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HOGARTH, William
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Mensaje HOGARTH, William 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado a William Hogarth (Londres, 10 de noviembre, 1697-id. 26 de octubre, 1764) fue un artista británico, grabador, ilustrador y pintor satírico. Se le considera pionero de las historietas occidentales. Su obra varía desde el excelente retrato realista a una serie de pinturas al estilo de los cómics llamadas «costumbres morales modernas». Mucha de su obra, que llega a veces a ser despiadada, se burla de las costumbres y la política contemporáneos. Es el gran maestro de la sátira social y política, en contacto directo con la literatura contemporánea de un Henry Fielding. Se le considera uno de los padres de la escuela artística británica, tras varios siglos de predominio de artistas extranjeros en el país.


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William Hogarth - Detalle 'El pintor y su pug', 1745, Tate Britain, Londres.

Hijo de un pobre maestro de escuela y autor de libros de texto, William Hogarth nació en el barrio londinense de Bartholomew Close.

Inicios

En su juventud fue aprendiz del grabador Ellis Gamble en Leicester Fields, donde aprendió a grabar. El joven Hogarth también se interesó en la vida de las calles y de las ferias londinenses, y se entretuvo esbozando los personajes que veía. Por la misma época, su padre fue encarcelado por deudas en la prisión de Fleet durante cinco años. Hogarth nunca habló al respecto.

En abril de 1720, Hogarth se estableció como grabador independiente, primero grabando trabajos menores como escudos de armas y facturas de tiendas, así como ilustraciones para libros. En 1727 fue contratado por Joshua Morris, un tapicero, para diseñar una alegoría de El elemento Tierra. Morris, al oír que Hogarth era «un grabador, no un pintor», rechazó la obra cuando estaba acabada, y Hogarth le demandó ante el tribunal de Westminster donde, el 28 de mayo de 1728, el caso se decidió a favor de Hogarth.

El 23 de marzo de 1729 Hogarth se casó con Jane Thornhill, hija del artista sir James Thornhill.

Tanteos como pintor

Tras unos primeros años como grabador y diseñador de segundo nivel, Hogarth decidió dar el salto a la categoría de pintor, pero no le fue fácil. En aquella época los grandes encargos artísticos de Londres eran acaparados por artistas extranjeros, dentro de un estilo rococó y ampuloso que Hogarth consideraba artificial. Los reyes y la nobleza ingleses subestimaban a los artistas nacionales y preferían convocar a los más cotizados del continente, lo que explica que desde el siglo XVI, los artistas ingleses fuesen eclipsados por autores extranjeros instalados en el país como Hans Holbein el Joven, Rubens, Van Dyck, Orazio Gentileschi, Sebastiano Ricci y Canaletto.

Hogarth criticaba el gusto inglés por la mitología y los retratos pomposos, pero la falta de encargos le obligó a flaquear en sus convicciones: abordó temas históricos de la Antigüedad, pero no alcanzó resultados convincentes.

Éxito con temas satíricos

Su despegue como artista de renombre se puede situar en la década de 1730, cuando se volcó en sus temas satíricos. Lector de Jonathan Swift, criticaba la hipocresía de las clases altas. Su viaje a París en 1744 le hace conocer el rococó francés, lo que le influye en sus conversation pieces y en el tratamiento de los vestidos y las telas en sus cuadros.

Hogarth intentó explotar comercialmente sus mejores creaciones, repitiéndolas en grabado. Sin embargo, alcanzó tal éxito que fue víctima de la piratería; sus diseños eran replicados de forma indiscriminada en Europa, y él apenas se lucró de ellos.

En 1745 se representó junto a su perrita Trump en un famoso autorretrato (Museo Tate Britain de Londres) inspirado en otro autorretrato de Murillo (ahora en la National Gallery de Londres). Hogarth procuró reflejar su personalidad: se supone que el perro es símbolo de perseverancia, y él viste ropajes modestos. Junto a su efigie aparecen varios de sus libros satíricos favoritos. Una paleta muestra la inscripción The line of Beauty (El análisis de la belleza), que alude a un tratado de estética que estaba preparando. Lo publicó, acompañado de grabados, en 1753. En él, defendía la expresividad del trazo curvo frente al sobrio neoclasicismo.

El artista se encuentra enterrado en el cementerio de San Nicolás, en Chiswick Mall, Chiswick, Londres. Su amigo el actor David Garrick escribió la inscripción de su tumba.


OBRAS

Es célebre por sus retratos y especialmente por sus grabados, sobre todos aquéllos que representan las series satíricas que previamente había elaborado como cuadros.

Representaciones de la vida popular

Hogarth comenzó pintando representaciones realistas de la vida popular:

    - Una calle (1725, Upperville, EE. UU. Col. Mellon)
    - El reconocimiento de la paternidad (h. 1726, Dublín, N.G.)
    - Los fieles dormidos (1728, Minneapolis, I. A.)

Al final de su vida artística recuperó estos temas realistas de la vida contemporánea popular:


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La vendedora de camarones, h. 1740-1745. Óleo sobre lienzo, 63,5 × 52,5 cm. National Gallery de Londres

    - La vendedora de quisquillas (Shrimp Girl, o La vendedora de camarones, 1740, National Gallery, Londres), es un esbozo al óleo inacabado que, sin embargo, puede considerarse una obra maestra de la pintura inglesa. Además de sus ciclos narrativos sobre costumbres de la época, Hogarth destacó como retratista, como puede verse en este, uno de sus mejores retratos, realizado en la parte final de su carrera. Se trata de una composición improvisada, ágil, en la que con espontaneidad se refleja lo observado por el pintor.

    - En casa del costurero o En casa del modista (1744, Londres, T. G.)
    - El baile (1745, Camberwell, South London A.G.)


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Capitán Thomas Coram, 1740.


Retratos

Hogarth realizó pequeños "conversation pieces", esto es, retratos de grupo: A finales de los años 1720, ridículos y soberbios en sus finos vestidos, mientras que los pobres se preocupan de la comida y el sexo.

    - La boda de Stephen Beckingham y Mary Cox (h. 1729, Nueva York, M.M.)
    - La familia Wollaston (1736, Leicester, A.G.)
    - La familia Fountaine
    - Recepción en casa de sir Richard y lady Child (1730, Filadelfia, M.A.)
    - Niños jugando a hacer teatro en casa de J. Conduitt...(1731)

Realiza varios cuadros de los actores principales de la popular The Beggar's Opera (La ópera del pordiosero), de John Gay, 1728. Varios son los retratos que hace de artistas en la vida cotidiana, entre ellos:

    - Sarah Malcolm en prisión (1733, Edimburgo)
    - El poeta en la miseria (1729-1736, Birmingham. M.A.).
    - Retrato del actor David Garrick como Ricardo III (1746), por el que le pagaron 200 libras, “que es más”, escribió, “de lo que ningún artista inglés ha recibido nunca por un único retrato”.
    - El actor Garrick y su mujer (1757, Londres, castillo de Windsor)

A finales de los años 1730, recibe numerosos encargos de retratos por parte de la próspera burguesía:

    - George Arnold (h. 1738, Cambridge, F.M.)
    - Capitán Thomas Coram (1740, Londres). Es un retrato sincero de su amigo, el filántropo Captain Coram (1740; primero en la Thomas Coram Foundation for Children, ahora en el Foundling Museum).
    - Retrato de los niños Graham o Los hijos del doctor Graham (1742, Londres)
    - Mary Edwards (1742, Nueva York, F.C.)
    - Benjamin Hoadly, Obispo de Winchester (1743, Londres, T.G.)
    - Mrs. Elisabeth Salter (1744, Londres)
    - El Capitán Graham en su camarote (1745?, Greenwich)
    - Los servidores del pintor o Los criados del pintor (1750-1755?)

En 1745 Hogarth pintó un Autorretrato con su perro (que se encuentra actualmente en la Tate Britain) en el que se muestra como un artista instruido, apoyado por volúmenes de Shakespeare, Milton y Swift. Él mismo lo reprodujo en grabado cuatro años después.


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La carrera de una prostituta, grabado 5, Moll muere de una enfermedad venérea.


Ciclos satíricos

Hogarth es conocido, sobre todo, por sus ciclos satíricos. Se trata de series de lienzos que exponen una historia novelesca contemporánea, con gran viveza y espíritu crítico. Posteriormente, grabó los mismos, y a través del grabado estas composiciones obtuvieron una gran difusión.

    - La carrera de una prostituta (1732, cuadros destruidos; se conoce por las copias grabadas).

Es la primera de sus obras morales. En sus seis escenas, el miserable destino de una chica del campo que comenzó una carrera de prostitución en la ciudad se sigue desde el principio hasta su degradado final, con la muerte por enfermedad venérea y el funeral sin ceremonias. La serie tuvo un éxito inmediato.

    - La vida de un libertino (1736, Museo Soane de Londres).

Es una secuela de la serie anterior, mostrando en ocho imágenes la vida de Tom Rakewell, hijo de un rico comerciante, que malgasta su dinero en una vida de lujo, prostitutas, el juego y al final acaba su vida en Bedlam.


    - Los cuatro tiempos del día (1738).

Es su versión de los tradicionales cuatro momentos del día, de los acontecimientos que ocurren por la mañana, al mediodía, por la tarde y por la noche. En la Mañana, una rica mujer acude a la iglesia, evitando mirar a dos pordioseros, con lo que muestra la hipocresía de los beatos que van a la iglesia pero que ignoran las desgracias de sus semejantes. Mediodía muestra a parroquianos bien vestidos que salen de la iglesia mientras que a su lado hay gente pobre sufriendo, y en medio una carretera que los divide. Muestra claramente el abismo social entre las clases alta y baja.


    - Marriage à-la-mode (El casamiento a la moda) (1743-45, National Gallery, Londres).


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El contrato de boda. Casamiento a la moda (título original Marriage à-la-mode) es una serie de seis cuadros pintados por William Hogarth en 1745. Se trata de una denuncia moralizante sobre las terribles consecuencias de los matrimonios acordados por dinero entre las clases altas inglesas del siglo XVIII.


    - Industriosidad y pereza (1747).

En esta serie de doce escenas, Hogarth muestra la evolución en la vida de dos aprendices, uno que se dedica al trabajo duro y otro perezoso que acaba cayendo en el crimen y siendo ejecutado.

    - La calle de la cerveza y la de la ginebra (1751).

Representa las desagradables consecuencias del alcoholismo, contrastando la feliz normalidad de los que beben cerveza inglesa, frente a los alcohólicos que se dedican a la ginebra. Estas láminas se publicaron en parte para apoyar el “Acta de la Ginebra” de 1751. Se supone que el magistrado Henry Fielding le informó de estos procedimientos, para ayudar a la propaganda del Acta de la ginebra.

   - Las Cuatro etapas de crueldad (1751).

Con esta serie Hogarth pretendía mostrar algunas de las terribles costumbres de los criminales, comenzando con la tortura de animales.

    - La campaña electoral (1754, Museo Soane de Londres).


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Industriosidad y pereza, lámina 11, El aprendiz perezoso ejecutado en Tyburn


Temas históricos

A lo largo de su vida, Hogarth intentó alcanzar el estatus de pintor de historia, pero no tuvo gran éxito en este campo, con escenas bíblicas e históricas.

    - El buen samaritano y La piscina probática (1735-1736, Londres, Hospital de San Bartolomé)
    - Moisés llevado ante la hija del faraón (1746, Londres, Foundling Hospital)
    - San Pablo ante Félix (1748, Londres, Lincoln’s Inn Society)
    - Tríptico para la iglesia Saint Mary Redcliffe de Brístol: Las tres Marías en la tumba, La Ascensión y El cierre de la tumba (1756, Bristol, City A.G.)


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    - La puerta de Calais (también conocida como, Oh, el rosbif de la vieja Inglaterra, 1748, Londres, Tate Britain). Se produjo poco después de su visita a Francia. Horace Walpole escribió que Hogarth había corrido un gran riesgo al marchar a Francia. Fue tan imprudente que dibujó un esbozo del puente levadizo en Calais. Fue detenido y llevado ante el gobernador, donde se vio forzado a probar su vocación dibujando varias caricaturas de los franceses. En una de ellas representaba una enorme pieza de carne de vaca que tenía como destino la posada inglesa en Calais, a la que seguían varios monjes hambrientos. A los franceses les divirtieron sus dibujos y lo dejaron marchar. De vuelta a casa, inmediatamente ejecutó una pintura sobre el tema, cuadro en el que los franceses aparecen como personas encogidas, consumidas y supersticiosas, frente a un enorme solomillo de vaca que llega con destino a la posada inglesa como símbolo de la prosperidad y superioridad inglesas.
    

Valoración

Hogarth vivió en una época en la que el arte se comercializaba cada vez más y se veía en los escaparates de las tiendas, tabernas y edificios públicos. Todo el arte estaba transformándose, popularizándose, como podía verse en las óperas baladas frente a la ópera seria extranjera o las novelas de autores como Henry Fielding. Por ello, Hogarth acertó al tomar como tema de sus obras pintar y grabar temas morales modernos. Provenía de una tradición moralizante tradición del Protestantismo, representada en la pintura de género holandesa, y los vigorosos panfletos satíricos ingleses. En Inglaterra las Bellas Artes tenían poca comedia antes de Hogarth. No obstante, sus grabados eran caros, y sólo en el siglo XIX se divulgaron alcanzando a un público más amplio.

Cuando se analiza la obra del artista en su conjunto, Ronald Paulson, moderna autoridad sobre Hogarth, le ve como un auténtico y subversivo parodiador. Dice: “En La carrera de una prostituta, todas las láminas excepto una están basadas en las imágenes de Durero de la historia de la Virgen María y de la Pasión”. En otras obras, parodia la Última cena de Leonardo da Vinci. De acuerdo con Paulson, Hogarth está subvirtiendo el establishment religioso y las creencias ortodoxas en un Dios inmanente que interviene en las vidas de la gente y produce milagros. En realidad, Hogarth fue un deísta, un creyente en un Dios que creó el universo pero que no interviene directamente en la vida de sus criaturas.

Sus grabados satíricos son considerados a menudo como importantes precedentes de las historietas. La ópera de Igor Stravinsky, The Rake's Progress, con libretto de W. H. Auden, se inspira en las series de pinturas de Hogarth de ese título.

Espero os guste la recopilación que he conseguido este pintor holandés, y en la medida de lo posible contribuya en la divulgación de su obra.






Algunas obras


 13el_pintor_y_su_pug_1745_tate_britain_londres

William Hogarth - Autorretrato, 1745. Óleo sobre lienzo, 90,2 × 69,8 cm. Tate Britain, Londres. Hogarth tenía, en la época de este retrato, 48 años.

Este Autorretrato del pintor británico William Hogarth con su perro está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 90,2 cm de alto y 69,8 cm de ancho. Fue pintado en 1745, encontrándose actualmente en la Tate Gallery, Londres, Reino Unido.

Este Autorretrato con perrito que toma como modelo el Autorretrato de Murillo conservado en la National Gallery de Londres, se ha convertido en prototipo del retrato rococó. En efecto, lejos de idealizar al modelo, el mismo se presenta de manera cotidiana y nada lisonjera. Aparece como un cuadro, rodeado por un marco oval, dentro del propio cuadro, apoyado sobre unos libros, con la paleta (atributo de su oficio) a la izquierda y el perro a la derecha. En la paleta se ve grabada una línea en forma de «S» que se caracteriza como «LINE of BEAUTY and GRACE», esto es, un tema central en Análisis de la belleza, libro que expone la teoría del arte de Hogarth.

El pintor viste prendas caseras. Se pone, además, junto a su perro, aludiendo al parecido o semejanza entre uno y otro. No obstante, al tiempo apoya el cuadro en una serie de libros, destacando de este modo la formación y los gustos literarios del autor: Shakespeare, Milton y Swift.


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Los sirvientes del pintor. Hacia 1750-1755. Óleo sobre lienzo, 62,2 × 74,9 cm. Tate Gallery, Londres, Reino Unido. Obra de William Hogarth

Se trata de una obra tardía de su autor, en que muestra lo mejor de su arte como retratista. No se trata de una obra de encargo, sino que Hogarth la pintó por decisión propia. Dentro del género del retrato, es de las más inusuales.

Ha reflejado a sus sirvientes o criados, cada uno con su propia individualidad. Con realismo describe su apariencia natural y aparecen con sus trajes ordinarios de trabajo.

Emplea los medios de un boceto pero trata cada rostro con cariño, lo cual es coherente con las fuentes contemporáneas al autor, que señalan que sus criados le tenían una gran devoción. No se relacionan entre ellos, sino que son poco más que cabezas apiñadas en un pequeño espacio. Cada uno mira en una dirección distinta, sin revelar nada sobre sí mismos. En los hombres se aprecia la evolución de la persona, desde el muchacho del centro de la parte superior, al hombre del centro del cuadro, al señor maduro de la esquina superior derecha, llamado Ben Ives.


 4segismunda_llorando_sobre_el_coraz_n_de_guiscardo

Segismunda llorando sobre el corazón de Guiscardo, 1759. Óleo sobre lienzo, 100.4 × 126.5 cm. Galería Tate Gallery, Londres, Reino Unido. Obra de William Hogarth.

Completado en 1759, era la pieza principal de ocho obras que él presentó en una exposición en 1761. Fue el último y más ambicioso de sus intentos de obtener una reputación como un pintor de género. Representa un momento dramático en una de las novelles en el Decamerón de Boccaccio. Hogarth tuvo la esperanza que este trabajo fuera aclamado como una obra maestra de la pintura dramática, en cambio la obra fue recibida con críticas y burlas. En el catálogo de la exposición de obras de Hogarth de la Galería Tate en 2007, la crítica fue descrita como «algo del oprobio crítico más condenatorio que el artista nunca sufrió».

Sigismunda mourning over the Heart of Guiscardo (título original en inglés) ilustra una escena de la primera historia en el día 4 del Decameron, una colección medieval de cuentos (o novelle) por el escritor y poeta italiano Giovanni Boccaccio. Sentada en una mesa de madera ornamentada, con una tiara de perlas y cubierta de seda, es Segismunda (llamada «Ghismonda» en el cuento original, de Boccaccio), la heroína de una de las novelles. Toma una copa de oro que contenía el corazón de su marido asesinado, Guiscardo. Guiscardo fue un siervo y paje en la corte del padre de Segismunda, el príncipe Tancredo de Salerno.6 Cuando el padre de Segismunda descubrió que Guiscardo y Segismunda se habían casado en secreto, airadamente ordenó a sus hombres asesinar al plebeyo Guiscardo, tomar su corazón y entregarlo a Segismunda en una copa de oro.3 A pesar de que ella se comprometió a morir sin derramar una lágrima, llora mientras se da cuenta de que su padre ha matado a su marido. Entonces, añade veneno a la copa que contiene el corazón de Guiscardo, y se suicida.

Es probable que Hogarth usó a su esposa, Jane, como modelo. Él afirmó que durante mucho tiempo había estado interesado en la historia de Segismunda, que había aparecido en Inglaterra en varias versiones a mediados del siglo XVIII. Había llegado a ser popular después de ser traducido en el volumen de 1699 Fables, Ancient and Modern de John Dryden, y adaptado para la época inglesa por James Thomson en 1745.


Marriage à-la-mode (El casamiento a la moda) (1743-45, National Gallery, Londres). Casamiento a la moda (título original Marriage à-la-mode) es una serie de seis cuadros pintados por William Hogarth en 1745. Se trata de una denuncia moralizante sobre las terribles consecuencias de los matrimonios acordados por dinero entre las clases altas inglesas del siglo XVIII.


 6el_contrato_de_boda

El contrato de boda.


 5marriage_la_mode_poco_despu_s_de_la_boda_escena_segunda

Marriage à-la-mode, Poco después de la boda (escena segunda).


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La visita al médico (escena tercera).


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El despertar de la condesa (escena cuarta).


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La muerte del conde (escena quinta).


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El suicidio de la condesa (escena sexta). Esta serie de seis escenas narran por episodios la boda de un noble arruinado y una joven burguesa. Muchos consideran que es su mejor obra, desde luego es el mejor ejemplo de sus series. Hogarth pinta una sátira, un género que por definición tiene un punto de vista moral que transmitir. El arruinado Conde de Squanderfield se casa con la hija de un rico comerciante, y comienza con la firma del contrato de matrimonio en la mansión del conde, y acaba con el asesinato del hijo por el amante de su mujer y el suicidio de la hija después de que su amante sea ahorcado en Tyburn por el asesinato de su marido.


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Portrait of a Man, 1741


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A Fishing Party, c. 1730-31


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Morning


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Wanstead Assembly at Wanstead House by Hogarth


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A Scene from the Beggar's Opera, c. 1728


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Portrait of a Family, c. 1735


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Sign for a paviour, c. 1725


 24william_hogarth_the_marriage_of_stephen_beckingham_and_mary_cox_wga11458

The Marriage of Stephen Beckingham and Mary Cox, c. 1729


 25william_hogarth_017

A Scene from Act I, Scene 2 (Ferdinand courting Miranda) of Shakespeare's „The Tempest“, c. 1736


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'Fiesta', 1754-1755


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Beer Street - Gin Lane. Gin Lane (Calle de la ginebra o Callejón de la ginebra) es el título de una obra del artista inglés William Hogarth, quien realizó dos grabados sobre la misma temática, respectivamente titulados Beer Street y Gin Lane, en el momento álgido de lo que se conoció como la "London Gin Craze" (locura londinense por la ginebra) en 1751.1 Estos dos grabados se imprimieron al mismo tiempo en que el amigo de Hogarth, Henry Fielding, publicó su contribución al debate sobre la ginebra: An Inquiry into the Late Increase in Robbers (Una investigación sobre el incremento reciente de los ladrones).

La crisis de la ginebra fue muy severa, y las pinturas de Hogarth no eran tan caricaturescas como puede suponerse. Desde 1690 en adelante, el gobierno británico animó a la industria de la destilería, pues servía para incrementar el precio del grano, que entonces era bajo, así como el comercio, en particular con las colonias. De hecho, Daniel Defoe y Charles Davenant, entre otros, y particularmente economistas whigs (del Partido Liberal británico), habían visto en la destilería uno de los pilares de la prosperidad británica en la balanza de pagos (aunque Defoe luego cambió de opinión y apoyó la legislación contra la ginebra).

Esta obra de Hogarth está ambientada en St. Giles (Londres), y la figura más chocante es la de una madre borracha y con manchas en la pierna (presumiblemente por sífilis). Ambas obras, Beer Street y Gin Lane, parecen ser una advertencia sin ambages contra los horrores de la ginebra y de las adicciones, y una incitación a la reflexión sobre la temática del alcoholismo. No obstante, algunos aprecian cierta ambivalencia en la postura de Hogarth. Charles Lamb, escritor y bebedor, la consideraba "sublime". Y por su parte, William Hazlitt y Charles Dickens también admiraron el grabado, advirtiendo este último que el mensaje verdadero de la pieza era una advertencia contra los horrores de la pobreza, y no simplemente sobre los peligros del consumo de alcohol.


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Pinturas de William Hogarth


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Hogarth painting the comic muse. Etching after W. Hogarth. Iconographic Collections Keywords: William Hogarth

Ilustraciones y grabados de William Hogarth




Hogarth, William (1697-1764)
 

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The analysis of beauty…/ by William Hogarth. -- London : printed by J. Reeves for the author…, 1753 Cerv/591

La figura de William Hogarth es una de las más fascinantes del arte del siglo XVIII. Como pintor ha sido considerado a menudo como el fundador de la escuela británica, como grabador realizó numerosas series que popularizaron por toda Eurpoa sus «temas morales modernos», conjuntos de estampas que narraban historias moralizantes. Como teórico su obra más importante es este Análisis de la Belleza, ilustrado con dos grandes estampas plegadas, que cuentan entre sus obras más complejas. En la obra expresa su oposición a las teorías clasicistas y su inclinación por aquello que «agrada y entretiene a la vista». Para ello desarrolla su teoría en torno a la «línea de la belleza», la línea serpentina que epitomiza la variedad y diversidad de la naturaleza.



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Hogarth bust. Leicester Square, London, UK.



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a William Hogarth (Londres, 10 de noviembre, 1697-id. 26 de octubre, 1764) fue un artista británico, grabador, ilustrador y pintor satírico. Se le considera pionero de las historietas occidentales. Su obra varía desde el excelente retrato realista a una serie de pinturas al estilo de los cómics llamadas «costumbres morales modernas». Mucha de su obra, que llega a veces a ser despiadada, se burla de las costumbres y la política contemporáneos. Es el gran maestro de la sátira social y política, en contacto directo con la literatura contemporánea de un Henry Fielding. Se le considera uno de los padres de la escuela artística británica, tras varios siglos de predominio de artistas extranjeros en el país.
 

Fuentes y agradecimientos a: es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, museodelprado.es, artcyclopedia.com, wga.hu, pintura.aut.org, artrenewal.org, y otras de Internet.
 




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última edición por j.luis el Martes, 05 May 2015, 23:11; editado 4 veces 
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Mensaje Re: HOGARTH 
 
J.Luis gracias por esta nueva galería de Hogarth, como siempre otra más que merece su rincón.  

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: HOGARTH 
 
Gracias xerbar, veo que ya has hecho los enlaces directos de las tres penultimas Galerías. je, je, ya solo te falta ésta, la número 100..., cuando puedas, por favor.



 



Saludos.
 




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Mensaje Re: HOGARTH 
 
Hogarth y Rembrandt en el Louvre


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Marriage A-la-Mode: 4. The Toilette. About 1743. Oil on canvas, 70.5 x 90.8 cm. Obra de William Hogarth

El Museo del Louvre reúne en un mini-site dos exposiciones de William Hogarth (Londres, 1697-1764) y Rembrandt (Leiden, 1606 – 1669). A diferencia del segundo, Hogarth no ha logrado el mismo reconocimiento a pesar de ser considerado como el pintor inglés más relevante del siglo XVIII. Su pintura, enmarcada en el estilo Rococó, refleja de forma sobresaliente la sociedad de su tiempo. La muestra se divide en seis secciones, mostrándose en la última cinco fotografías de Yinka Shonibare (Londres, 1962), en las que se recrean las series más importantes de Hogarth.


 louvre

Museo del Louvre


almendron.com
 




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