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En esta sección sólo se permiten exposiciones de Arquitectos Mundiales. La forma de abrir una exposición es el autor con su fotografía y su biografía y los cuadros de la exposición con un tamaño no superior a los 800 píxeles.


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RENZO PIANO (Premio Pritzker 1998)
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Post RENZO PIANO (Premio Pritzker 1998) 
 
Este trabajo está dedicado al gran arquitecto italiano Renzo Piano, que alcanzó gran prestigio internacional, al combinar en sus edificios estructuras innovadoras con un original uso de los materiales y la preocupación por el entorno urbano. Fue ganador del Premio Pritzker 1998.


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Renzo Piano (Génova, 14 de septiembre de 1937), es un arquitecto italiano, ganador del Premio Pritzker.


Trayectoria

El famoso arquitecto nació en Génova, Italia, en 1937, en el seno de una familia de constructores. Renzo Piano frecuentó la Facultad de Arquitectura en Florencia (1959 a 1960) y en Milán, graduándose del Politécnico de Milán en 1964; sus trabajos iniciales fueron con estructuras experimentales ligeras; trabajó con su padre y su hermano en la sociedad familiar. De joven, repasó uno a uno los edificios de Le Corbusier.1

Luego, aprendió proyectos con Franco Albini y, a continuación, durante cinco años (1965-1970), con Louis Kahn y Z.S. Makowsky. Esta es su etapa formativa. Nunca se ha desvinculado de su ciudad natal, Génova (ha remodelado su metro y su puerto).


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Centro Pompidou, París.

Trabajó estrechamente con el arquitecto Richard Rogers desde 1971 hasta 1977; y entre sus proyectos conjuntos figura el famoso Centre Georges Pompidou en el corazón de París (1977). Es un edificio que tuvo un éxito de público decisivo para la difusión de su nombre, de modo que le encargaron remodelarlo posteriormente dado el desgaste experimentado por el uso multitudinario de ese edificio durante veinte años; fue reabierto en 2000. Hizo además edificios adjuntos.

Piano trabajó a continuación con el ingeniero Peter Rice, entre 1977 y 1981, bajo el nombre "L'Atelier Piano and Rice".

Pero seguidamente, en 1981, fundó el "Renzo Piano Building Workshop" (RPBW), que actualmente da trabajo a 150 empleados en sus distintas sedes de París, Génova y Nueva York. Precisamente Punta Nave, de Génova, donde tiene su gran estudio italiano, es una obra suya importante (1991); es un edificio que baja por peñascos siguiendo las terrazas de la colina Volpies, hacia el mar, muy cerca de su ciudad de origen, y está invadido por plantas y cañas. Como dice Piano: "Al trabajar aquí se logra un recogimiento especial, ligado a la sensación de contacto con la naturaleza, el clima y las estaciones; todos ellos son elementos inmateriales que la arquitectura ha capturado".

Una obra muy llamativa, en parte de ingeniería, fue el Aeropuerto Internacional de Kansai, Osaka, concluida en Japón en 1994. La construyó sobre una plataforma o isla artificial; este edificio y sus pistas están unidos a tierra con miles de pilotes que soportan las conexiones terrestres a prueba de maremotos; se halla a dos horas de tren de Tokio.

En Suiza, ha hecho el Museo de la Fundación Beyeler, en Basilea (1999), así como el Centro Paul Klee, Berna (2005). Y, en Alemania, su intervención global en la antes vacía Potsdamer Platz de Berlín, destaca en el edificio Daimler-Benz (2000).

Piano ha dado clases en las universidades de Columbia y de Pennsylvania, en la Escuela de Arquitectura de Oslo, en la Politécnica de Londres así como en la Escuela de arquitectura de esta misma ciudad.


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Recreación del Centro de Arte Botín de Santander.

Actualmente está construyendo su primera obra en España, el Centro Botín de las Artes y la Cultura, en Santander.


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Algunas palabras aclaran su actitud:

    Aspiro a una dignidad idéntica a la del arquitecto del siglo XVI, en tanto diseñador: el arquitecto como 'machinatore' que inventa y proyecta hasta los útiles para hacer lo que concibe.
    Renzo Piano, Obras y proyectos, 1971-1989, Gustavo Gili, 1990, p. 239


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Shard London Bridge, Londres, Inglaterra (2012).


Obras

    - Museo de la Colección Menil, Houston, EE UU. 1982-1986
    - Aeropuerto Internacional de Kansai, Osaka, Japón. 1990-1994
    - Punta Nave, sede de su RPBW, Génova, Italia. 1989-1991
    - Cruceros "Royal Princess" y "Crown Princess", de Princess Cruises. 1989-1991
    - Centro Cultural Canaco J.M. Tjibaou en Noumea, Nueva Caledonia, Francia. 1991-1998
    - Iglesia de Peregrinaje Padre Pio, S. Giovanni Rotondo, Italia. 1991-2004
    - Museo de la Fundación Beyeler, Basilea, Suiza. 1992-1997
    - Reforma de la antigua fábrica de Fiat en Lingotto.
    - Reconstrucción de una sección de la Potsdamer Platz (Daimler-Benz), Berlín, Alemania. 1992-2000
    - Auditorio Parque de la Música, Roma, Italia. 1994-2002
    - Ampliación del High Museum of Art, Atlanta, EE UU. 1999-2005
    - Maison Hermès, Tokio, Japón. 1998-2001
    - Centro Paul Klee, Berna, Suiza. 1999-2005
    - Futura sede de The New York Times, Nueva York, Estados Unidos.
    - Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Tjuvholmen, Oslo, Noruega (2002-)
    - Columbia University Manhattanville Campus Master Plan and Jerome L. Greene Science Center, New York City, Nueva York (2004-)
    - Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, (2003-)
    - Sesto San Giovanni Plan, Milán, Italia (2004-)
    - Whitney Museum of American Art, Nueva York (2005-2015).
    - Pathé Foundation headquarters, París, Francia (2006-)
    - City Gate (Malta), Royal Opera House, Valletta, Parlamento de Malta, y Plaza de la libertad, Valletta, Malta (2009-)
    - Harvard Art Museums, renovación, Cambridge, Massachusetts (2009-)
    - Isabella Stewart Gardner Museum, ala, Boston, Massachusetts (2005-)
    - Kimbell Art Museum, ampliación, Fort Worth, Texas (2008-)
    - Central Saint Giles, edificio en Londres 2002-2010
    - Stavros Niarchos Foundation, Centro Cultural, Ópera y Biblioteca Nacional de Grecia Faliro, Atenas (2009-)
    - Centro de Arte Botín, Santander, España. 2012-2014.


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Renzo Piano (izquierda) junto al presidente de la República Italiana Giorgio Napolitano, 2007.


Premios

    - 1989: Medalla de Oro del RIBA (Real Instituto de Arquitectos Británicos)5
    - 1990: Premio Kioto
    - 1994: Embajador de Buena Voluntad de la Unesco para la arquitectura
    - 1995: Premio Erasmus por haber aportado a Europa una contribución excepcional en el mundo de la cultura.
    - 1995: Praemium Imperiale, concedido por la Japan Art Association
    - 1998: Ganador del Premio Pritzker de arquitectura.
    - 2002: Medalla de Oro UIA

He realizado una recopilación de la obra de Renzo Piano, que espero guste a los compañeros e internautas que frecuentan esta sección de arte del foro de xerbar, y en lo posible contribuya en su divulgación.





Algunas obras



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Centro Pompidou es el nombre más comúnmente empleado (otros son Beaubourg o Centro Georges Pompidou) para designar al Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París (Francia), diseñado por los entonces jóvenes arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers. El edificio, concluido en 1977, fue inaugurado el 31 de enero del mismo año.


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El centro alberga el IRCAM, un centro de investigación musical y acústica; la biblioteca (Bibliothèque Publique d'Information) con un aforo de 2.000 personas, abierta al público; y sobre todo el Museo nacional de Arte Moderno (Musée National d'Art Moderne) que posee unas 100.000 obras de arte, una de las colecciones de arte moderno y contemporáneo más completas del mundo junto con el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York y la Tate Modern de Londres. Entre los artistas representados están: Pablo Picasso, Joan Miró, Brancusi, Modigliani, Matisse, Francis Bacon, Jean Dubuffet, etc.


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Ascensores en el Centro Pompidou

Fue construido sobre un terreno desocupado cercano al espacio que anteriormente ocupaba el mercado de Les Halles (donde actualmente se realiza la última modificación al sector que alberga el centro comercial Les Halles) durante el mandato del presidente francés Georges Pompidou, el cual falleció antes de que se terminara el edificio. Fue su sucesor, Valéry Giscard d'Estaing, quien lo inauguró en 1977. Rehabilitado entre 1997 y diciembre de 1999, volvió a abrir sus puertas al público el 1 de enero de 2000. Es de uno de los monumentos más visitados de Francia, con cerca de seis millones de visitantes al año.


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El Centro Pompidou contrasta enormemente con los edificios que le rodean. Así, la forma, los colores y la altura de este edificio resultan ser estridentes para su entorno en el momento en que se construyó y también hoy en día. Su función es también extraña en la época en que se hizo. Un centro que reúne arquitectura, arte moderno, arte antiguo, libros y lugares donde los niños «juegan con el arte», no era corriente entonces. Su museo de arte contemporáneo es el más importante del mundo. En cuanto a su apariencia exterior, el entramado de barras, tubos y elementos tecnológicos que se agolpan en las fachadas hace que el Pompidou se parezca a un juguete tecnológico, similar a un meccano. Es llamado por los parisinos «La fábrica de gas». Esta estridencia que tanto lo caracteriza formaba parte de las pretensiones del concurso.


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El edificio tiene en cada uno de los forjados trece huecos limitados por catorce vigas vierendel paralelas. Estas piezas son de un enorme tamaño y son prefabricadas, por lo que hubo que hacer un gran despliegue logístico para llevarlas al solar de construcción. Las vigas son visibles en las fachadas laterales (la norte y la sur). Las vigas de diferentes plantas se unen entre sí con tensores. Los pilares del Pompidou son metálicos con sección redonda. Hay una estructura inventada en este edificio conocida por el nombre de Gerberette. Son unas piezas metálicas horizontales ancladas a los pilares por uno de los extremos a modo de voladizos. Tienen una sección curva y su función es sujetar las estructuras metálicas que sobresalen de las fachadas oeste y este. Su inventor es el ingeniero alemán Gerberett, y se diseñaron para ampliar la superficie de los puentes. De esta manera, se observa que toda la estructura del Pompidou es metálica, incumpliendo aparentemente la normativa parisina contra incendios. Sin embargo, esta legislación es respetada ya que los pilares están refrigerados por agua que hay en el interior de cada uno de ellos.


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A pesar de que todos los tubos y barras no dejen ver las fachadas del Pompidou, el interior es bastante luminoso ya que el acristalamiento es continuo. Por los techos interiores pasan todas las tuberías y elementos que hay en las fachadas, estando todos estos elementos a la vista. De esta manera, dentro del edificio se consigue esa misma imagen de caos y maraña de elementos tecnológicos propia del exterior. Renzo Piano colocó sobre cada obra de arte un pequeño falso techo para protegerla visualmente de la red de tubos que hay en el techo y evitar que la mirada se distraiga al contemplar la obra expuesta... Leer más




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Terminal 1 del Aeropuerto Internacional de Kansai en 2015

Aeropuerto internacional de Kansai (関西国際空港 'Kansai Kokusai Kūkō'?, Código IATA: KIX, OACI: RJBB) es un aeropuerto internacional ubicado en una isla artificial en la bahía de Osaka, Japón. Fue diseñado por el arquitecto Renzo Piano e inaugurado el 4 de septiembre de 1994.

El aeropuerto sirve de hub para Japan Airlines, All Nippon Airways y Nippon Cargo Airlines. Es la puerta de enlace para la región de Kansai, compuesta por las ciudades de Osaka, Kioto y Kōbe, entre otras. Los vuelos nacionales son llevados a cabo desde el anterior Aeropuerto internacional de Osaka en Itami.

En el dialecto Kansai del japonés, el aeropuerto es comúnmente llamado Kankū


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La isla artificial. Construida por el ser humano, tiene 4 km de largo por 1 de ancho, los ingenieros la diseñaron considerando los posibles terremotos y tifones frecuentes en la región. Su construcción se inició en 1987, siendo terminada la muralla protectora a finales de 1989. Aproximadamente 21 millones de metros cúbicos de bloques de hormigón fueron utilizados de relleno, excavados de tres montañas. La obra empleó una mano de obra de aproximadamente 10.000 trabajadores, y 10 millones de horas de trabajo a lo largo de 3 años, el uso de 80 barcos para completar la capa de 30 m de grosor ubicada en la plataforma submarina.

En 1990, se completó el puente de 3 km de largo, que conecta la isla artificial con la Prefectura de Osaka, con un coste de 1000 millones de dólares.

Para ese momento, la isla se había hundido 8 m, más de lo previsto, y el proyecto se transformó en el trabajo de ingeniería civil más caro de la historia moderna, después de 20 años de planificación, 3 años de construcción y miles de millones de dólares invertidos.

En 1991 se comenzó con la construcción de la terminal y para compensar el hundimiento de la isla, se diseñaron columnas ajustables para soportarla, siendo inaugurado el aeropuerto en 1994.

En 1995 el Aeropuerto internacional de Kansai sufrió el Terremoto de Kobe, cuyo epicentro estuvo a tan sólo 20 km y se cobró la vida de 6433 personas. Sin embargo, el aeropuerto soportó el terremoto sin inconvenientes, principalmente por el uso de empalmes deslizantes en su construcción. Ni siquiera las ventanas del aeropuerto sufrieron daños. En 1998, el aeropuerto no tuvo problemas con un tifón con vientos de hasta 200 km/h.


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Interior de la terminal.

En 2001, el aeropuerto fue premiado como uno de los diez "Monumentos de la ingeniería civil del milenio" por la Sociedad Estadounidense de Ingenieros Civiles... Leer más



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Museo de Arte del Condado de Los Ángeles - LACMA (Los Angeles County Museum of Art, en inglés) está localizado en Los Ángeles, Estados Unidos, en el Bulevar Wilshire del distrito Miracle Mile.

El LACMA es un museo casi enciclopédico: entre otras secciones, alberga arqueología asiria, egipcia, griega y romana, pintura europea y una de las colecciones más grandes de arte latinoamericano. Más de 2.000 obras latinoamericanas fueron donadas por Bernard Lewin y su esposa Edith Lewin. Actualmente, el apoyo del matrimonio Broad, bien conocido en el mercado de arte contemporáneo, ha marcado un nuevo rumbo al museo, con la construcción de un nuevo edificio pensado para la exhibición de su colección privada. Esta relación de mecenazgo ha impuesto ciertas condiciones que son cuestionadas por algunos críticos.


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Vista interior. Pabellón de arte oriental del LACMA.

El LACMA se fundó en 1910 como parte del Museo de Historia, Ciencia y Arte de Los Ángeles. No contaba con una colección propia, y en sus inicios exhibió obras prestadas. En las décadas de 1920-30 el museo creció rápidamente, y hacia 1945-50 recibió importantes donaciones del controvertido William Randolph Hearst, el magnate que inspiró la película Ciudadano Kane de Orson Welles. En 2008, el museo ha dedicado una exposición a Hearst, reuniendo parte de las obras que donó.

El crecimiento de las colecciones llevó a dar al museo una sede propia en 1961, que se abrió al público en 1965.

El museo ocupa actualmente un complejo de siete edificios en 20 acres de terreno (unas 8 hectáreas) en Los Ángeles, a medio camino entre el centro de la ciudad y la costa. Este conjunto de museos está actualmente en una fase de transformación a diez años, con nuevas construcciones diseñadas por el estudio de Renzo Piano.


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Vista general del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

La primera fase de estos trabajos, concluida a principios de 2008, incluye el Museo Broad de Arte Contemporáneo, un nuevo edificio de tres plantas dotado económicamente por el matrimonio de coleccionistas Eli y Edythe Broad. Su finalidad exclusiva parece ser la exhibición de la colección privada de los Broad, acaso en previsión de una futura donación. La exposición inaugural del Museo Broad incluyó obras de Richard Serra, Jean-Michel Basquiat, Cindy Sherman y Jasper Johns, entre otros... leer más




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Museo Whitney de Arte Estadounidense es un museo especializado en el arte estadounidense del siglo XX. Ubicado en el número 99 de Gansevoort Street en Nueva York, el museo posee una colección permanente de más de 18.000 obras. El Museo Whitney presta especial atención a la exhibición del trabajo de artistas vivos, así como a conservar una vasta colección permanente con obras de primera mitad del siglo. Las exhibiciones anuales y bienales del museo llevan tiempo siendo un escaparate para artistas jóvenes y poco conocidos.


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Vista del Museo Whitney

El Whitney está actualmente construyendo un edificio nuevo en el centro de Nueva York. El edificio ha sido diseñado por el arquitecto italiano Renzo Piano. Las nuevas galerías tendrán más de 4.600 metros cuadrados y está previsto que abran sus puertas en 2012... Leer más



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Aurora Place es el nombre común de la torre de oficinas y el edificio residencial, diseñados por Renzo Piano y premiados, situados en en Macquarie Street, Sídney, Australia. Su nombre oficial es RBS Tower. La estructura de 41 plantas tiene una altura de 218 m hasta la parte superior de la aguja y 188 m hasta la azotea. El edificio tiene una forma geométrica extraña, donde ningún panel es paralelo a ninguna cuadrícula. La fachada este se ensancha ligeramente desde su base, alcanzando su anchura maxima en las plantas superiores. La forma curvada y retorcida de la fachada este pretende corresponder espacialmente con la Ópera de Sídney y representar el sublime ambiente marino del Puerto. El muro cortina exterior de cristal se extiende más allá de la estructura principal, creando una ilusión de independencia. La aguja de cristal unida a la fachada norte tiene una longitud de 75 m.


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Aurora Place desde Macquarie Street

El edificio fue construido en la parcela del antiguo Edificio de Oficinas del Gobierno de Nueva Gales del Sur por Bovis Lend Lease. Las hipótesis de una torre planeada se presentaron primero al Comité de Planificación de Sídney Central en 1996, cuando tres importantes arquitectos: Mark Carroll, Shunji Ishida y Renzo Piano presentaron el innovador proyecto. El edificio fue vendido en enero de 2001 por $ 485 millones. Aurora Place fue el ganador del prestigioso 2002 Property Council of Australia Rider Hunt Award, por cualidades técnicas y financieras. El 2 de junio de 2009 el escalador urbano Alain Robert escaló el edificio en protesta contra el cambio climático.


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Los materiales usados del Aurora Place son exclusivos en comparación con sus vecinos, Chifley Tower [Kohn, Pederson Fox architects, 1988] y Governor Phillip Tower [Denton, Corker Marshall architects, 1994]. La fachada, que constituye el principal componente del edificio, es de vidrio poroso de color blanco lechoso que ha sido laminado. La estética del material da una metáfora visual de un barco velero. Está inspirado por el embaldosado de la Ópera de Sídney, que está a menos de media milla al norte. Los azulejos de terracota cubren gran parte de la sección inferior del edificio para contrastar con el revestimiento de cristal, dominado por el blanco. También reconcilia el lobby, revestido de naranja, y el complejo residencial.




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Centro de Escultura Nasher es un museo localizado en la calle Flora en el Distrito de Artes en el centro de la ciudad de Dallas, Texas. El museo abrió sus puertas el octubre de 2003 y fue fundado por Raymond Nasher y diseñado por Renzo Piano. Es el hogar de la colección privada de Nasher y exposiciones temporarales. El museo incluye oficinas, dos niveles de galerías, un restaurante, un anfiteatro, clases y un amplio jardín.

El museo representa la visión de Nasher de crear un museo «sin techo» en las afueras que sirviera como un refugio del arte y la naturaleza y que al mismo tiempo fuera un hogar para su colección de esculturas del siglo XX. La meta era producir una estructura de perdurable significación que sostenga el legado de la colección y evoque los sitios de civilizaciones antiguas que fueron sólidamente construidas arqueológicamente y su continuidad en el tiempo.




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Auditorio Parco della Musica en Roma es el auditorio de la Academia de Santa Cecilia. Proyectado por Renzo Piano está situado al norte de la ciudad en el viale Pietro de Cubertain de Roma, se construyó en 1995 en el predio antes ocupado por las instalaciones de los Juegos Olímpicos de Roma 1960.

Ocupa 30 000 m² divididos en tres salas: 'Santa Cecilia', con capacidad para 3.000 espectadores, para orquestas sinfónicas y coros. La segunda sala en tamaño es la 'Giuseppe Sinopoli' y la tercera, 'Settecento' o 'Petrassi', para piezas teatrales o incluso cine, y tiene la particularidad de que sus butacas pueden girar 90 grados sobre sí mismas. El cuarto auditorio es el teatro al aire libre Cavea.

Durante su construcción, se encontraron los restos de una villa romana y una prensa de aceite que databan del siglo VI a.C.. Renzo Piano rediseñó los espacios para conservar los restos arqueológicos e incluyó un pequeño museo para alojar los artefactos descubiertos. Estos cambios provocaron un retraso de un año.

Inaugurado el 21 de diciembre de 2002; es el auditorio musical más visitado del mundo. La Accademia Nazionale di Santa Cecilia se encuentra en el Parco della Musica.



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Debis-Haus es un edificio de oficinas localizado cerca de Potsdamer Platz en Berlín. Con 106 metros de altura es el cuarto rascacielos más alto de la ciudad. Junto con otros edificios de estilo similar, es parte de la Daimler Quartier. debis-Haus comenzó su construcción en 1993 y se prolongó hasta 1997. El debis-Haus es propiedad de Daimler AG y fue diseñado por el arquitecto Renzo Piano para ser la sede de Daimler-Benz, que después de la reestructuración del grupo, se constituyó en Daimler AG.

El edificio está situado en el extremo sur del barrio Daimler Quartier, en el distrito de Tiergarten (al sur de Berlín). La plaza Potsdamer Platz1 está a poca distancia a pie. En su diseño, debido a su altura y localización amplia la torre se puede observar desde todo el distrito. En el sur limita con el canal Landwehrkanal. Al Oeste está la entrada sur del túnel de Tiergarten (B 96), un lago artificial y, finalmente, los límites de la Marlene-Dietrich-Platz. En el frente noreste se encuentra en la carretera Eichhorn.


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Arquitectónicamente, la debis-Haus fue diseñada por el arquitecto Renzo Piano durante todo un trimestre. Llama la atención, especialmente la fachada, de paneles de colores cálidos naturales de terracota, que evita deliberadamente actuación del frío como ocurre en superficies de piedra de acero, el vidrio o el pulido. El complejo está dividido en edificios de diferentes alturas. Desde lejos, se aprecia la torre de 106 metros de altura con el logotipo de debis en la parte superior, que es también utilizada como chimenea de ventilación para el túnel de Tiergarten. El segundo edificio más alto después de la torre es otra torre de 23 pisos que da forma al extremo sur del complejo. En el exterior sureste del edificio se localiza una cubierta visible con la escultura Landed (en alemán: "aterrizado") creada por el artista holandés Auke de Vries. El trabajo fue terminado en 2001 y parece idéntica a una cruz, que consiste en una cápsula espacial móvil y un aviario.


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Atrium. La parte menos profunda del norte del edificio encierra el atrio, el cual tiene las mismas dimensiones que la Cateral de Notre Dame. Es luminoso y agradable y los rayos penetran por un techo de cristal. En el interior, hay una instalación de máquinas lumínicas "Blue Light" (de François Morellet) y una escultura de 12 metros de altura "Meta-Maxi" (de Jean Tinguely). Originalmente concebido como una transición entre los sectores público y privado del complejo, desde los ataques terrosriastas del 11 de Septiembre 2001 ya no está disponible al público.


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Vista del Debis-Haus, Kollhoff-Tower und BahnTower - Potsdamer Platz, Berlin

Sostenibilidad. Las formas ecológicas son la idea principal de los edificios que ocupan el distrito berlinés y en particular el debis-Haus. Contiene una planta con producción combinada de calor y fuentes de alimentación del edificio con calefacción y refrigeración. La inusual fachada está formada por una segunda piel exterior de vidrio, con ventilación regulable, en las habitaciones hay plantas naturales que resisten incluso cambios bruscos de temperatura. En su mayoría, los techos recogen el agua que cae sobre los tejados en cisternas y se utiliza para la descarga de los inodoros y los suministros de aguas superficiales adyacentes.



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Fundación Beyeler de Riehen, cerca de Basilea, Suiza, es la propietaria de la colección de arte de Hildy y Ernst Beyeler, trasladada a la fundación en el año 1982. El museo, concebido por Renzo Piano, alberga desde 1997 la colección Beyeler. Se muestran alrededor de 200 obras de arte de Degas, Monet, Cézanne, van Gogh, Picasso, Warhol, Lichtenstein o Bacon. Una tercera parte de la superficie de exposición está reservada para exposiciones temporales, que complementan la colección permanente. Los jardines que rodean al museo también sirven a menudo de escenario para exposiciones temporales, como por ejemplo para la protagonizada por Christo y Jeanne-Claude en noviembre/diciembre de 1998, cuando envolvieron los árboles del parque.



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High Museum of Art (coloquialmente el Alto), con sede en Atlanta, es el museo de arte líder en el sudeste de Estados Unidos y uno de los museos de arte más visitado del mundo. Situado en Peachtree Street en Midtown, en la ciudad de Distrito de las Artes, el Alto es una división del Woodruff Arts Center. En 2010 contaba con 509.000 visitantes, el 95º más vistado de entre los museos de arte del mundo.

El museo fue fundado en 1905 como la Asociación de Arte de Atlanta. En 1926, la familia High, cuyo nombre lleva el museo, donó su casa familiar de la calle Peachtree para albergar la colección después de una serie de exposiciones que involucran las Galerías de Arte de Grand Central organizadas por el coleccionista de Atlanta, J.J. Haverty. Muchas piezas de la colección Haverty están ahora en exhibición permanente en el Alto. Un edificio independiente para el Museo fue construido junto a la casa de la familia en 1955.

El 3 de junio de 1962, 106 clientes Atlanta artes murió en un accidente de avión en el aeropuerto de Orly en París, Francia, mientras que en un viaje patrocinado por el museo. Incluyendo a la tripulación y demás pasajeros, 130 personas murieron en lo que fue, en su momento, el peor desastre de aviación único avión en la historia. Los miembros de familias prominentes de Atlanta se perdieron incluidos los miembros de la familia que fundó Berry Berry College. Durante su visita a París, los clientes Atlanta artes había visto a la Madre de Whistler en el Louvre. En el otoño de 1962, el Louvre, como un gesto de buena voluntad hacia la gente de Atlanta, envió a la Madre de Whistler a Atlanta para ser exhibido a la Asociación de Arte de Atlanta museo en la calle Peachtree. Para honrar a los fallecidos en el accidente de 1962, el Memorial de Atlanta Arts Center fue construido para el alto. El gobierno francés donó una escultura de Rodin La Sombra del Alto en memoria de las víctimas del accidente.

En 1983, un edificio de 12.500 m2 diseñado por el arquitecto ganador del Premio Pritzker Richard Meier abrió para albergar el Museo Superior de Arte. El edificio Meier fue financiado por un 7,9 millones dólares de subvención desafío del ex presidente de Coca-Cola, Robert W. Woodruff igualado por 20 millones de dólares recaudados por el Museo. El edificio muy escultural de Meier ha sido criticada por tener más belleza que cerebro. Por ejemplo, el vestíbulo, un cilindro gigante en el centro del cubo edificios de corte casi no tiene espacio expositivo y las columnas en todo el interior restringen severamente la forma en que se podrían exponer grandes obras de arte moderno. En 135.000 metros cuadrados, el edificio de Meier tenía espacio para mostrar sólo el 3 por ciento de la colección permanente del museo.

El edificio de Meier, ahora el ala de la familia Stent, fue calificada como el mayor logro del director Gudmund Vigtel a manos de su sucesor Michael Shapiro. Durante el mandato de Vigtel de 1963-1991, el tamaño de la colección permanente del museo se triplicó, la dotación y la confianza de más de 15 millones fueron establecidos, el presupuesto operativo aumentó de 60.000 a 9 millones de dólares y el personal aumentó de cuatro a 150.

En 2002, tres nuevos edificios fueron diseñados por Renzo Piano en más del doble el tamaño del museo a 312.000 pies cuadrados (29.000 m 2), con un costoe de 124 millones de dólares. Los edificios de Piano fueron diseñados como parte de una actualización general de todo el complejo Woodruff Arts Center. Los tres nuevos edificios erigidos como parte de la expansión del Alto están revestidos de paneles de aluminio para alinearse con opción original de Meier de una fachada blanca de esmalte. El diseño de Piano del nuevo pabellón Wieland y las Cámaras Wing de Anne Cox cuenta con un sistema de techo especial de 1.000 cucharadas luz que captura la luz del norte y la filtra a las galerías Skyway.


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Parte de la nueva ampliación diseñada por Renzo Piano.

Cuando el museo necesitó más espacio de exposición de arte contemporáneo, el fiduciario John Wieland compró un condominio en la calle. Su segunda planta servirá con 15.000 metros cuadrados, Kunsthalle, como el espacio, diseñado por David Chipperfield como una extensión de la programación del museo, así como un área de visualización de la propia colección de la familia de Wieland. La fundación de Wieland plenamente su financiación durante 10 años, después de lo cual el museo tiene la opción de comprar por un dólar.



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Edificio New York Times es un rascacielos completado a finales de 2007 que se sitúa al oeste del Midtown Manhattan, Nueva York.1 Su principal propietario es el grupo The New York Times Company, entre sus publicaciones destacan The New York Times, The Boston Globe e International Herald Tribune, además es propietario de otras publicaciones regionales. La mayor parte de la construcción externa se completó durante el segundo trimestre de 2007, y The New York Times empezó a instalarse en la nueva sede a principios de junio del mismo año, aunque para esa fecha todavía no estaban acabadas todas las obras en el edificio, no funcionaban todos los ascensores y no se habían eliminado los accesorios de la obra de la fachada.

El 9 de marzo de 2009, por motivo de la crisis financiera, el New York Times se vio forzado a vender parte del edificio sede (unos 70 000 m²) por la suma de 225 millones de dólares.


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El proyecto fue anunciado el 13 de diciembre del 2001. Cuenta con 52 plantas y se ubica en la zona este de la Octava Avenida, en los cruces con la calle 40 y 41. El lugar elegido se halla en la zona más occidental y alejada del centro, alrededor de la octava avenida; en este corredor no ha habido muchas construcciones desde que se terminara el One Worldwide Plaza en 1989 y el posterior Hearst Tower en 2006. La construcción fue acordada por las siguientes compañías: The Times Company, la firma Forest City Ratner asentada en Cleveland y por ING Inmobiliaria.

La célebre fotógrafa Annie Leibovitz fue contratada para registrar la construcción del New York Times entre julio de 2005 y julio de 2006. Para crear la colección de 35 imágenes, Leibovitz se inspiró en las fotografías que Lewis Hine y Margaret Bourke-White tomaron en los años 1930 a los edificios Chrysler y Empire State respectivamente. Ella también visitó el rascacielos a comienzos de 2007, para documentar las primeras ocupaciones. La serie fotográfica se denominó Building the Times: Photographs by Annie Leibovitz.


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La torre, diseñada por Renzo Piano y FXFOWLE, con Gensler proporcionando el diseño de interiores, es conocido por su característica innovadora en la que miles de pequeños tubos de cerámica cubren horizontalmente la fachada. La torre tiene numerosas características ambientalmente sostenibles. Una de ellas es un ambiente de trabajo que maximiza la luz natural, así como un total de 20 mil lámparas fluorescentes regulables, que mantienen los niveles de luz necesarios para ahorrar energía y evitar el deslumbramiento.

La torre se eleva 748 pies (228 m) hasta la azotea, pero la fachada (el parapeto), se eleva hasta los 840 pies (256 m), y un mástil extiende la altura máxima hasta 1 046 pies (319 m). El edificio cuente con 1,54 millones de pies cuadrados (143 000 metros cuadrados) de espacio bruto.

El 11 de noviembre de 2006, el edificio alcanzó su altura final de 1 046 ft. (319 m).


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New York Times Tower ny night

The New York Times Company ocupa cerca de 800 000 pies cuadrados (74 300 metros cuadrados) del segundo piso al 28, y Forest City Ratner e ING Real Estate ocupan cerca de 600 000 pies cuadrados (55 700 metros cuadrados) de los pisos 29 al 50, así como 20 000 pies cuadrados (1 858 metros cuadrados) de espacio comercial a nivel de calle. Tres bufetes de abogados tienen sus oficinas en el edificio desde agosto de 2007: Covington & Burling, LLP. Osler en el piso 36. Seyfarth Shaw y LLP, que ocupa las plantas 31, 32 y 33.




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Museo Nemo (entrada y plazoleta) Ámsterdam, Países Bajos.

NEMO (museo). El Science Center Nemo es un centro de ciencias situado en Ámsterdam, Países Bajos. Está localizado en el Oosterdok en Amsterdam-Centrum, entre Oosterdokseiland y Kattenburg. El museo tiene sus orígenes en 1923, y desde 1997 está en un edificio diseñado por Renzo Piano. Tiene cinco plantas de exposiciones interactivas de ciencias y es el mayor centro de ciencias de los Países Bajos. Con más de 500 000 visitantes al año es el quinto museo más visitado de los Países Bajos.


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El edificio de NEMO, diseñado por Renzo Piano.

El museo tiene unos orígenes humildes en 1923 cuando el artista Herman Heijenbrock fundó el Museum van den Arbeid (en español Museo del Trabajo) en el Rozengracht, en Ámsterdam. En 1954 se cambió su nombre a Nint or Nederlands Instituut voor Nijverheid en Techniek (en español Instituto Holandés del Trabajo y la Tecnología), y en 1997 volvió a cambiar de nombre, en este caso newMetropolis. El nombre actual, Science Center Nemo, fue introducido en el 2000.


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Museum Nemo in Amsterdam by night




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Grattacielo Intesa Sanpaolo (en español, Rascacielos Intesa Sanpaolo) es un rascacielos situado en el barrio Cit Turin de Turín, Italia, que contiene la sede del banco Intesa Sanpaolo. Es el edificio más alto de Turín tras la Mole Antonelliana. El proyecto surgió por voluntad de Enrico Salza, antiguo Presidente del Consejo de Administración del grupo bancario turinés Sanpaolo IMI antes de que se fusionara con el milanés Banca Intesa. El proyecto se presentó al Ayuntamiento de Turín en noviembre de 2007.


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Tras divergencias internas del Ayuntamiento relativas a la altura del edificio y su cercanía al centro histórico de la ciudad, se modificó el proyecto, disminuyendo la altura de 200 a 167,25 m: 25 centímetros menos que la construcción más alta de la ciudad y símbolo de ella, la Mole Antonelliana.


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El Grattacielo San Paolo en construcción (diciembre de 2013).

Impacto. El proyecto, debido a que ha modificado inevitablemente el skyline de la ciudad, generó muchas polémicas y protestas y ha sido uno de los asuntos que ha dividido durante mucho tiempo la ciudad: se crearon asociaciones como "No Grat," con el lema Non grattiamo il cielo di Torino ("No rascamos el cielo de Turín"), y casi se llegó al referéndum popular. Las dimensiones de la parcela son de aproximadamente 160 × 45 m y está delimitada por Corso Inghilterra, Corso Vittorio Emanuele II, Via Cavalli y el parque público Nicola Grosa. Debía de haber tenido un edificio gemelo, el Grattacielo FS del complejo de la nueva estación de Porta Susa, al otro lado del Corso Inghilterra, pero su construcción ha sido aplazada varias veces.


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Las obras en agosto de 2014

Construcción. Tras algunos estudios geológicos realizados en 2007, las obras empezaron el 12 de diciembre de 2008. La primera fase del proyecto, concluida el 6 de junio de 2011, preveía la construcción de los cimientos del edificio y las seis plantas subterráneas con la técnica top-down.

La segunda fase de las obras, es decir, la construcción del rascacielos, empezó en verano de 2011. En febrero de 2012 se colocó la base (el techo del auditorio) y la primera planta de oficinas; un mes después el edificio superó la altura del Palazzo della Provincia.

En febrero de 2013 comenzaron las obras de revestimiento externo del rascacielos, con la construcción de las paredes y las fachadas de vidrio del edificio, que será el lugar de trabajo de más de dos mil empleados del banco.

En marzo de 2013 trabajaban en la construcción unas doscientos personas, de los cuales unos 140 obreros, 90 extranjeros y 50 italianos. El proyecto inicial preveía un presupuesto de 235 millones de euros y debía de ser inaugurado en 2011, pero los costes aumentaron y superaron los 300 millones de euros.1

En mayo de 2013 la estructura alcanzó su altura máxima con la culminación de los seis elementos portantes verticales de color blanco (las llamadas megacolumnas) que recorren toda la altura del edificio desde la base y se estrechan según se asciende (debido a que disminuye progresivamente la carga que debe sostener).


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A mediados de diciembre de 2014 empezaron los traslados de trabajadores y directivos del banco a su nueva sede, ya casi completa. La inauguración oficial se realizó el 10 de abril de 2015.



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Shard London Bridge, (en español: Esquirla - Puente de Londres) anteriormente conocido como London Bridge Tower, también conocido como el Shard of Glass, 32 London Bridge y The Shard, es un rascacielos construido en el distrito de Southwark en Londres, Reino Unido.1 Es el rascacielos más alto de la Unión Europea y hasta noviembre de 2012 fue el más alto Europa, cuando se completó la estructura de la Torre Ciudad Mercurio en Moscú, que mide 339 metros.2 3 Está ubicado en el mismo lugar donde se encontraban los edificios Southwark Towers, que fueron demolidos en 2006.


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La torre tiene 1 004 pies (306 m) de altura y 73 pisos. El edificio ha sido diseñado con una forma irregular triangular desde la base hasta la parte superior. Ha sido totalmente revestido en vidrio. En la última planta hay un mirador y una terraza al aire libre de observación abierta al público, previo pago de £29'90, desde el 1 de febrero de 2013. La estructura fue completada en abril 2012, y abrió las puertas al público el 5 de julio de 2012.


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El edificio es propiedad del Estado de Catar, que ha desembolsado el 95% de los 450 millones de libras que ha costado la construcción; su promoción está en manos de Sellar Property Group, Ltd. y los agentes contratados para la comercialización son Jones Lang LaSalle y Knight Frank.


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Vista de Shard London Bridge y su entorno.




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Theater am Potsdamer Platz ("Teatro de la Plaza Potsdam") es un teatro de Berlín.Diseñado por Renzo Piano se halla en la Plaza Marlene Dietrich de la capital alemana y fue inaugurado el 5 de junio de 1999. Con capacidad para 1,800 personas es el teatro más grande del país. Se utiliza para musicales, teatro, conciertos y es la sede oficial del Festival de Cine de Berlín.



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Weltstadthaus. Colonia, Alemania



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Cubierta vegetal del California Academy of Sciences, museo y lugar de investigación en San Francisco (California).



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Renzo Piano.



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado este trabajo recopilatorio dedicado al arquitecto italiano Renzo Piano, que alcanzó gran prestigio internacional, al combinar en sus edificios estructuras innovadoras con un original uso de los materiales y la preocupación por el entorno urbano. Fue ganador del Premio Pritzker en 1998.


Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, arquitectura.uia.mx, sanfrancisco.about, biografiasyvidas.com, taringa.net, panoramio.com, gutschow.wordpress.com, issnaf.org, businessweek, time, elmundo.es, elpais.com, anotherpartofme.com y otras de Internet.
 




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Gracias J.Luis por esta nueva galería de Renzo Piano. Me gustan sus obras.

Un Saludo.
 




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Xerbar Administrador del Foro.
 
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Post Re: RENZO PIANO 
 
Gracias xerbar, la verdad hasta el momento todos los arquitectos, que llevamos representados en la Galería, además de buenos arquitectos son grandes artistas.




Saludos.
 




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DISEÑADO POR RENZO PIANO


El museo más ecológico del mundo abre sus puertas en San Francisco


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Llamativa vista general de la Academia de las Ciencias de California. (Foto: EFE)

SAN FRANCISCO.- La Academia de las Ciencias de California (EEUU) ha inaugurado su nueva sede en San Francisco, un revolucionario edificio diseñado por el arquitecto italiano Renzo Piano, que ya se considera el museo más ecológico del mundo.

"Este museo es un regalo a nuestros hijos y a las próximas generaciones", dijo Piano durante la ceremonia de apertura. "Una herramienta para que la siguiente generación se enfrente al problema de que la Tierra necesita ayuda".

El arquitecto reconoció que se enamoró del proyecto en cuanto supo de él y que pasó largas horas sentado frente al lugar donde debía levantarse el museo, reflexionando sobre la mejor manera de incorporarlo al entorno del parque Golden Gate donde se encuentra.

El resultado es un elegante edificio de cristal y techo ondulado que parece haber crecido de forma natural en el suelo del parque.

En realidad, ésa era exactamente la intención de Piano. "Levanté el parque Golden Gate, puse el edificio debajo y coloqué de nuevo el césped encima", ha relatado el arquitecto.

Todo el tejado del edificio - una superficie ondulada de 10.000 metros cuadrados en homenaje a las colinas de San Francisco- está cubierto de plantas y flores autóctonas.

Césped en el techo para mantener fresco el edificio

Este "techo viviente" cumple la función de mantener fresco el interior del edificio, a la vez de recoger unos 13 millones de litros de agua al año que se reutiliza en gran parte para uso del museo.

En el interior, la temperatura es fresca pese al calor de la calle y sólo hay aire acondicionado en unas pocas zonas del edificio. "Se utilizan sistemas de ventilación que permiten la entrada y salida del aire", explicó Salvador Acevedo, un portavoz de la Academia.

En el techo de cristal, compuertas y cortinillas controladas con un sistema computerizado se abren y se cierran para mantener la temperatura adecuada dentro del recinto y facilitar el paso de la brisa del Pacífico.

> El reciclaje ha sido prioritario en el diseño, comentó Acevedo y, contó que, por ejemplo, se utilizaron pantalones vaqueros viejos para el aislamiento de los muros.

Además, el museo está rodeado de una marquesina de cristal en la que se han integrado células fotovoltaicas, "con las que el edificio genera un 15 por ciento de la energía eléctrica que consume".

El cristal es uno de los materiales principales en la estructura del luminoso museo y desde casi todos sus rincones se puede ver el parque que lo rodea. "Los museos de Ciencias Naturales suelen ser sitios oscuros, cerrados, con vitrinas llenas de cosas muertas y polvorientas...El propósito de este diseño es que se tratara de un edificio abierto a la naturaleza", dijo Acevedo.

La nueva sede de la Academia ha costado casi 500 millones de dólares (342 millones de euros). Se espera que se convierta en el primer museo en ganar la certificación LEED platino del US Green Building Council, que evalúa lo "verde" que son los edificios.

Acuario y arrecifes de coral

Desde primeras horas de la mañana, cientos de personas recorrían ya las instalaciones, que incluyen un impresionante acuario -centrado en las especies del norte de California y los arrecifes de coral filipinos- un planetario, una reproducción de un bosque tropical y una zona dedicada a África.

"Estamos esperando desde las 7.30 hora local de la mañana, dos horas antes de la apertura", contó Patricia González, una residente de San Francisco que visitó hoy la Academia con toda su familia. La primera persona en la fila llegó a las 5.30 de la madrugada.

El museo ha sido diseñado para investigar dos preguntas básicas: "¿cómo evolucionó la vida? y "¿cómo sobreviviremos?" e incluye exposiciones sobre los efectos del cambio climático en California y la evolución de las especies en Madagascar y las Islas Galápagos.

Para la Academia de las Ciencias de California, la evolución es "el concepto central de la biología". Sorprendentemente, un 38 por ciento de los estadounidenses preferirían que en las escuelas se explicara la teoría creacionista y no la de la evolución, según una encuesta de 2005.

"Nuestra institución está centrada en la vida, la ciencia y la evolución", dijo Greg Farrington, director ejecutivo de la Academia, al presentar hoy al arquitecto del edificio. "Renzo Piano es un ejemplo de que la evolución de las especies logra a veces enormes aciertos", añadió.


EL MUNDO
 




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La 'máquina leonardesca' de Renzo Piano exhibe las pinturas de Emilio Vedova


El invento robótico del célebre arquitecto, autor del Centro Pompidou de París, realiza exposiciones dinámicas y de fascinante coreografía - Una aplicación permite al comisario decidir el ritmo de exhibición de la obra


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Bolla Genoa - Biosfera by Renzo Piano

El arquitecto italiano Renzo Piano, autor del Centro Pompidou (París) y el Centro Paul Klee (Berna), acaba de entregar su último proyecto: la sede de la Fundación Emilio e Annabianca Vedova, ubicada en en uno de los nueve Magazzini del Sale, los almacenes portuarios donde antiguamente se almacenaba la sal en Venecia.

En vez de llevar a cabo una reestructuración más o menos discreta y respetuosa del espacio, donde el pintor Emilio Vedova (Venecia, 1919 - 2006) tuvo su taller, Piano ha concebido un aparato robótico original, que permite realizar exposiciones dinámicas, completamente inéditas.

La máquina leonardesca, tal y como la denomina el arquitecto, recoge las obras en el depósito y las presenta lentamente una tras otra, en una fascinante coreografía mecánica. Sus movimientos son fluidos, no hay tirones, ni ruidos y las luces envuelven las telas, creando fascinantes juegos de sombras e ilusiones visuales.

Diferentes alturas. El sistema concebido por Piano se usará con las pinturas de grandes dimensiones (superiores a dos metros por dos), la obra más numerosa e interesante de la producción pictórica de Vedova, liberándola así de la esclavitud de la pared. Colgadas de un mecanismo dotado de brazos móviles y orientables, las telas bajan de las antiguas cerchas de la nave (de más de 60 metros) y alcanzan su posición dominando el espacio desde diferentes alturas, bajo campo de luz concentrado que garantiza una perfecta iluminación.

Un software, creado para gestionar el sistema, permite al conservador o comisario -en este caso Germano Celant, uno de los más célebres profesionales italianos- decidir dónde, cómo y con qué ritmo quiere exhibir las obras, ofreciéndole la posibilidad de programar un numero infinito de escenarios, que son memorizados en la secuencia deseada.

El criterio expositivo, que se basa en la poética expresionista y la gestualidad automática y abstracta de Vedova, intenta replantear su universo de movimientos, objetos, desequilibrios y asimetrías. "El proyecto reconstruye el ritual íntimo y personal, en el cual un pintor lleva su obra al nivel público. Las pinturas se materializan delante de los visitantes como si, con nuevas manos y ningún esfuerzo, Vedova las pusiera en escena", explica Celant, director artístico de la Fundación.

El sistema permite contemplar contemporáneamente una docena de obras, que después del tiempo programado vuelven entre bastidores, dejando paso a una segunda serie y así hasta completar la selección archivada. En total la rotación permite activar tres series de veinte piezas por hora.

El archivo, colocado al fondo de la sala y suspendido del suelo, se mantiene visible, pero inalcanzable para el público. La idea de la Fundación Vedova es establecer unos ciclos expositivos que permitan consultar el arte de Vedova y ofrecer al público la posibilidad de entrar en contacto con las obras caminando entre ellas y sumergiéndose en un universo pictórico en continuo devenir.

"El comisario se convierte en un director de escena, del que depende el movimiento de las telas, la secuencia de su entrada, los intervalos y las posiciones en las que se colocan, según inclinaciones y niveles previamente programados", explica Piano. Gracias a la máquina, más adelante las pinturas de Vedova se exhibirán con obras de artistas de la misma y otras generaciones, para así activar nuevos diálogos artísticos.

Además el montaje prevé la exposición de esculturas y obras 3D, instaladas sobre estructuras horizontales, superpuestas al plano inclinado del suelo. Para las piezas de pequeño formato se usarán paredes móviles, que se dispondrán en los laterales de la sala.

"El sistema está pensado para ser dinámico y flexible, ligero y reversible, para que su impacto sobre la estructura monumental del edificio sea prácticamente nulo", asegura el arquitecto, que una semana antes de presentar la Fundación Vedova, inauguró con gran éxito la ampliación (Modern Wing) del Art Institute de Chicago.



Algunos datos de Renzo Piano:


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Renzo Piano, después de sus estudios de arquitectura en Florencia y Milán, ejerció la docencia desde 1965 a 1968 en el Politécnico de Milán. El padre tenía una empresa de construcciones en Génova donde pudo experimentar con proyectos y materiales, como por ejemplo cubiertas ligeras de plástico, como las que planteó después en el pabellón de la industria italiana de la Expo de Osaka, en 1970.
 
Hay que resaltar también los ensayos de Piano con edificios "adaptables", como la casa de Garrone (1969), construida y modificada por el propietario mismo. Mediante la enseñanza en el Politécnico y en la Architectural Associatión School de Londres, Piano estableció estrecho contacto con Richard Rogers. Algunos trabajos en común quedaron sólo en proyectos hasta que ganaron el concurso, en 1971, para la construcción del Centre National d´Art et de Culture Georges Pompidodou (1971-77) de París. En 1977 Piano abrió una oficina de Génova con el ingeniero Peter Rice. De allí salieron trabajos como la "Habitación-laboratorio" en Perugia (1979), así como el Museo de la Menil Collection en Houston, Texas (1981-1986). Un pabellón de deportes en Rávena (1986), un estadio en Bari (1987-90) y el Synchroton de Grenoble (1987) son algunos de los últimos trabajos de Piano.
 

EL PAÍS / arqhys
 




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Post Re: RENZO PIANO 
 
Como este trabajo -que realicé hace dos años- dedicado al gran arquitecto italiano Renzo Piano, ha recibido más de 27.000 visitas, lo cual agradezco. Por ese motivo me he permitido volver a editarlo y añadir algunas informaciones e imágenes de sus últimos proyectos.

Espero que gusten a los visitantes de esta sección del foro de xerbar.


 

Saludos.
 




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Post Re: RENZO PIANO 
 
Entrevista Renzo Piano


"El arquitecto siempre busca la Atlántida"

"Cuando estás con un nuevo proyecto siempre te acuerdas de una solución adoptada en el pasado, un error que evitas..."



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"Un arquitecto tiene que cultivar la absurda idea de que puede mejorar la realidad", señala Renzo Piano

El creador del Beaubourg de París sigue siendo uno de los arquitectos más activos, con proyectos en todo el mundo. Se considera "un artesano". "Mi trabajo se basa en la verdad", afirma
 
Su estudio es una caja de cristal en equilibrio entre mar y montaña. Descansa en la ladera de una colina, justo encima de la bahía de Punta Nave, unos 30 kilómetros al oeste de Génova. Se accede por un ascensor transparente que trepa a cielo abierto hasta la puerta. Los cincos niveles de este fortín de luz son un hervidero de gente reunida alrededor de diferentes mesas, examinando dibujos, escrutando maquetas o charlando en los pasillos con un rotulador entre los labios. Renzo Piano se para, asiente con la cabeza, se toca la barba meditativo, sonríe. Su estudio, el Renzo Piano Building Workshop, es uno de los más activos y laboriosos del mundo. En este momento cuenta con 27 obras en curso: desde el campus de la Columbia University hasta el Tower Bridge de Londres; de un monasterio de monjas en Ronchamp, Francia, a Gandía, Valencia, donde acaba de arrancar la calificación urbana del puerto. La Fundación ICO de Madrid le homenajeará con una retrospectiva a finales de septiembre. A sus 72 años -nació en Génova en 1937- parece inagotable. Salta de un rincón a otro del planeta, dividiéndose entre la sede italiana del RPBW, la de Nueva York y la más antigua, abierta en 1981 en París, donde vive. Luego controla las obras in situ, observa, come entre los andamios, habla con trabajadores y vecinos.


PREGUNTA. Usted prepara sus intervenciones como un buen reportero una pieza. En la calle.

RESPUESTA. No se puede ser arquitecto sin un perpetuo trabajo de investigación de la realidad. Sin la actitud continua y humilde de preguntar a las personas y a las cosas que viven en un lugar. Un edificio no es un ornamento, es algo que dialoga con su contexto. Hay que prestar atención a ese entorno. Tampoco se trata de una celebración narcisista: interpretas a una comunidad, no te citas a ti mismo. Es un pirateo, que recoge estímulos de cualquier cosa. Un robo constante, y muy peculiar: a rostro descubierto y mano desarmada, perpetrado con la honesta intención de devolver el botín en el futuro.

P. ¿Cómo se consigue?

R. La mía era una familia bastante humilde: mi padre, constructor; mi madre, ama de casa. Pero lograron inculcarme el germen de la curiosidad. Me obligaban a leer. Una lectura asidua te hace instintivamente curioso. Y sólo si te interesa el mundo puedes escucharle.

P. ¿El truco entonces está en su niñez?

R. No se me daba muy bien la escuela. Eso me ha permitido crecer con la idea de que tenía que aprender de los otros. Los empollones se forman pensando que son superiores, y acaban siendo arrogantes. Yo tenía la sensación inversa.

P. ¿El conflicto mundial afectó a su infancia?

R. Los que nacimos con la guerra y nos criamos en sus consecuencias somos hijos de un temporal. Venimos al mundo en medio del drama, de la tragedia, del miedo. Cuando llegó la paz, empezamos a notar pequeños cambios: las calles eran cada vez menos destartaladas, los edificios menos agujereados, la comida más sustanciosa, el coche de familia más grande... Día tras día, mejoraba la vida. Al final, se te pega una suerte de optimismo intrínseco. Más tarde, llegó la universidad, la Politécnica de Milán. Vivía compartiendo piso e ideas; trabajaba en la bodega del arquitecto Franco Albini y por la noche participaba en la ocupación de la facultad. ¡Aquellos debates infinitos! Teníamos la sensación de que podíamos cambiar el mundo.

P. ¿Sigue pensándolo?

R. ¡Claro que sí! Un arquitecto tiene que cultivar la absurda idea de que puede mejorar la realidad. El sueño es lo que te empuja.

P. Sin embargo, un edificio es algo con los pies bien plantados en la tierra...

R. El arquitecto sigue dos pulsiones. Si por un lado idealiza, por el otro atiende a la tierra. Estudia la luz, el viento, la geología, la tecnología. Mi trabajo se funda en la pura fuerza de la necesidad. Se basa en la verdad, que es la cosa más terca y cabezota que existe. Estamos todos allí anclados. Pero luego me abro a cualquier sugestión, porque si no te quedas aplastado. Es un trabajo divertido que te hace testigo activo del mundo.

P. Enzo Biagi [importante periodista italiano] decía: "El reportero debe ser testigo de su época".

R. Je, je, creo, sin embargo, que un arquitecto es una especie rara de reportero. Es alguien que se transforma en ciudadano del sitio que relata con su obra. Tardas años en terminar un proyecto y pasas en aquel lugar un tiempo muy dilatado, que no transcurre en superficie, sino en profundidad. Para construir en una ciudad, te vinculas a ella, te identificas con ella, acabas considerándote ciudadano suyo. Eres el prototipo del antiturista, una persona que vive su permanencia con ligereza.

P. ¿Logra ser turista a veces?

R. Sí. Detrás del timón de mi barco. En el mar, la esencia de la que participas es acuática. Tocas la tierra y ya te vuelves a ir. Estás de paso, capturas una impresión mutable, de navegador. Como arquitecto no puedo. Me obligo a entender los ritmos, los rituales, los sentimientos de un barrio, de su comunidad. Acabo siendo lo que hago. Entro en un rol. Como un actor. A Vittorio Gassman le gustaba repetirme que un actor es un mentiroso que, sin embargo, sabe decir las cosas con gran sinceridad. El arquitecto no es un mentiroso, pero debe poder reproducir lo que captura en una ciudad con extrema lealtad.

El arquitecto-actor genovés ha interpretado algunos de los lugares símbolos de la historia contemporánea. Aún joven, en 1971, con su compañero Richard Rogers, hizo planear en el centro de París un nuevo tipo de museo, aquel Beaubourg todo cristal, abierto a la ciudad, que rompió con la Academia más de cien mayos del 68. Él proyectó la Potsdamer Platz finalmente unificada, justo encima de la herida que había dividido el mundo en dos partes. La nueva sede de The New York Times fue el primer rascacielos construido en la Gran Manzana tras el 11-S. El año pasado inauguró la Modern Wing del Art Institute de Chicago, una gran alfombra voladora que cataliza el fervor cultural de una ciudad que se descubre orgullosa tras la elección de un ciudadano suyo a la Casa Blanca. La ecosostenible California Academy of Sciences de San Francisco, con su techo ondulado y verde, parece un himno a la naturaleza, cuando ésta se revela frágil y el hombre se pregunta cómo dejar de vulnerarla. En el trabajo de interpretación del mundo, Piano parece estar siempre en el lugar apropiado en el momento apropiado. Cuando se lo haces notar, rompe en una divertida carcajada. "He tenido suerte. El truco es no quitarte las antenas. Acabas siendo un sensor que capta las ondas emocionales y las necesidades de una comunidad".

P. ¿Qué era lo que captaba en Nueva York? Construir en ese momento fue una especie de psicoterapia colectiva.

R. Las personas necesitaban volver a confiar. Por eso nos decantamos por un edificio completamente de cristal, con un auditorio donde organizar eventos para los ciudadanos y una planta baja que es un continuo ir y venir de gente. La transparencia no te esconde y te deja ver el mundo, transmite seguridad y sentido de pertenencia.

P. ¿Y en Berlín?

R. Sentido de culpabilidad. Necesidad de inocencia. Ganas de olvidar, incapacidad de asumir una memoria tan dolorosa. Los berlineses son así: borrón y cuenta nueva. Lo habían tachado todo. En 1990, Potsdamer Platz era un desierto. Eso fue difícil.

P. Hubiera dicho que sería más fácil construir en la nada que en un contexto urbano ya muy denso.

R. Es un lugar común creer que sin pautas, en la más completa libertad, el creativo pueda expresarse mejor. Para no crear sólo objetos bonitos, necesitas una partitura, algo a lo que aferrarte. La fantasía es una cosa maravillosa. Como la mermelada: riquísima, pero no hay que abusar y resulta aún mejor encima de una buena rebanada de pan.

P. Sueño y realismo, mermelada y pan. ¿Así nace un proyecto?

R. La lentitud forma parte del proceso. Te reúnes con los que encargaron la obra, con quien va a usarla y con tus colegas. Debes dejar que los estímulos y la parte técnica conversen, fluyan, reposen.

P. ¿El trabajo de equipo ayuda?

R. Claro. Conmigo está gente desde hace 30 o 40 años. Nuestras reuniones parecen partidos de pimpón. Ni nos acordamos quién dice qué, lo nuestro es un proceso colectivo. Generamos tanta carga que luego basta un movimiento de la mano, una arruga en una hoja, para que nazca un boceto.

P. ¿Cómo es su relación con las obras acabadas?

R. Son tus criaturas, como los hijos. Aunque se hayan independizado, sigues preocupándote por ellas, te preguntas cómo están. Y además son tu memoria. Te dan coherencia. Cuando estás con un nuevo proyecto siempre te acuerdas de una solución adoptada en el pasado, un error que ahora evitas...

P. ¿Vuelve a visitarlas?

R. Claro. Por ejemplo, una vez al mes suelo comer en el Beaubourg. El día siguiente le envío al director una nota en plan: "La ventana de la tercera planta necesita reformas; la maceta de la sala tal está agrietada...". Pasaré por una madre ansiosa, pero éste es mi oficio.

P. Habla de arquitectura como oficio y no como arte.

R. Me da reparo usar esa palabra: arte. Es un concepto que se desvanece nada más pronunciarlo. Como si afirmara ser modesto. Al autoproclamarme tal, ya dejaría de serlo. No puedo definirme un artista. El arquitecto es un constructor, un artesano.

P. Pero lo que crea dura, como el arte.

R. La arquitectura dura porque es el oficio de hacer las ciudades. Y las urbes son longevas, igual que una buena sinfonía. Mi amigo Luciano Berio decía que música y arquitectura viven de tiempos largos como los ríos, las montañas o los bosques.

P. Y cambian la realidad...

R. El arquitecto siempre busca la Atlántida. La arquitectura es sueño.


EL PAÍS
 




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Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

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Entrevista de elpais.com a RENZO PIANO Arquitecto



"Me costó aprender que el arte mejora a la gente"  


El congreso Arquitectura: más por menos se celebra en Pamplona

"Los arquitectos debemos ser constructores, sociólogos y poetas"




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Renzo Piano durante un descanso del congreso Arquitectura; más por menos.

El ex ministro Carlos Solchaga fue el encargado de presentar a Renzo Piano en el congreso Arquitectura: más por menos, que se celebra hasta mañana en el Baluarte de Pamplona. Le puso dos peros a la carrera del Pritzker italiano: sus obras en Berlín (en la Postdamer Platz) y Lyon, "tal vez desafíos demasiado grandes, pero Renzo sigue trabajando". El autor del Pompidou, fiel a su fama de proyectista elegante, no le puso ningún pero al político.

Pregunta. Este congreso quiere ofrecer más por menos. ¿Por qué no lo hicieron antes?

Respuesta. Es oportuno ahora, pero debería darse por hecho. Es una necesidad y una obligación. La buena arquitectura siempre da mucho. Va en el estómago de algunos arquitectos. Pero hoy es un grito de alarma: la Tierra no puede continuar así.

P. Muchos de los arquitectos del congreso han formado parte de ese mundo creador de una arquitectura espectacular. ¿Cómo van a liderar lo contrario?

R. Uno aprende al hacer. Debo ser honesto: cuando construimos el Pompidou sabíamos mucho de revueltas estudiantiles, pero no habíamos construido ningún edificio que hubiera durado más de seis meses. Mi única idea era aligerar la arquitectura, restar. Pero que tuviera 33 años cuando firmé el Pompidou no quiere decir que fuera insensible. No creo que Jacques Herzog, por ejemplo, sea un cínico. Yo soy genovés. Y el lema de mi ciudad es que allí todo se reutiliza. Nada se tira.

P. Los museos han sido protagonistas del espectáculo arquitectónico de la última década. Y buena parte de su obra son museos.

R. Estoy convencido de que un buen edificio es como un fertilizante para la ciudad: la mejora. Y un museo parte de esa premisa que a mí me costó aprender: que el arte mejora a la gente.

P. ¿Cómo nos mejora?

R. Permite entrar en un mundo de pocas certezas.

P. La arquitectura más espectacular parece tener pocas dudas.

R. Muchos edificios olvidan su papel social, y eso es traicionar parte de la complejidad de la arquitectura. Pero no quisiera ser moralista. La diferencia no está entre el arte y la arquitectura y los artistas y los arquitectos. La diferencia está entre lo bueno y lo malo. No hay más.

P. Es de los pocos arquitectos globales que no construye en China. ¿Motivos éticos?

R. No he construido en muchos otros sitios. China es un gran país. He tenido ofertas para construir, pero me gusta llegar hasta el final. No soy tan bueno como para vender el diseño de un edificio y luego desentenderme de su construcción.

P. Otros arquitectos lo hacen.

R. Fui muy amigo de Aldo Rossi. Él me repetía que no debía preocuparme por la construcción, que era algo banal. Él creía en las ideas y en el simbolismo, yo soy hijo de constructor y siempre he creído en la construcción.

P. En su trayectoria conviven la experimentación del Museo Klee o el Pompidou con el encaje urbano de Postdamer o del edificio del New York Times en Manhattan. ¿La arquitectura necesita esos dos lados?

R. La arquitectura es a la vez el arte de hacer edificios sólidos y permanentes para la gente y el arte de soñar con mejores ciudades. Las ciudades y los edificios deben entender a la gente, si no son fallidos. Pero hay más. Yo aprendí tarde que el objetivo de la arquitectura es el arte.

P. ¿Cómo lo aprendió?

R. La belleza me intimida y la rechazaba. Me parecía una concesión, algo formal, elitista. Y era por una cuestión de educación, claro. Cuando de niño iba a las obras con mi padre me parecía que la arquitectura era construcción. Así de simple y sin dudar. Luego, cuando estudié, pensé que era política, un arte social. De nuevo, lo creí sin dudar. Hoy dudo de todo, pero creo que la parte artística es fundamental porque el arte mejora al ser humano. Un lugar pensado para la gente hace mejor a la gente. Eso obliga a que los arquitectos nos desdoblemos. Debemos ser constructores, sociólogos y poetas.

P. ¿Consiguen ser poetas?

R. Sin sensibilidad y sin poesía no hay arquitectura. Hoy hay estudiantes de 18 años que ya creen saber lo que es la arquitectura. Eso da miedo.

P. Los jóvenes no quieren más espectáculo. Vuelven a querer salvar al mundo.

R. Eso es exactamente lo que debes desear con 18 años. El arte de hacer edificios como esculturas está desapareciendo. Pero volverá. La arquitectura es una línea recta y la moda es una mala hierba.


Diálogo de 'pritzkers'

Reunión de premios Pritzker en Pamplona. Y de jurados del Pritzker. Alejandro Aravena y Carlos Jiménez acompañaron ayer a Jacques Herzog, Renzo Piano y Glenn Murcutt en el congreso organizado por la Fundación Arquitectura y Sociedad que preside Carlos Solchaga. En el diálogo de pritzkers ganó el australiano Murcutt. "¿Cuánta gente trabaja para ti, Jacques?", "400". "¿Renzo?", "140". "Yo estoy solo. Y vengo a decirles a los jóvenes que se puede ser arquitecto de otra manera. Hace 40 años me vaticinaron que no sobreviviría sin crecer. Hoy puedo decirles que hay futuro más allá de los grandes proyectos".

Entre discusiones sobre si es más importante la belleza o la sostenibilidad, algunos de los reunidos hasta el viernes tienen mucho que decir. Nadie habla tanto de números como el chileno Aravena, el pariente pobre del grupo y uno de los más brillantes. Su estudio, Elemental, recibió el encargo de reconstruir la ciudad de Constitución. En un día llevaron el agua rodando, en neumáticos. En una semana levantaron viviendas de emergencia de construcción incremental. En 90 días han redibujado la ciudad a prueba de tsunamis: se acabó la costa para el sol. Plantando un bosque capaz de disipar la energía de un maremoto y sembrando el sotobosque de suelos rugosos, la ciudad está todo lo preparada que se puede estar frente a un tsunami.


EL PAÍS
 




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Nuevo icono en el horizonte de Santander


El Centro de Arte Botín será la primera obra diseñada en España por el arquitecto italiano Renzo Piano   



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Una imagen virtual del nuevo Centro de Arte Botín desde Santander.

Luz, agua, magia, poesía. Son los elementos con los que jugará el creador genovés Renzo Piano, premio Pritzker de arquitectura, para dar forma al Centro de Arte Botín, un ambicioso proyecto que quiere ser referencia mundial y pionero en la formación de la creatividad a través del arte. Una gran galería abierta a las diferentes tendencias y expresiones artísticas y un vivero humano de talentos. "Será un centro verdaderamente global y local al mismo tiempo, pensado para que lo disfruten los de aquí pero que traerá el arte de todo el mundo a Santander", anuncia Emilio Botín, quien presentó la nueva criatura de la Fundación Botín junto a Renzo Piano. El presidente del Banco Santander auguró que el nuevo centro "tendrá un efecto económico muy positivo y atraerá turismo de calidad a la región".

El Centro de Arte Botín ocupará un terreno público al borde de la bahía de Santander, que será gestionado en régimen de concesión durante un máximo de 52 años por la Fundación Botín. Esta invertirá 62 millones de euros en la construcción del centro y aportará además siete millones anuales "para asegurar una programación artística de primer nivel".

El lugar es un terreno portuario, ahora ocupado por un aparcamiento, que cobrará una nueva dimensión y se adentrará en el mar. Dos edificios, como largos brazos, tocarán el mar y prolongarán el cuerpo de la ciudad frente a la costa. El conjunto estará suspendido en el aire por solo ocho columnas de acero para no quitar vistas; los materiales constructivos elegidos, así como el juego de luces y sombras provocado por el reflejo del agua, producirán un efecto óptico de transparencia,

Una rampa saldrá de los Jardines de Pereda y avanzará entre los árboles para formar al borde del mar la Plaza de Arriba. Se creará un trampolín que permitirá a los paseantes volar sobre el agua a siete metros de altura. Al este y al oeste de la Plaza de Arriba se alzarán los dos volúmenes del centro (uno dedicado a la cultura y otro a la educación), y ninguno superará los 20 metros, la altura de los árboles de alrededor. El tejado estará compuesto de cuatro capas diferentes, que permitirán controlar la entrada directa del sol.

Debajo del edificio del ala este se situará otro pequeño, totalmente acristalado, que acogerá la entrada principal, además de un restaurante y una tienda. La superficie total del centro serán 6.000 metros cuadrados, de los que 2.500 estarán dedicados a lagalería de arte y 600 serán espacios multifuncionales y de talleres.

El auditorio será un espacio multiusos, donde se desarrollarán conferencias, conciertos, ciclos de cine y distintos eventos. Dispondrá de 300 asientos retráctiles y los espectadores se asomarán a la bahía santanderina a través de un ventanal de más de 200 metros cuadrados que podrá abrirse completamente.

Es un elemento más de la magia paisajística que pretende provocar Renzo Piano. Y el verdor norteño se incentivará. Tras las obras, el nuevo parque y paseo marítimo constarán de 16.750 metros cuadrados. Este proyecto, que será parte del patrimonio urbano cántabro e internacional en 2014, es la primera obra que firma en España Renzo Piano, responsable de obras como el Centro Pompidou en París o el aeropuerto internacional de Kansai en Osaka.

La Fundación Botín, creada en 1964, suma esta iniciativa a su trayectoria de apoyo a la investigación y divulgación en las artes plásticas. El centro impartirá cursos y talleres de creatividad, que serán llevados a cabo por la Plataforma Botín para la Innovación en Educación, con la colaboración de expertos internacionales. Para la programación artística del nuevo centro de Santander contará con una comisión presidida por Vicente Todolí, ex director de la New Tate de Londres, en la que también estarán expertos como Udo Kittelmann, Manuela Mena, María José Salazar y Paloma Botín.


elpai.com
 




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Post Re: RENZO PIANO 
 
Renzo Piano modifica el Centro Botín de Santander previsto para 2014



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Recreación del futuro Centro de Arte Botín de Santander.
 
El Centro Botín de Santander, el primer edificio del arquitecto Renzo Piano en España, estará unido a la ciudad a través de un gran parque público de casi 48.000 metros cuadrados que llegará hasta el mar y bajo el que se construirá un túnel para eliminar la barrera del tráfico.

El italiano ha desplazado además el edificio 100 metros para que no sea necesario mover la Grúa de Piedra, uno de los símbolos de Santander y su bahía, porque entiende que es una "referencia para la ciudad" y que mantenerla en su lugar "tiene sentido".

El arquitecto italiano ha presentado hoy en rueda de prensa el proyecto definitivo del Centro Botín, que empezará a construirse en junio de 2012 y cuya finalización está prevista para el 1 de junio de 2014. La inclusión del túnel, de 200 metros, para eliminar el tráfico, encarecerá en 15 millones de euros la construcción del centro, que costará 77 millones, aportados íntegramente por la Fundación Botín, según ha anunciado su presidente, Emilio Botín.

Se estrenará en 2014
"Estoy seguro de que los santanderinos terminarán amando este edificio", ha dicho Renzo Piano cuando ha sido preguntado por las críticas ciudadanas a la ubicación del centro que, en su opinión, no puede hacerse en otro sitio. El arquitecto genovés ha seguido trabajando en el proyecto que presentó públicamente en septiembre y que, en su opinión, "fallaba", hasta que aceptó que era necesario eliminar la barrera del tráfico entre la ciudad y el nuevo espacio 'mágico' que estrenará Santander en 2014.

Desde su idea inicial hasta la definitiva -un proceso que ilustran las quince maquetas que hoy se exhibían en la Fundación Botín- el centro ha ido reduciendo su tamaño para que no sea un edificio "arrogante", sino "silencioso" y "orgánico". Estará recubierto de "miles y miles" de piezas de cerámica como "una especie de piel" con un efecto "vibrante". La idea es que esas placas recojan el brillo de la luz del norte sobre las olas.

Esa solución, ha apuntado, es la característica que diferencia este primer diseño en España de Piano del resto de los edificios que ha creado el autor del Centro Pompidou de París.

Arte y educación unidos
"El Centro de Arte Botín vuela y no es una metáfora", ha subrayado Piano, quien ha explicado que el edificio se levantará sobre columnas que, a su modo de ver, son como los troncos de los árboles del parque que ha proyectado. Ese parque casi duplicará la superficie actual de los Jardines de Pereda, cuya esencia se respetará porque forman parte de la memoria y el patrimonio histórico de la ciudad, ha destacado.

El centro es en realidad la suma de dos edificios, unidos por una pasarela que vuela sobre el mar. El situado al este estará dedicado al arte e incluirá salas de exhibiciones en dos plantes diferenciadas mientras que el del oeste se destinará a la educación, con un auditorio circular preparado para albergar múltiples actividades y un espacio multifuncional.

Para el presidente del Banco Santander, el proyecto que se ha presentado hoy es "sin duda, el mejor para la ciudad", fruto de la reflexión y de la forma en que Piano ha sabido "escuchar y conocer a la ciudad y a sus habitantes".


elmundo.es
 




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Post Re: RENZO PIANO 
 
Santander persigue el ‘efecto Guggenheim’


Renzo Piano explica su proyecto para el Centro Botín, un edificio para la cultura que cambiará la fisonomía urbana de la ciudad y que ya es objeto de controversia


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Recreación virtual de la primera línea de mar de Santander, con el futuro Centro Botín al fondo. / FUNDACIÓN BOTÍN

El cielo gris que ayer cubría Santander es para el arquitecto genovés Renzo Piano el manto perfecto para el futuro Centro Botín. Diseñado por él, el edificio cambiará sustancialmente la fisonomía de esta ciudad inequívocamente norteña, que gracias a esa luz plata (“muy sutil, que llega del lugar adecuado: el sur”) lucirá con todo su “generoso” esplendor. “Porque ya no es el tiempo para los excesos ni para la retórica en la arquitectura”, dice Piano. “Esta crisis es mala para los hombres pero buena para las construcciones, las volverá más morales, más sabias y más honestas”.

El edificio será una estructura voladiza que literalmente se suspenderá en el aire para abrirse al mar y estará recubierto de 360.000 piezas de cerámica de un color perla nacarado. Para su creador, una obra alejada de cualquier arrogancia. “No es un edificio de grandes dimensiones”, afirmó Piano durante una conversación con EL PAÍS, “su tamaño y presupuesto son pequeños, lo importante es su intensidad, su tensión, su poesía”.

Maestro de la clase de materiales que no se compran, esa luz y el agua que penetran con la parsimonia de una laguna en la bahía son los dos elementos que han condicionado la obra de Piano. La cerámica fue una decisión de última hora, tras descartar el cemento y el metal: “Es un material tradicional que envejece maravillosamente”. El arquitecto italiano explicaba estos detalles ayer, durante una comida con un grupo de periodistas para desentrañar más en detalle el proyecto. Y después de que Emilio Botín, presidente de la Fundación Botín, expusiera de una manera algo más ruda, sin echar mano de sutiles metáforas medioambientales, los datos que acompañarán a la ejecución de este proyecto: costará 77 millones de euros, se construirá en 20 meses, creará 1.400 puestos de trabajo, se invertirá un presupuesto anual de más de 12 millones, y recibirá, según las estimaciones de sus impulsores, en torno a 200.000 visitantes al año.

“Es nuestro proyecto más social, el que tiene más capacidad de crear riqueza cultural y económica”, señaló el banquero con cierto orgullo, mientras una docena de manifestantes de la plataforma DEBA en defensa de la Bahía de Santander reclamaban atención a lo lejos con una pitada y una cacerolada que acompañó al acto de apertura de las obras.


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El arquitecto Renzo Piano, ayer en Santander mientras explicaba el proyecto del Centro Botín. / PABLO HOJAS


La obra será una estructura voladiza suspendida en el aire y abierta al mar

En los últimos meses las quejas de los vecinos de la ciudad han modificado el proyecto en dos aspectos importantes. Por un lado, se ha desplazado el edificio para respetar la ubicación de la Grúa de Piedra, todo un icono del puerto de la ciudad que en un principio se iba a cambiar de lugar. Por el otro, no será un puente el elemento que comunique el centro y el puerto, sino un túnel subterráneo que enterrará el tráfico de la zona y permitirá el desarrollo de un nuevo parque en la ciudad.

Estos cambios no son para Piano concesiones, sino que forman parte del pulso lógico que enfrenta a todo arquitecto con las ciudades en las que proyecta sus ideas. Hijo de un constructor del que probablemente heredó el pragmatismo, Renzo Piano, que se declara también descendiente de las ensoñaciones industriales del diseñador y arquitecto francés Jean Prouvé, capea con firmeza los temporales: “Crecí en los sesenta. Estoy acostumbrado al ruido y a la polémica. Necesitamos debates, aunque sean irritantes, o mejor aún si lo son. Aunque no creo en los enfrentamientos, sí creo en las discusiones. Yo he escuchado las voces de todos los ciudadanos, y no solo las de los que gritan. Todas las ideas eran importantes pero escuchar no significa obedecer. Finalmente, uno debe hacer lo que cree que debe hacer. Los cambios que hemos hecho son buenos para todos”.

Persiguiendo el efecto Bilbao y sumándose a ese eje de arquitectura que hoy conforman el Kursaal de San Sebastián, de Rafael Moneo, el Centro Niemeyer de Avilés, de Oscar Niemeyer, y el Guggenheim Bilbao, de Frank Gehry, el futuro Centro Botín pretende poner a Santander en ese mapa de ciudades abiertas al futuro y a la vanguardia estética. Piano, que en los años setenta logró que el Centro Pompidou de París, creado junto a Richard Rogers, cambiara los usos y costumbres de los centros de arte, asegura que para él esto no es una competición: “Aquí nadie piensa en ser mejor que nadie sino en hacer un buen y bello edificio. No hay competición, solo lealtad a lo que uno hace”.

Defensor de la arquitectura como arte público, sin valor alguno si la gente no lo integra a su vida y en sus emociones, para Piano (cuya Torre Shard en Londres, la más alta de Europa, también ha resultado una copiosa fuente de polémicas) todo edificio es un relato: “Ser arquitecto es una profesión peligrosa, los errores están ahí para quedarse, pero hay que asumir riesgos. Los edificios son como hijos, hay que esperar a que echen a andar para saber qué será de ellos, para saber si finalmente serán aceptados. Al principio, las ciudades se resisten a los cambios, pero toda ciudad es una gran invención y yo estoy aquí para buscar historias nuevas y diferentes, no para repetir siempre el mismo cuento”.


elpais.com
 




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Post Re: RENZO PIANO 
 
La torre Shard en Londres de Renzo Piano ya es el techo Europa


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The Shard London Bridge under construction but topped out - May 2012

El Shard London Bridge, (en español: Esquirla - Puente de Londres) anteriormente conocido como London Bridge Tower, también conocido como el Shard of Glass, 32 London Bridge y The Shard, es un rascacielos construido en el distrito de Southwark en Londres, Reino Unido. Es el rascacielos más alto de la Unión Europea y hasta noviembre de 2012 fue el más alto Europa, cuando se completó la estructura de la Torre Ciudad Mercurio en Moscú, que mide 339 metros. Está ubicado en el mismo lugar donde se encontraban los edificios Southwark Towers, que fueron demolidos en 2006.

La torre tiene 1017 pies (310 metros) de altura y 72 pisos, además de 15 plantas radiador adicional en el techo. El edificio ha sido diseñado con una forma irregular triangular desde la base hasta la parte superior. Ha sido totalmente revestido en vidrio. En la última planta (72) hay un mirador y una terraza al aire libre de observación. La estructura fue completada en abril 2012, y abrió las puertas al público el 5 de julio de 2012.

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es.wikipedia.org
 




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Post Re: RENZO PIANO 
 
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El 5 de Julio de 2012 se inauguró en Londres la torre Shard, un monstruo cónico de acero y vidrio, proyectado por Renzo Piano y pagado por unos inversores de Qatar. El estilete de 310 metros es ahora mismo el edificio más alto de Europa, pero su reinado será corto: hasta finales de año, cuando se culmine la Torre Ciudad Mercurio, de Moscú, con 332 metros.

Hace siglos que el hombre se empeña en querer tocar el cielo. Construye gigantes para poderse encaramar a sus hombros y sentirse importante. Aunque el fanatismo religioso hundió las Torres Gemelas, el castigo divino de la torre de Babel ya no da miedo. El cemento es lengua universal. Manda la economía y cada metro hacia arriba es una demostración de músculo y poder. No todo el mundo puede transformar el skyline de una ciudad. Quizá deberíamos ver la conquista del cielo como una nueva carrera espacial. Con la gravedad a favor, los rascacielos y torres son como cohetes que van subiendo, pero nunca despegarán de la tierra.


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Ahora la historia de esta quimera tan fascinante se puede reseguir —a escala humana— en una exposición muy bien argumentada del Caixaforum: Torres y rascacielos. De Babel a Dubai. Partiendo de la leyenda de la torre de Babel, tal como la pintó Bureghel el Viejo, el visitante sigue los intentos de la arquitectura para trepar cada vez más alto: de las catedrales medievales a las torres de defensa o celebración, como la Torre Eiffel; de la edad de oro de los rascacielos americanos —el Flatiron, el Empire State, el Chrysler— a los proyectos visionarios y no realizados de Adolf Loos o Mies van der Rohe, o a los delirios de grandeza que hoy convocan los petrodólares de Oriente.

Las maquetas de los edificios que se exponen tienen un gran poder de atracción: te las llevarías a casa. Las fotos de las construcciones y las palabras de los arquitectos parecen un relato onírico. Si el inicio con la torre de Babel es fantasioso, el final resulta igualmente irreal: en la actualidad la torre más alta del mundo es la Burj Khalifa, en Dubai, 828 metros imposibles de comprender. Incluso la maqueta da vértigo.


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La torre Shard, que se inauguró el pasado 5 de Julio de 2012 en Londres, es el edificio más alto de Europa, con una altura de 310 metros. El nuevo edificio londinense superará por 8 metros al hasta entonces edificio más alto europeo, que era la Torre Moscú de la misma ciudad rusa. El mayor rascacielos del mundo, el Burj Khalifa de Dubái inaugurado en enero de 2010, tiene 828 metros, con 200 plantas, de las cuales 160 habitables.



Publicado por El Periódico, 7 de julio del 2012.
 




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Post Re: RENZO PIANO 
 
El techo de Europa


Un nuevo icono está a punto de transformar el perfil de Londres.

Así es la Torre Shard, el rascacielos más alto de la Unión Europea, obra de Renzo Piano, con 87 plantas y 310 metros de altura.



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El pico de Londres. Está claro que el nuevo rascacielos cambia el contexto y, consecuentemente, alterará la historia de la ciudad. Esa altura, en esa céntrica ubicación, aspira a disparar el distrito de Southwark hacia una transformación.

El 1 de febrero será posible subir hasta el mirador que corona The Shard. El rascacielos más alto de Europa se parece, como su nombre indica, a una astilla, y aunque la torre Mercury de Moscú amenaza con superar los 310 metros del edificio londinense de Renzo Piano, este representa mucho más que un récord de altura. Sintetiza la apuesta por extender la City –el barrio que concentra las sedes empresariales de la capital británica– a la hasta hace poco degradada orilla sur del Támesis. Supone el asentamiento de la financiación de Catar entre los símbolos británicos (los cataríes ya son dueños de los almacenes Harrods y acaban de comprar la villa olímpica). La torre evidencia también la decisión de densificar el centro de las ciudades frente a la posibilidad de crecer por la periferia y confirma, además, que en los rascacielos del futuro el valor artístico ganará fuerza y peso: las cajas ya no sirven.


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Los faros de la metrópoli. The Shard, en primer término, se une a otros iconos de Londres, como la noria del London Eye o el Parlamento con el Big Ben, iluminados en esta vista panorámica.

Cuando, el pasado julio, el príncipe Andrés, el primer ministro catarí y el alcalde de Londres celebraron públicamente la culminación del edificio y el final de la construcción de su fachada, 30 cañones láser dispararon sus rayos de luz hacia otros iconos de la capital británica. Merece la pena recordar ese momento. Las luces alcanzaron la noria del London Eye, un mirador que nació para tener una vida breve –celebrar el cambio de milenio– y que, sin embargo, permanece amarrado a la orilla sur del Támesis, frente al Parlamento, y convertido en uno de los nuevos símbolos de la ciudad. La luz también llegó hasta la catedral de San Pablo y, tras sobrepasarla, alcanzó el rascacielos con forma de torpedo conocido como The Gherkin (el pepinillo) que Norman Foster ideó para una aseguradora suiza. Luz verde bañó una vecina histórica al otro lado del río, la Torre de Londres, la fortaleza normanda que pasó de ser un símbolo de la opresión de la élite gobernante a convertirse en prisión y que hoy custodia las joyas de la corona. Sin embargo, el viejo Big Ben quedó a oscuras. Nadie se acordó del reloj del Parlamento británico, que encierra la campana más famosa del mundo (la que le da nombre). El antiguo símbolo de la ciudad perdió protagonismo. La torre de Charles Barry había dejado de ser grande.

Para el alcalde es “un símbolo del empeño para vencer la recesión”

Está claro que el nuevo rascacielos cambia el contexto y, consecuentemente, alterará la historia de la ciudad. Esa altura, en esa céntrica ubicación, aspira a disparar el distrito de Southwark hacia una transformación. Pero su construcción no refleja solo esa voluntad de cambio. “Será tan esencial subir al Shard al visitar Londres como lo es ascender hasta la cima del Empire State cuando se llega a Nueva York”. El promotor Irvine Sellar lleva doce años publicitando esa idea que hoy, finalmente, resulta plausible. Cambiar el rostro de una ciudad, algo que durante siglos ha sido cuestión de tiempo, hoy parece ser, en el mejor de los casos, cuestión de fe. Los promotores aprenden a creer en lo que no existe. Y evangelizan con esa nada. Desde la obsesión repiten hasta contagiarla su visión futurista para conseguir valores intangibles como la credibilidad y la confianza, y bienes muy concretos, como inversores, permisos y dinero. Todo eso lo logran a partir del escurridizo patrimonio de una idea.


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Una atalaya única. Con su apariencia de astilla de hielo y su triple capa de vidrio para facilitar la climatización, la torre de Renzo Piano ofrecerá acceso al público a un mirador privilegiado desde el piso 80.

Tras abandonar el colegio con 16 años para trabajar en la tienda de guantes de su padre, Sellar se hizo millonario con una idea: pasar de vender ropa en los mercadillos a hacerlo en Carnaby Street. Para levantar la mayor torre de Europa, también tuvo una idea sorprendentemente sencilla. Se trataba de pasar del tren a la mesa de trabajo en cuestión de minutos. Esa posibilidad no dependía de la forma de un edificio, sino de que este se ubicara junto a la estación de London Bridge, que combina metro y tren de cercanías, y que, según un estudio del Ayuntamiento de la ciudad, vomita más de 150.000 pasajeros –en hora punta– frente al corazón de los negocios británicos. La baza era la de la proximidad. Con ella, los ciudadanos ganaban comodidad y tiempo libre, y la ciudad perdía contaminación, ruido y miles de coches circulando por sus calles. A Sellar le faltaba encontrar un rostro para su idea, un arquitecto que diera credibilidad al nuevo inmueble. Era importante afinar en la elección. Tras la burbuja inmobiliaria, los rascacielos impenetrables han perdido el favor de las empresas y los ayuntamientos. Es cierto que las fachadas son hoy más ambiguas que nunca, pero también lo es que ahora suman árboles, terrazas y acceso público al programa para hacer creíbles los edificios. Tras un primer intento de levantar un diseño de la firma británica Broadway Malyan que fue demonizado por la prensa, Sellar no podía volver a equivocarse.


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De Dickens al futurismo. El edificio continúa la reconversión del distrito de Southwark, que hasta hace poco recordaba a Dickens.

Así, encontró en la calidad y la experiencia de Renzo Piano un caballo ganador. Fue Piano quien decidió el programa de la torre: propuso mezclar oficinas con tiendas, un hotel y restaurantes. También insistió el genovés en que el lugar más alto de Londres, la cima del rascacielos, debía tener acceso público. El autor del Pompidou llegó incluso a bautizar el inmueble. Sucedió durante una rueda de prensa, cuando describió su torre como una “astilla de hielo”. El hielo, la frialdad del edificio, se ha ido derritiendo, pero la astilla permanece. Hoy Piano asegura que la torre más alta de Europa no es un edificio agresivo. “No busca ser el rostro del poder. Quiere celebrar el cambio, la necesidad de transformar las ciudades para que estas sigan siendo habitables por muchas personas”.

Solo tiene 48 plazas de garaje para invitar al uso del tren o el metro

El rascacielos que asciende sobre la estación de London Bridge es, efectivamente, cambiante. Su fachada de vidrio, de tres capas para evitar el exceso de soleamiento y la fuga de calor, permite el paso de la luz natural. Refleja a sus vecinos en la base y se vuelve azul, o blanca, cuando alcanza mayor altura. El cristal es un punto fuerte en la sostenibilidad del inmueble, a la que contribuyen las placas fotovoltaicas, que reducen en un 45% las emisiones derivadas del consumo energético, y el hecho de que el 20% del acero empleado en la estructura sea reciclado. Pero donde realmente radica la sostenibilidad del proyecto es en su aparcamiento: apenas existe. Esta torre de 87 pisos solo tiene 48 plazas de garaje. Eso da sentido a la idea original defendida por Sellar. Significa que, efectivamente, las 12.000 personas que trabajen allí –cuando las oficinas se alquilen– pasarán del tren, o del metro que llega hasta los cimientos, a la mesa en cuestión de minutos.


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Los responsables. Renzo Piano (izquierda), junto al promotor, Irvine Sellar.

Llueve en Londres y la enorme fachada de vidrio –equivalente a la superficie de ocho campos de fútbol– no refleja ni el movimiento de las nubes ni el ajetreo de la gente en la ciudad. La niebla y el agua confieren a la torre un color indefinido que puede resultar gélido, el hielo del que hablaba Piano. Tal vez por eso los promotores han querido caldear el ambiente, acercarse a la gente y hablarle al barrio nada más llegar. Así, el pasado 6 de julio, Jahden Grant, Isa Mitchell y Thomas Brady fueron los primeros niños en tener Londres a sus pies. Los chavales, de 11 años, ganaron el concurso que invitaba a dibujar el nuevo edificio. Subieron hasta el piso 80 y la prensa retrató el momento. Los periódicos también destacaron que a los futuros visitantes les costaría 25 libras esterlinas (algo más de 30 euros) contemplar las vistas que habían dejado boquiabiertos a los niños; finalmente, el techo de Londres no sería tan público.


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Urbes densas y habitables. Sobre este rascacielos, de propiedad catarí, el arquitecto explica: “No busca ser el rostro del poder. Quiere celebrar el cambio, la necesidad de transformar las ciudades”.

Sin embargo, en septiembre, un amigo especial de Sellar, el príncipe Andrés, le echó un capote a la popularidad de la torre retratándose junto a ella. Con todo, resultó chocante el modo en que lo hizo. Ataviado con un traje de alpinista y atado a un arnés, el duque de York aparecía en las fotografías colgado del mirador. Había elegido para el descenso una de las vías más complicadas: la resbaladiza fachada de vidrio. Su alteza real salió del piso 87 y llegó al 20 con la compañía de otros 28 intrépidos benefactores que perseguían donaciones para sufragar, entre otras cosas, a la Marina. Recaudaron casi un millón de euros, The Shard se hizo con una tarjeta de presentación impagable, y la familia real, con un sorprendente paso más en su esfuerzo por tratar de mantenerse, a la vez, inalcanzable y cercana. Al terminar, el duque admitió haber pasado mucho miedo y declaró que jamás volvería a hacer algo parecido.

"Es insostenible seguir construyendo en la periferia", afirma Renzo Piano

Pero lo había hecho en la nueva torre. Contemplar cómo un príncipe se jugaba la vida congregó a 700 vecinos a los pies, todavía de barro, del coloso. Y encendió una luz sobre el edificio para quienes todavía no lo habían visto. Puede que fuera la altura sin rival la que propiciara la hazaña. Esos 310 metros y la ubicación junto a la estación son, para Sellar, la mejor baza del nuevo edificio. Sin embargo, el alcalde, Boris Johnson, ve el mismo rascacielos con otra lente. Lo califica de “símbolo del empeño de la ciudad para vencer la recesión”. Y ambas opiniones se apoyan en un tercer pilar: la relación económica con Catar. Ese país, del tamaño de Holanda y con una población que apenas supera el millón de habitantes, se está convirtiendo en propietario de muchos de los emblemas británicos. Tal vez por eso, su inversión ha empujado la reconstrucción del único pedazo de Londres cuyos barrizales, almacenes de ladrillo y calles estrechas podrían recordar la época de Dickens, en los inicios de la revolución industrial. Así, el día en que el alcalde Johnson, el príncipe Andrés y el primer ministro de Catar, Sheikh Hamad bin Jassim bin Jaber al Thani, celebraron el éxito de su edificio, el primo del emir pudo ver, desde lo alto de su inmueble, muchas de las posesiones del país que anuncia su fundación en las camisetas del Barça y que en 2022 acogerá el Mundial de fútbol. De los almacenes Harrods, en Knightsbridge, a la nueva Villa Olímpica, al este de la capital. Los supermercados Sainsbury’s donaron hace casi tres décadas el dinero para ampliar la National Gallery. Hoy pertenecen, en un 26%, a los inversores cataríes, que son también dueños del edificio de viviendas más caro del mundo: el número 1 de Hyde Park, levantado por el socialista Richard Rogers.


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Un rascacielos cambiante. El rascacielos que asciende sobre la estación de London Bridge es, efectivamente, cambiante. Su fachada de vidrio, de tres capas para evitar el exceso de soleamiento y la fuga de calor, permite el paso de la luz natural.

Aun siendo el rascacielos más alto de Europa, el Shard no es la torre más alta diseñada por Piano, que levanta en Corea del Sur el Triple One, otro rascacielos que doblará su altura. Sin embargo, el italiano asegura que no aboga por la construcción en altura, “pero sí por densificar el centro de las ciudades”. “Es insostenible seguir construyendo en la periferia. Si las ciudades no ponen un límite, dedicaremos gran parte de nuestra vida a los traslados y perderemos la relación con la naturaleza”.

Metáfora de la catarización de Londres o del esfuerzo para vencer la recesión, al final siempre hay una obsesión detrás de las mayores transformaciones, y el Shard representa para el promotor que lo imaginó, el antiguo vendedor de camisetas Irvine Sellar, una nueva aventura. Por eso, durante el discurso inaugural, Sellar animó a correr riesgos: “Hacerlo es importante para las personas, para la sociedad y para los negocios”.



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La iglesia que vuela


Ronchamp, obra maestra de Le Corbusier, atrae a los devotos del catolicismo y a los del dios de la arquitectura



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Exterior de Notre Dame de Haut, en Ronchamp (Francia). / Hervé Hughes

"He querido crear un lugar de silencio, de paz y de alegría interior". Esta es la frase del arquitecto franco-suizo Le Corbusier (1887-1965) sobre la iglesia de Notre Dame du Haut, también conocida como La Chapelle. Palabras que se pueden leer en el interior de la porterie, el nuevo centro de recepción proyectado por el arquitecto italiano Renzo Piano e inaugurado en 2011.

Resulta difícil describir esta obra de Le Corbusier, uno de los ejemplos de arquitectura religiosa más acertados y exitosos del siglo XX, una construcción que puede emparentarse con el Panteón de Roma o cualquier otro icono de la historia de la arquitectura por su capacidad de emocionar. Es como una ilusión inexplicable; mientras se contempla, el tiempo no pasa. Sea por devoción o afición, lo cierto es que cada año visitan el complejo casi 100.000 personas. El enclave es ahora un santuario doble: allí componen su oración por el semidiós de la arquitectura los amantes del oficio, muchos de ellos laicos, y rezan los católicos, subyugados por un espacio celebratorio de cuyo aura participan.


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Interior de Notre Dame de Haute, en Ronchamp (Francia). / Thomas A. Heinz

La construcción está situada sobre una colina de unos 150 metros de altura que se abre al paisaje de Ronchamp, en la Francia del noreste. La colina, con un gran valor simbólico para los habitantes de la zona, fascinó a Le Corbusier como elemento paisajístico cuando la visitó en 1950. La vio como un poema, rodeada del bosque y flanqueada por montañas.

Le Corbusier dibuja en sus primeros bocetos a lápiz cuatro elementos en los cuatro puntos cardinales de la colina, de los cuales el central es la capilla. En el extremo sur está la residencia de las monjas; en el extremo norte se encuentra una pirámide escalonada como símbolo de paz, construida con los restos de la antigua iglesia bombardeada en la II Guerra Mundial; en el extremo oeste hay una explanada que permite actos litúrgicos para un número elevado de peregrinos, y en el extremo oeste, una estructura metálica que aloja tres campanas.

La iglesia se inauguró el 25 de junio de 1955. Por si había alguna duda, Le Corbusier la resolvió: un buen arquitecto no creyente puede realizar un edificio religioso con grandes valores arquitectónicos. Empezando por el emplazamiento, que puede relacionarse con la Acrópolis: a los pies de la colina comienza la ascensión hasta la cima, donde se puede ver el edificio en su integridad. ¡Y menudo edificio! Los gruesos muros de mampostería pesada, revocados en blanco, se despliegan sinuosos y sobre ellos surge, repentinamente, una cubierta de hormigón natural a modo de vela. Con ella, el edificio, enraizado en la colina, al mismo tiempo vuela. Se hunde en el suelo y nos recoge hacia la tierra; se alza en el cielo y nos levanta hacia el espacio.


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Los únicos elementos religiosos en su interior son una Virgen y una cruz. La sensación es la de una masa escultórica que bebe del cubismo, de Mondrian y también, tal vez, del barroco. Están aquí presentes las formas arquitectónicas orgánicas de los años cincuenta, como el Guggenheim de Nueva York, de Frank Lloyd Wright, o el proyecto del arquitecto estadounidense de origen finlandés Eero Saarinen en la terminal neoyorquina de la TWA. La Chapelle fue concebida con los conceptos del Modulor (sistema de combinaciones armónicas detallado por Le Corbusier a partir de la medida del hombre con la mano levantada: 226 centímetros), y en la plasticidad de la obra el arquitecto trata de expresar esa “joie interieure” (alegría interior) a la que se refiere en sus primeras concepciones arquitectónicas.

La planta se compone de una sola nave con dos entradas en las paredes laterales, un altar y tres capillas con sus respectivas torres. La puerta de entrada principal aparece recubierta por ambas caras con chapas de acero esmaltadas en colores brillantes.

La luz natural es otro de los elementos clave del edificio. Una raya de luz de unos diez centímetros separa el techo de las paredes, produciendo así en su interior un impactante efecto escenográfico. Las ventanas son el resultado de unos agujeros en las paredes para que el movimiento de las nubes y de los árboles se constituyan en parte integrante del edificio. El sistema constructivo es simple: las paredes, blancas; el techo, gris; el suelo, de cemento y piedra; los bancos, de madera africana. La penumbra se enriquece con los haces de luces. En algunos huecos la luz es filtrada por vidrios rojos, azules, amarillos y verdes.



Renzo Piano, en diálogo


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Notre Dame de Haut, obra maestra de Le Corbusier, también conocida como La Chapelle. / Marc Garanger

Homenaje a los albañiles y precursora de las tecnologías digitales, esta obra maestra de la arquitectura del siglo XX se completa con la ampliación del proyecto, abierta en 2011 en la ladera de la colina y obra de Renzo Piano en colaboración con el paisajista francés Michel Corajoud. Una intervención que no interfiere en la visión de la iglesia y que, a su vez, también se abre al paisaje. Entre las nuevas instalaciones destacan el edificio de recepción, la porterie, y el monasterio. Renzo Piano optó por la humildad: la que también buscaban las monjas clarisas. La hermana Brigitte de Singly, abadesa, le hizo el encargo y le pidió un espacio de calma, de lentitud, de contacto con la naturaleza. Renzo Piano aguantó la polémica creada por la osadía de construir junto a la obra del genio y cumplió. “Monjas con suerte”, las llamó un crítico después de ver los nítidos y jubilosos espacios proyectados por el italiano.


Por el arquitecto Benedetto Fasciana / elviajero.elpais.com
 




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Hollywood desvela cómo será su Museo del Cine, que Renzo Piano construirá por 230 millones


- Tendrá 300.000 metros cuadrados y abrirá sus puertas en 2017

- El arquitecto genovés, Premio Prizker, construye en España el Centro Botín



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'El fantasma Gu bajando de la montaña' (2005)

La Academia de Cine de Hollywood ha mostrado las primeras imágenes de su futuro Museo del Cine (Academy Museum of Motion Pictures), diseñado por el prestigioso arquitecto italiano Renzo Piano, ganador del Premio Pritzker, y Zoltan Pali, que abrirá sus puertas en 2017 y costará 300 millones de dólares (230 millones de euros).

Según informa la Academia, el museo tendrá 300.000 metros cuadrados y pretende convertirse en un "referente cultural" que atraiga a visitantes de todo el mundo.

El proyecto del genovés Renzo Piano, coautor de la rehabilitación del Centro Pompidu de París y que en España construye el Centro de Arte Botín de Santander, pretende integrar el futuro Museo del Cine junto al histórico edificio del LACMA (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles).


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Maqueta del futuro Academy Museum of Motion Pictures.


Seis plantas de exposición

El museo contará con seis plantas de exposición y programación, más de 30.000 metros cuadrados de salas de exposiciones, una plaza pública ajardinada de 15.000 metros cuadrados y una terraza en la azotea con vistas a las famosas colinas de Hollywood.


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Recreación de las plantas del museo

En su interior se exhibirán obras de cineastas consolidados y jóvenes promesas, habrá laboratorios interactivos de creación de películas y actividades relacionadas con la industria cinematográfica.

La campaña de recaudación de fondos para la construcción del museo, presidida por Bob Iger, el director ejecutivo de  Walt Disney, y copresidida por los actores Annette Bening y Tom Hanks, ya conseguido más de la mitad de los 300 millones de dólares necesarios.


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El futuro museo se integra junto al edificio del LACMA.

Fuente: rtve.es / Renzo Piano Building Workshop/©Studio Pali Fekete architects/©A.M.P.A.S.
 




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Un bastión del arte frente al río Hudson


El Museo Whitney de Nueva York abre las puertas de su nueva sede, obra de Renzo Piano



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Museo Whitney de Nueva York

En uno de los barrios emergentes de Nueva York, el antiguo matadero del Meatpacking, entre el parque elevado del High Line y el río Hudson, con vistas a la Estatua de la Libertad y al Empire State Building, se alza una nueva fortaleza de acero. Está diseñada por el italiano Renzo Piano y alberga la nueva sede del Museo Whitney, que ayer abrió sus puertas tras la inauguración oficial del jueves, a la que acudió Michelle Obama.

La mayor institución de arte estadounidense de los siglos XX y XXI, fundada por Gertrude Vanderbilt Whitney en 1930, se traslada por cuarta vez y abandona la que ha sido su casa desde 1966 en busca de espacios más grandes y flexibles para su colección de más de 21.000 obras de 3.000 artistas.


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La muestra inaugural, hasta el 27 de septiembre, se titula America is hard to see (América es difícil de ver), una revisión de la historia del arte estadounidense desde el año 1900 hasta hoy, compuesta únicamente con los fondos de la colección del Whitney y dividida en 23 capítulos temáticos que “examinan las ideas, creencias, visiones y preocupaciones de los artistas en los últimos 150 años”, explicó la comisaria jefe, Donna de Salvo. Aproximadamente, el 25% de las 600 obras expuestas de 400 artistas distintos jamás se habían visto o hacía años que no se mostraban. Y todas se exponen ahora en un orden inesperado, que sitúa, entre Warhol y Jasper Johns, a otros artistas más desconocidos como Malcolm Bailey o Allan D'Arcangelo.

Por su robusto exterior, al edificio lo han comparado con una fábrica

Aunque por su robusto exterior ya han comparado al nuevo museo con una fábrica o un hospital, desde el interior, gracias a sus ventanales y terrazas, el Whitney conversa con la ciudad para la que ha sido construido. Si el edificio de granito de Marcel Breuer era como una fortaleza, la nueva sede de Piano da la bienvenida con una gran cristalera y un recibidor al que el arquitecto ha rebautizado piazza. “Casi no puedes ver el límite entre el edificio y la calle”, dice Piano. “Es parte de la ciudad. Así que tenía que estar abierto, ser accesible, que no intimidara ni fuera pretencioso. Tenía que invitar a entrar a este mundo de arte y libertad”. Las terrazas a la ciudad y los ventanales al río invitan a quedarse y “pasar el rato”.

Sin embargo, Piano ha tenido el edificio de Breuer muy presente, y se percibe en los materiales de esa piazza o largo (por su forma rectangular) y en los enormes ascensores que se abren en las galerías. “Esto no es el nuevo Whitney”, decía el arquitecto italiano. “Es el Whitney. Y ese era el reto. A todo el mundo le gustaba el edificio anterior, a mí me encantaba, y había que trasladarlo aquí sin que dejara de ser el Whitney”.

¿Y qué es el Whitney? Sobre el papel, es el museo de Nueva York dedicado a arte estadounidense, pero en el actual contexto de la ciudad, en el que el MoMA y el Metropolitan intentan abrirse un hueco en el arte del presente para competir con galerías o ferias, el Whitney necesitaba reforzar las bases sobre las que fue creado.

“El Whitney es ante todo una idea: la de defender el arte de nuestro tiempo y dar la oportunidad de crear”, explica Adam D. Weinberg, su director. Y sobre esa idea se ha construido este edificio, no por casualidad a unas manzanas de donde Gertrude Vanderbilt Whitney creó el Whitney Studio Club en 1918, donde los artistas mostraban su obra y pintaban. Un lugar al que ahora le han dedicado una sala en la primera planta, de acceso gratuito, con obras de los artistas que se formaron allí, como Edward Hopper.


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Exposición inaugural del museo, 'América es difícil de ver'. / Chris Goodney (Bloomberg)

“Aunque estamos dando un paso en el futuro del Whitney, nos reafirmamos en nuestro profundo compromiso de ser un museo de artistas”, continuó Weinberg. “Los artistas son el corazón y el alma de un museo y la razón por la que existimos, nos han enseñado el camino hacia adelante, y a ellos está dedicado este lugar”. Concebido no solo como un contenedor de arte, sino también como material artístico en sí mismo.

“El edificio nos ofrece oportunidades que nunca hemos tenido antes: galerías más grandes y flexibles, poder enseñar más piezas de nuestra colección, terrazas exteriores, teatro, espacios para performances y lecturas...”, dice Weinberg. Además, las escaleras, la fachada o los ascensores son lienzos en blanco para la creación. Una de las últimas grandes obras del estadounidense Richard Arstchwager está instalada en los ascensores, y las esculturas de bombillas de Félix González-Torres cuelgan por las escaleras.


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En el edificio, de 20.500 metros cuadrados (4.600 de galerías interiores, 1.200 de exteriores y terrazas) y un presupuesto de 377 millones de euros, prima la funcionalidad sobre la estética porque la funcionalidad es belleza para los artistas y comisarios contemporáneos. Por eso, las seis plantas de galerías, organizadas cronológicamente de arriba abajo, van ganando altura según se avanza en la historia del arte y las ambiciones de los artistas crecen; y las salas no tienen columnas, ni paredes fijas. La muestra inaugural, América es difícil de ver, “supone la imposibilidad de definir la cultura de este país”, dice De Salvo. Aunque este Whitney quiere estar cerca de conseguirlo.


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Post Re: RENZO PIANO (Premio Pritzker 1998) 
 
Publicado el 20 de marzo de 2017



El Centro Botín, de Renzo Piano, se inaugurará el 23 de junio en Santander


Acaban las obras del edificio tras años de retrasos y un sobrecoste de 20 millones

El edificio cuenta con dos amplias salas de exposiciones (2.500 metros en su conjunto), un auditorio para 300 personas"



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Una imagen del Centro Botín, proyectado por Renzo Piano.

Ya hay fecha para la inauguración del Centro Botín en Santander: el próximo 23 de junio. El edificio del arquitecto italiano Renzo Piano, premio Pritzker, se alza hoy sobre la bahía, ya casi rematado, a la espera de abrir sus puertas. Se trata de la infraestructura cultural más importante para la ciudad en décadas. Ese día, viernes, quedará a expensas del público, pero a lo largo de toda esa semana hay previsto un programa de actos inaugurales que comienza el 19. Entre ellos, la presentación de sus exposiciones inaugurales: una de dibujos de Francisco de Goya y la instalación del artista belga Carsten Höller.

Las obras han tenido su ración de polémicas. Según cuenta Guillermo Balbona en el Diario Montañés, que se ha adelantado al anuncio previsto para hoy, de los 80 millones de euros presupuestados en su coste inicial, habrá finalmente un desfase de 20 más, tal como ha reconocido el Gobierno autónomo que preside Miguel Ángel Revilla. Renzo Piano presentó el proyecto en 2011. Las obras comenzaron en verano de 2012 y terminan cinco años después, con dos de retraso respecto a la fecha prevista.

Con una superficie construida total de 10.285 metros cuadrados, el Centro Botín se encuentra ubicado en pleno puerto, cara a la bahía. El edificio está revestido por una piel de cerámica compuesta por 270.000 piezas circulares que reflejan la luz y los colores frecuentemente cambiantes del mar y del cielo sobre el Cantábrico. Articulado en dos volúmenes, el oeste queda dedicado al arte y el este a las actividades culturales y formativas. El proyecto ha estado marcado por la contestación de algunas asociaciones civiles que se mostraron en contra de su emplazamiento.

El edificio cuenta con dos amplias salas de exposiciones (2.500 metros en su conjunto), un auditorio para 300 personas, aulas formativas, área de trabajo, una taberna marinera llamada El Muelle, dirigida por el chef con dos estrellas Michelin en su restaurante Cenador de Amós, Jesús Sánchez. Desde la azotea y el interior, la ciudad adquiere una nueva perspectiva.

El edificio de Piano también servirá de eje para unir dos partes de la ciudad que a lo largo de siglos se han dado la espalda. El Centro Botín rompe la frontera impuesta en el paseo marítimo e integra los barrios más marginales alrededor de sus enormes explanadas. Ha sido concebido, tanto por sus impulsores de la Fundación Botín como por el Ayuntamiento encabezado por Gema Igual (PP) y los gobiernos implicados, como un proyecto urbanístico de transformación, más que como un mero centro cultural.

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Post Re: RENZO PIANO (Premio Pritzker 1998) 
 
Despega en Santander el Centro Botín de Renzo Piano

El premio Pritzker de arquitectura presenta junto al españo, Luis Vidal, coautor del proyecto, su edificio, que será una gran espacio social de arte



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El arquitecto italiano Renzo Piano, hoy en el Centro Botín en Santander, que él ha diseñado junto a Luis Vidal ante una instalción de Carsten Höller. Ver vídeo

Cuando Renzo Piano aterrizó el miércoles en Santander, quedó preocupado. Hacía sol. Menos mal que al día siguiente, el arquitecto italiano pudo celebrar ese cielo nublado, de capota continua y sutil amenaza de lluvia, sin que el agua llegue a caer. “Ah, sí: esto es Santander”, dijo al mirar por la ventana de su cuarto. Necesitaba esa luz de tono neutro; gris, pero verdosa, que produce la atmósfera inspiradora de su proyecto para el Centro Botín. Lo enseñó un día antes de que este viernes los reyes inauguren el nuevo espacio social para el arte y la creación que ha tardado cinco años en construirse, no sin polémicas.

Despega pues esta semana el Centro Botín, que ha costado 80 millones de euros –la suma final podría ascender a algunos más, pendientes de cuantificar-, desembolsados íntegramente por la Fundación del mismo nombre. En 2012, Renzo Piano recibió el encargo por parte de Emilio Botín, presidente entonces del Banco Santander y fallecido hace ahora dos años. Lo quería rápido. Para 2015, más o menos. “Pero un proyecto así, requiere su tiempo”, asegura el arquitecto italiano. Lo dice feliz ahora porque ve finalizado su primer proyecto en España, pero un tanto triste por no haber llegado a tiempo de que su impulsor lo disfrutara abierto.

Piano, a punto de cumplir 80 años, se alió con el Estudio del español Luis Vidal. Juntos proyectaron un edificio que, asentado en el enclave central del puerto, según ellos, “tenía que volar”. Y además de manera discreta, integrándose en un paisaje que rompe la barrera entre los Jardines de Pereda y la bahía, con el agua y la luz de la ciudad, en constante metamorfosis, como vínculo. No buscaron levantar un icono, pero sí un edificio que despertara orgullo de pertenencia entre sus habitantes. “Resultaría demasiado arrogante aspirar a eso. Aunque, como espacio público, sí debe tener su dignidad”, comentaba Piano durante el paseo que ofreció para mostrarlo de mañana.

Debía además romper otra frontera: la que separa el centro de la ciudad con los suburbios que se adentran hacia los muelles del barrio pesquero y los diques del nuevo puerto. “Ese empeño ha estado presente en nosotros. Cuesta mucho cambiar las ciudades portuarias, son como las industriales, requieren el tiempo, ritmo y la paciencia de los elefantes. Pero al final, ocurre. Y aquí, esperemos que así sea”, confesaba quien consiguió en 1998 el premio Pritzker de arquitectura, autor, entre otros proyectos, del Centro Pompidou, en París.

No sabe si ha logrado lo que Emilio Botín le encomendó. Aunque ha querido mantenerse fiel a la inspiración de su encargo. “Esta ciudad guarda una relación metafísica con su atmósfera. Posee un clima cambiante, se compenetra perfectamente con la lluvia, convive con el mar. Lo entiendo bien, porque el salitre también es mi elemento: soy de Génova”, asegura el arquitecto.

El proyecto no ha estado exento de polémicas. Primero, las del enclave. Ciertos sectores de la ciudad se oponían a que un edificio estorbara la vista abierta hacia la cordillera desde la bahía. Luego vinieron otros: desavenencias entre los constructores –OHL y ASCAN- y un precio que ascendía sin que, según comentan fuentes de las empresas encargadas de edificar, estuviera cerrado del todo el proyecto. Esto incrementó un coste que fue necesario renegociar para que la obra continuara tras un parón de algunos meses en 2016.

Piano y Vidal escucharon propuestas de la ciudad, incluso se abrieron a ciertas críticas: “Hay que entrar de puntillas en los lugares que desconoces. Tenemos que acostumbrarnos a adoptar la humildad de saber escuchar. Aunque el proyecto ha sido en esencia el que surgió al principio, hemos visto que en algunos aspectos, ciertas críticas llevaban razón y hemos incorporado cambios”, señala Piano.

En ese sentido, los responsables esperan con cierto nerviosismo al próximo sábado. “Cuando la gente lo haga suyo, esto es para la ciudad”, afirma el arquitecto italiano. “Hasta el viernes será nuestro, pero después, con cierta tristeza, tenemos que despedirnos de él y entregárselo a quienes verdaderamente lo van a disfrutar”.

No sólo por dentro, si no en la transformación de los alrededores. En eso han tenido su papel Fernando Caruncho, paisajista, y la artista Cristina Iglesias. Ambos han sido los encargados de diseñar y decorar de nuevo un espacio especialmente querido para los santanderinos como son los Jardines de Pereda. “Hemos construido un camino, un lugar donde encontrarse y esperar. Ahora sólo nos queda que la gente lo acepte y lo haga suyo”, comentó Iglesias.

Javier Botín, presidente ahora de la Fundación que lo ha impulsado, está seguro de que la ciudad lo adoptará rápidamente y agradecido a los que se han implicado en el resultado: “Mi padre dejó claro tres aspectos que debíamos cumplir. Nuestro proyecto debe ser social, a través de la creatividad y el arte. También aspira a tener un impacto global como foro de atracción, pero, además, potenciar lo local. Santander y Cantabria como protagonistas del cambio que supone este Centro en el conjunto de España”.


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Imagen del Centro Botín en Santander.


Goya y Carsten Höller, para empezar

Una exposición de dibujos de Goya y otra del artista belga Carsten Höller, inauguran los amplios espacios de muestra en el Centro Botín. Desde el sábado hasta finales de septiembre, el trazo del genio español convivirá con las instalaciones de quien explora, “como un parque de atracciones de la mente”, en sus propias palabras, emociones y sensaciones vivas. La muestra de Goya ha sido posible gracias a la colaboración del Museo del Prado. Y así se lo agradeció Javier Botín, presidente de la Fundación, a los dos directores del museo –Miguel Falomir, recién nombrado y Miguel Zugaza, el responsable salientem, ahora a cargo del Museo de Bellas Artes de Bilbao- que han hecho posible echar a andar con una firma como la del artista aragonés. Las exposiciones y el restaurante El Muelle, que ha puesto en funcionamiento Jesús Sánchez –rey de la cocina regional, con dos estrellas Michelin en El Cenador de Amós- son las principales atracciones de la apertura.

Es algo que recalcó también Fátima Sánchez, directora ejecutiva del Centro Botín: “Conseguir mejorar y articular el eje de la cornisa cantábrica, enriqueciéndolo y dotándolo de mayor dinamismo”.


elpais.com





Sin duda es una buena noticia para los amantes del arte de Cantabria.
 




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Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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El arte flota en Santander

El Centro Botín se abre con grandes exposiciones de Goya y Carsten Höller



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Asomado al mar. Parte del doble edificio del Centro Botín se alza sobre el mar, en pleno centro de la bahía santanderina, lo que unido a su suspensión sobre gruesas columnas le confiere cierta ligereza pese a su considerable volumen, de acuerdo con el proyecto definitivo de Renzo Piano y Luis Vidal (Pedro Puente Hoyos / EFE)

El arte “vuela y flota” sobre el mar y la tierra en el Centro Botín de Santander, que hoy inauguran los Reyes. La poética descripción es del arquitecto del edificio y premio Pritzker de Arquitectura, Renzo Piano , que junto con el estudio Luis Vidal firma aquí su primera gran obra en España: un edificio de dos módulos en suspensión sobre gruesas columnas de siete metros de altura. Son dos bloques flotantes cuyas fachadas acristaladas y revestimiento a base de 280.000 piezas circulares de cerámica “juegan con la luz y cortejan al agua”. En cumplimiento de un proyecto personal del fallecido expresidente del Santander, Emilio Botín, la fundación que lleva su apellido abre el centro tirando la casa por la ventana y se estrena con dos exposiciones de lujo: una serie de 81 dibujos de Goya procedentes del almacén del Museo del Prado y restaurados para la ocasión, y la primera instalación del belga Carsten Höller en España, titulada Y. Ambas podrán verse hasta septiembre.

Cada uno de los bloques trapezoidales que forman el centro, asomados ambos a la bahía santanderina y de dos plantas, tiene una función. El más grande, formados por dos salas con una superficie total de 2.500 metros cuadrados, es el destinado desde ayer mismo a exposiciones; el menor, situado al este y con un auditorio de estructura móvil con capacidad para 300 personas, se dedicará a las actividades formativas y culturales.

  El revestimiento, con 280.000 piezas de cerámica, “juega con la luz y corteja al agua

La construcción del Botín, iniciada hace cinco años con un presupuesto de 80 millones que según algunas estimaciones puede verse incrementado en otros 20, implicó una amplia intervención en esta zona clave de la ciudad. Un túnel de más de 200 metros liberó gran parte del suelo utilizado para el centro. Y los jardines de Pereda, hacia donde se orientan las fachadas del doble edificio opuestas al mar, recuperaron su antiguo esplendor. Una composición escultórica de Cristina Iglesias, premio nacional de Artes Plásticas, se intercalan en este entorno ajardinado con cuatro pozos y un estanque que simbolizan “lo subterráneo”.

La elevación del inmueble del Centro Botín no sólo le confiere ese efecto de flotación tan destacado en la presentación de ayer. También deja el mar a vista rasante, tal como reclamaron los vecinos cuando se anunció el proyecto. Y abre una amplia plaza junto a los jardines, no ya alrededor del centro si debajo de los dos bloques. Así, la enorme edificación da lugar a un nuevo espacio público en lugar de hurtarlo. Eso, unido a la corrección del emplazamiento para situarlo frente al emblemático Mercado del Este y no ante la sede del Banco Santander, atemperó los iniciales recelos y críticas populares acerca del posible resultado del proyecto, que hoy provoca más aplausos y menos quejas.

“No debíamos cerrar la vista a la bahía. Lo comprendimos escuchando a la ciudad”, admitió Piano. “Esta es una obra para las personas, para que puedan reunirse, pasear, compartir conocimientos. No es ni puede ser un edificio arrogante. No debe intimidar sino atraer. Y creo que es bello”.

  “Este no es un edificio arrogante; no debe intimidar, sino atraer”, afirma Renzo Piano

El arquitecto elogió a Emilio Botín como “cliente leal, atento y emotivo”; como “hombre que amaba el mar”, al que gustaba pescar –faceta suya poco conocida–; y que “te enseñaba a contemplar el agua con la lentitud debida y, así, a entablar una relación metafísica con ella”.

Javier Botín, hijo del financiero y actual presidente de la Fundación Botín, definió la obra como “un centro de arte con una misión social”. Y la directora ejecutiva de la fundación, Fátima Sánchez, indicó las metas principales: constituir “un eje cultural de primer orden” que merezca el reconocimiento internacional sin perder la marca local; generar riqueza en la ciudad, poniéndolas en el mapa de las grandes instituciones culturales, y “explotar la capacidad del arte para potenciar la creatividad de las personas”.

En ese apartado del estímulo creativo se sitúan los ambiciosos aunque no muy conocidos planes de la fundación de convertirse en referencia de la enseñanza de las artes en conexión con la inteligencia emocional: un área en la que los responsables de la organización llevan trabajando cuatro años junto con la Universidad de Yale.

Más palpable por ahora es la actividad expositiva de la fundación, no nueva pero que desde ayer adquiere otra dimensión con el centro. Las muestras de Goya y Höller son en este sentido una señal clara.

La exposición de dibujos del genio aragonés, titulada Ligereza y atrevimiento, reúne por primera vez “en decenios” –según el comisario de la muestra y jefe del departamento de Dibujos del Prado, José Manuel Matilla– gran parte de las obras que conforman “el diario visual de Goya” a partir de sus albumes privados. El conjunto ofrece una panorámica del impulso creador del artista desde sus primeros años en Madrid hasta los últimos en Burdeos; con retratos y escenas de guerra, sufrimiento y marginación que forman una crítica crónica social de finales del siglo XVIII y primeros del XIX.

En la planta superior a la de Goya, Carsten Höller presenta su primera monográfica en España: una y griega formada por túneles con luces parpadeantes que conducen a sendos espacios simbólicos “de la madre y el padre” compuestos por elementos tan diversos como un tanque de agua saturada de sal donde el visitante podrá bañarse y flotar “como en el mar Muerto” y una cama que gira y sube hasta casi el techo, a disposición de todo el que quiera pasar una noche en el centro, por 250 a 350 euros, según temporada.

  El Centro se asegura el éxito inicial con un abono de 2 euros para locales

Hace apenas tres meses, cuando pusieron fecha a la inauguración del Centro Botín después de cinco años de obras, los directivos de la Fundación Botín andaban temerosos. Con una oferta de apertura como la que desde el 23 de junio compondrían las exposiciones de Goya y Höller; incluso con la mera oportunidad de pasearse alrededor y debajo de la nueva construcción, de subir y bajar por las escaleras y plataformas de un edificio con las mejores vistas posibles de la bahía de Santander, el éxito estaba asegurado para los meses de verano. Pero ¿y después? ¿Qué pasaría a partir de octubre? ¿Acudiría al Centro Botín los santanderinos y los escasísimos turistas que por allí van en invierno?

Aunque todo esté por ver aún, los responsables de la entidad respiran tranquilos desde hace más de un mes. El 11 de mayo, el Centro lanzó un abono vitalicio y casi gratuito –cuesta dos euros– para todos los empadronados en Santander o nacidos en la ciudad. En las primeras seis horas se vendieron 2.000 de estos pases. Hoy son ya 72.000, sobre una población de unos 175.000 habitantes.

Hace unas semanas corrió el bulo de que el precio del abono iba a subir a 20 euros. Fue la bomba. La noticia hizo que miles de personas se abalanzaran al ordenador para comprar su pase antes de la subida. La central de expendedora en red de tickets para museos y otros centros de interés culturales colapsó. Durante unos minutos resultaba imposible adquirir una entrada para ver la Sagrada Familia, por ejemplo –y según relataba ayer un ejecutivo de la Fundación–, así que hubo que bloquear la venta de esas tarjetas hasta que el rumor, rápidamente desmentido, se desvaneció.

El interés de los santanderinos por el Centro Botín, que podrán visitar a partir de esta noche, quedó ayer confirmado durante la presentación ante los medios, seguida por la previa para el mundo artístico y el cóctel de bienvenida para la inauguración oficial que hoy presidirán los reyes. Unos actos a los que no faltaron los directores de algunos de los museos más importantes del país, entre ellos el del Prado, Miguel Falomir, su antecesor, ahora a cargo del Bellas Artes de Bilbao, Miguel Zugaza, y el del Reina Sofía, Manuel Borja Villel.

Cientos de vecinos estuvieron pendientes de una presentación considerada como el aperitivo del ansiado acontecimiento social y cultural de hoy. Está garantizado que Santander se volcará con el Centro Botín... Hoy y –siendo para ellos gratis la entrada que a los de fuera costará 8 euros– es de esperar que por mucho tiempo.

lavanguardia.com
 




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