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CARRACCI, Annibale
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Mensaje CARRACCI, Annibale 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado al gran pintor boloñés: Annibale Carracci, fue el más destacado Pintor de una familia de artistas. Fue gran admirador de Rafael y Miguel Ángel y detractor de Caravaggio.

Sus paisajes destacan por su sutileza y exquisitez, también es reconocida su extensa obra religiosa. Su estilo presenta influencias del Manierismo italiano, es una figura fundamental en la transición del Manierismo al Barroco.

000annibale_carracciAnnibale Carracci (Bolonia, 3 de noviembre de 1560 - Roma, 15 de julio de 1609) fue un pintor y grabador italiano del clasicismo romano-boloñés. Es el más famoso de la saga Carracci. Se le ha considerado el rival de Caravaggio, pues encarnó una opción artística opuesta a la de aquél.

En la Bolonia de principios de los años 1580, su hermano mayor Agostino Carracci; junto con el primo de ambos, Ludovico Carracci, abrieron la academia de pintores de Desiderosi (Deseosos de fama y aprender), que posteriormente se llamó la Academia de los Incamminati (progresistas) y finalmente la "Escuela de los Eclécticos". El principal objetivo de los tres Carracci fue renovar la pintura, que entendían que había degenerado durante el Manierismo y que también veían en peligro por el naturalismo de Caravaggio, al que algunos apodaban "Anticristo del arte".

Los Carracci pusieron un énfasis especial en el dibujo, frente a los diseños sin boceto previo, aparentemente descuidados, de Caravaggio. Su estilo se mueve entre el énfasis por las formas sólidas, duras, típico de los artistas florentinos como Miguel Angel y la atención veneciana al uso del color rico y muy matizado, con efectos atmosféricos. Estas cualidades combinadas se asociaron a partir de entonces a los artistas de la Escuela Boloñesa, incluyendo a los seguidores más prominentes de los Carracci: Domenichino y Reni. Sin embargo, en siglos posteriores arraigó el prejuicio de que los Carracci imitaban un clasicismo conservador opuesto a Tiziano.

Es difícil distinguir las contribuciones individuales de cada Carracci en muchas de las primeras obras, incluyendo frescos en el Palazzo Fava de Bolonia (c.1583-84), donde trabajaron juntos hasta 1595, cuando Annibale, el más conocido, fue llamado a Roma por el Cardenal Odoardo Farnese para decorar la galería en el Palacio Farnesio (actual embajada de Francia), su obra maestra. Para dicho trabajo pidió la ayuda de su hermano Agostino Carracci, quien por desavenencias desistió pronto. Algunas partes secundarias fueron ejecutadas por Francesco Albani y algún otro.

Annibale cayó en una depresión hacia 1600, se dice que porque sus frescos en el Palacio Farnesio le fueron mal pagados y fríamente estimados. Posteriormente sufrió parálisis en un brazo, y tuvo que recurrir a ayudantes para sus encargos. En esos años se fechan sus murales en la iglesia de Santiago de los Españoles, en Roma; fueron terminados por ayudantes. Estos murales fueron arrancados de las paredes cuando la iglesia se vendió, y se conservan en medianas condiciones en el MNAC de Barcelona y el Museo del Prado de Madrid.

Annibale Carracci cuenta con una relevante presencia en España. El Museo del Prado posee el famoso cuadro "Venus y Adonis", recientemente restaurado y considerado ahora mejor que el conservado en Viena. Destacan también "La Asunción de la Virgen" y un "Paisaje con bañistas".

Al igual que Ludovico y Agostino, Annibale trabajó el grabado, lo cual era infrecuente entre los pintores italianos de primera línea, que solían recurrir a grabadores profesionales para difundir sus diseños en estampas. De su etapa de apogeo es el aguafuerte conocido como "La Piedad de Caprarola" (1597), luego repetido por Agostino. De sus últimos años, cuando ya no podía pintar grandes obras, son dos grabados: "La Virgen de la escudilla" y "Cristo coronado de espinas", ambos de 1606.

Falleció en Roma el 15 de Julio de 1609 víctima de una parálisis.


Grabados

Al igual que Ludovico y Agostino, Annibale trabajó el grabado, lo cual era infrecuente entre los pintores italianos de primera línea, que solían recurrir a grabadores profesionales para difundir sus diseños en estampas. De su etapa de apogeo es el aguafuerte conocido como La Piedad de Caprarola (1597), luego repetido por Agostino. De sus últimos años, cuando ya no podía pintar grandes obras, son dos grabados: La Virgen de la escudilla y Cristo coronado de espinas, ambos de 1606.


Obras en España

Annibale Carracci cuenta con una relevante presencia en España. El Museo del Prado posee el famoso cuadro Venus, Adonis y Cupido (restaurado en 2005 y considerado ahora mejor que el ejemplar conservado en Viena) así como La Asunción de la Virgen y un Paisaje con bañistas, entre otros.

Cronología de sus obras

   - Hombre comiendo judías (1580-1590) - Óleo sobre lienzo, 57 x 68 cm, Galería Colonna, Roma
   - La carnicería (años 1580) - Óleo sobre lienzo, 185 x 266 cm, Christ Church Picture Gallery, Oxford
   - Descendimiento de la Cruz (1580–1600) St. Ann's, Manchester
   - Crucifixión y santos (1583) - Óleo sobre lienzo, 305 x 210 cm, Santa Maria della Carità, Bolonia
   - El joven sonriente (1583) - Óleo sobre papel, Galería Borghese, Roma
   - Cristo muerto (h. 1583-1585) - Óleo sobre lienzo, 70,7 x 88,8 cm, Staatsgalerie Stuttgart
   - El bautismo de Cristo (1584) - Óleo sobre lienzo, San Gregorio, Bolonia
   - El matrimonio místico de Santa Catalina (1585–1587) - Óleo sobre lienzo, Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles
   - Venus, sátiro y dos amores (h. 1588) - Óleo sobre lienzo, 112 x 142 cm, Uffizi, Florencia
   - La Virgen entronizada con San Mateo (1588) - Óleo sobre lienzo, 384 x 255 cm, Gemäldegalerie, Dresde
   - Autorretrato de perfil (años 1590) - Óleo sobre lienzo, Uffizi, Florencia
   - Aparición de la Virgen a los santos Lucas y Catalina (1592) - Óleo sobre lienzo, 401 x 226 cm, Museo del Louvre, París
   - Venus, Adonis y Cupido (h. 1595) - Óleo sobre lienzo, 212 x 268 cm, Museo del Prado, Madrid
   - Venus y Adonis (h. 1595) - Óleo sobre lienzo, 217 x 246 cm, Museo Kunsthistorisches, Viena
   - La Asunción de María (1590) - Óleo sobre lienzo, 130 x 97 cm, Museo del Prado, Madrid
   - La pesca (antes de 1595) - Óleo sobre lienzo, 136 x 253 cm, Museo del Louvre, París
   - La caza (antes de 1595) - Óleo sobre lienzo, 136 x 253 cm, Museo del Louvre
   - Historia de Hércules (h. 1596) - Óleo sobre lienzo, 167 x 273 cm, Museo de Capodimonte, Nápoles
   - La burla de Cristo (h. 1596) - Óleo sobre lienzo, 60 x 69,5 cm, Pinacoteca Nacional
   - Frescos en la cúpula o bóveda (1597-1605) del Palacio Farnesio, Roma, como el Triunfo de Baco y Ariadna
   - Paisaje fluvial (h. 1599) - Óleo sobre lienzo, National Gallery of Art, Washington D.C. [1]
   - Pietà (1599–1600) - Óleo sobre lienzo, 156 x 149 cm, Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles
   - Descanso en la huida a Egipto (h. 1600) - Óleo sobre lienzo, diámetro 82,5 cm, Museo del Hermitage, San Petersburgo
   - Asunción de la Virgen María (1600–1601) - Óleo sobre lienzo, 245 x 155 cm, Santa Maria del Popolo, Roma
   - Domine, quo vadis? (Aparición de Cristo a San Pedro en la Vía Appia) (1601-1602) - Óleo sobre madera, 77,4 x 56,3 cm, National Gallery, Londres
   - La huida a Egipto (1603) - Óleo sobre lienzo, 122 x 230 cm, Galería Doria Pamphili, Roma
   - La lapidación de San Esteban (1603-1604) - Óleo sobre lienzo, 51 x 68 cm, Louvre, París
   - Las Santas Mujeres ante la Tumba de Cristo Óleo sobre lienzo, Museo del Hermitage, San Petersburgo
   - Autorretrato (h. 1604) - Óleo sobre tabla , 42 x 30 cm, Museo del Hermitage, San Petersburgo
   - Tríptico (1604–1605) - Óleo sobre cobre y tabla, 37 x 24 cm (panel central), 37 x 12 cm (cada ala), Galería Nacional de Arte Antigua, Roma
   - Lamentación por la muerte de Cristo (1606) - Óleo sobre lienzo, 92,8 x 103,2 cm, National Gallery, Londres
   - Atlante Sanguina, Louvre, París
   - Dibujos (expuestos, National Gallery of Art)

Espero que la recopilación realizada sea del gusto de los aficionados a la pintura que visitan esta sección, y en lo posible contribuya en su divulgación.






Algunas obras


Annibale Carracci en el Museo del Prado

Annibale Carracci (Bolonia, 1560-Roma, 1609). Pintor italiano. Figura capital en la historia del clasicismo seiscentista, hermano de Agostino y primo hermano de Ludovico, es artista de fortísima influencia posterior. Se educó primero como grabador junto a su hermano Agostino y formó con él y su primo, hacia 1582, la Academia de los Desiderosi, que luego fue de los Incamminati, con la intención de superar las formas recibidas y enriquecer la formación de los artistas con el conocimiento de la literatura y el estudio del natural olvidado por el cultivo de la maniera. Pronto emprendió un camino propio como pintor, rompiendo de un modo muy personal con el manierismo predominante en Bolonia y atendiendo a un naturalismo de fuerte carácter, visible también en Bartolomeo Passarotti. Las enseñanzas de la Academia insistían en la conveniencia del dibujo del natural como preparación de los lienzos, por lo que se han conservado muchos estudios de desnudos y de figuras populares, animales y objetos domésticos, sorprendentes por su viveza. También son los ­Carracci, especialmente Annibale, los iniciadores del género de la caricatura, que implica una observación atenta de los rasgos más característicos de la personalidad humana individual. Sin embargo, en sus composiciones religiosas o mitológicas se expresa con una serenidad que hace revivir los modelos clásicos del renacimiento pero dotándolos de una grandiosidad que anuncia el barroco pleno. También en la técnica del óleo se muestra libre a la manera veneciana, usando a veces el pincel con extrema soltura. A su primer tiempo corresponden obras como La carnicería (Christ Church, Oxford) o el Comedor de habas (Galleria Colonna, Roma), fechables hacia 1580. Entre 1583 y 1584 colabora con su hermano y su primo en la decoración del Palacio Fava en Bolonia, con frescos de una gran elegancia y un colorido a la manera veneciana. Viajes a Parma y a ­Venecia le familiarizaron con Correggio y ­Tiziano que ejercerán una gran influencia sobre él. A este momento responden las más importantes obras que de él conserva el Prado: Venus y Adonis y Asunción de la Virgen. En 1595 es llamado a Roma por el cardenal Odoardo Farnesio para decorar su palacio. Allí, en contacto con la obra de Rafael y Miguel Ángel, termina de madurar su estilo con la asimilación, perfectamente personal, de cuanto ha visto y le ha sido consonante. Acusado de eclecticismo por la crítica decimonónica, es considerado en la actualidad como un verdadero creador que en sus obras romanas ha dejado modelos de soberana belleza. La decoración de la galería del Palacio Farnesio (1597-1600), donde se presentan -siguiendo a Ovidio- los amores de los dioses, en nobilísimas composiciones, constituyó por mucho tiempo, el modelo ideal de belleza y armonía clásica donde aúna la más idílica interpretación del relato literario con una precisa observación de la naturaleza, en donde bebieron no solo sus muchos discípulos (Albani, Domenichino, Lanfranco, etc.), sino incluso Rubens. A la vez desarrolla una visión del paisaje que va adquiriendo importancia y desarrollo protagonista sobre la anécdota religiosa o profana que en él se presenta (Huida a Egipto, Galleria Doria Pamphilj, Roma) dentro de un espíritu de reposo solemne y delicada melancolía que tendrá eco directo en Poussin y Claudio de Lorena. En sus últimos años le invadió una grave depresión que le impedía pintar, pero la atención de sus discípulos y colaboradores, trabajando sobre sus dibujos e ideas, logró llevar a cabo ciclos importantes al fresco, como el de la Capilla Herrera, en Santiago de los Españoles de Roma con escenas de la vida de san Diego de Alcalá y figuras de santos (del que el Prado y el Museo de Barcelona guardan importantes fragmentos) y cuadros devocionales de gran fuerza emocional y grandiosa y severa composición (Piedades en ­National Gallery, Londres; Kunsthistorisches Museum, Viena; y Galleria Doria Pamphilj, Roma). Su influencia fue enorme y, tras un cierto olvido, hoy se le reconoce como uno de los creadores del arte moderno, en no menor medida que Caravaggio, tan distinto de él pero igualmente opuesto a los «caprichos» del manierismo.

Obras

    - Venus y un sátiro, óleo sobre lienzo, 21 x 31 cm (en dep. en la Casa Museo de Colón, Las Palmas de Gran Canaria) [P71].
    - Virgen con el Niño y san Juan, óleo sobre tabla, 29 cm de diámetro, 1599-1600 [P72].
    - La Magdalena y dos ángeles, óleo sobre lienzo sobre tabla, 40 x 31 cm (en dep. en el Museo de Belas Artes da Coruña) [P73].
    - La Asunción de la Virgen, óleo sobre lienzo, 130 x 97 cm [P75].
    - Apoteosis de san Francisco, fresco sobre fresco pasado a lienzo, 155 x 105 cm [P76].
    - Apoteosis de Santiago el Mayor, fresco sobre fresco pasado a lienzo, 155 x 105 cm, [P77].
    - Apoteosis de san Lorenzo, fresco sobre fresco pasado a lienzo, óvalo, 155 x 105 cm [P78].
    - Paisaje con río y bañistas, óleo sobre lienzo, 47 x 56 cm [P132].
    - San Roque distribuyendo limosnas, óleo sobre cobre, 32 x 47 cm (en dep. en el Museo Municipal de Játiva, Valencia) [P2174]. Copia.
    - Venus, Adonis y Cupido, óleo sobre lienzo, 212 x 268 cm, h. 1590 [P2631].
    - San Diego de Alcalá recibiendo limosna, óleo sobre fresco pasado a lienzo, 126 x 222 cm [P2798].
    - San Diego de Alcalá recibe el hábito franciscano, fresco sobre fresco pasado a lienzo, trapecio, 125 x 220 cm [P2908].
    - La refacción milagrosa, fresco sobre fresco pasado a lienzo, trapecio, 125 x 220 cm [P2909].
    - San Diego salva al muchacho dormido dentro del horno, fresco sobre fresco pasado a lienzo, trapecio, 125 x 220 cm [P2910].
    - La Piedad, óleo sobre lienzo, 150 x 194 cm [P5327]. Copia.
    - Estudios de brazos, sanguina sobre papel marrón, 90 x 200 mm [D1512]. Atribución dudosa.
    - Proyecto de decoración mural (Galería Farnesio?) / Estudios de putti, de pedestales de la Antigüedad y de una columnata ficticia, pluma y tinta parda con aguada parda (recto) y pluma y tinta parda (verso) sobre papel agarbanzado, 489 x 381 mm [D2123].
    - San Francisco en el desierto, buril sobre papel, 141 x 104 mm [G209].
    - La madonna de la Rondine, buril sobre papel, 156 x 120 mm [G210].


En 2009 se celebró el IV Centenario de la muerte de Annibale Carracci El 15 de julio de 1609, hace ahora 400 años, falleció en Roma el pintor Annibale Carracci, una de las principales figuras de la pintura barroca italiana

Nacido en 1560 en Bolonia, hacia 1582 fundó, junto a su hermano Agostino y su primo Ludovico, la llamada “Academia de los Incamminati”, cuyo objetivo era renovar o transformar el arte, con una nueva forma de entender la pintura, rechazando el manierismo y aproximándose a la naturaleza desde el conocimiento y la admiración por la tradición renacentista, con una mirada constante hacia las obras de Miguel Ángel y Rafael.

En esa Academia se formaron artistas como Guido Reni, Domenichino, Albani o Lanfranco, convirtiendo a Bolonia en uno de los principales centros artísticos de Italia y creando la denominada “Escuela Clasicista de Bolonia”, que insistía en la importancia del dibujo a la hora de concebir o plantear una composición, así como en la observación del natural y en el uso de un color rico y muy matizado, con interés por los efectos atmosféricos, por influencia de la escuela veneciana, especialmente de Correggio y Tiziano.

La obra más importante de Annibale Carracci es la decoración al fresco de la galería del Palacio Farnese de Roma, que ejecutó a partir de 1597 por encargo del cardenal Odoardo Farnese. Este conjunto, que representa los amores de los dioses, recibió grandes elogios por parte de sus contemporáneos y también de artistas posteriores de la talla de Bernini o Rubens.


Obras más destacadas de Annibale Carracci conservadas en el Museo del Prado


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Venus, Adonis y Cupido, Hacia 1590. Óleo sobre lienzo. 212 x 268 cm. Museo del Prado. Obra de Annibale Carracci.

Venus, diosa romana del Amor y la Belleza, es accidentalmente herida por su hijo Cupido con una flecha, desencadenando así su pasión por Adonis, una historia de amor que acabara con la trágica muerte del héroe. La escena está basada en las Metamorfosis de Ovidio (libro X), una de las fuentes mitológicas más importantes para los artistas de la época.

La composición y técnica pictórica de esta obra es un buen ejemplo de las diferentes influencias que Annibale Carracci recibió y reinterpretó a lo largo de su vida. El fondo de paisaje y la luz crepuscular enlazan con el cromatismo veneciano y la producción de Tiziano, mientras que el delicado pero potente clasicismo de las figuras fue desarrollado por el artista a partir de la escultura greco-romana y la obra de Correggio, Rafael y Miguel Ángel.

Según el relato de Ovidio (Metamorfosis, Libro X), el joven cazador Adonis, famoso por su belleza, se había internado en el bosque acompañado por sus perros en busca de alguna pieza que abatir con sus flechas. Allí se encontró con Venus, la diosa romana del Amor y la Belleza, que se hallaba en ese lugar jugando con su hijo Cupido. Esta, accidentalmente, resultó herida por una de las flechas de su hijo, sintiendo desde ese momento un amor apasionado por el joven mortal. La historia tuvo un trágico desenlace, ya que, a pesar de las advertencias de Venus, Adonis partió de caza tras un jabalí que le atacó causándole la muerte.

Cuando realizó esta obra hacia 1590, Carracci debía conocer las versiones sobre el mismo tema pintadas años antes por Tiziano y Veronés. El clasicismo y monumentalidad de las figuras remite a esculturas grecorromanas y a creaciones de Rafael y Miguel Ángel, mientras que el contraste de tonos oscuros y claros y el interés por el fondo de paisaje y la luz crepuscular revelan la influencia de Tiziano y la importancia del colorido propia de la escuela veneciana.

Asimismo destaca el tratamiento del cuerpo desnudo de Venus, que se incorpora ante la llegada de su futuro amante, y la relevancia que Carraci concede a los gestos y miradas de los protagonistas.


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La Asunción de la Virgen. Hacia 1587. Óleo sobre lienzo. 130 x 97 cm. Museo del Prado. Obra de Annibale Carracci.

Después de su muerte, María es llevada al Cielo por unos ángeles en presencia de los apóstoles, dispuestos alrededor de un sepulcro de mármol. El ángulo de visión escogido, el intenso colorido y las actitudes de los apóstoles reflejan la influencia de la pintura veneciana, mientras que el sepulcro y, especialmente, la columnata corintia testimonian el interés del pintor por el mundo clásico y la tradición renacentista.

Se conservan varios dibujos preparatorios para esta obra en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, en la Galleria degli Uffizi en Florencia y en el British Museum en Londres, y una copia antigua en el Kunsthistorisches Museum de Viena. Obra maestra del menor y más reputado miembro de la familia Carracci, fue adquirida por Felipe IV en 1664 a los herederos del aristócrata genovés Giovanni Francesco Serra (1609-1656).

La Asunción de la Virgen se narra en una leyenda tardía inspirada en el arrebato del profeta Elías y en la Ascensión de Cristo, y sólo fue declarada dogma de fe en 1950 tras siglos en los que la creencia en ella había sido considerada como una cuestión de piedad personal. Según esa leyenda, después de morir la Virgen fue llevada al cielo por unos ángeles en presencia de los apóstoles. A diferencia de Cristo, María habría ascendido gracias a ellos y no por sus propios medios, aunque en ocasiones los artistas occidentales suprimieron el grupo angélico como en la Asunción que Tiziano pintó para la iglesia de Santa Maria dei Frari en Venecia y que tan en cuenta tuvo Annibale Carracci para elaborar sus distintas versiones del asunto.Esta pintura no es citada por los biógrafos más tempranos de Annibale, pero se ha especulado con la posibilidad de que fuera comprada en Italia por el conde de Monterrey cuando fue embajador en Roma (1628-31) o virrey de Nápoles (1631-37), quien la regaló a Felipe IV, que a su vez la envió al monasterio del Escorial. Allí permaneció entre 1657 y 1839, año en el que pasó al Museo del Prado. H. Voss la calificó como una reelaboración de la Asunción del propio Annibale que, fechada en 1587, se conserva en la Gemäldegalerie de Dresde, opinión que después refutó D. Posner por considerarla más bien un experimento previo. En efecto, y en comparación con la versión de Dresde, que a decir de D. Benati representaría poco tiempo después la llegada al más olímpico y sereno mundo expresivo de Veronés (Washington 1999, núm. 12, p. 75), la Asunción del Prado debe pertenecer al momento en el que Annibale estuvo más influido por la pintura veneciana, como demuestran tanto el protagonismo del color como la columnata corintia del fondo. Además, el atrevimiento compositivo de este lienzo revelaría su precedencia cronológica y, de hecho, podría ser una primera idea que después el artista desarrollaría en el más reposado cuadro de Dresde sin que por ello haya que considerarlo un estudio anterior. En cualquier caso, y comparada con versiones realizadas por otros pintores, Annibale añadió en ambas pinturas ciertas notas de naturalismo, sobre todo en la caracterización de los apóstoles y de la Virgen, y consiguió así representar un momento milagroso con una naturalidad casi inédita hasta entonces. A su vez, acentuó el dramatismo de la escena al representar el ascenso en escorzo y de perfil y no de frente como era costumbre. Además, al convertir a María en protagonista de su Ascensión, dependiendo  menos de la ayuda angélica, Annibale subraya la creencia en su futura resurrección en cuerpo y alma. Según C. Robertson, la pintura podría ser un buen ejemplo del tipo de encargos que Ludovico, Agostino  y Annibale Carracci afrontaron a finales del XVI y de la interdependencia de los tres en un momento en el que aceptaban -según Carlo Cesare Malvasia- comisiones de gentilhombres que pasaban el verano en sus villas del campo para sus capillas privadas, lo que para ella explicaría la frecuencia de un asunto como la Asunción. De cualquier modo, tanto en los hallazgos compositivos como en el uso del color o la representación de los affetti de los personajes a través de sus gestos, Annibale anunciaba ya en esta obra el camino novedoso que su pintura recorrería en los años siguientes (Texto extractado de Riello, J. en: Italian Masterpieces. From Spain`s Royal Court, Museo del Prado, 2014, p. 98).


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Apoteosis de Santiago el Mayor. Museo del Prado. Obra de Annibale Carracci.

Frescos de la Iglesia de Santiago de los Españoles en Roma. En los últimos años de su carrera, Annibale Carracci recibió el encargo de ejecutar un importante conjunto de pinturas murales para decorar la capilla de San Diego de Alcalá, en la iglesia romana de Santiago de los Españoles, fundada por don Diego de Herrera. Carracci realizó los bocetos previos, pero en la ejecución de las pinturas fue ayudado por sus discípulos Albani, Badalocchio y Lanfranco. Arrancadas y pasadas a lienzo en el siglo XIX a instancias del escultor Antonio Solá con el apoyo económico de Fernando VII, nueve de las pinturas se conservan en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, en Barcelona, y siete en el Museo del Prado: tres ovaladas que representan apoteosis de santos -San Francisco (P-76), Santiago el Mayor (P-77) y San Lorenzo (P-78)- y cuatro de formato trapezoidal con escenas dedicadas a San Diego de Alcalá, titular de la capilla (P-2798, P-2908, P2909 y P-2910).


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Annibale Carracci La Notte Museo Condé Chantilly


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Annibale Carracci Paesaggio con la Sepoltura di Cristo Doria Pamphilj


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Pinturas murales de la capilla Herrera, son un conjunto de 16 pinturas murales perteneciente al conjunto de decoración mural de la iglesia de San Giacomo degli Spagnuoli de Roma, actualmente conocida como Iglesia de Nostra Signora del Sacro Cuore. Las pinturas fueron arrancadas de las paredes cuando esta iglesia dejó de gozar de patrocinio español en el siglo XIX, y terminaron repartidas entre Madrid y Barcelona. El grupo de siete pinturas de Madrid se conserva en el Museo del Prado, y las nueve de Barcelona se incorporaron al fondo del MNAC en 1902 como Depósito de la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi para ingresar en la colección en 1906.

Historia. En 1602, el noble español Juan Enríquez de Herrera dedicó una capilla de la iglesia de Santiago de los Españoles de Roma al santo franciscano Diego de Alcalá. La decoración mural, con escenas de la vida del santo, fue encomendada al gran pintor boloñés Annibale Carracci. En el año 1604 este maestro inició el diseño de todos los cartones preparatorios, pero enfermó cuando dirigía personalmente los trabajos «in situ». El trabajo fue acabado por sus colaboradores, entre los que estaban Giovanni Lanfranco, Sisto Badalocchio y Francesco Albani. A mediados del siglo XIX los frescos se arrancaron y se traspasaron a lienzo y ahora se encuentran repartidos entre el MNAC y el Museo del Prado.

Descripción. Se trata de un conjunto formado por 16 piezas, de las cuales 9 se encuentran en MNAC y las otras 7 en el Museo del Prado de Madrid.


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San Diego de Alcalá recibe el hábito franciscano. Museo del Prado. Obra de Annibale Carracci.

Los conservadas en el Museo del Prado son: Apoteosis de San Francisco, Apoteosis de Santiago el grande, Apoteosis de San Lorenzo y 4 Escenas de San Diego de Alcalá, titular de la capilla.

La Iglesia. Nuestra Señora del Sagrado Corazón, originalmente iglesia de Santiago de los Españoles, es una iglesia de Roma, situada en la céntrica Plaza Navona. La iglesia muestra un interior visiblemente reciente, pero tiene una historia muy antigua.

El primer edificio fue construido en siglo XIII por voluntad del infante Enrique de Castilla "el Senador", hijo de Fernando III el Santo, rey de Castilla y León, en el lugar donde había estado emplazado el antiguo Estadio de Domiciano, (lugar sagrado para la tradición cristiana en memoria de los mártires que allí fueron asesinados), bajo la advocación de Santiago, patrón de la Reconquista en Castilla, tomando el nombre de San Giacomo degli Spagnuoli.



Otras obras


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Annibale Caracci - Autorretrato. 1580


 04retrato_de_un_joven

Annibale Caracci - Retrato de un joven (Posible autorretrato). 1592. Óleo sobre lienzo, 90,5 x 39 cm. Galleria Arte Antica. Roma. Obra de de Annibale Carracci.


 10carracci_assumption_of_the_virgin_mary

Asunción de la Virgen María, 1600-01. Santa Maria del Popolo, Roma. Obra de de Annibale Carracci.


 30annibale_carracci_crocifissione_berlino

Annibale Carracci Crocifissione Berlino


 31annibale_carracci_crocifissione_yale

Annibale Carracci Crocifissione Yale


 49christ_on_the_cross_with_st_john_and_the_three_maries

Christ on the Cross with St. John and the three Maries. Obra de Annibale Carracci


 50annibale_carracci_piet_parma

Annibale Carracci Pietà Parma


 51dead_christ

The Dead Christ. Obra de Annibale Carracci  


 46carracci_madonna_dresda

Annibale Carracci Madonna Dresda


 32annibale_carracci_madonna_con_bambino_santa_lucia_san_giovannino_e_angelo_feigen_collection

Annibale Carracci Madonna con Bambino, santa Lucia, san Giovannino e angelo, Feigen collection


 33annibale_carracci_madonna_del_silienzio

Annibale Carracci Madonna del silienzio


 34annibale_carracci_madonna_e_santi_pinacoteca_nazionale_bologna

Annibale Carracci Madonna e Santi - Pinacoteca Nazionale Bologna


 35annibale_carracci_madonna_montalto_natinatla_gallery_londra

Annibale Carracci Madonna Montalto Natinatla, 1597-98


 36annibale_carracci_nantes

Annibale Carracci Nantes


 37annibale_carracci_pala_di_san_giorgio

Annibale Carracci Pala di san Giorgio


 47annibale_carracci_battesimo_di_cristo_chiesa_dei_santi_gregorio_e_siro_bologna

Annibale Carracci, Battesimo di Cristo, Chiesa dei Santi Gregorio e Siro, Bologna


 38_annibale_carracci_virgin_mary_with_child

Annibale Carracci Virgin Mary with child


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Domine, quo vadis? (Jesús y San Pedro). 1602. Óleo sobre lienzo, 77 x 56 cm. The National Gallery. Londres. Obra de de Annibale Carracci.

Se refiere a un conocido pasaje de la vida de San Pedro recogido en la "Leyenda Aurea" del autor del siglo XIII Jacobo de Vorágine. Tras haber vencido a Simón el Mago, decide abandonar Roma por consejo de los cristianos de la ciudad. Mientras caminaba por la Via Appia, a las afueras de la ciudad, se le aparece Cristo, caminando con la Cruz. San Pedro, conmovido le pregunta: "Quo vadis, Domine?", "¿Adónde vas, Señor?"; a lo que Cristo responde: "Voy a Roma, a ser crucificado de nuevo". Esta respuesta anuncia la futura crucifixión de Pedro en la ciudad de la que sería primer obispo. Por ello, San Pedro retrocede aterrorizado, ante la visión y ante su futuro como sucesor de Cristo. Como miembro de la Academia de Bolonia, Carracci se distancia del caravaggismo, impregnando sus lienzos de serena luminosidad y elegante colorido de estirpe veneciana, como en el caso de la Asunción de la Virgen.


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Cristo en gloria, hacia 1596. Palazzo Pitti. Obra de Annibale Carracci.

Carracci utiliza aquí los modelos que había aprendido del Renacimiento para realizar este Cristo en gloria. Concretamente, el modelo utilizado para la figura divina es la Transfiguración de Cristo pintada por Rafael ochenta años antes. Sin embargo, la composición de Carracci no es tan clasicista como su teoría pretendía: la división entre mundo terrenal y mundo celestial es un recurso manierista. La composición, además, se complica por el juego de miradas y los gestos de los personajes, muy al modo del Barroco. Destaca del lienzo el hermoso paisajito con arquitecturas renacentistas al fondo. También es muy agradable ver el juego inocente que el pintor ha realizado con los dos angelotes que acompañan al juvenil Jesucristo, que se esconden pícaramente entre las ropas de Jesús.


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El Apedreamiento de San Esteban o Martirio de San Estebán. 1604. Óleo sobre lienzo, 42 x 54 cm. Museo del Louvre. París. Obra de de Annibale Carracci.

Como teórico de la Academia Boloñesa, de la que luego surgirían grandes figuras como el Domenichino, que irradiarían sus preceptos por toda Italia, en especial Roma, en donde los recogería Nicolas Poussin, Annibale Carracci postula que cada tema ha de tener una representación adecuada. Es decir, los medios vienen determinados por el asunto. La escena procede de los Hechos de los Apóstoles, y narra la ejecución del primer mártir de la Iglesia. San Esteban era uno de los siete diáconos de la primera comunidad cristiana de Jerusalén. Acusado de blasfemia, fue enjuiciado y apedreado hasta morir ante las puerta de la ciudad. Fue el comienzo de la primera persecución de los cristianos, instigada por Saulo, es decir, el futuro San Pablo. A la izquierda aparece el santo, arrodillado, sangrando. En el centro del lienzo, un ángel baja a entregar la palma y la corona de mártir al diácono desde el Cielo, representado a la derecha, en el que aparecen Dios y Jesucristo. La ambientación, de delicado colorido y dibujo preciso, minucioso, se refiere a la arquitectura italiana, clásica. Por ello, la escena se refiere al primer plano solamente; el fondo está ocupado por un amplio paisaje, que le caracteriza como precursor del paisaje histórico.


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La huida a Egipto. Hacia 1603-04. Óleo sobre lienzo, 122 x 230 cm. Galería Doria-Pamphili. Roma, Italia. Obra de Annibale Carracci.

La pintura fue encargada en 1603 por el cardenal Pietro Aldobrandini para la capilla familiar en su palacio de Roma, más tarde conocido como el Palazzo Doria-Pamphili. El encargo incluyó seis pinturas en seis lunetas, que fueron ejecutadas por Carracci y sus alumnos (incluidos Francesco Albani, Domenichino y Giovanni Lanfranco).


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La huida a Egipto de Annibale Carracci, está considerada una de las contribuciones más importantes al género de la veduta, que era un modelo para Domenichino, Nicolas Poussin, Gaspard Dughet y otros. El pintor buscaba el efecto de una belleza paisajística idílica y equilibrada, con una perfecta fusión sentimental de los personajes sagrados, sus historias y el paisaje.


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La Piedad. 1599-1600. Museo Nazionale di Capodimonte, Naples, Italia. Obra de Annibale Carracci.


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Lamentación de Cristo. 1606. Óleo sobre lienzo, 98,2 x 102,3 cm. National Gallery, Londres. Obra de Annibale Carracci.

A comienzos del siglo XVII, al tiempo que Caravaggio alumbraba su ruptura de los convencionalismos manieristas e incluso renacentistas, en Bolonia surgía, de la mano de Carracci, un nuevo modo de entender la pintura que habitualmente viene siendo denominado "eclecticismo". Pretendía integrar lo mejor de cada maestro, en especial Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, Veronés y Correggio. Sin embargo, la personalidad de Annibale Carracci le llevó a evolucionar hacia un clasicismo muy personal, que no desdeñaba ciertos logros caravaggiescos. Un ejemplo de su pintura religiosa, que goza de justa fama junto a sus frescos, es este lamento por la muerte de Cristo. Presenta ciertas innovaciones respecto a la manera habitual de representar la escena. Ninguna de las figuras se halla de pie; todas se encuentran arrodilladas o caídas según dos ejes diagonales que convergen en Cristo, quien a la vez inicia la atípica disposición de tres figuras gradualmente enlazadas, Cristo y las dos Marías. De este modo, aunque centro de atención, Jesús aparece solitario, resaltado en su palidez frente a las mujeres, con sus coloridos ropajes y el fondo tenebrosos de la tumba. Esta escena desea evocar en el espectador, en su sombría composición, la misericordia y el dolor.


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Descanso en la Huida a Egipto. 1600. The Hermitage, St. Petersburg. Obra de Annibale Carracci.


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La Virgen en el trono con San Matias. 1588. Gemäldegalerie, Dresden. Obra de Annibale Carracci.


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La Virgen se aparece a San Lucas y Santa Catalina. 1592. Musée du Louvre, Paris. Obra de Annibale Carracci.


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La carnicería, 1585. Óleo sobre lienzo, 185 × 266 cm. Christ Church Picture Gallery, Oxford, Reino Unido. Obra de de Annibale Carracci.

En la obra, Annibale Carracci, describe con absoluta claridad y credibilidad las actividades que tienen lugar en una carnicería de Bolonia.1 Se representa en primer plano, en la parte inferior a un joven que está a punto de cortar la cabeza a un cordero, mientras otro se esfuerza para colgar un becerro a un gancho, retorciendo su cuerpo y la cabeza en el esfuerzo. En el centro, detrás del mostrador, hay un carnicero que coloca perfectamente filetes de ternera en el mostrador. Cierra la imagen un carnicero veterano, vestido con un delantal blanco, que sostiene la balanza con la que pesa la carne, mientras que el cliente rebusca en su bolso el dinero para comprar la carne elegida. Las figuras pintadas no tienen nada vulgar, aunque se consideraba un negocio de mal gusto.


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La carnicería (1580), Christ Church Picture Gallery, Oxford. Obra de de Annibale Carracci.


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Hombre comiendo judías, 1580-1590. Óleo sobre lienzo, 57 × 68 cm. Galería Colonna, Roma, Italia. Obra de de Annibale Carracci.

La pintura está relacionada con la contemporánea La carnicería (hoy en Oxford), pues comparte el mismo estilo pintoresco. Carracci se vio influido por la representación de temas cotidianos realizada por Vincenzo Campi y Bartolomeo Passarotti. La representación de estos temas dio lugar a un tipo de cuadro llamado «de género», con precedentes sobre todo en la pintura nórdica: desde las tapicerías franco-flamencas del siglo XV, a pintores como Pieter Aertsen a mediados del siglo XVI.

Se representa a un jornalero o campesino que come un plato de alubias blancas con una cuchara de madera. Frente a él, un pan, un pastel de verduras, un vaso de vino tinto medio vacío y una jarra de barro decorado con rayas verticales.

Queda de manifiesto la habilidad de Carracci de adaptar su estilo, haciéndolo «menor» cuando trata temas «inferiores» como el Mangiafagioli, mientras que en sus obras más académicas (tal como la contemporánea Asunción de la Virgen) era capaz de usar, con la misma facilidad, un estilo más clasicista. Esto es lo verdaderamente sorprendente del cuadro que, de conformidad con su trivial tema, Carracci conscientemente usa capas y trazos gruesos, una composición simple sin perspectiva ni división del espacio.


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Hércules en la encrucijada (Scelta di Ercole), 1596. Óleo sobre lienzo, 167 × 237 cm. Museo de Capodimonte, Nápoles, Italia. Obra de de Annibale Carracci.

Carracci pinta un pasaje de la vida legendaria de Hércules, inspirándose en Pródico de Ceos, Jenofonte y Hesíodo, en el que debe elegir entre dos caminos simbolizados con dos mujeres, la Virtud que conduce a la inmortalidad y Voluptas, que empuja al pecado y la lujuria.1 Durante el Renacimiento y el Barroco, Hércules encarnó la fe inquebrantable y la virtud heroica.

Hércules es representado con su maza y desnudo, como corresponde a un héroe. La pintura fue exhibida en la residencia de los Farnese de Parma antes de pertenecer al Museo de Capodimonte.


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Frescos. Galería del Palacio Farnesio. Roma. Obra de de Annibale Carracci.

Estas escenas mitológicas, con un contenido alegórico subyacente, lo que justifica su empleo en la contrarreformista Roma, evidencian su inspiración a la antigua y su concepción erudita, aunque su factura y tratamiento formal preludian la sensibilidad barroca. Armónica es la aplicación del riguroso quadraturismo prospettico (ilusionistas arquitecturas que amplían el espacio real) y los quadri riportati (escenas pintadas como si fueran cuadros de caballete trasladados al muro).


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El triunfo de Bacus y Ariadna. 1597. Fresco. Palacio Farnesio. Roma. Obra de de Annibale Carracci.


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Mercurio y Apolo. Hacia 1597. Fresco. Palacio Farnesio. Roma. Obra de de Annibale Carracci.

Annibale Carracci recibió uno de sus más importantes encargos para la familia Farnesio en su palacio de Roma. El trabajo consistía en una serie de decoraciones murales al fresco con escenas mitológicas. Las escenas debían adaptarse al marco arquitectónico que dejaban libres las molduras de adorno de las paredes. Así, el marco resulta en formato rectangular irregular, que el artista rellena con el suelo del paisaje. En esta escena, dedicada a Mercurio y Apolo, podemos ver a ambos dioses en medio de un paisaje ideal, con ruinas clásicas a la izquierda. El mensajero de los dioses y dios del comercio entrega a Apolo la lira que será su atributo característico. Ambas figuras recurren a modelos clasicistas del Renacimiento, pues ésta era la tendencia artística de su autor.

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Triunfo de Baco y Ariadna, 1597-1600. Fresco. Palacio Farnesio, Roma. La vasta serie de la Galleria Farnese, el salón grande del Palacio Farnesio en Roma, es la obra principal del clasicismo romano-boloñés. Su planificación se debe a Annibale Carracci, si bien en la ejecución hubo de recurrirse a ayudantes.

Esta obra representa una escena mitológica del cortejo triunfal de Baco y de su esposa mortal, Ariadna. El cortejo nupcial de Baco y Ariadna ocupa el centro de la bóveda, en la composición más densa de la Galleria Farnese.

En esta obra se aprecian los logros del clasicismo como reacción al manierismo: se trata un tema mitológico, clásico, sintetizando los logros del Alto Renacimiento y logrando crear un mundo pictórico extraordinariamente vital, que no sólo desarrolla un programa homogéneo en torno a temas mitológicos, sino que consigue también «plasmar la naturaleza erótica de la mitología con una sensualidad inmediata, llena de calor vital».


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El triunfo de Galatea es un fresco del pintor barroco italiano Annibale Carracci situado en el Palacio Farnesio de Roma. Los frescos de la bóveda fueron realizados entre el año 1597 y 1605.

La decoración de este palacio debe considerarse como la obra capital del famoso artista boloñés, que empleó ocho años en este magnífico trabajo por el cual se dice que solo recibió 800 escudos, cantidad miserable cuya exigüidad contrasta con el gran número de frescos inspirados en asuntos mitológicos que adornan la gran galería del palacio, en los que Carracci hizo un verdadero derroche de talento.

Entre ellos, existen tres relativos a la historia de Galatea, representando el de mayor importancia el triunfo de ésta. Evidentemente, Carracci se inspiró en la obra homónima de Rafael, si bien hay gran diferencia entre ellas. La gracia y la elegancia que caracterizan la composición en general de cada una de las figuras del fresco de la Farnesina no son lo característico del que se conserva en el palacio Farnesio, en el que Galatea no es más que una nereida vulgar que, adoptando una actitud académica afectada, descansa en los brazos de un centauro marino de expresión insignificante. En torno a estos personajes, unas náyades casi desnudas montadas en delfines ostentan sus robustas formas mientras un tritón sopla afanoso en una gruesa caracola. Se añade a esto el obligado acompañamiento de amorcillos que revolotean disparando flechas o se sumergen en las aguas jugueteando con los delfines.

A cambio de esta falta de originalidad y de naturalidad, se observa en la obra un dibujo sabio y enérgico y una inigualable técnica del fresco. La imitación de los grandes maestros que preconizaba la Escuela Boloñesa, hija del eclecticismo de los Carracci, no podría traer otros resultados. Cabe pensar que Annibale, dotado de un temperamento fogoso y perfectamente dispuesto para la observación de la naturaleza, habría podido hacer una obra inimitable si en vez de seguir la idea del gran pintor de Urbino se hubiera abandonado a su propia inspiración. Basta para convencerse de ello echar una ojeada a otras composiciones del Palacio Farnesio para ver hasta dónde alcanzaban sus envidiables dotes artísticas.


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Toilette de Venus. National Gallery (Washington). Obra de Annibale Carracci.

La trayectoria de Carracci fue marcada profundamente por la visita que realizó a Venecia. Si antes de Venecia sus mentores pictóricos habían sido los manieristas Correggio y Parmigianino, el descubrimiento del Veronés y sobre todo de Tiziano transformó la concepción de su pintura. La opulencia, la sensualidad y el color pasaron directamente a la obra del creador de la corriente clasicista en el Barroco italiano. En el cuadro Carracci nos presenta una escena íntima de la vida de la diosa Venus, situada en una galería exterior de un palacio suntuoso. La diosa está recostada, semidesnuda, observando en un espejo los resultados del trabajo de sus ninfas y amorcillos. Mientras dos le arreglan el cabello con trenzas y tenacillas para hacerle rizos, otra en el fondo elige los pendientes. Un amorcillo ayuda a Venus a sujetar el espejo, otro selecciona los perfumes, un tercero rebusca en un cofre los collares para Venus. A los pies, otro niño arregla las sandalias de la diosa y, a lo lejos, un último niño trae el ánfora con los perfumes y los ungüentos. Todo es lujo y placer en el cuidado del cuerpo. La luz de un suave tono dorado presta homogeneidad a las diversas figuras, blandas y suaves.


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Aurora. Museo Condé Chantilly. Obra de Annibale Carracci


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Annibale Carracci, Amor di Virtù, Dresda


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Annibale Carracci, amorini con fiori


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Annibale Carracci Venere abbigliata dalle Grazie


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Annibale Carracci's School - Landscape with the penitent Magdalene


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The Penitent Magdalen in a Landscape, c. 1598


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Annibale Carracci Marsyas and Olympus National Gallery


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Annibale Caracci - Autorretrato, hacia 1590 - 1600. Galería de los Uffizi, Florencia

Annibale Carracci (Bolonia 1560 - Roma 1609), junto a su hermano Agostino y su primo Ludovico, fundó una Academia en Bolonia. Pretendía restaurar los cánones del arte clásico, apartándose del estilo manierista. Al mismo tiempo quería establecer una alternativa a la otra corriente pictórica que se separaba de la pintura inmediatamente precedente. Esta otra corriente, considerada rival y contraria a los postulados de los Carracci, era el Naturalismo tenebrista fomentado por Caravaggio y sus seguidores romanos y napolitanos. La tendencia de Annibale encontrará amplia acogida en Francia e Italia, mientras que la de Caravaggio será la preferida de españoles y ciertos núcleos centroeuropeos. El nombre de la academia de Annibale ya habla de la guerra establecida: la Accademia degli Incamminati, es decir, de los encaminados, los iluminados hacia la auténtica pintura, en contraste con los tenebristas. Su tendencia pictórica se denominó Clasicismo, por ese rescate de los ideales canónicos del Alto Renacimiento y de la Antigüedad clásica. Annibale trabajó con Agostino y Ludovico durante muchos años pero se trasladó a Roma cuando en 1595 le llamaron para decorar el Palacio Farnese, donde se encuentra su obra más lograda. Esta obra es un ciclo de frescos con temas de la mitología clásica como el Triunfo de Baco y Ariadna. En otras obras menores, Carracci creó el paisaje clásico ideal, que influyó en autores posteriores como Poussin.


 29annibale_carracci_autoritatto_con_tre_figure_brera

Annibale Carracci autoritatto con tre figure Brera



Enlaces interesantes


[url=http://es.wikipedia.org/wiki/Annibale_Carracci]Annibale Caracci en la Wikipedia/url]

Ver obra de Annibale Caracci en commons.wikimedia.org

Ver 21 obras de Annibale Caracci en Artehistoria



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al pintor italiano Annibale Caracci. Figura capital en la historia del clasicismo seiscentista. Junto con su hermano mayor Agostino Carracci; y junto con el primo de ambos, Ludovico Carracci, abrieron la academia de pintores de Desiderosi (Deseosos de fama y aprender), que posteriormente se llamó la Academia de los Incamminati (progresistas) y finalmente la "Escuela de los Eclécticos". El principal objetivo de los tres Carracci fue renovar la pintura, que entendían que había degenerado durante el Manierismo y que también veían en peligro por el naturalismo de Caravaggio, al que algunos apodaban "Anticristo del arte". Colaboró junto a sus familiares en la decoración del Palacio Fava.
 
 

Fuentes y agradecimientos a: museodelprado.es, es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, artehistoria.jcyl.es, artcyclopedia.com, epdlp.com, hermitagemuseum.org, pintura.aut.org, artrenewal.org, mariologia.net, pinacotecabologna.it, nationalgallery.org.uk, festiveattyre.com, elpais.com, arti.beniculturali.it, fondazionemanodori.it, brahimerken.ifunnyblog.com, 2.chiesacattolica.it, frammentiarte.it y otras de Internet.
 




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última edición por j.luis el Martes, 17 Marzo 2015, 20:27; editado 8 veces 
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Mensaje Re: CARRACCI, Annibale 
 
Gracias J.Luis por esta nueva galería de Carracci la cual considero de muy buena calidad.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: CARRACCI, Annibale 
 
Gracias xerbar, todavía quedan muchos buenos..., pero menos conocidos al menos para mí. Pero poco a poco seguiré completando la Galería con los mejores artistas.



 

Saludos.
 




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Mensaje Re: CARRACCI, Annibale 
 
Affreschi di Palazzo Fava de Sicilia


Autores: Annibale Carracci; Agostino Caracci y Ludovico Caracci


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Palazzo Fava. Bologna, Sciclia. Italia. El Palazzo Fava es uno de los primeros y más monumentales palacios barrocos de la ciudad. Representa el enlace entre el escenario natural de la cava de S. Bartolomeo y la fuga perspectiva sobre el paisaje antropizado de la plaza de Italia y Corso Garibaldi.


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Destaca su decoración tardobarroca en el portal principal y de los balcones sobre la plaza de Italia, pero alcanza su rasgo más destacado en el balcón sobre la via san Bartolomeo adornado por grifos, monstruos de ascendencia medieval y manierística y variadas cabezas de moro.


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Del Palazzo Fava también destacan los frescos de la decoración interior ejecutados por los Carracci.


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Los Carracci. Affreschi di Palazzo Fava (detalles)

Palazzo Fava los frescos son obra de Ludovico, Agostino y Annibale Carracci, ahí demostraron la oportunidad de dar el primer gran ejemplo de su arte.

Los frescos con el mito de Jasón y Medea, en la sala de estar en la planta principal, se presentan como cuadros donde todo el mundo vive en una perspectiva de ajuste independiente.


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El funeral de Jason


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La juventud de Jason y el encuentro con los familiares


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El rey Pelias va a sacrificar


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La reunión entre Jason y Pelias


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La construcción de la nave Argo


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La partida de los héroes


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El viaje


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El sacrificio de acción de gracias y juegos


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La reunión entre Jason y Aeetes


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Jason toros yugo y siembra los dientes del dragón


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Los hombres que luchaban en brazos nacidos de los dientes del dragón


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La conquista del vellocino


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La fuga de los argonautas


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La entrega de los Pelias oro vellón


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Los encantos de Medea


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El rejuvenecimiento de Jason por Medea


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El engaño de las hijas de Pelias, y el asesinato del rey

En el ciclo de dieciocho episodios, los Carracci alcanzó los más altos resultados de madurez naturalismo anti-académica y pictórica, innovando el concepto del ciclo de frescos, que hasta ese momento incluía una ficción de dilución y una presencia masiva de decoraciones a expensas de la narración.

En el ciclo de Jason también ha asumido una referencia a la familia Fava; dos serían supuestos: Se puede ver en la figura del héroe griego un ejemplo a seguir: con la racionalidad y el esfuerzo pueden lograr su objetivo, el otro ve la presencia masiva en la magia elemento narrativo y el engaño personificado por Medea, una referencia a la ciencia y la magia, disciplinas que eran devotos miembros de la familia Fava.


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Retrato de Annibale, Ludovico y Agostino Carracci.


Fuentes: genusbononiae.it, italianochefatica.it
 




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