Este trabajo recopilatorio está dedicado a un gran artista barroco, el granadino Alonso Cano uno de los grandes genios, al que admiro, que ha dado nuestro país, posiblemente muchos no conozcamos la importancia y calidad de su prolífica y variada obra, pero sin duda es un referente para las artes en España.

Alonso Cano. Granada (España). (1601-1667) Pintor, escultor, retablista, arquitecto... en fin un gran artista, posiblemente el más completo de su época.

Nació en Granada en 1601. En 1614 su familia, atraída por el esplendor de la ciudad, se trasladó a Sevilla. dos años después, el 17 de agosto, Alonso entraba como aprendiz en el afamado taller del pintor Franciso Pacheco. Allí conoció y coincidió con Velázquez.

En 1625 se casó con María de Figueroa, que endulzó por breve tiempo el temperamento rudo y violento de quien descargaba su ira en la piedra o en la madera.

En 1652, Alonso Cano fue nombrado por Felipe IV racionero de la catedral de Granada, con la condición de que fuera ordenado sacerdote en el plazo de doce meses, durante ese tiempo mostró una ternura oculta y subterránea, en 1658 Alonso Cano, a instancias de rey, cedió y fue ordenado sacerdote por el obispo de Salamanca y Felipe IV forzó al cabildo a aceptar al recién ordenado escultor como racionero de la catedral.

Falleció el 3 de septiembre de 1667 en Granada, no sin antes –demostrando su genio y personalidad- rechazar el crucifijo que se le tendía por no ser de su gusto.

Con esta presentación que realizo, desde el foro de xerbar, pretendo hacerle un pequeño homenaje, para contribuir a la divulgación y reconocimiento de su genial obra, que abarca óleos, frescos, retablos, esculturas y hasta arquitectura.Espero que os guste.





Estatua con la figura de Alonso Cano (Granada 19/03/1601 - 03/09/1667), pintor, retablista , escultor y arquitecto, considerado por muchos como el artista más completo del Siglo de Oro.



Biografía de Wikipedia


Alonso Cano. España. (1601-1667) Su padre, Miguel Cano, era un prestigioso ensamblador de retablos de origen manchego. Junto a él Alonso aprendió sus primeras nociones de dibujo arquitectónico y de talla en madera y muy pronto comienza a descubrirse su enorme talento.

En 1614 se traslada a Sevilla, donde aprende pintura de la mano de Francisco Pacheco, maestro de Velazquez, y escultura de Juan Martínez Montañés. En 1624, dos años antes de obtener el título de Maestro Pintor, realiza su primer cuadro, un San Francisco de Borja con la inconfundible huella de Pacheco. Fue durante varios años compañero de Velazquez.

Sus obras fueron una mezcla entre el manierismo italiano y el Barroco. Sus dibujos fue de lo más destacado de su obra. En una época en la cual dominaba el tenebrismo, él fue capaz de ser colorista en sus trabajos, como Zurbarán, Sánchez Cotán y Juan Bautista Mayno.

En 1629 hizo su obra más grandiosa el Retablo del Altar Mayor de la Iglesia de Santa María de Lebrija (Sevilla). Otras de sus pinturas destacadas son Milagro del Pozo, San Francisco de Borja, Retablo del Altar Mayor de la Iglesia de Santa María de Lebrija, Retablo del Niño Jesús de Getafe.

En 1627 muere, al parecer de parto, su primera esposa, María de Figueroa. Vuelve a casarse en 1631, esta vez con Magdalena de Uceda.

En 1638 se traslada a la capital, donde el valido de Felipe IV, el Conde-Duque de Olivares, le nombró pintor de cámara. Estuvo de paso por la corte madrileña, donde tuvo contacto con las colecciones reales y la pintura veneciana del siglo XVI.

Como escultor, sus obras más famosas son el retablo de Nuestra Señora de la Oliva en la iglesia de Lebrija, y las figuras colosales de San Pedro y San Pablo.

En 1644 su esposa murió asesinada, por lo que, Alonso fue acusado de asesinato y fue incluso torturado, aunque no se le pudo condenar, al haberse demostrado que era inocente. Huyó a Valencia con la intención de hacerse monje.

En 1652 se marchó hacia Granada donde obtuvo el cargo de racionero de la Catedral, gracias a la colaboración de Felipe IV. Allí completó la decoración de la Capilla Mayor. Sin embargo tuvo constantes enfrentamientos con los canónigos de allí. Consiguió poco después ser maestro mayor de la Catedral, aunque al poco tiempo de este nombramiento, murió. Fue enterrado en la cripta de la Catedral de Granada.

Durante toda su vida fue un pendenciero y los duelos estuvieron siempre a la orden del día. Pese a ganar grandes cantidades de dinero, siempre estuvo endeudado, llegando a pisar la cárcel, aunque su amigo Juan del Castillo pagó las deudas.


Obras más destacadas

· Virgen de la Oliva (1629)
· Inmaculada del Facistol (1655 - 1656) en la sacristía de la Catedral de Granada.
· Virgen de Belén
· Busto de San Pablo
· Cabeza de San Juan de Dios
· Portada de la Catedral de Granada



OBRA PICTÓRICA:





Este cuadro repite la composición de otro San Juan pintado para el retablo de San Juan Evangelista del convento de Santa Paula en Sevilla, anterior a 1638 y hoy en el Museo del Louvre de París.




Escenas de la vida de la Virgen. Entre 1652 y 1664, Alonso Cano realiza en la Catedral de Granada uno de los conjuntos más importantes de todas las series de pintura del arte español, representando la vida de la Virgen. Se le encarga la realización de siete monumentales lienzos (4,51 x 2,52 m) de terminación en medio punto, para otros tantos huecos del cuerpo principal de la Capilla Mayor de la Catedral granadina, que irían colocados a gran altura y debajo de las vidrieras del cuerpo alto.




Virgen del Rosario. Este lienzo monumental fue pintado por Cano entre 1665-1666, un año antes de su muerte, para el prelado dominico, supuesto hijo natural de Felipe IV, Fray Alonso de Santo Tomás, obispo de Málaga. Es considerada una de las mejores composiciones de Cano y de la pintura del siglo XVII español. Tanto su diseño como su dibujo son excelentes, al igual que el color, reflejo del momento de plena madurez del pintor.




Aparición de la Virgen a San Bernardo. Alonso Cano pintó este cuadro para los monjes capuchinos de Toledo durante su última estancia en Madrid, entre 1657 y 1660. Destaca la composición triangular del lienzo formada por la Virgen, tratada a modo de escultura sobre su pedestal, un cardenal de espaldas que ora ante la escena milagrosa y que tal vez fue quien encargó la obra, y el monje cisterciense, San Bernardo, al que Alonso Cano dota de gran monumentalidad.




Descenso al Limbo. Se trata de uno de los lienzos más interesantes de Alonso Cano, ante el protagonismo que alcanza el desnudo femenino de Eva, comparable por calidad y sensualidad, a la Venus del espejo de Velázquez. Al fin y al cabo ambas obras son concebidas en el ambiente refinado de la Corte madrileña de Felipe IV, tan influida en lo que a la pintura se refiere, por los lienzos de los venecianos compilados en la colección real, en los que el tema del desnudo femenino alcanza gran importancia, como se evidencia en las obras de Tiziano, Tintoretto o El Veronés.




El milagro del pozo. 1646-1648. Óleo sobre lienzo. 216 x 149 cm. Museo del Prado




La visión de San José. 1635. Óleo sobre lienzo. Colección Wallace. Londres. Inglaterra




San Juan Evangelista y su visión de Jerusalén




Un Rey de España. Lienzo.165 x 125 cm. Museo del Prado




Dos reyes de España. 1639-1641. Oleo sobre lienzo. Museo del Prado




Cristo y la samaritana. Óleo sobre lienzo. 165 x 205 cm. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid




Saint Bernardin de Sienne et saint Jean de Capistran. Museo de Bellas Artes de Granada




San Jerónimo Penitente. Museo del Prado




San Pedro liberado por el ángel. Museo del Prado




Cristo muerto sostenido por un ángel. 1646-1652. Óleo sobre lienzo. 178 x 121 cm. Museo del Prado




Cristo muerto sostenido por un ángel. Museo del Prado




Crucificado. 1650-1660. Óleo sobre lienzo. 241 x 150 cm. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid




Inmaculada Concepción. 1650. Óleo sobre lienzo.182.5 x 112 cm. Museo de Diocesano de Arte Sacro. Vitoria-Gasteiz. España




Inmaculada. 1653-1657. Oleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Granada




La Anunciación. 1660. Óleo sobre lienzo. 220 x 173 cm. Museo Goya. Castres. Francia




La Virgen con el Niño. Museo del Prado




La Virgen y el Niño. 1646. Oleo sobre lienzo. 162 x 107 cm. Museo del Prado




La Visitación. Oleo sobre lienzo. Catedral de Granada




Los deposorios de la Virgen. 1655-1657. Óleo sobre lienzo. 215 x 171 cm. Museo Goya. Castres. Francia




Noli me Tangera. 1640. Óleo sobre lienzo. 141,5 x 109,5 cm. Museo de Bellas Artes de Budapest. Budapest. Hungría




María. 1646-1650. Óleo sobre lienzo




San Antonio de Padua. Museo del Prado




San Benito en la visión del y los tres ángeles. Museo del Prado




San Juan el mayor. Lienzo. 54 x 36 cm. Museo del Louvre. París. Francia




San Juan Evangelista




San Juan Evangelista dando la comunión a la Virgen




St. John the Evangelist on Pathmos. 1646-1650. Óleo sobre lienzo. 218 x 153 cm. Museo de Bellas Artes de Budapest. Budapest. Hungría




Virgen con niño. Óleo sobre lienzo, Colegiata de San Antolín, Medina del Campo




Visitación. 1660. Óleo sobre lienzo. 222 x 175 cm. Museo Goya. Castres. Francia




Dibujo en sepia para el retablo se la Iglesia de San Andres. Museo del Prado




Virgen de Belén. Este cuadro debió de ser pintado en los últimos años de Cano en Sevilla (1635-1637)



COMO RETABLISTA:  


 
Alonso Cano. En el ámbito de la arquitectura, especialmente en la aplicada a la construcción de retablos, Cano, es considerado un revolucionario por su uso del ornamento y de los órdenes clásicos (dórico, jónico, corintio y compuesto), así como por su aplicación de las proporciones.

Alonso Cano impresionó y asombró a sus contemporáneos gracias a su extraordinaria capacidad creativa (se repetía escasamente) y la riqueza decorativa de su obras.

Algunos motivos ornamentales de sus retablos, como los rollizos querubines y unos grandes cogollos de hojas carnosas, sacados probablemente del manierismo italiano y enriquecidos por la inventiva de Cano, tuvieron un gran éxito entre los artistas madrileños posteriores. Sin embargo, Cano era considerado más un «arquitecto-artista» que un «arquitecto-constructor». Algunos arquitectos del momento, como Juan Gómez de Mora, alababan sus trazas para retablos («obras de ensamblaje y adornos con gran primor») pero dudaban de sus capacidades en el campo de la técnica (cantería, albañilería, cálculo de estructuras).

En todo caso, a su llegada a Madrid en 1638 Cano iba precedido de cierto renombre en la construcción de retablos (no olvidemos que su padre fue un reconocido retablista en Granada y Sevilla) y parece que sus innovaciones impactaron y tuvieron gran éxito en la arquitectura madrileña de mediados del siglo XVII. Hemos conservado dos espléndidos retablos que Cano trazó antes de salir de Sevilla: el de Nuestra Señora de la Oliva en Lebrija (entre 1629 y 1631) y el de San Juan Evangelista para la iglesia del convento de Santa Paula, en la propia Sevilla (de 1635-1638).

En ellos Alonso Cano también intervino con esculturas y cuadros respectivamente, obras citadas en otros capítulos.
De las obras realizadas en Madrid sólo conocemos por ahora algunos dibujos preparatorios y estudios de detalles arquitectónicos. Entre los primeros hallamos el del retablo de la iglesia de San Andrés de Madrid, realizado hacia 1643, y el de la iglesia de San Juan de Dios, de 1653-1657. Aunque también participó en la decoración de los nichos de dos retablos para la iglesia de Santa María Magdalena de Getafe (1644-1646), no fue Cano quien trazó su estructura sino Salvador Muñoz. Otros dibujos muestran columnas, hornacinas, tabernáculos o remates de los mismos, donde Cano siempre aporta nuevas y deslumbrantes soluciones decorativas.

Para comprender el alcance de las aportaciones arquitectónicas de Alonso Cano hay, por tanto, que acudir a los retablos sevillanos.


    

Retablo de Nuestra Señora de la Oliva. Este retablo fue la primera obra importante de Alonso Cano. Aunque fue su padre Miguel Cano quien recibió el encargo en 1629, éste dejó el proyecto y la ejecución del mismo en manos de su hijo Alonso, quien ayudado por el pintor Pedro Legote lo terminó en el corto espacio de tres años. Se trata de una composición que rompe el esquema clásico y puede considerarse plenamente barroca.




Retablo de San Juan Evangelista.  En 1635 las monjas jerónimas de Santa Paula contrataron a Alonso Cano para que realizara un retablo dedicado a San Juan Evangelista. El artista realizó tanto la traza como los lienzos que lo decoraban en origen, terminándolo antes de marcharse a Madrid en 1638. Se compone de un solo cuerpo, como el de Lebrija, y de un ático.




Retablo de San Andrés. Este proyecto de Alonso Cano, que suele fecharse hacia 1643, fue realizado para la iglesia madrileña de San Andrés, donde por entonces se veneraba el cuerpo incorrupto de San Isidro, el santo patrón de la ciudad. Tras su canonización en 1622, se decidió construirle una capilla en esta iglesia, a la cual iba destinado el retablo encargado a Cano. Sin embargo, ninguna de las dos obras llegaron a materializarse.




Retablo del Altar mayor de la iglesia de San Andrés de Madrid, realizado hacia 1643



CATEDRAL DE SANTA MARIA MAGDALENA ANUNCIACION -  - S XVII, GETAFE, (MADRID)  



    

RETABLO NUESTRA SEÑORA DE LA PAZ y LA CIRCUNCISION


    

SAN MIGUEL y SANTA ANA CON LA VIRGEN MARIA


    

SAN AGUSTIN y SAN GONZALO DE AMARANTE



COMO ESCULTOR:


Alonso Cano se inicia en el arte de la escultura desde bien temprano en el propio taller de su padre Miguel, constructor y tracista de retablos, ocupación en la que la escultura tuvo un gran protagonismo junto a la arquitectura y la pintura.

Su aprendizaje se completa durante los años en que se traslada a Sevilla (1616-1638) junto a su familia. No cabe duda que su permanencia desde 1616 en el taller del pintor y teórico Francisco Pacheco facilitó que el joven Alonso adquiriera una profunda formación que no sólo aplicaría a la pintura. En sus obras pictóricas y escultóricas observamos multitud de cualidades similares: monumentalidad y serenidad de los personajes que consiguen transmitir una gran fuerza emocional al espectador, desde su propia intimidad y gran esencia espiritual, sin necesidad de tener que acudir a gestos exagerados.

Igualmente interesante tuvo que ser su relación con la obra del gran escultor Juan Martínez Montañés, con quien parece que pudo colaborar entre 1626 y 1629, y de él tomará la serenidad, elegancia y naturalismo de sus esculturas, así como el gusto por el tratamiento minucioso de los ropajes.

De la etapa sevillana de Cano deben señalarse las esculturas que ejecuta para el retablo mayor de la iglesia parroquial de Nuestra Señora de la Oliva en Lebrija y muy especialmente su talla principal de la Virgen con el niño, obra maestra del arte barroco. No deben tampoco olvidarse otras obras, como la imagen de Santa Teresa realizada para la iglesia sevillana de San Alberto y hoy en el convento del Buen Suceso, o la bella Inmaculada de la iglesia de San Andrés.

Su etapa madrileña (1638-1652) se nos muestra con muchas incógnitas en lo que a la escultura se refiere y debemos movernos entre especulaciones y esculturas cuya autoría no siempre se muestra con claridad. A este momento pertenece la bella y emotiva obra de Jesús Nazareno Niño con la cruz, perteneciente a la Congregación de San Fermín de los Navarros de Madrid.

Aunque no se conoce su intervención en empresas de carácter profano, no debemos descartar que pudiera trabajar en alguno de los proyectos que se estaban realizando en la Corte, en el Palacio del Buen Retiro, en el Alcázar, etc.

Una vez más será su última etapa, transcurrida en Granada (1652-1667), en la que Alonso Cano consigue presentarnos su arte más personal, y a ella debemos algunas de sus obras más famosas. Destaca entre todas ellas la bellísima y exquisita Inmaculada (1655-1656) que realizó para rematar el facistol que el mismo Cano diseñó para la Catedral, imagen que constituye un hito en el devenir de la imaginería del barroco español. También a este período pertenece el conjunto de cuatro esculturas que realizó con ayuda de su discípulo Pedro de Mena, para decorar el crucero del templo del Santo Ángel Custodio, iglesia que fue trazada por el propio Cano.

Su maestría como escultor contó con numerosos discípulos, ente los que deben recordarse dos artistas excepcionales: Pedro de Mena (1628-1668) y José de Mora (1642-1724).




Virgen de la Oliva. Tiene «el empaque y apostura de una estatua clásica.» Se trata de la imagen titular del retablo mayor de la iglesia parroquial de Nuestra Señora de la Oliva, que realizó el artista en torno a 1630. Con una altura de 1,83 m, debe destacarse la intensa belleza y serena monumentalidad que Cano consigue plasmar en esta magistral figura de la Virgen con el niño. A nivel global se ha hablado de una composición de tipo «ánfora» en la que destaca la verticalidad de María compensada por la diagonal que conforma la disposición de su pierna derecha y la figura desnuda del niño que sujeta entre sus brazos. Especial protagonismo adquiere el tratamiento del amplio ropaje que viste la Virgen, el cual dota a la escena de un interesante ritmo que compensa el estatismo de los personajes.




Inmaculada (Sevilla). Esta preciosa escultura de Alonso Cano, de madera policromada, de
1,72 m de altura y fechada entre 1620 y 1625, constituye una de sus primeras obras conocidas de su etapa sevillana, la cual demuestra la proximidad del artista a la obra de Juan Martínez Montañés durante su periodo de formación. (que también he dedicado una exposición).


        

Inmaculada (Granada). Esta obra, tallada en madera de cedro entre 1655 y 1656 y de tan sólo 55 cm de altura, es posiblemente la escultura más importante de Alonso Cano y una de las más emblemáticas de la imaginería española del siglo XVII. Fue realizada para rematar el gran facistol catedralicio, diseñado por el propio Cano, aunque su extremada belleza hizo que el cabildo decidiera trasladarla a la sacristía para facilitar su contemplación.




Jesús Nazareno de niño con la cruz a cuestas. Con apenas 80 cm de altura en esta obra atribuida a Alonso Cano, vemos una de las constantes del arte barroco surgido tras la Contrarreforma y el Concilio de Trento que intenta conmover la devoción del espectador mediante los sentimientos, en este caso mediante el artificio dramático que fusiona la infancia y la pasión de Cristo. Desgracia- damente no termina de ser clara su autoría, aunque su atribución a Cano se avala por la extraordinaria calidad de la pieza, por su serena y contenida belleza, por el minucioso tratamiento del ropaje, por su carga emocional, que evita la exageración de los gestos, etc.
Parece que pudo ser realizada hacia 1657 cuando Cano se traslada por unos meses desde Granada a Madrid.




Crucificado. Se trata de una extraordinaria escultura que ha sido relacionada con la obra de Alonso Cano por su serena belleza, por el tratamiento del paño de pureza, por la delicada talla del rostro y cabello de Cristo, por la elegante torsión del cuerpo, etc. Desgraciadamente su autoría es más que dudosa a pesar de su gran calidad.




Virgen de Belén. Esta pequeña talla de 45 cm fue realizada por Alonso Cano para rematar el facistol que diseñó para la catedral y para sustituir la escultura de la Inmaculada que a su vez él mismo talló y que por su belleza fue llevada a la Sacristía para facilitar su contemplación. Cano en su etapa granadina (1652-1667) tuvo una especial inclinación hacia las obras escultóricas de pequeño formato, y parece que en ellas es capaz de mostrar una mayor intimidad.




San Diego de Alcalá.  En los años cincuenta del siglo XVII Alonso Cano interviene muy activamente en una de sus empresas más interesantes y completas de toda su carrera. Nos referimos a la iglesia del convento femenino del Santo Ángel Custodio, de la que dio sus trazas, para la que pintó una serie de lienzos sobre la vida de la Virgen, y para la que además talló, en colaboración con su discípulo Pedro de Mena, cuatro esculturas de algo más de dos metros de altura cada una (2,03 m), para decorar las esquinas del crucero. Desgraciadamente la iglesia fue destruida en 1810 durante la invasión francesa, y su patrimonio fue desperdigado




Escultura del Cristo de Lekaro. La conferencia trató de las circunstancias que rodearon el envío del Cristo de Alonso Cano de Lekaroz en 1891 y su emplazamiento anterior en el convento benedictino de Monserrate de Madrid, donde lo registran las fuentes del siglo XVIII y su posterior traslado a la Academia con motivo de la desamortización en 1837. El Crucificado fue realizado por Cano en Madrid entre 1656 y 1658 a instancias de la reina doña Mariana de Austria lo que dota a la obra de una significación especial.La conferenciante hizo a continuación una revisión crítica de las supuestas restauraciones y modificaciones que había sufrido la escultura para concluir que se trataba de una obra totalmente de la mano de Cano sin modificación posterior




Busto de la Virgen de la Leche. En Iglesia de Santa María de la Asunción. Donde Cervantes y Catalina contrajeron matrimonio y donde estaban enterrados, entre otros, los padres de Catalina. A la derecha del altar mayor encontramos el busto de la Virgen de la Leche. Es una talla en madera policromada que probablemente pertenezca a la escuela escultórica granadina de Alonso Cano, aunque según otras versiones responde a la tipología de las vírgenes napolitanas. La obra presenta un bello estofado y es una representación muy cuidada del hijo de Dios hecho carne que se alimenta en el pecho de una mujer.




La inmaculada es una pequeña pieza de Alonso Cano que se encuentra en la sacristía de la Catedral de Granada. Esta pequeña escultura fue labrada en 1656 para el facistol del Coro. La peana de plaza se hizo en 1754 y la urna en 1715. La escultura granadina del siglo XVII es comparable en su interés a la arquitectura y a la pintura.




Cabeza de San Juan de Dios. Catedral de Granada




San José. Catedral de Granada




San Juan Bautista adolescente




Virgen con el Niño. Atribuida a Alonso Cano. Barroco (segunda mitad del s. XVI). Talla en marfil, de la escuela granadina




Santa Teresa de Jesus de Alonso Cano, realizada en 1628




Santísimo Cristo del Amor con la preciosa talla del Cristo del Amor obra del escultor Alonso Cano




Catedral de la Encarnación de Granada, Alonso Cano esculpió su fachada




Alonso Cano está enterrado en la cripta de la Catedral de Granada.



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio y que sirva a los aficionados al arte, para conocer un poco mejor al genial artista barroco español Alonso Cano. Sinceramente, pienso que estando bien considerado en general, no está lo suficientemente reconocido ni valorado internacinalmente... posiblemente si hubiese encontrado en España un mecenas "tipo Médicis" hubiese sido comparable su obra, con los más grandes artista italianos del recacimiento.


Fuentes y agradecimientos: Cdad pintura, Wikipedia, Web Gallery of Art y otras de Internet





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"Nicolas Poussin"
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J.Luis gracias por esta nueva aportación de Alonso Cano. Gran trabajo y exposición que nos has presentado tanto pictórica como escultora.  

Un Saludo.





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Gracias xerbar, acabo de añadir algunas imágenes más de esculturas para completar el trabajo del genial Alonso Cano.



Saludos.





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Santander recupera al Alonso Cano dibujante

La Fundación Marcelino Botín, en Santander, inaugura la exposición 'Alonso Cano (1601-1667). Dibujos', que estará abierta hasta el 17 de mayo y que mostrará la mitad de los dibujos que se conservan del artista.

La muestra se centra en destacar los diferentes tipos de dibujos producidos por el pintor, como primeros pensamientos (ideas de bocetos realizados en una fase temprana del desarrollo de la concepción de sus obras definitivas) o estudios de composiciones.

La exposición 'Alonso Cano (1601-1667). Dibujos' se basa en el trabajo realizado durante los últimos años sobre el Siglo de Oro por Zahira Véliz, el cuál quedará recogido en 'Catálogo Razonado de Dibujos'. Además, forma parte de un programa de la Fundación encaminado al conocimiento y difusión del dibujo en el arte español desde el siglo XVII.

En la investigación, exposición y edición han colaborado el Museo Nacional del Prado, la Academia de Bellas Artes de San Fernando, la Biblioteca Nacional de Madrid, el Instituto Valencia de Don Juan, el Cleveland Museum of Art, la Morgan Library and Museum, la aglería de los Uffizi, el Courthauld Institute of Art, el Metropolitan de Nueva York, el Hamburger Kunsthalle, así como coleccionistas privados de Europa y EEUU.




'Coronación de un poeta-soldado', de 1645. Aguada, pluma, preparado a lápiz sobre papel verjurado. 170 x 121 mm. Madrid, Museo Nacional del Prado.




'Milagro ante la tumba de San Pedro Martir', de 1665. Pluma, tinta marrón, aguada marrón y toques de grafito sobre papel.143 x 127 mm. Madrid, Museo Nacional del Prado.




'Inmaculada Concepción', de la Biblioteca Nacional.




'Desnudo femenino reclinado'. 1645-1650. Pluma, tinta parda sobre papel verjurado. 163 x 158 mm. Madrid, Museo Nacional del Prado.




'La coronación de la Virgen', de 1650. Lápiz y tinta marrón, trazos de grafito sobre papel amarillento. 227 x 300 mm. París, colección privada. La muestra presentará algunos dibujos que no han estado en ninguna de las exposiciones sobre el artista. Destaca este espléndido dibujo perteneciente a una colección privada de París, titulado 'La Coronación de la Virgen'.


EL MUNDO





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La curiosa historia de La "Inmaculada de Alonso Cano"




La Inmaculada de Alonso Cano. Hospital de los Venerables. Centro de investigación Velázquez. Fue recientemente adquirida en Febrero de 2009. Adquirido tras largas negociaciones por la Fundación Focus-Abengoa para integrar la colección del Centro de Investigación Diego Velázquez. La directora general de la Fundación, Anabel Morillo León, y el asesor científico del Centro Velázquez, Benito Navarrete Prieto, desvelarán esta tarde a los medios los secretos que rodean la compra de lapintura.

Algunos la atribuyen a Velázquez. Otros, a Alonso Cano. En lo que los expertos no se dividen es en valorar la belleza y la importancia de La Inmaculada, un lienzo de 142 x 98,5 centímetros recién rescatada por la Fundación Focus-Abengoa de Sevilla de una peripecia histórica de proporciones épicas. Se trata, apuntan esos entendidos, de una obra clave para entender la pintura del autor de Las meninas y como tal se ha incorporado a la colección del Centro de Investigación Diego Velázquez de la capital andaluza.

Está pintada en Sevilla entre 1618 y 1620, parece ser en el obrador de Francisco Pacheco y en el seno del debate en torno a la Inmaculada Concepción.

Tras siglos de idas y venidas, el lienzo adquirió protagonismo en el mundo del arte cuando Sotheby’s no consiguió venderlo en una subasta celebrada en 1994 en Londres. La puja más alta, cuatro millones de libras (unos 800 millones de pesetas de entonces) quedó muy lejos del precio acordado -y no desvelado- entre la casa de subastas y el dueño de la obra, el marchante de arte francés Charles Bailly.

Dos grandes especialistas han estado en el centro del debate sobre esta obra. La Inmaculada ha sido atribuida a Alonso Cano por el profesor y ex director del Museo del Prado Alfonso Pérez Sánchez y a Velázquez, por el profesor estadounidense Jonathan Brown. Pérez Sánchez es también asesor de la Fundación Focus-Abengoa, que prefiere no dar ninguna cifra sobre el coste económico de la adquisición.

Pese a todos estos datos, existe aún una línea de investigación que defiende que el autor del cuadro sería Velázquez. Es la asumida por el investigador norteamericano Jonathan Brown, para quien esta Inmaculada que perteneció a la colección del deán López Cepero, de la Catedral de Sevilla, es una obra de enorme valor que resume la experiencia adquirida por Velázquez mientras era discípulo de Pacheco.
Sea como sea, nadie niega su “indudable cercanía” a Velázquez (1599-1660) en el uso de los pigmentos y en su técnica. Focus-Abengoa señala, además, la carencia de “obras representativas de Alonso Cano (1601-1667) de este momento” como otro factor para su adquisición. Finalmente, destaca que La Inmaculada representa “un testimonio de la interacción entre pintura y escultura, al comprobarse en ella la influencia de la escultura del momento. Tanto la de Juan Martínez Montañés como la del propio Alonso Cano”.

Una joven virgen rodeada de un halo de luz solar, en actitud de oración, con la cabeza cubierta de doce estrellas y la luna a sus pies. Se trata de un cuadro único, una rareza, una obra maestra de la etapa sevillana de Diego de Silva y Velázquez


Detalle de la Inmaculada de Alonso Cano

Descubrimiento. La historia del descubrimiento de esta Inmaculada Concepción, según contaba el diario El País en 1994, tuvo “algo de curiosa y de rocambolesca porque, tal como explicó el propio Bailly, el velázquez llevaba años encerrado en una miserable chambre de bonne en París. Cuando los dueños decidieron venderlo en subasta pública, en 1990, a un precio inicial de 400.000 francos, no se atrevieron a atribuírselo al pintor sevillano, limitándose a catalogarlo como un lienzo producido en el “círculo de Velázquez”. Pero Bailly, que, según sus palabras entonces, quedó deslumbrado por la visión de esta Inmaculada, de belleza casi sensual, no tuvo dudas. “Desde el primer momento en que mi hermano y yo vimos el cuadro supimos que estábamos ante una obra de arte de categoría suprema”, dijo entonces el marchante.

También fue tajante la restauradora Zahira Veliz: “La utilización de los tonos marrón tierra, no sólo en el cielo, sino en la propia túnica de la Virgen, además del recurso al esmalte en el firmamento, mezclado probablemente con azurita, son técnicas muy velazqueñas, en esa primera etapa de juventud del pintor”.

Con esas credenciales, pues, aunque con la sombra de Alonso Cano pisándole los talones, llega mañana esta Inmaculada a la ciudad mariana por excelencia.

El cuadro se presentará hoy en la fundación y se expondrá al público en el Centro de Investigación Diego Velázquez a partir de mañana. Una y otra institución están ubicadas en el Hospital de los Venerables, en el Barrio de Santa Cruz de Sevilla, pleno centro histórico.

 

Fuente: diariodesevilla





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Añado la pieza del trabajo dedicado a la Escuela Granadina de Escultura, donde Alonso Cano tuvo un papel protagonista, siendo para mí el máximo exponente de la misma, creando grandes obras y dejando un taller con notables artistas tanto en la escultura, la imaginería o la escultura, no sólo en Granada, Andalucia o el resto de España.



Este trabajo recopilatorio está dedicado a la Escuela Granadina de Escultura y el significado e influencia que ha tenido en la Artes en nuestro país desde los siglos XVI y hasta el XIX.

La extraordinaria actividad artística desarrollada en la Granada renacentista, con la presencia de grandes artistas nacionales y extranjeros, fue la que preparó la base para que surgiera esta escuela de escultura, plagada de grandes maestros como: Diego de Siloé, Alonso Cano, Pedro de Mena, Bartolomé Ordoñez, Diego de Aranda, Baltasar de Arce, Diego de Pesquera, Felipe Vigarny, Jacopo Florentino, Pablo de Rojas, José Risueño, José de Mora y Familia, Alonso de Mena, Pedro de Mena, Torcuato Ruiz del Peral, Pedro Duque Cornejo y Roldán, Pedro Antonio Hermoso y el más reciente José Navas-Parejo, entre otros.

Espero que os guste la recopilación que he conseguido de estos grande escultores granadinos, que en su mayoría he dedicado trabajos individualizados, y, en la medida de lo posible, contribuya en su divulgación.




Escuela Granadina de Escultura





Sagrada Familia. Obra de Diego de Siloé actualmente en el Museo del Colegio de San Gregorio de Valladolid.

La Escuela Granadina de Escultura va definiéndose a través del siglo XVI, hasta concretarse plenamente en el siglo XVII. La extraordinaria actividad artística desarrollada en la Granada renacentista, con la presencia de grandes artistas nacionales y extranjeros, fue la que preparó la base para que surgiera esta escuela de escultura.




San Juan Bautista. Escultura en madera policromada que representa a San Juan Bautista, obra del escultor barroco Alonso Cano (Granada, 19 de marzo de 1601 - 3 de octubre de 1667). La obra fue contratada en 1634 para el retablo mayor de la iglesia de Villana de San Juan de la Palma. En la actualidad se encuentra custodiada en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Los nombres que marcan los tres momentos de iniciación, desarrollo y culminación de esos rasgos granadinos son, respectivamente, Diego de Siloé, Pablo de Rojas y Alonso Cano. Los rasgos fijados por el estilo del último son los que propiamente atribuimos a la escuela granadina.




Bartolomé Ordoñez, autor del Mausoleo de Juana la Loca y Felipe el Hermoso en Capilla Real de Granada (a la derecha) y a la izquierda el de los Reyes Católicos, realizado por Domenico Fancelli.

Las imágenes góticas traídas a Granada en la época de los Reyes Católicos, aunque centraran la devoción, no pudieron actuar en el desarrollo de una escultura local. Fue la actividad aludida de los años del Emperador la que, teniendo como núcleo inicial las obras reunidas o realizadas en la Capilla Real, actuó en el desarrollo de la vida artística de Granada. La tumba de los Reyes Católicos, obra de Fancelli; la de Don Felipe y Doña Juana, debida a Bartolomé Ordóñez; el gran retablo -renovador de traza y de concepción escultórica- hecho por Felipe Vigarny y los trabajos como la «Encarnación» y el «Entierro de Cristo» -hoy en el Museo- debidos a Jacopo Florentino, constituían realizaciones maestras de nueva y variada orientación. A ello hay que unir la inmensa obra que realiza Diego de Siloé, especialmente en el monasterio de San Jerónimo y en la Catedral; y como foco, más aislado, la labor de decoración del Palacio de Carlos V, en la que interviene Nicolao de Carte, el flamenco Antonio de Leval y el discípulo del primero, Juan de Orea, en el que se une un vigoroso realismo con un sentido de la composición y del movimiento de estilo italiano.




Felipe Vigarny - Virgen con niño, relieve tallado en mármol por el Arquitecto y escultor de ascendencia francesa Felipe Vigarny, actualmente en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

De todos los artistas citados es Diego de Siloé, el que, no sólo por su afincamiento en la ciudad, sino por la potencia y variedad de su arte, logró atraer y crear un grupo de seguidores con quienes se inicia una escuela local...




Baltasar de Arce - El Señor Atado a la Columna. Probablemente, perteneció a la Hermandad del Corpus Christi de Granada que la formaban artistas de la ciudad y tenía su sede en los Hospitalicos. En esta iglesia está enterrado Alonso de Mena.
Baltasar de Arce (?-1564). Escultor español, discípulo y continuador de Diego de Siloé. Trabajó en la ciudad de Granada desde 1558 a 1564, año en que falleció. En el museo granadino de la Alhambra existe de él una imagen mutilada de la Virgen sentada con el Niño.




Diego de Aranda - Calvario iglesia del Sagrario de Granada, bajo la advocación de Cristo de la Salud. Diego de Aranda (s. XVI). Escultor español del siglo XVI, nacido en Granada. Era discípulo y amigo de Diego de Siloé y trabajó con él en la catedral de Granada. Es autor de las imágenes que adornan las portadas de las iglesias granadinas de Santa Ana y San Ildefonso. También intervino en los pedestales del testero oriental del palacio de Carlos V.

... El más fiel continuador fue Diego de Aranda; pero los que dan la nota más personal son Baltasar de Arce y Diego de Pesquera. El primero con su «Cristo a la columna» de la iglesia de los Hospitalicos, que nos ofrece una figura de violento movimiento concentrado, típicamente manierista, pero de intensidad expresiva prebarroca. Con más brío y grandiosidad se muestra en la figura central del fragmentado retablo mayor de la iglesia de S. Cristóbal.



Imagen de Mercurio en la fuente del mismo nombre en la Plaza de San Francisco de Sevilla. Obra de Diego de Pesquera (segunda mitad del s. XVI) Escultor español. Su obra, en la que se percibe la influencia italiana, en especial la de Miguel Ángel, está documentada en Granada en 1563, y en Sevilla entre 1571 y 1580. Sus Virtudes de la sala capitular de la catedral de Granada y el grupo de Santa Ana, la Virgen y el Niño de la misma catedral revelan su perfecto dominio de la piedra, así como también sus esculturas Julio César y Hércules en la alameda sevillana.

Pesquera, formado en Roma según Gómez Moreno, vino a trabajar con Diego de Siloé, logrando dentro del estilo de éste acentuados efectos de finura de modelado con rasgos expresivos de tierna y desmayada sensibilidad. Trabajó en la Catedral, y destaca entre su obra la portada de la Sala capitular, con figuras de Virtudes en las que se extreman dichos rasgos. El artista pasó después a Sevilla y se pierde su huella en 1580.




El Entierro de Cristo - Jacopo Florentino (Jacopo Torni), el Indaco (Jacopo da Torni, L'Indaco), (Florencia, 1456 - Villena (Alicante), 1526). Grupo escultórico en madera policromada. 195 x 255 cm. Entre 1521 y 1526. Museo de Bellas Artes de Granada. Procedencia: Monasterio de San Jerónimo, Granada.

Los contactos con dicha ciudad, en un intercambio de artistas e influencias, constituyen un rasgo distintivo de los decenios finales del siglo XVI. Así, como ejemplo importantísimo para el desarrollo de ambas escuelas, tenemos que destacar el monumental retablo del monasterio de San Jerónimo realizado hacia 1585. Se ha atribuido a Vázquez el Mozo, pero muy bien pudiera ser obra del granadino Melchor de Turín -o Torines- que se inició en Sevilla en el taller de Vázquez el Viejo, con quien colaboró después en alguna obra importante. Responde su estilo a un templado manierismo, seducido por la composición clara y la noble belleza de tipos y actitudes.




Martínez Montañés - Santo Domingo penitente, del año 1605. La policromía fue realizada por Francisco de Pacheco. La escultura fue encargada para el convento de Porta Coeli, hoy en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 - Sevilla, 18 de junio de 1649) fue un escultor español que trabajó entre la escultura del Renacimiento y la del barroco. Se formó en Granada con Pablo de Rojas y completó su educación en Sevilla, donde se estableció para el resto de su vida, convirtiéndose en el máximo exponente de la escuela sevillana de imaginería.




Pedro de Mena - Magdalena Penitente en el Museo del Prado. Escultura de María Magdalena meditando sobre la crucifixión. Concebida con un intenso realismo, destaca en ella el bello rostro consumido por un fervoroso sentimiento de místico amor, magníficamente reflejado en la emotiva mirada dirigida al crucifijo que sostiene con una de sus manos, aislando a la santa del entorno y desligándola del mundo terrenal. Destaca el virtuosismo de la talla, con el que consigue magníficos efectos realistas en el tratamiento de las calidades.



Siglo XVII

A ese momento corresponde Rodrigo Moreno, del que sabemos hizo un «Crucificado» para Felipe II y que se dice fue maestro de Pablo de Rojas, figura ésta que marca el paso a una nueva época y el surgir de la gran imaginería andaluza. Centró la actividad escultórica de Granada y fue maestro de Martínez Montañés, quien conserva rasgos de esta formación.




Pablo de Rojas -Nazareno de las Angustias. Iglesia de las Angustias (Granada, 1586). Había nacido hacia 1549, hijo de un pintor de origen sardo (había castellanizado su apellido de "Raxis" por "Rojas") establecido en Alcalá la Real y casado con una alcalaína; hacia 1579 se traslada a Granada, donde se forma con Rodrigo Moreno y establece taller en la parroquia de Santiago, lugar de residencia de muchos artistas que trabajaban en las numerosas iglesias y conventos que por aquellos años se levantaban en la ciudad. Fue maestro de Martínez Montañés.

A Pablo de Rojas corresponde en 1605 la ampliación del citado retablo, donde trabajan también sus colaboradores. De ellos destaca Martín de Aranda, que recoge su arte, aunque sin su vigor y nobleza, y, sobre todo, Bernabé de Gaviria, con quien evoluciona su estilo con una libertad, brío y dinamismo de aliento barroco. Conocemos por Gómez Moreno algunas fechas de su actividad entre 1603 y 1622 en que murió. De sus obras destaca de lo conservado el colosal «Apostolado» en madera dorada -terminado en 1614- en la Capilla mayor de la Catedral. Las diez figuras que realizó sorprenden por la grandiosidad de sus tipos y la valentía y dinamismo de sus gestos y actitudes, que si en algunos casos suponen una complicación violenta manierista, otras tienen una impetuosidad de movimientos de pleno barroco.




Nazareno de Monturque (Córdoba), de 1662. Bernardo de Mora (Porreras, 1614-Granada, 1684) se instaló en Granada desde 1650 . Entró en el taller de escultura de los Mena y, más tarde, lo dirigió. Junto con Pedro de Mena fueron discípulos del maestro Alonso Cano, de los cuales recibió una notoria impronta que se puede observar en sus obras: Virgen de las Angustias, San Miguel, San Rafael y San Juan de Dios.

Como contemporáneos de Pablo de Rojas hemos de destacar también a los hermanos Miguel y Jerónimo García que, desligados de la vida de los talleres, trabajaban juntos y que ya en 1600 eran famosos, sobre todo por sus esculturas de barro. Sobresale entre todo lo que se les atribuye un importante grupo de Ecce-Homos, de gran variedad de tipos y todos ellos de cuidada técnica y honda emotividad. Unos son de muy pequeño tamaño, finísimos de modelado y policromía; pero en contraste se nos ofrece el de la Cartuja, mayor que el natural, donde se hermanan formas nobles y musculosas con detalles de observación realista, acordes con una intención devocional popular. La estrecha relación con esta obra obliga a atribuirles el grandioso «Crucificado» de la Sacristía de la Catedral que constituye el antecedente inmediato del «Cristo de la Clemencia» de Montañés.




Alonso de Mena - Panel con Carlos V y su esposa en la capilla real de Granada, 1632. Alonso de Mena y Escalante (Granada, 1587 - † Granada, 1646). Fue un escultor barroco español. Continuador del estilo de Pablo de Rojas (1580-1607). Sus imágenes más célebres son las Inmaculadas y los retablos-relicarios de la catedral de Jaén y los de la Capilla Real de Granada, donde realizó los retratos reales del banco así como las imágenes de los santos de las puertas del cuerpo principal. Su hijo Pedro de Mena, fue discípulo suyo y continuador del taller de su padre, que alcanzó tanto o más renombre que su progenitor.

Con ecos de estos artistas, pero con directo y fuerte entronque con el arte de Pablo de Rojas, se ofrece el escultor Alonso de Mena, que marca con su estilo un proceso de observación naturalista, si bien de un realismo estático de lo externo con gestos impasibles. Vivió hasta 1646 y en su taller, centro de la actividad artística granadina, se formaron su hijo Pedro, Bernardo de Mora y Pedro Roldán. Los primeros encargados del taller a la muerte de Alonso, y asimismo otros múltiples discípulos mediocres, cambiaron su estilo con la vuelta de Alonso Cano a Granada en 1652.




José de Mora - Ecce-Homo. Escultura en madera policromada, 58,5 x 48,5 x 25,5 cm. Museo de Bellas Artes de Granada. Entre 1675 y 1700. Procedencia: Convento del Ángel Custodio, Granada.

El estilo del gran maestro Alonso Cano se impuso de manera decisiva y tiránica en todas las artes. Así, el joven Mena evolucionó de acuerdo con este influjo, aunque dando una vigorosa nota personal de intenso realismo. Tras de él como último gran discípulo destaca José de Mora y Familia, hijo de Bernardo, que estiliza los tipos y sutiliza la expresión hasta la ensoñación mística. Con su hermano Diego el arte canesco se hace superficial y decorativo; pero de él brota con brío el arte de José Risueño, que vuelve a Cano y estudia directamente el natural, dando una nota de sobrio realismo, pero con sensibilidad abierta también a la gracia y belleza delicada.




José Risueño - El Cristo del Consuelo o de los Gitanos. Es una escultura de José Risueño. Es un Cristo muerto (1698) de cuatro clavos, con los pies apoyados en un subpedáneo, que se inspira en las versiones de Zurbarán y muestra el mismo deseo de turalismo cercano que el de Mora. El cuerpo, al que el paño de tela encolada pone un contrapunto de agitación barroca, cae a plomo, recto, sin  torsión, con toda la pesadumbre de la muerte reciente, que todavía no ha borrado la tensión de las cejas ni bajado la hinchazón del pecho. El modelado de las piernas, paralelas y frontales, acentúa el naturalismo en los músculos fláccidos, en la fragilidad escalofriante de las rodillas o en la minuciosa talla de los pies. «La carnosidad que consigue hacer brotar de la madera... se aumenta por la aplicación adecuada de una policromía, limpia de sangre, entonada en gamas dominantes verdosas y ocres» (García de la Concha).

Si el barroquismo sobrevive potente en Granada en las letras y en todas las artes, no nos extrañará que del taller de Diego de Mora arranquen otros escultores que mantengan los rasgos de la escuela. Así ocurre con Torcuato Ruiz del Peral, nacido en 1708 en un pueblecito de cerca de Guadix, que formado con el citado maestro, le encontramos en 1737 al frente de un taller propio.




Soledad de Torcuato Ruiz del Peral (1708-2008). Se trata de uno de los escultores más importantes de la imaginería barroca española, especialmente la andaluza; junto a José de Mora y Alonso Cano, ocupa un lugar preeminente en la escuela barroca granadina (ss. XVII y XVIII).

Independiente de los ecos del barroco italiano y del rococó francés, mantiene los tipos granadinos, sobre todo de José de Mora, pero buscando nuevos efectos compositivos y expresivos en los que se une la suavidad de rostros con el vigoroso movimiento de grandes pliegues con violentos efectos de policromía. Se explica que tallara la imagen más procesional de toda la escuela, cual es la «Virgen de las Angustias» de S. María de la Alhambra. Entre su variada producción destacaba el conjunto de pequeñas figuras de la sillería de coro de la catedral de Guadix -destruido en 1936-, donde realizó otras obras importantes. Junto a lo citado, su mejor creación en Granada es el «S. José con el Niño de la mano» en su iglesia parroquial. Su taller fue de gran actividad hasta su muerte en 1773.

Procedente del mismo taller hay que citar a Agustín de Vera Moreno, menos personal en su arte, pero con algunos aciertos, sobre todo en imágenes de San José -en las Carmelitas Calzadas-. Destacó sobre todo en la escultura en piedra, como vemos en las imágenes hechas para la iglesia del Sagrario y el trascoro de la Catedral, y falleció en 1760.

Los demás escultores que trabajan en Granada en los años de Peral y Vera dan una nota análoga, pero con escasa personalidad. Así Juan José Salazar, Ramiro Ponce de León, Pedro Tomás Valero y Martín José Santisteban. De sentido distinto es la obra del pintor y escultor Diego Sánchez Sarabia, de culta formación y académico de número de la Real de S. Fernando.




Pedro Duque Cornejo y Roldán - Sillería de la catedral-mezquita de Córdoba. Obra maestra de Pedro Duque Cornejo y Roldan. Además de la escultura religiosa, cultivaría la retablística, el dibujo y el grabado. Miembro de una de las más célebres sagas de artistas españoles. Su padre fue el escultor José Felipe Duque Cornejo, su madre la pintora Francisca Roldán y Villavicencio, su tía Luisa Roldan y Villavicencio "La Roldana" y su abuelo materno el patriarca del clan: Pedro Roldán y Onieva, cuyas maneras y las del italiano Gian Lorenzo Bernini serían sus fuentes de inspiración.

Entre 1714 y 1718 trabajó en Granada y dejó buenas obras el cordobés Pedro Duque Cornejo y Roldán, pero su vigoroso arte, con aparatosidad barroca de ascendencia italiana, dejó escasa huella en la obra de todos esos escultores nombrados. Tampoco pesó en la evolución de la escuela la venida en 1780 del escultor francés Miguel Verdiguier, que trabajó en la Catedral en los relieves de su fachada y en la capilla de S. Cecilio, con arte que marca el paso del rococó al neoclasicismo. Menos aún pesó el arte del escultor neoclásico Juan de Adan, que trabajó en la Catedral, y tras de él el catalán Jaime de Folch, aunque se pueda recordar al granadino discípulo del primero Pedro Antonio Hermoso, muerto en 1830.




Pedro Antonio Hermoso. El picador herido, acompañado por los toreros y Un picador con el caballo herido.Museo Nacional Colegio De San Gregorio de Valladolid.
Pedro Antonio Hermoso (Granada, 1763-Madrid, 1830) Escultor español. Fue escultor de cámara de Carlos IV y Fernando VII. De formación académica y orientación neoclásica, es autor de retablos y estatuas de San Juan de Dios (Madrid) y Moisés (Museo del Prado).

La escuela granadina continuó su evolución con modestos artistas seguidores de Peral, entre los que destaca Felipe González, cuyas obras enlazan con la de su hijo Manuel, que vive hasta mediados del siglo XIX y que nos ofrece imágenes como el «Niño Nazareno» del convento de los Ángeles y la «Soledad» de la iglesia de Sto. Domingo, que creeríamos ser obras de mediados del siglo anterior. Se produce como una vuelta a Cano y sus discípulos, rasgo que perdura en la imaginería hasta en los escultores barristas en la segunda mitad del S. XIX, Francisco Morales y Fernando Marín, con familiares y discípulos que siguen el arte de ambos y que mantienen los rasgos de la escuela hasta finalizar el siglo. Entre estos últimos destacan Pablo de Loyzaga y su discípulo José Navas-Parejo, José como últimos exponentes de esta escuela.




Nuestra Señora del Carmen de Málaga. Obra de José Navas-Parejo, escultor, orfebre e imaginero, nació en el pueblo malagueño de Álora el 22 de Octubre de 1883. A los siete años marcho con su familia a Granada y se formó profesionalmente en la Escuela de Bellas Artes Industriales de dicha Ciudad.



La escuela granadina de escultura en los siglos de oro, enlace: http://www.terra.es/personal5/aurel...rmanos%20García



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a la Escuela Granadina de Escultura. La verdad la mayoría de los miembros que la integran tienen una obra excepcional.



Fuentes y agradecimientos a: es.wikipedi.es, lahornacina.com, islapasionforos.mforos.com, artehistoria.jcyl.es, juntadeandalucia.es, humildad.org, forosderealeza.com, diocesisdeguadixbaza.org, tubiografia.com.ar y otras de Internet.





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"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
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El Alonso Cano más polifacético se descubre en un recorrido por su obra


Alonso Cano. Pintor, escultor, arquitecto y grabador son algunas de las facetas de Alonso Cano que reúne la exposición "Alonso Cano en el legado Gómez-Moreno", que además de mostrar cuatro piezas autógrafas del artista pretende trazar, con un amplio archivo documental, una interpretación histórica de su obra.




El lienzo "Milagro de Santo Domingo en Soriano" (1652-1667), es una de las obras del pintor, escultor, arquitecto y grabador Alonso Cano, que se pueden contemplar en la exposición "Alonso Cano en el legado Gómez-Moreno" hasta el hasta el 30 de agosto, en la Sala de Bóvedas de Conde Duque. EFE


Desde hoy y hasta el 30 de agosto de 2012, la Sala de Bóvedas de Conde Duque da a conocer dos esculturas y dos lienzos que los herederos de Manuel Gómez-Moreno Martínez, investigador y coleccionista de la obra de Cano, cedieron a la Fundación Rodríguez-Acosta de Granada, ciudad natal del artista.

La muestra comienza con una sala que presenta a la familia de historiadores del arte Gómez Moreno, con la primera monografía del artista, realizada por Manuel Gómez-Moreno González en 1867.

Esta investigación "pone en duda lo que contaban los historiadores antiguos", puesto que hasta esa fecha "se había mantenido la figura de Cano en la leyenda, por la vida tormentosa que tuvo", ha explicado hoy el comisario de la muestra, Javier Moya.

El investigador siguió, fiel a los métodos positivistas, los pasos de Cano año por año, una ardua tarea que le llevó a identificar la casa donde el artista vivió sus últimos años y murió.

Además de esculturas, retratos y escritos de otros investigadores de Alonso Cano -como Manuel Martínez Chumillas o el norteamericano Harold E. Wethey- la sala recupera fotografías del estudio en el que se pueden ver las obras de Cano, "unas piezas que han pasado casi todo el siglo XX en Madrid y que nunca se habían visto", según Moya.

"Tras los pasos del maestro", la segunda sala, recoge atribuciones que se hicieron a Cano y que se han ido adjudicando a otros artistas y otros lienzos y esculturas que siguieron la impronta de Cano.

Destaca una copia fragmentada de la traza de Cano para la fachada de la catedral de Granada, creada sólo cuatro meses después de su muerte, pero en la que se aprecian los detalles decorativos diseñados por Cano, "con un sistema constructivo muy novedoso", matiza Moya, y dibujados "en lo que podría ser un papel de calco de la época".

La muestra culmina con la exposición de las cuatro obras autógrafas, cuya calidad se ha visto reforzada por la reciente restauración de estas piezas.

El lienzo "Milagro de Santo Domingo en Soriano" (1652-1667) es una imagen de "la unión con lo sobrenatural" en la obra de Cano, "que se eleva a la máxima potencia" con la escultura "San Diego de Alcalá", de madera policromada, según el comisario.

Además de recuperar un ejemplar de "El parnaso español y musas castellanas", de Quevedo y con grabados de Cano, la sala se completa con "San Antonio de Padua con el Niño Jesús" y el pequeño lienzo "Circuncisión del Niño Jesús", un boceto preparatorio para un cuadro de mayor tamaño que se encuentra en la Iglesia de la Magdalena de Getafe.



Fuentes:  lainformacion.com / Agencia EFE





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