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NATIONAL GALLERY (LONDRES)
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Post NATIONAL GALLERY (LONDRES) 
 
En nuestra sección de Grandes Museos, no podía faltar la National Gallery de Londres, es una de las grandes pinacotecas del mundo.

En mi viaje relámpago a la City, no tuve tiempo de visitar ningún museo, así que me tendré que conformar con visualizarlo por Internet, pero será visita obligada cuando haya ocasión, al igual que el Museo Británico que me muero de ganas de conocerlo.

Espero que este trabajo recopilatorio os resulte interesante, y en lo posible contribuya en su divulgación.






HISTORIA:


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La National Gallery es el museo de arte de Londres, situado en la parte norte de Trafalgar Square. Exhibe pintura europea de 1250 a 1900, procedente de la colección nacional de arte del Reino Unido. La colección permanente, que consta de 2.300 pinturas, pertenece al Estado británico, por lo que la entrada es pública, sólo teniendo que pagarse la entrada a determinadas exposiciones especiales.


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El origen de la National Gallery, está en la colección de un particular británico, John Julius Argenstein, que fue adquirida por el Estado en 1824. Ampliada con fondos de la colección real británica, se consideró necesario acondicionar un edificio para exponer las pinturas adecuadamente; de este modo, en 1838 se construyó el actual edificio, que alberga al completo la colección.

Fue conformada principalmente por sus primeros directores, incluido el pintor Sir Charles Lock Eastlake, y aumentada por donaciones privadas, que actualmente componen dos tercios de su colección permanente. Aunque de tamaño reducido, en comparación con otras pinacotecas como el Louvre.


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La National Gallery destaca por exhibir obras maestras de toda la Historia de Arte occidental, haciendo posible admirar a través de su colección la evolución de los estilos pictóricos desde el comienzo del Renacimiento hasta el Postimpresionismo. La original National Gallery en el siglo XIX estaba basada primordialmente en arte italiano y neerlandés mientras que poco a poco fue aumentando sus obras de arte moderno.


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El criterio museográfico es el de la exposición cronológica. Sus amplísimos fondos, que alcanzan facetas muy diversas del arte europeo desde el siglo XV, hacen que la National Gallery resulte equiparable a otros dos grandes museos de la pintura universal, el Louvre en París y el Prado en Madrid. Estos tres museos fueron fundados en fecha similar y responden a la misma inquietud enciclopédica que pretende repasar todos los estilos hasta el arte de su momento.

La National Gallery, abarca todos los períodos y estilos. Sólo dos salvedades deben hacerse: los retratos, que se contemplan en la vecina National Portrait Gallery, y los cuadros más recientes, que han pasado a la Tate Gallery, también en Londres.

La National Gallery ha sido alojada en tres edificios diferentes, cada uno de los cuales se vio con el tiempo inadecuado para los propósitos expositivos. El edificio actual fue comenzado por William Wilkins, y ha sido objeto de notables extensiones, cuyas obras principales estuvieron a cargo de Edward Middleton Barry y Robert Venturi. Desde 2002, el director de esta institución es Charles Saumarez Smith.


DIRECCIÓN:

National G., National Gallery de Londres
Dirección: Trafalgar Square, WC2
Ciudad: Londres
País: Reino Unido
Teléfono: (721) 457 21 34


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Interior de la National Gallery desde su entrada principal.




Posiblemente las 12 Obras más importantes de la National Gallery


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La Virgen de las Rocas, es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica composición pictórica con óleo sobre madera. La versión del Louvre fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la de Londrés aún permanece sobre la tabla. Es bastante grande, de 200 x 120 cm.

En general se acepta que esta versión de La Virgen de las rocas es posterior a la del Louvre, pintada entre 1492 y 1508. La de Londres apunta a un estilo más maduro, pero se cree que posiblemente la pintó con la ayuda de otros artistas, quizá los hermanos Predis u otros pintores. La autenticidad de la versión de Londres en su integridad ha sido cuestionada por la geóloga Ann C. Pizzorusso, quien señala sus errores geológicos, a diferencia de la versión del Louvre, implicando que es improbable que provenga de la mano de Leonardo.

Esta segunda versión sería la que se instaló en San Francesco Grande con las alas realizadas por los hermanos De Predis. Allí estuvo hasta la disolución de la Confraternidad en 1781. Fue adquirida en 1785 por el pintor Gavin Hamilton por 112 cequíes de Roma, siendo robada de Florencia durante las guerras napoleónicas y recuperada, unos 50 años después, en una pequeña ciudad de Austria. Desde entonces, fue adquirida por un comerciante francés antes de ser vendida a la National Gallery de Londres en 1880 y donde se conserva hoy junto con las dos tablas de De Predis.

En junio de 2005, la imagen infrarroja, al parecer reveló la existencia de un cuadro previo debajo del actual. Se cree que representa a una mujer arrodillada sosteniendo a un niño con una mano. Algunos investigadores creen que la intención original del artista era pintar una Adoración del Niño Jesús.

Leer más: http://es.wikipedia.org/wiki/La_Virgen_de_las_Rocas



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El Cristo en casa de Marta y María. es un cuadro de Velázquez, realizados en su etapa sevillana, hacia 1619. Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres. El cuadro presenta a una joven que se encuentra trabajando en la cocina y que delante de ella tiene una mesa llena de comida y animales, (unos ajos que posiblemente es lo que está machacando, unos huevos y unos pescados). Sin duda se encuentra cocinando algo. Junto a ella una mujer mayor se acerca y parece que quiere señalarle algo con el dedo índice de la mano derecha. Al fondo, como si fuera un cuadro dentro del cuadro aparece una escena religiosa que da el título al cuadro ya que aparece la figura de Jesucristo hablando con una mujer mientras se acerca a ellos una mujer mayor.

La escena describe un episodio del evangelio de San Lucas, según el cual Jesús paró en casa de una mujer de nombre Marta y mientras esta se afanaba por realizar la comida, su hermana, María, no dejaba de escuchar a Jesús y no ayudaba a su hermana. Marta se lo recriminó y Jesús le contestó que su hermana María había escogido la mejor parte que era escucharle a él mientras Marta estaba inquieta y preocupada por la cantidad de cosas que tenía que hacer.

Parece pues que en el cuadro la mujer vieja sirve de enlace entre las dos escenas, por un lado ve como María se encuentra escuchando a Jesús y por otro lado advierte a Marta de que su hermana no le está ayudando nada en la preparación de la comida.

Este tipo de escenas conectadas ya las había realizado con anterioridad Velázquez, ya que en el cuadro La mulata una sirvienta habría ido a la cocina para buscar algo de lo que está sirviendo en la mesa, esa mesa, que aparece en la escena del fondo representa a Jesucristo con los discípulos de Emaús. Como en todos estos cuadros de primera época es muy destacable la calidad de los objetos que aparecen en el cuadro, todo lo metálico, cerámico o cristal, incluso los alimentos que aparecen en la mesa, están realizados con un detallismo y una calidad fotográfica excelentes.



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La Venus del Espejo. Ess un cuadro de Velázquez (1599-1660), el pintor más destacado del Siglo de Oro español. Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, donde se la exhibe como The Toilet of Venus o The Rokeby Venus. El sobrenombre «Rokeby» proviene de que durante todo el siglo XIX estaba en el Rokeby Hall de Yorkshire. Anteriormente perteneció a la Casa de Alba y a Godoy, época en la que seguramente se conservaba en el Palacio de Buenavista de Madrid.

La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo, prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano...

Leer más: http://es.wikipedia.org/wiki/Venus_del_espejo



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Santa Margarita, es un lienzo de Francisco de Zurbarán conservado en la National Gallery de Londres. Aunque los ojos y los rasgos del rostro hicieron pensar a algunos críticos que se trataba de la misma modelo que se utilizó para pintar a Santa Águeda. Zurbarán representa a Santa Margarita con los trazos de una elegante pastora. El bastón que sostiene en la mano, que podría pasar por un báculo de no estar terminado por un gancho, la presencia inquietante de un dragón, a la izquierda, nos inducen a pensar que se trata de una tragedia.
«Esta bella pastora, con una postura muy afectada, parece salida de una escena teatral.

En efecto, en muchas de las procesiones o de los autos sacramentales llevados a cabo durante la semana del Corpus Christi, algunos historiadores hacen aparecer a esta santa, así como en las comedias de las Santas representadas en las corralas de Sevilla, y, tal vez, Zurbarán se inspirara en estas imágenes. Las heroínas son, siempre, muy jóvenes y hermosas, como la Santa Juana de Tirso de Molina, o la Santa Margarita de Enciso.


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El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de hoy, los historiadores del arte discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del mismo, y el consenso actual es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.



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El bautismo de Cristo, es uno de los cuadros más conocidos del pintor Italiano Piero della Francesca. Está realizado al temple al huevo sobre tabla. Mide 167 cm de alto y 116 cm de ancho. Fue pintado hacia 1450, encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres, Reino Unido.

Está constituido por dos grandes planchas de álamo al veteado vertical, con las proporciones del rectángulo de oro. El eje medio genera una partición calculada, aunque no simétrica. El árbol a la izquierda que divide el cuadro en proporción áurea, tiene más valor como cesura que el grupo central. Es la parte central de un tríptico, destinado al altar central de la Iglesia de San Juan en Borgo San Sepolcro. Las otras partes del retablo se conservan hoy en la catedral, obra de Matteo di Giovanni. sta es una de las obras tempranas más famosas de su autor.



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Los Embajadores —el cuadro se llama en realidad Jean de Dinteville y Georges de Selve— es una pintura de Hans Holbein el Joven, actualmente en la National Gallery de Londres. Es una de las obras maestras del pintor y de la pintura en general.

Triplemente importante por sus resonancias históricas, por su riqueza simbólica y por su excelencia plástica, incluye un raro objeto en primer plano que fue algo misterioso durante mucho tiempo. Fue en el siglo XX cuando un historiador del arte, Jurgis Baltrusaitis, descubrió que esta forma que ocupa el primer plano de la pintura es lo que se llama frecuentemente hueso de sepia, siendo de hecho una anamorfosis de un cráneo humano: esta pintura es una vanidad.



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Este retrato de El sastre, es uno de los cuadros más conocidos del pintor italiano Giovanni Battista Moroni. Está realizado sobre lienzo. Mide 97 cm de alto y 74 cm de ancho. Fue pintado entre 1570 y 1575, encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres, Reino Unido. Los retratos fueron la especialidad de Giovanni Battista Moroni, muy influidos por la obra de su maestro, Moretto da Brescia, así como la de Tiziano y Lorenzo Lotto. Retrató a nobles de provincias pero también, como en este caso, a un artesano, un sastre de la familia Fenaroli, en una imagen cotidiana. Tiene una honda capacidad de penetración psicológica.



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La carreta del mercado (en inglés, The Market Cart), es uno de los cuadros más conocidos del pintor británico Thomas Gainsborough. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 184 cm de alto y 153 cm de ancho. Fue pintado en 1786, encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres, Reino Unido.

Gainsborough es célebre por sus retratos y por sus paisajes, evidenciándose en esta obra su interés por el paisaje, anticipándose al tratamiento del tema por John Constable. Es uno de los últimos paisajes de Gainsborough. Se mostró al público en primer lugar en casa del artista en Pall Mall en 1786, el mismo año en que se pintó. Gainsborough añadió la figura de un leñador cogiendo un haz de leña al año siguiente.
La carreta del mercado se muestra llena de productos frescos. A la derecha hay un leñador, uno de los temas favoritos de las pinturas de Gainsborough, pero es la grandeza de los árboles la que domina la composición.



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Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste (en inglés, Rain, Steam, and Speed – The Great Western Railway) es un conocido cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner.

Se trata de un óleo sobre tela que mide 91 centímetros de alto por 121,8 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido). Esta pintura fue exhibida por vez primera en la Royal Academy en 1844, aunque pudo haber sido pintada con anterioridad. La fecha es significativa porque los ferrocarriles eran aún algo nuevo. A diferencia de otros pintores de la época, que despreciaban la industrialización y no veían en el progreso industrial temas merecedores de tratamiento pictórico, Turner admiraba la técnica moderna y por ello pinta la locomotora más moderna de su género y el entonces vanguardista puente de Maidenhead.



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La vendedora de camarones (en inglés, The Shrimp Girl), es uno de los cuadros más conocidos del pintor británico William Hogarth. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 63,5 cm de alto y 52,5 cm de ancho. Fue pintado entre 1740 y 1750, encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres, Reino Unido. A veces es citada como La vendedora de quisquillas, según la traducción que se dé al término shrimp.

Además de sus ciclos narrativos sobre costumbres de la época, Hogarth destacó como retratista, como puede verse en este, uno de sus mejores retratos, realizado en la parte final de su carrera. Se trata de una composición improvisada, ágil, en la que con espontaneidad se refleja lo observado por el pintor.



 24vincent_van_gogh_la_silla_de_van_gogh_1888_londres_national_gallery

La silla de Van Gogh. 1888. Óleo sobre lienzo. 93 x 73.5 cm. Esta pintura nació junto con otra que representa la "Silla de Gauguin" durante su estancia en Arlés, cuando la idea del "estudio del sur" parecía realizable. Van Gogh, en vez de representar a su amigo, optó por mostrar su sitio vacío, e hizo otro tanto consigo mismo.

Para su silla Vincent escogió un colorido luminoso y delicado, centrado en tres tonos, el anaranjado de las baldosas del pavimento, el amarillo de la silla y el turquesa de las paredes. La silla, colocada en diagonal, se ve en primer plano, como si fuese un retrato a todos los efectos. El artista es sustituido por dos objetos: la inseparable pipa con el tabaco y en una cesta que está en el suelo varios girasoles, debajo de ellos resalta la firma del pintor, que se compone sólo del nombre de pila.

El cuadro, lleno de la presencia de su autor, trasmite una impresión de gran serenidad. Vincent atravesaba una época de relativa alegría, nada hacía presagiar el trágico epílogo de la oreja cortada, que determinaría el hundimiento de sus sueños de una vida artística compartida.



Contribución española


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Velázquez. Felipe IV. 1635. National Gallery de Londres.


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Velázquez. San Juan en Patmos, c. 1618. Óleo sobre lienzo, 135,5 × 102,2 cm. National Gallery de Londres.


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Velázquez. La Inmaculada Concepción, c. 1618. Óleo sobre lienzo, 135,5 × 101,6 cm. National Gallery de Londres.


 67cristo_despu_s_de_la_flagelaci_n_y_el_alma_cristiana_by_diego_vel_zquez

Velázquez. Cristo después de la flagelación contemplado por almas cristianas. Hacia 1626-1632. Óleo sobre lienzo. 165,1 × 206,4 cm. National Gallery de Londres.


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Autorretrato de Murillo. hacia 1670, óleo sobre lienzo, 122 x 107 cm, Londres, National Gallery. Inscripción: Bartus Murillo seipsum depin/gens pro filiorum votis acpreci/bus explendis. En este cuadro, pintado por deseo de sus hijos, Murillo se autorretrató dentro de un marco ovalado con molduras, apoyando en él una mano para reforzar el efecto naturalista del trampantojo y acompañado por algunos instrumentos propios de su profesión, en una demostración de orgullo social por la posición alcanzada con su oficio solo comparable en la pintura española al autorretrato de Velázquez en Las meninas.


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Murillo - Niño apoyado en un antepecho. 1675-1680. National Gallery de Londres.


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Murillo - The Heavenly and Earthly Trinities (Las dos Trinidades) (1675-82). National Gallery de Londres.


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Murillo - La curación del paralítico en la piscina probática, 1679. Londres, National Gallery.


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El Greco - La Oración del huerto. 1590. La Oración del huerto. National Gallery de Londres.


 54el_greco_la_purificaci_n_del_templo_1600

El Greco - La purificación del templo (1600). National Gallery de Londres.


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Pedro Berruguete. La Retórica o La Música. National Gallery de Londres.


 55francisco_goya_retrato_de_isabel_porcel_1805

Francisco de Goya - Retrato de Isabel Porcel (1805). National Gallery de Londres.


 58francisco_de_goya_y_lucientes_the_bewitched_man_wga10039

Francisco Goya - La lámpara del diablo. 1797-98. National Gallery de Londres.


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Francisco de Zurbarán - San Francisco meditando (1639) Marta y Maria (1618). National Gallery de Londres.


 63juan_de_valdes_leal_la_inmaculada_concepci_n_con_dos_donantes

Juan Valdés Leal - La Inmaculada Concepción con dos donantes. 1661. National Gallery de Londres.


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Picasso - El niño con la paloma. 1901. National Gallery de Londres.



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La resurrección de Lázaro, obra maestra de Sebastiano del Piombo. The National Gallery. Londres.


 25virgen_con_el_ni_o_santa_ana_y_san_juan_bautista_leonardo

Virgen con el Niño, Santa Ana y San Juan Bautista. También conocido como "Cartón de Burlington House". 1505. Tiza. 139 x 101 cm. The National Gallery. Londres. Leonardo da Vinci


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Descenso en el sepulcro. 1511 h. Óeo sobre tabla, 159 x 149 cm. Obra de Miguel Ángel. National Gallery de Londres. Las modificaciones y los añadidos al óleo que aparecen en esta tabla impiden atribuirla con absoluta certeza a Miguel Ángel, considerándose que podría ser un trabajo de un discípulo - apuntándose a un tal Carlo - bajo la atenta mirada del maestro. La composición está inspirada en Mantegna, continuando con el empleo de figuras escultóricas, de gran potencia anatómica, muy del gusto de ambos artistas. Las figuras ocupan la mayor superficie del espacio, quedando una diminuta franja al fondo para el paisaje donde observamos las montañas transparentes que aparecen en las obras de Leonardo y Rafael. La ausencia de tensión y la poco acertada ubicación de los personajes, junto a la mala conservación, hacen de esta obra un ejemplo de los orígenes pictóricos de Buonarroti, más interesado por la escultura que por la pintura a pesar de su aprendizaje en el taller de Ghirlandaio.


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Rafael. Crucifixión Mond o Crucifixión Gavari. 1502-1503. Óleo sobre tabla. 280,7 x 165,1 cm. The National Gallery. Londres.


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Rafael. El sueño del caballero. 1504. The National Gallery. Londres.


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Rafael. Retrato del papa Julio II. 1511. The National Gallery. Londres.


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Raphael, The Madonna of the Pinks, c. 1506–07. The National Gallery. Londres.


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Rafael. The Virgin and Child with the Infant Baptist. 1509-1511. Óleo sobre tabla. 39 x 33 cm. The National Gallery. Londres.


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Rafael. Santa Catalina de Alejandría. 1507-08. The National Gallery. Londres. The National Gallery. Londres.


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Rembrandt. El festín de Baltasar. Aprox. 1636. The National Gallery. Londres.


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Rembrandt. Mujer joven bañándose en un arroyo. 1654. The National Gallery. Londres.


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Rembrandt. Retrato de Saskia en atuendo arcádico. 1635. The National Gallery. Londres.


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Tiziano. Alegoría del tiempo gobernado por la prudencia. 1565. Óleo sobre lienzo. 75,6 x 68,6 cm. The National Gallery. Londres. The National Gallery. Londres.


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Tiziano. Baco y Ariadna. 1520-1522. Óleo sobre lienzo. 175 x 190 cm. The National Gallery. Londres. The National Gallery. Londres.


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Tiziano. Noli Me Tangere. 1511. The National Gallery. Londres.


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Tiziano. Retrato de la familia Vendramin. 1543 - 1547. Óleo sobre lienzo. 206 x 301 cm. The National Gallery. Londres.


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Botticelli. Venus y Marte. 1485. The National Gallery. Londres.


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Botticelli. Adoración de los Magos. 1481-1482. Tabla. 70 x 103 cm. The National Gallery. Londres


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Botticelli. Botticelli. Juventud y primer milagro de San Zenobio. The National Gallery. Londres.


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Botticelli. Natividad Mística. 1500. The National Gallery. Londres.


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Botticelli. Retrato de una dama (Esmeralda Brandini). 1470-75. The National Gallery. Londres.


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Rubens. El juicio de Paris. 1632-35. The National Gallery. Londres.


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Rubens. El sombrero de paja. 1625. The National Gallery. Londres.


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Rubens, Sansón y Dalila (1609-10). The National Gallery. Londres.


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Vermeer. Lady Standing at the Virginals. 1673-75. Óleo sobre lienzo. The National Gallery. Londres.


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Vermeer. Mujer sentada ante clavicémbalo. 1673-75. Óleo sobre lienzo. The National Gallery. Londres.


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Van Dyck. Retrato ecuestre de Carlos I de Inglaterra. 1636. Óleo sobre lienzo. 365 x 289 cm. The National Gallery. Londres.


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Van Dyck. San Ambrosio y el emperador Teodosio. The National Gallery. Londres.


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Van Dyck. El Hombre del Turbante. 1433. Dicen que es un autorretrato. The National Gallery. Londres.


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Caravaggio. La Cena de Emaús. 1601. The National Gallery. Londres.


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Caravaggio. Salomé con la cabeza del Bautista. 1607. The National Gallery. Londres.


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Bronzino. Alegoría del triunfo de Venus (1540-1550). The National Gallery. Londres.


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David Teniers el Joven - Peasants at Archery (1645). The National Gallery. Londres.


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Philippe de Champaigne - Retrato del Cardenal Richelieu (1633-40). The National Gallery. Londres.


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Claude Lorrain -Puerto con el embarque de Santa Úrsula (1641). The National Gallery. Londres.


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Nicolas Poussin - Bacanal (1632-33). The National Gallery. Londres.


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Pierre-Auguste Renoir - El paraguas 3 (1881-86). The National Gallery. Londres.


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Giovanni Bellini - El dux Leonardo Loredan (1501-04). The National Gallery. Londres.


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Giovanni Battista Tiepolo - An Allegory with Venus and Time (1754-58). The National Gallery. Londres.


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Tintoretto - The Origin of the Milky Way (1575). The National Gallery. Londres.


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Paolo Uccello - Batalla de San Romano (1438-40). The National Gallery. Londres.


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Paolo Veronese - La familia de Darío ante Alejandro (1565-70). The National Gallery. Londres.


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Aelbert Cuyp -Ganado con jinete y campesinas (1658-60). The National Gallery. Londres.


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Meindert Hobbema - La avenida de Middelharnis (1689). The National Gallery. Londres.


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Pieter de Hooch - Patio de una casa de Delft (1658). The National Gallery. Londres.


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Jan Steen - Skittle Players outside an Inn (1660-63). The National Gallery. Londres.


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Turner. El Temerario remolcado a dique seco (1838). The National Gallery. Londres.


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John Constable - La carreta de heno (1821). The National Gallery. Londres.


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William Hogarth - Marriage à-la-mode (1743). The National Gallery. Londres.


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Thomas Gainsborough - El Señor y la Señora Andrews (1750). The National Gallery. Londres.


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Van Gogh - Jarrón con tres girasoles (1888). The National Gallery. Londres.



El origen de la National Gallery of London


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National Gallery de Londres. El origen de la National Gallery of London está en la colección de un particular británico, John Julius Argenstein, que fue adquirida por el Estado en 1824. Ampliada con fondos de la colección real británica, se consideró necesario acondicionar un edificio para exponer las pinturas adecuadamente; de este modo, en 1838 se construyó el actual edificio, que alberga al completo la colección. Su estilo es neoclásico, dentro de una concepción racionalista que se adaptara a las funciones expositivas para las cuales fue concebido. Sin embargo, las sucesivas adquisiciones con las que el fondo inicial se ha ido enriqueciendo provocaron varias ampliaciones de sus alas, de las cuales destaca la ampliación de 1975, la primera de todas, y la de 1991, la última, en la cual se creó de nueva planta el ala Sainsbury, dedicada en exclusiva a la colección de pintores del primer Renacimiento: la colección posee el mayor depósito de pintura italiana fuera de Italia. Este grupo se empezó a reunir durante la gestión del primer director de la galería, sir Charles Eastlake, quien viajó por la península mediterránea entre 1855 y 1865 para comprar y reunir las obras de mejor calidad. El siguiente núcleo destacable es el de la pintura flamenca, que se debe al impulso de la reina Victoria, quien donó gran parte de su colección personal.


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La National Gallery londinense, abarca todos los períodos y estilos. Sólo dos salvedades deben hacerse: los retratos, que se contemplan en la vecina National Portrait Gallery, y los cuadros más recientes, que han pasado a la Tate Gallery, también en Londres. El criterio museográfico es el de la exposición cronológica. Sus amplísimos fondos, que alcanzan facetas muy diversas del arte europeo desde el siglo XV, hacen que la National Gallery resulte equiparable a otros dos grandes museos de la pintura universal, el Louvre en París y el Prado en Madrid. Estos tres museos fueron fundados en fecha similar y responden a la misma inquietud enciclopédica que pretende repasar todos los estilos hasta el arte de su momento.



Enlaces interesantes:



Página oficial de la National Gallery: http://www.nationalgallery.org.uk/

Mapa localización: http://www.nationalgallery.org.uk/p...gettinghere.htm

Visita virtual, Vista de 360° de 17 salas de la National Gallery: (en inglés): http://www.insecula.com/us/musee/M0243.html

Ver 187 obras en Artehistoria: http://www.http://www.artehistoria....seos/gal3-1.htm



Más obras en la Wipedia


http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:...lery_de_Londres

http://commons.wikimedia.org/wiki/National_Gallery,_London



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Fachada de la National Gallery desde Trafalgar Square. Londres.



PUES ESTO ES TODO AMIGOS, ESPERO QUE HAYÁIS DISFRUTADO EL TRABAJO RECOPILATORIO DE LA NATIONAL GALLERY LONDINENSE, SIN LUGAR A DUDAS ES UNO DE LOS GRANDE MUSEO DEL MUNDO.


Fuentes y agradecimientos a: pintura.aut.org, es.wikipedia.org, artehistoria.com, artcyclopedia.com, epdlp.com y otras de Internet
 




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Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

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J.Luis aunque todavía está en construcción, gracias por este nuevo Museo para la Galería. El National Gallery sin duda uno de los grandes.  

Un Saludo.
 




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Gracias xerbar... Ya he finalizado el trabajo de la National Gallery. Espero que le sirva de utilidad a alguien.



Saludos.
 




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Una obra maestra de la National Gallery de Londres perteneció a Hitler


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El cuadro Lucas Cranach el Viejo Cupido quejándose a Venus fue adquirido en 1963 por la prestigiosa pinacoteca británica

Uno de los cuadros más famosos de Lucas Cranach el Viejo, Cupido quejándose a Venus, adquirido por la National Gallery de Londres en 1963, perteneció a la colección privada del dictador alemán Adolf Hitler. Tras una investigación en la que la doctora Birgit Schwartz ha identificado la obra en una de las fotos de la galería de Hitler, el museo británico confirmó hoy que perteneció al dictador, aunque ahora tiene que descubrir cómo y cuándo llegó a su colección.
 
Cupido quejándose a Venus es una preciosa alegoría del pintor alemán renacentista (1472-1553) que muestra a un pequeño Cupido que ha robado un panal de miel y se queja a Venus de las picaduras de las abejas.

La pareja aparece junto a un manzano y Venus, de semiperfil y agarrada a una de las ramas del árbol, se muestra al espectador en toda su fascinante belleza. La famosa pinacoteca londinense pagó en su día 34.000 libras (43.000 euros) por esa obra maestra, pintada en torno a 1525 y que es una de las favoritas del público entre las que allí se conservan, explica el comunicado del museo.

Ha sido una inscripción latina en el óleo la que ha permitido determinar que Hitler fue su dueño, puesto que se aprecia perfectamente en la fotografía estudiada por la doctora Schwartz. La National Gallery ha desestimado la posibilidad de que el cuadro que aparece en la instantánea sea uno diferente, porque aunque Cranach y su taller hicieron muchas versiones de sus composiciones, rara vez realizaron réplicas exactas.

Cuando el museo londinense adquirió el cuadro a una casa coleccionista de Nueva York en 1963, ésta le aseguró que lo compró en una subasta de una colección privada de Frankfurt en 1909. Sin embargo, el museo supo después que fue una corresponsal estadounidense en el Berlín de 1945 la que cogió el cuadro de un almacén repleto de obras de arte situado al sur de Alemania y controlado por las tropas estadounidenses.

Lo que la pinacoteca quiere descubrir ahora es qué pasó con el óleo entre 1909 y 1945, especialmente cómo y cuándo llegó a la colección privada de Hitler.



EFE- EL PAÍS
 




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Hola J. Luis me ha encantado el reportaje fotografico que has mandado. Me gustaria pedirte ayuda. Estoy buscando si puedo conseguir una de las imagenes, en concreto la de La Inmaculada Concepción. 1619. Velazquez. en un tamaño grande para imprimirla en un poster para hacer un regalo. Si porfavor me la puedieses conseguir o decirme donde puedo acudir te estaria muy agradecido. Un saludo. mi mail
 



 
Jose M Send private message
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Jose M. bienvenido al foro y gracias por registrarte.

Me alegra que te guste nuestra galería, este J.Luis es un crack del arte.  

En cuanto a lo que pides lo dejo en manos de J.Luis que a buen seguro lo hará mejor que yo.

Un Saludo.
 




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Post Re: NATIONAL GALLERY 
 
Jose M, bienvenido al foro de xerbar y a la sección de arte, afición que a lo que se ve, compartimos. Sobre la imagen de "La Inmaculada Concepción"de 1619 de Diego Velázquez que solicitas, te dejo el enlace donde la obtuve, en ella tienes un zoon, para ampliar la imagen. Pero si lo que solicitas es la imagen a una resolución de mucha calidad, te sugiero que te pongas en contacto con la National Gallery de Londres, en el mismo enlace que te pongo, puedes ponerte en contacto con el museo.

Espero que sepas inglés y que tengas mucha suerte.

http://www.nationalgallery.org.uk/c...rkNumber=NG6424


Saludos.
 




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Ok. Gracias por todo, intentare mirarlo para comprarla. Un saludo
 



 
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Post Re: NATIONAL GALLERY 
 
molto bonito           
 



 
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Gracias amigos, me alegro que os haya gustado el trabajo dedicado a la National Gallery, la verdad debe de ser impresionante poder contemplarlo en vivo. Mi corta estancia en Londres no me permitió visitar este espléndido museo.

Estoy a punto de publicar dos trabajos que creo os gustarán, se trata del Museo Britanico y el Metropolitan de Nueva York, tampoco los conozco personalmente, pero me han impresionado      por las grandes maravillas que albergan.


Saludos.
 




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EXPOSICIÓN DEDICADA AL RETRATO


Felipe II visita la National Gallery

La muestra ha sido organizada con el Prado y es similar a la del museo madrileño

Hay varias obras que no estuvieron en Madrid, como 'El matrimonio Arnolfini'




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'Retrato de Felipe II en el día de San Quintín (1560)', de Antonio Moro. (Foto: EFE)

LONDRES.- Felipe II, en los fabulosos retratos del Tiziano y de Antonio Moro y en las esculturas de los Leoni, ha llegado a la National Gallery de Londres en una exposición dedicada a la época de esplendor del género renacentista por excelencia.

"Tiziano y Moro son los dos grandes maestros del retrato cortesano", ha señalado el director del Museo del Prado, Miguel Zugaza, mientras recorría la exposición londinense, y la comparaba con la celebrada anteriormente en la pinacoteca madrileña.

"Hay obras que no han podido viajar entre las dos capitales por cuestiones de conservación", dijo Zugaza.

Así, el autorretrato juvenil de Alberto Durero o el gran retrato ecuestre de Carlos V en la batalla de Mühlberg, de Tiziano, no han ido a Londres, y a la inversa no pudieron viajar a Madrid algunas obras maestras de la National Gallery.

Entre ellas están el maravilloso retrato del matrimonio Arnolfini, de Jan Van Eyck, y el apodado 'Los Embajadores', de Hans Holbein el Joven, con su famosa calavera anamórfica como "memento mori".

Tampoco pudieron verse en El Prado dos retratos de pontífices de profunda penetración psicológica: el de Julio II della Rovere, de Rafael, que se conserva en la propia galería de la plaza de Trafalgar, y el de Pablo III, de Tiziano, procedente del Museo de Campidonte (Nápoles).

"Sólo falta el de Inocencio X, de Velázquez (del museo Doria-Pamphili, de Roma)", comentó Zugaza al ver esos dos retratos de papas juntos en la misma sala.

Uno de los comisarios de la exposición, Luke Syson, especialista en el Renacimiento italiano de la National Gallery, ha explicado que en el Prado hubo toda una sección dedicada a la difusión del retrato por Europa gracias a las nuevas técnicas de impresión y al grabado.

Ese aspecto falta en la National Gallery, que ha puesto el acento, por el contrario, en el dibujo original, del que hay aquí extraordinarios ejemplos de artistas como Pontormo, Ghirlandaio, Durero, Giovanni Bellini, Giulio Romano o Hans Holbein el Joven.

Una de las obras maestras que ha figurado en ambas exposiciones, según el director del Prado, es el retrato que hizo Ghirlandaio de un anciano y su nieto, que se conserva en el Louvre.

La exposición ha logrado reunir ese retrato al óleo con el dibujo, procedente del Museo Nacional de Estocolmo, de un anciano muerto que fue el modelo utilizado por Ghirlandaio para el retrato del abuelo, algo realmente extraordinario, según Zugaza.

Otra de las obras que no viajaron al Prado es el retrato que hizo el pintor flamenco Quentin Massys de una mujer vieja y grotesca, popularmente conocido como 'La Duquesa Fea'.

Los expertos, que han investigado el cuadro con motivo de esta exposición, llegaron a una doble conclusión: la mujer sufría una deformación facial, consecuencia de una rara forma de enfermedad de Paget, y el pintor no copió una caricatura de Leonardo da Vinci, sino que fue más bien al revés.

Tanto los representantes de la National Gallery como el director del Prado han querido hacer hincapié en el "gran espíritu de colaboración" existente entre ambas pinacotecas, que se complementan en muchos aspectos, y se dicen dispuestos a continuar esa cooperación en próximas exposiciones.


EL MUNDO
 




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Digo lo que se come en la cafetería...jajjaja

Como siempre un trabajo excelente. Mucha gente no sabe que al lado, está el mejor museo de retratos del mundo.
 




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Gracias Keltic.

¿A qué museo de retratos te refieres?



 
 




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Ah, ya has mencionado a la National Protrait Museum. No me habia fijado.
 




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Post Re: NATIONAL GALLERY 
 
Keltic este museo no lo conozco personalmente, aunque sí he oído hablar de él. Como bien comentas "La National Portrait Gallery" es una gran desconocida para la mayoría de turistas que visitan Londres, eclipsada por su hermana mayor, la cercana National Gallery, que se lleva todo el protagonismo y la atención de los visitantes.


 la_national_portrait_gallery

La National Portrait Gallery es uno de los museos más visitados de Londres junto al Tate Modern, el British Museum y el Nacional Gallery por citar algunos.


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El museo consta de tres plantas y alberga retratos de personajes y celebridades que han tenido una influencia más o menos importante en el mundo. Las plantas y las distintas salas están separadas por temas y, principalmente, por épocas. Siglos XVII, XVIII son dos de las salas por ejemplo... más adelante le prepararé un trabajo.


Si alguien está interesado en conocerlo dejo unos enlaces:

http://en.wikipedia.org/wiki/UK_National_Portrait_Gallery

http://www.npg.si.edu/

http://www.minube.com/rincon/2072



 
 




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Post Re: NATIONAL GALLERY 
 
Picasso en la National Gallery



Picasso se aparece entre los clásicos

La National Gallery abre sus puertas por vez primera al arte posterior a 1900 con una retrospectiva del artista




 el_artista_frente_al_lienzo_1938_autorretrato_de_picasso_que_se_muestra_en_londres

'El artista frente al lienzo' (1938), autorretrato de Picasso que se muestra en Londres

Pablo Picasso (1881-1973) se midió con grandes maestros de la pintura europea a lo largo de toda su vida. La National Gallery de Londres inaugura una muestra que lleva por título Picasso: desafiando al pasado, en la que se explora la manera en que el pintor malagueño respondió a los retos técnicos que plantearon pintores del pasado.
  
Pablo Picasso desembarca en Londres para exhibir con insolencia sus indiscutibles galones de revolucionario del arte del siglo XX... pero no lo hace en cualquier contexto. La exposición Challenging the past (Retando al pasado), un espejo del pulso que el genio mantuvo siempre con grandes como Ingres, Manet, Delacroix, Goya o Velázquez, se abre hoy al público en medio, si no de la controversia, sí de la sorpresa: nunca un artista posterior a 1900 había traspasado las puertas del sagrado templo artístico de Trafalgar Square.

El interés cultural (y económico) que despierta el artista español logró que el prestigioso museo londinense llegase a un acuerdo con la Tate Modern para que esta insólita exposición se pudiera celebrar aquí.

Una grandiosa fotografía de Picasso en blanco y negro firmada por Werner Bokelberg en 1961 descubre una mirada con tanta determinación que casi asusta. Esa mirada picassiana única es el hilo conductor de un fascinante conjunto artístico que arranca con seis autorretratos de diferentes etapas, que sigue por las obras centradas en los desnudos femeninos, avanza por los retratos masculinos y acaba deteniéndose en las obras creadas como versiones de los grandes maestros de la historia. En total, la muestra de la National alberga casi un centenar de obras prestadas por grandes museos de todo el mundo y de colecciones particulares: un pequeño tesoro cuya contemplación conjunta será difícil de repetir.

Ann Robbins, una de las dos comisarias de la exposición, destaca el carácter autobiográfico de una muestra que ella califica de "restrospectiva de restrospectivas", porque entra en todos y cada uno de los grandes temas del artista malagueño.

La comisaria añade que la exposición sólo se ve de forma completa cuando se visualiza la colección permanente de la National Gallery. Su gran propuesta es contemplar la galería a través de los ojos del propio Pablo Picasso.


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Hombre con sombrero de paja y helado, de Pablo Picasso.

El concepto que Ann Robbins ha manejado en el montaje de la exposición intenta zanjar de manera contundente la polémica suscitada sobre la conveniencia de mezclar arte antiguo y arte moderno. Además de que no hay duda sobre la consagración de Picasso en el Olimpo de los grandes maestros, Robbins considera que la mirada clásica se enriquece con la moderna y al revés.

No es arriesgado sostener que, si bien Picasso no llegó a conocer la National Gallery, seguro que habría aprobado el lugar elegido para dar a conocer la esencia de su obra. Con la Venus del espejo de Velázquez como estrella principal, en las salas se agolpan pinturas de Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Turner, Hogart, Rembrandt o Zurbarán. Un feliz (y atrevido) encuentro entre Picasso y sus maestros que proyectará una luz especial en Londres.


EL PAÍS
 




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Post Re: NATIONAL GALLERY 
 
El barroco del dolor y la tragedia

La National Gallery dedica una retrospectiva al periodo artístico español menos popular en el extranjero - Es el acontecimiento museístico del año en Londres



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San Serapio, de Francisco de Zurbarán, cuadro cedido a la exposición por el Museo de Arte Wadsworth Atheneum


La muestra quiere descubrir una etapa deslumbrante de la escultura española

Se exhiben 16 tallas policromadas, cada una en una sala, y 16 cuadros

Las obras casi nunca han abandonado los lugares de culto donde llevan siglos

"La exposición va a arrasar. Su realismo es muy impactante", dice el comisario

 
Un insospechado y apasionante puente artístico conecta la escultura barroca y el hiperrealismo más rompedor. Las tallas impertérritas de madera policromada del siglo XVII español con las esculturas que explican el XXI por la vía del maniaco detalle. Esos Cristos eternamente dolientes de Pedro de Mena y los delirios de Damien Hirst. Londres, capital del arte del nuevo milenio, está a punto de descubrir esa caprichosa pirueta con la exposición Lo sagrado hecho real. Pintura y escultura española 1600-1700, que se inaugura el 21 de octubre en la National Gallery y que promete convertirse en el acontecimiento museístico de la temporada y en un acto de justicia para el periodo más desconocido del arte español en el extranjero.

El barroco que desembarca ahora en Londres (Zurbarán, Gregorio Fernández, Alonso Cano, el ineludible Velázquez) busca con denuedo el verismo de las emociones. Casi siempre llegadas del lado dramático de la vida. Acaso por eso representa como ninguna otra escuela ese sentimiento trágico de la vida tan de Unamuno, tan español. Xavier Bray (Londres, 1972), conservador de pintura europea del XVII y XVIII de la National Gallery y comisario de la exposición, lo sabe bien. Este estudioso ha empleado parte de su carrera trabajando en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Bray pretende dar a conocer al público (la muestra viajará en enero a Washington) uno de los periodos más deslumbrantes de la escultura española y que pese a ello no disfruta en el extranjero de la importancia que le corresponde. "Es el gran momento de la policromía", explica, "una tradición que arranca en el arte griego y que se desarrolla en España por los mejores artistas de la época".

En total, se exponen 32 obras: 16 tallas policromadas junto a 16 cuadros, como corresponde a artistas (Juan Martínez Montañés, Juan de Mena, Manuel Pereira, Pedro de Mena o José de Mora) que, según aclara Bray, conjugan ambas disciplinas de un modo poético. La ocasión es realmente única. Son piezas que, por su carácter religioso, raramente han abandonado los lugares de culto donde llevan siglos. Salvo, claro está, con ocasión de las procesiones de Semana Santa.

Porque todas ellas juegan con los mismos elementos píos. La agonía del Cristo más humano en la cruz toma aquí la dimensión del arte grandioso. "Es una muestra 100% religiosa", explica el comisario. "La corte prefería obras de origen italiano, mientras que la Iglesia gustaba de las tablas medievales. Vieron claro el poder que esas imágenes tenían para conmover a los católicos, aunque también eran conscientes de que el realismo de las imágenes podía confundir y fomentar la idolatría. Goya critica esta devoción, sin ir más lejos. Un ejemplo claro de las consecuencias de esa confusión lo tenemos en el Cristo de Juan de Mena, cuyos pies tienen el color desgastado por los besos de los devotos".

El paroxismo de las emociones barrocas llega, con todo, del otro lado, de la América española. "De allí proceden imágenes de Cristo que lucen pelo y ojos de cristal y rostros de la Virgen que rozan la histeria". Son imágenes de una extraordinaria significación trágica, que han conmovido desde hace tres siglos a católicos y ateos. A artistas y a cineastas. Al contemplarlas, acude sin querer a la retina y a la memoria cinéfila Quién está llamando a mi puerta (1967), debú del director Martin Scorsese, desoladora disección de la culpa entre los católicos, que ofrece una apoteósica coda a base de primeros planos de escultura de vírgenes y santos amenazantes.

La exposición reviste una importante carga didáctica. Cada una de las 16 esculturas ocupa una sala del museo. "A base de paneles y documentos reconstruimos el original con todo su colorido. Tenemos que saber que se trata de pintores que pintan esculturas, porque el escultor entonces no podía pintar su propia pieza. Hay también una sala en la que se explica cómo trabajaban, una especie de taller de Pinocho". Bray ofrece una clave para entender el periodo: la unión de pintura y escultura hasta conformar un nuevo género. "Velázquez y Pacheco la practicaron. Zurbarán realizó una escultura de Cristo en madera, absolutamente sublime, que es la obra cumbre de esta forma de expresión. Lo curioso es que durante mucho tiempo se contempló como escultura cuando, en realidad, es una pintura".

¿Entenderá el público anglosajón, de naturaleza un tanto descreída, anglicano en el mejor de los casos, esta exposición? El comisario no duda. "Va a arrasar", explica. "Es un realismo muy shocking [impactante] y además, en este momento en Inglaterra se están registrando más católicos que protestantes. No tengo ninguna duda".


EL PAÍS
 




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Post Re: NATIONAL GALLERY 
 
La España devota en la National Gallery


La institución británica muestra en una exposición el realismo de la escultura policromada española



 memagdapen

María Magdalena meditando sobre la crucifixión. Escultura de Pedro de Mena.

La National Gallery inaugura el 21 de octubre una exposición en torno al arte religioso español con especial atención a la escultura policromada, que cultivaron artistas como Martínez Montañés, Alonso Cano, Gregorio Fernández o Pedro de Mena. Desdeñada o mirada con suspicacia en los países de mayoría protestante por tratarse de obras destinadas a la veneración, esa escultura no ha tenido en el mundo anglosajón, como explica el director de la galería, Nicholas Penny, el reconocimiento que merece su extraordinaria calidad artística.

Eso es lo que se ha propuesto remediar la pinacoteca londinense con esta exposición, patrocinada por el Ministerio español de Cultura y que muestra cómo en la España de la Contrarreforma, dominicos, cartujos, franciscanos o jesuitas, importantes mecenas de la época, animaron a pintores y escultores a infundir vida en los temas sacros.

La exposición, que tras su paso por Londres -hasta el 24 de enero-, viajará a la National Gallery de Wahington, explora la estrecha relación entre tallas policromadas y pinturas mediante una elocuente yuxtaposición de auténticas obras maestras de ambos géneros. Su comisario, Xavier Bray, señala en el catálogo que la acompaña que si en Italia Caravaggio desarrolló un modelo de pintura de efectos muy dramáticos en la que gente del pueblo posaba para representar episodios de la Biblia, en España se dio otro tipo de realismo pictórico, influido por la escultura policromada.

Los escultores del siglo XVII español aspiraron a un nivel extraordinario de realismo que contrasta con el canon idealizado -tanto en escultura como en pintura- de algunos de sus antecesores como Alonso Berruguete o Gaspar Becerra. Para conseguir el máximo realismo en sus figuras, no dudaron, por ejemplo, en utilizar el vidrio para ojos y lágrimas, marfil para los dientes y corcho tenido de rojo con el que simular la sangre coagulada de Cristo. Es importante saber además que el arte de la policromía formaba parte del aprendizaje de los pintores de la época y que hasta cierto momento, por imposición gremial, los escultores tenían prohibido pintar sus propias esculturas sino que debía dejar la tarea a un pintor.

Escultores y pintores colaboraron muy estrechamente como en los casos de Juan Martínez Montañés y Francisco Pacheco, de Pedro Roldán y Juan Valdés Leal, todos ellos en Sevilla, de Manuel Pereira y José Leonardo y Francisco Camilo, en Madrid, o de Gregorio Fernández y Diego Valentín Díaz, en Valladolid. Alonso Cano, pintor y escultor a un tiempo, llevó a cabo personalmente el policromado de sus esculturas hacia el final de su carrera, pero antes contrató en algunos casos a pintores para evitar conflictos de interés. Al mismo tiempo enseñó a dos de sus mejores discípulos -Pedro de Mena y José de Mora- a pintar ellos mismos sus esculturas. Se cree también que Velázquez recibió formación en el policromado de esculturas y sus pinturas religiosas más famosas, como el Cristo en la Cruz, del Prado, parecen reflejar ese aprendizaje. Se ha conseguido reunir en Londres una colección excepcional de tallas (16 como el número de pinturas), prestadas por museos o iglesias que, en algunos casos, no habían salido nunca de España.


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Cristo muerto. Escultura de Gregorio Fernández.


EL PAÍS
 




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Post Re: NATIONAL GALLERY 
 
El Barrio Rojo de Amsterdam entra en la National Gallery


Es la primera vez que la pinacoteca acoge una exposición de este tipo



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El comisario de la exposición explica la muestra. Ver vídeo National Gallery: http://www.elmundo.es/elmundo/2009/11/13/cultura/1258130580.html


El Barrio rojo de Amsterdam ocupará desde el próximo miércoles la National Gallery londinense. Allí, una instalación de la pareja de artistas estadounidenses Ed Kienholz (1927-1994) y Nancy Reddin Kienholz (1943)recreará el distrito de la prostitución de la capital holandesa.

La instalación, elaborada entre 1983 y 1988 y titulada 'The Hoerengracht' (en holandés, 'El canal de las putas'), convierte una de las salas de la pinacoteca de la calle de Trafalgar en una reproducción de un par de callejuelas de ese famoso barrio donde las mujeres se exhiben en escaparates a potenciales clientes y simples mirones.

Esta instalación, la primera de este tipo que se exhibe en la National Gallery de Londres, es una de las piezas más importantes realizadas por los Kienholz antes de la muerte de Ed.

No es la primera instalación dedicada por Ed Kienholz al tema de la prostitución. Otra anterior, de 1961-62, titulada 'Roxys', reproducía el interior de un burdel del Estado norteamericano de Nevada que Ed había visitado en los años 40.

Veinte años después, Ed, casado ya con Nancy, viajó a Amsterdam y, como tantos turistas antes y después que ellos, fue a ver el barrio de las putas.

Tras aquella primera visita, los Kienholz regresaron en varias ocasiones, hablaron con algunas de las mujeres dedicadas a ese oficio y recogieron todo tipo de información visual sobre sus lugares de trabajo, que iba a servirles para la nueva instalación, según explicó Colin Wiggins, comisario de esta exposición.

El realismo de la instalación es extraordinario: las figuras de tamaño natural fueron creadas por los Kienholz en su estudio de Berlín a partir de modelos de carne y hueso que se exhiben en los escaparates medio desnudas mientras esperan a que se decida a entrar algún cliente.

En su aspecto se diferencian diametralmente de las grotescas y a veces monstruosas muñecas que poblaban el salón de 'Roxy'.

Sus cabezas tienen, sin embargo, la artificialidad de los maniquíes de tienda y llevan además un marco metálico con un cristal que puede abrirse y cerrarse, lo que parece implicar que aunque están dispuesta a vender su cuerpo, sus pensamientos y sentimientos están en otra parte.

Con todo detalle

Los Kienholz recrearon con todo lujo de detalles los sórdidos interiores de esas minúsculas habitaciones con sus viejos aparatos de radio, el reloj, las perchas para colgar la ropa, los ramilletes de flores artificiales, las pequeñas lámparas y el imprescindible lavabo para después del coito.

No todas las mujeres están esperando en sus pequeñas jaulas sino que algunas están ya ocupadas con algún cliente, como indica la cortina corrida en la planta superior, mientras que otras aguardan fuera, vestidas con ropa de invierno y fumando algún cigarrillo.

A diferencia también de lo que ocurría con 'Roxy', en este caso, el visitante no puede entrar en el espacio privado de las prostitutas, sino que se queda fuera, reducido al papel de 'voyeur'.

Intensas y a menudo impactantes, este tipo de instalaciones desarrolladas por Ed en los 60 y continuadas en colaboración con su mujer Nancy desde 1972 conectan el arte de tiempos pasados con desarrollos más contemporáneos, explican en el museo. Artistas como Mike Kelley, Paul McCarthy, Mike Nelson, los hermanos Chapman, Tracey Emin y Damien Hirst han producido obras influidas directamente por Kienholz.

El comisario Wiggins explicó que la exposición enlaza muy bien con muchas pinturas de género de maestros holandeses que se conservan en la pinacoteca.

Algunas de esas pinturas representan a prostitutas, como ocurre por ejemplo con el cuadro de Dirck van Baburen titulado 'La Celestina', de 1622, que curiosamente aparece reproducido como fondo de la famosa pintura de Vermeer 'Dama al virginal', donde aparece una joven tocando ese instrumento musical.


EL MUNDO
 




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Las góndolas surcan Trafalgar Square. Los paisajes venecianos de Canaletto inauguran la temporada de la National Gallery



National Gallery prepara muestra de Canaletto

Reunirá lo mejor del pintor veneciano y de sus rivales




 el_taller_de_los_picapedreros_o_la_iglesia_de_la_caridad_venice_campo_san_vidal_and_santa_maria_della_carita_the_stonemason_s_yard_de_giovanni_antonio_canal_canaletto

El taller de los picapedreros o La iglesia de la Caridad (''Venice: Campo San Vidal and Santa Maria della Carita (The Stonemason's Yard)'' de Giovanni Antonio Canal, Canaletto

La National Gallery prepara una exposición que reunirá la mejor selección de vistas venecianas pintadas por Canaletto y otros "vedutisti" rivales de su siglo.

Unos 50 préstamos de colecciones públicas europeas y norteamericana integrarán esta muestra, abierta del 13 de octubre al 16 de enero de 2011.

Junto a obras maestras de Giovanni Antonio Canal, Canaletto, (1697-1768) habrá "vedute" (vistas) claves de artistas como Vanvitelli (Gaspar Van Wittel), Luca Carlevarijs, Michele Marieschi, Bernardo Bellotto y Francesco Guardi.

Las pinturas abarcan todo el siglo XVIII, desde una de las primeras vistas venecianas datadas con precisión (obra de Carlevarijs de 1707) hasta la muerte de Guardi en 1793, pintor que, anticipándose al romanticismo, enfatizó la fragilidad de Venecia en lugar de su permanencia.

La época de las "vedute" alcanzó su apogeo en torno a 1740, cuando la adquisición de ese tipo de recuerdos, equivalente noble de lo que hoy son las prosaicas postales, se había vuelto un elemento importante del Grand Tour de Italia, antecesor del turismo moderno.

En la primera mitad del XVIII, los "milords" ingleses estimularon con sus compras en los viajes por el continente europeo un mercado muy activo y altamente competitivo de pinturas de vistas venecianas, lo que hizo que los pintores compitieran por los encargos y la fama.

Entre todos inmortalizaron algunos de los lugares más pintorescos de la ciudad, como el Gran Canal, la plaza de San Marcos, el puente de Rialto, la basílica de Santa Maria della Salute o la laguna veneciana.

El más sobresaliente de todos ellos fue Canaletto, quien, formado como pintor de escenarios teatrales, decidió probar suerte con el "vedutismo" a raíz de una visita a Roma en 1719.

A finales de la década de los veinte y como respuesta a la demanda del mercado, Canaletto comenzó a sustituir la gravedad de su obra primeriza por vistas bañadas de sol, y una década después dominaba enteramente el género.

En la National Gallery podrán verse también obras del precursor de Canaletto y fundador de la escuela vedutista, Vanvitelli -Gaspar Van Wittel- (1652/3-1736) , titulada "El Molo desde la cuenca de San Marcos" , procedente del madrileño Museo del Prado.

Su sucesor inmediato y primer pintor de "vedute" que dependió del mecenazgo extranjero fue Luca Carlevarijs (1663-1730) , y en la exposición se exhibirán obras tempranas de Canaletto junto a otras de sitios similares pintadas por Carlevarijs.


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La sala central celebrará los festivales, regatas y ceremonias espectaculares de la ciudad flotante con obras tan destacadas como "El Bucintoro regresa al Molo el día de la Ascensión", pintada por Canaletto en 1733-34 y que se conserva en la Colección Real Británica.

También se mostrarán por primera vez juntas la obra maestra de Canaletto "Llegada del embajador francés a Venecia" (en torno a 1727) , del museo Hermitage de San Petersburgo (Rusia) , y la composición pionera de Carlevarijs "Entrada del embajador británico, conde de Manchester, al Palacio Ducal" (alrededor de 1707-08) .

En otras salas podrán verse obras de Michele Marieschi, el más espontáneo de los vedutisti venecianos, y del sobrino de Canaletto, Bernardo Bellotto (1722-1780) , quien a sus 18 años había conseguido imitar el estilo de su tío con gran destreza.

En la última década de su vida, Canaletto tuvo un nuevo rival, Francesco Gaurdi (1712-1793) , que le sobreviviría en 25 años y que, como señala la National Gallery, escribió un capítulo final glorioso en la historia de las vistas venecianas.


 la_plaza_de_san_marcos_en_venecia_c_1723_1724_leo_sobre_lienzo_141_5_x_204_5_cm_museo_thyssen_bornemisza_madrid

La plaza de San Marcos en Venecia, c. 1723-1724. Óleo sobre lienzo, 141,5 x 204,5 cm. Propiedad: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Canaletto cedida para la muestra en la National Gallery.  


Fuentes: pintura.aut.org, elpais.com, eluniversal.com.mx y museothyssen.org
 




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