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CARAVAGGIO (Michelangelo Merisi Da Caravaggio)
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Continuando con laa presentaciones de mis pintores favoritos... Este trabajo recopilatorio, está dedicado al pintor barroco italiano  Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio, sin duda fue un pintor excepcional, máximo exponente de la escuela naturalista surgida en Italia como oposición a la corriente manierista del siglo XVI.

Su carrera fue corta y tumultuosa, viéndose continuamente envuelto en riñas, desafíos y reclamaciones judiciales, provocados por su temperamento rebelde, violento y pendenciero... Estos son sólo algunos de los adjetivos que Caravaggio se fue ganando poco a poco con sus actos. Implicado en numerosas peleas callejeras en Roma, retó a duelo a pintores que intentaban hacerle competencia, pegó palizas a críticos de arte, e incluso llegó a matar.

Sin duda Caravaggio fue un pintor muy especial, a pesar de su mal caracter, para algunos genial, enigmático, fascinante e individualista, gran maestro del barroco que no tuvo discípulos conocidos, pero que aportó un estilo naturalista, que creó una escuela que después siguieron muchos ilustres pintores.

00_1408979684_673578 Caravaggio - (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Italia. (1573-1610)

Nació el 28 de septiembre de 1573 en la ciudad de Caravaggio. A los once años inició su aprendizaje en el taller de un discípulo manierista de Tiziano, Simone Peterzano, con quien trabajó cuatro años bajo contrato.

La utilización de modelos populares para pintar sus primeras obras profanas y posteriores composiciones religiosas atrajo la atención de la Contrarreforma por su realismo directo y por su carácter devocional. Fue asimismo muy importante su utilización del claroscuro para imprimir dramatismo en sus obras.

Caravaggio alcanzó la madurez de estilo alrededor de 1600, cuando se le encargó la decoración de la capilla Contarelli en San Luis de los Franceses, en Roma, con tres escenas de la vida de san Mateo: San Mateo y el ángel, Martirio de san Mateo y Vocación de san Mateo, que se caracteriza por la utilización dramática de la luz dirigida, que irrumpe desde un punto por encima de la escena para iluminar el gesto de la mano de Cristo.

Aunque la utilización de un intenso claroscuro y de personajes cotidianos como modelos había surgido ya durante el siglo anterior en el arte del norte de Italia, Caravaggio aportó intensidad dramática y sentido devocional a su pintura, contribuyó al origen del barroco en Roma.

A pesar de que sostenía que la naturaleza era su único maestro, es obvio que estudió y asimiló los estilos de los maestros renacentistas, especialmente el de Miguel Ángel. El impacto de Caravaggio fue decisivo en el arte de su época. No tuvo discípulos pero a lo largo del siglo, tanto en Italia como en otros países, floreció una escuela derivada de su estilo naturalista.

Falleció el 18 de julio de 1610, de malaria, en Porto Ercole, Toscana.

Espero que éste trabajo que he realizado con mucho cariño, sea apreciado por los amantes del arte que frecuentan está sección del foro de xerbar.






Resumen Biográfico


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Caravaggio - Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 - Porto Ércole, 18 de julio de 1610), fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca.


Introducción

«Después de varios años de trabajo, Caravaggio pasó de una ciudad a otra sirviendo a varios señores importantes. Es una persona trabajadora. pero a la vez orgullosa, terca y siempre dispuesta a participar en una discusión o a enfrascarse en una pelea, por lo que es difícil llevarse bien con él».

(Floris Claes van Dijk)


Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.

En lugar de buscar bellas figuras etéreas para representar los actos y personajes de la Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle o mendigos posaron a menudo para los personajes de su cuadros. Para La Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática. Para el San Juan Bautista con el carnero, muestra a un jovenzuelo de mirada provocativa y en posición lasciva –se decía que el modelo era uno de sus amantes.

La posición de la Iglesia al respecto da testimonio de cierta esquizofrenia: por una parte, este tipo de vulgarización de la religión le interesa mucho en una época en la que la contrarreforma se extiende por la Italia católica, con el fin de mostrarse bajo una apariencia humana en contraste con la austeridad pregonada por el protestantismo: por otra parte, la representación de los santos bajo rasgos vulgares de golfos salidos de los bajos fondos fue juzgado incompatible con los valores de puridad y de santidad quasiaristocráticos que vehiculaba la Iglesia de la época.

Este sentimiento se reforzó por la elección de Caravaggio de preocuparse enormemente por el realismo en la ejecución de sus figuras: rechazaba corregir las imperfecciones de sus modelos para representarlos más «bellos» o de un modo más acorde a las visiones que la Iglesia tiene de sus santos. Por ejemplo, la primera versión de su San Mateo y el ángel fue rechazada no sólo por la sensualidad del ángel, que fue juzgada como trivial, sino también por la suciedad de los pies del santo, minuciosamente reproducida del modelo.

La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tíber. Así, la consideración de la Iglesia católica hacia Caravaggio y sus cuadros oscilará de un extremo a otro de su carrera entre el acogimiento entusiasta y el rechazo absoluto. El pintor encontrará en ella sus mayores protectores –como el cardenal Del Monte- así como a sus más grandes enemigos.

En 1606 asesinó a un hombre durante una reyerta, por lo que huyó de Roma pues las autoridades habían puesto precio a su cabeza. En 1608 se vio nuevamente envuelto en otra riña, lo que se repitió más tarde en Nápoles hacia 1609, ocasionado posiblemente por un atentado en su contra, realizado por sus enemigos. Tras estos incidentes, su carrera fue decayendo, lo que le ocasionó una depresión que degeneró en su muerte dos años más tarde.

La contrarreforma motivó la necesidad de crear más iglesias para difundir la doctrina, por lo que las pinturas fueron imprescindibles para su decoración. La Contrarreforma necesitaba buscar un nuevo arte que expresase de mejor forma la doctrina católica en contraposición al protestantismo. Tomando como base las reglas del manierismo, Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, en la que combinó figuras cerradas con la observación física, dramática y teatral de los objetos, a lo que sumó el aprovechamiento del claroscuro, es decir, el uso de luces y sombras.

En su tiempo Caravaggio fue famoso, apreciado, reconocido y además ejerció gran influencia sobre sus contemporáneos. Sin embargo, en siglos posteriores su fama fue eclipsada por otros pintores de su época como Poussin, Rubens o Rembrandt, si bien todos ellos acusaron su influencia en mayor o menor medida. Fue hasta el siglo XX, cuando su figura recobró importancia al estudiarse nuevamente el arte barroco italiano. Desde el estudio del barroco, se pudo apreciar nuevamente al manierismo, y con él a Caravaggio. Andre Berne-Joffroy, secretario de Paul Valéry, dijo acerca del artista italiano: «Caravaggio comenzó con su arte algo simple, la pintura moderna».


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Caravaggio - Cena en Emaús. 1606. Óleo sobre lienzo. 141 x 175 cm. Pinacoteca de Brera. Milán. Italia


Primeros años (1571–1592)

Caravaggio nació en Roma, donde su padre, Fermo Merisi, trabajaba como administrador y arquitecto decorador del Marqués de Caravaggio, ciudad de la que más tarde tomaría el nombre. Su madre Lucía Aratori provenía de una familia adinerada del mismo lugar. En 1576 la familia se mudó a Caravaggio debido a la peste que azotó Milán. El padre de Caravaggio falleció en 1577. La cercanía con las familias Colonna y Sforza, ayudaron más tarde a Caravaggio en su carrera.

En 1584 entró a trabajar como aprendiz del pintor lombardo Simone Peterzano, quien fue descrito en el contrato como pupilo de Tiziano. Tras concluir su aprendizaje comenzó a moverse en el circuito Milán-Caravaggio, y probablemente visitó Venecia, donde debió conocer las obras de Giorgione, (las que Caravaggio fue acusado de copiar) y de Tiziano. Su familia le mostró el patrimonio artístico y cultural de Milán, su ciudad natal, donde tuvo la oportunidad de conocer la obra La última cena de Leonardo da Vinci. El arte milanés, era, en sus propias palabras «un estilo en el que valoraba "la simplicidad y la atención al detalle naturalista", y que estaba más próximo al naturalismo de Alemania que a la formalidad y la grandeza del manierismo romano».


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Caravaggio - La crucifixión de San Pedro', 1601. Capella Cerasi, Santa Maria del Popolo, Roma.


Roma (1592–1600)

Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó a Roma, «desnudo y extremadamente necesitado, sin una dirección fija y sin provisiones... además corto de dinero». Pocos meses después comenzó el trabajo exitoso que no concluiría hasta dejar Roma. Contactó con Giuseppe Cesari, pintor de cámara de Clemente VIII, «pintor de flores y frutos»,  quien le ofreció trabajo en su taller de pintura. Caravaggio pintó varios cuadros durante esa época, entre los que se incluyen Muchacho cogiendo fruta (su primera pintura conocida), Cesto con frutas y Baco, supuestamente un autorretrato realizado tras una convalecencia posterior a su salida del taller de Cesari. Estas tres obras demuestran una particularidad física, —un aspecto de su realismo—, por el cual Caravaggio adquirió renombre: las frutas de la canasta en Cesto de frutas, fueron analizadas por un profesor de horticultura, quien logró descubrir cultivos particulares en el cuadro: «una gran hoja de higuera, con una mancha causada por un hongo, que parece ser antracnosis».

Caravaggio abandonó el taller de Cesari en enero de 1594, decidido a abrirse paso por su propia mano. Su fortuna económica estaba en su punto más bajo pero fue entonces cuando comenzó a forjar importantes amistades, como el pintor Próspero Orsi, el arquitecto Onorio Longhi y el joven siciliano Mario Minniti. Orsi, establecido en las altas esferas de la ciudad, le introdujo con los grandes coleccionistas; Longhi, más hostil, le llevó al mundo de los peleas callejeras romanas, mientras que Minniti le sirvió de modelo y años más tarde fue su ayudante en Sicilia. La buena fortuna es su primera composición con más de una figura, en la que muestra a Mario engañado por una niña gitana. Este tema fue un poco nuevo para la sociedad romana y además demostró una increíble influencia sobre el arte italiano, pero eso ocurrió en el futuro pues en su época Caravaggio lo vendió por una pequeña suma de liras. Los jugadores de cartas —que muestra otra poco sofisticada forma en que un chico cae en la trampa de los jugadores de cartas— es psicológicamente más compleja que sus anteriores obras y por ello fue considerada como su primera obra maestra. Al igual que La buena fortuna, fue inmensamente popular, y de ella sobreviven alrededor de cincuenta copias. Más importante aún, fue atraída por el patronato del cardenal Francesco María Del Monte, en Roma. Para el cardenal y su círculo amante del arte, Caravaggio ejecutó un gran número de obras de cámara, como Los músicos, Apolo tocando el laúd, una copia de su Baco y una alegoría realista, Chico mordido por una lagartija, en la que Mario destaca como modelo. La posibilidad de un ambiente homoerótico de esas pinturas ha sido centro de disputas entre los estudiosos de su figura, desde que esta teoría fue planteada a mitad del siglo XX.

Caravaggio adquiere una nueva forma de realismo, pues por primera vez le son encargados trabajos religiosos. La contrarreforma necesitaba adornar sus vistuosos templos, y Caravaggio fue uno de los comisionados para ilustrar sus nuevos templos. La primera de estas pinturas fue Magdalena Penitente, en la que muestra a la pecadora bíblica abandonando su vida de cortesana y sentándose a llorar en el piso, mientras sus joyas se encuentran tiradas a su alrededor. «No parece una pintura religiosa del todo, ¿una chica sentándose a llorar en el piso mientras seca su cabello? ¿Dónde queda el sufrimiento, la redención, la promesa de salvación». Esto es entendido a la manera lombarda, no tan histriónicamente como los romanos. Este estilo de pinturas fue repetido en sus siguientes trabajos, también eclesiásticos: San Francisco de Asís en meditación; San Francisco de Asís en éxtasis, Los músicos, Descanso en la huida a Egipto, Marta y María Magdalena y David con la cabeza de Goliat. Al ser presentados públicamente, estos cuadros catalputaron la fama de Caravaggio en el pueblo y en el gremio artístico. Pero esta reputación dependía totalmente de los encargos públicos, que eran necesarios para mantener satisfecha a la Iglesia.


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Caravaggio - El amor victorioso. 1602 - 1603. óleo sobre lienzo. 156 x 113 cm. Gemäldegalerie, Berlín. Caravaggio muestra a Cupido por encima de todos los poderes terrenales: guerra, música, ciencia, gobierno.


'El más famoso pintor de Roma' (1600–1606)

En 1599, presumiblemente bajo la influencia del cardenal Del Monte, Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesia romana de San Luis de los Franceses. Los dos trabajos hechos para este encargo fueron: El martirio de San Mateo, y La vocación de San Mateo, entregados en 1600. El tenebrismo se mostró una vez más en estos trabajos, aumentando el claroscuro y un realismo barroco muy emocional. Fue criticado por su excesivo realismo y por no usar dibujos preparatorios. Mientras que algunos de los pintores italianos aclamaron a Caravaggio por estas obras, que lo encumbraban, siempre desde su punto de vista, como maestro del arte religioso italiano: «Los pintores romanos de la época fueron sorprendidos grandemente por estas pinturas, principalmente los jóvenes. Éstos se reunieron en un círculo en torno al pintor, aclamándole como el mejor artista de la naturaleza y considerando su obra como un milagro».

En La vocación de San Mateo, Caravaggio muestra un haz de luz entrando por una ventana, que expresa simbólicamente la conversión de Leví en Mateo. Otras alegorías a la redención del cobrador de impuestos son la bisagra de la puerta sostenida por los ángeles, a partir de nubes u otros artefactos.

Caravaggio siguió haciendo durante algún tiempo encargos religiosas, en los que destacaba la muerte en figuras grotescas de martirios, decapitaciones y asesinatos. Para la mayoría de la gente romana, estas obras aumentaron la popularidad del pintor, mientras que para algunas personas les parecía violento y sin el verdadero sentido de la doctrina católica, por lo que Caravaggio debió rehacer algunas pinturas sin el sentido violento característico de su obra. La esencia del problema consistía en que Caravaggio tenía una forma bastante explícita de representar el dramatismo, visto muchas veces como vulgar.


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Caravaggio - Niño con un cesto de frutas, h. 1593. Óleo sobre lienzo, 67 x 53 cm. Galería Borghese, Roma.

Justo en ese año surgió el primer gran escándalo de su carrera: Caravaggio debía pintar a San Mateo inspirado para escribir su evangelio, junto a un ángel que supuestamente le dictaría las divinas enseñanzas. Pero Caravaggio, joven y sin experiencia en trabajos religiosos, representó al santo como un hombre viejo, parecido a un jornalero, con la frente arrugada y sosteniendo torpemente el libro, como si estuviese cansado. El ángel fue pintado como un adolescente, casi niño, que llevaba la mano de Mateo cual maestro que enseña a escribir al alumno. Como era de esperarse, la obra fue rechazada por el clero y el pueblo, por considerarla una falta de respeto hacia el santo. Caravaggio debió pintarla de nuevo, ateniéndose a los cánones más ortodoxos de la pintura sacra. El primer cuadro se conservó, hasta que fue destruido en el siglo XX.

De forma similar, La conversión de San Pablo tampoco fue aceptada, pero otra versión pictórica del mismo tema bíblico, (La conversión de San Pablo en el camino a Damasco), sí lo fue. La primera mostraba al santo empequeñecido ante el caballo, lo que no gustó al pueblo de Roma. Un soldado y Caravaggio discutieron bruscamente por este tema: «¿Por qué has puesto al caballo en medio y a San Pablo en el suelo. ¿Es acaso el caballo Dios? ¿Por qué?», a lo que Caravaggio respondió: «No, pero el animal está en el centro de la luz de Dios».

Otros trabajos incluyen El entierro de Cristo, la Madonna de Loreto (también conocida como Madonna de los peregrinos), Madonna con el niño y Santa Ana y la Muerte de la Virgen. Las últimas dos pinturas atestiguaron, de forma especial, un recibimiento poco cálido entre el pueblo de Roma. La Madonna con el niño y Santa Ana, conocida como Madonna dei palafrenieri fue pintada para un pequeño altar de la Basílica de San Pedro, sólo permaneció en su lugar dos días, y fue retirada. El secretario de un cardenal escribió al respecto: «En esta pintura todo es vulgaridad, sacrilegio y disgusto. Una cosa puedo decir, es un trabajo hecho por un pintor que no pinta bien, con un espíritu oscuro y que ha estado alejado de Dios durante mucho tiempo, y también de cualquier otra cosa buena». La muerte de la virgen, le fue encargada a Caravaggio por un acaudalado jurista, quien pensaba ubicar el cuadro en su capilla personal, mantenida por carmelitas. Éstos rechazaron terminantemente el cuadro en 1606, y el contemporáneo de Caravaggio, Giulio Mancini recuerda que el hecho que motivo tal rechazo fue que el pintor usó a una reconocida prostituta como modelo para la Virgen; Giovanni Baglione, otro contemporáneo, relata que otro punto por el que la obra no obtuvo aceptación fue que la virgen tenía las piernas desnudas. —un problema de decoro en cualquier caso— John Gash, estudiosos de Caravaggio, sugiere que el problema para los carmelitas era que tenían una visión más teológica que estética, y que por ello Caravaggio falló al plasmar de manera errónea la doctrina de la Asunción de María, en específico la idea de que la Madre de Dios no murió en forma ordinaria sino que fue llevada al cielo. El reemplazo para el altar fue hecho por uno de los más conspicuos discípulos de Caravaggio, Carlo Saraceni, en la que mostraba a la Virgen viva y sentada, al igual que Caravaggio, pero en actitud casi moribunda. Nuevamente rechazada, en el trabajo que la sustituyó la Virgen ya se veía siendo llevada al cielo por ángeles. La muerte de la Virgen, fue comprada por el Duque de Mantua por consejo de Rubens, como un obsequio para el monarca Carlos I de Inglaterra. Finalmente entró en la corte francesa en 1671.

Una de las pocas pinturas de carácter secular y no religioso de aquella época fue El triunfo del amor, pintada en 1602 para Vincenzo Giustiniani, miembro del círculo social del cardenal Del Monte. En un diario que data del siglo XVII, el modelo es llamado «Cecco», en italiano, diminutivo de Francesco. Posiblemente se trató de Francesco Boneri, artista italiano activo entre 1610 y 1625, y conocido popularmente como Cecco del Caravaggio. La obra muestra a un Cupido desnudo, cargando un arco y unas flechas, mientras pisotea los símbolos de las artes, las ciencias y el gobierno. El modelo está desvestido, y es difícil aceptar que se trate de uno de sus siervos. El punto culminante que relaciona esta pintura con las religiosas es la intensa ambigüedad con la que el pintor maneja los modelos de diferentes posturas, ya sea sacra o profana.


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Caravaggio - La muerte de la virgen. 1601 - 1606. Óleo sobre lienzo, 396 x 245 cm. Museo del Louvre, París.


Exilio y muerte (1606-1610)

Caravaggio tuvo una vida tumultuosa. Con una gran capacidad de enfrascarse en riñas, muchas de ellas fueron en los mismos lugares e incluso se le llegó a procesar por esto. La noche del 29 de mayo de 1606 asesinó, probablemente por accidente, a un hombre llamado Ranuccio Tomassoni.[25] Anteriormente, sus mecenas le protegieron de posibles acciones judiciales en su contra, motivadas por riñas, pero esta vez fue diferente. Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. Ahí, bajo la protección de los Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. Pronto se convirtió en la estrella de la pintura napolitana. En esta etapa realizó Siete acciones de misericordia y la Madonna del Rosario, entre otros.

Luego de este suceso, Caravaggio permaneció unos meses más en Nápoles y finalmente marchó a Malta, al cuartel de los Caballeros de Malta. Se piensa que su viaje fue patrocinado por Alof de Wignacourt, Gran Maestre de la Orden, y quien colaboró para el indulto al pintor en el caso Tomasonni. De Wignacourt estaba satisfecho con el trabajo del pintor, que le indujo a ser Caballero de Malta. Uno de sus biógrafos, Bellori, señala que Caravaggio estaba contento con su nueva distinción. Además, se le nombró pintor general de la Orden. Los principales trabajos de esta época fueron La degollación de San Juan Bautista (la única pintura de Caravaggio con su firma) y Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt, así como retratos de otros caballeros de la Orden. Las circunstancias que rodean al brusco cambio de fortuna del pintor no han sido reveladas del todo, pero se señala que se debió a una riña callejera en la que una casa resultó con serios daños y un caballero fue herido de gravedad. Para diciembre fue expulsado de la Orden por «faltas a la moral y ser un miembro non grato».

Luego de su expulsión de Malta, Caravaggio se asentó en Sicilia, con el apoyo de su viejo amigo y discípulo Mario Minniti, quien ahora estaba casado y vivía en Siracusa. Juntos realizaron una gira de trabajo por Siracusa, Mesina y la ciudad capital, Palermo. En esos años, Caravaggio continuó realizando trabajos bien pagados, como La sepultura de Santa Lucía, La resurrección de Lázaro y La adoración de los pastores. Su estilo siguió evolucionando, con la particularidad de que ahora se mostraban en sus cuadros figuras aisladas ante un enorme vacío. «Sus grandes obras sicilianas demuestran sombras aisladas. Al contrario de opacar pobremente a los personajes, la obra sugiere temores y fragilidades del hombre, a la vez que transmite la belleza y sencillez de los humildes, mansos y sencillos, que recibirán por herencia la tierra». Las críticas contemporáneas han definido al Caravaggio de esa época como hosco e insociable, que dormía armado y estaba inseguro de su suerte. Su vida se vio muchas veces reflejada en su obra, la de ese tiempo es burlona y satírica, especialmente con los pintores locales.


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Caravaggio - El prendimiento de Cristo, 1602. Galería Nacional de Irlanda, Dublín.

Después de nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles. De acuerdo a una de sus más recientes biografías, en Nápoles estaba a salvo del acecho de sus enemigos, bajo la protección de los Colonna. Además, ya había obtenido perdón, gracias al nuevo Papa, el cardenal Camilo Borghese (Pablo V) y pudo regresar a Roma. En Nápoles realizó La negación de San Pedro y El martirio de Santa Úrsula, su última pintura. Nuevamente, el estilo de Caravaggio evolucionaba. En El martirio de Santa Úrsula la santa atraviesa uno de los momentos de mayor intensidad, acción y drama en su martirio, cuando la flecha disparada por el rey de los hunos, la hiere en sus senos. Todo esto diferencia especialmente el cuadro de otros, caracterizados por la inmovilidad de sus modelos. La vividez del cuadro abrió una nueva etapa en la carrera del pintor.

En Nápoles fue víctima de un intento de asesinato, por personas desconocidas. Primeramente hubo rumores en Roma acerca de «la muerte del famoso artista Caravaggio» y más tarde se supo que había salvado la vida, pero tuvo serias heridas que le desfiguraron el rostro. Al recuperarse pintó Salomé sostiene la cabeza de Juan el Bautista, mostrando su propia cabeza en el plato, obra enviada a Wignacourt para conseguir el perdón. En ese mismo tiempo pintó David con la cabeza de Goliat, mostrando al joven David con un aura de tristeza al mirar la cabeza del vencido gigante Goliat, algo repetitivo en la obra caravaggista. Este cuadro le fue enviado al cardenal Scipione Borghese, sobrino del Papa, conocido por su falta de escrúpulos y por sus mecenazgos. Algunos críticos consideran a David con la cabeza de Goliat, como un pago de Caravaggio por la ayuda prestada por Borghese para obtener el perdón papal.

Una de sus obras más conocidas de la época es La negación de San Pedro. En el claroscuro de esta pintura, dos mujeres señalan con sus dedos a Pedro, mientras que un soldado completa el trío. De esta manera, Caravaggio representó simbólicamente las tres negaciones de Pedro hacia Cristo.

En el verano de 1610 tomó un barco rumbo a Roma para poder ser indultado, lo que consiguió gracias a sus influyentes amistades romanas. Los extraños sucesos acontecidos en Roma fueron objeto de muchas suspicacias populares. El 28 de julio un «avviso» (periódico privado de Roma para la corte de Urbino.) anunció que Caravaggio había muerto. Algunos días más tarde otro «avviso» afirmó que el pintor había muerto de fiebre en Porto Ércole. Las confusiones generadas por el segundo aviso fueron tan grandes que nunca se supo a ciencia cierta la verdad, pero el cuerpo no se encontró. Un poeta, amigo íntimo del pintor, dio como fecha de su muerte el 18 de julio, víctima de fiebre en Porto Ércole, cerca de Grosseto, en Toscana.


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Caravaggio - La vocación de San Mateo. Óleo sobre lienzo, h. 1599-1600. Capilla Contarelli, San Luis de los Franceses, Roma.


Caravaggio como artista. El nacimiento del Barroco

Caravaggio «colocó la oscuridad (sombras) en el claroscuro». El claroscuro llegó a escena mucho antes del arribo de Caravaggio a la pintura, pero fue éste quien le dio la técnica definitiva, oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más penetrante. Con este tipo de pintura, los artistas comenzaron a plasmar el físico y la psicología de los personajes de una forma cada vez más real y aguda. Esto le ocasionó varios problemas por su forma de interpretar algunos trabajos religiosos que eran requeridos en encargos. Caracterizado por su rapidez para ejecutar obras marcando las líneas básicas directamente sobre el lienzo con el extremo del mango del pincel, Caravaggio pronto se convirtió en un anatema para los ortodoxos, pues se negaba a idealizar las figuras y tampoco hacía bocetos ni dibujos preparatorios. Pero los modelos son parte esencial de su trabajo, Caravaggio emplea a dos que a la postre serán pintores, pero siempre a la sombra de su maestro. Ellos fueron Mario Minniti y Francesco Boneri. Al primero le usó para sus figuras de carácter secular, el segundo fue su inspiración para realizar obras religiosas, como David con la cabeza de Goliat y varias representaciones de ángeles. Las figuras femeninas aparecen en menor medida, pero con una presencia sorprendente. Ejemplos son Fillide Melandron, Anna Bianchini y Maddalena Antognetti («Lena» y testigo en el famoso «caso alcachofa»), quien muchas veces es nombrada como concubina del pintor. Otras modelos son algunas prostitutas, quienes posaban para figuras de vírgenes o santas, algo muy criticado en Caravaggio. Caravaggio se autorretrató de una manera sutil y poco imperceptible en varias de sus obras. Uno de los más evidentes casos es El entierro de Santa Lucía, donde aparece en el extremo derecho.[38] Destaca en este período El prendimiento de Cristo, donde la aplicación del claroscuro va más allá de las caras y las armaduras, a pesar de la evidente falta de luz. El personaje de la extrema derecha es, evidentemente, un autorretrato.

Caravaggio tuvo una notable habilidad para expresar en determinadas escenas de insuperable viveza la llegada de un momento crucial. En Los discípulos de Emaús, expresa el momento en que Cristo, haciéndose pasar por un viajero, se reúne con sus discípulos para compartir su alegría. El cuadro se centra en los ojos de Jesús, puesto que no perciben sus seguidores la verdad. Al final, se descubre que Él es el Salvador resucitado, con lo que Caravaggio logró su más grande acierto en materia de pintura sacra. La vocación de San Mateo, plasma el momento en que Cristo llama a Leví, cobrador de impuestos, quien hace un gesto similar a «¿quién, yo?». Pero a la vez, sus ojos señalan a Jesús diciendo: «Sí, te seguiré». Con La resurrección de Lázaro, el cuerpo del muerto está aún putrefacto, pero al sentir la mano del Mesías, la vida vuelve a su ser.


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Caravaggio - Los jugadores de cartas, h. 1594. Óleo sobre lienzo, 107 x 99 cm. Museo de Arte Kimbell, Fort Worth, Texas.


Los «Caravaggistas»

La instalación del conjunto de pinturas referidas a San Mateo en la Capilla Contarelli tuvo un inmediato impacto entre los jóvenes artistas romanos, y el caravaggismo se convirtió en la moda para los incipientes artistas. Entre los primeros «caravaggistas» se encontraban Giovanni Baglione (aunque su etapa «caravaggista» duró poco) y Orazio Gentileschi. A pesar de la barrera generacional, Gentileschi fue quien mejor se adaptó al estilo de su maestro y logró hacer una carrera artística propia, que le llevó a la corte de Carlos I de Inglaterra. Su hija Artemisia Gentileschi estuvo cerca de Caravaggio y logró crear su propio estilo, con mucha influencia de éste. Otros pintores como Annibale Carracci, adaptaron el caravaggismo, que mezclaba elementos del Alto Renacimiento y del realismo lombardo. Este estilo terminó triunfando. .

La estancia de Caravaggio en Nápoles produjo una escuela notable para el caravaggismo napolitano, que incluyó a Battistello Caracciolo y Carlo Sellitto. El caravaggismo tuvo su final durante la terrible plaga de 1656, pero las conexiones con España –al ser Nápoles posesiones española, durante Felipe IV– fue básica para el nacimiento del caravaggismo español.

Un grupo de artistas católicos de Utrecht, conocido como «Los caravaggistas de Utrecht», viajaron a Roma a principios del siglo XVII, y fueron profundamente influenciados por la obra de Caravaggio, como describe Bellori. al regreso a su ciudad, esta tendencia no duró mucho, pero durante la década de los 20's renació en la persona de pintores como Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both y Dirck van Baburen.

En la siguiente generación, el caravaggismo influyó en varios pintores, como Peter Paul Rubens (quien realizó una copia de El entierro de Cristo), Rembrandt Harmenszoon van Rijn y Diego Velázquez, quien durante su estancia en Italia tuvo la oportunidad de conocer y estudiar sobre el arte de Caravaggio.


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Caravaggio - Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt 1607–1608 Museo del Louvre, París


Muerte y renacimiento de su reputación

La fama de Caravaggio apenas sobrevivió a su muerte. Pero su influencia en el claroscuro y en la interpretación del realismo psicológico perduró a través de los tiempos. Ejerció una influencia muy directa sobre su compañero Orazio Gentileschi, y la hija de éste, Artemisia Gentileschi. Décadas más tarde, su obra inspiró a los franceses Georges de La Tour y Simon Vouet, y al español José de Ribera. Sus obras, con el tiempo, fueron atribuidas a otros pintores más conocidos o simplemente se pasaron por alto. El Barroco, a cuyo desarrollo tanto había contribuido Caravaggio, le fue dejando en el olvido poco a poco. Otra de las razones de este olvido fue el hecho de que Caravaggio no crease su propio taller (como sí hizo su rival, Carracci) para difundir su estilo. Tampoco escribió nunca sobre su particular visión del arte, el realismo psicológico, que solo puede conocerse de las pinturas suyas que se han conservado. Todo esto le hizo proclive a ser denostado por sus primeros biógrafos, como Giovanni Baglione, un pintor rival que albergaba resentimiento hacia él, y el influyente crítico del siglo XVII Giovanni Bellori, que nunca conoció a Caravaggio, pero que escribía bajo la influencia del francés Nicolas Poussin, quien detestaba su obra, aunque tampoco llegó a conocer a Caravaggio.[39] Es también representativa la crítica del italiano instalado en España Vincenzo Carducci (Vicente Carducho), quien consideraba a Caravaggio el «anticristo» de la pintura, con "monstruosas" aptitudes para el engaño.

En la década de 1920 el crítico de arte Roberto Longhi llevó el nombre de Caravaggio a las altas esferas del arte europeo y le colocó en el centro de la atención pública con esta frase: «Ribera, Vermeer, La Tour y Rembrandt nunca podrían haber existido sin él. Y el arte de Delacroix, Courbet y Manet habría sido totalmente diferente». El crítico de arte Bernard Berenson afirmó que sólo Miguel Ángel había ejercido tanta influencia en el arte italiano como Caravaggio.


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Caravaggio - La resurrección de Lázaro (1609), Museo Nacional, Mesina.


Influencia en la pintura moderna

Muchos importantes museos albergan salas en las que pueden verse numerosos cuadros, obra de otros tantos artistas, en los que se puede apreciar el estilo característico de Caravaggio: ambientación nocturna, iluminación dramática, personas corrientes utilizadas como modelos, descripción honesta de la naturaleza. Además, en tiempos modernos, pintores como el noruego Odd Nerdrum y el húngaro Tibor Csernus emularon a Caravaggio en su afán de ver la naturaleza de otra manera. El artista estadounidense Doug Ohlson ha rendido homenaje a la influencia de Caravaggio en el arte con su propia obra.

El director de cine Derek Jarman llevó la leyenda del artista al séptimo arte en la película Caravaggio, y el falsificador de arte holandés Han van Meegeren utilizó modelos caravaggistas para sus obras falsas.

Sólo alrededor de 50 pinturas de Caravaggio sobreviven. Una de ellas, La vocación de los santos Andrés y Pedro ha sido identificada y restaurada en 2004. Se encontraba almacenada en Hampton Court, considerada por error una copia. En los últimos años se ha sabido que por lo menos dos pinturas de su autoría se han perdido. Así, Richard Francis Burton afirmó que existía una pintura del Santo Rosario, realizada por Caravaggio, que representaba un círculo de treinta hombres «turpiter ligati» ("indecorosamente enlazados"). La primera y rechazada versión de San Mateo y el ángel, es otra de las obras perdidas de Caravaggio. Fue destruida durante el bombardeo de Dresde —ciudad a la que el cuadro había sido llevado en 1811 por Jerónimo Bonaparte. De este cuadro existen, únicamente, varias fotografías en blanco y negro.




Algunas obras de Caravaggio


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Baco. 1596-97. Óleo sobre lienzo. 95 x 85 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia.


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Baco enfermo. 1593-94. Óleo sobre lienzo. 67 x 53 cm. Galería Borghese de Roma. Roma. Italia.


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Boy Peeling a Fruit, c. 1593. Óleo sobre lienzo. 75,5 x 64,4 cm. Longhi Collection, Rome


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Cabeza de Medusa. 1598. Óleo sobre lienzo sobre escudo converso. 60 x 55 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia.


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Buenaventura. 1596-97. Óleo sobre lienzo. 99 x 131 cm. Museo del Louvre. París. Francia.


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Cesto de frutas. 1597-78. Óleo sobre lienzo. 31 x 47 cm. Pinacoteca Ambrosiana de Milán. Milán. Italia.


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Muchacho con cesto de frutas. 1593-94. Óleo sobre lienzo. 70 x 63 cm. Galería Borghese de Roma. Roma. Italia.


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La negación de San Pedro, h. 1610 Óleo sobre lienzo, 94 x 125 cm. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

Es uno de los últimos cuadros de Caravaggio. En el claroscuro, una mujer señala con sus dedos a Pedro, mientras que un soldado completa el trío. De esta manera, Caravaggio representó simbólicamente las tres negaciones de Pedro hacia Cristo.


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Apolo tocando el laúd. Caravaggio, 1595. Óleo sobre lienzo, 94 cm × 119 cm. Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia

Apolo tocando el laúd o Joven tocando el laúd o El tañedor de laúd, de las tres maneras se le conoce, es un cuadro de Caravaggio pintado en 1595 y que también ha recibido los nombres de El tañedor de laúd y El intérprete de laúd. Está ubicado en el museo ruso del Ermitage. Se ha llegado a afirmar que la melodía tocada por el joven es obra de Jacques Arcadelt, francés amigo de Del Monte. En principio, se pensó que el cuadro representaba a una joven dama, pero la evolución del estudio pictórico afirma que se trata de un muchacho con evidentes rasgos andróginos. Así, Caravaggio logra uno de sus cuadros más bellos, donde la música es representada con un ideal de perfección, por un modelo de ambos sexos.

En los escorzos del laúd y del instrumento sobre la mesa se aprecian sus enseñanzas lombardas en la forma de representar la perspectiva. Los labios entreabiertos y el movimiento de la mano nos muestran la forma de representar el natural que perseguía el artista.

En la zona izquierda del cuadro se aprecia un jarrón con flores que idealiza la belleza de la naturaleza con la belleza de sus frutos, en paralelo la belleza del trabajo en la partitura se idealiza en el canto de la joven que interpreta el madrigal relativo al amor idealizado que triunfa sobre el amor físico gracias a la perfecta sincronía de todos los elementos de la composición. Existe un tercer elemento implícito derivado del trabajo realizado por el propio autor en relación a la identidad del tañedor del laud.


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Judit y Holofernes. 1598-1599. Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma.

Judit y Holofernes es un cuadro de inspiración bíblica, de Caravaggio, pintado en 1599. La pintura muestra a un general muerto (Holofernes) decapitado por Judit, la mujer que lo sedujo en menos de una noche. Provocaba reacciones de horror y sorpresa entre los visitantes de su primera sede, pues Caravaggio logró dotar a la obra de gran realismo y crudeza. Judit se muestra de pie, majestuosa e impertérrita, mientras que su criada, quien le proporciona la espada, está nerviosa y al acecho de lo que pueda pasar. Los efectos de la obra serían recreados más tarde por las versiones de Artemisia Gentileschi (Judit decapitando a Holofernes, 1620) y Francisco de Goya (Judit y Holofernes, de 1820).


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El entierro de Cristo (1602-1603). Museos Vaticanos. El Santo Entierro pintado por Caravaggio, conocido también con otros títulos como Entierro de Cristo, Preparación de Cristo muerto sobre la piedra de unción, Deposición de la cruz o Descendimiento de la cruz1 (en italiano conocido como Deposizione) es una de las obras maestras del citado pintor italiano. Está realizada al óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 300 centímetros de alto por 203 de ancho. Fue pintada hacia 1602-1604, aunque otros hablan de h. 1600-16041 y se conserva en la Pinacoteca Vaticana de la Ciudad del Vaticano.

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Retrato de fray Antonio Martelli, caballero de Malta. Es un óleo de Caravaggio, realizado en 1608. El personaje en cuestión es un miembro de la Orden de Malta, a la cual Caravaggio perteneció, sin embargo, fue expulsado por su comportamiento hostil y disruptivo.

Hasta hace poco tiempo se pensaba que en ese cuadro el retratado es Alof de Wignacourt, amigo y mecenas de Caravaggio en Malta. Pero al estudiarse más a fondo la pintura, se aprecia que el sujeto en cuestión no es otro que Antonio Martelli, miembro de los altos círculos de la Orden de Malta. Se le considera un boceto para el Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt.


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Conversión de San Pablo. 1601. Óleo sobre lienzo. 237 x 189 cm. Colección Odescalchi Baldi. Roma. Italia.


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Siete acciones de misericordia, 1607 Óleo sobre lienzo, 390 x 260 cm. Pio Monte della Misericordia, Nápoles.


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La flagelación de Cristo, 1607 Óleo sobre lienzo, 286 x 213, Museo de Capodimonte, Nápoles.


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Los discípulos de Emaús, 1601. Óleo sobre tela, 139 x 195 cm. National Gallery de Londres.


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L'Amour endormi. 1608. Óleo sobre lienzo. 72 x 105 cm. Galería Palatina. Palazzo Pitti. Florencia. Italia.


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L'Arracheur de dents. 1637. Óleo sobre lienzo. 139,5 x 194,5 cm. Galería Palatina. Palazzo Pitti. Florencia. Italia.


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Los músicos (también llamada Concierto de jóvenes) 1595. Óleo sobre lienzo, 92 × 118,5 cm. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Es el primer cuadro de la serie «Pinturas Del Monte», realizadas por Caravaggio para el poderosísimo cardenal Francesco Del Monte. En esta pintura se aprecia a un trío de jóvenes músicos, probablemente ensayando o dando un concierto. Caravaggio usaría, a partir de esta obra, el tema de la música en sus cuadros. Con este cuadro, además, inicia la tradición de autorretratarse a menudo en sus obras, como lo hace en el joven de la derecha con el rostro girado hacia el espectador. Posiblemente se trate de meros conocidos o amigos de Caravaggio, dado el gran realismo del cuadro. Los rostros de dos jóvenes denotan un gran esfuerzo puesto en su obra, como se advierte en la concentración del primer joven de derecha a izquierda, absorto en sus pensamientos.


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Partida de cartas. También conocido como:"Los tramposos". 1594. Óleo sobre lienzo. 99 x 107 cm. Museo de Arte Kimbell. Fort Worth. Texas.


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San Mateo y el ángel. 1602. Oil on canvas, 295 × 195 cm. Es una pintura del maestro italiano Caravaggio (1571-1610), establecidas para la Capilla Contarelli en la iglesia de San Luis de los Franceses en Roma. Fue destruida en 1945 y ahora se conoce sólo de fotografías en blanco y negro y reproducciones en color mejoradas.


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Muchacho mordido por un lagarto o Chico mordido por una lagartija es uno de los trabajos más representativos de Caravaggio. El cuadro recrea de una forma singular un incidente cotidiano en que una lagartija muerde a un chico de entre 12 y 14 años de edad. El atractivo misterioso con que dota Caravaggio a su obra le hace aún más interesante, aumenta su fama entre sus ya numerosos seguidores y le convierte en un pintor de gran renombre, al alborear el siglo XVII. Existen dos versiones de la obra que se ubican en Londres y Florencia.


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Narciso Pintura al óleo, 110 × 92 cm. Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma.

Es el último cuadro de la segunda etapa de Caravaggio, que data de 1597-1599 y se conserva en Roma. Si bien el tema de Narciso tuvo mucho auge en la literatura italiana, no fue así en la pintura. Es pues, ésta la representación más famosa del vanidoso joven enamorado de sí mismo que muere ahogado, pero es convertido en una flor. El modelo tiene una complexión mediana y es bastante atractivo, lo que reitera el gusto de Caravaggio por la belleza masculina. Aunque si se mira el reflejo, el joven ya no es el mismo, al contrario, es un hombre menos atractivo. Caravaggio emplea una composición sencilla para plasmar el tema, con esas típicas figuras enormes que parecen desbordar los propios límites del marco del cuadro. Esta técnica proporciona una gran cercanía al personaje así como un aspecto espontáneo, como de fotografía, que corta a veces el cuerpo retratado por estar demasiado próximo el espectador.

De esta manera, las figuras de Caravaggio suelen tener un tamaño casi natural, lo que contribuye aún más a la sensación de proximidad con las mismas. El lienzo está limpiamente seccionado en dos mitades, constituidas por el hermoso Narciso, que describe con su cuerpo una figura geométrica rectangular casi perfecta, con un arco de luz constituido por sus brazos, cuello y rostro, equilibrado con el destello central de la rodilla. En la mitad inferior le responde con armonía el reflejo del joven, más atenuado, perdido en el estanque, significando la fatuidad y lo superficial de la belleza física, no más estable que el reflejo trémulo de la superficie del agua.

El modelo tiene una complexión mediana y es bastante atractivo. Cuando el joven se mira el reflejo, la imagen reflejada del joven ya no es el mismo. Narciso se pone en lugar del otro inventando una nueva agencia de si mismo, una nueva posición, una nueva tópica, el Ego en oposición al Yo, es el Ego de Narciso el que se opone al Yo, el que le permite refugiarse en un mundo dirigido hacia la autocontemplación, hacia el egocentrismo, vuelto hacia dentro como un guante del revés.

La muerte de Narciso ahogado mientras contemplaba su propia imagen en el espejo de la laguna es precisamente el castigo proporcional y simbólico que los dioses perpetrarán en su contra, mientras Eco languidece melancólica y queda en nada, sin cuerpo material que sustente a una voz que se limita a repetir lo que los demás declaman, exhibiendo su falta de subjetividad, prisionera del rechazo, mártir de la separación, Narciso se ahoga cuando atraviesa su fantasma que no era un espejo sino el agua: el marco donde se contemplaba.

Desde entonces Narciso es una flor con una corola brillante y roja, los dioses le otorgaron el privilegio de ser contemplado por toda la eternidad. Le otorgaron el goce de la naturaleza después de que él renegara de la cultura, del ser-que-habla y que es hablado por el lenguaje.


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Cristo atado a la Columna, también conocido Cristo de la Columna o como La flagelación de Cristo, c. 1606-07), es un cuadro pintado por el pintor barroco italiano Caravaggio. Es un óleo sobre lienzo de 134,5 cm x 175,4 cm. Ubicado actualmente en el Musée des Beaux-Arts de Rouen, Rouen, Francia

Esta es una de las dos versiones de la Flagelación de Cristo de Caravaggio pintado a finales de 1606 o principios de 1607, poco después de su llegada a Nápoles. La pintura muestra la flagelación de Cristo después de su detención y el juicio y antes de su crucifixión. La escena fue representada tradicionalmente delante de una columna, posiblemente en alusión a la sala de juicio de Pilato. El torturador de cañón corto en el extremo derecho es reconocible la misma figura que modela como uno de los torturadores en La flagelación de Cristo , y como el verdugo de Salomé con la cabeza de Juan el Bautista.

El más famoso de tratamiento del tema en ese momento era Sebastiano del Piombo 's alto renacimiento flagelación de Cristo en la iglesia de San Pietro in Montorio en Roma. Flagelación del Piombo, muy imitado por artistas posteriores, muestra múltiples figuras idealizadas de torsión a través de capas complejas de espacio. Caravaggio se ha aplanado el espacio, la reducción de las cifras al mínimo, y se utiliza la luz para dirigir la atención a las partes cruciales de su composición - cara y el torso de Cristo, los rostros de los dos torturadores, y la mano que sostenía el látigo fuera de la trama.


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La coronación de espinas. 1604. Pintura al óleo, 178 × 125 cm. Palacio degli Alberti, Prato, Italia. Es un cuadro de Caravaggio, que data de 1604. Pintura al óleo, 178 × 125 cm. Palacio degli Alberti, Prato, Italia. es un cuadro de Caravaggio, que data de 1604. La obra es parte de un conjunto dedicado a la Pasión de Cristo, y muestra cómo Jesús de Nazareth es torturado por tres hombres: uno le sujeta las manos para impedir su defensa, otro le ensarta la corona de espinas y el tercero le golpea. El cuadro posiblemente tenga raíces autobiográficas, dada la vida de Caravaggio que transcurrió entre peleas y detenciones. Se encuentra en la galería del Palacio degli Alberti en Prato.

La obra es parte de un conjunto dedicado a la Pasión de Cristo, y muestra cómo Jesús de Nazareth es torturado por tres hombres: uno le sujeta las manos para impedir su defensa, otro le ensarta la corona de espinas y el tercero le golpea. El cuadro posiblemente tenga raíces autobiográficas, dada la vida de Caravaggio que transcurrió entre peleas y detenciones. Se encuentra en la galería del Palacio degli Alberti en Prato.


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Cristo coronado de espinas de Caravaggio. 1603. Óleo sobre lienzo. 127 x 165,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria.


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Descanso en la huída a Egipto. Óleo sobre lienzo, 133.5 × 166.5 cm. Galería Doria Pamphili, Roma, Italia

Descanso en la huida a Egipto, también titulado Sagrada Familia con ángel músico, es un cuadro realizado por Caravaggio en 1597, que fue el primero de los suyos que abordaba temas bíblicos. Formó parte del conjunto dedicado a su mecenas, Francesco Del Monte, quien años más tarde lo donó al palacio Aldobrandini (como un regalo a Clemente VIII, de esa familia). Su autoría no es discutida, pero lo que sí está en disputa es el resto de los lunetos que Caravaggio «realizó» para Del Monte, la mayoría son atribuidos a Domenichino y Albani. Años más tarde, los pintores franceses Poussin y Lorraine visitarían, por separado, Roma. Ambos definirían a este cuadro como «un paisaje heroico».


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El sacrificio de Isaac. Caravaggio, 1603, óleo sobre lienzo, 104 × 135 cm. Galería Uffizi, Florencia, Italia.  No debe confundirse con el cuadro homónimo que se halla en la Universidad de Princeton, pintado en 1598.

Es una pintura que en su tiempo escandalizó a Roma, a pesar de ser el sacrificio de Isaac un tema recurrente en el arte del barroco. El problema consistió en la reacción de Isaac, que hasta entonces había mostrado una actitud dócil ante su muerte, convirtiéndose en prefiguración de Cristo. Pero Caravaggio trata el asunto de otra forma, pues Abraham debe doblegar la resistencia de su vástago. La duda del patriarca es captada con maestría por el pintor, que logra representar de manera sublime. El espectador podrá presenciar con intensidad la angustia que irradia la escena. John Murray, coleccionista inglés, la vendió a la Galería de los Uffizi en 1917. La iluminación del cuadro recae sobre la figura de Isaac, cuyo grito evoca la dramática experiencia de otros cuadros como Judith y Holofernes y Cabeza de Medusa.


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Extasis de San Francisco o San Francisco de Asís en éxtasis. 1595. Óleo sobre lienzo, 93.9 × 129.5 cm. Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut, USA.

Es un cuadro de Caravaggio encargado por el cardenal Francesco del Monte, para celebrar su ascensión al alto puesto católico. En esta pintura se muestra al santo tras haber recibido los estigmas de Jesucristo y está siendo cargado por un ángel. Fue tremendamente influenciado por Simone Peterzano, quien le enseñó el tenebrismo realista que puso de manifiesto en este cuadro. No fue muy bien recibido por la crítica cristiana al mostrar a Francisco de Asís en dos momentos que se suponen fueron distintos (su éxtasis y sus estigmas). Pero el pueblo le aclamó como buen cuadro, ya que denotaba dulzura y sentimiento de amor por parte del ángel y de Francisco, respectivamente.


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Incredulidad de Santo Tomás 1602, óleo sobre lienzo, 107 × 146 cm. Palacio de Sanssouci, Potsdam, Alemania. Es un cuadro pintado por Caravaggio en 1602. Fue pintado para los Giustiniani. El cuadro muestra a Cristo resucitado ante sus discípulos, pero Tomás se niega a creer, por lo que Jesús le ofrece que toque sus heridas. El naturalismo típico de Caravaggio se hace presente aquí, al mostrar al santo como un incrédulo. Las luces, además, contribuyen a enfocar más la figura y a dotarla de realismo.


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Marta y María Magdalena. 1598. Pintura al óleo, 97,8 × 132,7 cm. Detroit Institute of Arts, Detroit, USA. Es una pintura realizada por Caravaggio en 1598, se conserva en Detroit. En este cuadro, Caravaggio sigue los lineamientos requeridos por la Iglesia católica para sus cuadros, al mostrar a los personajes sin aura mística y sólo como gente normal. La escena representada en esta obra es cuando Marta reprocha a María Magdalena su comportamiento mundano y falso, mientras ésta tiene un aire triste. Además, el cuadro asemeja a la de una mujer joven atendida por su dama de compañía.


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San Jerónimo escribiendo. 1605. Pintura al óleo, 112  × 157 cm. Galería Borghese, Roma, Italia. Es uno de los últimos cuadros de la etapa romana de Caravaggio, que forma pareja con San Jerónimo en meditación. Utilizó el mismo modelo que en su anterior composición, que tiene los mismos rasgos que este cuadro. Su estilo fue más tarde imitado por Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán.

Este santo era bastante representado entre los artistas de la Contrarreforma. Entre otros extremos, porque propagó el culto a la Virgen María, algo que desdeñaban los protestantes y que era un signo de catolicismo. Aquí no se le representa con el león, que es uno de sus atributos y provenía en realidad de una leyenda medieval, sino en un entorno mucho más austero, con sus libros, estudiando, como erudito. Hay que recordar que san Jerónimo tradujo al latín la Biblia, versión conocida como la Vulgata. Como es propio de la pintura religiosa caravagista, la representación del santo se ha reducido a lo esencial: el escritorio, los libros, y un cráneo como memento mori, recuerdo de la fugacidad de la vida y del inexorable fin de todo lo terrenal.


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Adoración de los Pastores. 1609. Pintura al óleo, 314 × 211 cm. Museo Nacional de Mesina, Mesina, Italia. La adoración de los pastores es uno de los cuadros de la última etapa de Caravaggio, desarrollado en 1609 sobre la historia homónima. La escena muestra una pobreza extrema, la Virgen y San José en pose de humildad mientras los pastores reverencian al niño, un poco gordo pero cariñoso y tierno.


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Crucifixión de San Andrés. Caravaggio. 1607. Óleo sobre lienzo, 202,5 x 152,7 cm. Museo de Cleveland. USA.

El martirio de San Andrés fue captado por Caravaggio en los últimos años de su producción pictórica. Era un encargo para una iglesia, y el pintor eligió un momento milagroso que se recogía en leyendas tradicionales italianas, que en determinados momentos tuvieron el mismo valor que las propias Escrituras. El texto del que Caravaggio toma el episodio es la Leyenda Dorada, escrita por el italiano Santiago de la Vorágine. Según lo que cuenta, San Andrés todavía estaba vivo en la cruz, agonizando pero decidido a morir como su maestro. Un soldado, compadecido por su sufrimiento, dio orden para descolgarlo pero se produjo un milagro que paralizó al soldado y permitió a San Andrés morir como había decidido. Los rasgos maestros de la pintura de Caravaggio se mantienen en esta imagen, que sin embargo parece pintada apresuradamente, quizás para cumplir las fechas de entrega del contrato.


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Crucifixión de San Pedro. Es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio. 1601. Óleo sobre lienzo, 230 × 175 cm. Santa María del Popolo, Roma, Italia.

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David con la cabeza de Goliath. 1609-10. Óleo sobre lienzo, 125 × 101 cm. Galería Borghese, Roma, Italia.

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Ecce Homo. 1604. Pintura al óleo, 128 × 103 cm. Palacio Rosso, Génova, Italia. Es un cuadro de Caravaggio, que data de 1604. Forma parte del conjunto que el pintor dedica a la Pasión de Cristo. Fue ganadora de un concurso convocado por el arzobispo de Florencia, y es de estilo barroco. Nuevamente se refleja una crudeza en los ojos de Cristo, flanqueado por un guardia y por Poncio Pilato. Éste último lanza una mirada al pueblo sediento de sangre, suplicando le dejen perdonar al reo. El resultado es por todos conocido. Se encuentra en la galería del Palacio Rosso (Palazzo Rosso) de Génova (Italia).


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El entierro de Santa Lucía. 1608. Pintura al óleo, 408 × 300 cm. Basílica de Santa Lucía del Sepulcro, Siracusa, Italia. Es un cuadro del pintor italiano Caravaggio, de 1608. Fue pintado luego de su huida de Malta, y muestra a la santa momentos antes de ser sepultada en una fosa. La escena evoca al cuadro de La muerte de Marat, de Jacques Louis David, pintado más de un siglo después. Se encuentra en la Basílica de Santa Lucía del Sepulcro (Basilica di Santa Lucia al Sepolcro) en Siracusa (Italia).


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Virgen de los Peregrinos o Madona de Loreto. Caravaggio. 1603-04. Óleo sobre lienzo, 260 x 150 cm. Iglesia de San Agustín de Roma
 
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La Virgen del Rosario. 1607. Pintura al óleo, 364.5 × 249.5 cm. Museo de Historia del Arte de Viena, Viena, Austria  s un cuadro de la etapa napolitana de Caravaggio, pintado en 1607. Es pareja con Siete acciones de misericordia, también del mismo autor. Ambas estuvieron colocadas, en principio, en la misma iglesia, pero ésta fue trasladada a Viena por órdenes de Francisco José I. El cuadro emula a Leonardo Da Vinci y Rafael Sanzio, quienes realizaron sendas versiones de este tema. La luz y los elementos de intercesión dan a la escena un toque más religioso y místico.


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Magdalena penitente (o Magdalena llorosa) 1597. Óleo sobre lienzo, 122,5 × 98,5 cm. Galería Doria Pamphili, Roma, Italia. Es un cuadro del pintor italiano Caravaggio, realizado en 1596. Fue parte de un conjunto destinado a decorar las habitaciones de su primer mecenas, el cardenal Francesco del Monte. La modelo fue una prostituta que a la postre participaría en La muerte de la Virgen, y que años más tarde fue encontrada muerta en el Tíber. Este cuadro habla especialmente de la escasez de recursos de Caravaggio, pues el vestido de la modelo fue usado por el pintor en Narciso, y solía recurrir siempre a las mismas modelos. Sin embargo, el cuadro demuestra el arrepentimiento de la otrora cortesana y su melancolía por ser pecadora. Aparecen tendidos en el suelo varios de sus objetos, como joyas o dinero. En la Magdalena penitente, Caravaggio emula a otros grandes maestros italianos que han representado esta escena, como Tiziano o Rafael Sanzio.


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Martirio de San Mateo. 1600. Pintura al óleo, 323 × 343 cm. Iglesia de San Luis de los Franceses (Roma), Roma, Italia. Es un cuadro de Caravaggio, el primero de su etapa romana y de una serie dedicada a San Mateo Evangelista, la cual se conserva por completo en la Capilla Contarelli, San Luis de los Franceses, Roma. Caravaggio logra un cuadro de historia con una composición mucho más compleja que sus primeras obras, donde el santo cae sangrante a los pies de su verdugo. Los matices de crueldad dados por el pintor a los personajes de esta pintura evocan, por momentos, a El sacrificio de Isaac o Judith y Holofernes.


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Natividad con San Francisco y San Lorenzo 1609. Pintura al óleo, 268 cm × 197 cm. Actualmente está perdido. Es una obra robada de Caravaggio. Estuvo expuesta en Nápoles hasta su robo en 1969, y su paradero no ha sido identificado. Este es un cuadro que parece todo menos una natividad alegre. Se exhibe un ambiente de pobreza y se ve a San Francisco de Asís y a San Lorenzo acompañando a la Sagrada Familia entre animales y descechos campestres.


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Siete obras de misericordia (Sette opere di Misericordia) 1607. Pintura al óleo, 390 × 260 cm. Pio Monte della Misericordia, Nápoles, Italia. es un cuadro del pintor italiano Caravaggio, de los primeros de su etapa napolitana. La huida de Roma se produjo tras el asesinato de un hombre, y Caravaggio se refugia en Nápoles. Es en esta ciudad que comienza su madurez pictórica, y este cuadro es una muestra de ello. Conservado en una iglesia de la ciudad, muestra una escena callejera, donde varios santos (Martín de Tours, Santiago el Mayor y Sansón) socorren a los pobres dando muestras de generosidad cristiana.


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La Anunciación. 1608-09. Óleo sobre lienzo. 285 x 205 cm. Museo de Bellas Artes de Nancy, Nancy, Francia. Es un cuadro de Caravaggio, pintado en 1608. En él se muestra a la Virgen María recibiendo el mensaje del arcángel Gabriel, diciendo que concebirá un hijo. Es uno de sus últimos cuadros, similar a El entierro de Santa Lucía en el pesimismo y haz de luz que rodea la figura.


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La decapitación de San Juan Bautista, también conocida como La degollación de San Juan Bautista. Óleo sobre lienzo, 361 x 520 cm. Oratorio de la Concatedral de San Juan de La Valeta, Malta.

La decapitación de San Juan Bautista es una pintura terminada en 1608 por el pintor barroco italiano Caravaggio. Esta pintura es la más importante que Caravaggio haya realizado en Malta y muchos la consideran su obra maestra.

Esta obra la realizó como dote para ser admitido en los Caballeros de la Orden de Malta, a la que perteneció por un breve espacio de tiempo, pues fue expulsado de la orden por algún motivo grave, todavía no demasiado aclarado por los investigadores.

El cuadro, que representa La decapitación de San Juan Bautista de Caravaggio (1571-1610), es el trabajo más conocido de la Concatedral de San Juan de La Valeta. Considerado una de las obras maestras de Caravaggio y siendo el único firmado por el artista, el lienzo se muestra en el oratorio para el que fue pintado. Restaurado en la década de los 90 en Florencia, este cuadro es uno de los que mejor muestra el imponente uso del claroscuro por parte de Caravaggio, siendo así su estilo más representativo.

El cuadro se caracteriza por el balance de todas sus partes. No es por accidente que el artista introduce referencias precisas en cuanto al escenario, situando la austera arquitectura del siglo XVI de la prisión como telón de fondo de los personajes. En la ventana, dos figuras silenciosas son testigos de la escena, proyectando al espectador dentro de la pintura y no hacia afuera como ocurre con El martirio de San Mateo.

Aquí se presenta un compendio definitivo del arte de Caravaggio, con personajes habituales en sus pinturas (la anciana, la joven, el canalla desnudo, el noble de barba) y elementos lombardos. La técnica se adhiere a las limitaciones deliberadas y programadas buscada por Caravaggio pero, en medio de los tonos suaves y oscuros, hay un sentimiento impresionante de dibujo a lápiz al cual el artista no renuncia y que es visible incluso en los destellos de luz de sus últimos trabajos. Este balance sumamente clásico, que se proyecta más allá de cualquier contingencia, desata el cruel drama que resulta efectivo al punto que, habiendo rechazado siempre la "estética de la exclamación", Caravaggio limita toda señal de énfasis emocional, externa y excesiva. El pintor firmó en la sangre de San Juan: «f michela...». La "f" en la firma tal vez deba ser entendida como fecit (hizo) en vez de frater (hermano). Tal es el sello que colocó en la que podría ser su mejor obra.



Obras de Caravaggio en España

Actualmente existen cinco pinturas de Caravaggio en España, catalogadas como autógrafas del artista: David vencedor de Goliat (Museo del Prado), Santa Catalina de Alejandría (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid), Salomé con la cabeza de Juan el Bautista (Palacio Real de Madrid), San Jerónimo (Museo de Montserrat) y San Juan Bautista con el cordero (Catedral de Toledo). Antiguamente existieron en colecciones españolas al menos dos obras más, ahora en el extranjero: Martirio de san Andrés (Museo de Arte de Cleveland) y El sacrificio de Isaac (Colección Barbara Piasecka Johnson).


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Santa Catalina de Alejandría (Santa Caterina d'Alessandria) Caravaggio, 1598. Óleo sobre lienzo, 173 cm × 133 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Es una de las cinco pinturas seguras del artista conservadas actualmente en España.

El cuadro muestra a Santa Catalina de Alejandría, que domina toda la composición. La rodean los objetos con que la santa fue torturada, pero Catalina muestra un ideal de dulzura y tranquilidad, si bien como una muchacha de pueblo. Este cuadro fue el preludio a las grandes obras de su autor para las iglesias romanas.


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Salomé con la cabeza de Juan Bautista (Salomé con la testa del Battista) Caravaggio, 1609. Óleo, 116 cm × 140 cm. Palacio Real de Madrid, Madrid

Salomé con la cabeza de Juan Bautista es un óleo de Caravaggio, datado en 1609. Carlos VII de Nápoles —que reinó en España como Carlos III—, lo llevó a Madrid en su colección particular, pues se contaba entre sus cuadros favoritos. Actualmente se exhibe en el Palacio Real de Madrid.

Giovanni Bellori escribió la primera biografía de Caravaggio en 1672, donde afirma que este cuadro fue hecho para el gran maestre de la Orden de Malta, Alof de Wignacourt, retratado ya en Retrato del gran maestre de la Orden de Malta Alof de Wignacourt. Sin embargo, la barca en que fue llevada a Malta fue detenida por el Reino de Nápoles, quedando la obra en posesión de los reyes napolitanos, hasta que en 1759, Carlos III de España, la llevó a su corte.

Se considera una de las mejores obras de la época final de Caravaggio, por el bello colorido, el vívido contraste de luces característico del tenebrismo (que Caravaggio había atemperado en sus últimas obras) y el verismo de los tipos humanos. Es, de cualquier forma, una de las obras más destacadas de su autor de las apenas cinco que se conservan en España


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San Jerónimo. Caravaggio. 1606. Óleo sobre lienzo, 137 × 100 cm. Museo del Monasterio de Montserrat (Barcelona)


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San Juan Bautista con el cordero. Obra de Caravaggio. Catedral de Toledo. Museo Tesoro Catedrálico.

San Juan fue uno de los santos preferidos de Caravaggio, en especial durante sus años de juventud. Caravaggio lo pintaba bajo el aspecto de un adolescente hermoso y cercano, siempre entre vegetación y telas rojas, no en el desierto haciendo penitencia con una simple piel de camello. Es una visión aristocrática y hedonista, pensada para satisfacer el gusto del espectador y no su "ansia" espiritual. El San Juan que ahora vemos emplea el mismo modelo que posó para el sacrificio de Isaac. Tiene una expresión melancólica, mirando al cordero que simboliza su futuro martirio y muerte. En las manos, la cruz de cañas que se fabricó durante su retiro en el desierto. El naturalismo y la sensación de volumen nos hacen ver a este San Juan prácticamente saliendo del cuadro para entrar en nuestro espacio real. Múltiples detalles acentúan el aspecto verídico del muchacho, como esos pies sucios en primer plano que tanto criticaron los contemporáneos de Caravaggio.

La atribución de esta pintura a Caravaggio está siendo disputada (el candidato alternativo es Bartolomeo Cavarozzi). Se encuentra en el Museo Catedrálico, de Toledo, y John Gash, uno de sus biógrafos, especula que es de sus inicios en la pintura y formó parte de un conjunto para el Hospital de la Consolación. Mancini, primer estudioso de la figura de Caravaggio, menciona esta obra y afirma que Caravaggio «las llevó consigo a su patria», más una copia quedó en Sevilla, hacia 1593. Varios de los eruditos que han estudiado la obra de Caravaggio ven en esta obra un modelo para sus siguientes trabajos, como San Francisco de Asís en éxtasis y Los músicos. Alfonso Pérez Sánchez, antaño director del Museo del Prado, define a esta obra como «un bello paisaje típico de Caravaggio». De acuerdo a Pérez Sánchez, esta obra pudo influir en los años sevillanos de Diego Velázquez... Más info


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David vencedor de Goliat es un cuadro de Caravaggio, realizado en al óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 110,4 cm de alto y 91,3 cm de ancho. Está datada hacia 1600 y actualmente se conserva en el Museo del Prado, donde se encuentra desde su inauguración en 1819.

Se ha pensado que el cuadro fue adquirido por un noble con cercana relación a Caravaggio, hacia 1617, pero no está documentado en las colecciones reales españolas hasta 1781, en la época de Carlos III.

La pintura muestra un panorama oscuro, y al joven David victorioso, que sostiene la cabeza de Goliat. Se ha pensado que Caravaggio se autorretrató en este cuadro, en la figura de Goliat, pues tenía la sensación de que moriría en esa forma. La autoría de la obra fue discutida décadas atrás, pero actualmente se considera autógrafa de Caravaggio con seguridad.



La chulería de Caravaggio. El único mural del artista milanés, en Roma, esconde un atrevido autorretrato con desnudo


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'Júpiter, Neptuno y Plutón' (1597), pintado por Caravaggio en la Villa Ludovisi de Roma.

Huir, huir, huir. Pintar, pintar, pintar. Caravaggio dejó una estela de arte excelso y de dudas insalvables a la vez que un reguero de autorretratos esquivos metidos dentro de sus pinturas; es como si una secreta intuición lo llevara a diseñar esmeradamente su propio mito, con su petulante actitud, el ostensible desprecio por sus contemporáneos, las pasiones sin freno tan presentes en la propia materia de la pintura, y la devoción trascendente, verdadero atormentado amor, por su “limpiapinceles” Mario Minniti (1577-1640), al que convirtió, no sé sabrá si queriendo, en el “caravaggista” de más estrecha horma, como si desde algún lugar en el aire, cercano pero invisible, guiara después de la muerte la mano del aprendiz siracusano entre luz y oscuridad, entre destello y sangre. A su vez, Minniti creó escuela cuando regresó a Siracusa y aglutinó en torno a su estudio a un grupo de pintores de segunda, lo que ha traído de cabeza hasta hoy a los especialistas en atribuciones.

En el llamado Gabinete de Alquimia del Casino della’Aurora de la Villa Boncompagni-Ludovisi romana, está el único trabajo de Caravaggio sobre un techo, pintado al óleo directamente sobre la bóveda de cañón del tesoretto, hecho por encargo de su amigo y protector el cardenal Francesco Maria del Monte: Júpiter Neptuno y Plutón pesando sobre la estrecha y rectangular habitación. Mucho se ha escrito sobre esta inquietante escena. Todos los historiadores coinciden en que el pintor usó esa técnica del óleo sobre capa de yeso por su desconocimiento de la preparación del temple. En 1672 Pietro Bellori, al final de su breve biografía de Caravaggio escribe: “En Roma se dice que es obra suya Júpiter, Neptuno, Plutón en el jardín Ludovisi de Porta Pinciana, en el pabellón que fuera del cardenal del Monte, quien como estudioso de medicina química adornó así el estudio de su destilería, identificando estos dioses con los elementos y con el globo del mundo entre ellos”. Continúa Bellori especulando con que Caravaggio, en un gesto de inveterada chulería y para acallar los rumores de que no entendía de planos ni de perspectiva, “colocó los cuerpos de manera que pudieran ser vistos de abajo hacia arriba a fin de tener que enfrentar las perspectivas más difíciles”. El mural representa los símbolos de la tríada alquímica derivada de Paracelso. Júpiter encarna el azufre y el aire, Neptuno el mercurio y el agua, mientras Plutón representa la sal y la tierra. Dice Peter Robb en su libro M: “La esfera celeste movida por Júpiter tiene un brillante resplandor interior que debe haber sido refractado a través de uno de los especímenes minerales de Del Monte”, quizás espoleado el purpurado por las investigaciones fronterizas a la ciencia de su hermano Guidobaldo.

Andrew Graham-Dixon, último biógrafo del artista, no da crédito a ninguna de las tres biografías antiguas de Caravaggio —ni Giulio Mancini, ni Baglione ni por supuesto Bellori—, pero esto es lo que hay: todo está escrito después de la muerte del artista, y especula con que el autorretrato es el Neptuno abrazado al caballo marino y deja en el aire que el pene no circuncidado de Plutón pertenece a otro que no es Caravaggio. Es verdad que el parecido de ambos con el retrato que hizo Ottavio Leoni de Caravaggio es “irrefutable”, lo que invitaría a concluir que los dos son el mismo: uno de perfil y otro de tres cuartos con el cerbero de tres cabezas a sus pies. En el otro extremo del techo, con “obscena fantasía”, dice Graham, Júpiter (que podría ser Minniti) toca el globo arropado por el águila y ese trapajo blanco, un lienzo de sábana algo percudido. Un detalle: Mario Minniti no llevó barba nunca; aparece con juvenil y rozagante piel de patena en otras pinturas de Caravaggio.

Los potentes escorzos y la impúdica presencia de los hombres desnudos ya hicieron aventurar a Robb que los modelos son Minniti y el propio Caravaggio autorretratándose. La obra se desveló de las sucesivas capas de pintura a fines de los años sesenta del siglo pasado. Walter Friedlaender, el estudioso moderno más importante de la obra de Caravaggio, murió en 1966 y no llegó a verlo. Rosella Vodret, una de los comisarios de la muestra romana de 2010 en la Galería de la Scuderie del Quirinal, no se cansó de repetir su tesis sobre los autorretratos, que engloba estas figuras del tesoretto, así como otros rostros en posición secundaria de algunos cuadros.

Caravaggio siguió huyendo. Fue a Malta y pintó, entre otros, La degollación de San Juan Bautista, el de mayor escala y único firmado simbólicamente en la sangre que mana del tajo en el cuello del santo, y es verdad que en su último decenio parece ansiosamente decirnos “si no me pinto yo, ¿quién me recordará”?.


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'Júpiter, Neptuno y Plutón' (1597), pintado por Caravaggio en la Villa Ludovisi de Roma. / Getty

Júpiter, Neptuno y Plutón es un cuadro pintado por Michelangelo Merisi da Caravaggio en 1597. Es la única pintura mural realizada por el artista, por encargo de su amigo y mecenas Francesco Del Monte. Éste era un amante de la alquimia, e incluso tenía un laboratorio en su Palacio Madama. El cardenal Del Monte vendió su palacio a los Ludovisi, quienes la renombraron a Villa Ludovisi. Entre otras cosas, el mural fue realizado con estuco, como lo hizo Leonardo Da Vinci en La última cena. A pesar de que éste se deterioró rápidamente, el de Caravaggio permaneció en buen estado pero desconocido, pues los Ludovisi añadieron a su villa frescos de Guercino. El mural muestra a los tres dioses con sus elementos característicos, pero todos confluyen en la química, llamada entonces alquimia.



Enlaces interesantes


Ver más obras de Caravaggio en la Wikipedia

Obra completa de Caravaggio en la Web Gallery of Art

«Lista de pinturas de Caravaggio, en detalle», http://www.artelista.com/288-caravaggio.html

Michelangelo Merisi Caravaggio, http://www.epdlp.com/pintor.php?id=207

«Obra y vida de Michelangelo Merisi da Caravaggio», http://www.spanisharts.com/history/...caravaggio.html



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Retrato del pintor Caravaggio, dibujado por Ottavio Leoni, hacia 1621



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al pintor barroco italiano llamado Caravaggio. Fue uno de los exponentes más destacados de la pintura del naturalismo barroco de comienzos del siglo XVII. Para mí uno de los grandes maestros. También fue un personaje muy especial; a pesar de su mal caracter, para muchos su obra es fascinante. En los últimos años su obra ha sido muy estudiada y sus obra son más reconocidas y valoradas por la crítica y los grandes museos.


Fuentes y agradecimientos: artcyclopedia.com, es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, pintura.aut.org, artehistoria.jcyl.es, webgalleryofart.com, artrenewal.org, wga.hu, elpais.com, rtve.es, flickr.com y otras de Internet
 




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Last edited by j.luis on Tuesday, 07 June 2016, 16:51; edited 17 times in total 
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Caravaggio era los grandes, al menos para mi gusto
 



 
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Post Respuesta: CARAVAGGIO 
 
J-Luis muchas gracias por esta nueva exposición. Caravaggio fue uno de los grandes pintores del renacimiento, me han gustado muchos sus cuadros algunos con detalles elevados de mucha calidad.  

Un Saludo.
 




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Post Respuesta: CARAVAGGIO 
 
Green y xerbar, me alegro que os guste la obra de "Caravaggio" aunque a este pintor lo conocía bastante, he disfrutado mucho conociendo casi toda su obra, para poder elegir los cuadros de esta exposición, Sin duda es muy grande.



Saludos.
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
400 AÑOS DE SU PASO POR LA ISLA


Caravaggio vuelve a Sicilia


Se expondrá por primera vez al público la obra 'I Bari', descubierta en 2006

En la época siciliana, 'se plasma en su pintura una profunda reflexión y sensibilidad'




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'I Bari', descubierta en 2006 por el comisario de la exposición, Denis Mahon.

ROMA.- El artista italiano Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio (1571-1610), vuelve a Sicilia después de 400 años, en la exposición 'Caravaggio. La imagen del Divino', que el ministro de Cultura, Francesco Rutelli, ha presentado en Roma.

En la exposición, que podrá visitarse entre el 14 de diciembre y el 4 de marzo en el Museo Regional de Trappani (oeste de Sicilia), se expondrá por primera vez en público la obra 'I Bari', descubierta en 2006 por el estudioso de Caravaggio y comisario de la exposición, Denis Mahon, en una subasta de Londres.

Mahon adquirió la obra, considerada una copia, en la subasta y, después de numerosos estudios del cuadro, descubrió que se trata de un original del artista, y "seguramente la primera de las dos copias que existen", afirmó la estudiosa del arte italiana Mina Gregori.

Gregori explicó que en los estudios se ha descubierto en el lienzo que existen cambios de perspectiva de los sujetos, algo que no se aprecia en la copia que se conserva en Tejas, lo que "hace pensar que ésta es la primera de las obras" que hizo el artista.

La experta señaló que Caravaggio "a menudo hacía varias copias de una misma obra, por lo que no es de extrañar que existan dos copias iguales de este cuadro".

La exposición cuenta con 14 obras del artista relacionadas con lo divino procedentes de varios museos italianos como 'La adoración de los pastores' del Museo de Messina, 'La resurrección de Lázaro' de Palermo, 'El éxtasis de San Francisco' procedente de Udine y la 'Decapitación de San Jenaro' de Roma.

De la época en que Caravaggio vivió en Sicilia, Gregori destaca que "se plasma en su pintura una profunda reflexión y sensibilidad".

En conmemoración de los 400 años desde que pasó por la isla, su capital, Palermo, acogerá el 21 de diciembre el estreno de una película dedicada al artista y producida por la televisión pública italiana, RAI.

El ministro ha destacado que con esta "importante" muestra en Sicilia, así como la retrospectiva de Tiziano en Belluno (norte), "se quiere demostrar que la riqueza histórica y artística del país no está únicamente en Roma, Florencia y Venecia, sino en todo el territorio italiano".


EL MUNDO
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
Robado en un museo de Ucrania un 'caravaggio'


Los ladrones rompieron una ventana para sacar 'El prendimiento de Cristo'



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Era una de las joyas del Museo de Arte Occidental y Oriental de Odessa (Ucrania). Y entre las seis de la tarde del jueves y las diez de la mañana del viernes, salió por una ventana. El prendimiento de Cristo, también conocido como El beso de Judas, fue pintado por Michelangelo Merisi Caravaggio (Caravaggio, 1571-Porto Ercole, 1610) para Asdrubale Mattei y había sido restaurado en 2006. Acabó en Ucrania por una sucesión de compras y regalos realizados a partir del siglo XIX, cuando fue adquirido por el embajador del imperio ruso en Francia, A. Bazilevski, que se lo regaló en 1870 al gran duque Vladímir Alexándrovich. En la época soviética, pasó a la colección de la Galería de Arte Antiguo, que derivó en el Museo de Arte de Odessa.

La Galería Nacional de Irlanda conserva otra versión de la misma obra del artista italiano
Víctor Nikíforov, director del museo, se mostró conmocionado por el robo, aunque rehusó valorar la pérdida. "Lo que puedo decir es que no tiene precio", declaró. La policía de Odessa explicó que los ladrones se llevaron el cuadro por una ventana que rompieron en la segunda planta del edificio, donde se encontraba El prendimiento de Cristo. Ahora el museo permanece cerrado. Ayer los agentes, apoyándose en perros especialmente entrenados, buscaron pistas en el edificio.

Caravaggio pintó al menos dos versiones de El prendimiento de Cristo. Una se encuentra en la Galería Nacional de Irlanda, en Dublín. La otra es la robada. Los especialistas sostienen que el lienzo fue pintado entre 1573 y 1602 para Asdrubale Mattei, mientras que la versión que se guarda en Irlanda, que fue redescubierta en 1990 en la residencia de la Compañía de Jesús de Dublín, fue pintada para Ciriaco, banquero y hermano mayor de Asdrubale. Ciriaco Mattei afirma en sus libros que en 1603 pagó 150 escudos por El prendimiento de Cristo. Sobre la autoría del óleo de Odessa se dudó hasta que, en los cincuenta, la especialista rusa en Historia del Arte K. Malístskaya demostró que era de Caravaggio.


EL PAÍS
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
Desde luego es apasionado y sorprendente.  No es de mis preferidos, pero esta muy bien la recopilación.  No dejan indiferentes esas expresiones y esos contrastes de luz. Entre el tenebrismo y la risa, la   Un punto picaro italiano.
Muchas gracias jluis.
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
Seychellois, me alegro que te guste la galería de Caravaggio, quizá no sea de los más grandes, pero para mi gusto sí entra entre los 50 mejores pintores de todos los tiempos.

Seychellois,       para no gustarte el discípulo de Tiziano -este si es de los grandes-,        has captado muy bien su estilo.

Como ya he comentado otras veces en las galerías, trato de representar todos los estilos, naturalmente es imposible - a mí tampoco- que nos gusten todos los artistas. A partir de Septiembre incorporaré nuevos trabajos que espero puedas verlos... y estaría muy agradecido que me fueras dando tu sincera opinión.



 
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
jluis, solo hay que ver  "I bari", "picaro, picaro"     con solo un ojo, es capaz de explicar todo el cuadro. Eso si es narrativa.  
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
El misterio por resolver de Caravaggio

Un equipo de científicos buscan el cadáver del pintor, fallecido hace 400 años, para aclarar los enigmas que rodearon su muerte, de la que existen hasta ocho teorías


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Caravaggio - Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 - Porto Ércole, 18 de julio de 1610), fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. Retrato del pintor Caravaggio, dibujado por Ottavio Leoni h. 1621
 
Es público y notorio que Caravaggio llevó una vida pendenciera, turbulenta y violenta, en la que no faltaron las borracheras, las peleas a puños ni los asesinatos. Pero, ¿cómo fue su muerte? La defunción del pintor es objeto de encendidas polémicas desde hace 400 años. Hasta el punto de que al menos ocho teorías distintas se disputan la explicación de sus últimos momentos.

Caravaggio murió de malaria en la playa toscana de Feniglia, afirman algunos. Falleció en medio de una espantosa agonía tras ser herido por sicarios del cardenal Borghese, sostienen otros. Sin embargo, para el historiador de arte Maurizio Marini, uno de los mayores expertos en Caravaggio, el pintor habría pasado a mejor vida a los 38 años en la sección femenina del hospital toscano de Santa María Auxiliadora, donde fue ingresado tras comer alimentos en mal estado y contraer el tifus.

Marini apoya sus afirmaciones en un documento encontrado casualmente en el archivo parroquial de la localidad toscana de Porto Ercole y fechado el 18 de julio de 1609. «Este día murió de enfermedad en el hospital de Santa María Auxiliadora, el pintor Michel Angelo Merisi da Caravaggio», se especifica en el legajo, con caracteres en cursiva bien delineados.

Pero la prueba que ponga definitivamente punto final a las disputas sobre el final de Caravaggio puede estar a punto de llegar. Porque ahora, cuando se cumplen cuatro siglos de la muerte del artista más maldito de todos los tiempos, un grupo de expertos ha decidido lanzarse a la búsqueda de sus restos mortales.

«Las investigaciones históricas y documentales, las inspecciones realizadas y los testimonios que hemos recogido nos han convencido de haber descubierto el lugar en el que Caravaggio está actualmente sepultado», señala Silvano Vinceti, presidente del Comité Nacional para la Valorización de los Bienes Históricos, Culturales y Ambientales y uno de los promotores de esta iniciativa.

Caravaggio, en contra de lo que hasta ahora se pensaba, no habría fallecido en la playa de Feniglia, sino tres días después en el hospital de Santa María Auxiliadora. Y su cadáver fue probablemente enterrado en el vecino y pequeño camposanto de San Sebastián. Sin embargo, ese cementerio fue clausurado en 1956 y todos los restos óseos del mismo trasladados al de Porto Ercole. Es allí donde ahora se concentran todas las pesquisas para tratar de dar con lo que queda de Michelangelo Merisi.

Un grupo de estudiosos, acompañados por un espeleólogo y guiados por Giorgio Gruppioni, profesor de antropología de la Universidad de Bolonia, se ha adentrado recientemente en las profundidades de la cripta del cementerio de Porto Ercole. Los especialistas han examinado los huesos de los aproximadamente 200 cadáveres que allí se conservan, rechazando los pertenecientes a niños y a mujeres y seleccionando aquellos que a priori podrían pertenecer a jóvenes varones fallecidos a principios del siglo XVII.

Los restos que se ajustaban a las características establecidas han sido trasladados posteriormente a la localidad de Ravenna, donde están siendo fotografiados con escáneres, analizados con TAC y sometidos a la prueba del carbono 14, a través de la cual se podrá establecer de manera precisa su antigüedad.

Pero la prueba definitiva será la del ADN. El comité científico al frente de esta iniciativa -en la que colaboran entre otras las universidades de Bolonia, Lecce, Ravenna y Pisa- ha conseguido localizar a un grupo de parientes de Caravaggio; concretamente, a los descendientes varones del hermano del pintor, que aún mantienen el apellido de su ilustre allegado y que continúan viviendo en Caravaggio, la localidad próxima a Milán a la que el artista se trasladó siendo niño y de la que tomó prestado el nombre.

El material genético de los huesos hallados en la cripta del cementerio de Porto Ercole se comparará con el suyo, para establecer de manera definitiva si los restos son los del famoso pintor.

«En la biografía de Caravaggio aún hay muchos puntos oscuros, y encontrar su cuerpo sería el primer paso para solucionar uno de los más complicados enigmas de la historia del arte». Palabra del profesor Gruppioni.


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Caravaggio. La crucifixión de San Pedro, 1601. Capella Cerasi, Santa Maria del Popolo, Roma.



Los últimos años de un pendenciero


>Último viaje. La voluntad del nuevo Papa Pablo V de darle el indulto hizo que decidiera regresar a Roma. En el verano de 1610 el pintor tomó en Nápoles un barco rumbo a Porto Ercole, a 40 kilómetros de la ciudad. El 28 de julio un periódico anunció que había muerto.

>Otra versión. Días más tarde otro rotativo publicó que el pintor había fallecido de fiebres intestinales en Porto Ercole. Pero nunca se supo a ciencia cierta cómo había muerto ni se encontró n su cadáver.

>Asesinato. La noche del 29 de mayo de 1606 Caravaggio asesinó en Roma, probablemente por accidente, a Ranuccio Tomassoni. Huyó a Malta y fue expulsado por «faltas a la moral».

>Indulto. Caravaggio puso entonces rumbo a Sicilia y después a Nápoles, bajo la protección de la familia Colonna. Allí fue víctima de un intento de asesinato, que le desfiguró el rostro.

 
EL MUNDO
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
El auténtico Caravaggio


Para conmemorar el 400 aniversario de su muerte, una exposición en Roma reúne 24 obras atribuidas sin discusión a su mano.



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Ver fotogalería

Caravaggio murió sólo, enfermo, consumido por la malaria, huyendo de sus enemigos... Sin embargo, ahora que se cumplen 400 años de su muerte, hay codazos y empujones para ver sus cuadros. La prueba está en que ya se han vendido, vía Internet, 50.000 entradas de la exposición que hoy abre sus puertas en las antiguas caballerizas del Palacio del Quirinale de Roma en honor de uno de los artistas más pendencieros, tumultuosos, malditos y geniales que haya habido en la historia.

La exposición, la más importante de los muchos actos y eventos con los que durante todo 2010 se conmemora el cuarto centenario de su muerte, es exquisita por su simplicidad: se compone tan sólo de 24 cuadros, todos ellos atribuidos sin ninguna discusión a Micheangelo Meresi, más conocido como Caravaggio por ser esa la localidad del norte de Italia en la que nació.

Proceden de los mejores museos del mundo. Hay cuadros que vienen del Museo Estatal de Berlín, de la Galería de los Uffizi de Florencia, del Museo de Arte de Kansas, de la Galería Nacional de Londres, del Metropolitan de Nueva York, del Hermitage de San Petersburgo, del Museo de Bellas Artes de Nancy...

Hasta la Pinacoteca de Ambrosiana de Milán se ha avenido a prestar, por primera vez desde que en 1607 cayera en sus manos, la famosa 'Cesta de frutas' de Caravaggio. Un cuadro que pertenecía al cardenal Federico Borromeo y que éste amaba tanto que sentenció que excomulgaría a quien osara retirarlo de la pared en la que lo tenía colgado...

En total son cerca de medio centenar las obras que sin ningún género de dudas los especialistas consideran realizadas por la mano de Caravaggio. Lo que significa que la muestra de las Scuderie del Quirinale reúne el 50% de la producción del artista.

Y si a eso se añaden que los 'caravaggios' que se encuentran en varias Iglesias de Roma (las de San Luis de los Franceses, Santa María del Popolo y San Agustín) resulta que en estos momentos en la capital italiana se concentra el 90% de todos los cuadros de Meresi que hay en el mundo."Hemos conseguido reunir un número excepcional de originales de Caravaggio", asegura sacando pecho Rosella Vodret, comisaria de la muestra.


El secreto de un genio

La gran pregunta es: ¿cuál es el secreto de Caravaggio? ¿Por qué este artista despierta tantas y tan encendidas pasiones? Sobre todo teniendo en cuenta que, aunque murió disfrutando del éxito, después de su fallecimiento cayó rápidamente en el olvido. Hasta el punto de que en los siglos XVIII y XIX se le ignoró completa y clamorosamente. Sólo a principios del siglo XX comenzó a ser redescubierto. Hoy es tan famoso como una estrella del rock.

Para Claudio Strinati, el padre de esta exposición, no hay duda: "El interés creciente en la figura de Caravaggio se explica en que es el artista por antonomasia, el de la vida descontrolada, el de la vida que todos querrían vivir pero que ninguno tiene el valor de llevar. Libre, creativo, no sometido a las leyes, siempre en conflicto y siempre desesperado", subraya. "Caravaggio atrae porque se percibe que su vida y su obra están estrechamente conectadas". A diferencia por ejemplo de sus contemporáneos, que idealizaban la realidad, Caravaggio la pintaba en toda su crudeza. Para sus obras utilizaba modelos de carne y hueso, gente real que encontraba por los callejones de Roma.


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La muerte de la virgen. 1601 - 1606. Óleo sobre lienzo, 396 x 245 cm. Museo del Louvre, París.

En el óleo 'Muerte de la Virgen', por ejemplo, utilizó como modelo el cadáver de una mujer que se había suicidado arrojándose al río Tiber, y que tenía los pies sucios y el vientre hincado. Los monjes de Santa María della Scala, que le habían encargado la obra, se escandalizaron tanto cuando la vieron que la rechazaron airados.


Realismo irreverente

El descarando e irreverente realismo de Caravaggio también se puede contemplar ahora en la exposición de las Scuderie del Quirinale, concretamente en 'La conversión de San Pablo'. El cuadro en cuestión le fue encargado en septiembre de 1600 al pintor por el potentado Tiberio Cesarini para decorar su capilla en la basílica romana de Santa María del Popolo. Pero, cuando meses más tarde el pintor le presentó la obra, se quedó horrorizado: el cuadro tenían un aire excesivamente terrenal que resultaba ofensivo. Indignado, Cesarini ordenó a Caravaggio repetir el trabajo.

La segunda versión de la obra, la políticamente correcta, se encuentra en la Iglesia de Santa María del Popolo. La primera, la insolente, fue adquirida en secreto por un cardenal y hoy es propiedad de la familia Odescalchi, una noble dinastía romana que ha dado varios Papas a la Iglesia. Y ahora se puede contemplar en la exposición en las antiguas caballerizas del Quirinale.

 Y, por si fuera poco, la comisaria Rosella Vodret sale al paso con una nueva hipótesis: la posibilidad de que en la mayor parte de sus cuadros Caravaggio se hubiera pintado a sí mismo. Una idea que se le pasó por la cabeza mientras estudiaba, por enésima vez, el 'Narciso' de Caravaggio, que representa al efebo de la mitología griega contempla extasiado su propio reflejo en el agua.

"Comencé a preguntarme desde qué perspectiva había pintado Carvaggio el cuadro, dado que en realidad la imagen de una persona que se mira en el agua desde la posición en la que lo hace Narciso es complemente distinta a la que él pintó". Vodret se puso a trajinar en su casa con unos espejos intentando dar con la solución. Y, según sostiene, la habría encontrado: Caravaggio se habría pintado a sí mismo.


EL MUNDO
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
Fervor romano por Caravaggio


Colas interminables y furor popular ante la más rigurosa exposición del maestro de la luz y la tiniebla, mientras los científicos buscan sus restos



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Varios asistentes a la exposición contemplan la obra Judith decapitando a Holofernes, presente en la muestra en el Quirinal romano. La visita puede ampliarse en tres céntricas iglesias con seis cuadros
  
Los misterios y leyendas de Caravaggio siguen en pie 400 años después de su muerte. Se cuenta por ejemplo que Michelangelo Merisi (Milán, 1571 - Porto Ercole, 1610) pintó en sus 38 años de vida y apenas 18 de oficio un centenar de obras, pero la exposición más rigurosa que se ha celebrado nunca sobre su pintura, la que se abrió el sábado en las Caballerizas del Quirinal romano, solo reúne 23 cuadros.


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San Giovanni Battista, 1603-04

Las filas para ver las tinieblas y la luz, la mirada a caballo entre lo hereje y lo sagrado del genial macarra lombardo, amigo de prostitutas, músicos y gitanos, protagonista de fugas y pendencias, mimado por nobles y papas hasta que fue condenado a muerte por asesinato, han sido enormes todo el fin de semana. Unas 55.000 personas tienen ya reservada su entrada.

La pasión por Caravaggio no tiene fin en Italia: es un ídolo nacional-popular, y en los años sesenta llegó a ser mixtificado como precursor del naturalismo impresionista de Pasolini. Como el amor es ciego, del centenar de obras atribuidas a él o a su taller, los responsables de la exposición (Rossella Vodret y Francesco Buranelli) han rebajado finalmente la cifra hasta 40.


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Bacco, 1597. Museale della città di Firenze - Galleria degli Uffizi

La exposición no reúne todas, pero todo lo que muestra tiene certificado de autoría "documentado". Y se ve junto por primera vez, porque llegan de medio planeta: San Petersburgo, Berlín, Viena, Texas o Tokio. Además, cuelga una tela de dudosa atribución, La captura de Cristo en el huerto, traída desde Dublín para zanjar con un ejemplo la polémica.

El recorrido se abre con el bodegón Cesto de fruta, joya de la Pinacoteca Ambrosiana que en cuatro siglos no ha salido de allí, y ofrece tres versiones distintas del San Juan Bautista (Museos Capitolinos y galería Corsini de Roma, y Nelson Atkins de Kansas, Estados Unidos) y dos de la Cena en Emmaus (National Gallery de Londres y Pinacoteca de Brera).


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Suonatore di Liuto, 1595-1596. The State Hermitage Museum

La visita es un placer exquisito, y se puede ampliar en las céntricas iglesias de Santa María del Popolo, San Luis de los Franceses y San Agustín, donde residen otros seis cuadros monumentales, o descubriendo un tesoro oculto: el óleo sobre pared del Casino Ludovisi, nunca antes expuesto al público.

Algunos autores lamentan la ausencia de algunas obras sicilianas y napolitanas (La flagelación llegará desde Capodimonte en abril), pero todos han sucumbido a la belleza y el rigor de la propuesta, que permite reconstruir la vida nómada de Merisi desde su llegada como joven indigente a Roma hasta su muerte prematura.


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Musici, 1594-1595. The Metropolitan Museum of ArtArt

Nacido en familia noble, Caravaggio tomó el apodo del pueblo donde se casaron sus padres y se quedó huérfano muy joven. Gracias a la amistad de su abuelo con la marquesa Colonna, hermana del cardenal Ascanio, a los doce años marchó a Roma con su tío Ludovico, que era cura, y fue alojado por el canónigo de San Pedro, Pandolfo Pucci, al que el pintor llamaba "monseñor ensalada", se supone que por la austeridad de su cocina.

Tras frecuentar varios talleres, los encargos públicos en San Luis y Santa María (1599) le dieron fama entre los coleccionistas religiosos, lo que implicaría algunos reveses y devoluciones: a su pintura le faltaba decoro. Enseguida su carácter bravío le llevaría a la cárcel: firmó un libelo contra dos pintores bien situados, y escapó a Ascoli Piceno y luego a Génova, donde mataría a Ranuccio Tomassoni por un banal duelo a la pallacorda, el tenis de entonces.


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Cena in Emmaus, 1601. The National Gallery, London

Condenado a la pena capital, en 1606 aparece en Nápoles, donde realiza numerosas palas de altar. Un año después está en Malta, y el masón Alof de Wignancourt, al que retrata, intercede por él ante el Papa. Metido en otra bronca y otra vez en prisión, huye a Siracusa, Messina y Palermo, donde pinta en 1609 La Natividad. El cuadro fue robado por la mafia hace 40 años, y según certican varios pentiti preside todas las reuniones importantes de la cúpula de Cosa Nostra.

Caravaggio huyó entonces a Nápoles, donde sufrió un atentado antes de navegar hasta Civitavecchia en una chalupa cargada de cuadros, que acabarían secuestrados por la fuerza pública. Enfermo y solo, muere en el hospital de Porto Ercole el 18 de julio de 1610. Allí, en la cripta de una capilla, un grupo de científicos busca estos días sus restos con pigmentos entre docenas de calaveras.


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Amorino dormiente, 1608. Olio su tela 72 x 105 cm Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Firenze / Galleria Palatina - Palazzo Pitti Firenze



EL PAÍS
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
¿Es Caravaggio más importante que Miguel Ángel?


El artista lombardo es más estudiado que su colega florentino desde los 80

Murió a los 38 años posiblemente de sífilis, ahora se buscan sus restos

La exposición que se le ha dedicado en Roma está siendo un acontecimiento




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'Judith corta la cabeza a Holofernes', una de las obras de Caravaggio de la exposición de Roma.


Según un estudio de la Universidad de Toronto, la repercusión de la obra y el legado de Caravaggio han superado a la de Miguel Ángel durante los últimos 50 años. Así al menos lo afirma Philip Sohm, historiador del arte de la universidad canadiense que en los últimos años se ha dedicado al estudio de la obra de ambos artistas y ha recopilado documentos relativos a su repercusión en el mundo moderno (libros, exposiciones, artículos...). Pero ¿puede ser que Caravaggio haya desplazado a Miguel Ángel como el artista italiano más reconocido, estudiado y admirado en el mundo?

Repasemos: el 'Juicio Universal' que corona la Capilla Sixtina es, junto a el David, la obra más reconocida de Miguel Ángel y lugar de visita imprescindible para los cientos de miles de turistas que cada año llegan a Roma con la intención de admirar las innumerables obras de arte que se concentran en la capital italiana. Ninguna pieza de Caravaggio puede compararse a ellas. Sin embargo, según Sohm, a partir de los años 80 surgió un renovado interés por la obra de Caravaggio. La 'Caravaggiomania', como la define Sohm, responde a que el artista lombardo es el ejemplo del antihéroe moderno, del rebelde que no sólo vive por y para el éxito. Caravaggio vive intensamente y es a través de su experiencia vital como consigue transmitir un alma especial a sus obras.

Además, el precisión figurativa de las obras de Caravaggio le hace ser, pese al paso del tiempo, un artista actual mientras que Miguel Ángel pertenece a un momento cultural ideal y lejano, a la vista de los estudiosos del arte. Sus hombres musculosos que lanzan condenados al infierno demuestran un ideal abstracto basado en la retórica del Renacimiento, admirado pero remoto, mientras que el realismo de Caravaggio le hace ser mucho más accesible.

Resulta curioso que la obra del genial artista lombardo esté cobrando un especial valor en los últimos años en todo el mundo dado que, tras su muerte en 1610, y pese a haber disfrutado de reconocimiento en vida, fue prácticamente olvidado por la crítica durante los siglos XVIII y XIX.

El mejor ejemplo de la teoría que ha lanzado Sohm desde la Universidad de Toronto lo demuestra la recientemente inaugurada exposición en Roma sobre Michelangelo Merisi, Caravaggio, con motivo del 400 aniversario de su muerte. Se trata, según los críticos, de un acontecimiento único que está teniendo una repercusión a nivel mundial inimaginable. Antes de su inauguración el pasado mes de febrero ya se habían reservado a través de internet más de 50.000 entradas y en sólo 15 días ha recibido la visita de más de 65.000 personas, todo un récord que ha superado incluso a la muestra de Giotto en Florencia en el año 2000.

La exposición recoge 24 pinturas que representan tres períodos de la vida del artista: su juventud (1592-1599), los años que pasó en Roma (1600-1606) y finalmente el exilio, tras ser acusado de asesinato y sentenciado a muerte (1607-1610).

Según Claudio Strinati, director de la organización que gestiona los museos de Roma, "muchas obras han sido falsamente atribuidas a Caravaggio a lo largo de los años por eso para esta exposición hemos elegido pinturas que son de incuestionable autenticidad. Es por ello que en la muestra sólo se podrán admirar pinturas que tienen certificados originales del siglo XVI o son mencionadas en libros por historiadores de la época que lo conocieron personalmente, asegura Strinati.

El talento de Caravaggio, su forma de jugar con la luz, de mezclar lo sagrado con lo profano, y su vida de genio atormentado han hecho de él un ídolo nacional. Su vida despierta aún muchos interrogantes. Murió enfermo y solo en 1610 en Porto Ércole, en Toscana, huyendo de una condena a muerte por el asesinato de un hombre durante una discusión. En la actualidad, continúan saliendo a la luz hipótesis acerca de los motivos reales de su muerte. La última desvela que entre las posibles causas de la prematura muerte del artista milanés con tan sólo 38 años pudo ser la sífilis. Según Silvano Vinceti, presidente del Comité Nacional para el uso del entorno histórico y cultural, que en la actualidad trabaja junto con antropólogos de la Universidad de Bolonia en la búsqueda de los restos de Caravaggio en la región Toscana, "las mujeres han jugado un papel importante en la vida de Caravaggio, tanto como modelos para sus obras que como amantes". De hecho las prostitutas son personajes recurrentes en sus obras.

El equipo trabaja en estos días en la identificación de los restos encontrados en el cementerio de la iglesia de Porto Ercole, donde se supone que podrían estar los restos del pintor. Pretende compararlos con las muestras de ADN recogidas entre los descendientes vivos del artista en el pueblo de Caravaggio, cerca de Milán, donde todavía residen algunos herederos de Michelangelo Merisi. Todavía habrá que esperar varios meses para desvelar uno de los misterios que rodea la vida del artista, el de su muerte.


EL MUNDO


 


Cada cual tiene sus gustos... A mí particularmente me gusta más Miguel Ángel, creo que tiene una obra más brillante, quizá porqué vivió más años le dio tiempo a hacer más cosas, por otra parte creo es más completo como artista pues abarcaba casi todas las disciplinas artísticas, pues como escultor es insuperable, no hay nada más que contemplar su Piedad; además como arquitecto también firmó la etapa final de la construcción de San Pedro con su excepcional cúpula, como pintor, !!Qué decir¡¡ sólo con los frescos de Capilla Sixtina ya es para pasar a la historia. Dicho esto la obra de Caravaggio también es brillante y digna de admiración, algunos cuadros son conmovedores, la fuerza y el impacto visual que trasmite en sus lienzos es casi insuperable. Reconozco que en los últimos años su obra ha sido más valorada, reconocida y publicitada; pero pienso que los dos genios son diferentes, pero a la vez dignos de los más altos honores.
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
¿Fue asesinado Caravaggio?


Un historiador dice que le mataron caballeros de la Orden de Malta

Un equipo rastrea el ADN del pintor en restos óseos para esclarecer su fallecimiento




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La caravaggiomanía no conoce límites, ni razones. A los 400 años de la muerte del genial antihéroe lombardo, la pasión se ha convertido en locura. Un equipo de aventureros, antropólogos y científicos italianos trata de localizar su ADN entre un puñado de huesos y seis personas apellidadas Merisi para conocer la razón de su prematuro fallecimiento, pobre como una rata, a los 39 años. Parece tan difícil como buscar una aguja en un pajar: algunos lo han bautizado como el CSI de Caravaggio.

El artista, asesino convicto y fugitivo -fue condenado por la muerte de un joven-, falleció en 1610 en Porto Ercole (Monte Argentario), a 162 kilómetros de Roma. En aquella época, la zona era un lugar estratégico dominado por el imperio español. Hoy es un pujante centro turístico con playas radical chic (así llamaba Montanelli a los rojos de gustos caros), sol y amarres para yates.

La historia cuenta que Caravaggio llegó en barco, desde Nápoles, enfermo y huyendo de una de sus múltiples pendencias. Y que llevaba sus últimos cuadros consigo. Según un pergamino roto, hallado hace medio siglo, Michelangelo Merisi murió en la enfermería local y fue enterrado en el cementerio de San Sebastián. Pero su cuerpo nunca fue encontrado, y ese misterio sigue intrigando hoy a algunos.

¿Quién o qué mató a Caravaggio? ¿La sífilis, el tifus, la malaria, un espía del Vaticano, un ladrón, un amigo de su víctima? La solución, tal vez, se conocerá cuando acabe, si es que acaba, el experimento que ha organizado Silvano Vinceti, el Indiana Jones del arte italiano, que trabaja como asesor en el Ministerio de Turismo en Roma.

Vinceti es un tipo controvertido en Italia. Aunque no es un historiador sino, confiesa, un "diletante apasionado", ha escrito 23 libros y adora los misterios antiguos. "Mi amigo Vittorio Sgarbi dice que soy un voyeur necrófilo, pero me gusta resolver los enigmas del pasado utilizando la necrociencia", explica. ¿Necro qué? "Abrir tumbas y datar los huesos".

Presentador de programas culturales en la RAI hasta 2003, desde entonces se ha dedicado a rastrear, con la ayuda de historiadores locales y un georradar, los restos mortales de poetas y filósofos ilustres: Matteo Boiardo, Petrarca, Dante, Leopardi, Pico della Mirandola y Poliziano.

Con resultados variables: "De Boiardo encontramos un diente. De Dante pudimos reconstruir la cara. La calavera de Petrarca era de una mujer. Los descendientes de Leopardi no colaboraron. Y descubrimos que Della Mirandola y Poliziano fueron probablemente asesinados con arsénico".

Ahora, mientras las colas de la exposición romana de Caravaggio -hasta junio en las Escuderías del Quirinal- siguen dando la vuelta a la manzana, la búsqueda de su ADN ha entrado en la segunda fase. Tras hallar nueve huesos de hombres adultos en el cementerio de San Sebastián, el equipo de Vinceti acaba de tomar muestras de saliva a seis personas apellidadas Merisi que viven en Caravaggio, cerca de Milán.

Antes de contar lo que hará con las tomas, Vinceti recuerda que el factor español puede ayudar a solucionar el misterio. "Sabemos que Caravaggio fue nombrado caballero por Felipe III (1578-1621) por sus méritos artísticos, y que Pedro Fernández de Castro, virrey de Nápoles, escribió al auditor de Porto Ercole ordenándole que enviara los efectos de Caravaggio a Nápoles. No tenemos la respuesta del auditor, pero la carta prueba que los españoles sabían que murió allí y que llevaba sus últimos cuadros".

Según Vinceti, un historiador local ha documentado que los españoles enviaron una patrulla a la playa donde desembarcó Caravaggio y lo llevaron a uno de los fuertes españoles. Quizá Caravaggio les dijo que era caballero. Quizá le llevaron al hospital y guardaron los cuadros. "A Nápoles solo volvieron dos obras", dice Vinceti. "Meteremos el georradar en el fuerte Filippo por si acaso".

Otro historiador del arte, Vincenzo Pacelli, de la Universidad Federico II de Nápoles, acaba de escribir, en cambio, que Caravaggio habría sido asesinado por los Caballeros de Malta con la tácita aprobación del Vaticano. La tesis no ha sido siquiera comentada por el portavoz vaticano, y los caballeros de Malta la han calificado como "ciencia-ficción".

Mientras surge, o no, la verdad, Arturo Cerulli, el alcalde de Monte Argentario, prepara los actos del 400º aniversario. "Sabemos que Caravaggio murió aquí, y en el pueblo siempre le hemos tenido mucha veneración. Pero dejemos que hablen los científicos", dice. La pregunta es inevitable. ¿No será todo un camelo, una truffa, una operación de marketing? "Vinceti es una especie de Indiana Jones, pero parece riguroso, es un ratón de biblioteca y dirige un comité científico serio", se defiende el alcalde. "Si aparecen restos u obras nos permitiría ampliar la oferta de playa al turismo cultural. Pero si no aparecen, el aniversario lo celebraremos igual".

Giorgio Gruppioni, catedrático de Antropología en la Universidad de Bolonia y coautor con Vinceti de un libro sobre misterios italianos, ha recogido restos de la cripta de San Sebastián. Su equipo encontró "23 huesos distintos, pero sólo nueve pertenecían a un hombre adulto". Ahora, Gruppioni ha enviado algunos fragmentos a dos universidades y a un laboratorio privado. "En el laboratorio haremos pruebas de metales pesados", explica Vinceti. "Si aparece plomo en altas cantidades, puede significar que son de Caravaggio. Para sus claroscuros usaba colores con mucho plomo. En Lecce dataremos los huesos con carbono 14 para saber a qué siglo pertenecen. Y en L'Aquila se harán exámenes de histología para saber la edad del dueño de los restos".

Si todo encaja, se abriría la tercera fase del CSI. "Compararemos los ADN de los seis supuestos familiares de Caravaggio para buscar elementos comunes. Y luego los confrontaremos con el ADN de los huesos", cuenta Vinceti. Si coinciden completarán la investigación en el Departamento de Microbiología de la Universidad de Pisa, que determinará de qué murió Caravaggio.

Desde la atalaya de sus 90 años, el conde Fabrizio Dentice d'Accadia, autor de algunos ensayos sobre el pintor, ve con escepticismo la aventura. Pero cree que es de justicia indagar el final del fugitivo hiperrealista. "Cambió el curso de la pintura de un día para otro. Dejó de representar el arte sacro de forma idealizada y lo representó como un mundo de carne y hueso, normal y corriente, como nosotros mismos, pobrecillos. Con su genio y su mal carácter, pintó sólo lo que le dejaron pintar".


Claroscuros vitales


- Michelangelo Merisi nació en 1571 en Milán.

- Se trasladó a Roma para probar fortuna. Allí comenzó a inspirarse en buscavidas para sus retratos bíblicos.

- Fue detenido en numerosas ocasiones por ofender a los guardas del Papa o llevar armas ilegales.

- El episodio más grave fue la muerte de Ranuccio Tommasoni, que le obligó a huir a Malta.


EL PAÍS
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
Sigue desaparecido el cuadro de "Natividad de los santos", de Caravaggio

Fue robado en 1969 en la iglesia italiana de San Lorenzo de Palermo




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Natividad con San Francisco y San Lorenzo, 1609. Óleo sobre lienzo (268 x 197 cm). En paradero desconocido. Autor: Michelangelo Merisi da Caravagio (Italia 1571-1610).


Todo apunta a que lo tiene la mafia. Uno de sus miembros intentó negociar un mejor trato carcelario a cambio de informar sobre su paradero. Otras fuentes apuntan a que fue quemado.

Caravaggio ha subyugado a numerosos escritores por su indiscutible genialidad y por su agitada vida. Un pintor con sombras bellísimas sobre el lienzo y oscuridades inquietantes en su vida de “culebrón”. Vehemente, acerbo y con especial habilidad para tener líos con la justicia, estuvo encarcelado en varias ocasiones: por injurias, por arrojarle un plato de alcachofas a un ventero, por apedrear a los sbirri, la denostada policía romana… En 1606 durante una pelea mató (según las crónicas involuntariamente) en defensa propia y con la mera intención de herirle, a un principal enemigo suyo. Fue sentenciado a muerte, viéndose obligado a huir de Roma y ser un fugitivo hasta el final de sus días. Este acontecimiento le volvió más taciturno y sombrío y sus obras, más que nunca se impregnaron de sus propios sentimientos trágicos.

En Sicilia pintó dos Natividades en la misma etapa artística, muy diferentes en intención y resultado. La “Adoración de los pastores”, un encargo de los monjes capuchinos de Mesina, es en ciertos aspectos más ortodoxa. A la de Palermo, mostrada aquí, para el oratorio franciscano de San Lorenzo, la dotó de un cariz más devoto, ajustándose a los deseos de sus pagadores. Para ello utiliza el recurso anacrónico de incluir en la escena dos santos. San Francisco, austero y reflexivo, se sitúa en actitud de adoración justo a la espalda de María. San Lorenzo, patrón de la oración, aparece a la izquierda del lienzo. El pintor da a este último personaje una clara preeminencia, reservándole más de la mitad del espacio horizontal del lienzo, casi tanto como el conjunto de las otras cuatro figuras adultas, situándole en el primer plano y vistiéndole con unas luminosas ropas talares ocres que destacan en la penumbra de la composición. Los personajes todos ataviados contemporáneamente no poseen, ni siquiera el niño, halos u otros signos de santidad o deidad. Únicamente el ángel alude a la divinidad. Para representar a la madre recurre a la iconografía de las Madona del Parto. La mujer no permanece en actitud de adoración como suele ser habitual; contempla a su hijo con dulzura mientras sentada en el suelo descansa de los trabajos del parto, con las ropas aún desordenadas y el cabello recogido con sencillez, sin tocado. Como curiosidad, el José de esta pintura aparece inusualmente juvenil, con las piernas sólo parcialmente cubiertas con un manto y girado con despreocupación para conversar con un hombre al que le señala a su hijo.

Desgraciadamente no podemos apreciar esta magnífica pintura al natural, "Natividad con San Francisco y San Lorenzo", 1609, del genial Caravaggio; ya que el 17 de Octubre de 1969 fue robada del Oratorio de Palermo (Italia). Segúntestimonio del mafioso Spatuzzi, juzgado en 1997 y desde hace dos años se convirtió en confidente de la policía, reconoció que el cuadro fue quemado en la década de 1980.


Fuentes: remi.uninet.edu /actualidad.rt.com



Por cortesia de Matías, aprovecho para poner un interesante enlace de Caravaggio: http://www.caravaggio.rai.it/index_en.htm



 


Saludos
 




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Post Re: CARAVAGGIO 
 
Un Caravaggio es el último capricho de Berlusconi


El Primer Ministro italiano ofrece a la propietaria de La conversión de Saulo de Caravaggio cien millones de euros por la obra



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'La conversión de Saulo', de Caravaggio, 1600 Pintura al óleo 230 cm × 175 cm Colección Odescalchi Balbi, Roma, Italia
 
El primer ministro de Italia, Silvio Berlusconi, quiere comprar la tabla La conversión de Saulo, de Caravaggio, que ha estado expuesta en Roma en la magna exposición celebrada sobre el maestro del claroscuro hasta ayer, y le ha ofrecido cien millones de euros a su propietaria actual.

Según informa hoy el diario Il Messaggero, las negociaciones para la compra de la obra, que mide 237x189 centímetros y cuyo precio estimado se sitúa entre los 50 y los 70 millones de euros, comenzaron hace unos seis meses.

El primer ministro, según el diario romano, le ha propuesto a su actual dueña, la princesa Odescalchi, pagarle cien millones de euros por este cuadro, pintado entre 1600 y 1601 y que ayer fue devuelto, una vez cerrada la muestra, que ha tenido gran éxito de público y de crítica, a su palacio de la plaza de los Santísimos Apóstoles, de Roma.

Actualmente, los expertos en arte que asesoran a Berlusconi están estudiando el estado de conservación del cuadro. La comisaria de la reciente muestra de Caravaggio, Rosella Vodret, ha dicho que se sabía que había movimientos de compraventa en torno a obras de Caravaggio, pero que desconocía que La conversión de Saulo fuera una de ellas.

"El Estado tendrá derecho de retracto, pero le costará tanto que no podrá permitirse pagarlo", ha añadido. Ya en los años 80, los Odescalchi quisieron vender la pieza a la fundación Magnani-Rocca, por un cuarto del precio de hoy, pero los vendedores se echaron atrás en el último momento.

Los propietarios son la princesa Nicoletta, viuda de Giudo Odescalchi, y sus dos hijos Vittoria y Michele. El diario subraya que existe obligación legal de notificar los acuerdos en curso entre privados, para que el Estado pueda ejercer el derecho de prelación sobre la compra.

Una vez que se haya consumado la venta, si la persona que ha comprado la obra quiere sacarla de Italia, debe pedir autorización al Estado, así como prestarla si aquél se la pide para una exposición.


EL MUNDO



 

¡¡Qué barbaridad el caprichito de Silvio Berlusconi!!, no digo que el cuadro de Caravaggio no lo valga, pues actualmente es de lo más cotizado, pero estas obras maestras deberían estar en museos, para el disfrute de la gente corriente y aficionados al arte... y no para que presuma ningún millonario de su presa ante sus amigotes o amigotas que le rodean.
 




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INVESTIGACIÓN | Sus restos, en la Toscana


Científicos afirman haber hallado restos de Caravaggio

El misterio de la sepultura de Caravaggio, al descubierto
  


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Los supuestos restos del pintor.

Los restos mortales del maestro del barroco italiano Michelangelo Merisi, conocido como 'Caravaggio' (1571-1610), fueron sepultados en el antiguo cementerio de San Sebastián en la localidad de Porto Ercole, una pequeña y pintoresca ciudad toscana a la que fue a parar cuando se dirigía a Roma, pero la enfermedad y la muerte le impidieron llegar.

El anuncio llega desde Ravena, al noreste del país, donde los responsables de una compleja investigación han desvelado uno de los grandes misterios que envolvían la turbulenta vida del genio del claroscuro, que se vio obligado en 1606 a huir de Roma al ser condenado a muerte por el asesinato de uno de los hermanos Tomassoni.

El profesor Silvano Vincenti, responsable de la investigación, explicó que todos los indicios apuntan a que el pintor padecía neurosífilis, una forma de sífilis con efectos sobre la memoria y que puede provocar delirios, además de saturnismo, enfermedad que afectaba a muchos pintores de la época, debido a la asimilación de los pigmentos del plomo.

Dos enfermedades que debilitaron el organismo de Caravaggio quien en estas condiciones no pudo superar el verano de 1610 cuando se registraron las temperaturas más elevadas de los últimos treinta años de la época y murió, dijo Vincenti.

El pasado diciembre los investigadores, provenientes de cuatro universidades italianas, exhumaron de una fosa común del cementerio de Porto Ercole, adonde en 1956 habían sido trasladados parte de los restos del viejo camposanto de San Sebastián, los huesos de una veintena de personas, entre los que se creía que podían estar los del pintor.



En busca de su ADN


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Los supuestos restos de Caravaggio.

Tras cerciorarse de que los huesos exhumados eran los que en el pasado fueron sepultados en el cementerio de San Sebastián, fueron sometidos a la prueba del carbono 14 que desveló que pertenecían a un individuo que vivió entre 1522 y 1647. Otra serie de análisis evidenciaron que los restos óseos pertenecían a una persona de entre 173 y 176 centímetros de estatura y que había fallecido entre los 37 y los 43 años.

Estos resultados refuerzan la teoría de que los restos hallados en el cementerio pertenecen a Caravaggio, puesto que los testimonios que han llegado hasta nuestros días le describen como una persona de complexión grande y se estima que falleció en torno a los 39 años.

Posteriormente, se intentó verificar la identidad de los restos con una prueba de ADN, para lo que se tuvo que recurrir al análisis de la descendencia de la hermana del pintor Caterina Merisi, puesto que ni el pintor ni sus hermanos varones tuvieron hijos.

La pista de Caterina Merisi resultó no ser concluyente al extinguirse la línea de sucesión, por lo que los investigadores recurrieron al análisis del ADN de personas que en la actualidad se apellidan Merisi o su derivado Merisio.

Los análisis concluyeron que las personas estudiadas con este apellido comparten una misma condición genética, explicó el profesor Giorgio Grupponi, de la Universidad de Bolonia, quien señaló que los resultados no fueron concluyentes, por lo que será necesario continuar esta línea de investigación.

Sin embargo, y a pesar de los resultados de los análisis del ADN, los investigadores concluyeron que se puede afirmar, con un 85% de probabilidad, que los restos hallados en Porto Ercole se corresponden con las características del pintor.

Si a esto se suman los documentos y descripciones históricas de las que se dispone, según Vincenti, puede afirmarse que finalmente "han sido hallados los restos de Caravaggio", poniendo fin a una de las grandes incógnitas de la historia del arte, cuando se cumplen 400 años de la muerte del artista.


EL MUNDO
 




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Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Post Re: CARAVAGGIO 
 
Caravaggio: ¿hallazgo o turismo?


Los huesos del pintor se encontraban en una fosa común

La última exposición de su obra fue visitada por 580.000 personas

Sus últimos cuadros fueron dos de San Juan y una Magdalena

Alessandro Ferrini dio las pistas para encontrar los restos óseos



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Un equipo de investigadores sostiene que ha identificado los restos del pintor y que este murió en el fuerte español de Porto Ercole. En la imagen: Urna con los restos que se presuponen del pintor
  
El monumento a Caravaggio en Porto Ercole (Toscana) es un abigarrado conjunto escultórico de hierro forjado. Contiene una espada enorme, los barrotes de una celda, una cruz de Malta, una manta extendida en el suelo, y en una esquina un monolito de piedra que no se sabe qué hace ahí. No resulta fácil encontrarle un atractivo. Pero la pieza tiene su sentido: está situada sobre la fosa común donde en 1956 fueron hallados unos huesos humanos que ahora, tras un año de investigación histórica combinada con pruebas de ADN y de carbono 14, parecen haber resuelto por fin un enigma de 400 años de edad.

Nadie sabía hasta ahora cómo murió y dónde fue enterrado el tahúr, asesino y pendenciero genio del claroscuro (Milán, 1571-1610). El desconocido historiador local de Porto Ercole, Alessandro Ferrini, un jubilado encantador que lleva años persiguiendo el rastro del pintor, tenía una teoría. Y seguramente es el que más se ha acercado a la verdad.

Las pesquisas de este hombre modesto, ex capitán de la marina mercante que se define como "historiador diletante", dieron al equipo científico coordinado por el Indiana Jones italiano, Silvano Vinceti, una base sólida para investigar.

"Gracias a él pudimos encontrar el fémur, el trozo de cráneo, la mandíbula y el trozo de calavera y confirmar tras realizar todas las pruebas científicas que pertenecían a Caravaggio", explica Vinceti, que ha dirigido a un grupo de genetistas y antropólogos por cuenta del Ministerio de Turismo italiano.

Porto Ercole es un lugar con historia: este pequeño puerto natural fue plaza militar española durante más de dos siglos. Hoy viven aquí 3.200 personas y en sus muelles atracan más de 1.000 yates y veleros. Solo hay un par de hoteles, pero harán falta más si se queda finalmente aquí la reliquia de Caravaggio. De momento, el 3 de julio habrá una exposición temporal.

Mientras paseamos por la calle Caravaggio, Ferrini va contando los detalles de la historia. "La iglesia de San Sebastián estaba justo en este punto", dice señalando a la lavandería cercana al monumento. "Un día encontré en el archivo diocesano una carta del obispo fechada en 1629 que ordenaba al párroco que sacaran los huesos de la iglesia y los pusieran en una fosa común. Ahí encontramos los huesos".

Su hipótesis sobre los últimos días de Caravaggio daría para una gran novela. "Yo creo que murió en el fuerte español de San Filippo tras un par de días de agonía. En 1555, los españoles y los florentinos ocuparon el pueblo. Esto era como Gibraltar, estaba lleno de espías y las barcas que iban de Nápoles a Génova paraban siempre aquí. El lunes 12 de julio de 1610 había tomado un velero en Nápoles. Iba cargado con sus cosas y sus cuadros", explica. "Iba a Roma, donde esperaba que el Papa le indultara de su condena a muerte. Los últimos cuadros que había pintado en Nápoles, dos de san Juan y una Magdalena, eran el pago del indulto".

Pero Caravaggio no llegó a Roma. "La primera parada desde Nápoles era Palo. Al llegar, Caravaggio fue arrestado y pasó dos días en la cárcel. Los cuadros se quedaron a bordo. Pagó su libertad al carcelero. Al salir, pensando que el velero habría seguido ruta hacia el norte, fue andando a Civitavecchia, y luego en barca hasta Porto Ercole. Debió bajar en una playa cercana. Los guardias españoles lo encontraron y le llevaron al fuerte al ver que se trataba de un artista famoso y además Caballero del Rey español. Estaba muy enfermo, hacía mucho calor, y el día 18 murió. Probablemente de septicemia, a causa de la puñalada que recibió en la cara unas semanas antes".

Los marineros no fueron al norte. Volvieron a Nápoles con los cuadros y se los entregaron a la marquesa Sforza Colonna. No hay pruebas del desembarco de Caravaggio en Porto Ercole, su nombre no apareció en el registro de defunciones. "Los españoles siempre anotaban todo, es muy raro que no lo hicieran", admite Ferrini. "La razón es que no quisieron decir que había muerto porque esperaban encontrar los cuadros en secreto".

¿Sucedería así? ¿Serán ese fémur y ese cráneo de Caravaggio? Silvano Vinceti tiene la "certeza absoluta". Sus científicos, un 85%. Claudio Strinatti, historiador del arte del Ministerio de Cultura e impulsor de la maravillosa exposición que han visto 580.000 personas en Roma, cree que es "conmovedor que en el 400º aniversario de su muerte el destino nos haya acercado a su cuerpo".

Habrá gente que dude. La pasión por Caravaggio es universal, 400 años son muchos y vendrán nuevas teorías. La penúltima es del historiador inglés Graham Dixon. Su nuevo libro, que se publica ahora en Reino Unido, asegura que el pintor fue un proxeneta competente y que mató a Ranuccio Tommasoni, otro chulo de mujeres, no por haber perdido un partido de pelota sino en un duelo de doble honor: por un asunto de cuernos y por otro de celos profesionales.


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Arriba, detalle de la obra Martirio de santa Úsula, de Caravaggio. En este cuadro aparece un autorretrato del pintor.


EL PAÍS
 




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La policía alemana recupera un 'caravaggio'... ¿o su copia?

'El prendimiento de Cristo' fue robado hace dos años de un museo de Odesa
  




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'El prendimiento de Cristo' de Caravaggio

Los expertos consideran que los daños sufridos El prendimiento de Cristo en sus dos años en poder de los ladrones se pueden arreglar. De lo que no están tan seguros es de que la obra sea un caravaggio auténtico. El diario berlinés Der Tagesspiegel recogía ayer la opinión contraria del responsable de arte barroco italiano y español de la Gemäldegalerie de Berlín, Roberto Contini. Para este experto, la obra robada es "una buena copia" del cuadro original, que cuelga en la National Gallery de Dublín. Así que la espectacular recuperación de la pieza sustraída en Odesa en 2008 ha abierto una nueva discusión sobre su autenticidad.

La autoría de El prendimiento de Cristo de Odesa no fue objeto de controversias hasta las dudas surgidas con el hallazgo de la versión dublinesa en 1990. El cuadro irlandés había pasado 60 años decorando un comedor de los jesuitas de la capital. Contini sostiene que "basta con ver ambos cuadros para percatarse de cuál es de Caravaggio". Los expertos ucranios dan ambos por auténticos. El caso aún no está cerrado.

Las pesquisas policiales, en cambio, sí. Robar un cuadro célebre en un museo de provincias es mucho más fácil que venderlo. El viernes pasado lo constataron los cuatro ladrones detenidos en Berlín cuando intentaban vender El prendimiento de Cristo. De ser auténtica, la pieza vale hasta 100 millones de euros. La banda entró de noche en el museo de Odesa y cortó el lienzo de su marco. El robo suscitó un gran revuelo en Ucrania, donde la policía ha detenido ahora a otras 20 personas acusadas de participar en la operación de robo y venta. Esta debía cerrarse el viernes en Berlín, donde efectivos del grupo policial de élite GSG-9 y de la Oficina Federal de lo Criminal, BKA, interrumpieron la transacción. Los detenidos, tres ucranios y un ruso, estaban reunidos con el supuesto comprador. Según el BKA, son miembros de una banda especializada en el robo de obras de arte.

El 31 de julio de 2008, los trabajadores del museo de Odesa se encontraron con un marco vacío donde debía estar la obra maestra. La policía explicó entonces que los ladrones habían burlado a la vigilancia aprovechando que el museo cerraba el día 30. El obsoleto sistema de alarma habría funcionado solo si hubieran roto las ventanas. Pero los asaltantes arrancaron con cuidado un cristal por el que entraron con una cuchilla para cortar el lienzo. Escaparon por el tejado. Algunos medios ucranios sostuvieron que las alarmas estaban apagadas para ahorrar energía. Vitali Abramov, director de otro museo de Odesa, habló de "tragedia nacional". No ya por el valor económico, sino porque "apenas hay obras de este tipo en toda la antigua Unión Soviética".

Caravaggio auténtico o excelente copia, el cuadro también conocido como El beso de Judas es una de esas instantáneas con muchas figuras en poses dramáticas que dan fama al italiano. Muestra el momento bíblico en que Judas traiciona a Cristo en el monte de los Olivos. San Juan grita aterrado y Jesús acepta el beso de Judas, mientras un soldado romano vestido de condotiero le echa la mano encima para arrestarlo. La figura que sostiene una linterna a la derecha del lienzo es, posiblemente, Caravaggio. Los que, como Contini, creen que no es verdadero, lo datan unos 25 años después de la obra de Dublín, fechada en 1602.


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Identificados 400 años después de su muerte


Los restos de Caravaggio, expuestos por primera vez



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Las autoridades reciben los restos en Porto Ercole. | AP

Los restos del maestro del barroco italiano Michelangelo Merisi, conocido como 'Caravaggio' (1571-1610), han sido mostrados al público en el puerto toscano de Porto Ercole por primera vez desde su identificación.

Han sido necesarios 400 años para que los investigadores lograran asignar los restos al pintor italiano. Ha sido gracias a los análisis de carbono 14 y ADN realizados al osario, que ha sido exhibido en una urna de cristal rectangular a su llegada a Porto Ercole, región donde Caravaggio falleció de paludismo.

Las autoridades locales han organizado una ceremonia "para dar una sepultura digna" al gran pintor, genio del realismo y revolucionario de la historia del arte. "Estoy feliz por su regreso y por poder darle la sepultura que merece", ha declarado Silvano Vinceti, coordinador de la investigación y presidente del Comité Nacional por la revalorización de los bienes históricos y culturales.

La urna permanecerá expuesta durante todo julio en el enclave Forte Stella, junto a fotografías de las diferentes etapas de las investigaciones que han permitido la identificación.

Fallecido cuando huía de Roma
Los restos mortales de Caravaggio fueron sepultados en el antiguo cementerio de San Sebastián de Porto Ercole, una pequeña y pintoresca ciudad toscana a la que fue a parar cuando huía de Roma —donde había sido condenado a pena capital por asesinato—, pero la enfermedad y la muerte le impidieron llegar.

El profesor Vincenti explicó que todos los indicios apuntan a que el pintor padecía neurosífilis, una forma de sífilis con efectos sobre la memoria y que puede provocar delirios, además de saturnismo, enfermedad que afectaba a muchos pintores de la época, debido a la asimilación de los pigmentos del plomo.

Dos enfermedades que debilitaron el organismo de Caravaggio, quien en esas condiciones no pudo superar el verano de 1610, cuando se registraron las temperaturas más elevadas de los últimos 30 años de la época y murió, explicó Vincenti.

El pasado diciembre los investigadores, provenientes de cuatro universidades italianas, exhumaron de una fosa común del cementerio de Porto Ercole, adonde en 1956 habían sido trasladados parte de los restos del viejo camposanto de San Sebastián, los huesos de una veintena de personas, entre los que se creía que podían estar los del pintor.

Tras cerciorarse de que los huesos exhumados eran los que en el pasado fueron sepultados en el cementerio de San Sebastián, fueron sometidos a la prueba del carbono 14 que desveló que pertenecían a un individuo que vivió entre 1522 y 1647. Otra serie de análisis evidenciaron que los restos óseos pertenecían a una persona de entre 173 y 176 centímetros de estatura y que había fallecido entre los 37 y los 43 años.

Estos resultados refuerzan la teoría de que los restos hallados en el cementerio pertenecen a Caravaggio, puesto que los testimonios que han llegado hasta nuestros días le describen como una persona de complexión fuerte y se estima que falleció en torno a los 39 años.

En busca de descendientes
Posteriormente, se intentó verificar la identidad de los restos con una prueba de ADN, para lo que se tuvo que recurrir al análisis de la descendencia de la hermana del pintor Caterina Merisi, puesto que ni el artista ni sus hermanos varones tuvieron hijos.

La pista de Caterina Merisi resultó no ser concluyente al extinguirse la línea de sucesión, por lo que los investigadores recurrieron al análisis del ADN de personas que en la actualidad se apellidan Merisi o su derivado Merisio.

Los análisis concluyeron que las personas estudiadas con este apellido comparten una misma condición genética, explicó el profesor Giorgio Grupponi, de la Universidad de Bolonia, quien señaló que los resultados no fueron concluyentes, por lo que será necesario continuar esta línea de investigación.

Sin embargo, y a pesar de los resultados de los análisis del ADN, los investigadores concluyeron que se puede afirmar, con un 85% de probabilidad, que los restos hallados en Porto Ercole se corresponden con las características del pintor.

Si a esto se suman los documentos y descripciones históricas de las que se dispone, según Vincenti, puede afirmarse que finalmente "han sido hallados los restos de Caravaggio", poniendo fin a una de las grandes incógnitas de la historia del arte, cuando se cumplen 400 años de la muerte del artista.


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