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Museo Guggenheim De Nueva YorK
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Mensaje Museo Guggenheim De Nueva YorK 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado al Museo Guggenheim de Nueva York, es quizá el mejor ejemplo de cómo una fundación privada con un gran amor y aprecio al arte se ha convertido en todo un símbolo de la cultura mundial.


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El Guggenheim de New York es el primero fundado en 1937 y nace como un proyecto personal del industrial Solomon R. Guggenheim, quién desde temprana edad era aficionado a coleccionar y admirar las obras de arte de todos los tiempos. La sede actual data de 1959 lugar donde se mudaron y se encuentra hoy día, en la esquina de la calle 89 y la 5ª Avenida, sobre el Central Park.

El proyecto de la nueva sede fue construido y diseñado a cargo del arquitecto más famoso en ese momento, Lloyd Wright. En su día fue muy polémico, pero con el paso de los años el diseño se ha convertido en todo un símbolo.
actualmente cuenta con otras sedes en Bilbao, Venecia, Berlín, Las Vegas y Guadalajara (Mexico) este último en construcción... y proyectos avanzados en Río de Janeiro, Tokyo, Singapur, Abu Dhabi...

Espero que toda la información y la recopilación realizada de sus obras sean apreciadas por los aficionados que frecuentan esta sección del Arte del foro de xerbar.





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Nombre: Solomon R. Guggenheim Museum.

Dirección: 1071 Fifth Avenue (at 89th Street)

New York, NY, 10128-0173, USA.

Accesibilidad: Parada de metro de la 86th Street (Líneas 4, 5 y 6) o autobuses de las líneas M1, M2, M3 y M4.
Horario: De sábado a miércoles de 10:00 a 17:45, viernes de 10:00 a 19:45 y jueves cerrado.

Teléfono: 212 423 3500

Precios: La entrada normal son US $18, las entradas para estudiantes o miembros de la tercera edad son US $15 y los menores de 12 años entran gratis. Los viernes de 17:45 a 19:45 se entra realizando una donación de valor a decidir por cada uno.


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Web oficial: http://www.guggenheim.org/new_york_index.shtml




DATOS INTERESANTES


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El museo Guggenheim de Nueva York es el primero de los museos creados por la Fundación Solomon R. Guggenheim, dedicada al arte moderno. Fue fundado en 1937 en Upper East Side, NY. Es el más conocido de todos los museos de la fundación, y muchas veces es llamado simplemente "El Guggenheim".

Al comienzo fue llamado Museo de pintura no-objetiva, y fue fundado para exhibir arte vanguardista de artistas modernos tempranos como Kandinsky y Mondrian.


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Con su obra. Wright, junto a una maqueta del Guggenheim de Nueva York, terminado después de su muerte.

En 1959 se mudó al lugar donde se encuentra ahora (la esquina de la calle 89 y la 5ª Avenida, frente a Central Park), cuando se completó el edificio diseñado por el arquitecto Frank Lloyd Wright.

Solomon no sabía a quien elegir como arquitecto para el museo, por lo que pidió a la baronesa Hilla von Rebay que escogiera a alguien. Ella eligió a Wright porque era el arquitecto más famoso del momento.


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El edificio en sí mismo se convirtió en una obra de arte. Desde la calle, el edificio parece una cinta blanca enrollada en forma cilíndrica, levemente más ancha en la cima que abajo. Internamente, las galerías forman un espiral. Así, el visitante ve las obras mientras camina por la rampa helicoidal, como un paseo.


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En 1992 el edificio fue complementado adosándole una torre rectangular, más alta que el espiral original. Esta modificación del diseño original de Wright generó una fuerte controversia.


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El edificio de Wright ha demostrado ser impopular por algunas críticas hechas por artistas, que sienten que el edificio ensombrece las obras allí expuestas y que es dificultoso colgar apropiadamente las pinturas.

Este museo tiene un lugar único en la historia de los museos fue conocido como el "museo de pintura no-objetiva", ya que se escogió como base para el museo las nuevas formas de artes radicales diseñadas por artistas como Vasily, Kandisky y Piet Mondrian. Tiene una de las más grandes colecciones de obras por Constantine Brancusi, Alexander Calder, Marc Chagall, Robert Delaunay, Paul Klee, Joan Miro, Pablo Picasso,y muchos artístas más del siglo xx.


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Hoy en día, en el Guggenheim de Nueva York, se organizan las exposiciones más importantes del mundo de arte moderno. También es habitual encontrar exposiciones de artistas como El Greco o Picasso, asimismo de Van Gogh y otros grandes artistas de la historia. Además, la fundación siempre se mantiene en una continua búsqueda de nuevos talentos, con lo que no deja de brindar oportunidades para nuevas tendencias y vanguardias dentro del mundo de las bellas artes.

Lo que había nacido como un mero pasatiempo de un hombre que amaba la pintura, es en la actualidad una de las entidades culturales más importantes del mundo en la que podrán encontrar galerías de todos los movimientos pictóricos, así como importantes proyectos audiovisuales que se organizan durante todo el año. El museo posee también un agradable restaurante que se halla en el nuevo anexo del edificio, donde el visitante podrá comer, tomar algo o simplemente descansar antes de volver a recorrer las instalaciones del edificio.


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Frank Lloyd Wright, durante la construcción del Museo Guggenheim de Nueva York, en 1959, poco antes de morir sin que pudiera llegar a inaugurar el museo.



Curiosidades

El museo Guggenheim de Nueva York tiene una original para los visitantes agotados que consiste en ofrecer la posibilidad a los turistas de dormir en el interior del museo. La habitación, que se encuentra dentro del  emblemático y original edificio es, como las restantes piezas del museo, una obra de arte llamada Revolving Hotel Room y por ahora sólo se encuentra en funcionamiento en el Guggenheim de Nueva York, aunque es posible que las demás sucursales del museo en Bilbao, Venecia y Berlín también ofrezcan este servicio.


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Espiral y cúpula del Museo Guggenheim

La idea de Hotel Room dentro del museo Guggenheim de Nueva York, se debe al artista belga Carsten Höller, quien ha creado una habitación de arte con estructuras y cama giratoria, además de ofrecer servicios de mini bar, baño y ducha. Actualmente sólo se puede usar en horario nocturno y su tarifa ronda los $300 la noche, aunque se puede triplicar en días festivos.




Algunas obras


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Bacon. Tres bocetos para la crucifixión. 1962. Panel Izquierdo. Óleo y arena sobre lienzo. 198,1 x 144,8 cm. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Bacon. Tres bocetos para la crucifixión. 1962. Panel Central. 198,1 x 144,8 cm. Óleo y arena sobre lienzo. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Bacon. Tres bocetos para la crucifixión. 1962. Panel Derecho. 198,1 x 144,8 cm. Óleo y arena sobre lienzo. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Beckmann. Alfi con antifaz. 1934. Óleo sobre lienzo. 78.4 x 75.5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. USA


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Cezanne. Man with Crossed Arms


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Chagall. El soldado bebido. 1911/12. Óleo sobre tela. 109 x 94.5 cm. Salomon R. Guggenheim Museum. Nueva York.


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Chagall. El violinista en verde. 1923-24. Óleo sobre tela. 198 x 108.6 cm. Salomon R. Guggenheim Museum. Nueva York.


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Chagall. La aldea y yo. 1911. Óleo sobre lienzo. 192,1 x 151,4 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA.


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Chagall. La vida campesina. 1917. Óleo sobre cartón. 21 x 21.5 cm. Salomon R. Guggenheim Museum. Nueva York.


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Chagall. París por la ventana. 1913. Óleo sobre lienzo. 135.8 x 141.4 cm. Solomon R. Guggeheim Museum. Nueva York. EEUU.


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Chagall. Portrait of the Artist's Sister. 1910. Óleo sobre lienzo. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Chagall. The Flying Carriage. 1913. Óleo sobre lienzo. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Dalí. El nacimiento de los deseos líquidos


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De la Fresnaye. The Conquest of the Air. 1913. Óleo sobre lienzo. 235.9 x 195.5 cm. Mrs. Simon Guggenheim Fund. The Museum of Modern Art. New York. U.S.A.


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Delaunay. La Torre roja. 1911 - 1912. Óleo sobre lienzo. 125 x 90.3 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. EEUU.


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Delaunay. Simultaneous Contrasts; Sun and Moon. 1913. Óleo sobre lienzo. 134.5 cm diameter. Mrs. Simon Guggenheim Fund. The Museum of Modern Art. New York.


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Delaunay. Torre Eiffel. 1911. Óleo sobre lienzo. 202 x 138.4 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. U.S.A.


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Delaunay. Ventana en la ciudad. 1910-1911. Óleo sobre lienzo. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Duchamp. A propósito de la hermana menor. 1911. Óleo sobre tela. 73 x 60 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. USA.


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El Aduanero (Henri Rousseau). Los artilleros. 1893-95. Óleo sobre lienzo. 79.1 x 98.9 cm. Donación de Solomon R. Guggenheim. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York


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El Aduanero. Los jugadores de rugby. 1908. Óleo sobre lienzo. 100.5 x 80.3 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York.


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El Aduanero. The Sleeping Gypsy. 1897. Óleo sobre lienzo. 139.5 x 200.7 cm. Mrs. Simon Guggenheim.


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Gauguin. Still Life with Three Puppies. 1888. Óleo sobre lienzo. 88 x 62,5 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA.


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Juan Gris. Maisons à Paris. 1911. Óleo sobre lienzo. 52.4 x 34.3 cm. The Salomon R. Guggenheim Museum of Art. New York. EEUU.


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Kandinsky. Acciones variadas. 1941. Óleo y esmalte sobre lienzo. 89,2 x 116,1 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. USA.


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Kandinsky. Composición VIII. 1923. Óleo sobre lienzo. 140 x 201 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. Estados Unidos.


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Kandinsky. Curva dominante. 1936. Óleo sobre lienzo. 129.3 x 194.3 cm. The Salomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. Estados Unidos.


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Kandinsky. La montaña azul. 1908 - 1909. Óleo sobre lienzo. 106 x 96.6 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. EEUU.


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Kandinsky. Ovalo Rojo. 1920. Óleo sobre lienzo. 71.5 x 71.5 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. Estados Unidos.


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Kandinsky. Pequeñas alegrías. 1913. Óleo sobre lienzo. 109.8 x 119.7 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. Estados Unidos.


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Kandinsky. Pisos. 1929. Óleo sobre cartón. 56 x 41 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. Estados Unidos.


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Kandinsky. Tensión en rojo. Óleo sobre cartón 66 x 53.7 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. USA.


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Kandinsky. White Line, Número 232. 1920. Óleo sobre lienzo. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Klee. Open Book. 1930. Oil and watercolor on canvas. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Klee. Red Balloon. 1922. Oil on chalk-primed muslin mounted on cardboard. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Léger. Fumadores. 1911-1912. Óleo sobre lienzo. 129,5 x 96,3 cm. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Léger. Mujer sosteniendo un jarrón. 1927. Óleo sobre lienzo. 146.3 x 97.5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. EEUU.


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Léger. The Drivers II. 1941-42. Óleo sobre lienzo. 228.6 x 172.8 cm. Mrs. Simon Guggenheim Fund. The Museum of Modern Art New York. U.S.A.


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Léger. Three Women. 1921. Óleo sobre lienzo. 183.5 x 251.5 cm. Mrs. Simon Guggenheim Fund. The Museum of Modern Art New York. U.S.A.


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Malevich. Por la mañana, después de la tormenta, en la aldea. 1912. Óleo sobre lienzo. 80.7 x 80.8 cm. Solomon R. Guggeheim Museum. Nueva York. EEUU.


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Franz Marc. Broken Forms. 1914. Óleo sobre lienzo. 111.7 x 84.4 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. New York. USA.


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Franz Marc. Horse Asleep. 1911. Watercolor and ink on laid paper. 40,3 x 46,3 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. New York. USA.


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Franz Marc. The Steer. 1911. Óleo sobre lienzo. 101 x 135 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. New York. USA.


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Franz Marc. The unfortunate Land of Tirol. 1913. Óleo sobre lienzo. 131,1 x 200 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. New York. USA.


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Franz Marc. Yellow Cow. 1911. Óleo sobre lienzo. 140.6 x 189.2 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. New York. USA.


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Matisse. La italiana. 1916. Óleo sobre lienzo. 116.6 x 89.6 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. EEUU.


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Matisse. Memory of Oceania. 1953. Gouache and crayon on cut-and-pasted paper over canvas. 284.4 x 286.4 cm. Mrs. Simon Guggenheim Fund. The Museum of Modern Art. New York. U.S.A.


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Roberto Matta. Años de miedo. 1941. Óleo sobre lienzo. 111 x 142 cm. Museo Guggenheim. Nueva York. EEUU.


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Miró. The Song of the Vowels. 1966. Mrs. Simon Guggenheim Fund.. 336 x 114.8 cm. Mrs. Simon Guggenheim Fund. The Museum of Modern Art. New York. U.S.A.


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Modigliani. Desnudo con un collar. 1917. Óleo sobre lienzo. 73 x 116 cm. Solomom R. Guggenheim Museum. Nueva York.


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Monet, Nenúfares. 1920. Óleo sobre lienzo. 200 x 425 cm. Mrs. Simón Guggenheim Fund. The Museum of Modern Art New York. U.S.A.


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Picasso. Bañista sentada a orillas del mar. 1930. Óleo sobre lienzo. 163.2 x 129.5 cm. Mrs. Simon Guggenheim Fund. Museo de Arte Moderno. New York. USA.


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Picasso. El acordeonista. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Picasso. La planchadora. 1904. Óleo sobre lienzo. 116.2 x 73 cm. The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. USA.


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Picasso. Mujer de pelo rubio. 1931. Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm. Colección Thannhauser. Museo Solomon R. Guggenheim. . Nueva York. USA.


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Picasso. Músicos con máscaras. 1921. Óleo sobre lienzo. 200,7 x 222,9 cm. Fondos de la Colección de Mrs. Simon Guggenheim. Museo de Arte Moderno. New York. USA.


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Pissarro. AL'Hermitage a Pontoise


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Seurat. Horse. 1884. Óleo sobre lienzo. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Seurat. Peasant with Hoe. 1882. Óleo sobre lienzo. Museo Solomon R. Guggenheim. New York. USA.


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Van Gogh. Campesinos recogiendo patatas. 1889. Óleo sobre lienzo. 32 x 40.5 cm. Justin K.Thannhauser Collection. The Salomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. USA.


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Van Gogh. Viaducto en París. 1887. Óleo sobre lienzo. 31.5 x 40.5 cm. Justin k. Thannhauser Collection. The Salomon R. Guggenheim Museum. Nueva York. USA.


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Von Lenbach. Portrait of Peggy Guggenheim. 1903. Oil on board. 128.9 x 92.7 cm. The Salomon R. Guggenheim Foundation.



Información complementaria del Museo Guggenheim de Nueva York


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Proyecto del Nuevo Museo Guggenheim de Nueva York


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Vistas del actual Museo Guggenheim de Nueva York, diseñado por el arquitecto Frank Lloyd Wright.

El Museo Guggenheim de Nueva York es el primer museo del mundo creado por la fundación Salomon R. Guggenheim. Guggenheim nació en Filadelfia en 1861 y, tras triunfar a la cabeza de la empresa familiar, dedicada a la minería, comenzó a desarrollar su pasión por el arte moderno a partir de 1926. En 1930 y aconsejado por Hilla Rebay, su asesora de arte, adquirió 150 obras de Kandinsky dando comienzo a su gran colección.
El edificio

Después de 16 años de bocetos, planos y obras, cuando el edificio se inauguró el 21 de marzo de 1959, su arquitecto, Frank Lloyd Wright, fue atacado por crear una obra de arte capaz de eclipsar la exhibición que acogería en su interior.


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Con su famosa espiral, el edificio ha ido sufriendo diversas ampliaciones y remodelaciones a lo largo de los años, la más moderna a finales de 2008, cuando se preparó el edificio para su 50 aniversario.

Hasta la finalización del nuevo edificio, la exhibición estuvo ubicada en el Museo de Pintura No Objetiva en la calle 54. Tres años después de la muerte de Salomon R. Guggenheim, en 1949, el museo adquirió el nombre de su fundador.
Colección

La colección del museo se ha ido ampliando con el paso de los años y se compone de obras de autores como Marc Chagall, Vasily Kandinsky, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Edouard Manet o Vincent van Gogh.

Debido al limitado espacio y al intercambio de obras con los otros museos Guggenheim del mundo, la exposición del museo cambia varias veces al año. Para conocer lo que exhibe el museo en cada momento, lo mejor es echar un vistazo a su página web.


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Visita muy recomendable. El Museo Guggenheim ofrece visitas guiadas gratuitas en inglés todos los días a las 11:00 y a las 13:00 horas. Si el horario o el idioma no os convienen, el museo también facilita audio guías de forma gratuita.


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Aunque solo sea por ver uno de los edificios más importantes del siglo XX, merece la pena acercarse hasta el Museo Guggenheim y entrar en él. Una vez visto el edificio, en vuestra mano queda visitar la exposición o no.




PUES ESTO ES TODO AMIGOS, ESPERO QUE OS HAYA GUSTADO EL ORIGINAL MUSEO Y LOS CUADROS DEL GUGGENHEIM DE NUEVA YORK.



Fuentes y agradecimientos: pintura.aut.org, es.wikipedia.org, nuevayork.net, elpais.com, flickr.com y otras de Internet
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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última edición por j.luis el Lunes, 15 Febrero 2016, 00:21; editado 11 veces 
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Mensaje Re: MUSEO GUGGENHEIM de NEW YORK 
 
J.Luis gracias por este nuevo Museo del Guggenheim. Comentarte que hay un cuadro que no se ve, ya que el imageshack lo ha catalogado como porno    al ser un desnudo supongo  

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: MUSEO GUGGENHEIM De NEW YORK 
 
   Je,je, cierto xerbar, me han censurado un cuadro de Modigliani. Bueno pues aquí está el cuadro censurado...


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Modigliani. Desnudo con un collar. 1917. Óleo sobre lienzo. 73 x 116 cm. Solomom R. Guggenheim Museum. Nueva York.




 

Saludos.
 




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última edición por j.luis el Lunes, 15 Febrero 2016, 00:24; editado 1 vez 
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Mensaje Re: MUSEO GUGGENHEIM De NEW YORK 
 
Fin de la 'era Krens' en el Guggenheim


El director de la fundación deja Nueva York para construir la sede de Abu Dabi

Desde su llegada en 1988, el imperio ha multiplicado su valor por seis

"Queremos crear el mejor museo de arte contemporáneo del mundo"




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Tan alabado como criticado y temido, Thomas Krens, director de la Solomon R. Guggenheim Foundation, anunció ayer su retirada tras casi dos décadas al frente de una institución bajo cuya batuta ha experimentado la mayor expansión de su historia. Acostumbrado como pocos a imponerse retos imposibles, su nuevo destino será Abu Dabi, donde como consejero de asuntos internacionales de la fundación, supervisará la construcción de la sexta sede del museo (tras las de Nueva York, Bilbao, Venecia, Berlín y Las Vegas), un proyecto desmedido y de sesgo imperial que llevará hasta el corazón del desierto del que emerge Abu Dabi un nuevo edificio de Frank Gehry. Todo en torno a él resulta superlativo: ocupará 42.000 metros cuadrados y se inaugurará en 2012.

Responsable de la construcción de las sucursales de Bilbao y Las Vegas, y de exposiciones tan discutidas como la dedicada al modisto Armani o la titulada El arte de la motocicleta, que llenó de delirios moteros el museo, el polémico director se ha despedido además comisariando otra de sus extravagantes muestras: la teatral y sorprendente retrospectiva dedicada al artista chino Cai Guo-Qian. En ella, los lobos disecados se despeñan en masa por la pendiente circular del edificio ideado por Frank Lloyd Wright para el Guggenheim de Nueva York y los coches sugieren explosiones en el cielo como, quién sabe, una metáfora de la despedida de este gestor cultural cuya influencia en el mundo del arte será recordada durante décadas.

Desde su llegada al frente de la fundación en julio de 1988, la dotación del imperio Guggenheim ha pasado de 20 a 118 millones de dólares. Aunque no todo han sido éxitos. Las polémicas decisiones de Krens también le han hecho perder a su benefactor más importante, Peter B. Lewis. El filántropo, que llegó a donar 77 millones de dólares a la fundación, protagonizó una tensa lucha con el director que concluyó con la salida de Lewis del consejo del museo hace tres años. Las acusaciones de excesivo le volvieron a llover sobre Krens entonces. Se le acusó de gastarse dinero en proyectos ególatras para la expansión del museo y de haber relegado al abandono la sede neoyorquina del Guggenheim.

Las críticas también han llegado de casi cualquier ámbito del mundo del arte, en el que se ha comparado sus proyectos de expansión con una franquicia tipo McDonald's. Su afán de omnipresencia y la fe ciega en introducir en el museo objetos -como las motocicletas- aparentemente extraños a este mundo forman parte de un modelo que a la postre se está imponiendo en los museos de todo el mundo. El propio Guggenheim de Bilbao, al que se acusó de ser un bonito envoltorio sin nada dentro, ha resultado ser uno de sus grandes éxitos comerciales, con más de un millón de visitantes anuales.

Y es ese éxito comercial el que siempre guió los designios de Krens. Aunque no sólo de dinero ha vivido su gestión. Bajo su mandato, la Fundación Guggenheim también ha conseguido ampliar su colección en un 60%, con adquisiciones como la colección Panza de Biumo dedicada al arte minimalista, cuadros impresionistas procedentes de la colección de Justin Thanhauser y encargos específicos a artistas como Jeff Koons, Richard Serra, James Rosenquist, Louise Bourgeois y Gerhard Richter cuyas obras a medida han pasado a engrosar los fondos de la fundación. Krens no se dedicará por entero al proyecto de Abu Dabi hasta que el consejo de dirección del museo no encuentre un sustituto, aseguró ayer. "La dirección de la Fundación Guggenheim es uno de los puestos más importantes dentro del mundo de las instituciones museísticas del mundo por eso es necesario encontrar alguien a la altura del talento y las capacidades de Krens", declaró el Consejo de Directores de la Fundación en un comunicado. Se espera que la búsqueda de sucesor sea "intensiva" pero de momento no se manejan nombres concretos.

En el aire también queda el nombre del director de la sede del Guggenheim de Nueva York, que perdió a su responsable, Lisa Dennison, hace unos seis meses por supuestos problemas con Krens y que todavía no había sido reemplazada.

En cuanto al futuro de este gestor-empresario-visionario, hasta en su declaración oficial de despedida ha dejado traslucir su mayor virtud, -o defecto-: su ambición: "El objetivo y la escala del Guggenheim de Abu Dabi es verdaderamente espectacular. Vamos a programar y a coleccionar para lo que yo espero que sea un nuevo modelo para un museo universal contemporáneo. Y tengo ganas de trabajar otra vez con Frank Ghery para crear un nuevo capítulo en la evolución del museo de arte público. Esperamos crear un diseño sobrecogedor que resolverá las necesidades de los rápidos cambios y de la expansión del mundo del arte. Nuestro objetivo es hacer algo completamente nuevo, el mejor museo de arte contemporáneo del mundo".



EL PAÍS
 




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Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

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Mensaje Re: MUSEO GUGGENHEIM De NEW YORK 
 
Thomas Krens, el legendario director de los museos Guggenheim, habla sobre su afición a la planificación en gran formato, su futuro profesional en Abu Dabi y su concepción del arte como forma de comunicación universal. Reproduzco aquí la entrevista que hoy publica EL PAÍS.



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Maqueta del futuro Museo Guggenheim en Abu Dabi



"En Abu Dabi me propongo hacer algo grande, faraónico"


"Bilbao cambió la percepción de la cultura. Desde entonces, todos quieren su propio Bilbao"


"A Frank Gehry le esperan unos años muy emocionantes con el nuevo proyecto"




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Thomas Krens


Pregunta. Usted vive vertiginosamente. En su tiempo libre se dedica a andar en motocicleta con amigos como los actores Jeremy Irons y Dennis Hopper, la leyenda de Easy Rider...

Respuesta. ... De hecho, ahora me cuesta caminar porque tuve un pequeño accidente con la moto. Pero no vale la pena hablar de eso, pronto volveremos a arrancar, esta vez rumbo a México. Vienen Dennis, Jeremy y algunos otros.

P. Todo lo que ha hecho como director del Guggenheim ha fascinado al mundo del arte, pero también ha generado controversia. ¿En los últimos 20 años se ha granjeado más amigos o enemigos?

R. No sé qué decir. Se ha convertido en una muletilla el calificarme como pionero. Pero usted conoce la definición del pionero: son los que en una tropa van delante, los primeros que caen de bruces al barro y los primeros en recibir una flecha en la espalda.

P. Próximamente se hará responsable de la construcción de un nuevo museo Guggenheim en Abu Dabi, pero para ello renunciará a su puesto de director. ¿Quién se lo ha sugerido, una voz interior o el Consejo de la Fundación del museo?

R. Permítame que lo diga así: no es precisamente un buen momento para el Guggenheim. Hace años nos decidimos por una estrategia que consistía en estar presentes en todo el mundo: Asia, África, Oriente Próximo, Suramérica. Hay un documento que lo corrobora y que en su momento todos aprobaron con entusiasmo. Pero, entretanto, la tendencia que se percibe en la casa es otra: el Guggenheim es nuestros museos en Nueva York, Venecia, quizá incluso Bilbao y, es cierto, aún hay dos casas pequeñas en Las Vegas y en Berlín...

P. ... ¿y esto les parece suficiente a muchos de la casa Guggenheim?

R. A algunos tal vez. Pero yo opino que debemos seguir consolidando nuestra presencia y que precisamente Abu Dabi es de enorme importancia para el Guggenheim; quiero que sea un gran éxito. He decidido concentrarme en eso.

P. ¿Entonces se retira al desierto por propia voluntad?

R. Sí. Lo que me propongo realizar en Abu Dabi es mucho más grande que lo que he hecho hasta ahora. Sólo se me ocurre un adjetivo para describirlo: faraónico.

P. ¿Quiere demostrar a todos que tenía razón con su idea de la internacionalización, de fundar museos satélites?

R. ¿Por qué no? Con esto lograríamos siempre el tema atractivo en el orden del día, incluso en sesiones de directores de museos. Y ahora la gente del Louvre también está construyendo un museo en Abu Dabi. Ellos son algunos de los que antes criticaban enérgicamente nuestra estrategia.

P. Su truco consiste en que todo resulte un tanto sensacional, cosmopolita. Grandes exposiciones sobre Anselm Kiefer, pero también sobre motocicletas, fiestas llenas de glamour, arquitectura imponente.

R. Si con eso de la arquitectura está aludiendo a nuestro museo de Bilbao, creo que es importante impresionar. Siempre he buscado una metáfora del museo actual. Cuando comenzamos a planificar el de Bilbao, nuestro arquitecto Frank Gehry me preguntó qué deseaba hacer. Le dije que en el fondo quería la catedral de Chartres, y Frank me preguntó qué quería decir con eso.

P. ¿Y? ¿Cómo le explicó lo de la iglesia gótica?

R. Cuando en la Edad Media alguien del pueblo que nunca había visto un edificio de más de una planta llegaba a la ciudad y de pronto se encontraba ante esa imponente catedral... Ése es el efecto que pretendía conseguir. Es tecnología, cosmología, ciencia y religión, todo en uno. Impresionante.

P. Hace tiempo se habla del "efecto Bilbao", que da a entender que una ciudad industrial relativamente desconocida se convierte gracias al museo en una meca del turismo. Desde entonces todos quieren su propio Bilbao. Entretanto, incluso la pequeña ciudad alemana de Herford ya se ha permitido el lujo de una construcción de Gehry. ¿No cree que la idea de Bilbao hace tiempo que "murió de éxito"?

R. ¿Por qué? Tuvo una repercusión extraordinaria. Bilbao cambió la percepción de la cultura.

P. Por eso. Los museos se han convertido en un mero espectáculo turístico: el arte como fuente de ingresos.

R. No. Después de Bilbao, todos se han dado cuenta de que se necesitan museos que sean inconfundibles arquitectónicamente, pero que ofrezcan también un programa de contenidos que atraiga a la gente. En Londres, por ejemplo, se ha hecho con la Tate Modern, todos lo han hecho en los últimos años.

P. ¿Será Abu Dabi un nuevo Bilbao, sólo que más grande?

R. Con 42.000 metros cuadrados, Abu Dabi será considerablemente mayor que el de Bilbao; sus dimensiones son también mucho mayores que las del proyecto del Louvre para la ciudad. Y nosotros no podemos permitirnos la comodidad, el lujo, de limitarnos a copiar algo que ya hemos hecho, eso sería demasiado fácil.

P. Pero siempre con el arquitecto estrella Frank Gehry.

R. Eso es justamente lo difícil.

P. ¿Por qué?

R. Es como ser el director de la película La jungla de cristal y luego tener que rodar La jungla de cristal II. En la segunda o la tercera parte resulta más difícil sorprender al público. Debemos hacernos a la idea de que Abu Dabi va a ser y tiene que ser algo completamente diferente en todos los sentidos. También a Gehry le esperan unos años muy emocionantes, pues se tratará de un nuevo paso en la evolución del museo de arte.

P. ¿Es una amenaza? El museo Guggenheim de Abu Dabi es parte de un complejo totalmente nuevo con museos de todo tipo y diferentes orientaciones, pero también con hoteles y campos de golf...

R. ... y viviendas.

P. Eso suena más a un parque de atracciones que a un oasis de la cultura.

R. En esa isla cercana al continente surgirá toda una ciudad. ¿Qué se puede objetar a la infraestructura? En los alrededores del Louvre de París también se encuentran hoteles y restaurantes. Eso no disminuye el valor de nuestro proyecto. Esta isla de la cultura llamada Saadiyat es, en primer lugar, la visión del príncipe heredero de Abu Dabi. Es su país, su dinero.

P. El gobierno local también se hace responsable de la construcción del museo. Pero un museo de arte moderno y contemporáneo, muchas veces radical, es difícil de imaginar en la estricta cultura islámica, que sólo autoriza el arte ornamental.

R. ¿Usted cree?

P. El agresivo arte fotográfico temprano de un Jeff Wall sería impensable en Abu Dabi.

R. Le puedo asegurar que durante el tiempo que estuve allí haciendo gestiones nadie me dio la impresión de querer imponer la censura. Usted sabe que el Guggenheim posee la mayor colección de obras del fotógrafo Robert Mapplethorpe...

P. ... muchas de las cuales podrían tildarse de pornográficas, si no brutales.

R. Hay un 30% de esas fotografías que tampoco exhibiríamos en Nueva York, aunque allí lo podríamos hacer; y probablemente también sería posible en Abu Dabi. Pero la pregunta es: ¿para qué provocar a una cultura local? ¿Acaso para ocasionar un enfrentamiento político? No es necesario. Y aunque una mínima parte de nuestra colección realmente no se pueda exponer, eso no pone en duda la totalidad de la presentación.

P. ¿Qué es lo que tiene planeado?

R. Un museo para el arte contemporáneo global. Eso significa otorgar la misma relevancia a China, Asia Central, India, África, Rusia, Europa del Este, Europa y América. Es un concepto enteramente nuevo. Además, se creará una galería propia; el príncipe heredero de Abu Dabi desembolsará 500 millones de euros para la creación de una colección de arte contemporáneo. ¿Le parece esto ser enemigo del arte?

P. ¿Pero quiénes acudirán a este museo del arte mundial y a las demás instalaciones culturales de la isla?

R. ¿Sabe usted cuánta gente viaja a Oriente Próximo? El aeropuerto de Dubai, que se halla a una hora de Abu Dabi, llegará este año a 35 millones de viajeros. Y se está construyendo otro aún mayor.

P. ¿Entonces no edifica un museo para Abu Dabi, sino para el tránsito turístico?

R. En nuestro museo de Venecia sólo el 5% de los visitantes son italianos. ¿Qué hay de malo en el turismo? El turismo tiene mucho que ver con la cultura.

P. Pero si parte de la base de que todo el mundo viaja a todas partes, ¿por qué precisamente Abu Dabi?

R. Eche un vistazo al mapa. Abu Dabi está rodeado de países interesantes: Irán, Irak y Arabia Saudí.

P. Muchos de estos países no sienten precisamente simpatía hacia Occidente. ¿No encierra esto un riesgo para el proyecto?

R. Nuestro mundo está sacudido por conflictos políticos. No queremos que eso nos detenga. Cuando llegué a Bilbao la situación allí era realmente peligrosa. Recibí amenazas de terroristas vascos, decían que más me valdría mantenerme alejado. Tenía guardaespaldas, coche blindado. No es casualidad que ahora vayamos a Oriente Próximo.

P. ¿No ha irritado esto a sus muchos patrocinadores judíos?

R. ¿Sabe usted de lo que en realidad se trata? De un puente cultural. Con ello estamos dando una señal clara. Tenemos un nombre judío, ya que Solomon Guggenheim, el fundador del museo, era judío; Gehry, nuestro arquitecto, también lo es. Y, por supuesto, hemos hablado con mucha gente, con políticos israelíes, con embajadores israelíes en Estados Unidos.

P. Y, sin embargo, el proyecto de Abu Dabi todavía podría fracasar.

R. Es demasiado importante para el emirato, y también para nosotros.

P. No obstante, anteriormente no ha podido llevar a la práctica todas sus visiones.

R. Lamentablemente, en esta vida uno no obtiene todo lo que quiere. Fíjese, por ejemplo, en nuestro proyecto de museo en Río de Janeiro. Teníamos los arquitectos, los planos, las firmas. Pero luego llegó un nuevo alcalde y de la noche a la mañana todo se anuló. ¿Pero era por ello equivocada nuestra visión? Norteamérica no se toma suficientemente en serio la cultura de Suramérica. Nosotros queremos cambiar eso.

P. ¿Y Las Vegas? Allí pretendieron vincular la cultura del casino con el arte, para lo cual trasladaron obras del Ermitage de San Petersburgo. Lo cierto es que el proyecto no funcionó. Al final se caricaturizó al museo como un McGuggenheim, en alusión a la cadena de comida rápida McDonald's.

R. Quien nos llama de ese modo no nos conoce en absoluto. ¿Tenemos en todas partes la misma fachada, el mismo emblema, el mismo contenido? No. En todos los sitios hemos puesto un acento local por medio de exposiciones, de adquisiciones para cada colección; en Italia, con arte italiano, en Bilbao, con arte vasco. En Abu Dabi funcionará de la misma manera.

P. Usted ha establecido la marca Guggenheim, pero también la marca Krens. ¿No se ha vuelto demasiado pretencioso para el Consejo de la Fundación del museo?

R. Estoy seguro de que esta cuestión ha influido cuando ha habido discusiones en torno a mi persona. Sin embargo, para mí el Guggenheim está en primer lugar.

P. Peter Lewis dirigió durante mucho tiempo el Consejo de Administración de la Fundación del museo. Luego renunció al cargo porque opinaba que usted desatendía la casa central de Nueva York.

R. Lewis fue en su tiempo mi mentor más importante, y más tarde llegó a través de mí al Guggenheim. Fue el mecenas más generoso de la historia del museo. Me cae bien. No hay nada más que decir.

P. ¿No se ha tomado en serio la crítica?

R. Sí, pero estoy convencido de que una presencia a nivel mundial es algo positivo.Deberíamos estar a la altura de las demandas de un mundo cosmopolita.

P. Usted se involucra en cooperaciones con grandes consorcios, despacha obras para exposiciones por todo el mundo como si de artículos de consumo se tratara. ¿No socava esto el respeto por el arte, no lo modifica quizá en su esencia al convertirlo en algo cotidiano, en una especie de flor de un día?

R. ¿Qué hay de malo en cambiar la esencia del arte? ¿Y cuál es al fin y al cabo la esencia del arte?

P. En un sentido idealista, el arte no tiene un fin determinado y es exclusivo; en todo caso, no es algo que se venda o se exporte como un producto industrial.

R. Sin embargo, todos hacen muestras itinerantes, incluyendo aquellos que poseen obras de maestros antiguos. ¿Quiere criticarnos por eso? Por cierto, la mayoría de las nuestras las exhibimos en un solo museo, y únicamente una pequeña cantidad viaja.

P. Tiene más planes, ¿no es cierto?

R. Así es. Un ejemplo: casi todo el arte que pertenece al Guggenheim, más del 99%, está almacenado. Hace años, esto me dio la idea de crear un museo muy especial en Manhattan. Lo denomino "concepto de grandes almacenes": estilo de construcción económico, espacio abundante, no sólo para el arte del Guggenheim, sino también para colecciones privadas. Ahora hay mucha gente que me anima a llevarlo a cabo.


 
 

Parece muy interesante el nueco proyecto del futuro Museo Guggenheim en Abu Dabi..., además contará con museos de todo tipo, con hoteles, campos de golf y viviendas. Aunque dudo mucho que la gente llana tenga acceso a esas instalaciones.
 




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Mensaje Re: MUSEO GUGGENHEIM De NEW YORK 
 
El museo Guggenheim, a parte de la interesante colección artística que recoge, tiene un gran valor arquitectónico. El edificio en si, ya es una obra de arte, tanto la fachada como el interior. Vale la pena. Hace un par de años estaban reformando la fachada, así que me imagino que ahora volverá a estar resplandeciente otra vez.
j.luis, muchas gracias por el amplio reportaje.
 



 
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Mensaje Re: MUSEO GUGGENHEIM De NEW YORK 
 
Richard Armstrong, director de la Fundación Guggenheim


Armstrong dirigirá también su sede neoyorquina



  
La Fundación Guggenheim hizo público el martes el nombre de su nuevo general. Richard Armstrong, director del Carnegie Museum of Art de Pittsburg hasta el pasado verano, será el encargado de sustituir al polémico Thomas Krens, quien el pasado febrero, tras dos décadas al frente de la fundación, anunció su retirada para dedicarse en exclusiva a la supervisión de los proyectos del museo en Oriente Próximo.

Al igual que ocurrió con el reciente nombramiento de Thomas P. Campbell como director del Metropolitan Museum, la Fundación Guggenheim se ha alejado de la tendencia actual de buscar gestores económicos y ha preferido poner la institución en manos de un académico, de perfil menos fulgurante y comercial que su predecesor, pero con mayor conocimiento académico. Además de dirigir la Fundación Guggenheim, Armstrong dirigirá también su sede neoyorquina, descabezada desde hace casi un año. "Buscábamos a alguien con pasión por el arte que entendiera que el museo de Nueva York es el centro de nuestro universo", declaró Jennifer Blei Stockman, presidente del consejo de dirección de la fundación.

El nuevo director tiene la difícil tarea de mantener a flote una multinacional del arte que, bajo la dirección de su predecesor, extendió sus tentáculos por Bilbao, Berlín y Venecia y ahora proyecta una gran expansión en Abu Dhabi. Entre sus objetivos, según recogía el diario The New York Times, destaca aumentar la presencia del Guggenheim online para atraer jóvenes. "Tenemos una generación que lo sabe todo sobre Paris Hilton y nada sobre París. Hay que revisar las prioridades", ha dicho Armstrong.


EL PAÍS
 




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Mensaje Re: MUSEO GUGGENHEIM De Nueva YorK 
 
50 aniversario del Guggenheim de Nueva York


Una espiral de cemento y leyenda

La muestra sobre el arquitecto de la sede neoyorquina llegará a Bilbao en octubre




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El Museo Guggenheim acoge una exposición en la que se repasan las principales obras de su creador, el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright

Su espiral ascendente, su asombrosa fluidez y sus paredes curvas forjaron la leyenda del canto del cisne de un arquitecto, también marcaron el nacimiento de un nuevo modelo de museo.

Construido hace 50 años, el edificio del Guggenheim de Nueva York revolucionó con inteligencia el concepto arquitectónico de exposición. Este formidable espacio acoge hasta el 23 de agosto una fascinante exposición dedicada al hombre que le dio forma: Frank Lloyd Wright (Richlan Center, Wisconsin, EE UU, 1867 - Phoenix, 1959). Arquitecto visionario en lucha contra la deshumanización de las ciudades y que subrayó la importancia de construir pensando en las necesidades interiores de cada edificio, fue un creador prolífico que no llegó a construir muchos de los proyectos que imaginó. La muerte le atrapó apenas seis meses antes de inaugurar el museo, en 1959.

En su obra, de la que aquí se presentan los 64 proyectos más significativos bajo el título Frank Lloyd Wright: de dentro hacia fuera, se pueden encontrar puntos comunes. La exposición viajará en octubre al Guggenheim de Bilbao, donde otro edificio icónico albergará los sueños del gran patriarca de la arquitectura estadounidense. Para él, era fundamental la búsqueda de la armonía entre el edificio, el ser humano y la naturaleza. Poseía una inquietud visionaria por estimular la interacción social a través de la creación de espacios comunes, abiertos y orgánicos. Su meta siempre fue subrayar los efectos positivos de la arquitectura sobre la calidad de vida del ciudadano. "La apuesta por redefinir el espacio, por crear desde dentro hacia fuera, es lo que después ha marcado a otras generaciones de arquitectos. Pararse a pensar primero para qué y cómo se va a utilizar el espacio antes de darle forma. Siempre tenía en cuenta a las personas que lo van a habitar, pero sin olvidar el exterior. Eso es lo más importante del legado de Wright", afirma María Nicanor, una española que forma parte del equipo de comisarios y que incluye entre otros a Bruce Brooks Pfeiffer, director de los Archivos Frank Lloyd Wright, donde se conservan los dibujos, cartas y manuscritos de donde ha salido el grueso de la muestra.


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Frank Lloyd Wright, durante la construcción del Museo Guggenheim de Nueva York, en 1959, poco antes de morir sin que pudiera llegar a inaugurar el museo.

Pfeiffer conoció bien a Wright: con apenas 19 años se enamoró de la residencia Taliesin West y decidió estudiar con él. Trabajó a su lado hasta su muerte y después se dedicó a preservar el legado de su mentor. "No le gustaban las ciudades, él abogaba por la descentralización, por acercar a la gente a la naturaleza, por integrar la ciudad en el paisaje. En ese sentido era muy muy verde. La contradicción es que esa idea de ciudad es muy dependiente del coche. Amaba los coches porque amaba la tecnología", comenta Pfeiffer.

Esa visión puede verse en una sala dedicada expresamente a la ciudad americana con la que Wright soñaba, cuya obra cumbre fue el proyecto Living City, que nunca se llegó a realizar. En ella, la naturaleza y la arquitectura se integraban en inmensos espacios abiertos. La muestra también se detiene en la visión de Wright de la residencia americana. La más célebre es La casa de la cascada, pero hay muchas otras como la Herbert Jacob House 1 o el proyecto nunca construido de Cloverleaf Quadruple Housing.

El recorrido es casi cronológico. Un paseo por la producción de un arquitecto que dedicó el último año de su vida a imaginarse un centro cultural para Bagdad (era un enamorado del libro Las mil y una noches), situado en una isla en medio del río Tigris. Enormes planos de colores ilustran las ideas que Wright barajó para óperas, museos, bazares e incluso casinos en una ciudad que a finales de los años cincuenta aspiraba a convertirse, mediante esa mezcla hoy tan utilizada de arquitectura, cultura, ocio y comercio, en uno de los grandes centros culturales de Oriente Próximo. El testigo parece haberlo recogido Thomas Krens, el ex director del Guggenheim, entregado a la consolidación de un proyecto similar al imaginado por Wright y ejecutado por otros arquitectos pero en la isla de Saadiyat, en Abu Dhabi.


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Museo Guggenheim de Nueva York


EL PAÍS
 




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Mensaje Re: Museo Guggenheim De Nueva YorK 
 
Cattelan flota en el Guggenheim de Nueva York


El museo neoyorquino expone una retrospectiva del polémico artista       



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Maurizio Cattelan: All, Solomon R. Guggenheim Museum, November 4, 2011 - January 22, 2012 / Photo: David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation

Una retrospectiva poco ortodoxa para un artista polémico, tan admirado como denostado y en última instancia, inclasificable excepto para el mercado del arte, donde cotiza muy bien. Maurizio Cattelan: All (Todo), la muestra que se ha inaugurado hoy en el museo Guggenheim de Nueva York, es uno de esos eventos a caballo entre el arte y el espectáculo que caracterizan la puesta en escena de esta institución. En este caso, el hueco de la célebre rotonda del edificio concebido por Frank Lloyd Wright se ha convertido en el contenedor de toda la obra de Cattelan, que si habitualmente impacta en función del contexto en el que se presenta, aquí conmociona visualmente al mostrarse en su integridad suspendida en el aire.

La rampa que habitualmente sirve como espacio expositivo está vacía y las 130 obras incluidas en esta muestra, (la práctica totalidad de los 22 años de vida artística de este italiano nacido en 1960) cuelgan a diferentes alturas de un complejo entramado de cuerdas y tramoyas. Se crea así un entretenido puzzle en el que los fans del artista reconocerán y sonreirán al redescubrir sus obras más célebres, mientras que los no convertidos tendrán más dificultades para encontrarle un sentido más allá del puro impacto visual. Quizás la mejor prueba de esta extraña dicotomía es que antes de presentar la exposición ante la prensa, la comisaria Nancy Spector dio una breve charla con diapositivas en la que explicó el sentido de la obra de Cattelan y se paró a explicar con detalle académico el significado con el que el artista concibió algunas de sus piezas, algo a lo que sin embargo no tendrán acceso quienes acudan a ver la muestra (a menos que se compren la aplicación para el iPhone con la explicación de cada obra a 4 dólares o el catálogo, a 45).


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Mini yo. Mini Me, 1999. Rubber, resin, synthetic hair, paint, and clothing, 45 x 20 x 23 cm / © Maurizio Cattelan Photo: Attilio Maranzano, courtesy the artist

Pero según contó Spector, el propio artista fue quien se negó a escribir los títulos de las obras y sus explicaciones en la muestra, de forma que éstas pudieran adquirir en el Guggenheim un significado nuevo, alejado de jerarquías y con el aire igualitario "de los chorizos que cuelgan en la carnicería" en palabras de Cattelan. Pero es difícil que obras concebidas con una dimensión política como L.O.V.E, -una mano gigante con el dedo anular levantado y colocada frente a la bolsa de Milán en 2010- adquiera, suspendido en el Guggenheim, la fuerza de esa escultura. O que la reproducción en cera de Hitler titulada Him tenga el mismo efecto emocional aquí que cuando se mostraba en una gran sala vacía y oscura en la que se entraba por detrás y uno creía ver a un niño rezando arrodillado para después descubrir el rostro del dictador. Y el sentido de obras como Stadium, para la que creó un equipo de fútbol de italianos de raza negra como forma de atacar el racismo en su país, se pierden aquí por completo.


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La Nona Ora. Resina de poliéster, cera, pigmentos, cabello humano, telas, ropa, accesorios, piedra, vidrio, y la alfombra, dimensiones variables / Cortesía de la artista. © Maurizio Cattelan / Foto: Attilio Maranzano

Lo que parece innegable es que la exposición tiene mucho de espectáculo puesto que a medida que uno avanza por la rampa va descubriendo piezas que no es posible ver desde todos los ángulos y que aparecen por sorpresa como si fueran nuevos actores sobre un escenario. Algunas de ellas, como los perros disecados que duermen sobre sillas o las diferentes camillas con muertos que penden a diferentes niveles de esta gran menestra artística son, cuando menos, inquietantes. Frank y Jaime, dos policías colgados boca abajo que Cattelan creó para criticar el Nueva York post 11-S aquí resultan algo más cómicos que en la instalación original frente a una pared, mientras que la ardilla que se suicida en Bidibidobidiboo no pierde fuerza.


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Sin título. Untitled, 2001. Wax, pigment, human hair, fabric, and polyester resin, 150 x 60 x 40 cm / © Maurizio Cattelan / Photo: Attilio Maranzano, courtesy the artist


Cuatro claves

Irreverencia, cultura como espectáculo, preocupación social y dimensión política han sido cuatro de las claves que han marcado la producción de este artista en cuya obra también hay visos claros de influencias publicitarias y que coincidiendo con esta exposición vuelve a dar un giro de tuerca anunciando además que se retira del mundo del arte. "No sabemos muy bien lo que eso significa en palabras de Cattelan" comentaba Spector durante la presentación. De momento lo único que se sabe es que este artista, cuya ironía duchampiana le llevó hace años a convocar un premio entre artistas que consistía en que un creador renunciara a exponer durante un año a cambio de 100.000 dólares, (no convenció a ninguno y se gastó el dinero él mismo en mudarse a Nueva York) seguirá trabajando en la revista Toilet Paper, su vehículo de expresión desde hace ya un año. Su futuro parece flotar en el aire, como lo hace ahora su obra.


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L. O. V. E. - Maurizio Cattelan. L.O.V.E., 2010 / Carrara marble, figure: 470 x 220 x 72 cm; base: 630 x 470 x 470 cm Courtesy of the artist. © Maurizio Cattelan / Photo: Zeno Zotti


Fuente: elpais.com
 




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Mensaje Re: Museo Guggenheim De Nueva YorK 
 
El Guggenheim de Nueva York explora los mundos en blanco y negro del pintor malagueño. La muestra también pone en relación su obra con la fotografía y el cine



El color no era necesario para Picasso



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'Hombre con pipa', dibujo realizado por Pablo Picasso en París en 1923.

Esencial, depurado y circular, el diseño del Museo Guggenheim de Nueva York invita al visitante a “entrar en el espíritu de su interior”, como explicó el autor del proyecto Frank Lloyd Wright en 1948 en The architectural forum. Hasta el 23 de enero este “espíritu interior” del que habló el arquitecto encuentra un singular eco en la muestra de la obra de Pablo Picasso que se expone en el museo. La misma idea de despojamiento e inmersión en la esencia, guía Picasso black and white, una exploración radicalmente nueva de la obra del artista español, comisariada por Carmen Giménez.


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Picasso - 'El acordeonista', 1911


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Picasso - 'Hombre, mujer y niño', 1906

Dos esculturas en la rotonda principal, el bronce Mujer con vaso, de 1933, procedente del Museo Reina Sofía, y Mujer con los brazos abiertos, de 1961 dan la bienvenida a esta exposición, que abarca desde 1904 hasta 1971 y reúne 118 obras —sobre todo pintura, aunque también dibujos y escultura— procedentes de cerca de 30 museos y colecciones privadas. “El uso del blanco y negro en Picasso merece una consideración aparte. Sus trabajos en blanco y negro aparecen en casi cada década desde 1904, pero nunca tuvo un periodo blanco y negro y no está claro que sus numerosas obras en blanco y negro estuvieran cortadas por el mismo patrón, lo que hace imposible ordenarlas todas bajo una misma técnica, intención o simbolismo”, explica Carmen Giménez, en el texto del catálogo. Así, el recorrido de la exposición sigue un orden cronológico, desde el cuadro La planchadora, de 1904, hasta Tres figuras, de 1971, y muestra trabajos cubistas como El acordeonista (1911) y neoclásicos como Mujer en blanco (1923), su exploración del surrealismo y la incorporación de las formas redondas en la década de los treinta.


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Picasso - 'Cabeza de mujer (Dora)', 1941


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Picasso - 'Mujer sentada en un sillón (Dora)', 1938


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Picasso - 'Cabeza de mujer, perfil derecho', 1934

Despojado de los colores que debilitan, el pintor exploró con seguridad y maestría formas y estructuras. La fuerza de Picasso traspasa el filtro del color, y el efecto es como si el visitante se pusiera unas gafas de rayos X para contemplar las claves de la evolución de su obra.

El Guernica a menudo ha llevado a muchos a relacionar el uso del blanco y negro en Picasso con la muerte y el desastre. Pero como recuerda la comisaria Carmen Giménez esta visión resulta incompleta a la vista del conjunto de la producción del artista, y la idea de esta muestra surgió tras varias décadas trabajando en proyectos sobre Picasso, como la exposición de 1987 El siglo de Picasso, o la muestra El Picasso de los Picasso de 2003, en la que separó los cuadros en color de los trazados en blanco y negro, en el Museo Picasso de Málaga. “Muchos de sus cuadros más importantes los hizo en blanco y negro y se resistió a vender muchos de ellos”, explicó Giménez. “Picasso era un magnífico dibujante. Françoise Gillot recordaba una conversación con Picasso en la que habló de Matisse y de cómo sin color sus cuadros se caían. Para él el color no era necesario”.


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Picasso - 'Cabeza de caballo', bosquejo para 'El Guernica', 1937


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Picasso -'El taller de la modista', 1926


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Picasso - 'Madre con niño muerto II', 1937

La muestra, que viajará al Museo de Bellas Artes de Houston en febrero, también pone en relación de alguna manera el trabajo de Picasso con la fotografía y el cine, con estas formas modernas de arte del siglo XX, durante muchos años restringidas al blanco y negro. El fotógrafo Brassaï trabajó con el pintor y notó cómo, tras periodos de explosión cromática, volvía al blanco y negro. La visión destilada de la nueva exposición, despojada de color, o más bien, restringida a solo dos —tres, si se suma la gama de grises que tantos pintores han señalado como el elemento clave del arte pictórico—, también tiene una cierta conexión con los hábitos de trabajo del artista que trabajaba de noche con la luz de candil. A esa luz, como Picasso le dijo a Brassaï, “cualquiera que sea la atmósfera se convierte en nuestra sustancia”.



Fuente: elpais.com
 




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Mensaje Re: Museo Guggenheim De Nueva YorK 
 
Exposición en el Museo Guggenheim de Nueva York - Hasta el 23 de marzo

 
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