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En esta sección sólo se permiten exposiciones de Pintores Extranjeros. La forma de abrir una exposición es el autor con su fotografía y su biografía y los cuadros de la exposición con un tamaño no superior a los 800 píxeles.


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KANDINSKY, Wassily
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Este trabajo recopilatorio está dedicado al pintor ruso Wassily Kandinsky, los entendidos lo califican como un gran innovador del arte moderno, fue uno de los primeros pintores que “sembró la semilla del exprexionismo abstracto”.  Precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, se considera que con él comienza la abstracción lírica.


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Vasili Kandinski cerca de 1913.

(Vasíli o Wassily Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.


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Moneda rusa de 100 rublos dedicada a Kandinsky. Pertenece a la serie histórica de monedas.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.


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Portada del libro "Punto y línea sobre el plano"

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú; allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.


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Portada del libro "De lo espiritual del arte" de Wassily Kandisky, 1910.


La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.


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El museo Guggenheim de Nueva York posee muchos cuadros de Kandinsky.

Espero que esta presentación sea de vuestro interés, y en lo posible contribuya en la divulgación de la obra del artista.






algunos obras


Kandinsky en el Museo Thyssen

Wassily Kandinsky (Moscú, 1866-Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, Wassily Kandinsky fue uno de los iniciadores del arte abstracto del siglo XX. Tomó clases de música y dibujo antes de ir a la Universidad de Moscú a estudiar Derecho y Economía, donde, tras licenciarse, en 1892, comenzó a impartir clases. En 1895 visitó la exposición de impresionismo francés y quedó fascinado por una obra de la serie de los almiares de Claude Monet. Un año más tarde Kandinsky decidió abandonar su profesión y dedicarse por completo a la pintura. Se dirigió a Múnich, entonces un reputado centro artístico, donde estudió en la academia del pintor Anton Azˇbé y más tarde en la Akademie der Bildenden Künste. En 1901 participó en la fundación de Phalanx, asociación que organizó exposiciones y formó una escuela de arteAllí. conoció a la pintora Gabriele Münter, que se convertiría en su amante y colaboradora los años siguientes y junto a la que viajó por Europa y Túnez en 1904. Posteriormente se instaló en París entre 1906 y 1907

La. lectura de los escritos de Wilhelm Worringer en 1909 y la música de su contemporáneo Arnold Schönberg le llevaron a un creciente interés por el arte no-objetivo. Kandinsky estaba preocupado por el materialismo del mundo moderno y veía en la abstracción una vía de liberación del hombre. Fue miembro fundador de la Neue Künstlervereinigung, donde conoció a Franz Marc. Junto a él abandonaría posteriormente este grupo para, en 1911, comenzar a publicar juntos el almanaque Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), en torno al cual se aglutinó un variado grupo de artistas. En sus páginas, Kandinsky propugnaba una función mística para el arte, un arte no-objetivo que respondiera no a un reflejo de las apariencias, sino a la fuerza interior del artista. Sus escritos, entre los que destacan De lo espiritual en el arte (1912) o Punto y línea sobre el plano (1926), sirvieron para difundir sus ideas

En. 1914 regresó a Moscú, donde llevó a cabo una importante labor como miembro del Comisariado de Educación PopularAl. imponerse el realismo socialista como estética dominante, Kandinsky regresó a Alemania, donde se convirtió en uno de los más importantes colaboradores de la Bauhaus de Weimar, al tiempo que su pintura se contagiaba de la tendencia geométrica de esta escuela. Con la llegada al poder de Hitler en 1933 y el consiguiente cierre de la Bauhaus, Kandinsky huyó a París y se instaló en las afueras, en Neuilly-sur-Seine, donde su pintura recuperó la abstracción más libre de sus primeros años.


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Johannisstrasse, Murnau, 1908. Óleo sobre cartón, 70 x 48,5 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Wassily Kandinsky.

Entre 1904 y 1908 Wassily Kandinsky y Gabriele Münter viajaron constantemente en busca de nuevas experiencias y de inspiración para su pintura. En su periplo visitaron varios países europeos, como Francia , Holanda e Italia , y también el norte de África. A su regreso a Múnich, en 1908, pasaron largas temporadas en Murnau , donde Münter compró una casa en 1909. El entorno pintoresco del pueblo y la peculiaridad de sus tranquilas calles se convertirían en uno de los temas más repetidos por ambos artistas.

En esta representación colorista de la Johannisstrasse se detecta la influencia de la pintura fauve que Kandinsky había podido contemplar en París . La composición nos ofrece una vista del comienzo de la calle y al fondo a la derecha la fachada de la Griesbräu Inn , la posada donde se alojaba la pareja y que hoy todavía se encuentra intacta .

Johannisstrasse , Murnau se encontraba entre las obras que quedaron en manos de Gabriele Münter en 1914 cuando Kandinsky fue obligado a regresar a Rusia a causa de la guerra . Fue adquirida por el barón Thyssen-Bornemisza en 1987.


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Murnau, casas en el Obermarkt, 1908. Óleo sobre cartón, 64,5 x 50,2 cm. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza. Obra de Wassily Kandinsky.

Todavía hoy se puede contemplar el mismo enclave que Kandinsky utilizó al tomar esta vista de la calle mayor de Murnau en 1908. Poco ha cambiado desde entonces el pequeño pueblo bávaro situado al pie de los Alpes, cuya belleza atrajo a Kandinsky, Gabriele Münter, Alexej van Jawlensky y Marianne van Werefkin durante los veranos previos a la Primera Guerra Mundial. Aunque Murnau, casas en el Obermarkt no fue fechada por Kandinsky, apenas cabe duda sobre su datación debido a la rápida evolución hacia la abstracción del pintor ruso en aquellos años. En ella se aprecian ecos del lenguaje fauve que Kandinsky había contemplado en París en 1906 y 1907. Sin embargo, la factura es más compacta y la paleta algo más sombría. Por otra parte, el color pugna ya claramente por independizarse del modelo.

Todavía hoy se puede contemplar el mismo enclave que Kandinsky utilizó al tomar esta vista de la calle mayor de Murnau en 1908. Poco ha cambiado desde entonces el pequeño pueblo bávaro situado al pie de los Alpes, cuya belleza atrajo a Kandinsky, Gabriele Münter, Alexej van Jawlensky y Marianne van Werefkin durante los veranos previos a la Primera Guerra Mundial. Aunque Murnau, casas en el Obermarkt no fue fechada por Kandinsky, apenas cabe duda sobre su datación debido a la rápida evolución hacia la abstracción del pintor ruso en aquellos años. En ella se aprecian ecos del lenguaje fauve que Kandinsky había contemplado en París en 1906 y 1907. Sin embargo, la factura es más compacta y la paleta algo más sombría. Por otra parte, el color pugna ya claramente por independizarse del modelo.


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La Ludwigskirche en Munich, 1908. Óleo sobre cartón, 67,3 x 96 cm. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza. Obra de Wassily Kandinsky.

Bajo el pórtico de la iglesia de St. Ludwig una multitud se agolpa ante una procesión religiosa. La escena, ocurrida a pocos metros del apartamento de Kandinsky, fue esbozada por el artista en uno de sus cuadernos de fines de 1908, junto a anotaciones precisas de color.

Desde 1904 Kandinsky se había interesado por la pintura puntillista de Signac, tal como se observa en sus cuadros de “cuentos”, pintados entre 1905 y 1907. La presente obra retoma las pinceladas en forma de gema y el fondo oscuro de aquellos, pero con un colorido vibrante y arbitrario derivado de Matisse y de los pintores fauves, cuya obra pudo contemplar en París entre los años 1906 y 1907. Ahora bien, Kandinsky se aleja de sus colegas franceses al establecer un fuerte contraste entre las pequeñas manchas de color -muchas de ellas libres de referente- y el fondo negro, confiriendo al cuadro una cualidad abstracta-decorativa.


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Pintura con tres manchas, nº 196, 1914. Óleo sobre lienzo, 121 x 111 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Wassily Kandinsky.

Desde comienzos de la década de 1910 Kandinsky se liberó de la necesidad de representar el mundo de las apariencias y llegó a la plena abstracción en unas obras que, como Pintura con tres manchas, le encumbraron como el gran pionero del arte no-objetivo. Kandinsky materializaba así su deseo de crear un equivalente de la música en pintura a través de un estilo que fuese capaz de evocar emociones y que, alejado de la realidad exterior, se convirtiese en la expresión de la fuerza interior del artista. Con sus fluctuantes formas y brillantes colores, que rodean las tres grandes manchas ovoides situadas en el centro de la composición, Kandinsky enfatiza en este lienzo la simbología divina del número tres y nos transporta a su universo personal de aspiración espiritual y mística.

Wassily Kandinsky , líder del grupo expresionista de Múnich Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) y uno de los pioneros de la pintura abstracta, atribuía al arte una función mística. Desde alrededor de 1910, el artista renunció a la representación pictórica del mundo a partir de los esquemas de percepción objetiva dictados por la tradición occidental. La forma pasa a ser para él «la expresión exterior de un contenido interior» y no debe, por tanto, estar condicionada por las apariencias exteriores de las cosas sino por esa necesidad que le incita al artista a crear. A través de esa necesidad, o fuerza interior, Kandinsky quiere suscitar emociones en el espectador que vayan más allá de las simples sensaciones y le liberen del materialismo de la vida moderna: «El elemento interno, tomado aisladamente, es la emoción del alma del artista. Esta emoción tiene la capacidad de provocar otra emoción, en el fondo similar, en el alma del espectador» .

Pintura con tres manchas, perteneciente a la colección del Museo Thyssen-Bornemisza , fue pintada en Múnich en la primera mitad de 1914 , antes de su regreso a Moscú a finales de ese año, en el momento en que sus experimentaciones pictóricas y teóricas habían llevado al artista ruso a las puertas de la abstracción pura. En la composición, una serie de formas fluctuantes de intensos colores, superpuestas unas sobre otras, ocupan todo el espacio pictórico, mientras que en el centro tres manchas ovoides, más compactas, de colores planos azul, verde y rojo, enfatizan la simbología divina del número tres.Ahora bien, a pesar de que Kandinsky se ha liberado prácticamente de toda referencia al mundo de las apariencias, como apunta Peter Vergo, en el dibujo preparatorio a tinta se aprecian ciertas referencias a formas visibles: dos pequeñas barcas con gente, abajo a la izquierda, que podían referirse a algún tema apocalíptico; unas líneas verticales, a la derecha, posibles alusiones a unas figuras esquematizadas, y una forma circular sobre la que Kandinsky ha escrito «Kr.» (Krasnoe, rojo en ruso), que es una referencia al sol .

Por otra parte, esta obra de la Colección se ha relacionado en ocasiones con el conjunto de Paneles Campbell (también fechados en 1914), cuatro grandes lienzos encargados a Kandinsky por el empresario americano Edwin R. Campbell , el fundador de la Chevrolet Motor Company, para su casa situada en la lujosa Park Avenue de Nueva York , tras haber contemplado las obras del artista en el Armory Show de 1913. Estas pinturas, hoy en el Museum of Modern Art de Nueva York , fueron numeradas por Kandinsky en su lista manuscrita de obras con los números 198 a 201, inmediatamente a continuación de la del Museo Thyssen-Bornemisza , que aparece con el número 196. Por el hecho de ser cuatro y por los cambios de tonalidades entre una y otra, Kenneth Lindsay sugiere que Kandinsky tenía en mente una cierta idea de paisaje y las consideró como la representación de las cuatro estaciones del año . En cualquier caso, a la luz de las creencias de Kandinsky , tanto los Paneles Campbell como Pintura con tres manchas deben ser interpretadas como pinturas no-objetivas y como símbolos de una aspiración espiritual. Bajo esta óptica, la combinación de ritmos de formas y colores abstractos que contemplamos, no es otra cosa que la plasmación plástica de la creación del cosmos.


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Sin Título, 1922. Acuarela y tinta sobre papel, 26,7 x 36,3 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Wassily Kandinsky.

Esta acuarela de Kandinsky , fechada en 1922, no aparece especificada claramente en el listado manuscrito realizado por el propio artista, pero como recoge Vivian E . Barnett , con motivo de su exposición en la Moderne Galerie Otto Stangl de Múnich fue identificada por Nina Kandinsky como el número 27 de la mencionada lista .

El estilo preciso de la imagen, que combina formas puramente abstractas, compuestas libremente, con elementos geométricos como triángulos, círculos y líneas rectas, encaja convenientemente con los primeros tiempos de Kandinsky en la Bauhaus de Weimar , donde ejerció como profesor desde mediados de 1922. A la derecha, entre los pocos elementos reconocibles de la composición, podemos vislumbrar un barco muy esquematizado, con una vela triangular, que aparecía en sus primeras obras como símbolo del Diluvio Universal. Por otra parte, las líneas semicurvas y rectas, que se entrecruzan como espadas, tienen bastante en común con las formas que luego asomaban en el óleo de la colección Thyssen-Bornemisza En el óvalo claro, pintado tres años más tarde.


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Tensión suave, 1923. Acuarela y tinta sobre papel, 35,5 x 25 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Wassily Kandinsky.

Registrada con el número 85 en el listado manuscrito del artista , Zarte Spannung (Tensión suave) pertenece a un amplio conjunto de acuarelas fechadas entre 1922 y 1923 que poseen títulos imaginativos. Entre ellas se encuentran otras dos muy similares tanto en estilo como en formato: Sonido brillante y Relación libre , pintadas también en julio de ese mismo año. En las tres, el uso del color ha sido restringido al interior de algunas formas y adopta tonalidades más frías que en épocas anteriores. Además, la acusada geometría de todas ellas parece haberse trazado con regla y compás.

Tensión suave , realizada por Kandinsky en la Bauhaus , coincide con la época más racionalista de esta prestigiosa escuela, bajo la dirección de Theo van Doesburg , entre 1923 y 1925. Fue entonces cuando el inicial estilo expresionista de este centro de vanguardia evolucionó hacia un mayor compromiso con la estética constructiva que, por otra parte, se generalizaba internacionalmente. Kandinsky profundizaría en sus investigaciones sobre las correspondencias entre formas y colores y la geometría de las obras de este periodo, en ocasiones calificado de «frío», se basa principalmente en el círculo y el triangulo, que consideraba «las dos figuras planas primarias más fuertemente contrastantes».

El pintor abstracto Rudolf Bauer (1889-1953) , perteneciente al círculo de la galería berlinesa Der Sturm, adquiría esta acuarela en 1929, a través de la Galerie Ferdinand Möller , y años después, en 1936, pasaría a la baronesa Hilla Rebay . En 1930, Rebay , unida sentimentalmente a Bauer, abrió en Berlín la sala de arte no-objetivo Das Geistreich (El reino del espíritu), clausurada por los nazis en 1937, en la que en 1932 presentó la muestra Werke von Kandinsky und Bauer. Tras emigrar a Estados Unidos, se convertiría en la directora y curator de la recién creada Solomon R . Guggenheim Foundation y en la organizadora de la exposición The Solomon R. Guggenheim Collection of Non- Objective Paintings en la Gibbes Memorial Art Gallery de Charleston, en la que se incluía esta acuarela como parte de la colección Guggenheim, a la que perteneció entre 1936 y 1971.


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En el óvalo claro, 1925. Óleo sobre cartón, 73 x 59 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Wassily Kandinsky.

En el óvalo claro, de 1925, el número 313 de la lista manuscrita del pintor , pertenece al periodo en que la Bauhaus , dirigida por Walter Gropius , se había trasladado de Weimar a Dessau . Ese mismo año, Kandinsky había terminado su ensayo Punto y línea sobre el plano, en el que desarrolló sus teorías sobre el significado de la forma y el color como elementos autónomos dentro de la composición. Kandinsky les hablaba a sus alumnos sobre las repercusiones psicológicas de los colores, sobre la relación entre forma y color y les enseñaba cómo debían asociar los tres colores primarios —rojo, amarillo y azul— con las tres formas geométricas básicas: el triángulo, el cuadrado y el círculo. Ahora bien, En el óvalo claro no debe ser considerada como una composición de experimentación de determinados elementos geométricos, ya que, al igual que muchas otras pinturas anteriores, esconde un significado cósmico.

La obra se expuso en la Galerie Nierendorf de Berlín en octubre de 1925, al poco tiempo de ser finalizada, y durante los dos años siguientes estuvo incluida en las exposiciones conmemorativas del sesenta cumpleaños del pintor. En 1929 viajó a Estados Unidos incluida en una muestra dedicada a Kandinsky en la Oakland Art Gallery , organizada el año anterior por la marchante y coleccionista Galka Scheyer , principal promotora del arte de los componentes del grupo expresionista alemán Los Cuatro Azules (Feininger , Jawlensky , Kandinsky y Klee).


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Alrededor de la línea, 1943. Óleo sobre cartón, 42 x 57,8 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Wassily Kandinsky.

Kandinsky fue uno de los artistas de vanguardia que tuvieron que abandonar Alemania en 1933. Poco después de que el Gobierno nazi cerrara la Bauhaus , el pintor se instaló en Neuilly-sur-Seine , cerca de París, y en 1939 obtuvo la nacionalidad francesa. Alrededor de la línea, registrada en el listado manuscrito del artista con el número 710, donde aparece fechada en el mes de febrero de 1943 , es una de las últimas obras pintadas por Kandinsky en la capital francesa. Guarda un gran parecido con una obra más temprana, Alrededor del círculo, perteneciente a The Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York , y en especial con su boceto previo , lo que ha llevado a Peter Vergo a considerar este óleo sobre cartón como otro posible trabajo preparatorio para un lienzo de mayor formato.

Si bien Kandinsky continuaría hasta el final de su vida explorando las posibilidades expresivas y abstractas del círculo y la línea, esta obra, como otras de su último periodo, se caracteriza por un estilo más libre, cercano a la pintura de su gran amigo Paul Klee y a las representaciones antropomórficas de Joan Miró y alejado de su etapa más constructivista de la Bauhaus. Vivian Endicott Barnett considera que estas formas biomórficas prueban el interés de Kandinsky por las ciencias orgánicas, como la zoología y la botánica , y alude a su afición a crear álbumes con imágenes de insectos y embriones recortados de revistas científicas que utilizaba como fuente de inspiración para sus obras.



Otras obras


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Untitled (Sin título). 1924. Gouache y acuarela sobre cartulina, 36,5 x 24 cm. Museo reina Sofía, Madrid. Obra de Wassily Kandinsky.


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Mitten Kreise (Círculos en el centro). 1932. Gouache sobre cartulina, 33 x 48 cm. Museo reina Sofía, Madrid. Obra de Wassily Kandinsky.


 25sillones_de_playa_en_holanda

Sillones de playa en Holanda, 1904. Óleo sobre cartón, 24 x 32.6 cm. Städtische Galerie im Lenbachhaus. Munich. Obra de Wassily Kandinsky.


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Gabriele Münter, 1905. Óleo sobre lienzo, 45 x 45 cm. Städtische Galerie im Lenbachhaus. Munich. Obra de Wassily Kandinsky.


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Iglesia en Murnau, 1910. Óleo sobre cartón, 64.7 x 50.2 cm. Städtische Galerie im Lenbachhaus. Munich. Obra de Wassily Kandinsky.


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Composición VII    , 1913. Óleo sobre lienzo, 195 x 300 cm. Galería Estatal Tretjakov. Moscú. Obra de Wassily Kandinsky.


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Transverse Line, 1923. Óleo sobre lienzo, 141 x 202 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Dusseldorf. Obra de Wassily Kandinsky.


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Composición VIII. 1923. Óleo sobre lienzo, 140 x 201 cm. Museo Guggenheim. Nueva York. Obra de Wassily Kandinsky.


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En azul, 1925. Óleo sobre lienzo, 80 x 110 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Dusseldorf. Obra de Wassily Kandinsky.


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Amarillo-Rojo-Azul, 1925. Óleo sobre lienzo, 127 x 200 cm. Centre Georges Pompidou. París. Obra de Wassily Kandinsky.


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Composición IX, 1936 Óleo sobre lienzo, 113.5 x 195 cm. Centre Georges Pompidou. París. Obra de Wassily Kandinsky.


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Composición X, 1939. Óleo sobre lienzo, 130 x 195 cm. Kunstsammlung. Nordrhein-Westfalen. Dusseldorf. Obra de Wassily Kandinsky.


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Composición 8 (Komposition 8), julio de 1923. Óleo sobre lienzo, 140 x 201 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York. Colección fundacional Solomon R. Guggenheim, Donación. Museo Guggenheim Bilbao. Obra de Wassily Kandinsky.


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Composició IV, 1910-13. Obra de Wassily Kandinsky.


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Fotografía tomada en 1905 del artista Wassily Kandinsky que se muestra en el Museo Lenbachhaus. Nacido en Moscú en 1866, estudió pintura en Múnich, viajó al norte de África, se estableció en Suiza y Alemania y. finalmente, pasó sus últimos años en Francia, donde adquirió la nacionalidad gala en 1939.



Enlaces interesantes


Biografía de Kandinsky en la Wikipedia

Obra de Kandinsky en la Wikipedia

Web dedicada a Kandinsky

EnlaceArtículo de EL PAÍS: "Kandinsky no fue un jinete azul, sino rojo"



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Меморіальна дошка Кандінському (Одеса)



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) los entendidos lo califican como un gran innovador del arte moderno, fue uno de los primeros pintores que “sembró la semilla del exprexionismo abstracto”. Precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, se considera que con él comienza la abstracción lírica.


Fuentes y agradecimientos: museothyssen.org, museoreinasofia.es, pintura.aut.org, es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, artcyclopedia.com, elmundo.es, biografiasyvidas.com, elpais.com, xtec.cat, guggenheim-bilbao.es y otras de Internet
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Last edited by j.luis on Tuesday, 20 October 2015, 08:50; edited 5 times in total 
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Post Re: KANDINSKY 
 
J.Luis gracias por esta nueva Galería de Kandinsky. Coincido contigo en que este estilo no me llama mucho la atención, pero es bueno tener variedad en nuestra galería.

Un Saludo.
 




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Post Re: KANDINSKY 
 
Cierto xerbar, a pesar de que particularmente a nosotos no nos guste mucho, no cabe duda que tiene su este pintor, tiene mucho merito y un reconocimiento internacional..., por eso he tratado de representar en la Galería de arte, no sólo mis gustos personales, sino todo lo que considero más representativo según mi modesto criterio.

Poco a poco vamos consiguiendo para la Galería, un gran fondo de contenidos, lástima que no se visualice demasiado, pero creo que los temas seleccionados no se pasan de moda y siempre podrán ayudar a alguién, -en el presente o en el futuro- a realizar una consulta, un comentario o simplemente disfrutar con su visualización.


xerbar, si tienes un rato te pasas por la Galeria del arquitcto Moneo, creo que no la has visto.

Los siguientes trabajos que estoy preparando son del pintor Modigliani y del escultor Chillida.



Saludos.
 




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Post Re: KANDINSKY 
 
EXPOSICIÓN EN MÚNICH


El Guggenheim, el Pompidou y el alemán Lehnbachhaus celebran juntos a Kandinsky


Pretenden desarrollar todas las etapas artísticas del maestro ruso del abstracto



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Un visitante contempla 'Schwarze Striche', de Kandinsky. (Foto: AFP) Ver más fotos

BERLÍN.- Múnich celebra hasta el 22 de febrero una retrospectiva consagrada al maestro del arte abstracto Vassily Kandinsky, una exposición itinerante que pasará por París y Nueva York, y que rinde homenaje al pintor de origen ruso.

La muestra 'Kandinsky - Absoluto. Abstracto' reúne por primera vez 90 obras de este autor, muerto en Francia en 1944, procedentes de los tres museos de cuyas paredes cuelgan más cuadros suyos: el Lenbachhaus, de Múnich; el Centro Pompidou, de París; y el Guggenheim, de Nueva York.

La antología, que cubre todos los periodos creativos del artista, viajará hasta la capital gala de abril a agosto de 2009 y más tarde, de septiembre a enero de 2010, se trasladará a Nueva York.

La exposición discurre por estancias subterráneas, a modo del túnel de un metro, a través del cual están distribuidas las piezas, procedentes de otros museos y colecciones de todo el mundo.

Se trata de una exhibición superlativa, no sólo por la categoría de los tres museos que participan en ella, sino también porque pretende compendiar lo más representativo del artista ruso, considerado uno de los grandes genios del XX y precursor del abstracto. "Las grandes obras maestras de Kandinsky están aquí", afirma la comisaria de la exposición, Annegret Hoberg.


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La muestra 'Kandinsky - Absoluto. Abstracto' reúne por primera vez 90 obras de este autor, muerto en Francia en 1944, procedentes de los tres museos de cuyas paredes cuelgan más cuadros suyos: el Lenbachhaus, de Múnich; el Centro Pompidou, de París; y el Guggenheim, de Nueva York. (Foto: 'La montaña azul', 1908-1909. EFE)


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La antología, que cubre todos los periodos creativos del artista, viajará hasta la capital gala de abril a agosto de 2009 y más tarde, de septiembre a enero de 2010, se trasladará a Nueva York. (Foto: el cuadro de 1912 'Pequeños placeres'. AFP)


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En la imagen, algunos visitantes observan 'Improvisación 19', datada de 1911. La muestra está presupuestada en 2,5 millones de euros y será la última exhibición del Lenbachhaus en su estado actual ya que cuando se clausure se procederá a una renovación en profundidad. (Foto: AFP)


Tres museos, tres etapas

Cada museo participante ha aportado su punto fuerte a esta colección. Por ejemplo, el de Múnich es rico en cuadros pintados en la época en la que Kandinsky formaba parte del grupo Der Blaue Reiter (El caballero azul), hasta 1914; el Pompidou posee obras realizadas durante la Revolución Rusa y el periodo artístico que vivió dentro de la Bauhaus, Weimar y Dessau, en Alemania, hasta 1933. Mientras, Nueva York tiene en su Guggenheim los cuadros de la última época del maestro, con pinturas que datan de sus años parisinos, de 1933 a 1944.

Completan el conjunto las obras cedidas por otros museos y colecciones de Moscú, San Petersburgo, Washington, Basilea, Düsseldorf y Stuttgart, entre otras ciudades, hasta abarcar todas las etapas de su producción.

En definitiva, la exposición pretende mostrar, según su comisaria, "la evolución revolucionaria de unas formas radicalmente nuevas en el arte" de un pintor que siempre ha jugado con las fronteras. Nacido en Moscú en 1866, estudió pintura en Múnich, viajó al norte de África, se estableció en Suiza y Alemania y. finalmente, pasó sus últimos años en Francia, donde adquirió la nacionalidad gala en 1939.

La muestra de Kandinsky está presupuestada en 2,5 millones de euros y será la última exhibición del Lenbachhaus en su estado actual ya que cuando se clausure se procederá a una renovación en profundidad.

Este edificio histórico, construido en el XIX, se cerrará para proceder a una remodelación completa, a cargo de Norman Foster y que costará 56 millones de euros.


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Munich celebra hasta el 22 de febrero de 2008 una retrospectiva consagrada al maestro del arte abstracto Vassily Kandinsky, una exposición itinerante que pasará por París y Nueva York para rendir homenaje al pintor de origen ruso. En la imagen, la obra 'Paisaje romántico', de 1911. (Foto: EFE)


EL MUNO.es
 




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Escándalo en homenaje a Kandinsky


Un pintor de estética nacionalista y soviética gana el premio más importante de Rusia



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'Brothers and Sisters' (2008), uno de los cuadros de Alexéi Beláyev-Gintovt, ganador del premio Kandinsky y cuya inspiración en el arte soviético es patente.
 
El escándalo ha rodeado al principal premio de arte moderno de Rusia -el Kandinsky, instituido el año pasado-. Gritos y manifestaciones antifascistas acompañaron la ceremonia en la que se dio a conocer el galardón, celebrada en el complejo Vinzavod, principal centro de exposiciones de vanguardia de Moscú. El culpable del gran incidente fue el ganador Alexéi Beláyev-Gintovt, 43 años, polémico artista de ideas nacionalistas y activo miembro del reaccionario partido Euroasia.

Beláyev-Gintvot ganó los 40.000 euros del premio con Patria-Fliglia, una serie marcadamente nacionalista, de una estética tomada de la época comunista y de las tradiciones de la Iglesia ortodoxa. Como él mismo reconoce, su estilo mezcla la tradición de la pintura de iconos con el arte soviético. No es de extrañar que uno de sus colores preferidos sea el rojo y que una de las obras de la serie ganadora sea una inmensa estrella roja tridimensional.

Anatoli Osmolovski, ganador del año pasado, no se pudo contener e interrumpió el discurso de agradecimiento de Beláyev-Gintvot con gritos de "¡Vergüenza, vergüenza!", después de lo cual muchas personas se levantaron y abandonaron la sala con exclamaciones de protesta.

Para Osmolovski, la serie ganadora "es una mezcla de modernismo naif y vulgaridad". "No hay arte, Beláyev-Gintvot es un fascista", sentenció.

En anticipación del resultado, un grupo de jóvenes izquierdistas se había manifestado con pancartas y gritos antifascistas a la entrada del complejo Vinzavod, la fábrica decimonónica convertida hoy en museo de arte moderno.

Pero a Beláyev-Gintvot no le hacen mella ni las manifestaciones en su contra ni las acusaciones de fascista. "Mi único tema es la patria, me concentraré en él y mi arte siempre será sobre nuestra grande y hermosa patria", explica, para luego exclamar: "¡Rusia es eterna!".

Como dijo el filósofo Borís Groys en las palabras que precedieron al anuncio del ganador, "la orientación política de los tres finalistas es tan clara, que la decisión tiene que ser necesariamente tanto política como estética". Los otros dos artistas que llegaron a la final fueron el comunista Borís Orlov, con su Desfile de cuerpos celestes, y el anticomunista Dmitri Gútov, con Usado.

Para Joseph Backstein, organizador de la Segunda Biennale de Arte de Moscú, no hay nada extraordinario en la actual politización del arte en Rusia, pues se distinguía por ello al menos en el siglo pasado. "Los finalistas hoy están siguiendo las tradiciones de su país", manifestó.

La mayoría de los críticos de arte consideran, sin embargo, que lo importante es que el Premio Kandinsky -patrocinado por el Deutsche Bank y el grupo financiero IFD Capital- brinda a los artistas un espacio de libertad en el que pueden presentar obras de un fuerte tinte político. Y también subrayan que nadie pone en duda la independencia y profesionalidad del jurado, que estaba compuesto por tres especialistas extranjeros y tres rusos.


EL PAÍS
 




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Kandinsky vuelve al Pompidou 25 años después



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En la imagen, la obra del autor 'Gelb-rot-Blau' (1925)

La mayor retrospectiva sobre Kandinsky llegará este miércoles al Centro Pompidou para convertirse en una de las grandes atracciones artísticas de la primavera parisiense, tras haber animado el invierno muniqués y antes de tomar, a partir de septiembre, el Guggenheim de Nueva York.

Además de mostrar esta reunión excepcional de obras de todas las etapas pictóricas del genial precursor del arte abstracto, nacido en Moscú, en 1866, y fallecido en Neuilly-sur-Seine, al norte de París, en 1944, la escala parisina constituye un lejano y precioso eco a la gran retrospectiva organizada, también en el Pompidou, en 1984.


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En la fotografía, una mujer de espaldas a las pinturas 'Fuga' e 'Improvistion 35'

Al igual que en 'Kandinsky. Absolut. Abstrakt', título de la muestra en la Lenbachhaus de Munich, la exhibición parisiense, bautizada, simplemente, 'Kandinsky', reunirá del 8 de abril al 10 de agosto próximos, con el mismo carácter excepcional, un centenar de obras de gran formato creadas entre 1907 y 1942.


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En la imagen, 'Einige Kreise'


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Muchas de estas obras (en la imagen, 'Komposition VIII' y 'Auf Weiss II') proceden de los tres museos participantes, que son también los propietarios de las más ricas colecciones públicas del mundo sobre el artista ruso. Otras fueron prestadas por museos y colecciones particulares de ciudades como Moscú, San Petersburgo, Washington, Basilea, Düsseldorf y Sttutgart. | Foto: Reuters

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La exhibición del Centro Pompidou sigue un recorrido cronológico que abarca los grandes períodos de la vida creativa de Kandinsky, íntimo reflejo del compromiso ideológico que mantuvo con su época. Comienza con los años de su formación en Múnich y sus viajes por Europa, entre 1896 y 1907, año que repartió entre París y Sèvres, y en el que pintó 'La Vie mélangée', y sigue por el rico y provocador período muniqués, de 1908 a 1914, momento de sus célebres 'Improvisaciones', cuando rodeado de una colonia de artistas internacionales formaron el grupo 'El jinete azul'. En esta fotografía aparece la pintura 'Through-going Line'. | Foto: Efe


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Obligado por la I Guerra Mundial e implicado artísticamente en los primeros años de la revolución soviética, surgió su periodo moscovita, en el que pintó poco hasta que en 1921 viajó a Berlín con el encargo oficial de restablecer las relaciones artísticas con Alemania. La instalación en Weimar, en 1922, para enseñar en la Escuela Bauhaus, donde encontró a un viejo amigo del Múnich de la pre-guerra, Paul Klee; el traslado de la Bauhaus a Dessau, en 1925, tras las agresiones del partido nacional-socialista, y luego a Berlín, en 1933, donde los nazis exigieron que dejase de ser profesor en la escuela, constituyen su penúltima etapa artística. | En la imagen, 'Pequeños Placeres' y 'Cuadro Encendido' Foto: Efe


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Los diez últimos años de su vida, que en 1939 le dieron a él y su esposa, Nina, la nacionalidad francesa, transcurrieron entre París y su barriada chic de Neuilly, mientras intentaba integrar en su personalísimo vocabulario pictórico formas "biomórficas", destacaron en el centro Pompidou. Allí donde produjo obras como 'Courbe dominante' (1936) y 'Accord réciproque'(1942), tela, ésta última, que pone punto final a la exhibición. | Foto: Efe


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En la exposición de París una escenografía de fondo blanco, contraria a toda acumulación, intenta favorece al máximo la contemplación de cada pieza y revelar la contribución de Kandinsky al arte moderno, así como la enorme coherencia de su trayectoria artística e ideológica. |Foto: Efe


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La muestra se completa con una selección de piezas llegadas recientemente al Fondo Kandinsky del Centro Pompidou, divididas en tres salas, dos de ellas para mostrar acuarelas creadas entre 1914 y 1917, y manuscritos de ese mismo período "ruso". Una tercera sala presenta el 'Portfolio' (cartera) de la Bauhaus, creado con ocasión de su 60 aniversario, en 1926. En la imagen, 'Thirty'. | Foto: Efe

elmundo.es
 




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'Kandinsky, una retrospectiva'


Kandinsky, el pionero del arte abstracto


La sala Centro-Centro de Madrid inaugura una retrospectiva que reúne más de 80 obras del pintor ruso

La exposición estará disponible hasta el 28 de febrero




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'Amarilo-rojo-azul' (1925)

Bajo el sobrio título de Kandinsky, una retrospectiva se descubre una de las grandes exposiciones sobre el gran teórico del arte abstracto y uno de sus fundadores. La muestra, que se acaba de inaugurar en Centro-Centro de Madrid, estará abierta hasta el 28 de febrero y ofrece 80 obras (la mayoría, pinturas) y documentos de este artista que revolucionó la historia del arte.

Todas ellas están tomadas de los fondos del Centro Pompidou de París, que atesora el mayor legado del pintor y proceden de la colección personal del artista, ya que fueron donadas por su viuda Nina.

En este sentido, Angela Lampe, comisaria de la exposición, destaca la intimidad de la muestra que nos adentra en el lado más personal de Kandinsky, a lo que ha favorecido la disposición (como paneles de una colmena) del espacio de Centro-Centro. "Al pasear entre estas obras y documentos, el visitante respira el mundo de Kandinsky. Sentimos muy cerca al artista, su vida, sus ideas, sus libros..."


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'Ciudad antigua II' (1902)

La exposición se divide en cuatro partes y ocho salas, que ofrecen de forma cronológica la evolución de una trayectoria artística, enmarcada en cuatro geografías sucesivas: Munich, de 1896 a 1914, ciudad a donde Kandinsky llegó para estudiar pintura (se inició a la tardía edad de 33 años). Aquí se muestran pequeños paisajes y obras coloristas, todas ellas figurativas y en una línea postimpresionista.

Es en esta etapa (verano de 1908 en Murnau) cuando el artista empieza a usar colores antinaturales para fijar la realidad, y el paisaje se convierte en un pretexto para experimentar sobre las formas y el color. La semilla del arte abstracto estaba sembrada. En Munich escribe De lo espiritual en el arte, un análisis teórico de sus experimentaciones artísticas.

"Kandinsky no llega a la abstracción a través del arte, sino de la música de Shönberg, cuyos conciertos le impresionaron. En la correspondencia que mantuvieron ambos se aprecia la evolución, las connotaciones y las divergencias entre la música y la pintura", señala la comisaria.


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'Improvisación III' (1909)

En este periodo tiene lugar la aventura de El jinete azul (nombre tomado de uno de sus cuadros), junto a Franz Marc. Es cuando Kandinsky pinta su primera obra abstracta, Dans le cercle, una acuarela de 1911, que actualmente se encuentra en el museo de la capital de Georgia. "Es algo reciente. Se descubrió en 1999 y en el dorso figura escrito 'la primera obra abstracta'", según Angela Lampe.

La comisaria no se atreve a afirmar que Kandinsky sea el creador del arte abstracto, ya que en aquella época había otras artistas como Malevitch, Mondrian, Delaunay, Picabia..., que avanzaban en la misma dirección, pero sí señala que Kandinsky fue quien experimentó de una manera más consciente y el teórico imprescindible de este movimiento.

Tras la Primera Guerra Mundial, el artista regresa a Rusia, y aquí se inicia la segunda parte de la exposición de Madrid. Fue un periodo en el que se casó, se implicó en la Revolución de Octubre, volvió brevemente a la figuración y luego se sumerge definitivamente en el arte abstracto. No fue fácil para el pintor. "Recibió muchas críticas", cuenta la comisaria. "Entonces no se comprendía el arte abstracto, se pensaba que era una broma y se burlaban de él". En este apartado, y en el siguiente, el visitante puede apreciar las obras más conocidas o reconocibles de Kandinsky.


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'En blanco II' (1923)

La tercera parte de la exposición (1921-1933) nos muestra su vuelta a Alemania y su paso por la Bauhaus, la famosa escuela de arquitectura y de arte, donde Kandinsky dio clases, publicó Punto y línea sobre el plano y experimentó sobre la relación entre los colores y los planos. También, como se ve en la sala, aparecen sus cuadros con las primeras formas orgánicas, tipo amebas, que prolongará en su nueva etapa.

Tras el cierre de la Bauhaus por los nazis, Kandinsky se traslada a París. Este es uno de los periodos más desconocidos del pintor y de los más sorprendentes para el público. En la exposición se aprecia una pintura en tonos pasteles y figuritas que recuerda a Joan Miró. Y es que en París, donde vivió de 1933 hasta su muerte en 1944, Kandinsky tuvo buena relación con el pintor catalán. "Miró le influyó o, cuando se conocieron, ambos pintores coincidían en sus investigaciones artísticas", dice la comisaria. "Con Picasso fue distinto. Se cruzaron en algún momento, pero no hubo buena relación entre ellos"

Kandinsky vivió en lo alto de un edificio desde el que se veía el cielo de París, y esta visión influyó en su nueva pintura más colorida, apacible y ligera.


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'Cielo azul' (1940)

En aquella época, Picasso era la estrella, y Kandinsky un pintor que aún no había alcanzado la gloria artística que lograría poco después de su muerte.

Para Angela Lande hubo tres momentos claves que sirvieron para encumbrarlo: la exposición que se hizo en Estados Unidos a finales de los años cuarenta; los números de Cahiers d'Art que le dedicó Christian Zervos y los artículos y textos que sobre el pintor escribió Will Grohmann uno de los más prestigiosos críticos del pasado siglo.

Kandinsky, una retrospectiva, es una exposición itinerante que ha estado antes en Milán, donde fue vista por 200.000 visitantes, y Estados Unidos, y constituye una ocasión excepcional para adentrarnos en la obra y el mundo de uno de los pintores capitales y del que existen muy pocas obras en España.


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Kandinsky. Una retrospectiva. Exposición organizada por CentroCentro Cibeles, Centro Pompidou y Arthemisia Group. Del 20 de octubre al 28 de febrero de 2016.



Kandinsky en Madrid: la matemática de la emoción

CentroCentro Cibeles acoge la mayor exposición celebrada en España sobre uno de los padres de la abstracción



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Gelb-Rot-Blau (Amarillo-rojo-azul) 1925. Weimar, marzo-mayo, obra de Kandinsky... Ver vídeo: Kandinsky. Una retrospectiva. Exposición organizada por CentroCentro Cibeles.

Paseando entre los kandinskys –volcán de color en medio de tanta grisura de cielo y discurso- cabe pensar en cosas que no suelen ser materia de reflexión un lunes por la mañana. Cosas como que el arte nos sigue salvando, terco en su quietud en medio de tanta bulla. Y no solo a través de vectores como el poder evocador y el arrebato plástico. También nos salva la lógica. La lógica estruendosa de Vassily Kandinsky (Moscú, 1866–París, 1944), ese edificio levantado durante los primeros 40 años del siglo XX a golpe de teoría y práctica, de manifiestos y cuadros, color y forma.

La lógica de Kandinsky, alguien que en Múnich, Moscú o París conmocionó el mundo del arte aplicando criterios objetivos para suscitar las más profundas emociones, queda enmarcada para la posteridad en la exposición que sobre la trayectoria del artista y profesor franco-ruso-alemán albergan las salas del CentroCentro Cibeles de Madrid.


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'Tableau sur fond clair', 1916, de Vassily Kandinsky.

El centenar de obras –óleos, tintas, gouaches, grabados…- procedentes del Fondo Kandinsky del Museo Nacional de Arte Moderno-Centro Pompidou de París se despliega en cinco grandes salas sobre la base de una sobria escenografía de fondos blancos, azules y negros. Los paisajes posimpresionistas primero, las frías geometrías después, y los inquietantes elementos zoomórficos por fin, asaltan y desasosiegan al visitante que se preste al juego, en lo que supone la mayor exposición celebrada en España sobre uno de los grandes tótems de la abstracción y, por elevación, de la Historia del arte. Kandinsky. Una retrospectiva, que antes pasó por Milán, Milwaukee y Nashville, es un verdadero acontecimiento en la temporada de exposiciones. No se olvide que España tardó algo más de lo conveniente -1978, en la Fundación Juan March- en dar a conocer al maestro de la abstracción.


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'Improvisation III', 1909, de Kandinsky.

El viaje propuesto por la comisaria Angela Lampe, responsable de las colecciones modernas del Centro Pompidou, es escrupulosamente cronológico y abarca lo que podríamos llamar el todo Kandinsky: Múnich (1896-1914), Moscú (1914-1921), los años de la Bauhaus (1921-1933) y París (1933-1944, año de su muerte). Es la vida de un hombre de lejanías, siempre dispuesto, llegado el momento, a marcharse como llegó, aferrado a la única patria para él posible, el arte, alérgico cual pelo de gato al dogma artístico y político y a cualquier atisbo nacionalista.


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'Dans le gris' (1919), obra del periodo ruso (1914-1921) de Kandinsky.

Así lo interpreta Angela Lampe. Recostada en un sofá del hotel que le sirve de hogar estos días en Madrid, la responsable de la exposición habla de la triple ciudadanía de Kandinsky como antídoto de certidumbres, y como elemento clave en su devenir personal y creativo: “Para él el arte es un ideal humanista, el arte no es de ningún lugar, no tiene fronteras, y eso en él guarda un doble sentido. Su deseo es traspasar esas fronteras y por eso fusiona pintura y música, y por eso bebe de las tres culturas, rusa, alemana, francesa… su patria era solo el arte, el arte del mundo, y todo eso quedará luego reflejado en el almanaque Der Blaue Reiter, una publicación absolutamente innovadora en la que se muestra por primera vez el arte moderno occidental junto a las artes populares orientales, las máscaras chinas o indonesias, los dibujos infantiles, Matisse, Picasso… Es una especie de posmodernismo avant la lettre”.

Después de estudiar Derecho y Economía durante 10 años en su Moscú natal, Vassily Kandinsky se trasladaba a Múnich en 1896 para acometer, de forma bastante tardía, sus estudios de arte. En una ciudad que se había convertido en puro sarpullido creativo y que ya había empezado a abandonar el simbolismo para lanzarse al renovador Jugendstil modernista, Kandinsky desplegaría no solo su arte… sino también su ciencia.


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'Sin título', 1940, Vassily Kandinsky.

Triplemente influido por las artes tradicionales y populares de su Rusia natal, el descubrimiento de Monet y la escucha del Lohengrin de Richard Wagner, el artista iba a echar los cimientos intelectuales y pictóricos de la abstracción. De lo espiritual en el arte (1912), un texto seminal de menos de 100 páginas que debería ser materia obligatoria en cualquier instituto de secundaria, deja claro el tema: no importa el qué, no hay asunto, no hay soluciones formales absolutas, sólo el efecto psíquico de las formas y de los colores en quien contempla la obra de arte importa, algo así como entre usted en el cuadro, navegue, déjese llevar, decida cómo quiere usted que ese cuadro sea. Hasta entonces sagrados principios referenciales de la pintura –como el del embeleso naturalista y su consecuencia, la imitación- quedan aparcados en vía muerta. La abstracción ha nacido de forma oficial. Kandinsky, que no propone caprichos ni poesías baratas de verso libre, aplica sistemas y criterios objetivos a su pintura. La matemática de las emociones es posible. El único objetivo es conmover. Él lo consigue: “Todo viene de un concepto que le obsesiona, el de la necesidad interior. En su caso esa necesidad viene de la forma, del interior, es decir, si en ese cuadro hay un círculo es preciso que ese círculo sea amarillo y no de otro color, de manera que acabará provocando emociones, vibraciones. En la abstracción de Kandinsky todo es muy controlado y muy sistemático, todo es muy riguroso, y ahí tienen mucho que ver, creo yo, sus estudios de Derecho y Económicas. El objetivo último era no sólo transmitir, sino persuadir”, explica Angela Lampe, una de las grandes especialistas mundiales en Kandinsky y los demás artistas del grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), y que ahora prepara la gran retrospectiva que sobre Paul Klee organizará el año próximo el Centro Pompidou de París.


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Angela Lampe, comisaria de la exposición, junto a la obra 'Impression V', 1911, de Vassily Kandinsky.



Un puñado de obras maestras

Improvisación III, En el gris, Acento en rosa, Trama negra, Una fiesta privada… son algunas de las obras maestras de Kandinsky presentes en la exposición que mañana, martes, abrirá al público CentroCentro Cibeles de Madrid. Esas cinco obras mayores y el centenar restante pertenecen al Fondo Kandinsky, propiedad del Centro Pompidou de París tras las sucesivas donaciones que –primero por parte de la viuda del artista, Nina Kandinsky a mediados de los 70 y más tarde, en 1982, con el desembarco del Legado Kandinsky- convirtieron al museo parisiense en el principal depositario mundial de la obra del artista; sólo el Guggenheim de Nueva York y el Lenbachhaus de Múnich pueden competir con él en volumen e importancia de obras.


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La muestra viaja por Múnich, Moscú, Weimar y París, y simboliza en cierto modo la condición de víctima política de un genio que, a la postre, habitó una constante huida hacia adelante por la fuerza de las cosas. Kandinsky acabó harto de los burócratas comunistas, para los que trabajó con ahínco tras la revolución de 1917, y posteriormente tuvo que huir de la bestia nazi, cuando esta desmanteló en 1933 el experimento de la Bauhaus en Weimar y Dessau. La frialdad del geometrismo puesto en marcha por el artista a su paso por la Bauhaus acabó dejando paso, en París, a una pintura luminosa poblada de elementos orgánicos y zoomórficos, con un toque surrealista. Cerca de los Arp, Miró y Picasso vivió Kandinsky, casi recluido con Nina en su casa de Neuilly, donde estaban casi todas las obras de esta exposición: su colección personal. El padre de El Jinete Azul murió allí en 1944 tras un ataque cerebral.


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Izquierda, 'Sur blanc II', 1923. a la derecha de la imagen, 'Trame noire', 1922. Ambas obras forman parte de la retrospectiva que se exhibe en CentroCentro Cibeles, en Madrid. Del 20 de octubre al 28 de febrero de 2016.


Fuente: elpais.com
Fotos: Samuel Sánchez
 




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Los Románov y Kandinsky, frente a frente en el Museo Ruso de Málaga

La pinacoteca exhibe obras de la dinastía de zares y la evolución del genio de la abstracción



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'Dos óvalos', de Vassily Kandinsky.

Las actuales propuestas del Museo Ruso de Málaga, que renueva completamente sus fondos, son esenciales para comprender parte de la historia de ese país. La nueva exposición permanente, además, es una rareza en Europa occidental porque repasa de forma muy completa los 300 años en el poder de la dinastía Románov, con sus 18 zares y zarinas, desde Miguel I, que llegó al poder en 1613, hasta Nicolás II, destronado por la revolución bolchevique de hace justo un siglo y asesinado junto a su familia en 1918. La muestra temporal está protagonizada por Vassily Kandinsky (Moscú, 1866 – París, 1944) y descubre la evolución del artista hasta convertirse en uno de los padres de la abstracción.

Dinastía Románov se puede visitar hasta enero de 2018 y es un vasto montaje con 247 piezas entre retratos solemnes, pinturas de batallas, porcelanas, mobiliario palaciego o trajes de época que se exhiben cronológicamente. Como antesala a la representación artística de la dinastía real y su época, la exposición se acerca a los años de Iván IV El Terrible (1547-1584) y exhibe un cuadro anónimo del primer zar de Rusia, o por lo menos, una representación basada en los textos históricos y literarios. “Nadie sabe cómo era en realidad”, ha subrayado este martes Evgenia Petrova, directora artística del Museo Estatal Ruso de San Petersburgo, que abrió su sucursal en Málaga hace dos años.

La pinacoteca está estrechamente vinculada a los Románov porque fue creada por orden de Nicolás II en memoria de su padre, el zar Alejandro III (reinó entre 1845 y 1894). Antes de acercarse a estas dos figuras, en las paredes aparecen colgados retratos que muestran desde batallas por el poder y asesinatos a escenas domésticas y cotidianas de las tradiciones que imperaron en Rusia hasta el ascenso de Pedro I El Grande, el zar que se acercó a Occidente. “La costumbre de cortar las barbas y el pelo y de cambiar el vestuario de las mujeres se impuso por él”, ha recordado Petrova. En esta etapa, el arte ruso dejó de ser exclusivamente religioso y de estar copado por los iconos.

El retrato de Nicolás II es obra de Iliá Repin y muestra al monarca tranquilo, posando en 1896 con un traje militar que le queda algo grande. El retrato de su hijo y heredero, Alekséi Nikoláievich, fue realizado en 1911 por Serguéi Yegórnov. Otros artistas presentes son Nikolái Gue, Aleksandr Litóvchenko o Andréi Riábushkin, encargados de transportar al espectador con mucha imaginación a la corte imperial.

“La historia rusa tiene páginas que ni siquiera los rusos entendemos a veces, pero hemos pensado que ese dramatismo puede ser interesante para el público extranjero”, ha subrayado Petrova sobre el repaso que se hace a la dinastía Románov en el museo malagueño. También es comisaria de la temporal Kandinsky y Rusia, una propuesta totalmente alejada de la anterior que no solo se centra en las geometrías y los elementos zoomórficos del genio de la abstracción, que también, sino que muestra la evolución del artista, reivindica sus orígenes rusos, pese a su vinculación con Alemania y Francia, y ofrece su lado artístico más desconocido.

Esta muestra, visitable desde este miércoles hasta mediados del próximo julio, está integrada por 78 piezas, 29 de ellas del protagonista. Del pintor hay varios paisajes impresionistas, realizados en los primeros años del siglo XX, y ejemplos en los que el arte figurativo empieza a mezclarse con lo abstracto, como en Improvisación nº 11 (1910). El montaje intenta transmitir la influencia que tuvieron Rusia y sus artes populares en una de las figuras imprescindibles del siglo XX. Se exponen seis obras de coetáneos rusos que fueron invitados por el artista a participar en la primera exposición de El Jinete Azul en Múnich, en 1911, y En blanco (I), lienzo de 1920 que cierra el montaje y que es puro Kandinsky.


Delicados y rotos cristales pintados

La exposición temporal sobre Kandinsky en la Colección del Museo Ruso de Málaga exhibe cinco pequeñas joyas del artista que utilizó la espiritualidad y el sentimiento para llegar a la abstracción. Son óleos sobre vidrio, una técnica antigua de la tradición popular alemana que el pintor utilizó en varios momentos de su vida. Algunos de los cristales que se muestran están incluso quebrados, algo que evidencia lo delicado de la pieza. “No solemos prestarlos”, ha advertido Evgenia Petrova, comisaria del montaje. El vidrio está rasgado, por ejemplo, en Nube dorada y en Con frutas, de 1918. Son óleos en los que hay libertad para las proporciones y la perspectiva, las figuras aparecen planas y los colores son muy llamativos. La temática suele ser de carácter fantástico y laico.


elpais.com
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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