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LUCAS CRANACH EL VIEJO
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Mensaje LUCAS CRANACH EL VIEJO 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado al pintor aleman renacentista Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), después de Durero es seguramente el pintor más importanre y conocido de Alemania. He tenido el placer de ver numerosas obras suyas en el Prado y en Thyssen, además de otros museos europeos y me han fascinado.


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Autorretrato de Lucas Cranach a la edad de 77 años (1550), en la Galería Uffizi, Florencia.

Lucas Cranach el Viejo (en alemán, Lucas Cranach der Ältere) (Kronach, 1472 – Weimar, 16 de octubre de 1553) fue un artista alemán, pintor y diseñador de grabados en xilografía. El apellido real de este pintor hubo de ser Sünder (escrito también Sunder, Sonder y Süündä). Es padre del también pintor Lucas Cranach el Joven (1515-1586).

Educación y comienzos

Lucas nació en Kronach, en la alta Franconia, y aprendió a pintar de su padre. No es posible hacer un seguimiento de sus familiares y predecesores. Su apellido real difiere según las fuentes y puede ser Sünder, Sunder o Sonder; posteriormente Lucas se añadió como apellido el nombre de su ciudad natal.

Se desconoce el taller donde tomó clases de pintura; se supone que conoció al maestro de pintura alemán Matthias Grünewald que le hubo de ofrecer algo de educación. Grünewald practicó en Bamberg y en Aschaffenburg, siendo Bamberg la capital de la diócesis donde Cranach vivía.

La primera referencia escrita de su existencia es en la ciudad alemana de Wittenberg en el año 1504, en el que el príncipe del lugar le daba un cierto salario por su trabajo. Se sabe además que poseía una casa en Gotha y que Barbara Brengebier fue su mujer.

Carrera pictórica

La primera evidencia de los trabajos artísticos de Lucas Cranach proviene de una pintura datada en 1504. En esta época abordó diversas tareas: decoración de interiores, pinturas de altar y retratos, diseños para grabados en madera (xilografías) y en placas de bronce. En su más temprana edad tuvo empleo de oficial dedicado a pintar las paredes de los palacios de Coburgo y Locha, debido en parte a la fama que tenía de meticuloso y de realista. Los motivos pintados eran escenas de caza y pastoriles.

Antes de 1508 llegó a pintar diversas piezas de altar para el castillo de Wittenberg en competición con sus contemporáneos Alberto Durero, Hans Burgkmair y otros; el duque y su hermano Juan fueron retratados por él durante diversas ocasiones tanto en pintura como en xilografía. La gran reputación lograda por Lucas hizo que en 1509 viajara a Holanda al servicio del emperador Maximiliano I y Carlos V. Hasta 1508 Cranach no empezó a firmar sus obras, y cuando lo hacía ponía sus iniciales y dibujaba una serpiente alada como anagrama (Kleinodo).

Algún tiempo después el duque le concedió el monopolio de las salas de medicina de la ciudad de Wittenberg, y le dio la concesión y privilegio de la edición de Biblias. Las prensas de Cranach fueron usadas por Martín Lutero. Su establecimiento de farmacia permaneció abierto durante siglos y sólo fue suspendido a raíz de un incendio acaecido en 1871.

La especialidad de Lucas Cranach el Viejo fueron los retratos, las escenas religiosas de mediano formato aptas para domicilios particulares y, sobre todo, los temas de mitología que daban pie a incluir desnudos femeninos. Cranach impuso en el Arte un canon femenino muy peculiar, estilizado y de aspecto juvenil, con ojos almendrados, senos menudos y piernas largas.

Cranach el Viejo organizó un activo taller, de donde se expedían múltiples pinturas religiosas y mitológicas que repetían unos modelos fijos con ligeras variantes. El anagrama de la serpiente alada se incluía en todas ellas, más como sello del taller que como garantía de autoría. Los dos hijos de Cranach, Lucas Cranach el Joven y Hans Cranach, colaboraron en el taller. En señal de luto por la muerte de Hans en 1537, el anagrama familiar se modificó, disponiendo las alas de la serpiente hacia abajo. Ello supone una pista cronológica sobre las obras realizadas antes y después de tal fecha.

Las obras de mayor calidad de la familia Cranach son las de la primera época, especialmente las anteriores a los años en que ambos hijos empezaron a colaborar. Las de 1508-20 son relativamente escasas en el mercado y alcanzan precios astronómicos. Aunque Cranach el Viejo fue muy prolífico, mantuvo un nivel de calidad alto, con una ejecución muy esmerada que requería múltiples capas de pintura al óleo aplicadas en finas veladuras. A partir de la masificación del trabajo en el taller, las obras delatan una ejecución más esquemática, un colorido menos variado y un dibujo de contornos más rectos.


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Retrato de Martín Lutero pintado por Cranach (1529, Uffizi).


Defensa del luteranismo y exilio

De una fe religiosa inicialmente católica, Cranach el Viejo pasó a apoyar fervientemente el luteranismo, promoviendo con sus retratos y grabados la fama internacional de Martín Lutero y Philip Melanchthon. En algunos grabados, Cranach pareció ridiculizar al Papa y a la Casa de Habsburgo. A raíz de la derrota de las tropas protestantes ante Carlos V en la batalla de Mühlberg (1547), el elector Juan Federico I de Sajonia fue apresado y enviado al exilio a Weimar, y Cranach le acompañó. En tales circunstancias el pintor falleció en el año 1553.

Controversia en 2008

Un desnudo femenino que representa a una Venus, que porta una gargantilla y se cubre sólo con una gasa transparente que lleva en una mano, fue rechazado por la compañía que administra el Metro de Londres, porque podría herir y ofender la sensibilidad de los usuarios del Metro, especialmente los de cultura no europea poco acostumbrados a representaciones de desnudo. La pintura iba a servir para anunciar la próxima exposición dedicada al pintor renacentista alemán en la Royal Academy. La exposición se celebró del 8 de marzo al 8 de junio de 2008.


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Lucas Cranach el Viejo - Venus desnuda usada como propaganda en un cartel y censurada.


Obras

Lucas Cranach y su equipo elaboraron cerca de 5.000 obras de arte, de las cuales sólo unas 1.000 perduran hoy en día. El número total de obras es desconocido, ya que no se ha emprendido ninguna investigación para el recuento de las mismas.

La presencia de los Cranach (el Viejo y sus hijos) era relativamente escasa en los museos de España hasta la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza, que posee un nutrido fondo. Otros museos españoles con sus obras son el Museo del Prado, MNAC de Barcelona, Museo Lázaro Galdiano y el Museo de Bellas Artes de Sevilla. En 2012, un relevante ejemplo de desnudo femenino (Lucrecia, 1534) ha sido adquirido por el Museo de Bellas Artes de Bilbao .


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Frontal del retablo de Cranach el Viejo en la iglesia de san Wolfgang, en Schneeberg.

Las obras que se enumeran a continuación son sólo una muestra de las muchas conocidas. Algunas, especialmente de la última etapa, suscitan dudas de autoría, pues pudieron ser realizadas (total o parcialmente) por ayudantes del taller.

    - Kreuzigung Christi sogenannte Schottenkreuzigung, alrededor de 1500, en Viena
    - San Valentín aseteado, 1502/03, en Viena
    - Kreuzigung Christi, 1503, en Múnich
    - Dr. Johann Stephan Reuss, 1503, en Núremberg
    - Die Frau des Dr. Johann Stephan Reuss, 1503, en la Gemäldegalerie de Berlín
    - Dr. Johannes Cuspinian, 1503, en Winterthur
    - Retrato de Anna Cuspinian, 1503, en Winterthur
    - Ruhe auf der Flucht, 1504, en la Gemäldegalerie de Berlín
    - El martirio de Santa Catalina, 1506, ala interior izquierda del altar de Dresde, en la Gemäldegalerie
    - El martirio de Santa Catalina, 1508, Colección Raday de la iglesia reformada, Budapest
    - Venus y Amor, 1509, en el Hermitage, San Petersburgo
    - Christoph Scheurl, 1509, en Wittenberg
    - Kleiner Flügelaltar, 1509/10, en Kassel
    - El cardenal Albert de Brandeburgo ante Cristo crucificado (Kardinal Albrecht von Brandenburg vor dem Gekreuzigten kniend), alrededor de 1520, en Múnich
    - Adán y Eva entre 1520 - 1525
    - Christus und die Ehebrecherin, alrededor de 1520, en Kronach
    - Bild eines bartlosen jungen Mannes, 1522, National Gallery of Art, Washington
    - Christus als Schmerzensmann am offenen Grabe, 1524, Augustinermuseum, Friburgo de Brisgovia
    - Drei vornehm gekleidete Damen, 1525/1530, en Viena
    - Traubenmadonna, alrededor de 1525, en Múnich
    - Prinzessin Sibylle von Cleve als Braut, 1526, en Weimar
    - Der heilige Antonius als Eremit, 1520/25, en Leitmeritz
    - Hans Luther, 1527, en Eisenach
    - Hans Luther Papierzeichnung, 1527, en Viena
    - Magarethe Luther, 1527, en Eisenach
    - Katharina von Bora, alrededor de 1526, en Hamburgo
    - Katharina von Bora, 1526, en Eisenach
    - Martín Lutero, 1526, en Hamburgo
    - Martín Lutero, 1526, en Eisenach
    - Tres gracias, alrededor de 1530, en Cambridge
    - La Edad de Oro, alrededor de 1530, en Oslo
    - La Edad de Oro, alrededor de 1530, en Múnich
    - Johannes-Bugenhagen, 1532, en Hamburgo
    - Friedrich der Weise, 1532, en Kronach
    - Johann der Beständige, 1532, en Kronach
    - Johann der Beständige, 1532, en Weimar
    - Johann der Beständige, 1532, en Hamburgo
    - Die drei Kurfürsten von Sachsen, 1532, en Hamburgo
    - Melancholie, 1532
    - Kurfürst Johann Friedrich von Sachsen mit den Reformatoren, 1532/39, en Toledo
    - Venus, 1532, Städel
    - Gregor Brück, 1533, en Núremberg
    - Venus und Amor als Honigdieb, 1534, en Múnich
    - Lucrecia, 1534, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao
    - Der Hauptmann unter dem Kreuz, 1536, en Washington
    - Gerechtigkeit als nackte Frau mit Schwert und Waage, 1537, en Ámsterdam
    - La Crucifixión, 1538, en el Museo de Bellas Artes de Sevilla
    - Dos Cacerías en el castillo de Torgau, Museo del Prado, Madrid
    - La Virgen con el Niño y ángeles, Museo del Prado, Madrid
    - La ninfa de la fuente, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
    - Bildnis eines Unbekannten, Porträtaufnahme, alrededor de 1540, en Reims
    - Herzog Ernst IV. von Braunschweig-Gubenhagen (boceto), 1540/45, en Reims
    - Die Hirschjagd, 1540, en Cleveland
    - Maria mit Christuskind und dem schlafenden Johannesknaben, 1540/50, en una colección privada
    - Martín Lutero, 1543, en Hamburgo
    - Philipp Melanchthon, 1543, en Hamburgo
    - Martín Lutero, en la Gemäldegalerie de Berlín
    - Diana y Acteón, en Hartford
    - Altar mayor en Torgau
    - Altar mayor en Dessau
    - Gnadenbild Mariahilf, en Innsbrucker Dom
    - Altar en St. Wolfgangskirche, en Schneeberg.

Lucas Cranach, el Viejo, se especializó en las escenas religiosas y los retratos, uno de sus sellos personales fue el incluir desnudos femeninos en los temas de mitología y plasmando una forma peculiar: mujeres estilizadas, jóvenes, piernas largas, senos pequeños y ojos almendrados. Cranach fue uno de los máximos representantes de la escuela alemana y apoyó vehemente el luteranismo, esto le valió convertirse en el pintor de cámara de Federico de Sajonia el Magnánimo.

Espero que esta presentación sea de vuestro interés, y contribuya en la divulgación del pintor alemán.




Algunas obras


Cranach el Viejo en el Museo del Prado

Cranach el Viejo, Lucas (Cranach, 1472-Weimar, 1553). Pintor y grabador alemán. No hay certezas sobre los comienzos ni la formación de este artista, del que no conocemos obras seguras hasta su llegada a Viena entre 1501 y 1502, cuando ya tenía unos treinta años de edad. De esos tiempos son sus primeras piezas conocidas, pinturas religiosas de pequeño tamaño y poderosa expresividad. Contemporáneamente comienza a producir estampas que, partiendo del ejemplo de Durero, consiguen transmitir un intenso impacto emocional. En Viena goza de estrecho contacto con varios de los más reconocidos humanistas de la ciudad, a los que a menudo retrata con una alta dosis de veracidad acompañados de sus atributos simbólicos más queridos. En la obra religiosa de los años siguientes, el dramatismo de las composiciones, preferentemente diagonales y oblicuas, se refuerza a ­través de las líneas quebradas con las que se forman los personajes, recorridos por una angustia tanto física como psíquica. A la vez, hay que destacar su maestría a la hora de reproducir el paisaje, insertando frecuentemente a sus figuras en un entorno de gran exuberancia vegetal. En 1504, Cranach es reclamado a Wittenberg para trabajar al servicio del príncipe elector de Sajonia Federico el Sabio, comenzando una carrera como pintor de corte que continuaría en el servicio de tres diferentes electores. A partir de aquí, su prestigio fue enorme en la ciudad, y los elogios y prebendas se sucedieron paulatinamente. En 1508 se le concedió un escudo de armas, una serpiente alada que se convertiría en la firma personal para sus obras. En diversos escritos fue aclamado por sus amigos humanistas, que le comparaban a los pintores de la Antigüedad, parangonándole a Apeles, Parrasio o Zeuxis. En 1508 realizó un viaje diplomático a Holanda, e incluso llegó a ser nombrado burgomaestre de Wittenberg en tres ocasiones entre 1534 y 1540. Su situación económica también era próspera, pues a sus ganancias como cortesano y pintor independiente, se unían sus trabajos editoriales en la producción de estampas además de otras diversas actividades mercantiles. Para dar abasto a la enorme producción de obras que se le reclamaban -sobre todo para componer las decenas de retratos principescos que la corte le exigía-, formó un numeroso taller, en el que también trabajaba su hijo Lucas. Su amistad con los reformadores cismáticos lo colocó en una posición ideal a la hora de participar en la crea­ción de la nueva iconografía protestante y la traducción en imágenes de la naciente doctrina. Sus estampas sirvieron como apoyo a las palabras de los doctores protestantes en sus debates teológicos, e incluso proporcionó imágenes para la traducción de la Biblia de Lutero, parte de la cual se editó en la imprenta que había hecho instalar en su propia casa. Su amistad y cercanía a Lutero también sirvieron para que se convirtiera en el divulgador de su efigie con la realización de retratos tanto en pinturas como en estampas. Todo ello no le impediría, sin embargo, seguir recibiendo encargos desde el bando católico, especialmente por parte del cardenal Alberto de Brandenburgo. También es de destacar su poética del desnudo, crítica y provocadora hacia los ejemplos de la Antigüedad que se admiraban en la pintura italiana. Los cuerpos aparecen sumergidos en una naturaleza frondosa tanto en celebraciones líricas de la Edad de Oro perdida como para servir de admonición moral ante los vicios, especialmente con figuras femeninas que se debaten entre la inocencia y la seducción. El príncipe protestante Juan Federico de Sajonia, para el que trabajaba el pintor, fue derrotado y capturado en 1547 en Mühlberg por Carlos V, y cuando fue liberado en 1552, se dirigió a Weimar, donde Cranach se le unió. Allí moriría al año siguiente. En el Museo del Prado se conservan cinco obras de Lucas Cranach. Tres de ellas proceden de las colecciones reales y forman una serie sobre la Cacería en honor de Carlos V en el castillo de Torgau. Dos aparecen firmadas en 1544 y 1545, mientras la tercera es una copia. Una de las tablas se encontraba entre los bienes que María de Hungría trajo a España en 1556, mientras que la otra se cita en posesión de Carlos V en 1545. En 1636 se encontraban en el Alcázar de Madrid, mientras que en 1746 se sitúan en el palacio de La Granja. Existen otras dos de estas tablas en Viena y otra más en Estocolmo. En 1988 el Prado adquirió otra obra de Cranach: la tabla Virgen con el Niño Jesús, san Juanito y ángeles, firmada en 1536, que perteneció a la colección de la duquesa de Valencia. Además, en 2001 el Prado adquirió la tabla que inicialmente se consideraba como Retrato de caballero y que hoy se sabe que se trata, sin duda, del Retrato de Juan Federico el Magnánimo.

Obras

    - Cacería en honor de Carlos V en el castillo de Torgau, óleo sobre tabla, 114 x 175 cm, firmado, 1544 [P2175].
    - Cacería en honor de Fernando I en el castillo de Torgau, óleo sobre tabla, 118 x 177 cm, firmado, 1545 [P2176].
    - Cacería de venados en honor de Carlos V, óleo sobre lienzo, 130 x 210 cm (en dep. en la Embajada de España en París) [P6175]. Copia.
    - Virgen con el Niño Jesús, san Juanito y ángeles, óleo sobre tabla, 121,3 x 83,4 cm, firmado, 1536 [P7440].
    - Juan Federico I el Magnánimo, elector de Sajonia, óleo sobre tabla, 20 x 14 cm, 1533 [P7798].

Curiosamente el pintor alemán, Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), no firmaba sus cuadros con su nombre sino con una serpiente alada que sostiene un anillo en su boca. Este detalle procede del cuadro Cacería en honor de Carlos V en el castillo de Torgau  fechado en 1544. Todavía no tenemos explicación por la letra “I” que aparece abrazada por la serpiente que no se ha encontrado en ningún otro cuadro de Cranach.


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Cacería en honor de Carlos V en el castillo de Torgau, óleo sobre tabla, 114 x 175 cm, firmado, 1544. Museo del Prado. Obra de Lucas Cranach el Viejo.

Escena de caza caracterizada por un gran desarrollo del paisaje, con el Castillo de Torgau al fondo, y en primer término el elector Juan Federico de Sajonia y el emperador Carlos V, que dan caza a unos ciervos. Firmada con el monograma de Lucas Cranach y fechada en 1544, fue traída a España por María de Hungría y se colocó en el Palacio de El Pardo, donde consta en un inventario de 1564.

Lucas Cranach y su taller pintaron varias escenas semejantes a ésta. En cada una de ellas se representa el elector de Sajonia en su posesión del Castillo de Torgau, junto a diferentes gobernantes de la época.

Los cuadros, posiblemente encargados por el elector Juan Federico para regalárselos a otros príncipes durante la década de 1540, se interpretan con un sentido político. En el que, por una parte, se muestra como Señor legítimo de su territorio y comprometido con la causa reformista, ya que Torgau fue la primera iglesia protestante edificada ex-novo. Y, al mismo tiempo, la caza, sinónimo en la época de buen gobierno, alude a la necesaria colaboración entre los gobernantes para la paz.


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Cacería en honor de Fernando I en el castillo de Torgau, óleo sobre tabla, 118 x 177 cm, firmado, 1545. Museo del Prado. Obra de Lucas Cranach el Viejo.

Escena de caza caracterizada por un gran desarrollo del paisaje, con el Castillo de Torgau al fondo, y en primer término el elector Juan Federico de Sajonia y Fernando I, rey de los romanos y hermano de Carlos V, que dan caza a unos ciervos. Lucas Cranach y su taller pintaron varias escenas semejantes a ésta. En cada una de ellas se representa el elector de Sajonia en su posesión del Castillo de Torgau, junto a diferentes gobernantes de la época. Los cuadros, posiblemente encargados por el elector Juan Federico para regalárselos a otros príncipes durante la década de 1540, se interpretan con un sentido político. En el que, por una parte, se muestra como Señor legítimo de su territorio y comprometido con la causa reformista, ya que Torgau fue la primera iglesia protestante edificada ex-novo. Y, al mismo tiempo, la caza, sinónimo en la época de buen gobierno, alude a la necesaria colaboración entre los gobernantes para la paz. Perteneció a Isabel de Farnesio (1692-1766) cuyo símbolo, la flor de lis, aparece en la esquina inferior derecha.


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Virgen con el Niño Jesús, san Juanito y ángeles, óleo sobre tabla, 121,3 x 83,4 cm, firmado, 1536. Museo del Prado. Obra de Lucas Cranach el Viejo.

En una composición que Cranach repite a menudo con algunas variantes, la Virgen María mantiene sobre su regazo al Niño Jesús que toma unas uvas -símbolo del sacrificio de Cristo- de manos de un infantil San Juan Bautista, mientras tres ángeles levantan un paño rojo de finos plegados por detrás, a modo de dosel de respeto. En el ángulo superior izquierdo hay un paisaje que recuerda la formación del artista en la escuela del Danubio.

El dibujo es firme, con predominio de la línea sobre el cromatismo, entonado con acierto, y destaca el juego de curvas, contra curvas y ondulaciones de los cabellos de los personajes. La luz diluye algunos perfiles, y se aprecian leves esfumados que propician cierto grado de melancolía en medio del carácter gozoso del asunto.


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Juan Federico I el Magnánimo, elector de Sajonia, óleo sobre tabla, 20 x 14 cm, 1533. Museo del Prado. Obra de Lucas Cranach el Viejo.

Retrato de Juan Federico “el Magnánimo” (1503-1554), duque de Sajonia, pintado por Cranach en la cumbre de su poder político, con destino probablemente a algún alto cargo de la corte electoral sajona. Descrito por el artista con aspecto corpulento y vestiduras nórdicas, realza su condición de elector de Sajonia a través de varios elementos, como la letra “S” bordada en perlas que orna la gorguera, la rica cadena con pinjante y el atuendo de piel.

Cranach trabajó para Juan Federico en varias ocasiones y realizó retratos para los miembros de su corte entre 1532 y 1533, logrando siempre satisfacer la imagen de poder que se le exigía, cualidad propia de la mayoría de sus efigies. Asímismo en sus obras suele plasmar con admirable veracidad el carácter del personaje, como puede apreciarse en el orgullo y la autoridad que emanan de esta imagen del elector sajón.



Lucas Cranach el Viejo en el Museo Thyssen


Lucas Cranach, el Viejo (Kronach, 1472 - Weimar, 1553) Cranach, que tomó por apellido el nombre de su ciudad natal en Franconia, Kronach, se formó como pintor en el taller familiar. Hacia 1490 viajó por el sur de Alemania, estableciéndose luego en Viena, donde está documentado entre 1500 y 1504. Allí frecuentó los círculos humanistas que habían surgido en torno a la Universidad. De esta etapa son los retratos de Johannes Cuspinian y de su esposa, en Winterthur, y El descanso en la huida a Egipto, en la Gemäldegalerie de Berlín. En 1505 se encuentra en Wittenberg donde fue requerido por el elector Federico III como pintor de corte. En 1508 realizó un viaje, en misión diplomática, a la corte del emperador Maximiliano en los Países Bajos, percibiéndose en su producción, tras su regreso, una suavidad en el modelado de sus personajes. En esos años se han fechado Venus y Cupido, del Ermitage, y La Virgen y el Niño con un racimo de uvas, del Museo Thyssen-Bornemisza. Cranach pasó en Wittenberg los años siguientes hasta su traslado a Augsburgo y luego a Innsbruck, acompañando en su exilio al elector Juan Federico de Sajonia. En 1552 se trasladó junto con el elector a Weimar donde falleció en 1553. Pintor vinculado a las ideas reformistas, cultivó, junto con el retrato, la pintura religiosa y el diseño gráfico. Son especialmente notables las series de grabados ejecutadas entre 1505 y 1509. A partir de 1520 el artista se dedicó con más intensidad a la ilustración, realizando imágenes para los libros de los reformadores y escenas bíblicas. Dirigió un taller importante que tuvo una gran actividad y en el que colaboraron sus dos hijos. Entre sus obras más destacadas se encuentran el Tríptico con los tres electores, en la Kunsthalle de Hamburgo, La Edad de Oro, de la Alte Pinakothek de Múnich, sus retratos de los electores y de otros miembros de la corte, y sus personalísimas representaciones de Judith, Salomé, Venus y ninfas


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La Virgen y el Niño con un racimo de uvas, c. 1509-1510. Óleo sobre tabla, 71,5 x 44,2 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Lucas Cranach el Viejo.

Lucas Cranach, de la misma generación que Durero, fue el pintor de la Reforma. Amigo personal de Melanchthon y Lutero, estuvo implicado en los movimientos reformistas aunque ello no supuso inconveniente para que siguiera pintando escenas religiosas para clientes católicos como el cardenal Alberto de Brandemburgo o los miembros de la casa de Sajonia.

El ideal de belleza femenina que propone Cranach, y que está representado plenamente en sus composiciones mitológicas con Venus y ninfas, está lejos, en cuanto al tratamiento del desnudo y de la figura, de los planteamientos clásicos vigentes en Italia. Sus modelos femeninos tienen unos matices expresivos y una elegante sensualidad, no exenta de cierto erotismo, que coloca su pintura bajo un prisma distinto al italiano. Por lo demás, sus tipos se repetirían insistentemente a lo largo de su vida, creando un arquetipo distintivo de su producción y estilo.

La pintura religiosa de Cranach gozó de una gran aceptación en su momento. A ello contribuirían, sin duda, algunas de las singularidades que se encuentran en esta Virgen y el Niño, fechada generalmente a fines de la primera década del siglo XVI. El rostro de María, perfilado y modelado suavemente, recuerda en su tratamiento al esfumado de Leonardo. Características como éstas, que dulcifican sus figuras, aparecen en la producción de Cranach hacia 1509 y 1510, tras un viaje a los Países Bajos durante el que pudo tener ocasión de estudiar modelos italianos en la corte de Margarita de Austria. Idéntico tratamiento del volumen se encuentra, por otro lado, en dos significativas obras de ese periodo: Salomé, conservada en el Bayerisches Nationalmuseum de Kronach, y Venus y Cupido, del Ermitage de San Petersburgo. Con estas dos obras se han comparado esta Virgen con el Niño para su datación. Pese a la suavidad que Cranach emplea en este grupo, cuyas cabezas corona con unos delicados y casi imperceptibles nimbos que resplandecen encima de los cabellos, la figura de Jesús resulta, por sus rasgos y tratamiento, poco agraciada en contraste con el redondeado y bello rostro de María.

Nuestro grupo tiene como fondo un paisaje, elemento que en Cranach desempeñó un papel fundamental desde el comienzo de su carrera y que contiene, en germen, aspectos que desarrollaría posteriormente la llamada Escuela del Danubio. Este paisaje, visto desde un punto de vista elevado, se organiza con un amplio bosque que termina en una cadena montañosa realzada por una sugerente gama de azules y que nos invita a continuar el recorrido por sus laderas. La fortaleza en lo alto de la montaña, a la derecha, y el pino, a la izquierda, son motivos recurrentes del artista y que éste empleó en otros grupos religiosos con la Virgen y el Niño fechados hacia 1518. Lübbeke llamó la atención sobre el distinto tratamiento que en esta pintura reciben tanto las figuras como el paisaje, ya que Cranach, en este último, detalla a pequeña escala hasta los más mínimos elementos que conforman esta atractiva vista. Entre ellos destacan por su delicadeza las ramas de los árboles, la maleza o la fortaleza, a la derecha, que corona la montaña. También una pequeña figurita que casi pasa desapercibida, subiendo por el empinado sendero, y que se ha identificado con san José. La exactitud en el dibujo del fondo contrasta con la pincelada y monumentalidad que Cranach ha usado en sus primeros planos, ocupados por las dos figuras en las que el artista introduce un punto de melancolía en la mirada de la Virgen y ensimismamiento en la de Jesús.

El hecho de que en la composición se introduzca un racimo de uvas que sostiene la Virgen y del que el Niño se alimenta, se ha relacionado con la Eucaristía y con el papel de Redentor que Jesús tendría que cumplir. La obra está firmada, en el murete a la izquierda, con la serpiente alada. Este emblema fue otorgado a Cranach para su escudo de armas, en 1508, por el elector de Sajonia. Cuando su hijo Hans murió, modificó sus alas.

La pintura perteneció a la colección británica de Langton Douglas, posteriormente se registró en dos colecciones en Nueva York: Ederheimer y Schniewind. La obra fue adquirida, en 1936, para la colección Thyssen-Bornemisza, figurando en sus catálogos desde 1937.


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Santa Isabel con el duque Jorge de Sajonia como donante (ala interior izquierda), c. 1514. Óleo sobre tabla, 85 x 31 cm. Colección Thyssen-Bornemisza, en depósito en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC). Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Lucas Cranach el Viejo.

Estas tablas se adquirieron, en 1928, a la galería Haberstock de Berlín, junto a dos obras más de la Colección, y se dieron a conocer al público y a la crítica en la exposición organizada, en 1930, por la Neue Pinakothek de Múnich. Al año siguiente de su presentación, en 1931, se exhibieron como préstamo temporal en la Alte Pinakothek de la misma ciudad.

En las alas exteriores de estas puertas, Cranach coloca, sobre un fondo oscuro, a san Cristóbal y a san Jorge, que captan la atención del espectador por la dirección de sus miradas y la posición acompasada de sus cuerpos, que cierran perfectamente la composición. San Cristóbal, patrón de la muerte súbita, lleva al Niño sentado sobre uno de sus hombros. Jesús, que mira a su portador, se sostiene agarrando un mechón del cabello del gigante, mientras que con la otra mano bendice. El santo, como es habitual, se ayuda para vadear el río de una rama de árbol. Por su parte, san Jorge, que luce su tradicional armadura de caballero, permanece de pie encima del lomo del dragón, con la espada desenvainada y agarrando al animal por la cola. Cranach dibuja a este santo con un discreto halo cuyo resplandor asoma por detrás de su cabeza.

En las alas interiores se han pintado, con gran solidez, a santa Isabel y a santa Ana, sobre un celaje graduado, y en la parte inferior, como donantes, a los duques de Sajonia, Jorge y su esposa Bárbara. De rodillas, sobre el suelo, y con las manos en oración, los duques de Sajonia tienen como fondo superficies oscuras y planas, de perfil escalonado, que se integran de forma brusca y extraña en la composición. Por esta razón, en la monografía de Friedländer y Rosenberg dedicada a Cranach, se consideró la posibilidad de que estas figuras se hubieran añadido posteriormente, sugiriéndose la fecha de 1518 para los donantes y la de 1508 para el resto de la pintura. En este estudio también se valoró su escala, ya que siguen, en proporción, criterios más acordes con la pintura gótica que con la de principios del siglo XVI. Este es el motivo por el que las tablas fueron objeto de un estudio técnico que ayudó a determinar si los donantes fueron o no añadidos con posterioridad. El resultado, recogido en el estudio de Isolde Lübbeke, estableció que los pigmentos y el medio, tanto en santa Isabel y santa Ana como en los donantes, era el mismo. Además, las ropas de las santas estaban terminadas sólo en unas pocas zonas, quedando el resto de la composición sin concluir. Estos datos, así como las escasas diferencias estilísticas y técnicas entre los personajes, llevaron a Lübbeke a considerar estas tablas interiores un trabajo unitario, pintado y terminado al tiempo. La diferencia en la proporción de los donantes, siguiendo a esta historiadora, pudo deberse a una decisión personal de quien encargó el trabajo.

No fue esta la única vez que Cranach retrató, como donantes, a los duques de Sajonia. En la catedral de Meissen se conserva un tríptico en cuya tabla central se representa a Cristo Varón de Dolores y, en las laterales, a los duques, orantes y de mayor edad, escoltados por parejas de santos. También se conservan, con participación del taller en algunos casos, varios retratos de la duquesa Bárbara de Sajonia, como la versión del Statens Museum for Kunst de Copenhague, directamente inspirada en la tabla de la colección Thyssen-Bornemisza; si comparamos ambas imágenes, el único cambio significativo que se detecta es el de la posición de las manos.

Entre las obras que se han mencionado como imagen central para este tríptico desmembrado, se encuentra la desaparecida Madonna Galluzzo, fechada en 1515. Esta Virgen, que aparece en un paisaje con el Niño y san Juan Bautista, mantendría, desde un punto de vista iconográfico, una conexión lógica con nuestras tablas.

Los rostros redondeados y la suavidad en el modelado han servido para datar las pinturas en los años posteriores al viaje que Cranach realizó a los Países Bajos. Característica del pintor es la forma de reproducir, con gran maestría, gasas y transparencias, como las del cuello plegado de santa Isabel o el velo que sutilmente cubre a santa Ana.


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San Jorge (ala exterior derecha), c. 1514. Óleo sobre tabla, 85 x 30,6 cm. Colección Thyssen-Bornemisza, en depósito en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC). Obra de Lucas Cranach el Viejo.


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Santa Ana con la duquesa Bárbara de Sajonia como donante (ala interior derecha), c. 1514. Óleo sobre tabla, 85 x 30,6 cm. Colección Thyssen-Bornemisza, en depósito en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC). Obra de Lucas Cranach el Viejo.

Estas tablas se adquirieron, en 1928, a la galería Haberstock de Berlín, junto a dos obras más de la Colección, y se dieron a conocer al público y a la crítica en la exposición organizada, en 1930, por la Neue Pinakothek de Múnich. Al año siguiente de su presentación, en 1931, se exhibieron como préstamo temporal en la Alte Pinakothek de la misma ciudad.

En las alas exteriores de estas puertas, Cranach coloca, sobre un fondo oscuro, a san Cristóbal y a san Jorge, que captan la atención del espectador por la dirección de sus miradas y la posición acompasada de sus cuerpos, que cierran perfectamente la composición. San Cristóbal, patrón de la muerte súbita, lleva al Niño sentado sobre uno de sus hombros. Jesús, que mira a su portador, se sostiene agarrando un mechón del cabello del gigante, mientras que con la otra mano bendice. El santo, como es habitual, se ayuda para vadear el río de una rama de árbol. Por su parte, san Jorge, que luce su tradicional armadura de caballero, permanece de pie encima del lomo del dragón, con la espada desenvainada y agarrando al animal por la cola. Cranach dibuja a este santo con un discreto halo cuyo resplandor asoma por detrás de su cabeza.

En las alas interiores se han pintado, con gran solidez, a santa Isabel y a santa Ana, sobre un celaje graduado, y en la parte inferior, como donantes, a los duques de Sajonia, Jorge y su esposa Bárbara. De rodillas, sobre el suelo, y con las manos en oración, los duques de Sajonia tienen como fondo superficies oscuras y planas, de perfil escalonado, que se integran de forma brusca y extraña en la composición. Por esta razón, en la monografía de Friedländer y Rosenberg dedicada a Cranach, se consideró la posibilidad de que estas figuras se hubieran añadido posteriormente, sugiriéndose la fecha de 1518 para los donantes y la de 1508 para el resto de la pintura. En este estudio también se valoró su escala, ya que siguen, en proporción, criterios más acordes con la pintura gótica que con la de principios del siglo XVI. Este es el motivo por el que las tablas fueron objeto de un estudio técnico que ayudó a determinar si los donantes fueron o no añadidos con posterioridad. El resultado, recogido en el estudio de Isolde Lübbeke, estableció que los pigmentos y el medio, tanto en santa Isabel y santa Ana como en los donantes, era el mismo. Además, las ropas de las santas estaban terminadas sólo en unas pocas zonas, quedando el resto de la composición sin concluir. Estos datos, así como las escasas diferencias estilísticas y técnicas entre los personajes, llevaron a Lübbeke a considerar estas tablas interiores un trabajo unitario, pintado y terminado al tiempo. La diferencia en la proporción de los donantes, siguiendo a esta historiadora, pudo deberse a una decisión personal de quien encargó el trabajo.

No fue esta la única vez que Cranach retrató, como donantes, a los duques de Sajonia. En la catedral de Meissen se conserva un tríptico en cuya tabla central se representa a Cristo Varón de Dolores y, en las laterales, a los duques, orantes y de mayor edad, escoltados por parejas de santos. También se conservan, con participación del taller en algunos casos, varios retratos de la duquesa Bárbara de Sajonia, como la versión del Statens Museum for Kunst de Copenhague, directamente inspirada en la tabla de la colección Thyssen-Bornemisza; si comparamos ambas imágenes, el único cambio significativo que se detecta es el de la posición de las manos.

Entre las obras que se han mencionado como imagen central para este tríptico desmembrado, se encuentra la desaparecida Madonna Galluzzo, fechada en 1515. Esta Virgen, que aparece en un paisaje con el Niño y san Juan Bautista, mantendría, desde un punto de vista iconográfico, una conexión lógica con nuestras tablas.

Los rostros redondeados y la suavidad en el modelado han servido para datar las pinturas en los años posteriores al viaje que Cranach realizó a los Países Bajos. Característica del pintor es la forma de reproducir, con gran maestría, gasas y transparencias, como las del cuello plegado de santa Isabel o el velo que sutilmente cubre a santa Ana.


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San Cristóbal (ala exterior izquierda), c. 1514. Óleo sobre tabla, 85 x 31 cm. Colección Thyssen-Bornemisza, en depósito en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC). Obra de Lucas Cranach el Viejo.

Lucas Cranach, el Viejo, fue una de las figuras más representativas del Renacimiento alemán junto con Alberto Durero. Seguidor de las ideas de la Reforma, supo mantener una clientela católica y en su producción se registran tanto obras religiosas como retratos y grabados. Estas cuatro tablas formarían parte de un tríptico, cuya imagen central no se ha conservado. En el ala exterior izquierda se representa a san Cristóbal con el Niño sentado en sus hombros y un tronco de árbol que le sirve para vadear el río. En la voleta derecha san Jorge aparece vestido con armadura y apoyado sobre el dragón al que ha derrotado. Ambos santos miran al espectador, captando así su atención. En la tabla interior izquierda se representa a santa Isabel leyendo con el duque Jorge de Sajonia en la parte inferior; mientras que en el soporte derecho se incorpora a la derecha santa Ana con las manos cruzadas sobre el pecho, con la duquesa Bárbara de Sajonia. Ambos donantes aparecen arrodillados y con las manos en posición de oración y sus figuras se recortan sobre el fondo oscuro del muro que les separa de las figuras sagradas. Isolde Lübbeke consideró que la notable diferencia de proporción entre los duques y las santas se debía a una decisión del propio comitente. Las obras se han fechado con posterioridad al viaje de Cranach a los Países Bajos, por el modelado de las figuras así como por la composición.


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Retrato del emperador Carlos V. 1533. Óleo sobre tabla, 51,2 x 36 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Lucas Cranach el Viejo.

En la producción de Cranach, el retrato ocupa un lugar relevante, pues fue parte de su repertorio desde los inicios de su carrera y su número se incrementó tras su nombramiento como pintor de corte en Wittenberg. Entre sus primeros retratos se encuentran los del humanista Johannes Cuspidian y su esposa Ana, de hacia 1502-1503, conservados en la colección Oskar Reinhart de Winterthur. Este matrimonio posa sentado, de más de medio cuerpo, al aire libre, con amplios paisajes a sus espaldas. Los entornos con paisajes los empleó en ocasiones determinadas para sus bustos y fueron sustituidos, en un número significativo de ellos, por fondos neutros de vivos colores.

Cranach retrató por primera vez a Carlos V (Gante, 1500-Yuste, 1558) en 1508, en el transcurso de un viaje que realizó en otoño de ese año a los Países Bajos. Poco se conoce de ese trabajo de Cranach que no ha llegado hasta nosotros, donde el artista plasmó al futuro emperador, con ocho años, cuando era archiduque en la corte de Margarita de Austria. El segundo encuentro entre el pintor y Carlos V tuvo lugar en 1547, tras la batalla de Mühlberg, cuando Cranach intercedió ante el monarca por Juan Federico de Sajonia, hecho prisionero durante la contienda y condenado a muerte.

El pintor, sobre un intenso fondo verde claro, perfila el busto de Carlos V, que recibe la luz de la izquierda, lugar hacia donde mira el emperador. En esta imagen el único signo que nos habla del estatus del representado, que se identifica sin dificultad por su fisonomía, es el collar de donde cuelga el toisón de oro. La cadena está hecha con eslabones alternos en forma de llama y de pedernal, y de su centro cuelga la insignia. Son numerosos los retratos de Carlos V donde aparece representado con este símbolo de poder y en los que los dos elementos que componen la distinción —collar y toisón— varían. Los colores de la pintura son reducidos, ya que se limitan al negro de las ropas y de la gorra, accesorio que también empleó el modelo en otros retratos, y al castaño del cabello, la barba y la piel con la que remata la pelliza.

Cranach utilizó en esta tabla un esquema que había desarrollado ampliamente en sus retratos de corte y representa al emperador sin ningún tipo de idealización. Así, al rostro alargado, de mandíbula prominente, cuyo prognatismo se intenta disimular con la barba, se añade una nariz grande y un labio inferior abultado. Sus facciones contrastan con las representaciones oficiales del monarca hechas por Tiziano, donde estos rasgos quedan mitigados por el pincel del veneciano.

El hecho de que Carlos V mire a la izquierda ha llevado a pensar que tal vez la imagen formara pareja con otro retrato. Sin embargo, el rango del retratado, desplazado a la derecha, lugar secundario en ese tipo de representaciones, hace poco plausible esta teoría; el único personaje que podría ocupar esa posición sería su abuelo Maximiliano I. También se ha sugerido la idea de que la tabla formara parte de una serie de retratos de soberanos, encargada por los reformistas, como presente para el emperador. La pintura procede de la colección Von Wallenberg, en Illnisch, Silesia, e ingresó en la colección Thyssen- Bornemisza en 1933.


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La ninfa de la fuente, c. 1530-1534. Óleo sobre tabla, 75 x 120 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Lucas Cranach el Viejo.

Cranach cultivó, junto a la pintura religiosa y el retrato, la temática mitológica, donde desarrolló un novedoso desnudo femenino alejado de los cánones tradicionales de belleza propugnados desde Italia y en los que impera una fuerte vertiente erótica. Esta tabla perteneció a la colección berlinesa del pintor Wilhelm Trübner, donde estuvo antes de 1918. La pintura se publicó por primera vez en el catálogo de la subasta de la colección de ese artista y pasó, a continuación, a una colección privada en Suecia. Antes de entrar en la colección Rohoncz, perteneció a dos galerías: la de Haberstock, en Berlín, y la holandesa establecida en Amsterdam, Goudstikker, donde finalmente fue adquirida. A la muerte del barón Hans Thyssen-Bornemisza la pintura correspondió en herencia a su hija Margit, condesa de Batthyány, pero fue recuperada nuevamente, en 1986, por el barón Hans Heinrich Thyssen- Bornemisza para el conjunto instalado en Villa Favorita.

Las dimensiones de esta pintura, que es de una gran calidad, han sido modificadas en sus cuatro lados. Al borde inferior, además, se le añadió una banda de unos cuatro centímetros de ancho sobre la que la figura reposa el pie izquierdo. El tema, como otros en la obra de Cranach, sirvió para elaborar versiones en las que el pintor cambió y varió detalles del escenario y de la figura. En la composición, en la que dominan los elementos horizontales, el artista ha colocado, en primer término, a su ninfa cubierta con un sutilísimo velo transparente que cubre su cabeza y envuelve su cuerpo. Esta mujer descansa plácidamente al borde de una fuente, con una postura no muy natural, ya que alza su cabeza ligeramente por la posición de su brazo derecho y del terciopelo que hace de almohada, y gira su cuerpo hacia el espectador cruzando una pierna. A la orientación que marca el eje de su cuerpo desnudo se van añadiendo, en profundidad, las distintas partes con las que Cranach ha construido el paisaje y que acentúan, por su disposición, el carácter sosegado y apacible que invade la pintura. Estos planos corresponden al borde del tupido césped sobre el que la ninfa directamente está tumbada, los suaves perfiles de las colinas donde descansan los ciervos y, finalmente, la pantalla de árboles con la que el artista cierra el último término de su composición.

El tema ha sido objeto de interés, ya que en él se entrelazan referencias de la Antigüedad clásica y figuraciones que conducen al mundo italiano. Una de las claves para la identificación de esta ninfa, cuya postura nos remite a la Venus de Giorgione de la Gemäldegalerie de Dresde, así como a las de Tiziano, la encontramos en la cartela que ocupa el ángulo superior izquierdo y que se inserta en el macizo rocoso, de donde mana la fuente, como si de una inscripción se tratara. El texto corresponde a un hexámetro latino que se ha relacionado con el comienzo de un epigrama del humanista Giovanni Campani. Esta mujer se ha identificado con la ninfa de la fuente Castalia, manantial en cuyas aguas bebían poetas y filósofos para buscar su inspiración. Cranach en su representación ha introducido dos objetos, como son el carcaj con las flechas y el arco que aparecen colgados del tronco de árbol que rompe, con su verticalidad, la placidez de la composición. Estos dos enseres, junto con los ciervos de los últimos planos, pueden ser una alusión a Diana cazadora o al Cupido que suele acompañar a Venus. Cranach, en esta pintura, inculca a la figura una carga sensual que transmite al espectador a pesar de la armonía y de la paz que envuelven a la ninfa. La tabla ha sido fechada por Lübbeke hacia 1530-1534, pues en ella se detecta un alargamiento en las proporciones que remite a modos manieristas.



Otras obras


 20san_valent_n_aseteado_1502_03_en_viena

San Valentín aseteado, 1502-03. Óleo sobre tabla, 91 x 49. Academia de Bellas Artes de Viena


 21_lucas_cranach_d_027

Kreuzigung Christi, 1503. pintura sobre fir, 138 × 99,3 cm. Pinacoteca Antigua de Múnich Link back to Institution infobox template


 22johann_stephan_reuss

Dr. Johann Stephan Reuss, 1503, en Núremberg


 23x_lucas_cranach_d

Die Frau des Dr. Johann Stephan Reuss, 1503, en la Gemäldegalerie de Berlín


 24lucas_cranach_i_dr_johannes_cuspinian

Dr. Johannes Cuspinian, 1503, en Winterthur


 25lucas_cranach_i_anna_cuspinian

Retrato de Anna Cuspinian, 1503, en Winterthur


 26_ruhe_auf_der_flucht

Ruhe auf der Flucht, 1504, en la Gemäldegalerie de Berlín


 27_lucas_cranach_d_026

El martirio de Santa Catalina, 1506, ala interior izquierda del altar de Dresde, en la Gemäldegalerie


 28x_cranach_venus_cupidon

Venus y Amor, 1509, en el Hermitage, San Petersburgo


 29christoph_scheurl_1509_en_wittenberg

Christoph Scheurl, 1509, en Wittenberg


 30kleiner_fl_gelaltar_1509_10_en_kassel

Kleiner Flügelaltar, 1509-10, en Kassel


 31albrecht_v_brandenburg_1520

El cardenal Albert de Brandeburgo ante Cristo crucificado (Kardinal Albrecht von Brandenburg vor dem Gekreuzigten kniend), alrededor de 1520. Óleo sobre madera, 158 × 112 cm. Alte Pinakothek, Múnich, Alemania

Pertenecía a la Iglesia colegiata de Aschaffenburg, pasando en 1829 a propiedad de la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania), donde se expone con el título de Kardinal Albrecht von Brandenburg vor dem Gekreuzigten kniend.

Esta obra es una pintura religiosa en la que aparece el donante, el cardenal Alberto de Brandeburgo, arrodillado frente a Jesucristo en la Cruz. Detrás del Gólgota puede verse la representación de una tormenta en el mar. El retrato de Alberto se basó en un grabado de Durero. A diferencia de los cuadros de donante propios de la pintura gótica, aquí no hay santo patrón del nombre del donante que haga de intermediario frente a la divinidad: el cardenal se presenta directamente ante Cristo. Además, el tamaño de ambas figuras es semejante, y no más pequeño el cardenal. Se enfatiza así la importancia y prevalencia de la figura mundana, que ocupa todo el primer plano en su vestimenta cardenalicia de llamativo color rojo. Alberto no mira directamente a Cristo, sino que parece más bien desviar la vista hacia el exterior del cuadro. La representación de la tormenta es una de las más intensas de la pintura alemana, junto con la Crucifixión de Matthias Grünewald. Contribuye a que el cuadro sea más expresivo, junto con el paño ondulando ante el viento de la tempestad. La representación del paisaje es propia de la escuela del Danubio.


 19lucas_cranach_ad_n_y_eva_museo_soumaya_mexico

Adán y Eva. Obra de Lucas Cranach el Viejo, c. 1520-1525. Óleo sobre tabla, 58.7 × 86.9 cm. Museo Nacional de San Carlos, Ciudad de México. México.  La pintura está inspirada en el grabado Árbol del conocimiento del bien y del mal al centro de Alberto Durero. Se puede observar una serpiente con oreja, la cual es el símbolo de los bestiarios medievales,1 la cual mira a Eva escondiendo la manzana prohibida. Adán y Eva muestran cuerpos delgados, bien formados y con mucho detalle en las texturas de la piel, del árbol y de la hierba.


 32cranach_d_lucas_christus_und_die_ehebrecherin_fr_nkische_galerie_1520

Christus und die Ehebrecherin, alrededor de 1520, en Kronach


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Traubenmadonna, c. 1525. Óleo sobre haya, 60 × 42 cm. Pinacoteca Antigua de Múnich


 34lucas_cranach_d_bildnis_der_prinzessin_sibylle_von_cleve_1526_klassik_stiftung_weimar

Prinzessin Sibylle von Cleve als Braut, 1526, en Weimar


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Der heilige Antonius als Eremit, 1520-25, en Leitmeritz


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Hans Luther, 1527, en Eisenach


 37lucas_cranach_d_057

Hans Luther Papierzeichnung, 1527, en Viena


 38_magarethe_luther_1527

Magarethe Luther, 1527, en Eisenach


 39katharina_v_bora_1526_1

Katharina von Bora, alrededor de 1526, en Hamburgo


 40_katharina_v_bora_1526

Katharina von Bora, 1526, en Eisenach


 41martin_luther_1526_1

Martín Lutero, 1526, en Hamburgo


 42martin_luther_1526

Martín Lutero, 1526. Óleo sobre tabla, 22,5 × 16,5 cm. Wartburg-Stiftung


 43tres_gracias_alrededor_de_1530_en_cambridge

Tres gracias, alrededor de 1530, en Cambridge


 44lucas_cranach_d_das_goldene_zeitalter_nasjonalgalleriet_oslo

La Edad de Oro, alrededor de 1530, en Oslo


 45goldenes_zeitalter_1530_2

La Edad de Oro, alrededor de 1530, en Múnich


 46johannes_bugenhagen_1532

Johannes-Bugenhagen, 1532, en Hamburgo


 47friedrich_iii_sachsen_1532_1

Friedrich der Weise, 1532, en Kronach


 48_johann_sachsen_1532_1

Johann der Beständige, 1532, en Kronach


 49johann_sachsen_1532_2

Johann der Beständige, 1532, en Weimar


 50johann_sachsen_1532_3

Johann der Beständige, 1532, en Hamburgo


 51die_drei_kurf_rsten_von_sachsen_1532_en_hamburgo

Die drei Kurfürsten von Sachsen, 1532, en Hamburgo


 27lucas_cranach_d_gregor_br_ck_1533_germanisches_nationalmuseum

Gregor Brück, 1533, en Núremberg


 52venus_und_amor_als_honigdieb_1534_en_m_nich

Venus und Amor als Honigdieb, 1534, en Múnich


 53gerechtigkeit_als_nackte_frau_mit_schwert_und_waage_1537_en_msterdam

Gerechtigkeit als nackte Frau mit Schwert und Waage, 1537, en Ámsterdam


 54_die_hirschjagd_1540

Die Hirschjagd, 1540, en Cleveland


 55maria_mit_christuskind_und_dem_schlafenden_johannesknaben_1540_50_en_una_colecci_n_privada

Maria mit Christuskind und dem schlafenden Johannesknaben, 1540-50, en una colección privada


 56martin_luther_1543

Martín Lutero, 1543, en Hamburgo


 58lucas_cranach_i_workshop_martin_luther_gem_ldegalerie_berlin

Martín Lutero, en la Gemäldegalerie de Berlín


 57philipp_melanchthon_1543

Philipp Melanchthon, 1543, en Hamburgo


 59_lucas_cranach_d_012

Diana y Acteón, c. 1525. Óleo sobre tabla, 50 × 73 cm. Wadsworth Atheneum


 86lucas_cranach_d_kreuzigung_mit_dem_gl_ubigen_hauptmann_sevilla

Kreuzigung mit dem gläubigen Hauptmann, 1538. Obra de Lucas Cranach el Viejo. Museo de Bellas Artes de Sevilla.  




Pues esto es todo amigos, espero que este trabajo recopilatorio dedicado al pintor aleman renacentista Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), después de Durero es seguramente el pintor más importanre y conocido de Alemania. He tenido el placer de ver numerosas obras suyas en el Prado y en Thyssen, además de otros museos europeos y me han fascinado.


Fuentes y agradecimientos: museodelprado.es, museothyssen.org, es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, pintura.aut.org, y otras de Internet
 




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última edición por j.luis el Jueves, 14 Enero 2016, 11:39; editado 9 veces 
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Mensaje Re: Cranach el Viejo 
 
J.Luis gracias por esta pedazo de exposición que nos has montado de Cranach el Viejo. Personalmente me ha gustado su obra en general y sus muchos retratos, sin duda no podía faltar en esta magnífica galería del Foro de Xerbar.

Un Saludo.
 




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Los mensajes deben de ser con respeto y educaci�n hacia todos los usuarios.
Xerbar Administrador del Foro.
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Mensaje Re: Cranach el Viejo 
 
Gracias xerbar, sin duda "Cranach el Viejo" es un gran pintor, yo sólo conocia 4 o 5 cuadros personalmente, ahora realizando la exposición ya conozco -eso sí vía Internet- casi toda su obra... y me gusta, por lo que considero que merece tener su huequecito en nuestra Galería de Arte.




Saludos.
 




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Mensaje Re: Cranach el Viejo 
 
Con motivo de la exposición de Cranach el Viejo -junto a su compatriota Durero-, en el Museo Thyssen, he subido unas nuevas imágenes a la Galería.




Saludos.
 




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Mensaje Re: Cranach El Viejo 
 
Un desnudo de Lucas Cranach es desechado como publicidad por el Metro de Londres

La obra representa a una Venus que sólo lleva puesto una gargantilla




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En la imagen, el cartel que ha desatado la polémica. (Foto: EFE)

LONDRES.- Un desnudo femenino de Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) con el que se pensaba anunciar la próxima exposición dedicada al gran pintor renacentista alemán ha sido rechazado por el Metro de Londres porque podía herir determinadas sensibilidades.

"Millones de personas viajan diariamente en metro y no tienen más remedio que ver la publicidad allí colocada. Debemos tener en cuenta a todos los viajeros y procurar no ofender a nadie", explica la empresa 'Transport for London' en un comunicado.

Esa empresa, así como la agencia encargada de la publicidad del Metro de Londres, parecen haber seguido al pie de la letra una directriz según la cual la publicidad en ese medio de transporte no debe ofrecer una representación sexualmente explícita de hombres, mujeres o niños "ni exhibir figuras desnudas o semidesnudas" en ese contexto.

El cuadro de Cranach representa a una Venus de astuta sonrisa, que lleva sólo una gargantilla, mientras sujeta en sus manos una gasa transparente que, más que ocultar, hacer resaltar las partes púdicas.

Hermosa y sugerente

Una portavoz de la Royal Academy ha explicado que se eligió ese cuadro para el cartel publicitario porque es una imagen "muy hermosa y sugerente".

La portavoz dijo que la publicidad en el Metro es una parte muy importante de la campaña, por lo que tener que cambiar de estrategia en el último momento es un auténtico incordio.

La exposición de Cranach el Viejo, uno de los grandes maestros alemanes junto a Durero y Holbein, además de amigo del reformador Martín Lutero, estará abierta al público del 8 de marzo al 8 de junio.



EL MUNDO
 




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Mensaje Re: LUCAS CRANACH EL VIEJO 
 
El 1 de Marzo estuve viendo una exposición temporal magnífica, en el Palacio de Comunicaciones, en El CentroCentro Cibeles, actual ayuntamiento de Madrid. Donde desde hace tres años se están exponiendo colecciones privadas de las más importantes de España. En este caso se muestra la colección de Juan Abelló ver vídeo que cuenta con numerosas obras extraordinarias, dignas de figurar en un museo de primer orden.

En la muestra había un cuadro de Lucas Cranach 'el Viejo'


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Virgen de la leche, de Lucas Cranach. Colección Abelló.

“La Virgen de la leche” de Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), es obra maestra, de fino dibujo y exquisita calidad técnica. La composición no es nada afectada, sino completamente natural, tanto en la posición de la Madre como en la del niño.

manuelblasdos.blogspot.com.es



También he aprovechado para reeditar el trabajo en la cabecera, añadiendo nuevos contenidos.




 

Saludos.
 




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