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CÉZANNE
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Post CÉZANNE 
 
Este tópic está dedicado a Paul Cézanne (1839-1906) es uno de los grandes pintores franceses de su época, relacionado con los impresionistas, este pintor está muy influenciado por las obras de Delacroix y Manet. Pero fue Pissarro; su gran maestro, de quien aprendió los secretos de la luz y el color que muestra la naturaleza.

Las primeras obras de Cézanne están pintadas con pigmentos espesos y en tonos oscuros recordando el expresionismo romántico y melancólico de generaciones anteriores. Bajo la tutela de Pissarro, Cezanne empezó a interesarse por las escenas de la vida rural utilizando colores brillantes, pero, mas tarde, descubrió un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color.


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Paul Cézanne, hacia 1861

Paul Cézanne (19 de enero de 1839-22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,1 que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.

Hijo de un banquero, comenzó sus estudios en el colegio Bourbon de su ciudad natal, donde entabló relación con Émile Zola. Prosiguió en la escuela de dibujo y posteriormente se matriculó, por influencia paterna, en la facultad de derecho, aunque pronto comprendió que su verdadera vocación era la pintura.

Instaló su primer estudio en la casa de campo de su padre, hasta que en 1861 su madre y su hermana le apoyaron para reunirse en París con su amigo Zola, que se había trasladado allí un año antes. Una vez en la capital francesa, se inscribió en la Academia Suiza para preparar el examen de ingreso en la de Bellas Artes. En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, y este hallazgo marcó profundamente su evolución artística.

Sintiéndose incapaz de pintar, regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre, pero en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura. Allí reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Pissarro. Gracias al contacto con este último, Cézanne daría un giro radical en su estilo, desligándose de toda norma académica y de la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba.

En 1886 su obra fue rechazada por el Salón de Otoño por vez primera, lo que se repetiría una y otra vez hasta el final de sus días y provocó en él un profundo resquemor. Conoció por entonces a la modelo Hortense Fiquet, de la que tendría un hijo, y se trasladó con ella a L´Estaque, localidad en la que pintó paisajes y bodegones en los que se aprecia una mayor fluidez y vivacidad de los colores merced a la influencia de los impresionistas.

Como sus coetáneos, se convenció de la importancia de pintar al aire libre, y, tras volver nuevamente a París en 1872, realizó una colección de paisajes en Louveciennes junto a Pissarro y otros artistas que inauguraron su denominado «período impresionista». En 1878 se estableció casi permanentemente en Provenza, alcanzando progresivamente la madurez expresiva que iba a configurar uno de los estilos más representativos e influyentes del arte del siglo XX.


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Detalle de un Autorretrato de Cézanne (c.1875)

Llevó a cabo su actividad pictórica en una reclusión casi total, acentuada por la ruptura con su antiguo amigo Zola a raíz de la publicación de La obra, en la que Cézanne creyó reconocerse en el personaje de Lantier, un pintor fracasado. En 1886 murió su padre y Cézanne abandonó a Hortense, su esposa desde 1884, y a su hijo en París, pasando a instalarse en Aix, donde pintaría la serie de cuadros de la montaña de Sainte-Victoire. Cézanne continuó con su actividad prácticamente en el anonimato, hasta que en 1895 el marchante Ambroise Vollard organizó, con el apoyo de Pissarro, Renoir y Monet, una exposición sobre su obra que fue bien recibida por la crítica, lo que le abrió las puertas del Salón de los Independientes cuatro años más tarde.

El primer Salón de Otoño de 1904 le dedicó una sala de forma exclusiva, en lo que sería un acontecimiento fundamental para el devenir de las primeras vanguardias y una especie de reconocimiento casi póstumo, pues el artista moriría apenas dos años después. Dicha exposición confirmó a Cézanne como el padre de cubistas y fauvistas, y ejerció un gran impacto sobre artistas como Picasso, Braque o Dérain.

La tendencia constructivista de Cézanne fue la semilla que germinó en el movimiento cubista, además de ser pionero en su concepción del color, que trató como elemento pictórico independientemente de la forma. Compaginó así el estilo directo y vivaz del impresionismo con la precisión en la composición, el ritmo y la cadencia en un intento de «solidificar el impresionismo», como él mismo declaró. Consagrado definitivamente en la retrospectiva que se le dedicó un año después de su muerte, Cézanne es considerado una de las figuras más influyentes del arte del siglo XX.

Espero que os guste la recopilación que he realizado de Cézanne y sea apreciado por los amantes del arte que visitan esta sección del foro de xerbar.






Algunas obras de Cézanne


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Autorretrato con paleta. 1885-1887. Óleo sobre lienzo. 36 1/4 x 28 3/4 in. Stiftung Sammlung E.G. Bührle. Zurich. Suíza.



Paul Cézanne, uno de los pintores franceses más significativos de la segunda mitad del siglo XIX, es generalmente considerado «el padre del arte moderno». Comenzó estudiando derecho en Aix, pero en 1861 se trasladó a París para hacerse pintor. En la capital francesa estudió en la Académie Suisse, realizó numerosas copias en el Louvre y se hizo amigo de Camille Pissarro, con quien comenzó a pintar al aire libre. Expuso con los impresionistas en la primera exposición celebrada en el estudio de Nadar, en 1874, y en la tercera de las muestras del grupo en 1877. Las críticas que recibieron sus cuadros provocarían que Cézanne decidiese no volver a exponer en las siguientes convocatorias del grupo y que se alejase de los circuitos artísticos para comenzar un camino personal. Paralelamente, a partir de 1878, año en que se trasladó a vivir con Hortense, su compañera, a L’Estaque, cerca de Marsella, comenzó a alejarse de la estética impresionista y a desarrollar un estilo propio. Durante toda su vida residió entre París y el sur de Francia, hasta que en 1900 se recluyó definitivamente en Aix-en-Provence, su ciudad natal.

Cézanne consideraba inseparables forma y color. Su lenguaje pictórico se caracteriza por la utilización de áreas de color planas, aplicadas con pinceladas geométricas, que van configurando la superficie del cuadro. Sus paisajes, bodegones y retratos rompen con la concepción tradicional de profundidad, definida por planos sucesivos, e intentan captar pictóricamente la estructura interior de las cosas

Cézanne. fue casi toda su vida un pintor incomprendido, incluso fracasado, como lo había sido Claude Lantier, el protagonista de la novela de Émile Zola L’Oeuvre, en quien Cézanne se reconoció, lo que provocó la ruptura con su amigo de la infancia. Sólo en los años finales de su vida volvió a exponer en la galería de Ambroise Vollard en 1895, en la que sería su primera muestra individual. A partir de ese momento su obra pudo ser vista en otras exposiciones y comenzó a ser valorada y a influir en los jóvenes fauvistas y en los futuros cubistas. Su exposición póstuma, celebrada en París en 1907, fue toda una revelación y desencadenó el comienzo del cubismo.


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Cabeza de Anciano. 1866. 51 x 48 cm. Museo de Orsay. París. Francia. Obra de Paul Cézanne


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El bebedor. Obra de Paul Cézanne


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El fumador. También conocido como: "Fumador de pipa"1895. Óleo sobre lienzo. 91 x 72 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Obra de Paul Cézanne


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Mujer de azul. También conocida como: "Madame Cézanne". 1899. Óleo sobre lienzo. 88,5 x 72 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia. Obra de Paul Cézanne


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Una moderna Olimpia, h. 1873-74, obra de Cézanne presentada en la primera muestra impresionista.


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La casa del ahorcado, Auvers-sur-Oise (1874). Obra de Paul Cézanne


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Bodegón con cortina (1895) ilustra la creciente tendencia de Cézanne hacia la compresión tersa de formas y tensión dinámica entre figuras geométricas.


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La montaña Sainte-Victoire, 1905. Obra de Paul Cézanne


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El asesinato, h. 1870. Obra de Paul Cézanne


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Vista de Auvers (h. 1873). Obra de Paul Cézanne


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El puente de Maincy, 1879-1880. Obra de Paul Cézanne


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El padre del artista. 1866. Óleo sobre lienzo, 198,5 x 119,3 cm. National Gallery of Art. Washington. Obra de Paul Cézanne


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El rapto. 1867. Óleo sobre lienzo, 89,5 x 115,5 cm. Museo Fitzwilliam. Cambridge. Obra de Paul Cézanne


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Reloj de mármol negro. 1871. Óleo sobre lienzo, 54 × 73 cm. Fundación Stavros Niarchos. Atenas. Obra de Paul Cézanne


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Casa del Dr. Gachet en Auvers. 1873. Óleo sobre lienzo, 46 x 38 cm. Museo de Orsay. París. Obra de Paul Cézanne


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Le Château Noir. 1904. Óleo sobre lienzo, 73,6 x 93,2 cm. MOMA. Nueva York. Obra de Paul Cézanne


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Bodegón con pañeria. 1904. Óleo sobre lienzo, 53 x 72 cm. Hermitage. San Petersburgo. Obra de Paul Cézanne


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Bodegón con manzanas y naranjas, 1895-1900. Obra de Paul Cézanne


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Bodegón con cebollas (Nature morte avec oignons). Paul Cézanne, 1895-1900. Óleo sobre lienzo,66 x 81 cm. Museo de Orsay, París, Francia. El género del bodegón es uno de los favoritos de Cézanne, junto al paisaje y al retrato. Dentro de él, son sus temas predilectos las manzanas y los fruteros. Este en concreto lo pintó en plena etapa de madurez (década de 1890).


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Martes de carnaval (Mardi Gras). Paul Cézanne, 1888. Óleo sobre lienzo, 102 × 81 cm. Museo Pushkin, Moscú, Rusia. Cézanne usó dos modelos para crear esta obra: a su hijo Paul para el arlequín y a Louis Guillaume, un amigo suyo, para el otro personaje. Con esta obra, el pintor francés se anticipaba a Picasso, artista cuyos arlequines son de manos muy grandes.


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Las grandes bañistas, 1906, óleo sobre lienzo, 208 × 251 cm. Philadelphia Museum of Art: el triunfo del equilibrio geométrico y la estabilidad a la manera de Poussin.

Es la tela más grande jamás pintada por Cézanne, que la trabajó durante siete años en el estudio que tenía en Lauves, y es la más trabajada de las tres versiones juzgadas conclusivas del tema de los bañistas, tratado reiteradamente por el pintor, desde 1870 hasta su fallecimiento en 1906. Se considera que este cuadro puede estar inacabado.

La gama de los colores está reducida a tonos sobrios: ocre, malva y verde o azul verdoso.

El cuadro se compone en torno a dos grupos de figuras de bañistas, entre las que hay una mancha blanca que podría ser un perro. Están a la orilla de un río, en el que puede verse a una figura nadando. Más allá, en línea con el perro y la nadadora, dos figuras en la otra orilla; y, detrás de ellos, un castillo. Hay dos grupos de árboles inclinados que forman una especie de bóveda por encina de las bañistas, y que se abren a la lejanía, a una profundidad central.

Los cuadros de los bañistas serán fundamentales para la historia posterior del arte, influyendo profundamente a todos los protagonistas de la vanguardia, desde Matisse a Braque, de Picasso a Moore. Este estilo final de Cézanne anuncia ya el cubismo.


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Las grandes bañistas (Les Grandes Baigneuses). Paul Cézanne, Hacia 1900-1905. Óleo sobre lienzo,130 × 195 cm. National Gallery de Londres, Londres,  Reino Unido

Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea: Bañistas (1874-1875, Nueva York), Tres bañistas (1879-1882, París), Cinco bañistas (1885-1887, Basilea), Gran bañista (1885-1887, París).

Las versiones posteriores del mismo tema son de mayor tamaño y en ellos exalta la forma geómetrica y el color: estas Grandes bañistas de la National Gallery, Los bañistas de la Barnes Foundation (Merion, Pennsylvania), y Las grandes bañistas de Filadelfia.

El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin. No se trata aquí de figuras mitológicas o literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional. Pinta a las bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas. Los cuerpos y sus poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción, y lo mismo cabe decir del paisaje.3 Las bañistas se integran en la naturaleza que las rodea.

Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo.


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La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus (Le Mont Sainte-Victoire vu de la carrière Bibémus). Paul Cézanne, Hacia 1898-1900. Óleo sobre lienzo, 65 × 81 cm. Museo de Arte de Baltimore, Baltimore, Estados Unidos.

Esta obra pertenece al género paisajístico, uno de los favoritos de Cézanne, junto al bodegón y el retrato. Es, además, uno de sus temas predilectos: la montaña de Sainte-Victoire, macizo calcáreo del sur de Francia, entre los departamentos de Bocas del Ródano y Var. Cézanne, con sus cuadros, la hizo famosa.

Le dedicó numerosos cuadros en dos épocas distintas: de 1882 a 1890 y de 1901 a su muerte. Esta visión desde Bibémus se enmarca en la segunda época.

Cézanne no pretendía una representación estática del paisaje. Quería lograr la unidad entre el color, la composición, la superficie y la tectónica. Además, buscaba dar una base teórica a sus experiencias y experimentos.


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Retrato de un campesino. Paul Cézanne. 1905-1906. Óleo sobre lienzo, 64,8 x 54,6 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

«Quiero hacer del impresionismo algo sólido y duradero como el arte de los museos» .Con este planteamiento Cézanne , uno de los participantes en la primera exposición impresionista de 1874, comenzó a considerar este lenguaje pictórico excesivamente efímero y visual y volvió su mirada hacia la pintura clásica. Concentró todo su interés en alcanzar un estilo que combinara los modernos logros del impresionismo y la perdurabilidad de las obras de los museos y consiguió ir mucho más allá que sus compañeros impresionistas, transformando el lenguaje de la pintura para siempre.

Este Retrato de un campesino, cuyo primer propietario fue el marchante Ambroise Vollard , pertenece a un conjunto de retratos al aire libre que Cézanne pintó de las gentes de Aix-en-Provence en los últimos años de su vida. Su jardinero Vallier , que le hacía frecuentemente de modelo, o algún otro campesino de la zona, posa delante de la barandilla de la terraza que recorría la fachada del edificio de su nuevo taller, situado junto a la colina de los Lauves , al norte de Aix. Desde esta terraza, Cézanne pintaba el lejano monte Saint-Victoire , los paisajes más cercanos o las plantas de su jardín, y retrataba a los campesinos de los alrededores junto al inmenso tilo, bajo cuya sombra solía trabajar. El modelo, a pesar del sencillo atuendo azul de los campesinos provenzales, adquiere unas proporciones monumentales y ocupa gran parte del centro del cuadro. Está sentado sobre una silla rústica con las piernas cruzadas y apoyado en su bastón, con una actitud tranquila que le proporciona una dignidad y serenidad comparable a los grandes retratos del Renacimiento.

En esta obra se hace evidente el estilo pictórico de los años finales del artista, cuando la serena disposición formal de años anteriores comienza a desintegrarse, la superficie pictórica se torna más agitada y los colores más luminosos. Llevado por su intención de representar la estructura interior de las cosas, Cézanne hace inseparables la forma y el color, y sus composiciones se vuelven más arquitectónicas. Aquí, la verticalidad de la figura se contrapone a la fuerte horizontal formada por el parapeto de color ocre y por las manchas también horizontales del sombrero. Por otra parte, las pinceladas geométricas y transparentes, que aplica con el óleo muy diluido, van configurando la superficie del cuadro y descomponiendo la imagen en una serie continua de pequeños planos de color. El personaje, de aspecto inacabado, se integra en un fondo desdibujado de vegetación, como símbolo quizás de su perfecta sintonía con el entorno. Como leemos en el catálogo razonado de John Rewald , Cézanne «no seguía un plan de trabajo preconcebido, por lo que algunas de las partes esenciales, como las facciones del modelo, podían quedar inacabadas o terminadas en otra ocasión (lo que podía a veces no ocurrir)». Por otra parte, como en otras obras del periodo final del artista, algunas zonas del lienzo han sido dejadas deliberadamente desnudas, formando parte de la composición. Cézanne , al dar por concluida la idea tradicional de obra terminada, abrió las puertas a lo inacabado que tanta influencia tendrá en todo el arte del siglo xx.

Los últimos retratos de Cézanne , entre los que se encuentra este Campesino del Museo Thyssen-Bornemisza, fueron calificados por LionelloVenturi como «verdaderos diálogos con la muerte». Entusiasmado por su intensidad dramática, este historiador italiano escribía: «Cézanne observa al viejo jardinero con tal carga de dolorosa compasión que es él mismo en definitiva quien se está mostrando a través de ella, realizando por así decirlo una especie de autorretrato. En el umbral de la muerte, él realiza su tarea diaria: sin esperanza, pero con fe en el deber cumplido».


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Botella, garrafa, jarro y limones (1902-1906) Paul Cézanne. Acuarela sobre papel, 44,5 x 60 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Paul Cézanne pasó los años finales de su vida retirado en su Provenza natal, pintando al aire libre los paisajes y los campesinos de los alrededores de Aix-en-Provence , así como numerosas naturalezas muertas en la soledad de su nuevo estudio situado en lo alto de los Lauves. Hacía mucho tiempo que la pintura había dejado de ser para él una mera representación del mundo para convertirse en un proceso analítico de investigación de las estructuras constitutivas de la realidad, y para ello nada era más adecuado que la naturaleza muerta.

Aunque desde sus primeros bodegones realistas de juventud, teñidos aún de un cierto romanticismo, el artista mantuvo un interés permanente por la representación plástica de los objetos inanimados, fue en las composiciones más experimentales de su madurez cuando alcanzó una mayor maestría y desenvoltura. Botella, garrafa, jarro y limones pertenece a ese conjunto de naturalezas muertas realizadas en los últimos años de su vida, en las que, como escribió el crítico británico Roger Fry , «logró la expresión de los sentimientos más exaltados y de las intuiciones más profundas de su naturaleza». Sobre una bandeja colocada encima de una mesa cubierta con un sencillo mantel a cuadros aparece un conjunto integrado por apenas unos escasos recipientes domésticos de formas y tamaños diferentes y dos limones (o quizás un pedazo de pan y un limón, como señala Terence Maloon). Entre ellos destaca, con entidad propia, una jarra de cerámica floreada —seguramente procedente de alguna de las fábricas de los alrededores de Aix— cuya corporeidad contrasta con la transparencia de los recipientes de cristal contiguos. También se percibe una cierta divergencia entre la perspectiva diagonal de la bandeja y de las líneas oblicuas del mantel y el juego de horizontales y verticales del plano de la pared del fondo que crea una red de direcciones opuestas y, al mismo tiempo, un efecto de unidad espacial, que acrecienta el énfasis en la bidimensionalidad del plano pictórico.

En 1904 Cézanne aconsejaba al joven pintor Émile Bernard que debía representar «la naturaleza a través del cilindro, la esfera, el cono, todo ello puesto en perspectiva», dejando claro que las formas geométricas eran instrumentos indispensables para abordar la experiencia de lo real. Siguiendo esta creencia, Cézanne configuró esta equilibrada composición a base de una serie de volúmenes de contornos bien definidos reducidos a sus formas geométricas básicas. Por otra parte, como hicieron los impresionistas, sustituyó los contrastes de luz y oscuridad por contrastes de colores fríos y colores cálidos.

Además, este bodegón es un significativo ejemplo de la maestría que alcanzó el pintor con la difícil técnica de la acuarela. Mientras que la densidad de las pinceladas constructivas se corresponde con los óleos del pintor, la transparencia de la pintura, que deja algunas zonas del papel a la vista, no sólo nos desvela la estructura interna de la composición, sino que logra representar efectos visuales de una armonía magistral. La organización espacial y el lenguaje radical con el que Cézanne aplica la técnica de la acuarela durante su periodo final se acerca según Fry «a un sistema abstracto de ritmos plásticos» y anticipa las naturalezas muertas cubistas de Picasso y Braque.



Los jugadores de naipes de Cézanne


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Los jugadores de naipes. Primera versión: 1890-92, óleo sobre lienzo, 134,6 × 180,3 cm. Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania. Obra de Paul Cézanne.


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Los jugadores de naipes. Segunda versión: 1890-92, óleo sobre lienzo, 65,4 × 81,9 cm Metropolitan Museum of Art, Nueva York. Obra de Paul Cézanne.


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Los jugadores de naipes. Tercera versión: 1892-93, óleo sobre lienzo, 97 × 130 cm Colección privada. Obra de Paul Cézanne.


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Los jugadores de naipes. Cuarta versión: 1892-95, óleo sobre lienzo, 60 × 73 cm Courtauld Institute of Art, Londres. Obra de Paul Cézanne.


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Los jugadores de cartas (Les joueurs de cartes). Paul Cézanne, hacia 1894-1895 (quinta versión de una serie iniciada en 1890). Óleo sobre lienzo, 47,5 × 57 cm. Museo de Orsay, París, Francia.

Pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que Cézanne produce sus principales lienzos. Ejemplifica los cuadros en los que los personajes están fuertemente anclados en su decorado.2 Es un periodo en que Cézanne fue invitado a exponer con el grupo Les XX en Bruselas y, más tarde, celebró su primera exposición en París.3

Especialmente en las tres últimas versiones, todos los volúmenes están definidos de manera geométrica,3 lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. En las versiones iniciales son tres jugadores contemplados por otros personajes, composición que va simplificando hasta reducirla a dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz.1 Distorsionando la visión perspectiva, Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en una escena de vida. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad formal».3 Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha. Pinta con la técnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la izquierda. Éste lleva un sombrero de forma cilíndrica, lo que recuerda la afirmación de Cézanne de que

    Todo en la naturaleza está modelado según la esfera, el cilindro y el cono.

En las últimas versiones de la serie, Cézanne no proporciona sólo una impresión, sino también una descripción del sentido interno de la acción, como síntesis destinada a permanecer en la mente bajo la forma del recuerdo. Cézanne pintó también un estudio de pequeño formato (32 × 35 cm) de un solo jugador visto de frente. La obra pertenece al Worcester Art Museum, Massachusett USA. Fue expuesto en la muestra de "Jugadores de Cartas que presentó la Courtauld Gallery de Londres en 2010/11. A principios de 2012 uno de los cuadros de la serie se convirtió en la obra de arte vendida por más dinero de la historia, al comprarla la familia real catarí a los herederos del magnate griego Yorgos Embiricos por más de 250 millones de dólares, aproximadamente 191,6 millones de euros.


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Mujer con cafetera (La Femme à la cafetière). Paul Cézanne, Hacia 1890-1895. Óleo sobre lienzo, 130,5 × 96,5 cm. Museo de Orsay, París, Francia.

Es un cuadro producido en la década de 1890, época de madurez del pintor. Como en su obra Los jugadores de naipes, también aquí el personaje está fuertemente anclado en su decorado.1 En este caso se trata de la gobernanta del pintor, que se encuentra en un interior doméstico. La retrata sentada sobre un punto de apoyo que no se ve, vestida de azul y con una expresión severa.

Sobre el fondo hay una puerta de madera, mientras que a su izquierda se ve una mesa con una cafetera y una taza con cucharilla, una auténtica naturaleza muerta2 por sí misma. En el borde izquierdo de la tela, hay unas rosas adornándola.

No pretende Cézanne una reproducción exacta, fotográfica, del modelo. Buscaba el pintor experimentar las leyes de su pintura, construir la verdad con sus propios medios artísticos. Para caracterizar al personaje retratado le basta la actitud equilibrada y la fisonomía simplificada de la mujer. La persona produce así la misma impresión que el bodegón sobre la mesa


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Paul Cézanne. Autorretrato con fondo rosa. 1875-1877. Óleo sobre lienzo. Galería Ernst Beyeler. Basilea. Suiza



Enlaces interesantes

Cézanne en la Wikipedia

Ver 208 obras de Cézanne en artehistoria


 
Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a Paul Cézanne, sin duda tiene una espléndida obra. Es uno de los grandes pintores franceses de su época, relacionado con los impresionistas, este pintor está muy influenciado por las obras de Delacroix y Manet. Pero fue Pissarro; su gran maestro, de quien aprendió los secretos de la luz y el color que muestra la naturaleza.


Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, museothyssen.org, biografiasyvidas.com, artcyclopedia.com, epdlp.com, es.wahooart.com, pintura.aut.org y otras de Internet
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Last edited by j.luis on Monday, 08 February 2016, 11:16; edited 4 times in total 
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Post Respuesta: CEZANNE 
 
J.Luis gracias por añadir otra galería. De este pintor me gustan sus bodegones.

Un Saludo.
 




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Post Respuesta: CEZANNE 
 
Gracias xerbar, de este pintor francés impresionista, también lo que más me gusta son los bodegones y algunos paisajes.


Algunos favoritos son:

Montaña Sainte-Victoire
Monte Sainte-Victoire
View from L'Estanque
Bouquet de flores en un jarrón
Chrysanthemums
Apples, Peaches, Pears and Grapes
Naturaleza muerta con cesto
Bodegón con pañería
Table, Napkin and Fruit




Saludos.
 




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Post Re: CEZANNE 
 
La mejor colección de Cezanne


Como remate de las celebraciones de su 75 aniversario, el Instituto Courtauld, de Londres, ha preparado una exposición que reúne todos los 'cézannes' de su colección, la más importante del Reino Unido en lo que se refiere a ese gran pionero del arte moderno.



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En la imagen, el lienzo 'La montaña de Sainte-Victoire'.  


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La colección de Cézanne reunida por el fundador de la institución, el industrial y mecenas Samuel Courtauld (1876-1947) en la primera mitad del siglo XX, y abarca óleos (en la imagen 'El fumador de pipa'), acuarelas, dibujos, grabados y cartas manuscritas.


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'Madame Cézanne Sewing' (1880). Samuel Courtauld gustaba de recordar siempre el momento en que vio el primer cuadro de Cézanne: fue en 1922 y la obra era la titulada 'Montaña en Provenza' (1879).


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Para Courtauld, la primera visión de un cuadro de Cézanne (1839-1906) fue una auténtica revelación y el comienzo de una auténtica pasión por la obra de ese artista. A la izquierda, el bodegón en acuarela titulado 'Manzanas, botella y respaldo de silla', en el que se nota la influencia de la pintura veneciana.


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En 1923, compró su primer Cézanne, el 'Bodegón con cupido de yeso', uno de los bodegones más complejos del pintor francés por las ambigüedades formales y paradojas espaciales que encierra. La colección del Instituto Courtauld se enriqueció con una donación del coleccionista Antoine Seilern, que incluía la obra inconclusa 'La Route Tournante' (en la imagen), uno de los mayores paisajes de Cézanne.


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Un mes después, adquirió un segundo cuadro de este artista, el titulado 'L'Étang des Soeurs, Osny', un paisaje de su período impresionista, cuando el artista salía a pintar junto a Camille Pissarro, que se distingue por los trazos valientes de la espátula, al estilo de Courbet. Durante los 10 años siguientes, Courtauld siguió comprando obras del francés al ritmo de una al año. ['Lac d'Annecy', 1896]


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Según el director de la galería, Märit Rausing, para Samuel Courtauld Cézanne era un artista en el centro mismo del movimiento moderno, pero su aproximación al pintor francés no tenía nada de académico y profesional sino que era sobre todo "personal e intuitivo". ['Los jugadores de cartas', (1892-5)]


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La veintena de obras de la colección se completan con la excepcional documentación que suponen las cartas manuscritas de Cézanne a su joven colega Émile Bernard (una de ellas en la imagen). Constituyen un testimonio de primera mano sobre su proyecto artístico con sus exhortaciones al "estudio concreto de la naturaleza" y su famosa frase según la cual hay que "tratar la naturaleza a través del cilindro, la esfera y el cono".



EL MUNDO (Textos: Joaquín Rábago (EFE) | Fotos: Instituto Courtauld)
 




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Denuncia


¡El 'cézanne' es mío!



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'Madame Cézanne en el invernadero' (1891).
 
El museo Metropolitan de Nueva York ha sido demandado por Pierre Konowaloff, que le acusa de tener entre su colección pictórica una obra del pintor francés Paul Cezánne que supuestamente fue robada en Rusia, hace casi un siglo.

"El Museo cree firmemente que tiene la correcta propiedad del cuadro y que esta demanda está totalmente infundada", respondió anoche en un comunicado la institución, que promete que "defenderá enérgicamente"sus derechos.

El reclamante es Pierre Konowaloff, bisnieto y heredero de la fortuna del industrial ruso Ivan Morozov, un magnate que logró atesorar alrededor de 300 obras de reconocidos pintores, entre ellos el francés Paul Cezánne (1839-1906).

Konowaloff afirma en una demanda interpuesta este martes en un tribunal de Manhattan que 'Madame Cezánne en el conservatorio', una obra del reconocido pintor que data de 1891, le fue robada a su bisabuelo en 1918 tras la revolución bolchevique en Rusia.

El demandante reclama que se le entregue el cuadro, así como una compensación económica por lo que a su juicio fue la "ilegal adquisición, posesión, muestra y retención" del cuadro. Según esa demanda, el coleccionista que donó el Cezánne al museo conocía la discutible procedencia del cuadro y el Metropolitan no investigó convenientemente la legalidad de su propiedad en el momento de la adquisición.

El museo, por su parte, manifestó haber adquirido el retrato como un legado de Stephen Clark en 1960. "Durante estos 50 años siempre hemos sido transparentes sobre la propiedad y procedencia del cuadro, exhibiendo tanto la obra como la completa historia de su propiedad", añadió en su comunicado el Metropolitan.

En la página web del museo se detalla que la obra fue vendida en París en 1911 al industrial ruso Ivan Morozov por 50.000 francos, quien fue su propietario durante siete años más, hasta que ésta pasó a ser propiedad de un museo de arte moderno en Moscú.

Ese museo conservó el cuadro hasta 1933, cuando el coleccionista Stephen Clark se hizo con él, para luego donarlo al Metropolitan de Nueva York.

Sin embargo, esa no es la versión de Konowaloff, quien ya ha reclamado en el pasado compensaciones económicas por la supuesta propiedad de cuadros de importantes pintores del siglo XIX. En enero de 2008, el heredero del industrial ruso amenazó con demandar a la londinense Royal Academy of Arts tras declararse "legítimo propietario" de varias obras que esa institución exponía, mientras que en 2009 demandó a la Universidad de Yale en el mismo sentido por el cuadro 'El café de noche', de Vincent Van Gogh.

elmundo.com / Efe-Nueva York
 




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Una obra de Cézanne pulveriza el récord como cuadro más caro



La familia real de Catar adquiere la obra por 191,6 millones de euros

El cuadro más caro hasta el momento era un ‘picasso’ valorado en 81,9 millones




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Los jugadores de cartas', de Paul Cézanne

No se sabe cuánto apostaban los dos campesinos de Aix-en-Provence inmortalizados en Los jugadores de cartas, la célebre partida pintada hasta en cinco ocasiones por Paul Cézanne hacia 1890, pero seguro que el dinero en liza andaba muy lejos de lo que la familia real de Catar ha pagado por una de las obras de esa serie: 191,6 millones de euros, lo que la convierte en la más cara de la historia entre las vendidas de forma pública y que, según los expertos, redibuja la estructura del mercado del arte.

La operación tuvo lugar en 2011, informa Vanity Fair, y bate la anterior marca en la liga de los cuadros más caros. No está claro cuál es el número dos en esa clasificación, porque no siempre dichas transacciones son confirmadas por la casa de subastas. Es lo que ocurrió con un pollock en 2006 vendido supuestamente bajo la intermediación de Sotheby's por 109,6 millones de euros y anteriormente –el mismo año– con un klimt de 105,7 millones de euros. Sí que fue pública la venta de un picasso, en 2010, titulado Desnudo, hojas verdes y busto: alcanzó los 81,9 millones de euros.

La compra de este cézanne responde a una meditada estrategia del emirato de Catar, que pugna por situar la ciudad de Doha en el mapamundi del arte al nivel de París o Nueva York (otras obras de esta serie están en el Musée d’Orsay y en el MoMA). El Museo Nacional de Catar, donde se presume acabará el cuadro, alberga ya rothkos, warhols y hirsts. Mientras, el vecino Abu Dhabi, pugna por culminar sendas franquicias del Louvre y del Guggenheim.

El cuadro de Cézanne pertenecía al millonario griego Yorgos Embiricos, quien durante décadas se divirtió rechazando ofertas. El magnate murió en 2011 y, según Vanity Fair, poco antes de su muerte abrió las conversaciones sobre la venta, conversaciones que fueron culminadas por sus herederos.

Entre los marchantes que no han podido igualar el órdago bañado en petróleo catarí estarían Larry Gagosian (que habría puesto sobre el tapete 168,5 millones de euros) y William Acuaqvella.


elpais.com
 




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Budapest persigue y atrapa a Cézanne


Tras 20 años, el Museo de Bellas Artes abre la exposición más espectacular sobre el pintor

Numerosas obras maestras figuran entre el centenar de piezas




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'Arlequín' de Paul Cézanne que forma parte de la exposición 'Cézanne y el pasado'. / EFE

Casi siempre resultan indescifrables los vaivenes del destino. Aquellos que en las postrimerías del XIX llevaron al artista maldito, al hombre aislado mental y profesionalmente, a apostarse frente a aquella montaña con la obcecación de, una y otra vez, reducir con el repetitivo movimiento de su pincel su poderosa masa a su más perfecta abstracción geométrica. También los que introdujeron en la taberna al hijo del banquero que prefirió enriquecerse frente a un lienzo para capturar en un momento trivial a unos jugadores de cartas abstraídos, melancólicos, condensados en su forma cilíndrica más estilizada, y a la vez, tan profusa. O los que hicieron autorretratarse al pintor con el rostro severo y maduro, cuya obra solo se le reconoció ya cercana su muerte.


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Paul Cézanne. Autorretrato, c. 1875. óleo sobre lienzo, 66 × 55 cm. Colección privada

Aquel hombre, Paul Cézanne (1839-1906), que en su soledad pudo hallar el arte de la filosofía y de la forma pura, precursor del cubismo y a la vez estandarte del naturalismo, desarrollador del posimpresionismo, es protagonista de una gran retrospectiva sobre su trabajo, inaugurada el jueves en el Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest. La ironía es doble, pues no solo encuentra la memoria el creador rechazado sino que, además, lo hace desde una perspectiva radicalmente diferente a aquella con la que se ha comprendido su obra de manera póstuma, la de su aportación fundamental a la apertura hacia la modernidad.

La exposición Cézanne y el pasado. Tradición y creatividad presenta, hasta el próximo 13 de febrero en la capital húngara, un centenar de obras entre pinturas, acuarelas y dibujos. El espectacular conjunto procede de más de cuarenta instituciones de todo el mundo (desde el Louvre hasta el Albertina vienés, pasando por museos y colecciones de EE UU, la Tate londinense o el Thyssen-Bornemisza madrileño).

El privilegiado recorrido por el planeta Cézanne está acompañado de otras cuatro decenas de piezas de artistas de todas las épocas para, en una vuelta de tornas abarcar la amplitud del trabajo de toda una vida comprendido, por gracia de una posmodernidad que rompió con el relato lineal de la historia, desde su relación con el pasado.

Probablemente el mismo Cézanne se asombraría hoy al ver cómo tan lejos de su luminosa y amada Provenza natal, en un Budapest hermosamente gris y pesante, sus cuadros se admiran como los de uno de los más grandes creadores de todos los tiempos. “El más influyente pintor para el arte moderno”, en palabras de Nicholas Penny, director de la National Gallery londinense, en el acto de presentación de la muestra.


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La montaña de Sainte-Victoire de Paul Cézanne. Courtauld Institute de Londres

No ha sido fácil el camino para los responsables del Museo de Bellas Artes de Budapest hasta poder poner en pie semejante cúmulo de tesoros: varias versiones de La montaña de Sainte-Victoire (las más importantes son las procedentes del Courtauld Institute de Londres y de la Phillips Collection de Washington), otras dos de Los jugadores de cartas (una del Museo de Orsay de París y otra del Metropolitan de Nueva York), Las grandes bañistas (Chicago Art Institute) y Madame Cézanne en sillón rojo (Museo de Bellas Artes de Boston) son solo algunas de las obras maestras presentes.


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Las grandes bañistas de Paul Cézanne. Óleo sobre lienzo, 208 x 251 cm. de ancho. Fue pintado en 1906. Se encuentra en el Museo de Arte, Filadelfia, Estados Unidos. Se considera que este cuadro puede estar inacabado.

La exposición tiene más mérito aún si se tiene en cuenta el carácter relativamente humilde del museo de Budapest en comparación con los grandes templos del arte a nivel internacional. Sus responsables han sido capaces de establecer una compacta y millonaria red de espónsors, concretamente diversas empresas subsidiarias de una gran aseguradora internacional. Esa red ha aportado casi medio millón de euros que, sumados al apoyo del Estado tras un acuerdo total del Parlamento húngaro (Gobierno y oposición) han logrado reunir el millón de euros largo que, como explicó László Baán, el director de la institución, ha costado organizar la retrospectiva. El montante total de los seguros para garantizar el viaje de tal cúmulo de obras maestras, asciende, según datos del museo, a más de mil millones de euros.


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Madame Cézanne en sillón rojo de Paul Cézanne (Museo de Bellas Artes de Boston)

Dividida en tres partes ordenadas cronológicamente, la exposición comisariada por Judit Geskó, directora de la colección del Museo a partir de 1800 (quien, por cierto, llevaba 25 años empeñada en llevar a buen puerto esta idea, y otros cinco trabajando sin parar en ella) comienza con las obras de juventud de un Cézanne sombrío y dolido. Junto a sus creaciones, pueden verse piezas de Miguel Ángel, de Poussin, de Goya o de Braque, de las que el artista posimpresionista creó estudios y copias y que dejan patente la enorme influencia que ejercieron sobre él. La segunda sección se adentra en su faceta de paisajista, por la que es más célebre, aunque sin dejar de lado sus inmortales bodegones o sus expresivos retratos simplificados. Estos últimos componen la tercera y última porción del recorrido, que incluye además de las antes mencionadas, obras de Rafael, de Tiziano, Bernini o Van Dyck.


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'Los jugadores de naipes', de Paul Cézanne (1890-1892), que forma parte de la exposición 'Cézanne y el pasado'. / EFE

Prueba de la importancia de este acontecimiento museístico fue la relevancia de los invitados a la inauguración, cuyo representante más ilustre fue el primer ministro húngaro, Viktor Orbán. Su discurso fue más que elocuente para tiempos como estos de recortes en lo cultural: “Hay gente que piensa que en malos tiempos no hay que invertir en cultura, pero nosotros creemos lo contrario. La vida no es solo la lucha por el día a día: la cultura puede mostrar la grandeza, y esa es la prueba de nuestro orgullo nacional”.



Datos para una exposición


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El pintor Paul Cézanne.

- La retrospectiva de Budapest, preparada en cinco años, ha costado un millón de euros

- Judit Geskó ha invertido cinco años de trabajo para levantar la muestra.

- La muestra está formada por un centenar de pinturas, acuarelas y dibujos del maestro Cézanne, acompañados por otras cuarenta de diferentes artistas de todas las épocas.

- Las pinturas, acuarelas y dibujos proceden de más de cuarenta instituciones

- Una red de espónsors ha aportado medio millón de euros y el Estado húngaro otro medio para financiar esta ambiciosa exposición.

- Los seguros para cubrir los desplazamientos de las obras maestras asciende a más de mil millones de euros.



Fuentes: elpais.com / es.wikipedia.org




 

Grandiosa retrospectiva dedicada a Cézanne, la que ha preparado el Museo de Bellas Artes de Budapest.
 




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Organizada por la casa Sotheby's



Cézanne y Modigliani, protagonistas del inicio de las subastas en Nueva York


Los coleccionistas también se han hecho con obras de otros grandes maestros como Claude Monet, Van Gogh o esculturas de Rodin.



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Bodegón 'Les Pommes' de Paul Cézanne (Foto: diariodenavarra.es)

El bodegón 'Les Pommes' de Paul Cézanne y el retrato 'L'Amazone' de Amedeo Modigliani se convirtieron hoy en las estrellas del inicio de las subastas de primavera en Nueva York en una puja de arte moderno e impresionista organizada por la casa Sotheby's.

La venta también ofreció obras de grandes artistas como Auguste Rodin (1840-1917), Georges Braque (1882-1963), Pablo Picasso (1881-1973), Vincent van Gogh (1853-1890) o Claude Monet (1840-1926).

La joya de la subasta por excelencia fue el cuadro 'Les Pommes' de Cézanne, que tras una disputa entre dos compradores anónimos que pujaban por teléfono se vendió por un precio de martillo de 37 millones de dólares, aunque el precio final tras incluir impuestos y comisiones fue de 41,6 millones.

Considerada uno de los mayores logros del artista francés y punto de partida del arte moderno y del cubismo de Pablo Picasso y George Braque, la pintura representa un bodegón de manzanas y naranjas que desafía el espacio y las formas.

"Las diferentes perspectivas que ofrece esta pintura permiten que puedas estar durante horas contemplándola", destacó a Efe el especialista de arte impresionista de Sotheby's, David Normal.

La obra de Cézanne (1939-1906) formaba parte de la colección de Alex y Elisabeth Lewyt, quienes reunieron una de las mejores colecciones en Nueva York de arte del siglo XIX, muchas de las cuales no habían salido al mercado en varias décadas.


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'L'Amazon', de Modigliani, ayer, en Nueva York.

Por su parte, el retrato 'L'Amazone' que realizó Modigliani (1884-1920) a la elegante baronesa Marguerite de Hasse de Villers y considerada una de las imágenes más llamativas jamás realizadas de una mujer se vendió por 25,9 millones.

La fuerza de esta pieza reside en la mirada cautivadora de la amazona, que posa con las manos sobre la cintura y con semblante desafiante, destacó Normal.

La puja también ofreció obras destacadas de Pablo Picasso, como la escultura 'Sylvette', la interpretación más importante y compleja realizada por el artista sobre el rostro humano que un coleccionista adquirió por 13,6 millones.

Con hoja de metal moldeada y pintada con los rasgos de Sylvette, una joven vecina de veinte años, el artista creó una visión imaginativa de su largo cabello rubio y de su camisa marinera azul con rayas.

"Es una combinación de pintura y escultura muy creativa porque si caminas a su alrededor, puedes ver a la vez dos interpretaciones del rostro de la mujer, ya que está pintado por los dos lados", señaló Normal.

Otra de las pinturas que suscitó el interés de los compradores fue 'Paisaje de La Ciotat', vendida por 15,84 millones y en la que Georges Braque ofrece una magnífica vista de La Ciotat, en el sur de Francia, y de la revolución Fauve a principios del siglo XX.

Además de pinturas, Sotheby's también ofreció una de las esculturas de bronce 'El pensador' de Auguste Rodin, una de las grandes obras de la historia del arte y de la que se han realizado una gran cantidad de reproducciones, que alcanzó los 15,28 millones.

Esta pieza forma parte de la serie 'Las Puertas del Infierno' formada por tres esculturas realizadas por el artista francés con las que personificó en un desnudo a Dante meditando sobre su vida y su pasado ante las puertas del infierno.

Los coleccionistas tampoco perdieron la oportunidad de hacerse con obras de otros grandes maestros como Claude Monet, cuyas pinturas 'Otoño en Jeufosse' y 'Camino en la niebla' se vendieron por 4,86 y 3,18 millones de dólares, respectivamente.


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También se subastó 'Eglogue en Provence' de Vincent Van Gogh por 7,1 millones y "Mujer con sombrero" de Henri Matisse por 5,42 millones.

El inicio de la temporada de subastas de primavera en la Gran Manzana también tuvo su dosis de solidaridad, ya que los 7,16 millones de dólares que alcanzó el cuadro 'Tres mujeres en la mesa roja' de Fernand Léger, donado por la cantante Madonna, se destinarán a financiar la educación de niñas en Afganistán, Pakistán y otros países.

Los 71 lotes que se ofrecieron hoy en la subasta forman parte de la primera jornada organizada por Sotheby's de arte impresionista y moderno, que concluirá mañana con otra sesión


elmundo.es
 




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EL regreso de un genio del impresionismo



Cézanne, por dentro y por fuera


El museo Thyssen acoge la primera exposición consagrada al artista en España en 30 años

La muestra se centra en los paisajes y bodegones del impresionista





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Uno de los diálogos entre paisaje y naturaleza muerta propuestos: 'La montaña Sainte-Victoire' (1904, a la izquierda) y 'Naturaleza muerta con flores y frutas' (1890). / Luis Sevillano


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Woody Allen: ¿Por qué merece la pena vivir? ver vídeo

¿Recuerdan Manhattan, la película? Aquella secuencia en la que Woody Allen tumbado en un sofá repasa dictáfono en mano las cosas que hacen que la vida merezca la pena… El Museo Thyssen acogerá desde la semana próxima algunas de esas “increíbles manzanas y peras de Cézanne”, incluidas junto a Potato head blues,de Louis Armstrong, o Marlon Brando en una lista que acaba en revelación: lo que realmente echa en falta el personaje de Allen es el “rostro de Tracy”, su novia, tan joven y tan madura. Al genio impresionista francés también se le extrañaba en Madrid; hace 30 años de la última exposición dedicada a su obra en la ciudad. Pero si entonces, 1984 en el Museo Español de Arte Contemporáneo, precursor del Reina, se presentó su legado con la ambición de la antológica, esta vez la propuesta del comisario, Guillermo Solana, director artístico de la fundación, es más reflexiva.

Dicho de otro modo: no esperen jugadores de cartas, arlequines, ni muchos retratos psicológicos de hombres barbudos y familiares y sí, en cambio, una interesante hipótesis sobre por qué en Paul Cézanne (1839-1906) el trabajo al aire libre y el de estudio son en realidad dos caras de la misma paleta. También, las razones por las que sus paisajes se comportan como naturalezas muertas y viceversa.

En 1984, el MEAC organizó la primera antología dedicada al pintor francés

Solana parte, ya desde el título de la muestra, Site / non-site (hasta el 18 de mayo), de un análisis del creador de land art Robert Smithson, célebre por su Spiral jetty, monumental intervención en Utah: si el cubismo se apropió de Cézanne, a quien las enciclopedias colocan en la génesis de la vanguardia, no fue sino debido a un interesado malentendido. Smithson habla, con el asentimiento de Solana, de una “motivación del pintor por ir al sitio”, de salir del estudio y sentir el paisaje como algo físico, hasta el punto de fundir, una vez de vuelta a casa, el arte del bodegón con el de la pintura al aire libre. “Quisieron vendérnoslo como un artista cerebral cuando en el fondo se trataba de un convencido ecologista”, explica el comisario, que ha aplicado las enseñanzas de su sujeto expositivo: Solana viajó a la Provenza, donde Cézanne nació como el hijo de un sombrerero acomodado, y adonde Cézanne volvió cuando ya tuvo suficiente de París.

Guillermo Solana, comisario, viajó a Provenza, a los lugares del artista

El comisario, émulo tanto de John Rewald, académico estadounidense que luchó a mitad del siglo pasado por la conservación del taller del genio, como de los esforzados fotógrafos de suvenires que encapsulan los paisajes de sus pinturas en conveniente formato de postal o taza, se trajo una serie de imágenes de los lugares en los que el pintor impetuoso forjó su leyenda de creador impaciente, tal y como la describió el marchante Ambroise Vollard. Muchas 58 pinturas expuestas están (o parecen estar) sin terminar, quién sabe si por pura inseguridad o por un plan maestro de modernidad, y casi todas lucen sin firma.


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Paul Cézanne - Retrato de un campesino. 1905-1906. Óleo sobre lienzo, 64,8 x 54,6 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Una de ellas, el retrato de un campesino sin rostro definido, propiedad de la colección Thyssen-Bornemisza, da la bienvenida a la muestra y fija algunas de sus intenciones, explicadas con detenimiento en el catálogo, firmado por Solana. El hombre sin cara (¿quizá un autorretrato?) se coloca en la terraza del último estudio de Cézanne, en el filo que separa el interior del atelier del exterior, el laboratorio artístico de la vida real. A partir de ahí, el recorrido se mueve entre uno y otro espacio, dos estados mentales que confluyen al final en lo que Solana define como “el corazón de la exposición”, las dos últimas partes de las cinco en las que se divide esta: El fantasma de Sainte-Victoire y Juego de construcciones.

Muchas de las 58 obras expuestas están, o parecen estar, sin terminar

Antes, se propone al espectador quedarse por un momento en La curva del camino, sección que se detiene en la parte de la producción del pintor más relacionada con su condición de caminante (y aquí, Solana vuelve a coquetear con el land art, en este caso el de Richard Long, que elevó el paseo a la categoría artística). Una mirada furtiva a los bañistas, obsesión íntima de Cézanne, y a sus paisajes arbóreos, que, bien mirados, vienen a ser la misma cosa, funciona como una invitación para echar a andar por sus lugares biográficos: la casa campestre Jas de Bouffan, la ventana al golfo de Marsella desde L’Estaque, el mito de la montaña de Sainte-Victorie, cuyos pliegues se escarpan como los de los manteles que acompañan a los célebres bodegones de peras y manzanas, y el pueblo de Gardanne. El genio dotó a la localidad de una verticalidad irreal que acabaría siendo premonitoria: en las vistas llegadas desde el Metropolitan y el Museo de Brooklyn se puede fijar el nacimiento del cubismo, como vienen a demostrar las piezas de autores como Derain, Braque, Dufy y Lhote, que acompañan a estas y sirven de cierre al recorrido.

El recorrido acaba en el cubismo, del que se considera precursor

Para el conjunto, Solana ha contado con préstamos de 17 países, de Estados Unidos a Japón, de Alemania a Suiza. En la lista llama la atención, eso sí, una ausencia, la del Museo de Orsay de París. ¿Se debe esta a la asociación del centro parisiense con la Fundación Mapfre, competidora del Thyssen últimamente por el trono del templo madrileño del impresionismo? “No. Pedimos tres obras en concreto, no nos valía cualquier cézanne, pero nos dijeron que las tenían comprometidas, es natural, explotan bastante su colección y esta muestra no se preparó con demasiado tiempo de antelación, solo año y medio”, explica el comisario antes de compartir su personal top five, por aquello de terminar como se ha empezado, con una lista: Ladera en Provenza (de la National Gallery), Curva en lo alto del Chemin des Lauves (Fundación Beyeler), la pareja formada por La montaña Sainte-Victoire y Naturaleza muerta con flores y frutas (llegadas de Cleveland y Berlín) y Casa en Provenza, obra maestra del museo de Indianápolis.


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Paul Cézanne - Botella, garrafa, jarro y limones. 1902-1906. Acuarela sobre papel, 44,5 x 60 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid


elpais.com / museothyssen.org
 




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La desconocida esposa de Cézanne


El Metropolitan desvela la peculiar relación del artista con Hortense Fique



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'Madame Cézanne, con un vestido rojo' (1888-90), de Cézanne. / THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART

Peinada con una rigurosa raya que divide el oscuro cabello en dos partes exactas, la mirada perdida y la boca apretada. Sentada o dormitando y vestida con rigurosos trajes abotonados hasta el final de la garganta. Las toscas manos enlazadas sobre el regazo o perdidas sobre el delantal. La mujer es Hortense Fiquet Cézanne (1850-1922) una de las grandes desconocidas del mundo del arte pese a ser la esposa de Paul Cézanne (Aix-en-Provence 1839-1906), el gran inspirador del arte moderno y el más cotizado en el mercado desde que en 2012 rompió todos los récords con sus Jugadores de Cartas. Nada que ver tiene la imagen de Hortense Fiquet con la de las mujeres que nos han legado los artistas impresionistas y posimpresionistas. Aquí no hay melenas al viento ni trajes vaporosos volando por las praderas. En Fiquet todo es misterio y lejanía. El Metropolitan de Nueva York la presenta en sociedad en una retrospectiva que se podrá ver hasta mediados de marzo y para la que ha conseguido reunir 26 de los 29 cuadros en los que posó de modelo para su marido. Junto a las pinturas se muestran medio centenar de acuarelas, dibujos y fotolitos en los que ella jamás pierde su compostura glacial.

Comisariada por Dita Amory, la exposición se centra en las dos últimas décadas del siglo XIX, cuando Cézanne experimentaba un estilo que le acabaría convirtiendo en el padre indiscutible del arte moderno, tal como Picasso o Matisse señalaron en diferentes momentos.

Hasta ahora, poco se sabía de la mujer de Cézanne, y desvelar su personalidad a bases de imágenes es el principal objetivo de la exposición. Durante décadas, los historiadores del arte han prestado escasa atención a su figura. Muchas veces, la actitud de los expertos ha rayado la misoginia bromeando con su escaso atractivo femenino, su gordura y en suma, su escaso atractivo físico. Parece que el propio artista incubó ese desprecio refiriéndose a ella en términos poco cariñosos. John Rewald, uno de los más conocidos expertos en el artista, escribió en su biografía sobre Cézanne que Hortense influyó muy poco en su marido y que a ella, el arte no le interesaba en absoluto.

Pero, ¿qué se sabe de la personalidad de la señora Cézanne?. Muy poco. La documentación es escasa, porque ella misma así lo quiso. No tenía un diario, parece que no era dada a escribir cartas y, además, a cada uno de los muchos enfados que tenía con su marido, se relajaba lanzando papeles a la chimenea.

En el recorrido por la exposición poco trasciende del interior de la mujer por más que se le mire a los ojos o a las manos, dos fuentes inagotables de información en el retrato convencional. Pero Cézanne no la utilizaba como modelo para ofrecer al mundo la historia de su esposa. El artista estaba inmerso en la búsqueda de las composiciones geométricas, de manera que lo que ella le inspiraba eran conos, cilindros y esferas. La nariz irregular, la abultada frente o el escaso pecho oculto por lazos y botones servían para crear los cimientos del protocubismo.


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'Madame Cézanne en el invernadero' (1891). / THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART

Cézanne pintó estos retratos durante dos décadas, un tiempo que sirve para apreciar el paso del tiempo sobre la modelo. Siempre posa sentada, ausente y melancólica. El aspecto es el de una gobernanta con poca paciencia y siempre asexuada. Un ejemplo perfecto es la serie de cuatro retratos conocidos como Madame Cézanne en rojo, punto estelar de la exposición y reunidos por primera vez en una muestra.

Las cartelas que acompañan cada grupo de composiciones cuentan que la pareja se había conocido en París, en 1869, cuando ella tenía 19 años y se buscaba la vida posando para diferentes artistas. Cézanne le llevaba 11 años y era hijo de una familia de banqueros. Pero no sólo les separaba la edad y la clase social. Él era un tipo taciturno y reservado al que se le complicaba cualquier relación por un extraño rechazo al contacto físico. Cuando se encuentran, él ya es conocido entre los medios artísticos, donde lleva casi una década entregado a una pintura oscura protagonizada por historias truculentas como asesinatos, violaciones, orgías y pesadillas de todo tipo.

Desde un primer momento, la familia Cézanne, especialmente el padre, se opuso frontalmente a la relación de la pareja. La poco atractiva y humilde Hortense no era digna de su hijo. Pero como ellos no estaban sobrados de medios, y para mantener la asignación familiar que les permitía vivir, el pintor ocultó la relación a sus padres durante 17 años, un secreto que no se rompió ni siquiera con el nacimiento de su único hijo, Paul. Decidieron sacar su amor de la clandestinidad sólo cuando murió el padre banquero. Pero ya había pasado mucho tiempo, y si desde el comienzo nadie del entorno apreciaba la menor pasión entre la pareja, ésta no renació con el matrimonio. Al contrario, las crisis fueron constantes, de manera que ella vivía habitualmente en París y él en el campo, en Aix-en-Provence.

Dita Amory, mantiene en su discurso expositivo que el paso del tiempo ha sido más generoso con Hortense Cézanne de lo que debió de ser su vida. La imagen antipática que ha trascendido ha sido elaborada de quienes adoraban al artista. No queda ningún resto de su correspondencia y el gesto que ella luce en los cuadros no incita a la menor comprensión del personaje.

Cézanne murió en 1906, con 67 años, a consecuencia de una neumonía. Fue enterrado junto a la tumba de sus padres en Aix-en-Provence. Cuando se abrió el testamento, se destapó la última venganza conyugal del artista. Había desheredado a su esposa. El hijo de ambos, Paul, se ocupó de que a su madre nada le faltara hasta su muerte, en 1922. Fue enterrada en París, en el cementerio Père Lachaise.


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500 millones de dólares por dos cuadros

Un gestor de fondos destroza los récords de arte al adquirir un ‘dekooning’ por 300 millones y un ‘pollock’ por 200 millones



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'Interchange' De Kooning y 'Number 17A' de Pollock. En primer plano, 'Interchange', de De Kooning. Detrás, 'Number 17A', de Pollock, en su sala en el Instituto de Arte de Chicago. Kenneth Griffin, destroza los récords al comprar 'Interchange' por 300 millones de euros y 'Number 17A' por 200 millones de euros... Ver vídeo

Kenneth Griffin, una de las figuras más poderosas en el mundo de las finanzas, acaba de convertirse en el protagonista de la compra de arte más cara de la historia. El fundador del fondo de cobertura Citadel pagó en otoño –la compra se hizo pública anoche- 500 millones de dólares (450 millones de euros) por Interchange (1955), un lienzo de Willem de Kooning, y por Number 17A (1948), de Jackson Pollock. El dekooning le supuso un desembolso de 300 millones y el pollock, los 200 restantes.

El dekooning, que hasta ahora era propiedad de la fundación David Geffen —de donde también procede el pollock— se habría convertido así en la obra de arte contemporáneo más cara nunca antes vendida, de acuerdo con los detalles revelados por las cadenas financieras CNBC y Bloomberg, y sería por tanto también la pieza de arte más valorada de la historia, igualada con Nafea faa ipoipo (¿Cuándo te casarás?), de Paul Gauguin, adquirida en febrero de 2015 por el mismo precio por Qatar. Los dos trabajos de los maestros expresionistas abstractos han sido cedidos por el magnate al Instituto de Arte de Chicago, la ciudad donde tiene su firma la sede, y allí están expuestos actualmente en la misma sala. En 1989 Interchange (1955) ya batió récords al ser adquirido por el coleccionista japonés Shigeki Kameyama por 20,6 millones de dólares en una subasta en Sotheby’s en Nueva York.

Griffin, a sus 47 años, es el gestor de fondos mejor pagado de Wall Street y su fortuna personal asciende a 7.400 millones de dólares. El pasado mes de septiembre realizó la mayor operación inmobiliaria en la ciudad de Nueva York, al comprar tres plantas en el rascacielos del número 220 de Central Park South. Pagó por la propiedad 200 millones. El fondo de cobertura, que maneja activos por valor de 26.000 millones, tiene entre sus asesores al expresidente de la Reserva Federal Ben Bernanke. Empezó en el mundo de las finanzas cuando estudiaba en la Universidad de Harvard. Seguía sus inversiones desde el dormitorio gracias a que logró que la dirección del centro le dejara instalar una parabólica. La última crisis financiera se llevó por delante más de la mitad de su fortuna, pero el agresivo inversor logró capear el temporal y ahora su fondo es uno de los que tiene mejor rendimiento.


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Ken Griffin en 2013.

La colección personal del magnate incluye una obra del artista alemán Gerhard Richter, por la que pagó 46 millones de dólares en una subasta celebrada hace ahora un año en Sotheby´s. Griffin es fideicomisario del Instituto de Chicago desde 2004 y dedicó parte de su fortuna a la ampliación del centro. El pasado diciembre donó 40 millones al Museo de Arte Moderno de Nueva York, en la que está considerada como una de las mayores contribuciones privadas a la institución. Griffin empezó a construir su propia colección privada hace dos décadas. Recientemente, sin embargo, advirtió de los riesgos que corre el mundo del arte, al decir que “se está convirtiendo en un mercado opaco dominado por especuladores y eso impide entender el valor futuro de la obras”.

l financiero hizo esta reflexión pocos días después de que Nu Couché, una pintura del artista italiano Amedeo Modigliani fuera subastada por 170,4 millones de dólares en Christie’s en noviembre del año pasado. El comprador fue Liu Yiqian, un multimillonario chino que empezó como taxista y vendedor ambulante para acabar especulando en el mercado bursátil y acumular una fortuna de casi 1.500 millones de dólares, según Bloomberg. Aquella adquisición se realizó vía telefónica en una puja que duró nueve minutos, y Liu Yiqian pagó la compra con su tarjeta American Express. “Lo hice así para acumular puntos y que la familia siga volando gratis”, respondió el millonario chino a The New York Times.

La compra que ahora protagoniza el magnate, que se negoció el pasado otoño por la vía privada, supera el récord de 300 millones de dólares que la Autoridad de los museos de Qatar pagó en febrero de 2015 por Nafea faa ipoipo (¿Cuándo te casarás?), de Paul Gauguin, considerada la compra de arte más cara de la historia y que estuvo expuesto en el Reina Sofía posteriormente, desde finales de junio a mitad de septiembre. Los Museos de Qatar ya había adquirido anteriormente Los jugadores de cartas, de Cézanne, por 250 millones de dólares.



Las obras más caras (hasta ahora)


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Nafea faaa ipoipo. Este gauguin fue vendido en una operación que ascendió a un total de 264 millones de euros. Es la obra de arte más cara en términos absolutos de toda la historia. Adquirido por la Autoridad de los Museos de Qatar.

Los jugadores de cartas. La familia real de Qatar adquirió en febrero de 2012 este conocido lienzo de Cézanne por 191 millones de euros.

Les femmes d’Alger. Christie’s adjudicó el pasado mayo en Nueva York este picasso de 160,8 millones de euros.

Nu Couché. Uno de los últimos trabajos de la corta carrera de Modigliani fue subastada en Christie’s en noviembre de 2015 y llegó a los 158 millones de euros.

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Otras obras que han batido récord


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Paul Cézanne, 'Los jugadores de cartas'. Catar acaba de adquirir la pintura de Paul Cézanne 'Los jugadores de cartas' (1894-95) por 191 millones de euros (250 millones de dólares), lo que la coloca en el primer puesto de los cuadros más caros de la historia.


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'Desnudo acostado', de Amedeo Modigliani. La obra Nu Couché (Desnudo acostado) del italiano Amedeo Modigliani, fue subastada en Christie's por 158 millones de euros (170,4 millones de dólares), por lo que superó con creces el último récord del artista, que se situaba en 66 millones.  


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Gustav Klimt, 'Retrato de Adèle Bloch-Bauer' (1905): 104 millones de euros (subastado en 2006)


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Picasso, 'Desnudo, hojas verdes y busto'. El cuadro 'Desnudo, hojas verdes y busto' (1932), de Pablo Picasso, se subastó en 2010 en Christie's por 81,9 millones de euros.


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Picasso, 'Muchacho con pipa' (1905). Por el cuadro de Pablo Picasso pagaron 80 millones de euros (subastado en 2004)  


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Van Gogh, 'Retrato del doctor Gachet' (1890). Por el cuadro de Vincent van Gogh pagaron 63 millones de euros (subastado en 1990)


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Van Gogh, 'Los lirios' (1889). Por el cuadro de Vincent van Gogh pagaron 41,5 millones de euros (subastado en 1987)


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