubica en terrenos del Palazzo Pallavicini-Rospigliosi. El casino fue, en origen, un pabellón encargado por el cardenal Scipione Borghese; la porción posterior queda da a la Plaza Montecavallo y al Palacio del Quirinal. El gran fresco se encuentra enmarcado in quadri riportati y representa a Apolo en su carro precedido por la Aurora trae la luz a este mundo. La obra es contenida en su clasicismo, copiando poses de sarcófagos romanos, y mostrando mucha más simplicidad y contención que el bullicioso Triunfo de Baco y Ariadna de Carracci5 del Palacio Farnesio. Reni en esta pintura se aproxima más a la línea severa y grave de pintores como Cavaliere d'Arpino, Lanfranco, y Albani y su «Escuela» de pintura mítico-histórica, y menos con los frescos más populosos característicos de Pietro da Cortona. Poca concesión hay a la perspectiva, y el estilo de un colorido vibrante es antitético al tenebrismo de los caravagistas. Se ha comprobado que le pagaron 247 scudi y 54 baiocchi al acabarlo el 24 de septiembre de 1616.

También pintó al fresco la Capilla Paolina en Santa Maria Maggiore de Roma, así como las alas Aldobrandini del Vaticano. Según el rumor, la capilla pontificia de Montecavallo (Capilla de la Anunciación) fue asignada a Reni para que la pintase. Sin embargo, debido a que sintió que los ministros le pagaban poco, el artista se marchó de Roma para ir a Bolonia, dejando el papel de artista preemitente en Roma a Domenichino.


 2la_gloria_de_santo_domingo_coronando_el_arca_de_santo_domingo

Guido Reni - La gloria de Santo Domingo coronando el Arca de Santo Domingo.


Obra en Nápoles y regreso a Bolonia

En años posteriores, Reni viajó a Nápoles para completar un encargo para pintar el techo en una capilla de San Gennaro. Sin embargo, en Nápoles, los otros pintores locales destacados, incluyendo a Belisario Corenzio, Giovanni Battista Caracciolo y Ribera, eran muy combativos contra los pintores foráneos, y corrió el rumor de que conspiraron para envenenar a Reni, o lesionarle de algún otro modo (como pudo haberle ocurrido, antes que él, a Domenichino en Nápoles). Pasó brevemente por Roma, pero abandonó esta ciudad repentinamente, durante el pontificado de Urbano VIII, después de recibir una reprimenda del Cardenal Spinola.


 46the_triumph_of_samson

Guido Reni - The Triumph of Samson. 1611-12. Oil on canvas, 260 x 223 cm. Pinacoteca Nazionale, Bologna.


De regreso en Bolonia, de forma más o menos permanente, Reni estableció un taller exitoso y prolífico.

Recibió el encargo de decorar la cúpula de la capilla de Santo Domingo en la Basílica de Santo Domingo en Bolonia, entre 1613 y 1615, produciendo como resultado el radiante fresco Gloria de Santo Domingo, una obra maestra que puede ser comparada con la exquisita Arca di San Domenico que está debajo. También contribuyó a la decoración de la Capilla del Rosario en la misma iglesia, con una Resurrección.

En Rávena, pintó la capilla en la catedral con su admirado cuadro de los Israelitas recogiendo el maná. Reni, después de marcharse de Roma, alternativamente pintó en una variedad de estilos, fiel a los gustos eclécticos de muchos de los discípulos de Carracci. Por ejemplo, su retablo de Sansón Victorioso presenta unas poses estilizadas propias del manierismo. Como contraste, su Crucifixión y Atalanta e Hipómenes presentan un dramático movimiento en diagonal junto con los efectos de luz y sombra que traicionan la influencia de Caravaggio. Su turbulenta y violenta Masacre de los inocentes (Pinacoteca, Bolonia) está pintado de una manera que recuerda a Rafael. En 1630, pintó el Pallion del Voto con imágenes de los santos San Ignacio y Francisco Javier, pintados durante la plaga que en 1630 asoló Bolonia.


 3losa_de_piedra_sobre_la_tumba_de_guido_reni

Losa de piedra sobre la tumba de Guido Reni.

Aunque su principal ayudante fue Giovanni Andrea Sirani, el artista más distinguido que pasó por su taller fue Simone Cantarini, llamado «Il Pesarese», quien pintó un retrato de su maestro, actualmente en la Pinacoteca Nacional de Bolonia. Otros discípulos fueron Domenico Maria Canuti, Giovanni Battista Michelini, Giacomo Semenza, Francesco Gessi, y Marco Bandinelli.

Reni murió en Bolonia en 1642. Fue enterrado, junto con la también pintora Elisabetta Sirani (hija de su ayudante), en la Capilla del Rosario de la Basílica de Santo Domenico en Bolonia.


 47the_toilet_of_venus

Guido Reni - The Toilet of Venus. 1621-23. Oil on canvas, 282 x 206 cm. National Gallery, London.


Estilo

Cultivador (y uno de los protagonistas) del Clasicismo implantado en Bolonia por los Carracci, Reni prolongó el esplendor de dicho centro artístico por tres décadas más, e influyó en muchos maestros como Giovanni Lanfranco y Guercino, a quien llegó a acusar de plagio.

Sus temas son principalmente bíblicos y mitológicos. Pintó pocos retratos; los del papa Sixto V, y el cardenal Bernardino Spada, y la llamada Beatrice Cenci están entre los más destacados. La identidad del retrato Cenci es muy dudosa, puesto que Beatrice Cenci fue ejecutada en Roma antes incluso de que Reni fuera a vivir allí, de manera que no pudo posar para el retrato. Se le atribuyen muchos aguafuertes, algunos basados en sus propios cuadros, y algunos otros de maestros distintos. Son animados, con un estilo ligero de líneas y puntos delicados. La técnica de Reni se usó por la escuela boloñesa y era todavía el estándar de los impresores italianos de su época.


 4hip_menes_y_atalanta_reni

Guido Reni - Hipómenes y Atalanta (Museo del Prado).

Reni dio forma a un clasicismo "accesible" o de fácil conexión emotiva, que transmitía emociones mediante miradas de arrobo. Sus medias figuras de Cleopatra suicidándose y santos en trance o agonía fueron muy demandadas en el siglo XVIII, incidiendo en el estilo Neoclásico. Posteriormente, pasó de moda como toda la pintura boloñesa de la época, aunque ha recobrado estima gracias a exposiciones, desde mediados del siglo XX.

Autor admirado en la España del XVIII, cuenta con buena presencia en el Museo del Prado, que posee entre otras pinturas una versión de su Hipómenes y Atalanta (considerada mejor que la del Museo de Capodimonte), San Sebastián, Muchacha con una rosa y La Virgen de la silla. El Louvre contiene veinte de sus cuadros, la National Gallery de Londres siete, de los cuales el más interesante es una pequeña Coronación de la Virgen, pintada sobre cobre y que data probablemente de fecha anterior a la marcha del pintor a Roma.


 5el_arc_ngel_miguel_pintado_para_la_iglesia_de_los_capuchinos_en_roma

Guido Reni - El arcángel Miguel, pintado para la iglesia de los capuchinos en Roma.


Antología parcial de sus obras

    - Autorretrato, Whitfield Fine Art
    - Calisto y Diana
    - Crucifixión de San Pedro, Vaticano, Roma
    - Cristo Crucificado, San Lorenzo in Lucina, Roma
    - Santísima Trinidad, Santissima Trinità dei Pellegrini, Roma
    - Concepción, Forlì
    - Limosnas de San Roque, Bolonia
    - Matanza de los inocentes, Pinacoteca Nazionale de Bolonia
    - Pietà, Bolonia
    - Magdalena penitente h. 1635, Museo Walters, Baltimore
    - Lamento sobre el cuerpo de Cristo muerto, Chiesa dei Mendicanti, Bolonia
    - Ecce Homo, Gemaldegälerie de Dresde
    - Santos Pedro y Pablo, Pinacoteca di Brera, Milán
    - Asunción de la Virgen, Sant'Ambrogio, Génova
    - La Asunción de la Virgen, Iglesia de Santa María Asunta
    - San Pablo el Ermitaño y San Antonio en el desierto, Berlín
    - Fortuna, Museos Capitolinos
    - Sansón bebiendo de la quijada de un asno
    - Ariadna, Museos Capitolinos
    - Hipómenes y Atalanta (primera versión), 1612, Museo del Prado, Madrid8
    - Hipómenes y Atalanta (segunda versión), 1622-25 Museo de Capodimonte, Nápoles9
    - Virgen del Rosario, Pinacoteca, Bolonia
    - Los trabajos de Hércules, Louvre, París
    - El Suicidio de Lucrezia ca. 1625-40 Museo de Arte de São Paulo, São Paulo
    - Lucrezia y Cleopatra, Pinacoteca Capitolina, Roma
    - San Sebastián, Pinacoteca de Bolonia
    - San Sebastián, Dulwich Picture Gallery
    - San Sebastián, Auckland Art Gallery
    - San Juan Bautista en el desierto, Dulwich Picture Gallery
    - Adoración de los Magos, Certosa di San Martino, Nápoles


 6ermita_del_ngel_interior

Guido Reni - La Ermita del Santo Ángel Custodio en Toledo alberga valiosos lienzos de Guido Reni

Guido Reni fue muy admirado en la España del XVIII, cuenta con buena presencia en el Museo del Prado, como una versión de su Hipomenes y Atalanta o La Virgen de la silla. El Louvre contiene veinte de sus cuadros, la National Gallery de Londres siete, de las cuales la más interesante es una pequeña Coronación de la Virgen, pintada sobre cobre y que data probablemente de fecha anterior a la marcha del pintor a Roma.

Reni murió en Bolonia en 1642. Fue enterrado, junto con la también pintora y principal ayudante Elisabetta Sirani, en la Capilla del Rosario de la Basílica de Santo Domingo en Bolonia.

Espero que esta recopilación realizada de Guido Reni, guste a los visitantes de esta sección del foro de xerbar y en lo posible contribuya en la divulgación de su obra.





Algunas obras


Guido Reni en el Museo del Prado

Reni, Guido (Bolonia, 1575-1642). Pintor y grabador italiano. Artista largamente ignorado, fue sin embargo considerado en su época uno de los pintores más importantes de Italia. Su definitiva recuperación crítica se llevó a cabo en 1954, con motivo de la memorable exposición que tuvo lugar en dicho año en Bolonia. Su pintura, profundamente influida por la Antigüedad clásica y por Rafael, constituye una de las más vigorosas muestras de la tendencia clasicista del arte barroco. En Bolonia fue dis­cípulo del artista flamenco Dionisio Fiamingo Calvaert, aunque muy pronto, quizás antes de 1595, comenzó a frecuentar la academia de los Carracci, cuya educación propugnaba el retorno a la naturaleza. Son muy pocas las obras existentes de esta primera etapa boloñesa, aunque las conocidas lo muestran experimentando con elementos formales de la tradición (Calvaert, Francesco Francia o Francesco Vanni), junto a otros que muestran ya su independencia de carácter, que propugna una visión más heroica e idealizada de la realidad. Su partida para Roma debió de producirse en 1601 y allí permaneció durante unos quince años, con puntuales viajes a Bolonia (quizá en 1603, para asistir al funeral de Agostino Carracci). Allí profundizó en el conocimiento de la pintura de Rafael y la copia de esculturas clásicas. Además, Roma le proporcionó la ocasión de entrar en contacto con propuestas innovadoras como era la pintura de Caravaggio, cuyo influjo se deja sentir poderosamente en su producción de 1603 a 1605, en obras como Crucifixión de san Pedro (Musei ­Vaticani, Roma). A partir de este momento, Reni manifestó con total independencia su personalidad artís­tica para importantes comitentes, como los cardenales Paolo Emilio Sfondrati o Scipione Borghese, este último sobrino de Pablo V para el que realizó los frescos de San Andrea conducido al martirio, en el oratorio de San Andrés (San Gregorio al Celio, 1609) o la Aurora para el Casino de su nombre (1614). Al mismo tiempo llevó a cabo importantes encargos para Bolonia, entre los que se encuentra Matanza de los inocentes (1611, Pinacoteca ­Nazionale di Bologna), una de sus obras fundamentales. En esos momentos Reni alcanzó un lugar determinante en la cultura artística romana, sufriendo la influencia de Alba­ni, Caballero de Arpino, Rubens y Gentileschi, al mismo tiempo que influyó poderosamente en otros, como Bernini. En 1614 se estableció definitivamente en Bolonia, ciudad que abandonó solo para trasladarse brevemente a Roma o Nápoles. Durante este periodo realizó obras como ­Hipomenes y Atalanta (Prado), una de sus obras maestras más reconocidas, y creó también sus célebres personajes femeninos (Cleopatra, Lucrecia, Salomé, Judith, etc.), dulces y serenas representaciones que gozaron de amplísima popularidad y que fueron copiadas en infinidad de ocasiones. Durante sus últimos años Reni modificó su paleta, que progresivamente se fue aclarando hasta alcanzar una calidad casi monocroma, con perfiles también cada vez más imprecisos y pinceladas más libres. Alguna de estas obras ha planteado enconadas polémicas entre los especialistas en su pintura, los cuales debaten sobre si se trata de obras finalizadas, o si, por el contrario, son los cuadros que se encontraban sin terminar en su taller en el momento de su muerte.


Obras

    - Cupido, óleo sobre lienzo, 101 x 88 cm, 1637-38 [P150].
    - Cleopatra, óleo sobre lienzo, 110 x 94 cm, h. 1640 [P209].
    - La Virgen de la silla, óleo sobre lienzo, 213,8 x 137,5 cm, 1624-25 [P210].
    - San Sebastián, óleo sobre lienzo, 170 x 133 cm, 1617-19 [P211].
    - El apóstol Santiago el Mayor, óleo sobre lienzo, 135 x 89 cm, 1618-1623 [P212].
    - Asunción y Coronación de la Virgen, óleo sobre tabla, 77 x 51 cm, h. 1602-1603 [P213].
    - Martirio de santa Apolonia, óleo sobre cobre, 28 x 20 cm, 1600-1603 [P214].
    - Santa Apolonia en oración, óleo sobre cobre, 28 x 20 cm, 1600-1603 [P215].
    - La Magdalena, óleo sobre lienzo, 75 x 62 cm [P216].
    - San Jerónimo, óleo, 65 x 56 cm [P217].
    - Muchacha con una rosa, óleo sobre lienzo, 81 x 62 cm, 1630-35 [P218].
    - San Pedro, óleo sobre lienzo, 76 x 61 cm, h. 1617 [P219].
    - San Pablo, óleo sobre lienzo, 76 x 61 cm, h. 1617 [P220].
    - Un evangelista, óleo sobre lienzo, 65 x 50 cm [P221].
    - Santa Catalina, óleo sobre lienzo, 98 x 75 cm, 1606 [P230].
    - San José, óleo sobre lienzo, 75 x 60 cm, [P568].
    - Hipomenes y Atalanta, óleo sobre lienzo, 206 x 297 cm, 1618-19 [P3090].
    - Estudio de pierna derecha, lápiz negro sobre papel gris verdoso, 333 x 270 mm [D837].
    - Estudio de manos entrecruzadas en actitud de oración, clarión y lápiz negro sobre papel gris, 96 x 87 mm, h. 1627 [D1025].
    - Dos estudios de pie derecho, clarión y lápiz negro sobre papel gris, 103 x 170 mm, h. 1627 [D1030].
    - Paisaje con descanso en la Huida a Egipto / Apuntes para santa Cecilia y Virgen con el Niño, pluma sepia sobre papel agarbanzado, 352 x 538 mm [D2131].
    - Grupo de ángeles músicos, sanguina sobre papel amarillento, 215 x 162 mm [D3731].
    - San Jerónimo en el desierto, sanguina sobre papel, 534 x 378 mm, siglo XVII [D7844].
    - Virgen con el Niño, san José y dos ángeles, aguafuerte sobre papel, 226 x 154 mm [G201].


 1hipomenes_y_atalanta

Hipomenes y Atalanta. 1619, óleo sobre lienzo, 206 x 297 cm. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

Obra clave en la producción de Reni que, inspirado en las Metamorfosis de Ovidio, narra el mito de Atalanta, hija de Esqueneo, rey de Arcadia, quien se ofreció en matrimonio a quien pudiera vencerla en una carrera. El castigo para los perdedores, era la muerte. Hipomenes, enamorado de la joven, aceptó el desafío ayudado por Venus, quien le proporcionó tres manzanas de oro que el joven debería ir arrojando a su paso para distraer así a Atalanta y poder ganarla en la competición.

Esta obra resume el ideal de belleza de elegantes proporciones e interpretación del mundo clásico, característico del clasicismo romano-boloñés.

Los colores son fríos y artificiales y sólo el fondo oscuro y neutro recuerda la formación inicial de Reni en el estilo caravaggista.

Este cuadro perteneció al marqués de Serra y fue adquirido en 1664 por el conde de Peñaranda para el rey Felipe IV (1605-1665). Se conserva otro ejemplar de menor calidad en el Museo di Capodimonte, Nápoles.

Hipomenes y Atalanta es una de las obras más célebres y controvertidas de este artista y, en términos más generales, del barroco boloñés. Este cuadro formó parte de la colección del marqués de Serra, colección que fue adquirida en 1664 por Gaspar de Bracamonte y Guzmán, conde de Peñaranda y virrey de Nápoles desde 1658 a 1664, con destino a Felipe IV. Desde 1666 aparece citada en la galería del cierzo del desaparecido Alcázar de Madrid, y es poco después (1668-1669) mencionada por Cosme III de Médicis, que mostró su contrariedad por la fama de la obra, que consideraba excesiva. En la misma pieza de ese palacio aparece citada en los inventarios de 1686 y 1700. Treinta y cuatro años más tarde se relaciona entre los cuadros salvados del incendio del Alcázar, aunque se hace constar una importante novedad consistente en la alteración de sus medidas, considerablemente más grandes, consecuencia de una ampliación todavía visible. Las siguientes informaciones proporcionadas por los inventarios reales nos muestran que durante la segunda mitad del siglo XVIII se modificó notablemente la manera de mirar esta pintura. Efectivamente, en 1772 se cita en el estudio de «don Andres de la Calleja pintor de camara de su majestad», situado en la casa de Rebeque, lugar adonde fueron conducidos los cuadros considerados obscenos por Carlos III. De allí y después de haber corrido grave riesgo de ser quemados por su carácter lascivo, las obras de desnudos pasaron a la Academia de San Fernando de Madrid en 1796, donde permanecieron ocultas por las mismas razones. En 1827 ingresó definitivamente en el Prado. Su suerte en el Museo no mejoró porque algunos años más tarde, y sin que puedan adivinarse las razones, fue degradada a la categoría de copia, pasando finalmente a la Universidad de Granada en calidad de depósito, y allí permaneció ignorada incluso por los especialistas hasta 1963, momento en que retornó definitivamente a Madrid. La crítica moderna ha centrado su interés en torno a esta obra sobre dos puntos fundamentalmente. El primero es su relación con la otra versión conocida existente en el Museo Nazionale di Capodimonte, de Nápoles. La segunda es su cronología, que actualmente se sitúa mayoritariamente entre los años 1618 y 1619, por su proximidad estilística con la serie de «Los trabajos de Hércules» para los Gonzaga (Musée du Louvre, París) o el Sansón victorioso (Pinacoteca Nazionale di Bologna). Esta última fue grabada por G. F. Pesca en la segunda mitad del siglo XVII, siendo una obra de muy escasa calidad. La historia narra cómo Atalanta, hija de un rey de Arcadia, se había ofrecido en matrimonio a aquél que fuera capaz de vencerla en la carrera, deporte para el que había alcanzado una habilidad sobresaliente. El castigo establecido para todos aquellos que fueran derrotados era la muerte. A pesar del riesgo, Hipomenes aceptó el desafío contando para ello con la ayuda de Venus, que le proporcionó tres manzanas de oro que el joven fue arrojando a su paso, logrando con ello retrasar a Atalanta que se detuvo a recogerlas. Sin embargo, una vez casados, Hipomenes olvidó agradecer la ayuda de la diosa que había propiciado su victoria, la cual terminó metamorfoseando a los dos en leones. Reni resuelve la composición colocando ambas figuras en primer plano, creando así una estructura diagonal que refleja un momento concreto de la narración, cuando Hipomenes lanza la manzana que Atalanta recoge, circunstancia que al final será la causa de su derrota. Muchas de las características esenciales del arte de Reni están presentes en esta pieza fundamental de su catálogo. Su clasicismo es entendido no como ropaje arqueologizante, sino más bien como motivo de reflexión formal, en las vigorosas anatomías, o en la distribución en friso de los personajes que interpretan el drama. Y también, en un terreno diferente, en su ideal de belleza, que se manifiesta en la perfección formal de los cuerpos desnudos, en su equilibrio casi simétrico y en sus cualidades dramáticas, que se expresan a través de unas actitudes contenidas, a pesar de que se encuentran en medio de una carrera que decidirá el destino de ambos jóvenes. En todo ello, el color juega un papel fundamental. Los objetos más luminosos son, precisamente, los cuerpos de los protagonistas, a los que se dirigen los ojos del espectador, mientras que el resto -el cielo, las nubes, la tierra...- adquiere un monótono color pardo, rojizo y gris, que permite centrar la atención sobre el drama representado en el primer plano.


 7cupido

Cupido, óleo sobre lienzo, 101 x 88 cm, 1637-38. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

La pareja de representaciones del dios pagano del amor, Cupido, formada por esta obra y El amor desinteresado (P205) de Guercino, constituye un hermoso testimonio de la confluencia de arte y política durante el barroco. De una parte, sus autores son dos de los máximos protagonistas del triunfo de la pintura boloñesa en la primera mitad del siglo XVII. Ambos educados como artistas en el fecundo entorno de los Carracci, también los dos conquistaron el pujante mercado romano y la protección de los más importantes mecenas de la curia cardenalicia. No obstante, pese a su sustrato formativo común e ideales estéticos tan próximos, la comparación de los dos lienzos también pone de manifiesto la diversa personalidad de uno y otro en sus respectivos momentos de madurez. Un contraste deliberado muy del gusto de los aficionados de su tiempo, quienes sin duda valorarían este sugerente juego visual entre el severo clasicismo de Reni y las aterciopeladas calidades de Guercino.

Parece que la reunión de ambas pinturas fue iniciativa de un importante patricio romano, de refinada formación humanística y artística, el cardenal Camillo Massimo. Se desconoce el momento en el que adquirió la pintura de Reni, que habría de servir de contramodelo para la de Guercino, a quien consta que se le pagó una obra de este tema en enero de 1654 por un religioso desconocido, el padre Salvatore de Piacenza. Los dos cupidos aparecen documentados juntos por vez primera en las colecciones del rey Felipe IV, en 1666, a quien las hubo de regalar Massimo. El Cardenal las ofrecería al monarca durante su etapa como nuncio pontificio en la corte española entre 1654 y 1656.

El regalo diplomático tenía en este caso un valor especial. Las circunstancias de la llegada de Massimo a Madrid fueron ciertamente adversas y utilizó estas obras para congraciarse con un soberano famoso por su pasión coleccionista. Por ello unas aparentemente banales representaciones de Cupido encierran unas sutiles connotaciones alegóricas y políticas que los cortesanos españoles debieron apreciar. Por lo pronto fueron muy del agrado de Felipe IV, quien los colocó en su despacho de verano del Alcázar madrileño, en la misma habitación en la que colgaban originalmente Las meninas de Velázquez.

La pintura de Guido Reni muestra al pequeño dios alado en una curiosa actitud. Aparece ante un fondo marítimo ofreciendo una de sus flechas a una paloma, mientras sujeta con indiferencia su arco y el carcaj queda olvidado a sus pies. Las tonalidades frías dominantes, tanto en el azul del fondo como en las nacaradas carnaciones del niño, confieren un aire escultórico acentuado por su maciza anatomía. Aunque la línea de los contornos queda perfectamente marcada, el tratamiento ágil de las carnaciones resulta más propio del Reni último, así como el hermoso prototipo fisonómico.

Sin embargo esta encantadora y aparentemente trivial presentación de Cupido en realidad encierra un contenido iconológico particular, pues se trata del Amor Domato o Amor domado. Éste ha rendido sus armas y lo simboliza cediendo una flecha a la paloma que, en este caso, puede significar el amor conyugal. La paz y entrega del protagonista se contraponen al vuelo del cupidillo del fondo, quien permanece en guardia para disparar sus dardos.

El cuidado puesto por Massimo en escoger un exquisito regalo para el rey aficionado a la pintura parece que se excedió del plano artístico descrito. El recurso a un mito pagano no se limitó a su transformación moralizada, sino que sus atributos iconográficos se prestaron a una inteligente presentación del nuncio en Madrid. En el caso de Reni no fue previsto, sino aprovechado a posteriori, pues la paloma blanca es uno de los distintivos heráldicos de la familia Chigi. El papa que enviaba a Massimo a España, Alejandro VII, pertenecía a dicha familia. Otro detalle del cuadro de Guercino hace referencia a un pontífice anterior, pues una de las monedas arrojadas al suelo muestra la efigie de Urbano VIII. Éste había llevado una política profrancesa, que había dado lugar a constantes enfrentamientos con la Monarquía Hispánica. De ahí que Massimo quisiera pregonar su apego al papa Chigi, de marcada hispanofilia, valiéndose de este sagaz juego y, seguramente, incluyendo esta referencia en el Cupido que encargaría para Felipe IV (Texto extractado de Beaven, L. en: Italian Masterpieces. From Spain`s Royal Court, Museo del Prado, 2014, pp. 104-106).


 8cleopatra

Cleopatra, óleo sobre lienzo, 110 x 94 cm, h. 1640. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

Cleopatra se dio muerte dejándose morder por un áspid que había escondido en un cesto. Esta reina constituye el modelo femenino no sagrado más conocido de Reni junto con Lucrecia. En su obra, ambas heroínas aparecen siempre solas y en el momento de cometer sus respectivos suicidios.


 9el_ap_stol_santiago_el_mayor

El apóstol Santiago el Mayor, óleo sobre lienzo, 135 x 89 cm, 1618-1623. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

El Apóstol representado de más de medio cuerpo, barbado y vestido con túnica verde y manto amarillo, mira al cielo con las manos unidas en oración. Con el brazo izquierdo sostiene su símbolo, el bordón o bastón de peregrino, que hace referencia a sus misiones evangelizadoras. Según la tradición, estas empresas le llevaron a España, siendo enterrado en Compostela, donde en torno a su tumba se creó el segundo centro más importante de peregrinación cristiana después de Roma.

Guido Reni fue uno de los alumnos más sobresalientes de los Carracci y su estilo se caracteriza por la vuelta a la importancia de la línea y al estudio del natural, en un retorno a los maestros del primer Renacimiento, cualidades propias de la pintura barroca boloñesa.


 10la_virgen_de_la_silla

La Virgen de la silla, óleo sobre lienzo, 213,8 x 137,5 cm, 1624-25. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

La Virgen, sentada en un trono y coronada por ángeles mira con dulzura al Niño entre sus rodillas. Reni representa a María como Reina del Cielo. La composición destaca por el brillante colorido del manto y la túnica de la Virgen y por su marcada verticalidad.

Estuvo en la Sacristía de El Escorial, donde la envió Felipe IV. Llevada por José Bonaparte a Francia, fue restituida a España en 1815.


 11san_sebasti_n

San Sebastián, óleo sobre lienzo, 170 x 133 cm, 1617-19. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

San Sebastián fue un militar romano, condenado a morir asaeteado por defender su fe. Santa Irene le liberó todavía con vida y curó sus heridas. Fue un santo muy popular, pues se le atribuía poder para detener las epidemias de peste.

Reni muestra el inicio de su martirio, momento en el que el santo se encomienda a Dios, con un fuerte contraste lumínico entre la figura y el paisaje del fondo, acentuando así el dramatismo de la escena. La elección de este instante permite también al artista estudiar el cuerpo humano en la tensión de una posición forzada que, a pesar del esfuerzo, consigue imbuir de su característico clasicismo.

Existen dos obras similares pertenecientes una a la colección del Louvre y otra a la Dulwich Picture Gallery.

Este cuadro aparece en el inventario de 1746 de la colección de Isabel de Farnesio (1692-1766) en el Palacio de la Granja de San Ildefonso, en el inventario de 1794 del Palacio de Aranjuez y en 1814 en el Palacio Real de Madrid.


 12asunci_n_y_coronaci_n_de_la_virgen

Asunción y Coronación de la Virgen, óleo sobre tabla, 77 x 51 cm, h. 1602-1603. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

En el centro, la Virgen coronada por dos angelitos, rodeada por la corte celestial. Abajo, ángeles músicos en las esquinas. El tema, para el cual se conocen algunos dibujos, fue muy trabajado por Guido en sus primeros años, con una cierta influencia de Aníbal Carracci en las formas torneadas de sus ángeles y en una monumentalidad grandiosa, que no es habitual en sus composiciones. Se conocen tres versiones muy semejantes, una en Bolonia, otra en Londres y la del Prado. La más tardía es la de Londres, fechable en 1607-08, mientras que la de Madrid debe situarse hacia 1602-03. Tanto la versión de Londres como la de Bolonia (la más temprana del grupo) están realizadas sobre cobre, mientras que la del Prado tiene soporte de madera y es de dimensiones algo mayores. La primera versión de Bolonia se relaciona con el encargo realizado a Reni por el abad Astorre di Vincenzo Sampieri, amigo de Aníbal Carracci y gran apasionado de su pintura. Aníbal Carracci ya había encargado a Reni con anterioridad una copia de su Cristo muerto para el mismo comitente, y Ludovico Carracci aconsejaría a Sampieri sobre las virtudes y la calidad de la pintura de Reni, circunstancias que están en el origen del encargo de la primera Asunción. Las versiones posteriores del Prado y Londres se basan en una composición similar a la obra de Bolonia pero muestran una paleta de colores más oscura y una tipología diferente en los rostros. Las versiones del Prado y Londres serían igualmente encargos privados en su origen, siguiendo la línea del primero realizado por la familia Sampieri, famosa por la amplitud y calidad de su colección de pintura, que estaba expuesta en el siglo XVII en el palacio Sampieri (Texto extractado de Pérez Sánchez, A. E.: Pintura italiana del siglo XVII en España, 1965, p. 173; Pintura italiana del siglo XVII: exposición conmemorativa del ciento cincuenta aniversario de la fundación del Museo del Prado, 1970, p. 453 y Baroni, Jean-Luc: Paintings, Sculptures, Drawings, 2014, pp. 16-19).


 13martirio_de_santa_apolonia

Martirio de santa Apolonia, óleo sobre cobre, 28 x 20 cm, 1600-1603. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

Santa Apolonia fue una de las vírgenes martirizadas en Alejandría (Egipto) en el siglo III d. C., en plena persecución religiosa a los cristianos. En esta pequeña lámina sobre cobre el pintor boloñés plasma el momento en que la santa, atada a un poste, es torturada por dos verdugos, que le extraen los dientes con grandes tenazas. Ello explica que su atributo identificativo suela ser dicho instrumento, a veces incluyendo dientes, y que se la invoque contra el dolor de muelas. Obra representativa del periodo juvenil de Reni, muestra su admiración por Rafael y su paso por la academia de los Carracci, lo que es especialmente perceptible en la simetría de la composición y en el modelo femenino y demuestra desde el inicio su vinculación con la tendencia clasicista del arte Barroco (Texto extractado de La Belleza Cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado, Museo Nacional del Prado, Obra Social la Caixa, 2014, p. 96).


 14santa_apolonia_en_oraci_n

Santa Apolonia en oración, óleo sobre cobre, 28 x 20 cm, 1600-1603. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

Pareja del Martirio de santa Apolonia (P214) esta pintura ilustra el episodio posterior, cuando, una vez extraídos violentamente sus dientes, los verdugos encienden una hoguera y la amenazan con quemarla viva si no repite las mismas palabras impías que ellos profieren. Pero Apolonia preferiría arrojarse a la hoguera por propia voluntad. Aquí se muestra el momento en que la santa, en actitud extática, con los brazos cruzados sobre el pecho y la mirada dirigida al cielo, recibe de un ángel la corona y la palma del martirio como símbolo de salvación. A su lado aparecen, como atributo característico, las tenazas con uno de sus dientes. Aunque se trata de una obra temprana dentro de la producción del artista, preludia ya los dulces y serenos personajes femeninos que tanta popularidad le reportaron y que fueron ampliamente copiados (Texto extractado de La Belleza Cautiva. Pequeños tesoros del Museo del Prado, Museo Nacional del Prado, Obra Social la Caixa, 2014, p. 97).


 15la_magdalena

La Magdalena. Primera mitad del siglo XVII, óleo sobre lienzo, 75 x 62 cm. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.


 16muchacha_con_una_rosa

Muchacha con una rosa, óleo sobre lienzo, 81 x 62 cm, 1630-35. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

El aspecto genérico de la joven de esta pintura permite descartar que estemos ante un retrato. Podría entenderse como una alegoría de los sentidos o de la virtud. Corresponde a una fase avanzada de la producción de Reni, en la que redujo notablemente su paleta. Se encontraba en la Colección Real ya en 1666.


 18san_pedro

San Pedro, óleo sobre lienzo, 76 x 61 cm, h. 1617. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.


 19san_pablo

San Pablo, óleo sobre lienzo, 76 x 61 cm, h. 1617. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.


 17santa_catalina

Santa Catalina, óleo sobre lienzo, 98 x 75 cm, 1606. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

De más de medio cuerpo, con los ojos levantados al cielo, en actitud de contemplación aparece la santa representada con sus símbolos, la corona de reina, la rueda y la palma del martirio. Su cuello se adorna con un joyel de perlas. Considerada obra de escuela de Guido Reni, en el inventario de 1857; publicado como Domenichino, en 1962; atribuida a Guido Reni, por Pérez Sánchez (1965). Procede de la colección Maratta. Aparece citada por Ponz y Conca, en el siglo XVII en el Palacio de La Granja (Texto extractado de Catálogo de las pinturas, Museo del Prado, Madrid, 1996. Pág. 309).


 20estudio_de_pierna_derecha

Estudio de pierna derecha, lápiz negro sobre papel gris verdoso, 333 x 270 mm. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

Estudio de una pierna doblada, en actitud de estar arrodillada sobre una roca. Es un dibujo magistral del que se puede aceptar la atribución antigua a Reni, pero no se relaciona con ninguna de las obras conocidas del artista, aunque parece preparatorio para una figura de San Juan Bautista en el Bautismo de Cristo (Texto extractado de Mena Marqués, M.: Catálogo de dibujos. VI. Dibujos italianos del siglo XVII, Museo del Prado, 1983, p.137).


 21estudio_de_manos_entrecruzadas_en_actitud_de_oraci_n

Estudio de manos entrecruzadas en actitud de oración, clarión y lápiz negro sobre papel gris, 96 x 87 mm, h. 1627. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

Enlaza con el estudio de Reni Dos estudios de pie derecho (D01030) en técnica y estilo. El estudio está muy cerca de las manos de San Juan en el lienzo de la Crucifixion de la colección del duque de Northumberland en Alnwick Castle, fechada a fines de la década de 1620 (Texto extractado de Mena Marqués, M.: Catálogo de dibujos. VI. Dibujos italianos del siglo XVII, Museo del Prado, 1983, p.137).


 22dos_estudios_de_pie_derecho

Dos estudios de pie derecho, clarión y lápiz negro sobre papel gris, 103 x 170 mm, h. 1627. Museo del Prado. Obra de Guido Reni.

Es apunte de excelente calidad, que se puede atribuir sin dificultad a Guido Reni (Texto extractado de Mena Marqués, M.: Catálogo de dibujos. VI. Dibujos italianos del siglo XVII, Museo del Prado, 1983, p.137).


 23judit_y_holofernes_siglo_xvii_220_x_135_cm_museo_del_prado_obra_de_juan_carre_o_de_miranda_copia_de_guido_reni

Judit y Holofernes. Siglo XVII, 220 x 135 cm. Museo del Prado. Obra de Juan Carreño de Miranda (Copia de Guido Reni)
    
Es copia fiel de una composición de Guido Reni, que fue muy estimada en su tiempo y de la cual consta que se hicieron varias repeticiones. Se considera original de la versión conservada en la Sedlmayer Collection de Ginebra, fechable hacia 1625-1626. La soberbia técnica con que está resuelta la calidad de las telas, el acentuar dramáticamente ciertos efectos que el original resuelve de modo más clásico y frío, y la maestría con que se ha interpretado la fuerza poderosa de la figura femenina, subraya la seguridad de Carreño al enfrentarse con modelos de un mundo estilístico en principio alejado de lo que era más usual en su tiempo y en su ambiente, pero que sin duda ejercía atracción sobre su temperamento. Esta obra constituye una importante aportación al mejor conocimiento del sustrato clásico de que hace gala Carreño en más de una ocasión (Texto extractado de Pérez Sánchez, A. E.: Carreño, Rizi, Herrera y la pintura madrileña de su tiempo (1650-1700), Madrid, 1986).



Frescoes in the Cappella dell'Annunziata, Palazzo del Quirinale, Rome (1609-11)


 48interior_view_looking_toward_the_choir

Interior view looking toward the choir. 1609-11. Fresco. Cappella dell'Annunziata, Palazzo del Quirinale, Rome. Obra de Guido Reni.


 49cupola_and_pendentives

Cupola and pendentives. 1609-11. Fresco. Cappella dell'Annunziata, Palazzo del Quirinale, Rome. Obra de Guido Reni.


 50presentation_of_mary_to_the_temple

Presentation of Mary to the Temple. 1609-11. Fresco. Cappella dell'Annunziata, Palazzo del Quirinale, Rome. Obra de Guido Reni.


 51annunciation_to_joachim

Annunciation to Joachim. 1609-11. Fresco. Cappella dell'Annunziata, Palazzo del Quirinale, Rome. Obra de Guido Reni.


 52adam

Adam. 1609-11. Fresco. Cappella dell'Annunziata, Palazzo del Quirinale, Rome. Obra de Guido Reni.


 55humilitas_spes

Humilitas Spes. 1609-11. Fresco. Cappella dell'Annunziata, Palazzo del Quirinale, Rome. Obra de Guido Reni.


 53mary_sewing_the_shirt_for_the_christ_child_service_in_the_temple

Mary Sewing the Shirt for the Christ Child (Service in the Temple). 1609-11. Fresco. Cappella dell'Annunziata, Palazzo del Quirinale, Rome. Obra de Guido Reni.


 54birth_of_the_virgin

Birth of the Virgin. 1609-11. Fresco. Cappella dell'Annunziata, Palazzo del Quirinale, Rome. Obra de Guido Reni.



Otras obras


 0_guido_reni_autorretrato_c_1635

Guido Reni - Autorretrato, c. 1635


 28mysteries_of_faith

Mysteries of Faith. 1608. Fresco. Palazzo Pontifici, Vatican. Obra de Guido Reni


 27the_glory_of_st_dominic

The Glory of St Dominic. 1613. Fresco. San Domenico, Bologna. Obra de Guido Reni


 26aurora_1614_fresco_casino_dell_aurora_palazzo_pallavicini_rome

Aurora. 1614. Fresco. Casino dell'Aurora, Palazzo Pallavicini, Rome. Obra de Guido Reni


 29st_andrew_being_led_to_his_martyrdom

St Andrew Being Led to His Martyrdom. 1607-08. Fresco. Oratorio di Sant'Andrea al Celio, Rome. Obra de Guido Reni


 24_1435247779_735069

Atalanta and Hippomenes. 1615-20. Oil on canvas, 191 x 264 cm. Museo Nazionale di Capodimonte, Naples. Obra de Guido Reni


 30drinking_bacchus

Drinking Bacchus, c. 1623. Oil on canvas, 72 x 56 cm. Gemäldegalerie, Dresden. Obra de Guido Reni


 31the_boy_bacchus

The Boy Bacchus. 1615-20. Oil on canvas, 87 x 70 cm. Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence. Obra de Guido Reni.


 32baptism_of_christ

Baptism of Christ, c. 1623. Oil on canvas, 263,5 x 186,5 cm. Kunsthistorisches Museum, Vienna. Obra de Guido Reni.


 33st_cecilia

St Cecilia. 1606. Oil on canvas, 94 x 75 cm. Norton Simon Museum of Art, Pasadena. Obra de Guido Reni.


 34the_death_of_cleopatra

The Death of Cleopatra. 1625-30. Oil on canvas, 124 x 94 cm. Neues Palais, Potsdam. Obra de Guido Reni.


 35david_with_the_head_of_goliath

David with the Head of Goliath, c. 1605. Oil on canvas, 220 x 145 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Guido Reni.


 36st_francis_consoled_by_angelic_music

St Francis Consoled by Angelic Music, 1605-10. Oil on copper, 44 x 43 cm. Pinacoteca Nazionale, Bologna. Obra de Guido Reni.


 37hercules_on_the_pyre

Hercules on the Pyre. 1617-19. Oil on canvas, 260 x 192 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Guido Reni.


 38hercules_vanquishing_the_hydra_of_lerma

Hercules Vanquishing the Hydra of Lerma. 1617-20. Oil on canvas, 260 x 192 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Guido Reni.


 39the_rape_of_deianira

The Rape of Deianira. 1617-19. Oil on canvas, 239 x 193 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Guido Reni.


 40massacre_of_the_innocents

Massacre of the Innocents. 1611. Oil on canvas, 268 x 170 cm. Pinacoteca Nazionale, Bologna. Obra de Guido Reni.


 41the_gathering_of_the_manna

The Gathering of the Manna. 1614-15. Oil on canvas, 280 x 170 cm. Cathedral, Ravenna. Obra de Guido Reni.


 42the_martyrdom_of_st_catherine_of_alexandria

The Martyrdom of St Catherine of Alexandria. 1606-07. Oil on canvas, 277 x 195 cm. Museo Diocesano, Albenga. Obra de Guido Reni.


 43moses_with_the_tables_of_the_law

Moses with the Tables of the Law, c. 1624. Oil on canvas, 173 x 134 cm. Galleria Borghese, Rome. Obra de Guido Reni.


 44portrait_of_the_artist_s_mother

Portrait of the Artist's Mother. 1612. Oil on canvas, 64 x 55 cm. Pinacoteca Nazionale, Bologna. Obra de Guido Reni.


 45portrait_of_an_old_woman

Portrait of an Old Woman. 1611-12. Oil on canvas, 34,5 x 28 cm. Pinacoteca Nazionale, Bologna. Obra de Guido Reni.


 56angel_of_the_annunciation

Angel of the Annunciation. Oil on canvas, 58,5 x 46,5 cm. Landesmuseum, Oldenburg. Obra de Guido Reni.


 57annunc_v

Virgin of the Annunciation. Oil on canvas, 58,5 x 46,5 cm. Landesmuseum, Oldenburg. Obra de Guido Reni.


 58cleopatra_with_the_asp

Cleopatra with the Asp, c. 1630. Oil on canvas, 113,7 x 94,9 cm. Royal Collection, Windsor. Obra de Guido Reni.


 59cleopatra

Cleopatra. 1635-40. Oil on canvas, 122 x 96 cm. Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence. Obra de Guido Reni.


 60ecce_homo

Ecce Homo. 1639-40. Oil on canvas, 60 x 45 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Guido Reni.


 61eccehomo

Ecce Homo, c. 1639. Oil on canvas. Pinacoteca Nazionale, Bologna. Obra de Guido Reni.


 62st_joseph

St Joseph. Oil on canvas. Basilica dei Santi Giovanni e Paolo, Venice. Obra de Guido Reni.


 63st_joseph_with_the_infant_jesus

St Joseph with the Infant Jesus. 1620s. Oil on canvas, 126 x 101 cm. The Hermitage, St. Petersburg. Obra de Guido Reni.


 64the_penitent_magdalene

The Penitent Magdalene. 1635. Oil on canvas, 91 x 74 cm. Walters Art Museum, Baltimore. Obra de Guido Reni.


 65st_mary_magdalene

St Mary Magdalene. 1633. Oil on canvas, 234 x 151 cm. Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome. Obra de Guido Reni.


 66matthew

St Matthew and the Angel. 1635-40. Oil on canvas, 85 x 68 cm. Pinacoteca, Vatican. Obra de Guido Reni.


 67sts_peter_and_paul

Sts Peter and Paul. Oil on canvas, 197 x 140 cm. Pinacoteca di Brera, Milan. Obra de Guido Reni.


 68potiphar

Joseph and Potiphar's Wife, c. 1631. Oil on canvas, 227 x 195 cm. Pushkin Museum, Moscow. Obra de Guido Reni.


 69rape_hel

The Rape of Helena. 1626-29. Oil on canvas, 253 x 265 cm. Musée du Louvre, Paris. Obra de Guido Reni.


 70reclining_venus_with_cupid

Reclining Venus with Cupid, c. 1639. Oil on canvas, 136 x 174 cm. Gemäldegalerie, Dresden. Obra de Guido Reni.


 71salome_with_the_head_of_saint_john_the_baptist

Salome with the Head of Saint John the Baptist. 1639-1640. Oil on canvas. Art Institute, Chicago. Obra de Guido Reni.


 72st_jerome

St Jerome, c. 1635. Oil on canvas, 278 x 238 cm. Kunsthistorisches Museum, Vienna. Obra de Guido Reni.


 73education_of_the_virgin

Education of the Virgin. 1640-42. Oil on canvas, 146 x 206 cm. The Hermitage, St. Petersburg. Obra de Guido Reni.


 portrait_of_cardinal_roberto_ubaldino_papal_legate_to_bologna_lacma_m_83_109_1_of_2

Portrait of Cardinal Roberto Ubaldino, Papal Legate to Bologna, LACMA. Obra de Guido Reni.


 guido_reni_portrait_of_a_girl_with_a_crown_musei_capitolini_rome

Portrait of a girl with a crown - Musei Capitolini Rome, c. 1642. Obra de Guido Reni.


 0_renisp

Retrato de Guido Reni, c. 1602-33

Guido Reni (Bolonia 1575 - Bolonia 1642) Reni completa la nómina de artistas del Barroco italiano seguidores de los Carracci. Nació en Bolonia en 1575, formándose con Denis Calvaert en compañía de Albani y Domenichino. Hacia 1594 se instaló en la Academia de los Carracci, trabajando especialmente con Ludovico. Hacia 1602 se traslada con Albani a Roma, contactando con Caravaggio, cuya obra tendrá una importante influencia en el boloñés. Las esculturas clásicas y Rafael serán otro punto de atracción, como se observa en Hipomenes y Atalanta del Museo del Prado. Su obra más famosa la realiza entre 1613 y 1614 en uno de los techos del palacio romano Pallavicini, olvidándose de la perspectiva empleada por Guercino. De regreso a Bolonia, se dedicó a realizar pintura religiosa y escenas populares como la Muchacha con una rosa. Reni consigue aunar perfectamente el Naturalismo tenebrista con el Clasicismo, creando un estilo personal que marcó buena parte de la pintura barroca europea. Falleció en Bolonia en 1642.

Ver 12 obras de Guido Reni en Artehistoria

Ver más obras de Guido Reni en Wikipedia



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al gran pintor boloñés, Guido Reni (1575-1642), seguidor y continuador del estilo que implantó en Bolonia la familia Carracci del que fue aprendiz desde los 9 años. Uno de sus discípulos fue Simone Cantarini. Reni fue un renombrado pintor de temas religiosos y escenas mitológicas, su técnica es clásica y realista, contrastando con el estilo barroco de sus contemporáneos.


Fuentes y agradecimientos: Andrés Úbeda de los Cobos/museodelprado.es, wga.hu, es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, artehistoria.com, pintura.aut.org, artcyclopedia.com y otras de Internet.
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
Last edited by j.luis on Thursday, 25 June 2015, 21:38; edited 15 times in total 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: RENI 
 
Gracias J.Luis por estas magníficas obras de Reni.  

Un Saludo.
 




___________________________
Antes que nada lee las NORMAS del foro.
Los mensajes deben de ser con respeto y educación hacia todos los usuarios.
Xerbar Administrador del Foro.
 
xerbar Send private message Visit poster's website
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: RENI 
 
Como siempre xerbar, muchas gracias por tu apoyo. De Reni conozco varios cuadros que tiene el Prado.



 



Saludos.
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: RENI, Guido 
 
Los bomberos, al rescate de una joya del barroco italiano


'La asunción de la Virgen', de Guido Reni, se encontraba en una iglesia cerca de Bolonia, dañada por los terremotos de mayo



user_50_0un_grupo_de_bomberos_transporta_el_cuadro_de_guido_reni_l_assunzione_della_vergine_recuperado_de_la_iglesia_collegiata_di_santa_maria_maggiore

Un grupo de bomberos transporta el cuadro de Guido Reni 'L'assunzione della Vergine', recuperado de la iglesia 'Collegiata di Santa Maria Maggiore'. / ELISABETTA BARACCHI (EFE)

Guido Reni yace desde el 18 de agosto de 1642 en la iglesia boloñesa de San Domenico. Y en otra iglesia, cerca de la tumba del pintor italiano y a pocos kilómetros de Bolonia, descansaba hasta hace poco su obra L’assunzione della Vergine (1600). Pero el terremoto del pasado 29 de mayo hizo temblar la Collegiata di Santa Maria Maggiore, en la aldea de Pieve di Cento. Tanto que las sagradas paredes ya no eran un refugio seguro para la tabla de altar de Reni. De ahí que los bomberos italianos se hayan encargado esta mañana de retirar la obra de su sitio y llevarlo al museo Bargellini.

“El edificio fue dañado de manera seria por el terremoto, que causó el derrumbe de su cúpula. La intervención empezó a las 8.30 y, pese a ser compleja, (la iglesia ha sido atada pero los daños estructurales eran profundos) ha terminado sin problemas sobre las 13.00”, explica el Ministerio de Bienes y Actividades culturales de Italia en una nota en su página web, en la que cita a la agencia Ansa.

Esta tarde los bomberos y los carabinieri están retirando de la misma iglesia también un crucifijo de madera de 1300 que, según cuenta el Ministerio en el mismo documento, está considerado “milagroso” por la población local. Y mañana será rescatada otra Anunciación, en este caso pintada por el Guercino en 1646.

Los dos terremotos que azotaron el norte de Italia el 20 y 29 de mayo causaron 24 muertos y daños por un valor de 5.000 millones de euros. En un comunicado del pasado jueves 21 de junio, el Ministerio sacaba un balance "dramático" (y "parcial") también en cuanto a los daños para el patrimonio cultural de la Emilia Romaña, la región de Bolonia y epicentro del temblor: "Hasta la fecha ha habido 1335 avisos para señalar daños a estructuras tuteladas por el código de los Bienes Culturales".


elpais.com
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: RENI, Guido 
 
'De Caravaggio a Bernini', el esplendor del Seicento italiano en el Palacio Real de Madrid


Maestros italianos y españoles italianizados



- Patrimonio Nacional exhibe 72 obras maestras barrocas en Madrid hasta octubre

- La exposición recoge joyas como Salomé con cabeza del Bautista, de Caravaggio

- Una escultura única de Bernini y La túnica de San José, de Velázquez, piezas clave




 01_1465312416_838659

'Salomé con la cabeza del Bautista', de Caravaggio.


La muestra De Caravaggio a Bernini. Obras maestras del Seicento italiano en las Colecciones Reales reúne en las salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid 72 piezas entre pinturas y esculturas italianas del siglo XVII. “Italianas” no es exactamente cierto, salvo que se consideren italianos a Velázquez o Ribera, y a Charles le Brun o Fischer von Erlach… y en cierto modo lo son en este contexto y en su condición de viajeros embelesados por la Roma del XVII e influidos por el arte que allí se produjo.


 la_t_nica_de_san_jos_c_1630_34_obra_de_diego_vel_zquez

'La túnica de San José'. c. 1630-34. Obra de Diego Velázquez.

De hecho, una de las joyas de esta extraordinaria exposición compuesta exclusivamente por fondos de Patrimonio Nacional es La túnica de José, de Velázquez (1630-1634), óleo sobre lienzo supuestamente pintado por el maestro sevillano al volver de su primer viaje a Italia. Tanto este velázquez mayúsculo como la mayoría de las aquí expuestas en la sobria y brillante escenografía de Jesús Moreno han experimentado una suerte de renacimiento. Un renacer en forma de restauración que, en el caso concreto de La túnica de José, ha hecho reaparecer el paisaje semioculto y el emocionante contraste de luces y sombras sobre los dos personajes de la izquierda.


 bernini_cristo_crucificado_h_1654_1656

'Cristo crucificado' (h. 1654-1656), de Bernini.

Este conjunto de piezas maestras del XVII abre sus puertas tras un largo, complejo y costoso proceso de restauración y catalogación en el que han tomado parte 46 restauradores y 20 expertos italianos, y que ha arrojado como resultado varias nuevas atribuciones.


 lot_y_sus_hijas_1617_obra_de_giovanni_francesco_barbieri

'Lot y sus hijas', 1617. Obra de Giovanni Francesco Barbieri (Guercino).

Entre ellas destacan las de Cristo muerto llorado por dos angeles de Le Brun, la de Santa Catalina de Guido Reni y, sobre todo, la de Conversión de Saulo o Conversión de San Pablo, también obra de Reni, que dormitaba como pintura anónima en la Casa de la Botica del Monasterio de El Escorial hasta que fue descubierta en 2013 por Gonzalo Redín, comisario de la exposición hoy inaugurada. Una exposición de fondos propios “impensable en otros grandes museos del mundo”, según el director de Colecciones Reales de Patrimonio Nacional, José Luis Díez. La muestra y el proceso previo de restauración y catalogación de obras ha contado con el mecenazgo de la Fundación Banco de Santander.


 1465206265735

'La conversión de Saulo' (h. 1621), de Guido Reni.

Una exposición ¿italiana? Desde luego, no hay más que acudir a la apabullante nómina de artistas. No solo Caravaggio y la Escuela Napolitana… no solo Bernini (su Cristo crucificado vale por sí solo el desplazamiento al Palacio Real) o Guido Reni… los Algardi, Luca Giordano, Antonio Raggi, Giambologna, Doménico Montini, Gargiulo, Andrea Vaccaro o Il Guercino, entre otros, conforman este vibrante conjunto de pinturas y esculturas del Barroco que vivirá hasta octubre en las salas del Palacio Real.


 00_1465313501_850893

La Fundación Banco Santander patrocina esta exposición organizada por Patrimonio Nacional y dedicada al Seicento italiano en las Colecciones Reales. La muestra incluye alrededor de setenta destacadas obras de la pintura y la escultura de este período, y ha ido acompañada de una importante campaña de restauración, ya que muchas de ellas se exhiben al público por primera vez.



elpais.com / rtve.es
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Display posts from previous:    
 

Post new topic  Reply to topic  Page 1 of 1
 



Users browsing this topic: 0 Registered, 0 Hidden and 1 Guest
Registered Users: None


 
Permissions List
You cannot post new topics
You cannot reply to topics
You cannot edit your posts
You cannot delete your posts
You cannot vote in polls
You cannot attach files
You cannot download files
You can post calendar events