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GALERÍA DE LA ACADEMIA (Venecia)
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Mensaje GALERÍA DE LA ACADEMIA (Venecia) 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado a la Galería de la Academia de Venecia. La Accademia di Belle Arti es la Academia o Escuela de Bellas Artes de Venecia, conocida popularmente como La Academia. Las obras de sus alumnos fueron el origen de la pinacoteca de dicha institución llamada Galería de la Academia (en italiano Gallerie dell’Accademia), que conserva una de las mayores colecciones de arte italiano y es uno de los más importantes focos turísticos de la ciudad de Venecia.


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Se encuentra situada en la orilla sur del Gran Canal de Venecia, donde la Academia da nombre a uno de los cuatro puentes que cruzan dicho canal, el Puente de la Academia (en italiano, Ponte dell'Accademia).


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Puente de la Academia, Venecia.


Historia

Los orígenes de la Academia se remontan al 1750, cuando la República veneciana decidió dotar a la ciudad de una «Academia de pintores y escultores». El encargo se dio al pintor Giovanni Battista Piazzetta con instalaciones en el Fondaco de la Harina, actualmente Capitanía del Puerto, poco antes del Muelle de San Marcos. Desde ese momento comenzó a recogerse un primer grupo de obras realizadas por los alumnos de la Academia.


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En 1807, durante la ocupación napoleónica, se decidió trasladar la escuela de Arte y las obras a un lugar más digno y cómodo. Se eligieron los locales de la Escuela de la Caridad (Scuola della Carità), la iglesia de Santa Maria della Carità en el campo homónimo y el antiguo convento de los Canónigos Lateranenses (Convento dei Canonici Lateranensi). La Escuela de la Caridad era la más antigua de las seis Scuole Grandi y el edificio data de 1343, aunque la Escuela se fundó en 1260. La iglesia data de 1441 y es obra de Bartolomeo Bon. El Convento dei Canonici Lateranensi fue comenzado por Andrea Palladio en 1560, aunque nunca terminado, por eso hoy se encuentra bastante retocado. El arquitecto encargado de la adaptación de estos edificios para su uso docente y museístico fue Giovanni Antonio Selva (1751–1819).


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A este lugar confluyeron numerosas obras procedentes de iglesias y conventos suprimidos, además de las ya poseídas. Así poco a poco entre 1816 y 1856 la Galería de la Academia se enriqueció con las colecciones Molin, Contarini, Renier y Manfrin, que la dotó de indiscutible obras maestras del arte italiano. Otras obras se unieron al museo procedentes de Austria después del Tratado de San Germano de 1919, así como las adquiridas por el Estado italiano gracias sobre todo al interés de los directores Giulio Cantalamessa y Gino Fogolari.


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Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione - La tempestad, h. 1507-08. Este cuadro de Giorgione es una de las obras más conocidss expuestas en la Galería de la Academia de Venecia. Ha sido llamado el primer paisaje de la Historia del Arte occidental. El significado de la escena no es claro, pero su maestría es evidente. Representa a un soldado y a una mujer desnuda dando el pecho a un niño, separados por un arroyo. Al fondo se ve una ciudad y en el cielo la tormenta que su título indica.


Fondos del Museo

La Galería de la Academia conserva piezas maestras de la pintura veneciana hasta el siglo XVIII, ordenadas cronológicamente aunque su exposición es tratada en ocasiones por temáticas similares.

Están expuestas obras de los siguientes autores, entre otros:

    - Gentile Bellini
    - Giovanni Bellini
    - Sebastiano del Piombo
    - Antonio Canal, Canaletto
    - Vittore Carpaccio
    - Giulio Carpioni
    - Rosalba Carriera
    - Francesco Guardi
    - Giorgione
    - Pietro Longhi
    - Lorenzo Lotto
    - Leonardo da Vinci
    - Andrea Mantegna
    - Giambattista Piazzetta
    - Giambattista Tiepolo
    - Tintoretto
    - Tiziano
    - Paolo Veronese


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Paolo Veronese - La Anunciación, 1578. Óleo sobre lienzo, 279 x: 551 cm. Galería de la Academia de Venecia.


Curiosidades

Gallerie dell’Accademia significa literalmente 'Galerías de la Academia' y la razón de este nombre en plural es que el origen de la Galería comprendía dos secciones, una reservada a la pintura y otra a la escultura y los yesos, pero a pesar del reordenamiento en una única colección, la denominación en plural ha permanecido.


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Interior de Galería de la Academia de Venecia. Al fondo Storie di S. Ursula, de Carpaccio.

Espero que os guste la recopilación que he conseguido de este museo veneciano, y en la medida de lo posible contribuya en su divulgación.






Algunas obras


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La tempestad, h. 1508, óleo sobre lienzo, 82 x 73 cm, Gallerie dell'Accademia, Venecia, Italia. Obra maestra de Giordione.

Visión general y significado. Encargado por el noble Gabriel Vendramin, La tempestad es una de las obras más enigmáticas de la Historia del Arte.1 Se considera por unanimidad como autógrafa de Giorgione, sin embargo, es su significado el que ha dado lugar a mayores discusiones. Existen numerosas hipótesis sobre el significado de la obra, que van desde diferentes episodios bíblicos, mitológicos o hasta una representación alegórica de la fortuna, la fortaleza o la caridad.

En el inventario de la familia Vendramin figuraba como Mercurio e Isis. También ha sido identificado como un tema inspirado en el Polífilo de Francesco Colonna e incluso como El hallazgo de Moisés. Podría ser una escena de La infancia de Paris, o del mito de Paris y Enone, entroncado con la novela pastoril. Otras teorías afirman que se trata de un retrato del propio pintor y su familia.

Según el profesor italiano Salvatore Settis, la ciudad del fondo representaría el Paraíso terrenal, las dos figuras serían Adán y Eva con su hijo Caín. El rayo, basándose en la mitología griega y en la religión judía, representaría a Dios, expulsándolos del Edén. Las columnas rotas, por lo tanto, se referirían a a la mortalidad de los hombres como condena por el pecado original.

En cambio, según Waldemar Januszczak, se trata del mito de Deméter y Yasión, y el niño sería su hijo Pluto; el rayo, entonces, simbolizaría a Zeus. Este crítico lo argumenta, además, por la aparición en el cuadro de una grulla, símbolo de Deméter, en el tejado del edificio del fondo.

Marcantonio Michiel, que la conoció unos años después de su realización, la cita simplemente como El pequeño paisaje en lienzo con la tempestad, la zíngara y el soldado. Esto se relaciona con las teorías sobre que La tempestad es simplemente un escena alegórica o que Giorgione no tuvo intención de ceñirse a ningún mito.

En la escena aparecen una mujer y un hombre:


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Detalle de la mujer.

La mujer. Un mujer, sentada a la derecha, amamanta a su bebé. Está desnuda, excepto por un lienzo blanco que le recubre los hombros, símbolo sugerente pero también de pureza e inocencia.

Por su barriga redonda y por el hecho de estar dando el pecho, podría simbolizar a la fertilidad o a la maternidad. Sin embargo, algunos críticos opinan que representa la caridad. También se puede suponer una posible asociación de la mujer con la Virgen María criando a Jesús. Esto lo uniría a multitud de Madonnas del Renacimiento, aunque en este caso la escena sería claramente profana, siguiendo el estilo de su autor.


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Detalle del hombre.

El hombre. Un hombre, posiblemente un soldado, sosteniendo una asta o pica, permanece en la postura del clásico contrapposto a la izquierda. Sonríe y mira a la derecha, pero parece no ver a la mujer.

Los historiadores del arte han identificado al hombre con un soldado, un pastor o un gitano. Los rayos X han revelado que en lugar del hombre, Giorgione pintó originariamente otra mujer desnuda. Para algunos, representa la firmeza o la fortaleza. Éstos señalan a los columnas detrás del hombre. Las columnas suelen simbolizar la fuerza o la firmeza. Aunque en este caso, se encuentran rotas, un clásico símbolo de la muerte.

Algunos destacan las cigüeñas del tejado de la derecha. Las cigüeñas, en ocasiones, representan el amor paterno-filial.


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Detalle de los árboles.

El paisaje. Podría representar un paisaje de la Arcadia, en las afueras de una ciudad. La escena se completa con un arroyo, árboles y ruinas. Las oscuras nubes del cielo se iluminan por la luz del relámpago, anunciando la inminente tormenta.

Los colores son apagados y la iluminación tenue. Dominan los colores fríos como verdes y azules. El paisaje no es un mero telón de fondo. Giorgione pintó el paisaje para darle un protagonismo. Se dice de La tempestad que más que unas figuras en un paisaje es un paisaje con figuras. La naturaleza se convierte aquí en auténtica protagonista, a la que todo lo demás se le subordina como simples elementos. La hipnótica representación de la inminente tempestad actúa como símbolo del poder de la naturaleza. Solamente los pintores británicos del siglo XIX volverán a plasmar la exaltación de los fenómenos atmosféricos, que junto a las ruinas, son elementos puramente románticos.

Influencia. Los historiadores del arte consideran que La tempestad fue una influencia directa sobre el Desayuno sobre la hierba de Manet.


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Retrato de una anciana, c. 1500-1510. Lienzo, 68 cm × 59 cm. Obra de Giorgione. Galería de la Academia de Venecia.

Aunque las obras de Giorgione están rodeadas de un cierto oscurantismo en cuanto a su significado, se ha identificado el retrato de una anciana como una alegoría de la edad, como indica el cartel que sostiene en su mano derecha.2 Es una obra que se ha relacionado temáticamente con otras como la Avaricia de Durero, pintura contemporánea.

Hans Memling tiene una obra homónima de 1470.

Descripción de la obra. La anciana es representada con mucho realismo, haciendo el autor un uso del color sublime para dar la impresión de viveza en las arrugas y los cabellos de la anciana. La protagonista parece mirar a quien observa al cuadro mientras le enseña un papel con la leyenda col tempo, con el tiempo, que alude a los efectos de la edad. Giorgione la pinta audaz y con arrojo, como recomendaba Leonardo da Vinci pintar a las viejas.

El fondo oscuro permite dar relevancia al personaje sin distracciones, un modelo común en los retratos de la época. Como en tantas obras de ese periodo, se perciben influencias de la forma de pintar de Leonardo da Vinci.



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La Piedad (Pietà). Obra de Tiziano, h. 1573-1576. Óleo sobre lienzo. 351 × 389 cm. Galería de la Academia de Venecia.

Esta obra tenía como destino la tumba de Tiziano. Fue terminada por Jacopo Palma el Joven. Tradicionalmente se la ha considerado la última pintura de Tiziano. Una inscripción en la parte inferior del cuadro informa que fue acabada por Palma el Joven.

La pintura representa, sobre el fondo de un gran nicho en estilo manierista, a la Virgen María sosteniendo el cuerpo de Cristo, con la ayuda de Nicodemode rodillas. La escena se enmarca en una arquitectura con un ábside encuadrado por pilastras compuestas de bloques tallados con un frontón fracturado. A la izquierda, una estatua de Moisés con las tablas de la ley; a la derecha, otra de la sibila de Helesponto con la cruz. Bajo esta última figura puede verse una tabla votiva con el pintor y su hijo Orazio.

Delante de este marco estático se mueven las figuras con gran dinamismo. Junto al cuerpo muerto de Jesucristo se encuentra, arrodillado, Nicodemo. El último es probablemente un autorretrato de Tiziano, representado como si él viera la muerte próxima en el rostro de Cristo. A la izquierda, de pie y formando un triángulo ideal, está María Magdalena.

El cuerpo de Jesucristo parece brillar con luz propia, y es de color blanquecino, lo que contrasta con las figuras vestidas en tonos rojizos y oscuros.

La composición se articula en torno a dos diagonales, una que desciende desde Moisés hacia el Cristo muerto y otra que asciende desde éste hacia la esquina superior derecha, reforzada por el angelote que sostiene una antorcha. Los colores oscuros y suaves, y la apariencia en general inacabada, contribuyen a dar al cuadro una atmósfera espectral e inquietante.


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Arcángel Rafael y Tobías. Obra de Tiziano, 1511. Óleo sobre tela. Galería de la Academia, Venecia.

El cuadro versa sobre un relato narrado en el libro de Tobías, donde se desarrolla la vida de este judío y sus milagros. En el Antiguo Testamento no se denomina a Rafael arcángel pero sí en el libro de Tobías.

Aquí se representa a Tobías como un niño, a diferencia de otras versiones, como la de Francesco Botticini, que le pinta más desarrollado, ya adolescente. El tema es profusamente representado con ejemplos como Paisaje con Tobías y el Arcángel Rafael de Claudio de Lorena, en el Museo del Prado o Rafael en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

El gran arcángel conduce de la mano a Tobías, que le mira con ternura mientras caminan, con el pez (al que los pintores aludían con insistencia por su significado cristológico) que le identifica como motivo iconográfico. A la izquierda de los personajes, un pequeño perrito representa la fidelidad hacia el hombre, quien los acompaña en el camino.



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Cena en casa de Leví. Obra de Paolo Veronese, 1573. Óleo sobre tela, 555 × 1280 cm. Galería de la Academia, Venecia. El artista realizó otros trabajos para la decoración de refectorios de monasterios, como su célebre obra Las bodas de Caná, hoy en el Louvre.

El cuadro fue encargado por los religiosos de la Orden de los Dominicos de la Basílica de San Juan y San Pablo en Venecia, en sustitución de una pintura de Tiziano, destruida en un incendio en 1571.

El tema tenía que representar la Última Cena de Cristo, pero el autor se acercó a esta cuestión desde una perspectiva muy innovadora y única que no fue admitida por la Santa Inquisición,3 de acuerdo con el prior de la basílica. Las solicitudes de modificación de la pintura no fueron aceptadas por Veronese.

Llamado a defender su posición ante el tribunal del Santo Oficio en julio de 1573, el pintor se limitó a cambiar únicamente el título de la obra, sin transformar ningún elemento pictórico, siguiendo el consejo de los dominicos. El nuevo título de la pintura se convirtió en Cena en la casa de Leví, episodio en el que, según narra el Evangelio de Lucas, Leví o Mateo preparó un gran banquete en su casa, ambientado en construcciones arquitectónicas propias de Palladio y Sansovino.

Descripción. En torno a Jesús, sentado en el centro de la pintura y de la gran mesa, se ve a mucha gente, no incluida en la Última Cena canónica: hay animales y niños jugando en las escaleras, pajes y funcionarios, así como artistas y militares. Muchas de las figuras presentadas están totalmente desinteresadas en la presencia de Cristo en la mesa, discutiendo acaloradamente entre sí o incluso dándole la espalda.



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Milagro de la reliquia de la Cruz en el Puente del Rialto (Il miracolo dell’ossesso). Obra de Vittore Carpaccio, 1494. Óleo sobre lienzo, 365 × 389 cm. Galería de la Academia de Venecia

La Curación del obseso o El milagro del obseso (en italiano, Il miracolo dell’ossesso), también llamado Milagro de la reliquia de la cruz (Miracolo della reliquia della Croce al ponte di Rialto), es uno de los cuadros más conocidos del pintor italiano Vittore Carpaccio. Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado en 1494, encontrándose actualmente en la Galería de la Academia de Venecia.


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Detalle del puente.

Se realizó para la Escuela de san Juan Evangelista. Esta es una obra de madurez del pintor. Su tema es una visión del Gran Canal de Venecia, lleno de gente, embarcaciones y colorido. Muestra el antiguo puente de Rialto. La escena está creada con un corte asimétrico, en primer plano a la izquierda la logia llena de personajes mientras que a la derecha se ven los palacios en escorzo, a la derecha, siguiendo el curso del canal, el puente y las fachadas de los palacios que se entrecortan contra el cielo.


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Crocifissione e apoteosi dei diecimila martiri del monte Ararat, 1515, da s.antonio di castello. Obra de Vittore Carpaccio. Galería de la Academia de Venecia.


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Apoteosi di sant'Orsola e delle sue compagne di Vittore Carpaccio. Obra de Vittore Carpaccio. Galería de la Academia de Venecia.


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Arrivo degli ambasciatori inglesi presso il re di Bretagna. Obra de Vittore Carpaccio. Galería de la Academia de Venecia.



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Perspectiva con pórtico. Obra de Canaletto, 1765. Óleo sobre tela, 131 × 93 cm. Galería de la Academia, Venecia. Es una de las pocas obras del autor que se conservan en su ciudad, pues era frecuente que los coleccionistas extranjeros compraran sus obras y las trasladaran a sus propios países. El cuadro fue un regalo a la Academia realizado dos años después de su ingreso (11 de septiembre de 1763), según era costumbre.1 La obra está fechada y firmada: ANTON…1765.

El tema. Usada como modelo para la enseñanza, esta veduta combina aspectos reales como la luz, con porciones fruto de la imaginación del pintor, como el propio palacio de estilo rococó, inexistente pero basado en el modelo del auténtico palacio veneciano del siglo XV Ca' d'Oro. Como documento histórico, muestra cómo era la vida cotidiana de la ciudad de los canales en el siglo XVIII.

Descripción de la obra. Con un excelente juego de sombras y luces, Canaletto recrea el pórtico de un palacio, con un uso sobresaliente de las perspectivas, concentrando el punto de fuga sobre la mujer sentada a la derecha de la imagen. Un arco de medio punto en el piso superior permite observar a varios trabajadores limpiando el palacio.



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Retrato de un gentilhombre en su estudio. Obra de Lorenzo Lotto, 1527. Óleo sobre tela, 98 × 116 cm. Galería de la Academia, Venecia.

Durante siete años (1525-1532), Lotto ofreció sus servicios en la próspera Venecia, una ciudad de gran riqueza y creciente popularidad, durante los cuales recibió varios encargos, incluyendo diez retratos, entre ellos Retrato de un Joven (Gemäldegalerie, Berlín), Retrato de Andrea Odoni (Royal Art Collection, Hampton Court) o este del gentilhombre no identificado, que algunas fuentes apuntan a Pier Francesco Orsini.

Descripción de la obra. Como en gran parte de su obra, Lotto refleja en este retrato las influencias de pintores como Rafael, Tiziano o el grabador Durero. La habitación está poco iluminada, apenas entra luz por una ventana superior a la izquierda de la estancia.

El personaje de esta obra está en pie, algo inclinado hacia la derecha, apoyando sus manos sobre un libro abierto. Algunos elementos, como el cuerno de caza o la mandolina (casi imperceptible junto a la ventana), parecen identificar algunos gustos del retratado, como la caza y la música.

Sobre la mesa también hay unos pétalos de rosa diseminados junto a unas joyas y una carta abierta, símbolos de una ruptura amorosa. Sobre un mantel azul hay una lagartija, descrita en el Levítico de la Biblia como un animal impuro y, por lo tanto, con un simbolismo negativo.



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Retrato del procurador Jacopo Soranzo. Obra de Tintoretto, 1550. Óleo sobre lienzo, 106 × 90 cm. Galería de la Academia, Venecia.

El cuadro muestra a Jacopo Soranzo, que como indica la inscripción parcialmente borrada, ocupó el cargo de procurador en 1550. Tintoretto tomó la imagen del retratado de otro lienzo de gran tamaño obra suya, en el que el procurador aparecía en el centro del mismo rodeado por su familia, dicho lienzo se conserva actualmente dividido en tres partes en el Castillo de los Sforza en Milán.



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Traslación del cuerpo de San Marcos. Obra de Tintoretto, 1562-1566. Óleo sobre lienzo, 421 × 306 cm. Galería de la Academia, Venecia.

Este es uno de los cuadros realizados por Tintoretto en los años 1560 para la Escuela de San Marcos, sobre el patrono de Venecia, Marcos el Evangelista, que según la tradición, predicó en Alejandría (Egipto). En 828, las supuestas reliquias del santo fueron robadas en Alejandría por navegantes italianos, que las llevaron a Venecia, donde se conservan en la Basílica de San Marcos, construida expresamente para albergar sus restos. El cuadro representa el momento en que, después de hallado el cuerpo del santo, es trasladado a Venecia. Los otros dos lienzos son el Hallazgo del cuerpo de San Marcos y San Marcos salva de ahogarse a un sarraceno.



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Sacra Conversación (Retablo de san Job). Obra de Giovanni Bellini, h. 1487-88. Temple sobre tabla, 468 × 255 cm. Galería de la Academia, Venecia.

Es una obra de gran tamaño: mide 468 cm de alto y 255 cm de ancho. Las figuras tienen un tamaño casi natural. Se realizó para la iglesia parroquial de San Giobbe, donde estaba enmarcada en mármol. Se trata de una composición triangular, con gran luminosidad y colorido.

Tiene como tema la "sagrada conversación", con una reunión de santos en torno a la Virgen en majestad, con el Niño en los brazos y rodeada de santos. A la derecha se distingue un san Sebastián. A los pies de María, delante del trono, hay unos ángeles músicos.

El marco arquitectónico en el que se desarrolla es una bóveda de cañón con artesonado. Al fondo, hay un ábside circular.

La luz que baña el cuadro arranca reflejos dorados de los mosaicos, dejando otras zonas en penumbra. Aunque se nota la influencia de Antonello da Messina, lo cierto es que esta típica luz de Bellini envuelve los volúmenes y humaniza la escena representada.


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La anunciación, c. 1500. Obra de Giovanni Bellini


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Fragmento de una transfiguración de Giovanni Bellini


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Madonna contarini, c. 1475-80. Obra de Giovanni Bellini


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San Jorge. Obra de Andrea Mantegna, hacia 1460. Pintura al temple, 66 × 32 cm. Galería de la Academia de Venecia.

El santo caballero está representado con traje de armadura y con la lanza rota después de haber matado al dragón, que yace a sus pies con la punta del arma clavada en su mandíbula. Un marco de mármol simulado, encuadra la escena. La lanza sostenida por san Jorge junto con el morro del dragón, se proyectan más allá del marco, haciendo que el mundo sea más real al espectador, de acuerdo con una ilusión de Mantegna, sobre todo utilizada en sus obras, entre el final del período de Padua (antes de 1459) y el primero de Mantua. También la guirnalda en la parte superior, compuesta de hojas y frutos, es un patrón típico de la escuela de su maestro Francesco Squarcione, y por tanto, se refiere a la época de juventud del artista cuando era un estudiante en su taller de Padua. El fondo muestra un camino que se inicia desde donde se encuentra el santo, hacia una colina, hasta llegar a una ciudad amurallada.



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María con niño, de Cosimo Tura. Galería de la Academia de Venecia.


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La Anunciación, 1578. Óleo sobre lienzo, 279 x: 551 cm. Obra de Paolo Veronese. Galería de la Academia de Venecia.


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Ritratto di Giovane Uomo. Obra de Hans Memling. Galería de la Academia de Venecia.


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Quattro santi e beati. Obra de Carlo Crivelli. Galería de la Academia de Venecia.


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Callisto Piazza da Lodi, Decapitación de Juan el Bautista. Galería de la Academia de Venecia.

Callisto Piazza (Lodi, en el año 1500 - 1 mil quinientas sesenta y una) fue un pintor italiano, el máximo exponente de la plaza, una dinastía de pintores de la del siglo XVI, y fue un pintor activo en la primera mitad del siglo XVI.


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Strage degli Innocenti. Obra de Bonifazio de' Pitati, artísticamente conocido como Bonifazio Veronese. Galería de la Academia de Venecia.


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Ricco Epulone. Obra de Bonifazio de' Pitati, artísticamente conocido como Bonifazio Veronese. Galería de la Academia de Venecia.


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Virgen con santos (Sposalizio di santa Caterina e santi). Obra de Boccaccio Boccaccino. Galería de la Academia de Venecia.


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Crocifissione. Obra de Andrea Previtali. Galería de la Academia de Venecia.



Esculturas


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Arte veneziana, croce di san teodoro, XV. Galería de la Academia de Venecia.


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Arte bizantino. Galería de la Academia de Venecia.


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Bottega dei moranzone, crocifisso, c. 1375-1450. Galería de la Academia de Venecia.


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Adone di Jacopo De Martini. Galería de la Academia de Venecia.


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Adone di Rinaldo Rinaldi, 1816. Galería de la Academia de Venecia.


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Congedo di Ettore da Andromaca de Rinaldo Rinaldi. Galería de la Academia de Venecia.


 38antonio_canova_caino_e_abele_1821_22_da_gallerie_dell_accademia_di_venezia

 39antonio_canova_creazione_di_adamo_1821_22_da_gallerie_dell_accademia_di_venezia

 40antonio_canova_presentazione_di_cristo_al_tempio_1821_22_da_gallerie_dell_accademia_di_venezia

 41antonio_canova_sacrificio_di_isacco_1821_22_da_gallerie_dell_accademia_di_venezia

 42antonio_canova_visitazione_1821_22_da_gallerie_dell_accademia_di_venezia

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Reliefs by Antonio Canova in the Gallerie dell'Accademia (Venice)



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Bartolomeo Giolfino - Altar de la Virgen con el niño, y la coronación de María (Madonna col bambino e santi, da oratorio di s.Giovanni di rodi), hacia 1406-86. Galería de la Academia de Venecia.


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Bartolomeo Giolfino, Madonna col bambino e santi, da oratorio di s.Giovanni di rodi. Galería de la Academia de Venecia.



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Canaletto - Grand Canal - from Santa Maria della Carità to the Bacino di San Marco


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Canaletto - The Grand Canal near Santa Maria della Carità


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A restaurant at the base of Accademia bridge, Canal Grande, Venice.


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Santa Maria della Carità church — now a building of the Gallerie dell'Accademia, in Dorsoduro, Venice.


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Vista interior Galería de la Academia de Venecia.


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Galería de la Academia de Venecia.

Web de la Galería de la Academia de Venecia



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a la Galería de la Academia de Venecia. Cconserva una de las mayores colecciones de arte italiano y es uno de los más importantes focos turísticos de la ciudad de Venecia.



Fuentes y agradecimientos a: artehistoria.com, es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, disfrutaflorencia.com, pintura.aut.org, sobreturismo.es, elmonilloviajero.blogspot.com, hotelesderoma.es, miragu.com, esacademic.com, epdlp.com, trivago.es, new.taringa.net y otras de Internet.
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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última edición por j.luis el Martes, 02 Febrero 2016, 20:27; editado 9 veces 
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Mensaje Re: GALERÍA DE LA ACADEMIA (VENECIA) 
 
J.Luis gracias de nuevo por este nuevo museo para la galería de la Academia de Venecia.

Un saludo.
 




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Mensaje Re: GALERÍA DE LA ACADEMIA (VENECIA) 
 
Gracias xerbar, poco a poco voy dando salida a los trabajos que tengo preparados.



Saludos.
 




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Mensaje Re: GALERÍA DE LA ACADEMIA (Venecia) 
 
Una extraordinaria exposición con 52 dibujos del gran maestro del Renacimiento italiano Leonardo da Vinci estarán expuestos hasta el 1 de diciembre en la Galería de la Academia en Venecia.



Los dibujos silenciados de Leonardo da Vinci ven de nuevo la luz en Venecia


La Academia de Venecia reúne 52 dibujos, que no se han visto en décadas por motivos de conservación y ahora salen a la luz en una exposición excepecional



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'Estudio para La última cena'. El cuadro fue pintado entre 1495 y 1497. Se encuentra en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán (Italia)

Hay exposiciones excepcionales. Bajo el título, Leonardo, el hombre universal, la Academia de Venecia reúne 52 dibujos de Leonardo da Vinci, que desde hace 30 años no ven la luz por motivos de conservación y ahora es posible adminarlos, hasta el 1 de diciembre. Comprende una buena parte de la producción artística y de las investigaciones científicas del genio italiano: estudios de proporciones, naturaleza, armas, arquitectura, física y mecánica. “He querido presentar un diario personal, una lección de historia artística y científica del maestro”, explica a EL PAIS, la comisaria Annalisa Perissa Torrianini, especialista en la obra de Da Vinci y responsable de la conservación de los 25 dibujos “leonardianos”, adquiridos por la Academia veneciana, en 1822. “La luz es fatal para los dibujos: amenaza con borrarlos. Podemos exhibirlos solo durante tres meses. En diciembre volverán de nuevo a la oscuridad de los caveux europeos”, continúa. Se suman a la colección veneciana otros préstamos valiosos de la Biblioteca Real de Turín, la Galería de los Uffizzi de Florencia, la Galería Nacional de Parma, la Colección Real del Castillo de Windsor y el British Museum de Londres.

Todo comenzó en 1469, cuando el padre de Leonardo, Piero da Vinci, visitó el taller del famoso artista florentino, Andrea Del Verrochio. Piero da Vinci llevaba bajo el brazo un puñado de diseños, firmados por el chico, que apenas tenía 16 años. Sin pensarlo un segundo, el padre de Leonardo le suplicó al maestro para que convirtiera al muchacho en su aprendiz, no sin antes preguntarle: “¿Cree mi hijo puede sacar algún provecho de sus dibujos?”. Provecho es poco. En toda la obra del gran genio del Renacimiento, el dibujo interviene siempre. Sobre el papel, Leonardo anota ideas, hace bocetos, corrige una y otra vez. Sobre el papel, Leonardo, razona, pasa de una idea a otra con la fuerza de su mente creativa. Sobre el papel, convierte el dibujo en un arte.

A las tres de la madrugada del sábado 14 de abril de 1452, nacía Leonardo da Vinci, fruto de la relación ilegítima que mantuvo el notario Piero da Vinci con una mujer pobre, llamada Caterina. Ya desde niño, el padre advierte la capacidad inconsciente de su hijo para asociar formas con gran velocidad y llevarlas al papel. Y es por eso, que en 1469, el progenitor alquila una casa, en la cuna del Renacimiento, la ciudad de Florencia. Ese es el año en que, por primera vez Leornado, siendo un adolescente, pisa el taller de Andrea Del Verrochio, el más importante y serio de la época. En la escuela de arte, Leonardo absorbe como esponja conocimientos y técnicas de su maestro que, desarrollará durante su larga trayectoria: el uso de la luz, los matices del fondo, las formas tridimensionales, y en particular, la sensibilidad por la escultura. Uno de los dibujos más antiguos de Leonardo, Studio di panneggio per figura inginochiata, realizado a los 27 años se expone en Venecia. Es considerado un estudio de preparación para el ángel que aprece de espaldas en Bautismo de Cristo, pintado por Del Verrochio, propiedad de los Uffizzi. “La técnica es excelente, va más allá de la superficies, parece una escultura”, destaca Perissa. Se exhiben además otros dibujos peparatorios de La última cena, La batalla de Anghiari y San Juan bautista.

Artista viajero, visitó Milán, Roma y Francia. Desembarcó en la ciudad de los canales a los 48 años. El viaje dura solo dos meses, pero fue suficiente para despertar inquietudes entre los colegas de la época. Giorgione quedó impresionado al ver el dibujo diminuto (116 por 91 milímetros) de Cabeza de Cristo coronada de espinas, aquí expuesto, y preparado con una punta de oro. Han pasado más de 500 años y los reflejos dorados todavía se perciben en la melena de Cristo. El dibujo es dueño de una mirada penetrante, un rostro dramático y un gesto de sufrimiento. Perissa ha querido resaltar la fuerza de una imagen tan pequeña, colgada junto a la pintura de Giorgione, Cristo con la cruz. (68 por 88 centímetros.). “El cuadro de Giorgione no logra transmitir la potencia de la mirada penetrante que posee el Cristo de Leonardo; de ningún modo logra superar la composición novedosa del maestro”.

Leonardo consideraba que todos los elementos de la naturaleza deben ser representados en la pintura. “La pintura es la más perfecta de todas las ciencias. Si un pintor quiere ser bueno, debe confrontar su arte con todas las cosas que produce la naturaleza. Me parece muy triste el pintor que solo es capaz de hacer bien una figura y no es capaz de ver árboles, animales, flores, hierbas”, escribió el artista, en su libro La pintura. La botánica es otro tema de la muestra, que, destaca el lado más romántico de un Leonardo joven, cuya inocencia se refleja en los dibujos de ramos de moras y violetas, algunas de las cuales aparecen en pinturas firmadas por Del Verrocchio. El viaje a la mente de Da Vinci prosigue con dibujos de temas militares, efectuados entre 1483 y 1490, para pasar luego al periodio francés, bajo las órdenes del rey de Francia, Francisco I. La comisaria Perissa no oculta la emoción que provacan en ella, ver juntos, por primera vez dos dibujos que son obras maestras: Fanciulla che indica y Ninfe danzanti. El primero ha seducido durante siglos a estudiosos del mundo entero, encantados por el misterio y la magia que envuelven a esta mujer, que, con la mano izquierda señala hacia el infinito. Hay que reconocerlo, el rostro posee la sonrisa inconfundible de la Gioconda. “Ambos dibujos pertenecen a una representación teatral. Leonardo diseñaba y construía escenografías para el teatro y matriomonios. Era también lo que hoy definimos un escenógrafo”, matiza Perissa.

La muestra concluye con el dibujo más célebre de Leonardo, el Hombre de Vitruvio, realizado a partir de los estudios del arquitecto de la antigua Roma, Vitruvio. El hombre de melena larga, (que algunos críticos sostienen es un autorretrato) posa con los brazos y las piernas extendidas, y es sin duda el símbolo de las proporciones humanas ideales, que, se sobreponen a las figuras geométricas perfectas: el círculo (el cielo) y el cuadrado (la tierra). Junto al melenudo hombre vitruviano, por primera vez, cuelgan otros 11 estudios de proporciones de caballos y de perfiles humanos, indispesables para comprender la obsesión de Leonardo por las proporciones. “El pintor debe pintar respetando las reglas de un cuerpo natural, que debe presentar proporciones exactas”, escribió Leonardo, una de las mentes más brillantes de Europa durante el primer Renacimiento. Y de su genialidad quieren ser testigo los centenares de turistas que, pese a las mareas altas del otoño, hacen cola a diario para observar una exposición tan particular.


Da Vinci, la mente que nunca se detuvo


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'El Hombre de Vitruvio'. realizado a partir de los estudios del arquitecto de la antigua Roma, Vitruvio. El hombre de melena larga, (que algunos críticos sostienen es un autorretrato) posa con los brazos y las piernas extendidas, y es sin duda el símbolo de las proporciones humanas ideales, que, se sobreponen a las figuras geométricas perfectas: el círculo (el cielo) y el cuadrado (la tierra).


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Tronco de un hombre de perfil con esquema de proporción, estudio de caballo y caballeros.


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Boceto de 'Cabeza de Cristo con espinas'. Han pasado más de 500 años y los reflejos dorados todavía se perciben en la melena de Cristo.


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Fanciulla che indica.


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Ninfas bailando.


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Estudios de proporciones de la cara y del ojo con anotaciones.

Hay exposiciones excepcionales. Bajo el título, Leonardo, el hombre universal, la Academia de Venecia reúne 52 dibujos de Leonardo da Vinci, que desde hace 30 años no ven la luz por motivos de conservación y ahora es posible admirarlos, hasta el 1 de diciembre. Comprende una buena parte de la producción artística y de las investigaciones científicas del genio italiano: estudios de proporciones, naturaleza, armas, arquitectura, física y mecánica.


Fuente: cultura.elpais.com
 




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