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BOTTICELLI, Sandro
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Mensaje BOTTICELLI, Sandro 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado al pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Sus obras se caracterizan por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas.

Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente para los Médici, para los que pintó retratos, y de los que recibió la influencia del neoplatonismo cristiano que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Estuvo muy influenciado por el estilo y la obra de Fra Filippo Lippi. Además tuvo como discípulo desde los 15 años al hijo de éste con nombre igual que el padre, y para diferenciarlo se llamaba Filippino Lippi. Filppino alcanzó la fama y el reconocimiento, para algunos superó a su maestro.

0sandro_botticelli_0[b]Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445 - Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano. Menos de cien años después, este movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerado por Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.

Juventud

Nació en Florencia, en un barrio de trabajadores en el arrabal de Solferino. A esta misma parroquia de Solferino o Todos los Santos pertenecieron los Vespucci, aliados de los Médicis, y de quienes recibiría encargos.

Era el menor de cuatro hijos del matrimonio formado por Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, de oficio curtidor, y su esposa Smeralda. Cuando nació Sandro, su hermano mayor Giovanni tenía 25 años, y se cree que lo adoptó y lo educó. Giovanni tenía el apodo de «Botticello» , sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o por gran bebedor; otras fuentes indican que era su hermano Antonio el que tenía este mote. De él deriva el apodo de «Botticelli».

No se convirtió en aprendiz hasta alcanzar los catorce años de edad, lo que indicaría que recibió una educación más completa que otros artistas del Renacimiento. Según Vasari, fue primero aprendiz de orfebre con su hermano Antonio2 (en 1458). Accediendo a los deseos del niño, el padre lo mandó al taller de Fray Filippo Lippi, en Prato (de 1464 a 1467). De este pintor recibe Botticelli sus mayores influencias: la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (herencia del estilo del Gótico tardío) y un estilo íntimo. Muchas de las primeras obras de Botticelli se han atribuido a su maestro, y aún hoy la autoría sigue siendo incierta. Curiosamente, años después, Botticelli acabaría siendo maestro, y teniendo en su taller al hijo de Filippo, Filippino Lippi.

En menor medida, resultó influido por la monumentalidad de Masaccio. En 1467 Sandro vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. De esta época data toda una serie de Madonas influidas por Lippi.

Para el año 1470, Botticelli tendría taller propio. Ya entonces su obra se caracteriza por una concepción de la figura como vista en bajorrelieve, pintada con contornos claros, y minimizando los fuertes contrastes de luz y sombra que indicarían formas plenamente modeladas. Recibió ese año un importante encargo: una de las pinturas sobre Virtudes para la Sala del Tribunal de los Mercaderes, La fortaleza. Esto indica que para entonces, con unos 30 años de edad, ya debía haber ejecutado obras destacadas.

En 1472 entró a formar parte de la Compañía de San Lucas, gremio de pintores. En los años siguientes Botticelli se hizo muy famoso, hasta el punto de ser llamado a Pisa para pintar un fresco en su catedral, hoy perdido.


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Sandro Botticelli - El Nacimiento de Venus, 1484.


Obras maestras

Fue gracias a la Adoración de los Magos, que pintó en 1475 para Santa María Novella, llamó la atención de los Médicis, que rápidamente emplearon su talento. Comenzó a trabajar para ellos pintando un estandarte para el torneo de Juliano de Médici, ensalzado por Poliziano en sus Stanze. Sus contactos repetidos con esta familia fueron sin duda alguna, útiles para garantizarle protección política y crear las condiciones ideales para la producción de sus numerosas obras maestras.

La primavera es obra realizada hacia 1478 para la casa de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici en la ciudad de Florencia. El nacimiento de Venus fue un encargo posterior, de otra persona para un lugar diferente, aunque a fines de siglo estas dos pinturas estuvieran juntas.

Se convirtió en el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte. Para dar forma a esta nueva visión del mundo, Botticelli opta por la gracia; esto es, la elegancia intelectual y exquisita representación de los sentimientos.

En estas obras la influencia del realismo gótico está atemperada por el estudio que Botticelli hace de la Antigüedad. Pero aunque pueda comprenderse desde el punto de vista pictórico, los temas en sí siguen siendo fascinantes por su ambigüedad. Los complejos significados de estas pinturas siguen recibiendo atención de los eruditos, centrándose principalmente en la poesía y la filosofía de los humanistas contemporáneos del artista. Las obras no ilustran un texto en particular; más bien, cada una de ellas se basa en varios textos para su significado. Sobre su belleza, caracterizada por Vasari como ejemplificadora de la "gracia" y por John Ruskin como poseedora de ritmo lineal, no puede haber dudas.

En 1478 tuvo lugar la conjura de los Pazzi, en la que murió asesinado el hermano de Lorenzo el Magnífico, Juliano de Médici. Sandro pintó al fresco sobre la Puerta de la Aduana los retratos de los conjurados Jacopo, Francesco y Renato de Pazzi y del arzobispo Salviati, ahorcados; fueron borrados en 1494. De esta época datan varios retratos conmemorativos del fallecido Juliano.


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Sandro Botticelli - Natividad mística (1501) National Gallery, Londres.


Madurez

En 1481, el Papa Sixto IV llamó a toda una serie de artistas prominentes florentinos y umbríos, entre ellos a Botticelli, para que pintasen frescos en las paredes de la Capilla Sixtina. El programa iconológico era la supremacía del papado. Para realizar la obra, los pintores tuvieron que aceptar unas convenciones representativas comunes a todos, de manera que la obra final resultara homogénea: usaban la misma escala de dimensiones, la misma estructura rítmica y representación paisajística, una sola gama cromática con adornos de oro que hiciera resplandecer las pinturas con la iluminación de las antorchas y las velas. En esta obra común la contribución de Sandro fue moderadamente exitosa, realizando tres recuadros: Castigo de Core, Datan y Abiram, Hechos de la vida de Moisés y La tentación de Cristo.

Después de su estancia en Roma (1481-1482), Botticelli volvió a Florencia, y «siendo de mente sofisticada, allí escribió un comentario sobre un pasaje de Dante e ilustró el Infierno que él mismo imprimió, dedicándole mucho tiempo, y esta abstención al trabajo condujo a serios desórdenes en su vida». Así hablaba Vasari del primer Dante impreso (1481) con las decoraciones de Botticelli, no imaginándose que el nuevo arte de la impresión pudiera interesarle a un artista.

A mediados de los años 1480 Botticelli trabajó en un gran ciclo de frescos con Perugino, Ghirlandaio y Filippino Lippi para la villa de Lorenzo el Magnífico cerca de Volterra; además, pintó muchos frescos en iglesias florentinas.

En 1491 Botticelli formó parte de un comité para decidir la fachada de la catedral de Florencia.


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Sandro Botticelli - Piedad con san Jerónimo, san Pablo y san Pedro, 1492. Alte Pinakothek, Múnich.


Religión

A finales del siglo XV, el ambiente florentino cambió. Savonarola es la mejor personificación de este cambio en el ambiente de la época. Este predicador, que en una estancia anterior no había hecho mella en los florentinos, regresó a la ciudad en 1490, y esta vez sus tremendas predicaciones sobre el Juicio Final tuvieron éxito debido a una serie de circunstancias, como la pérdida de poder que sufrieron los Médicis debido a las guerras franco-italianas, la expansión de la sífilis, llamado «mal francés», y el ambiente de milenarismo conforme se aproximaba el año 1500.

En 1492 murió Lorenzo el Magnífico. El rey Carlos VIII de Francia invadió Florencia en 1494, expulsando a Pedro de Médici. Savonarola se hizo el líder de la ciudad, estableciendo una República que abominaba de todo aquello que representaban los Médicis como los objetos de lujo y los cuadros pintados por Botticelli. Sandro era intensamente religioso. En estos últimos años de su vida su producción se caracteriza por la inquietud. Giorgio Vasari afirmaba que Botticelli fue un «piagnone» («llorón» o «lloraduelos»), nombre con el que se designaba a los seguidores de Savonarola, y que por ello abandonó la pintura como vanidad terrenal. Hoy en día esta afirmación se pone muy en duda, considerando que no fue un verdadero seguidor de Savonarola, a diferencia de su hermano Simone, con quien vivía el pintor. Lo que sí puede afirmarse es que en las últimas obras de Botticelli se siente la influencia del clima de crisis política y religiosa.

En plena época de la República se data su obra La calumnia de Apeles (1495), un cuadro alegórico extraído de Luciano y mencionado en el tratado de Alberti.

El 7 de febrero de 1497 Savonarola y sus seguidores llevaron a cabo la más célebre Hoguera de las vanidades («Falò delle vanità»): reunieron objetos que representaban la relajación moral con el fin de hacerlos arder en la Plaza de la Señoría. En esta hoguera ardieron unas cuantas obras de Botticelli. El 4 de mayo de ese mismo año, el ejército papal acabó con el dominio de Savonarola, quien murió el día 23 en la hoguera, entregado por gran parte de los ciudadanos de Florencia. Sin embargo, el ambiente intelectual había cambiado irremediablemente.

El biógrafo de Botticelli Ersnt Steinman investigó el desarrollo psicológico del artista a través de sus numerosas Vírgenes. En la «profundización del entendimiento y expresión en la interpretación de la fisonomía de María», Steinman cree ver una prueba de la influencia de Savonarola sobre Botticelli. Esto significa que el biógrafo necesitaba alterar las fechas de una serie de Vírgenes para apoyar su teoría; específicamente, las data en fechas muy posteriores a las que tradicionalmente se consideran. Steinman se muestra en desacuerdo con la afirmación de Vasari de que Botticelli no produjo nada después de caer bajo la influencia de Savonarola. Cree que las Vírgenes espirituales y emocionales representadas por Sandro provienen directamente de las predicaciones del monje dominico.

Vasari atribuye a Botticelli una pintura herética de carácter gnóstico por encargo de Matteo Palmieri en una capilla en San Pedro Mayor. Es un error de Vasari, pues dicha pintura, ahora parte de la Galería Nacional en Londres, es del artista Botticini, un error del propio Vasari que confundió los nombres de dos pintores similares en apellido.


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Sandro Botticelli - La primavera (1481-82): icono de la renovación primaveral del Renacimiento florentino.


Últimos años

Se dice que cayó en la pobreza, y que habría muerto de hambre si no hubiera sido por la diligente ayuda de sus antiguos patrones. Lo cierto es que seguía produciendo obras, si bien en un tono más dramático y con una consciente regresión estilística hacia modelos antiguos, como puede verse en la serie sobre la Vida de san Cenobio y la Natividad mística (1501), consideradas sus últimas obras.

Se dice que cayó en la pobreza, y que habría muerto de hambre si no hubiera sido por la diligente ayuda de sus antiguos patrones. Lo cierto es que seguía produciendo obras, si bien en un tono más dramático y con una consciente regresión estilística hacia modelos antiguos, como puede verse en la serie sobre la Vida de san Cenobio y la Natividad mística (1501), consideradas sus últimas obras.

No se conoce amor concreto de Botticelli, ni alusión a excesos sentimentales; tenía «horror al matrimonio». No se casó nunca. Fue denunciado anónimamente en 1502 de sodomía con uno de sus ayudantes, pero los cargos fueron más tarde desestimados. En 1504-1505 aparece como miembro del comité que iba a decidir la ubicación del David de Miguel Ángel.

Del año 1502 es su famoso escrito relativo a la realización de una especie de periódico conocido como beceri, de carácter satírico, destinado en su mayor parte a alegrar la lectura de los nobles de la sociedad renacentista. Tal proyecto, sin embargo, quedó en eso, no siendo nunca llevado a término.

Murió el 17 de mayo de 1510 y fue sepultado en su parroquia, la iglesia de Ognissanti, en Florencia. A su muerte, el único heredero verdadero de su arte fue Filippino Lippi, que comparte con él la inquietud presente en sus últimas obras.

Olvidado durante mucho tiempo, fue redescubierto a finales del siglo XIX, suscitando una gran admiración, sobre todo en Inglaterra.


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Adoración de los Reyes, 1481-1482, Washington DC.


Obras

Botticelli realizó entre 150 y 180 obras. Pinta numerosas obras religiosas, así como grandes composiciones profanas, mitológicas. También ha pintado varios retratos de sus mecenas, que no cuentan con la belleza, la mística, la luminosidad y el espíritu de sus otras composiciones.

El principal museo que contiene obras de este artista es la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), cuyas famosas obras se exponen en las salas 10-14 y son, para muchos, lo mejor de la galería.5 No obstante, hay otros museos que contienen obras de este artista.

    - Virgen con el Niño y ángel (1465-67) -Temple sobre tabla, 87 x 60 cm, Spedale degli Innocenti, Florencia
    - Adoración de los magos (1465-67) -Temple sobre tabla, 50 x 136 cm, National Gallery, Londres
    - Adoración de los magos (1465-67) -Temple sobre tabla, diámetro 131,5 cm, National Gallery, Londres
    - La Virgen y el Niño con dos ángeles y san Juanito (1465-70) - Temple sobre tabla, 85 x 62 cm, Galleria dell Accademia, Florencia
    - Virgen con el Niño y ángel (después de 1465) - Temple sobre tabla, 110 x 70 cm, Musée Fesch, Ajaccio
    - Virgen con el Niño (h. 1467) - Temple sobre tabla, 71,6 x 51 cm, Musée du Petit Palais, Aviñón
    - Virgen de la galería (1467) - Temple sobre tabla, 72 x 50 cm, Galería de los Uffizi, Florencia
    - Virgen con el Niño y dos ángeles (1468-70), - Temple sobre tabla, 100 x 71 cm, Museo de Capodimonte, Nápoles
    - La Virgen en la Gloria con serafines (1469-70) - Temple sobre tabla, 120 x 65 cm, Uffizi, Florencia
    - Virgen con el Niño (Virgen del rosal) (1469-70) - Temple sobre panel, 124 x 65 cm, Uffizi, Florencia
    - Historias de la Magdalena - Comunión y Asunción (1470), - Temple sobre tabla, 18 x 42 cm, Philadelphia Museum of Art, la colección Johnson, Filadelfia
    - La Fortaleza (1470) - Temple sobre tabla, 167 x 87 cm, Uffizi, Florencia
    - Retrato de un joven (h. 1470) - Temple sobre tabla, 51 x 33,7 cm, Palacio Pitti, Florencia
    - La Virgen y el Niño con seis santos (Retablo de san Ambrosio) (h. 1470) - Temple sobre tabla, 170 x 194 cm, Uffizi, Florencia
    - Virgen con el Niño y un ángel (Virgen de la Eucaristía) (1470-1472) - Temple sobre tabla, 84 x 64,5 cm, Museo Isabella Stewart Gardner, Boston
    - Díptico Historias de Judit (1470-72), Uffizi, Florencia:
        - Regreso de Judit a Betulia - Temple sobre tabla, 31 x 25 cm
        - Descubrimiento del cadáver de Holofernes - Temple sobre madera, 31 x 25 cm
    - San Sebastián (1474) - Temple sobre tabla, 195 x 175 cm, Staatliche Museen, Berlín
    - La Adoración de los Reyes (1475) -Temple sobre tabla, 111 x 134 cm, Uffizi, Florencia
    - Retrato de hombre con la medalla de Cosme el Viejo (1475) - Temple sobre tabla, 57,5 x 44 cm, Uffizi, Florencia
    - La adoración de los magos (1475), G. Uffizi
    - Retrato de Esmeralda Brandini (h. 1475) - Temple sobre tabla, 65,7 x 41 cm, Museo Victoria y Alberto, Londres
    - Retrato de una joven (h. 1475) - Temple sobre tabla, 61 x 40 cm, Palacio Pitti, Florencia
    - Retrato de Juliano de Médici (h. 1475) - Temple sobre tabla, 54 x 36 cm, Accademia Carrara, Bérgamo
    - Virgen y Niño (h. 1475) - Temple sobre tabla, Art Institute, Chicago
    - Catalina de Alejandría, retrato de Caterina Sforza (h. 1475) - Lindenau-Museum, Altenburgo
    - Natividad con san Juanito (1476-77) - Pintura mural desprendida, 200 x 300 cm, Santa María Novella, Florencia
    - Retrato de Juliano de Médici (1476-77) - Temple sobre tabla, 75,6 x 36 cm, Galería Nacional de Arte, Washington
    - El nacimiento de Cristo, (1476-77) - Fresco, 200 x 300 cm, Santa Maria Novella, Florencia
    - Retrato de Juliano de Médici (1478) - Tabla, 54 x 36 cm, Gemäldegalerie, Berlín
    - Retrato de Juliano de Médici (h. 1478) - Temple sobre tabla, 54,5 x 36,5 cm, colección Crespi, Milán
    - Virgen y Niño con ocho ángeles (h. 1478) - Temple sobre tabla, diámetro 135 cm, Gemäldegalerie, Berlín
    - La anunciación (h. 1479) - Temple sobre tabla, 19 x 30 cm. Colección Hyde, Glens Falls
    - San Agustín en su gabinete (1480) - Fresco, pintura mural desprendida, 152 x 112 cm, Iglesia de Ognissanti, Florencia
    - Virgen del libro (1480-81) - Temple sobre tabla, 58 x 39,5 cm, Museo Poldi Pezzoli, Milán
    - Retrato de una joven (1480-85) - Temple sobre madera, 82 x 54 cm, Instituto Städel, Fráncfort del Meno
    - Retrato de una joven (posterior a 1480) - Óleo sobre tabla, 47,5 x 35 cm, Gemäldegalerie, Berlín
    - Anunciación (Anunciación de San Martino alla Scala) (1481) - Pintura mural drespendida, 243 x 555 cm, Uffizi, Florencia
    - Virgen del Magnificat (1481) - Temple sobre tabla, diámetro 118 cm, Uffizi, Florencia
    - Alegoría de la Primavera (1481-82) - Temple sobre tabla, 203 x 314 cm, Uffizi, Florencia
    - La adoración de los magos (1481-82) - Temple sobre tabla, 70 x 103 cm, Galería Nacional de Arte, Washington DC.
    - Frescos en los muros laterales de la Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano (1481-82):
        - Pruebas de Moisés - Pintura mural, 348,5 x 558 cm
        - Castigo de los rebeldes - Pintura mural, 348,5 x 570 cm
        - Pruebas de Cristo - Pintura mural, 345,5 x 555 cm
    - Palas doma al centauro (1482-83) - Temple sobre lienzo, 207 x 148 cm, Uffizi, Florencia
    - Retrato de un joven (h. 1482-83) - Temple sobre tabla, 41 x 31 cm, Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.
    - Venus y Marte (1483) - Temple sobre tabla, 69 x 173 cm, National Gallery, Londres
    - La historia de Nastagio degli Onesti (1483):
        - Nastagio degli Onesti I - Temple sobre tabla, 83 x 138 cm, Museo del Prado, Madrid
        - Nastagio degli Onesti II - Temple sobre tabla, 83 x 138 cm, Museo del Prado, Madrid
        - Nastagio degli Onesti III - Temple sobre tabla, 83 x 138 cm, Museo del Prado, Madrid
        - Nastagio degli Onesti IV - Temple sobre tabla, 84 x 142 cm, Colección privada
    - Retrato de un joven (h. 1483) - Temple sobre tabla, 37,5 x 28,2 cm, National Gallery, Londres
    - Ciclo de Villa Lemmi: Venus ofrece dones a una joven (1483-86?) - Pinturas murales desprendidas y trasladadas, 211 x 284 cm, Museo del Louvre, París
    - La Virgen y el Niño entronizados (Retablo Bardi) (1484) - Temple sobre tabla, 185 x 180 cm, Gemäldegalerie, Berlín
    - Nacimiento de Venus (1484) - Temple sobre lienzo, 184,5 x 285,5 cm, Uffizi, Florencia
    - Virgen con el Niño y seis ángeles (Virgen de la granada) (1487)- Temple sobre tabla, diámetro 143,5 cm, Uffizi, Florencia
    - Virgen entronizada con el Niño, santa Catalina de Alejandría, san Agustín, san Bernabé, san Juan Bautista, san Ignacio y san Miguel Arcángel (Pala de San Bernabé) (1487) - Temple sobre tabla, 268 x 280 cm, Uffizi, Florencia
     - Predela con Cristo muerto - Temple sobre tabla, 21 x 41 cm, Uffizi, Florencia
    - La Virgen y el Niño, San Juan y un ángel (h. 1488) - Museo Nacional de Varsovia, Polonia
    - La visión de san Agustín (h. 1488) - Temple sobre tabla, 20 x 38 cm, Uffizi, Florencia
    - Cristo en el sepulcro (h. 1488) - Temple sobre tabla, 21 x 41 cm, Uffizi, Florencia
    - Salomé con la cabeza de san Juan Bautista (h. 1488) - Temple sobre tabla, 21 x 40,5 cm, Uffizi, Florencia
    - Extracción del corazón de san Ignacio (h. 1488) - Temple sobre tabla, 21 x 40,5 cm, Uffizi, Florencia
    - Coronación de la Virgen con san Juan Bautista, san Agustín, san Jerónimo y san Eligio (Pala de San Marcos) (1488-1490) - Temple sobre tabla, 378 x 258 cm (pala) y 21 x 269 cm (toda la predela) Uffizi, Florencia
    - Anunciación de Cestello (1489) - Temple sobre tabla, 240 x 235 cm, Uffizi, Florencia
    - Anunciación (h. 1490) - Temple sobre tabla, 49,5 x 58,5 cm, Museo Kelvingrove, Glasgow
    - La Virgen adorando al Niño (h. 1490) - Temple sobre tabla, diámetro 59,6 cm, Galería Nacional de Arte, Washington DC
    - Retrato de Michelle Marullo (h. 1491) - Temple sobre lienzo transferido de madera, 49 x 35 cm, Colección privada (en préstamo en el Museo del Prado, Madrid)
    - Anunciación (1490-93) - Temple sobre tabla, 23,9 x 36,5 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
    - San Agustín en su gabinete (1490-95) - Temple sobre tabla, 41 x 27 cm cm, Uffizi, Florencia
    - Retrato de Lorenzo di Ser Piero Lorenzi (1490-95) - Temple sobre tabla, 50 x 36,5 cm, Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia
    - La Virgen y el Niño con san Juan Bautista Niño (1490-1500) - Temple sobre madera, diámetro 74 cm, Museo de Arte de São Paulo, São Paulo, Brasil
    - Santísima Trinidad (Palla delle Convertite) (1491-93) - Temple sobre tabla, 215 x192 cm, Courtauld Institute Galleries, Londres
    - Piedad con san Jerónimo, san Pablo y san Pedro (1492) - Temple sobre tabla, 140 x 207 cm, Alte Pinakothek, Múnich
    - Virgen con el Niño y tres ángeles (Virgen del pabellón) (h. 1493) - Temple sobre tabla, diámetro 65 cm, Pinacoteca Ambrosiana, Milán
    - La Piedad (1495) - Temple sobre tabla, 107 x 71 cm, Museo Poldi Pezzoli, Milán
    - Virgen con el Niño y san Juanito (1495) - Temple sobre tabla, 134 x 92 cm, Galería Palatina del Palacio Pitti, Florencia
    - La Calumnia (1495) - Temple sobre tabla, 62 x 91 cm, Uffizi, Florencia
    - Última comunión de san Jerónimo (h. 1495) - Temple sobre tabla, 34,5 x 25,4 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
    - Retrato de Dante (h. 1495) - Temple sobre lienzo, 54,7 x 47,5 cm, Colección privada
    - Judit abandona la tienda de Holofernes (1495-1500) - Temple sobre tabla, 36,5 x 20 cm, Rijksmuseum, Ámsterdam
    - Crucifixión (h. 1497) - Temple sobre lienzo, 73,5 x 50,8 cm, Museo de arte Fogg, Universidad Harvard, Cambridge (Massachusetts)
    - La Oración del Huerto (1498-1500) - Temple sobre tabla, 53 x 35 cm, Capilla Real, Granada
    - La Adoración de los Reyes (1500) - Temple ? sobre tabla, 107,5 x 173 cm, Uffizi, Florencia
    - Cristo coronado de espinas (h. 1500) - Temple sobre tabla, 47,6 x 32,3 cm, Accademia Carrara, Bérgamo
    - Transfiguración, san Jerónimo, san Agustín (h. 1500) - Temple sobre tabla, 27,5 x 35,5 cm, Palazzo Pallavicini-Rospigliosi, Roma
    - Historias de Virginia (1500-1504) - Temple sobre tabla, 86 x 165 cm, Accademia Carrara, Bérgamo
    - Historias de Lucrecia (1500-1504) - Temple ? sobre tabla, 80 x 130 cm, Museo Isabella Stewart Gardner, Boston
    - Cuatro cuadros sobre la Vida de san Cenobio (1500-1505):
       - Bautismo de san Cenobio y su ordenación como obispo - Temple sobre tabla, 66,5 x 149,5 cm, National Gallery, Londres
       - Tres milagros de san Cenobio - Temple sobre tabla, 65 x 139,5 cm, National Gallery, Londres
       - Tres milagros de san Cenobio - Temple sobre tabla, 67 x 150,5 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
       - Último milagro y muerte de san Cenobio - Temple sobre tabla, 66 x 182 cm, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde
    - Natividad mística (1501) - Temple sobre tabla, 108,5 x 75 cm, National Gallery, Londres


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Retrato de Dante, c. 1495.

Espero que os guste la recopilación que he realizado de este gran pintor renacentista florentino, y además contribuya en la divulgación del artista.





Algunas obras


Botticelli realizó entre 150 y 180 obras. Pinta numerosas obras religiosas, así como grandes composiciones profanas, mitológicas. También ha pintado varios retratos de sus mecenas, que no cuentan con la belleza, la mística, la luminosidad y el espíritu de sus otras composiciones.

El principal museo que contiene obras de este artista es la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), cuyas famosas obras se exponen en las salas 10-14 y son, para muchos, lo mejor de la galería. No obstante, hay otros museos que contienen obras de este impresionante artista.


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El nacimiento de Venus. 1483-1485. Temple sobre lienzo. 172,5 x 278,5 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano Sandro Botticelli.

Tradicionalmente se ha creído que esta obra, como La primavera, fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo de Lorenzo el Magnífico, para adornar la Villa di Castello, en la campiña florentina. La idea parte de que fue allí donde las contempló Giorgio Vasari años después. Estudios recientes indican otra cosa: La primavera se pintó para la casa de Lorenzo en la ciudad de Florencia y El nacimiento de Venus fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. Por lo tanto, no se conoce la fecha exacta de su composición, ni tampoco el comitente para el cual fue ejecutado. Actualmente se considera que debió pintarse entre 1482 y 1484; en cualquier caso, después de la estancia romana de Botticelli.

Solo está documentado por Botticelli que Venus fue interpretada por Simonetta Cattaneo,1 llamada Simonetta Vespucci o simplemente «la bella Simonetta», una musa florentina elegida por los Medici. Estos documentos de pictografía indican que para el año 1499 ambos estaban instalados en Castello, entonces propiedad de esta rama secundaria de los Médicis.

Las fuentes literarias de esta obra son Las metamorfosis de Ovidio y Angelo Poliziano. Además, existía en la Florencia de la época el recuerdo de una pintura legendaria del griego Apeles, titulada precisamente Nacimiento de Venus y que Poliziano describe en una poesía.

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Detalle del nacimiento de Venus, de Botticelli

Según cuenta la leyenda, Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Saturno y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones. El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología, común a muchos artistas del Renacimiento.


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Detalle del nacimiento de Venus, de Botticelli

Una ninfa espera a la diosa en la playa para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se trata, específicamente, de Primavera. Lleva un traje floreado; es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.



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La Primavera. 1480-1482. Temple sobre tabla. 203 x 314 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. La primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Es un icono de la renovación primaveral del Renacimiento florentino.


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Detalle de La Primavera, de Botticelli

Iconografía. Es una obra impregnada de cultura humanística y neoplatónica de la corte de Lorenzo el Magnífico. Tiene un tono de narración situada fuera del tiempo real. Se presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano. Rompe con la pintura religiosa cristiana al ilustrar un rito pagano de primavera.

La crítica no se muestra de acuerdo sobre su exacta alegoría. Se debate sobre su significado y por consiguiente el título. Si por un lado se produce un cierto acuerdo sobre la individualización de alguno de los nueve personajes representados, hay discusiones que han nacido a lo largo de los años, en particular a partir de la segunda mitad del siglo XIX, sobre los referentes literarios más específicos y los significados que esconde la obra. Algunas teorías sostienen que el dios Mercurio (el personaje situado más a la izquierda) representa a Julio, el hijo de Lorenzo de Médici, y que la gracia que mira al dios, representa a la amante de Julio.


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Detalle de La Primavera, de Botticelli

Análisis de la obra. Giulio Carlo Argan pone en evidencia cómo esta tabla se pone en contraste con todo el desarrollo del pensamiento artístico del siglo XV a través de la perspectiva. Identifica el arte con la interpretación racional de la realidad, que culmina con la grandiosa construcción teórica de Piero (della Francesca).

Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. Esto puede verse en las diversas piezas de orfebrería, representadas minuciosamente, como el casco y la empuñadura de la espada de Mercurio o las cadenas y los broches de las Gracias.

Estudios interesantes son los que se han realizado sobre las relaciones dimensionales de las partes de la escena en referencia a reglas musicales. La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central Venus la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos mitades y marca el eje.

Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.

Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena, incluso parece emanar de los propios cuerpos.

La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente relacionados con la familia Médici. No obstante, hay quien apunta a que son en realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici. Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella. Mientras, la parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión al novio, Lorenzo, en latín Laurentius. El paisaje es arbitrario, este tipo de escenarios sometidos a la razón son muy típicos del quattrocento.

El suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son también reconocibles las de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de fresas silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva rosas; por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas y anémonas.



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Venus y Marte (1483) - Temple sobre tabla, 69 x 173 cm, National Gallery, Londres. Obra de Sandro Botticelli


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La Calumnia - Calumnia de Apeles (1495) - Temple sobre tabla, 62 x 91 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Historias de Virginia (1500-1504) - Temple sobre tabla, 86 x 165 cm, Accademia Carrara, Bérgamo. Obra de Sandro Botticelli


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Ciclo de Villa Lemmi: Venus ofrece dones a una joven (1483-86?) - Pinturas murales desprendidas y trasladadas, 211 x 284 cm. Museo del Louvre, París. Obra de Sandro Botticelli


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Historias de Lucrecia (1500-1504) - Temple ? sobre tabla, 80 x 130 cm, Museo Isabella Stewart Gardner, Boston. Obra de Sandro Botticelli


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La historia de Nastagio degli Onesti - Nastagio degli Onesti, primer episodio. Madrid, Museo del Prado. Obra de Sandro Botticelli


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Nastagio degli Onesti, segundo episodio. Museo del Prado. Obra de Sandro Botticelli


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Nastagio degli Onesti, tercer episodio. Obra de Sandro Botticelli. Museo del Prado. Más info de las tres tablas propiedad del Prado


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Nastagio degli Onesti, cuarto episodio. Palacio Pucci de Florencia. Obra de Sandro Botticelli


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Historia de Judith. Obra de Sandro Botticelli. Descubrimiento del cadáver de Holofernes. Historias de Judit es un díptico del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está realizado con temple sobre tabla, 31 x 24 cm. Data de 1470. Actualmente se encuentra en la Galería de los Uffizi en Florencia. Están documentadas juntas ya a finales del siglo XVI en las colecciones de los Médicis.


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Historia de Judith. El regreso de Judit a Betulia. 1469-1470. Temple sobre tabla, 31 x 24 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Mappa dell'Inferno dantesco (Mapa del Infierno de Dante, visto por Sandro Botticelli), c. 1480-1495, pluma y tinta en el pergamino, 33 × 47.5 cm. Biblioteca del Vaticano Ver los 'Círculos del Infierno'


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Mappa dell'Inferno dantesco, primer círculo. Detalle de la entrada de Virgilio recibiendo a Dante. Obra de Sandro Botticelli


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Infierno, canto XVIII. 1480-1490. Dibujo coloreado sobre pergamino. 32 x 47 cm. Staatliche Museen. Berlín. Alemania. Obra de Sandro Botticelli


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Alegoría de la abundancia. 1480. Tinta marrón con toques en blanco, sobre clarión negro sobre papel rosa. 31,7 x 25,3 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Fortaleza. 1470. Temple sobre tabla. 167 x 87 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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La abandonada. Colección Rospigliosi. Roma. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Minerva. 1485-1490. Tinta y lápiz sobre clarión negro, con toques en blanco sobre fondo rosa, perforado y cuadriculado para su ampliación. 22 x 14 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Venus. 1485-1490. Tabla. 174 x 77 cm. Galería Sabauda de Turín. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Palas y el centauro. 1482. Temple sobre lienzo. 207 x 148 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Introducción de un joven en el círculo de las Siete Artes Liberales, fresco de la Villa Lemmi, cerca de Florencia, 1483-1486?, Sandro Botticelli, (París, Museo del Louvre). La introducción de un joven, tal vez Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, en el círculo de las Siete Artes representadas como musas (solo se distingue un solo atributo, el escorpión de la Dialéctica) se ha descrito conforme al espíritu neoplatónico como un acto solemne de iniciación realizado bajo el patrocinio de Venus.


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La bella Simonetta. 1475. Panel. 61 x 41 cm. Galería Palatina. Palazzo Pitti. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Lorenzo di Ser Piero Lorenzi. 1495-1500. Temple sobre tabla. 50 x 36,5 cm. Museo de Arte de Filadelfia. Filadelfia. USA. Obra de Sandro Botticelli


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Giuliano de Médici. 1476-1478. Temple sobre tabla. 75,6 x 52,6 cm. The National Gallery of Art. Washington. USA. Obra de Sandro Botticelli


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Otro retrato de Giuliano de Médici. 1476-1478. Temple sobre tabla. 76 x 52,6 cm. Academia Carrara. Bérgamo. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Retrato de Juliano de Médicis. 1478. Temple sobre tabla. 54,5 x 36,5 cm. Staatliche Museen, Berlín, Alemania. Obra de Sandro Botticelli


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Retrato de Dante Alighieri por Sandro Botticelli. 1495. Óleo sobre lienzo. 54,7 x 47,5 cm. Colección particular. Ginebra. Suiza


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Retrato de hombre con una medalla de Cosme el Viejo. 1474-1475. Temple sobre tabla. 57,5 x 44 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Retrato de joven, h. 1483. Temple sobre tabla, 112 cm × 157 cm. National Gallery de Londres. Obra de Sandro Botticelli


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Retrato de Esmeralda Brandini, h. 1475. Pintura al temple sobre madera, 67,5 cm × 41 cm. Museo Victoria y Alberto, Londres. Obra de Sandro Botticelli


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Retrato de joven (Ritratto di giovane), h. 1470. Temple sobre tabla, 51 cm × 33,7 cm. Palacio Pitti, Florencia. Obra de Sandro Botticelli


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Retrato de una joven. Obra de Sandro Botticelli. 1480-85. Temple sobre tabla, 82 × 54 cm. Museo Städel, Frácfort del Meno, Alemania. La persona retratada se ha identificado como Simonetta Vespucci sobre la base de un retrato realizado por Piero di Cosimo. La atribución a Botticelli es objeto de debate, algunos eruditos consideran que es obra de Jacopo del Sellaio.



CONTINÚA MÁS ABAJO...
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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última edición por j.luis el Lunes, 08 Febrero 2016, 11:10; editado 14 veces 
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Mensaje Re: BOTIICELLI 
 
J.Luis gracias por esta nueva galería de Boticelli, este pintor desde luego que tiene unas obras muy buenas y sin duda merece un rincón en esta galería viendo su calidad y variedad.

Un Saludo.
 




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Mensaje Re: BOTIICELLI 
 
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La Oración del Huerto. 1498-1500. Temple sobre tabla, 53 x 35 cm, Capilla Real, Granada. Obra de Sandro Botticelli. Fue pintada entre 1498 y 1500 y se conserva actualmente en el Museo de los Reyes Católicos de la Capilla Real de Granada (España). Pertenece al conjunto artístico que aportó Isabel la Católica para la decoración de dicho templo.

La predicación de Savonarola influyó fuertemente a Botticelli y le llevó a abandonar, en la última parte de su vida, las representaciones alegóricas para dedicarse solamente a las pinturas sacras, de la cual ésta es un ejemplo.

Botticelli rechaza las composiciones complejas, volviendo a modelos sencillos de devoción. La composición es mucho más sencilla, aunque Botticelli no deja por ello de prestar atención a algunos detalles del paisaje, como la empalizada. Jesucristo está rezando, figura central que se representa más grande que el resto por ser la de mayor importancia devocional. Los tres apóstoles dormidos en primer plano son también de gran sencillez, sin reflejar complejidades anatómicas de épocas anteriores. La pintura refinada, armoniosa, idílica a veces y siempre de incuestionable poética que personalizó al Botticelli caracteriza la tabla en general. Un hábil escalonamiento jerárquico de la composición, apoyado en la disposición del paisaje, permite al artista la deseada ubicación de los protagonistas de la historia. El virtuosismo irrenunciable del dibujo, la calidad y textura de las gamas cromáticas o la armonía absoluta que es ánima del sencillo y luminoso país, se identifican con las maneras artísticas del pintor de Lorenzo de Médicis. Iconográficamente el momento reflejado es dramático, aquel en el que Cristo fue consolado en su dolor por el Ángel del Señor. Como último apunte, cabe decir que en las imposibles posturas que intentan en la sección inferior de la obra la inserción espacial de los apóstoles, puede coligarse influencia y relación con las investigaciones y preocupaciones perspectivísticas de Andrea Mantegna (1431-1503), baste recordar sus versiones temáticas de la predella del Retablo de San Zenón de Verona (Museo de Bellas Artes de Tours, (1457-59) o la de la National Gallery londinense (1455).


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San Agustín en su gabinete (1490-95) - Temple sobre tabla, 41 x 27 cm. Uffizi, Florencia. Obra de Sandro Botticelli


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San Sebastián. 1473-1474. Temple sobre tabla. 195 x 75 cm. Gemäldegalerie. Berlín. Alemania. Obra de Sandro Botticelli


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San Agustín en su gabinete (1480) - Fresco, pintura mural desprendida, 152 x 112 cm, Iglesia de Ognissanti, Florencia. Obra de Sandro Botticelli


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San Jerónimo. 1490. Témpera y óleo sobre lienzo transferido a tabla. 44,5 x 26 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Obra de Sandro Botticelli


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San Juan Bautista. 1485. Dibujo. 36 x 15,1 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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San Sixto II. 1481. Fresco. 210 x 80 cm. Capilla Sixtina. El Vaticano. Obra de Sandro Botticelli


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Santo Domingo. Témpera y óleo sobre lienzo transferido a tabla. 44,5 x 26 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Obra de Sandro Botticelli


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Última comunión de San Jerónimo. 1495. Temple sobre tabla. 34,3 x 25,4 cm. The Metropolitan Museum of Art. New York. USA. Obra de Sandro Botticelli


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Santísima Trinidad (Palla delle Convertite) (1491-93) - Temple sobre tabla, 215 x192 cm. Courtauld Institute Galleries, Londres. Obra de Sandro Botticelli


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Crucifixión con María Magdalena. 1500. Óleo sobre lienzo. 72,5 x 51,3 cm. Fogg Art Museum. Harvard University. Cambridge. Massachusetts. USA. Obra de Sandro Botticelli


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Piedad con san Jerónimo, san Pablo y san Pedro (1492) - Temple sobre tabla, 140 x 207 cm. Alte Pinakothek, Múnich. Obra de Sandro Botticelli


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Coronación de la Virgen con san Juan Bautista, san Agustín, san Jerónimo y san Eligio (Pala de San Marcos) (1488-1490) - Temple sobre tabla, 378 x 258 cm (pala) y 21 x 269 cm (toda la predela) Uffizi, Florencia. Obra de Sandro Botticelli


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Natividad mística (1501) - Temple sobre tabla, 108,5 x 75 cm, National Gallery, Londres. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen con el Niño y san Juanito (1495) - Temple sobre tabla, 134 x 92 cm, Galería Palatina del Palacio Pitti, Florencia. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen con el Niño y tres ángeles (Virgen del pabellón) (h. 1493) - Temple sobre tabla, diámetro 65 cm, Pinacoteca Ambrosiana, Milán. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen del Magnificat (Madonna del Magnificat, o también Madonna con il Bambino e cinque angeli). 1481. Temple sobre tabla, diámetro 118 cm. Galería Uffizi, Florencia. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen con el Niño y un ángel (Virgen de la Eucaristía) (1470-1472) - Temple sobre tabla, 84 x 64,5 cm, Museo Isabella Stewart Gardner, Boston. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen con el Niño y ángel (1465-67) -Temple sobre tabla, 87 x 60 cm, Spedale degli Innocenti, Florencia. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen con Niño y un ángel. 1465-67. Temple sobre tabla. 110 x 70 cm. Musée Fesch, Ajaccio. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen de la Galería (Madonna della loggia). 1467. Pintura al temple sobre tabla 72 x 50 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen del libro (1480-81) - Temple sobre tabla, 58 x 39,5 cm, Museo Poldi Pezzoli, Milán. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen con el Niño (Virgen del rosal) - Virgen del jardín de rosas. Obra de Sandro Botticelli. 1469-1470. Temple sobre tabla. 124 x 64 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia


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Virgen del pabellón (Madonna del padiglione). Obra de Sandro Botticelli, h. 1493. Temple sobre tabla, 65 × 65 cm. Pinacoteca Ambrosiana, Milán, Italia. Según Giorgio Vasari, este tondo estaría en la "cámara del prior" del convento de Santa María degli Angeli en Florencia; este prior era Guido de Lorenzo de Antonio, amigo de Lorenzo de Médicis.

María está representada como una Virgen de la leche, ofreciendo su pecho al Niño Jesús, sujetado por un ángel. El nombre deriva del rico baldaquino que abren los ángeles y que domina con su intenso color rojo la parte superior de la escena, pues esta transcurre en una especie de balcón, al aire libre.

El cuadro contiene una serie de elementos típicos de las representaciones marianas: el hortus conclusus o jardín cerrado alusivo a la virginidad de María, el lirio como símbolo de la pureza, la desproporción entre las figuras de mayor importancia devocional (la Virgen y el Niño) en relación con el resto de personajes.

En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.
 

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Retablo de San Ambrosio también conocido como Virgen con el Niño y seis santos o Retablo de las Convertidas, es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli, terminada alrededor de 1470, y que se encuentra en la Galería Uffizi, en Florencia.

Representa a la Virgen entronizada y rodeada de los santos María Magdalena, Juan el Bautista, Francisco de Asís, Catalina de Alejandría y, de rodillas, Cosme y Damián (patronos de la Casa de Médici). De hecho, se ha considerado más probable que estos últimos sean retratos de otros de los Medici y se ha pensado en Lorenzo el Magnífico y su hermano Juliano.


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Adoración de los Reyes, 1481-1482, tabla, 70,2 × 104,2 cm. Washington DC. Obra de Sandro Botticelli


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Adoración de los Magos (Adorazione dei Magi). Obra de Sandro Botticelli, 1475. Temple sobre tabla, 111 × 134 cm. Galería Uffizi, Florencia. En esta obra el maestro Sandro Botticelli se autorretrara (figura de cuerpo entero inferior derecha vestido con un manto amarillo mirando al público. Además en la escena se identifican varios personajes de la familia de los Médici y otros personaje célebres)


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Adoración de los Magos. 1465-67. The National Gallery. Londres. Obra de Sandro Botticelli


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Anunciación de Cestello (1489) - Temple sobre tabla, 240 x 235 cm, Uffizi, Florencia. Obra de Sandro Botticelli


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La Virgen de la Granada. 1485-1487. Temple sobre tabla. Diámetro 143,5 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen con el Niño y dos ángeles (1468-70), - Temple sobre tabla, 100 x 71 cm, Museo de Capodimonte, Nápoles. Obra de Sandro Botticelli


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La adoración de los Magos (1477) Óleo sobre tabla. 131,5 cm. (diámetro) National Gallery. Londres. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen y el Niño entronizados entre San Juan Bautista y San Juan Evangelista (Retablo Bardi). 1484. Temple sobre tabla. 185 x 180 cm. Gemäldegalerie. Berlín. Alemania. Obra de Sandro Botticelli


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Retablo de Santa Bárbara. Virgen entronizada con Santos. 1486. Temple sobre tabla. 268 x 280 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Virgen y San Juan adorando al Niño. 1477. Tabla. Diámetro: 96 cm. Museo Civico. Piacenza. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Visión de San Agustín. 1488. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Adoración del Niño. Obra de Sandro Botticelli


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Anunciación Predela de La coronación de María con cuatro santos. 1490-1492. Tabla. 210 x 169 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Cristo en el sepulcro. Predela del Retablo de San Bernabé. 1487. Tabla. 21 x 41 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Extracción del corazón de San Ignacio de Antioquía. Predela del Retablo de San Bernabé. 1487. Tabla. 21 x 38 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli


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Anunciación. Predela de La coronación de María con cuatro santos. 1490-1492. Tabla. 21 x 169 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Sandro Botticelli  


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La Piedad (1495) - Temple sobre tabla, 107 x 71 cm, Museo Poldi Pezzoli, Milán. Obra de Sandro Botticelli
 

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La Piedad con San Jerónimo, San Pablo y San Pedro. 1492. Temple sobre tabla. 140 x 207 cm. Alte Pinakothek. Munich. Alemania. Obra de Sandro Botticelli.

La obra proviene de la iglesia florentina de San Paulino, de la que era prior Angelo Poliziano. El príncipe Luis de Baviera la adquirió en el siglo XIX, lo cual explica que pasara a formar parte de las colecciones muniquesas.

El tema de la Piedad, centrado en la figura de María con el Hijo muerto no fue habitual en la pintura florentina del siglo XV, a diferencia de lo que ocurría, por ejemplo, en Venecia. Que Botticelli realizara, al menos, dos cuadros con esta temática indica ya un cambio en el ambiente florentino de finales de siglo. Es posible que influyera en el autor el conocimiento de las obras holandesas sobre este tema iconográfico.

Se representa un momento intermedio entre el Descendimiento de la Cruz y el Santo Entierro. Las figuras tienen gestos patéticos y el cuerpo de Cristo en el centro que se arquea en un semicírculo. Su cabeza la sujeta amorosamente una de las mujeres. La Virgen, desfallecida, está detrás de la figura de Cristo. San Jerónimo y san Pablo son los santos que aparecen a la izquierda, cada uno con un objeto simbólico para su identificación: San Jerónimo lleva una piedra con la que se golpeaba el pecho a modo de penitencia, mientras que San Pablo aparece con una espada, instrumento de su martirio.2 Al lado contrario aparece san Pedro, con la llave que permite identificarlo.

El grupo aparece sobre el fondo de una gruta que será el sepulcro de Cristo, cuyo borde de piedra parece verse entre las figuras. Al introducir gran parte del sepulcro Botticelli logra mayor acento escénico. Los contornos de las figuras y de las rocas están muy marcados. El dolor queda reflejado en los violentos contrastes cromáticos, así como en los gestos y movimientos.



Frescos en los muros laterales de la Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano (1481-82):


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Escenas de la vida de Moisés - Pruebas de Moisés - Pintura mural, 348,5 x 558 cm Capilla Sixtina. El Vaticano


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Rebelión contra la Ley de Moisés - Castigo de los rebeldes. 1481-1482. Fresco. 348,5 x 570 cm. Capilla Sixtina. El Vaticano


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Sacrificio y tentaciones de Cristo- Pruebas de Cristo. 1481-1482. Fresco. 345 x 555 cm. Capilla Sixtina. El Vaticano



Vida de San Cenobio


La vida de San Cenobio es un ciclo de cuadros del pintor italiano renacentista Sandro Botticelli. Fueron ejecutadas entre 1495 y 1500, siendo las últimas obras conocidas de Botticelli. Otras fuentes señalan el periodo 1500-1505. Están realizadas al temple sobre madera.

Botticelli representó la vida y obras de San Cenobio (337-417), el primer obispo de Florencia, a lo largo de cuadro pinturas, actualmente dispersas entre varios museos del mundo:

    - Bautismo de San Cenobio y su nombramiento como obispo (National Gallery de Londres)
    - Tres milagros de San Cenobio, también en la National Gallery de Londres.
    - Tres milagros de San Cenobio, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
    - Último milagro y muerte de San Cenobio, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde

Se cree que formarían una única pieza de mobiliario doméstico de madera sin que se haya podido concretar el comitente. Pudo ser Filippo di Zanobi di Girolami o la Compañía de san Cenobio. La fuente de la narración de la vida de san Cenobio pudo ser la escrita por el sacerdote florentino Clemente Mazza, impresa en 1487 y 1496, reflejo de la devoción que se tenía en la ciudad por este santo católico.

Estos cuadros reflejan el estilo asumido por Botticelli al final de su vida: una disminución de la escala, figuras expresivamente distorsionadas, y un uso del color no naturalista, que recuerda a la obra de Fra Angélico de casi un siglo antes. Aunque se enmarcan las escenas en una arquitectura y perspectiva renacentistas, las figuras y sus posturas son los protagonistas, lo que se entiende como un propósito deliberado de demostrar "la necesidad de la humanidad del hombre como medida de todas las cosas en clave cristiana" (M. Mancini).


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Bautismo de San Cenobio. National Gallery de Londres

El bautismo de San Cenobio y su nombramiento como obispo (en italiano, Battesimo ed elezione a vescovo di san Zanobi) es una obra que mide 66,5 cm. de alto y 149,5 cm. de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).

En esta primera escena, San Cenobio se muestra en tres momentos: en el episodio de la izquierda está rechazando a la novia con la que sus padres pretenden casarle y, pensativo, se marcha. En el centro se muestra otro episodio: el bautismo del joven Cenobio y su madre, y a la derecha, su ordenación como obispo.

Bautismo de San Cenobio y nombramiento como obispo


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Tres milagros de San Cenobio. National Gallery de Londres


Estos Tres milagros de San Cenobio (en italiano, Tre miracoli di San Zanobi) es una obra que mide 65 cm. de alto y 139,5 cm. de ancho. Se conserva, como la primera, en la National Gallery de Londres (Reino Unido).

En este cuadro se muestran tres gestos milagrosos de San Cenobio.


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Tres milagros de San Cenobio. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Estos Tres milagros de San Cenobio (en italiano, Tre miracoli di San Zanobi) es una obra que mide 67,3 cm. de alto y 150,5 cm. de ancho. Se conserva en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

En este cuadro se muestran otros tres gestos milagrosos de San Cenobio.


El Último milagro y muerte de San Cenobio (en italiano, Ultimo miracolo e morte di San Zanobi) es una obra que mide 66 cm. de alto y 182 cm. de ancho. Se conserva en la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde.

Se trata de un cuadro que se lee de izquierda a derecha:

    - A la izquierda, un niño atropellado por un carro mientras está jugando;
    - Su madre, una viuda, se lamenta mientras lleva al niño muerto a los diáconos Eugenio y Crescencio interceden al santo con sus oraciones, implorando el milagro;
    - A través de la oración, lo que no se muestra aquí, San Cenobio consigue revivir al niño y devolvérselo a su madre, sano y salvo;
    - en el extremo de la derecha, el obispo, que mientras tanto ha adquirido un tono grisáceo, bendice a aquellos que están rezando junto a su lecho de muerte.


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Último milagro y muerte de San Cenobio. Último milagro y muerte de San Cenobio. Gemäldegalerie Alte Meister, DresdeMás info de la vida de San Cenobio


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Disco de mármol que indica el sitio en que reposan los restos del pintor Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, más conocido como Botticelli. Iglesia del Ognissanti. Florencia. Italia.

Murió el 17 de mayo de 1510 y fue sepultado en su parroquia, la iglesia de Ognissanti, en Florencia. A su muerte, el único heredero verdadero de su arte fue Filippino Lippi, que comparte con él la inquietud presente en sus últimas obras.



Enlaces interesantes


Botticcelli en Art Renewal Centere

Botticcelli en Web Gallery of Art

Ver más obras de Botticcelli en la Wikipedia

Botticcelli en commons.wikimedia.org



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Autorretrato de Sandro Botticelli, detalle del cuadro 'Adoración de los Magos' (1475) que se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia

Olvidado durante mucho tiempo, fue redescubierto a finales del siglo XIX, suscitando una gran admiración, sobre todo en Inglaterra.



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Sus obras se caracterizan por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas. Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente para los Médici, para los que pintó retratos, y de los que recibió la influencia del neoplatonismo cristiano que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Estuvo muy influenciado por el estilo y la obra de Fra Filippo Lippi. Además tuvo como discípulo desde los 15 años al hijo de éste con nombre igual que el padre, y para diferenciarlo se llamaba Filippino Lippi. Filppino alcanzó la fama y el reconocimiento, para algunos superó a su maestro, aunque yo me quedo con el primero.


Fuentes y agradecimientos: pintura.aut.org, eswikipeia.org, artcyclopedia.com, museodelprado.es, wga.hu, artrenewal.org, mariologia.net, epdlp.com, es.wahooart.com y otras de internet
 




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Mensaje Re: BOTIICELLI 
 
ROMA DESCUBRE A LIPPI, EL ALUMNO QUE SUPERÓ AL MAESTRO SANDRO BOTTICELLI



Gran exposición con obras renacentistas de Botticelli y Filippino Lippi deslumbra a toda Roma



Unas cuarenta piezas pictóricas, entre retratos, retablos, dibujos y pinturas de este maestro y su discípulo se exhiben con gran éxito en las salas de la Scuderia del Quirinale. La muestra tuvo un costo de 1,7 millones de euros.


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Con piezas como ''El nacimiento de Venus'', Botticelli llegó a las enciclopedias de la historia del arte cinco siglos más tarde. Esta obra maestra orma parte de la exposición dedicada a este pintor italiano del siglo XV y a su maestro, Sandro Botticelli, que se inaugurará mañana en Roma, donde permanecerá abierta hasta el próximo 15 de enero.

ROMA.- El magnífico y original trazo de Sandro Botticelli (1444-1510) y de su talentoso alumno Filippino Lippi (1457-1504), deslumbran en Roma gracias a una exposición dedicada a uno de los artistas predilectos de Lorenzo de Médici, el Magnífico, el gran mecenas del Renacimiento italiano.

El alumno de Botticelli -desde los 15 años-, nacido en Prato (Toscana), que trabajó conjuntamente con Perugino, Ghirlandaio, fue evolucionando hasta lograr un diálogo artístico de igual a igual con su padre, el célebre Fra Filippo y con su amigo y rival, Botticelli, gracias a sus visiones excéntricas y exóticas.

La exposición, montada en las elegantes salas de la "Scuderia del Quirinale", presenta retratos, retablos, dibujos y pinturas y sobre todo permite descubrir las diferencias y semejanzas entre obras maestras de gigantes de la pintura del siglo XV.

Inaugurada por el presidente de la República italiana, Giorgio Napolitano, la exposición, que costó cerca de 1,7 millones de euros, con la curaduría de Alessandro Cecchi, director de la Galería Palatina, rinde homenaje hasta el 15 de enero a la obra del llamado "Filippino", ensombrecida por siglos por los grandes maestros que lo precedieron.

"Estaba al mismo nivel de Botticelli y tenía inclusive más imaginación que su maestro. Era un artista moderno además", sostiene Cecchi.

Resalta por la fuerza de los colores la obra realizada para la iglesia de San Miguel de Lucca, con un hermoso San Sebastián, así como el óleo "Pala o retablo Nerli", restaurado para la ocasión y la Virgen con el niño Jesús, que juega irreverentemente con la cruz de San Juan Bautista.

El recorrido artístico del hijo de Fra Filippo con la novicia Lucrezia Buti, lo que generó escándalo en su época, es ilustrado en forma cronológica con obras provenientes de museos y colecciones privadas, raramente prestadas.

En total, unas cuarenta pinturas de Lippi y siete de Botticelli, permiten descubrir una de las pinturas más fascinantes del gran movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en el siglo XV.


emol.com / Terra.es
 




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Mensaje Re: BOTIICELLI 
 
Exposición de Botticelli y Lippi en Roma


Hay cuadros que condensan toda la riqueza del Renacimiento italiano. Los de Filippino Lippi y Sandro Boticcelli, por ejemplo. En Roma una exposición los confronta para que comprobemos si es verdad que Lippi, el alumno, logró superar al maestro.


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Ver vídeo: http://www.rtve.es/alacarta/videos/...i-roma/1254844/


rtve.es
 




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Mensaje Re: BOTTICELLI, Sandro 
 
Un español se desnuda y lanza pétalos de rosas ante el cuadro del Nacimiento de Venus de Botticelli


Los Carabineros cubrieron con una sábana al español y se lo llevaron a la comisaría mientras este gritaba: "Freedom, freedom" (libertad, en inglés). El joven, del que se desconoce el nombre, ya ha sido puesto en libertad.


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El joven español ante el cuadro del Nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli. FACEBOOK.- EFE

El gesto de un turista español, de 25 años, se ha convertido en uno de los más comentados por las redes sociales y los medios de comunicación en las últimas horas al desnudarse el pasado sábado delante del cuadro del Nacimiento de Venus del renacentista Sandro Botticelli en el Museo de Uffizi, en Florencia.

El español del que no se conoce el nombre y que ha sido denunciado por actos obscenos y después puesto en libertad, según los medios de comunicación, entró en la Galería degli Uffizi de Florencia como un turista más, pero cuando llegó a la sala del Nacimiento de Venus se colocó delante del cuadro y empezó a quitarse la ropa hasta quedar completamente desnudo.

Después, según el testimonio de Susanna Mantovani una guía turística que acompañaba a un grupo, el chico se puso de rodillas y lanzó pétalos de rosa, emulando las flores que caen sobre la diosa que surge de las aguas sobre una concha en el celebre cuadro de Boticelli, pintado entre 1482 y 1485.

Los vigilantes del museo llamaron inmediatamente a los Carabineros que cubrieron con una sábana al español y se lo llevaron a la comisaría mientras este gritaba: "Freedom, freedom" (libertad, en inglés).

El director de los Ufizzi, Antonio Natale, confirmó a los medios locales la noticia, aseguró que no hubo problemas, ni daños y bromeó al decir que "quizá resultó afectado por el síndrome de Adán".

Mantovani ha colgado en su página de la red social Facebook las fotografías que hizo al español, y que después han sido retomadas por los medios. Los medios italianos se interrogan ahora si se ha tratado de una locura pasajera de un turista o si el gesto se enmarcaba en un exhibición artística del español.

Los comentarios en Internet sobre este gesto son de lo más variado, pero algunos aseguran que en dos minutos "explicó a todos el sentido del Renacimiento".


publico.es



 

Hay gente que lo único que quiere es llamar la atención, y este paisano lo ha conseguido con su despelote.
 




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Mensaje Re: BOTTICELLI, Sandro 
 
Pues vaya con el personaje, despelotarse delante de un cuadro..    
 




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Mensaje Re: BOTTICELLI, Sandro 
 
A cualquier cosa llaman arte    esto es el acabose
 



 
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Mensaje Re: BOTTICELLI, Sandro 
 
El gusto por las curvas femeninas a través de 2.500 años de arte


Un análisis muestra que la relación ideal entre el perímetro de la cintura y la cadera ha variado con el tiempo y se hizo más femenino a partir del Renacimiento



 el_nacimiento_de_venus_de_boticcelli_muestra_a_una_mujer_con_un_ndice_cintura_cadera_de_0_724_cercano_a_lo_que_se_considera_el_ideal_universal

El Nacimiento de Venus, de Boticcelli, muestra a una mujer con un índice cintura cadera de 0,724, cercano a lo que se considera el ideal universal.

¿Por qué a muchos hombres les gustan Beyoncé Knowles o Kim Kardashian? Habrá quien diga que la fascinación por las curvas es una cuestión cultural, exacerbada por los vídeos musicales de hip hop o la pornografía. Sin embargo, si se pregunta a estudiosos de la evolución humana, muchos defenderán que existe una programación en el cerebro, construida durante millones de años, que nos empuja a buscar unos determinados rasgos físicos que hablan sobre las posibilidades reproductivas de quienes los poseen.

Una de esas señales es el índice cintura-cadera (ICC), la relación que resulta de dividir el perímetro de la cintura de una persona por el de su cadera. El interés por esa característica física tiene varias explicaciones. Por un lado, las nalgas y la cintura son rasgos únicos de los humanos, que no existen en otros simios que no caminan erguidos. Además, las hormonas sexuales determinan cómo y dónde se acumula la grasa. La que se amontona en las caderas sugiere que existen reservas en caso de escasez y que las crías tendrán alimento durante el embarazo y la lactancia. Otra muestra de la información escrita en el ICC se observa a partir de la menopausia, cuando las mujeres comienzan a tener un índice más parecido al de los hombres. En general, esta relación es una señal para detectar a primera vista juventud y fertilidad.

Varios estudios han estimado que el ICC ideal, al menos en los países occidentales, es aquel en el que el que la cintura tiene el 70% del perímetro de la cadera. Sin embargo, esta relación varía dependiendo de las circunstancias de los hombres a los que se pregunta. Un índice más bajo de 0,7, más femenino, suele despertar más interés en condiciones de mayor bienestar. Sin embargo, cuando el entorno es más complicado, un ICC mayor puede ser más deseable. De hecho, algunos artículos científicos han mostrado que los hombres de bajo nivel socioeconómico prefieren a mujeres más pesadas que los de un nivel elevado. La explicación podría estár en los andrógenos, un tipo de hormonas entre los que se encuentra la testosterona. Su presencia favorece la acumulación de grasa en torno a la cintura, restando feminidad, pero aumentan la resistencia y la competitividad. En situaciones de estrés, estas virtudes pueden resultar más interesantes que la cintura de avispa que favorecen las hormonas femeninas.

Para tratar de obtener más información sobre la universalidad del ICC, dos investigadores de la Universidad del Instituto de Ciencias Evolutivas de la Universidad de Montpelier (Francia) han analizado obras de arte e imágenes representando el cuerpo femenino de los últimos 2.500 años para ver cuál era su índice cintura cadera. Tomaron 216 obras de arte, 160 pinturas y 56 esculturas, que representaban a mujeres desde el año 500 a. C. hasta el presente. De ellas, 150 representaban a ejemplos de belleza, como las diosas Afrodita o Venus, o la joven Psique, tan hermosa que enamoró a Eros, el hijo de Afrodita. Las otras 66 obras escogidas representaban a mujeres a las que no se atribuye una belleza especial, como Eva, la primera mujer creada por Dios según el mito hebreo.

Las obras de arte empleadas se reparten en dos periodos. El primero, entre el 500 a. C. y el 400 d. C., y el segundo, entre el 1400 y el 2014. En medio queda un periodo en el que, debido a la oposición del cristianismo, casi no se encuentran cuerpos desnudos en el arte. Además, durante el último siglo, se analizó el ICC de modelos de Playboy y ganadoras de concursos de belleza.

    Los estándares de belleza empezaron a cambiar en el siglo XV, con una preferencia por curvas más pronunciadas”

El análisis de las obras de arte mostró que el índice se mantuvo constante durante el periodo de novecientos años de la antigüedad, algo por encima del 0,7, y comenzó a descender en el periodo más reciente, entre 1400 y 2014. Así, la Afrodita de Siracusa de Praxíteles, del 450 a. C., da un ICC de 0,753, una Afrodita anónima de hace 2.000 años, 0,793, y una Venus anónima del siglo IV d. C., 0,731. Cuando se observan los ICC a partir del 1400, empiezan a bajar de 0,7, como una Venus pintada por Hans Baldung en el siglo XVI, con 0,693, o la escultura de Psique abandonada que Agustin Pajou realizó en 1790, con 0,685.

Entre las playmates y modelos del siglo XX, se observa una curva media que comienza ligeramente por encima del 0,7 en los años 20, desciende durante los 60 y 70, y vuelve a subir a partir de los 80 hasta superar el 0,7 durante la última década. En los extremos entre las modelos, se situaron Mickey Winters, que fue la chica Playboy de septiembre de 1962, con un ICC de 0,529 (cintura de 45,7cm y cadera de 86,3), y Ashley Hobbs, portada de diciembre de 2010 con un ICC de 0,844 (68,5 de cintura y 81,2 de cadera).

Para Jeanne Bovet, investigadora de la Universidad de Montpellier, estos resultados muestran que “frente a lo que se suele afirmar, la preferencia por un ICC ha cambiado a lo largo del tiempo”. Además, ante la opinión de que la forma ideal de mujer ha cambiado dramáticamente durante el último medio siglo debido a la influencia de los medios de comunicación, los resultados de su estudio sugieren que “los estándares de belleza, al menos en lo que se refiere al ICC, empezaron a cambiar en el siglo XV, con una preferencia por curvas más pronunciadas”.


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Venus y el amor', de Hans Baldung.

Lo que no tiene claro Bovet son las razones detrás de las variaciones observadas en el arte a lo largo de los últimos veinticinco siglos. “Podría deberse a un cambio en las condiciones de vida, que hubiesen pasado a ser más fáciles, con menos trabajo que antes”, apunta. No obstante, recuerda que la mayor parte de las obras fueron realizadas por artistas relativamente acomodados por encargo de aristócratas, con lo que sus preferencias no tienen porqué ser representativas de las de su sociedad. “Puede tratarse de un cambio cultural y no solo adaptativo, aunque cultura y biología se influyen mutuamente”, afirma.

Para tratar de separar en la medida de lo posible la parte cultural de la inscrita en los genes, algunos investigadores han planteado experimentos originales. En 2009, un equipo dirigido por Johan C. Karremans, de la Universidad Radboud en Nimega (Holanda), comparó las preferencias de ICC de hombres que veían con las de ciegos de nacimiento. Con este enfoque pretendían comprobar hasta qué punto influyen los medios audiovisuales y en general el aprendizaje visual a la hora de construir el gusto por determinadas formas femeninas. Sus resultados mostraron que los hombres invidentes, igual que los que veían, tenían preferencia por los ICC reducidos cercanos al 0,7. No obstante, esa preferencia era más intensa entre los que tenían bien la vista, lo que sugiere que la referencia visual desempeña un papel de refuerzo.

Bovet explica que, con el fin de entender mejor sus resultados e interpretar su significado, trabajan “con historiadores del arte para obtener más información sobre la vida de los artistas, que podría influir en lo que pintaban”, y tratan de acumular más artistas de distinta procedencia. Además, añadirán a su análisis otros rasgos físicos que pueden estar relacionados con el atractivo femenino, como el índice de masa corporal o las facciones del rostro, “para ver si mantienen la misma pauta en relación con el ICC”, concluye.


elpais.com
 




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Mensaje Re: BOTTICELLI, Sandro 
 
La Venus de Botticelli, Lady Gaga y la chica Bond


El museo Victoria & Albert de Londres evoca el influjo del artista en la modernidad



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Una empleada del Museo Victoria and Albert observa dos 'Venus' de Botticelli.

La misma Venus que Sandro Botticelli concibió hace medio milenio emergiendo de una enorme concha aparece con los ojos rasgados y la melena oscurecida en la obra del artista contemporáneo chino Yin Xin, transformada en la erótica imagen de una modelo de nuestros días por su colega estadounidense David LaChapelle o impresa en un vestido de Dolce and Gabbana que Lady Gaga ha paseado por una de sus últimas promociones musicales. La pintura, el diseño, e incluso el cine, que nos presentó a la chica Bond Ursula Andress cual diosa de Botticelli entre las olas, han imitado, copiado, reinventado ese ideal de belleza del maestro florentino (1445-1510) cuya influencia en diversas formas artísticas y en la cultura popular es objeto de una exposición del museo londinense Victoria & Albert.

La muestra, organizada con la Gemälde galerie de Berlín y que se inaugurará este sábado, pretende tanto reivindicar la impronta "global, moderna y contemporánea" de un artista cuya Venus, en primer lugar, ha sido replicada hasta la saciedad (o hasta la saturación en imanes, tazas y toda suerte de objetos de uso común) como relatar el "redescubrimiento" de un Botticelli que hasta la principios del siglo XIX había caído en el olvido.

Como gran perla del despliegue del centenar y medio de obras reunidas bajo el título Botticelli Reimagined, la exposición incluye 50 trabajos originales del artista italiano, en el mayor compendio que se muestra en Reino Unido desde 1930. El nacimiento de Venus, sin embargo, no estará presente en la sede museística de South Kensington porque la fragilidad del cuadro desaconseja que abandone la galería de los Uffizi de Florencia.

Su imagen es, a pesar de todo, omnipresente en un recorrido del V&A que arranca a la inversa en el tiempo, con la exposición de la reciente caricatura del japonés Tomoko Nagao inspirada en la diosa, de la Venus rosa de Andy Warhol o de esa versión de Yin Xin con ojos asiáticos (2008) que busca resaltar cómo nuestra percepción del valor artístico se ve determinada por el contexto cultural. Desde la recreación que el surrealista René Magritte ejecutó en 1957 de la Alegoría de la Primavera hasta las fotografías de Cindy Sherman que recrean las pinturas de Botticelli o los experimentos digitales de Bill Viola, las obras de preeminentes artistas del último siglo toman como referencia la producción del maestro.


Reivindicación

A diferencia de otros genios del Renacimiento, la figura de Sandro Botticelli fue desdibujándose a raíz de su muerte y fueron precisos tres siglos para que obtuviera una reivindicación con mayúsculas. La segunda sección de la exposición de Londres hilvana la historia de esa recuperación, encabezada en tiempos victorianos por el círculo prerrafaelita, una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses fascinados e influídos en sus trabajos por la estética, el detallismo y el luminoso colorido de las pinturas del florentino. Entre el catálogo de obras de este apartado destaca el enorme tapiz de cuatro mujeres que representan la alegoría de la primavera y sostienen una bandera con el texto de un poema de William Morris, o la obsesión de Gustave Moreau por el Nacimiento de Venus, cuadro que copió directa y reiteradamente durante sus visitas a Florencia.

Uno de los miembros de la llamada Hermandad Prerrafaelita, el artista y poeta Dante Gabriel Rossetti, adquirió en aquel tiempo y a un precio muy bajo la única obra de Botticelli, Retrato de una Dama conocida como Smeralda Bandinelli (1470-1475), que hoy forma parte de los fondos del Victoria & Albert y que ha sido restaurada especialmente con motivo de la exposición que se prolongará hasta el 3 de julio.
El genio del artista

Le acompañan en la última sección de la muestra, consagrada en su totalidad al genio de Botticelli, diferentes versiones de la Virgen y el niño junto a otros cuadros de temática religiosa, una colección de dibujos en torno a la Divina Comedia de Dante o la exquisitez en el detalle de Palas y el Centauro. También delicados retratos femeninos y de miembros de la familia Médici, mecenas de un autor de origen modesto (era hijo de un curtidor) que en la Florencia del Renacimiento representa la movilidad social y profesional al ser receptor de importantes encargos de los más poderosos.

Pinturas de Botticelli como esos desnudos femeninos que beben de las esculturas clásicas de Venus vienen a ilustrar, en palabras del director del museo, Martin Roth, cómo “la imaginería de uno de los principales artistas del Renacimiento representa hoy un ideal contemporáneo de belleza”. Y para suplir la ausencia de la más famosa y popular de esas Venus, la sede del Victoria & Albert ha colocado en su entrada una concha gigantesca que invita a los visitantes a hacerse un selfie (#Bottishelfie) emulando a la diosa.


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"El renacimiento de Venus', del fotógrafo David LaChapelle.


Algunas criaturas del ‘botticellismo’

- Ursula Andress saliendo de las aguas en James Bond contra el Dr. No ante la embelesada mirada deSean Connery.
- La Venus Rosa, obra de Andy Warhol (presente en la exposición de Londres).
- La Venus oriental del artista chino Yin Xin.
- La alegoría de la Primavera vista en 1957 por el surrealista René Magritte. Los experimentos digitales del videoartista Bill Viola.
- Las fotografías de la británica Cindy Sherman inspiradas en el genio renacentista.
- El kitch de David LaChapelle retrata a su manera y en colores estridentes a la Venus de Botticelli.
- Dolce & Gabbana plasmaron la obra cumbre del artista en uno de sus modelos, lucido con brío durante sus promociones musicales por Lady Gaga.
- El nacimiento de Venus, pero en los pinceles y la paleta del pintor francés Gustave Moreau, que lo copió obsesivamente en sus visitas a Florencia.


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Mensaje Re: BOTTICELLI, Sandro 
 
'Retrato de Michele Marullo Tarcaniota',


El Gobierno garantiza con 60 millones de euros un 'Boticelli' que se exhibe en el Prado



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Retrato de Michele Marullo Tarcaniota, de Sandro Boticelli. / MUSEO DEL PRADO.

El Gobierno ha otorgado la garantía de Estado por 60 millones de euros a la obra de Sandro Botticelli titulada Retrato de Michele Marullo Tarcaniota, para su exhibición en la colección permanente del Museo Nacional del Prado.

El periodo de cobertura de la garantía se iniciará el 1 de junio de 2016 y surtirá efecto desde la entrega de la obra por parte del cedente hasta la devolución de la misma en su lugar de origen o en otro designado por el cedente, con fecha límite el 31 de mayo de 2017.

Asimismo, el Gobierno ha otorgado garantías del Estado a otras 283 obras de tres museos distintos por 54,3 millones de euros, según recoge Europa Press del Boletín Oficial del Estado (BOE).

Por un lado, garantiza con 5,5 millones de euros 45 obras que irán a parar a la colección permanente del museo Reina Sofía, entre ellas varias estampas de Francisco de Goya.

Asimismo, garantiza 176 obras para el Museo de Artes decorativas por un valor de 2,6 millones de euros para la exposición La conciencia de la materia, mientras que 62 obras también serán cubiertas con 46,2 millones de euros para la exposición Últimos Fuegos Góticos. Escultura Alemana en torno a 1500, del Museo Nacional de Escultura.

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Mensaje Re: BOTTICELLI, Sandro 
 
es una buena noticia esta, me alegro que inviertan dinero en arte y cultura, poruqe parece que ya no lo hacian
 



 
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Mensaje Re: BOTTICELLI, Sandro 
 
Cierto, en lo últimos 6 o 7 años las inversiones en arte decrecieron escándalosamente. Por ejemplo en el Museo del Prado si no hubiese sido por las aportaciones de los 30.000 amigos y algunos patrocinios privados, la pinacoteca madrileña lo habría pasado muy mal, pues no hubiese tenido fondos suficientes para su regular mantenimiento, adquisición de nuevas obras y además realizar exposiciones temporales de calidad; pues sólo con la recaudación de la venta de entradas es insuficiente.




 

Saludos.
 




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Mensaje Re: BOTTICELLI, Sandro 
 
Ya intuia que esos grandes museos deben haberlo pasado muy mal estos ultimos años por culpa de la crisis y de los recortes del gobierno. Lo que no entiendo es porque el estado no actua de diferente formas y recorta de cosas secundarias en vez de cosas importantes como sanidad, educacion, cuestiones sociales, cultura, etc... El museo del PRado es una de las joyas del patrimonio estatal y del patrimonio mundial, por tanto, creo que deberian cuidarlo bien. El problema es que para las autoridades no suele ser importante esto de la cultura. Tengo una envidia de otros paises de como protegen su patrimonio.

Muchas veces es más el esfuerzo de la gente que ama una cosa y apoya y aporta, que el interes de los politicos. Menos mal que existian los amigos del prado, sino mal asunto.
 



 
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