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MIGUEL ÁNGEL
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Mensaje MIGUEL ÁNGEL 
 
Este trabajo recopilatorio quiero dedicarlo al artista para mí -Junto a Leonardo y Rafael-, más grande: el genial escultor, pintor y arquitecto: Michel Angelo Buonarroti. Su obra no necesita presentación...


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Portrait of Michelangelo at the Time of the Sistine Chapel. c.1504-1506. Por Marcello Venusti.

Miguel Ángel (1475-1564) entró de aprendiz a los trece años; en el taller de Doménico Ghirlandaio, donde se establecía que debería participar activamente en sus obras por un período prolongado. Fue aquí, donde Pietro Torrigiani, alegando que Buonarroti tenía la costumbre de corregir lo que otros dibujaban, buscando la perfección; le diera un puñetazo en la nariz, que lo marcaría para toda la vida, dándole su característico perfil. Transcurrido su primer año de estudios junto a Ghirlandaio, Miguel Ángel decidió asistir a otro taller patrocinado por Lorenzo de Médici “el Magnífico", en el Jardín de San Marcos. En esta academia se estimulaba el estudio y la reproducción de antiguos restos arqueológicos. Allí aprendió muy bien a imitar las esculturas antiguas y las pátinas que dejan en ellas el tiempo. "Falsificó obras de varios maestros antiguos, tan similares que no se reconocía la verdadera". Pese a contradecir a su familia porque la elección de un "oficio" tan poco honorable era considerado un descrédito para su rango, él sin embargo continúa con su deseo. Lorenzo de Médici pasó a ser su protector y mecenas, pero cuando éste muere en 1492 por las convulsiones políticas que este deceso supone, harán que Miguel Ángel vuelva a la casa paterna para darse a conocer públicamente y evitar el reproche familiar. En ese período realiza un crucifijo en madera (su primer escultura) para Niccolo di Giovanni di Lapo Bicchiellini, quien le da vivienda y le provee cuerpos para poder investigar y aprender sobre la musculatura humana...

He realizado una extensa recopilación de su grandiosa y maravillosa obra, que espero guste a los aficionados al arte que visitan esta sección del foro de xerbar.




Resumen Biográfico

Miguel Ángel Italia. (1475-1564) Michel Angelo Buonarroti, nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo de 1475, a las pocas semanas de su alumbramiento, la familia se trasladó a Florencia, fue confiado a una nodriza, hija y esposa de canteros, del cercano pueblo de Settignano, allí entre piedras pasó Miguel Angel sus primeros años, y de allí arranca su temprana vocación que le conducirá al taller de Ghirlandaio, el 1 de abril de 1488, después de vencer la enconada resistencia del padre. Un año después Lorenzo el Magnífico lo incorpora a la recién fundada Academia florentina y duerme en el palacio, en la Via Larga, junto a la habitación de Bertolo di Giovanni, discípulo de Donatello...


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Retrato de Miguel Ángel Buonarroti, por Giulio Bonasone, 1546.

... El 25 de junio de 1496 se traslada a Roma, es durante esa época cuando esculpe la "Piedad" única obra firmada por el divino artista, allí trabajó para el papa Julio II que le encargó realizar una tumba digna del genio conquistador del pontífice, el escultor se enfrascó en su tarea, de la cual no tardaría en ser apartado, quizás, dice la leyenda, por la envidia de Bramante, el arquitecto de San Pedro. A Miguel Angel se le encarga la decoración de la Capilla Sixtina. Frustado, accede, no sin reticencias, y descarga su ira en las escultóricas formas.

Se tiende cuan largo es encima de los andamios, en absoluta soledad y sin poder contemplar el efecto final de sus pinceles. Las pinturas manchan sus ojos y su cuello se resiente de la tensión. Durante un año pudo gozar el papa de la obra que estimuló a fuerza de gritos, arrebatos de ira, golpes y delaciones en los pagos. Moría al año siguiente, reavivando en Miguel Angel la esperanza de proseguir la tumba encomendada.

León X, el nuevo papa, le encarga la tumba de los Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo. Pero el pontífice muere en 1521 y su sucesor, Adriano VI, el bárbaro venido de los Países Bajos, cardenal de Tortosa preceptor de Carlos V, absolutamente impermeable ante la belleza, no está para pagar esculturas.

En 1534 es nombrado papa Paulo III, el papa de Trento, el nuevo pontífice le encarga a Miguel Angel la decoración del testero principal de la Capilla Sixtina con el tema apocalíptico del Juicio Final. Junto al encargo, Miguel Angel recibe el nombramiento de primer arquitecto, escultor y pintor del Vaticano. En su nuevo fresco el airado, contradictorio, el hombre de la ira y del celo de Dios, abre encima mismo del altar pontificio la puerta del infierno con gesto más elocuente y reformista que el del mismo Lutero.


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En el rostro de Nicodemo de la Piedad Bandini Miguel Ángel realizó su propio autorretrato.

La amistad que entabló con Vittoria Colonna, marquesa de pescara, dulcificó su cólera, esa mujer fue tabla de náufrago para el solitario artista que sólo hablaba con Dios y, a veces, con el papa. En 1547 muere la mujer amiga y amada. El hecho sumergió a Miguel Angel en un dolor insoportable y transformó su existencia.

A primeros de febrero de 1564 la duradera litiasis, la arterioesclerosis, la caída de un andamio, han postrado al coloso en el lecho. El 18 de Febrero muere erosionado, pulverizado al fin por sus ochenta y ocho años. Cuatro meses después sus restos son trasladados a la ciudad de los Médicis.

Veintisiete años después de su muerte se levantaba en Roma, conclusa y perfecta como una resurrección, la más célebre cúpula de la cristiandad, que él trazó como una imagen viva del cosmos, como un gran vientre materno que le protegía, como símbolo viviente de una de las existencias más grandes, dolorosas, solitarias y fecundas de la historia humana.


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Tumba de Cecchino dei Bracci diseñada por Miguel Ángel.



Casa y Museo Buonarroti


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Casa Buonarroti. Es un museo consagrado a Miguel Ángel en la ciudad de Florencia, situado en el palacio de la familia Buonarroti, en la esquina de la Via Ghibellina y de la Via Buonarroti.

No es la casa natal de Miguel Ángel Buonarroti, pues lo hizo en Caprese en la provincia de Arezzo, sino que se trata de una de las casas en que vivió el artista. Su sobrino Leonardo, en los años 1546 a 1553 hizo edificar el palacio que fue luego ampliado y restaurado en su actual forma en 1612 por Miguel Ángel el Joven, hacia 1612. El Joven utilizó un proyecto que comprendía dos diseños del propio Miguel Ángel. Su último descendiente, Cosimo, ofreció el edificio y sus colecciones a la ciudad, y en 1859, un año después de su muerte, el palacio fue abierto como museo.

El aspecto externo del palacio es muy simple. Se distingue sólo el portal, sobre el que hay un busto de bronce, copia del retrato de Miguel Ángel hecho por Daniele da Volterra y conservado en el Museo del Bargello.


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Michelangelo, Project for the façade of San Lorenzo, Florence

El principal interés de este museo es la bella colección de obras del ilustre escultor reunida a lo largo de los siglos por la familia Buonarroti, descendientes de su hermano, ya que el propio Miguel Ángel no tuvo hijos.

En los ambientes nobiliarios están los frescos del siglo XVII que exaltan la vida y las obras de Miguel Ángel, alguno de ellos obra de Artemisia Gentileschi.


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Vista de una sala de la Casa y Museo Buonarroti.



Italia celebra los 450 años de la muerte de Miguel Ángel


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En 2013 se celebran los 450 años de la muerte de Miguel Ángel

Miguel Ángel: un año de homenajes "Aquí estaba la casa consagrada por la estancia y la muerte del divino Miguel Ángel". Así reza una placa que todavía recuerda el último hogar romano del artista, donde falleció a los 88 años, el 18 de febrero de 1564. Han pasado 450 años desde entonces, pero su recuerdo sigue igual de nítido y su figura se agranda con el tiempo. Y, por si alguien necesitara refrescarse la memoria sobre los milagros artísticos de Buonarroti, Italia ha organizado muestras y homenajes al gran creador durante todo el año. Florencia, por ejemplo, acoge hasta el 18 de mayo la exposición 'Re-conocer a Miguel Ángel' (de la que procede este retrato del artista, por Domenico Cresti), que se centra en la influencia de Buonarroti a lo largo de los siglos y los grandes creadores. La misma ciudad recibirá también, de junio a octubre, la muestra 'Miguel Ángel y el siglo XX', en la Casa Buonarroti. Génova, Arezzo (en su Toscana natal) y Roma también cuentan con celebraciones dedicadas al pintor, del que repasamos vida y obras en este fotorrelato. / Foto: Domenico Cresti



Un repaso en fotografías de la vida y obras del genial artista


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Artista a toda costa. Una pelea bastante común. El hijo sueña con ser artista. Y el padre le invita a dejarse de utopías y apostar por una profesión más estable y mejor remunerada. Lo que en esta historia no es nada común sin embargo es el nombre del joven en cuestión: Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564). Y, por suerte de la humanidad entera, tampoco era habitual la cabezonería con la que insistió en su objetivo. Por mucho que su padre se enfureciera y le dijera que los creadores eran “simples trabajadores, no mejores que zapateros”, él iba a ser artista sí o sí. Acabó siendo uno de los mejores de la historia de este planeta. Tanto que, en este 2014 en que se cumplen 450 años exactos de su muerte, todo el mundo conoce su nombre y admira su legado. En la imagen: Retrato de Miguel Ángel de Jacopino del Conte en 1535. / Foto: Jacopino del Conte


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Los primeros trabajos. Por mucho que Miguel Ángel Buonarroti se considerara un hijo de Florencia, nació en Caprese, también en la Toscana, el 6 de marzo de 1475. Era el segundo de cinco hermanos. Su madre, Francesca Neri, falleció cuando él tenía seis años. A los 13 el joven Buonarroti decidió acudir al taller del pintor Domenico Ghirlandaio para perseguir su sueño, pese a la ira de su progenitor, Ludovico di Leonardo di Buonarotto Simoni, que imaginaba para su heredero un futuro al frente de los negocios familiares. Allí el joven debía quedarse tres años pero al cabo de uno ya se marchó a la escuela de escultura que Lorenzo de’ Medici había creado en los jardines florentinos de San Marco. De ahí pasó directamente a estar hospedado en el palacio del mecenas, donde realizó los dos pistoletazos de salida de su carrera excepcional: 'La batalla de los centauros' (en la imagen) y 'La virgen de la escalera'.


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La 'Piedad'. Los líos políticos en Florencia, la muerte de Lorenzo el Magnífico y la decadencia de los Medici llevaron a Miguel Ángel a dejar la ciudad. Viajó a Bolonia, Venecia y después a Roma, hacia finales de 1400, para la primera de sus estancias en la capital italiana. También de esa época es el comienzo de su colaboración con los Papas y la Santa Sede. El resultado es deslumbrante: la 'Piedad'. Tres datos. El primero, para la envidia: con menos de 25 años, este hombre fue capaz entre 1498 y 1500 de esculpir una obra maestra inmortal. El segundo, para hacerse una idea: es “ciertamente un milagro que un bloque de piedra sin forma haya podido quedar reducido a una perfección que la naturaleza apenas es capaz de crear en la carne”, escribió entonces Gaetano Vasari. Y un tercero, para reflexionar: en 1972 el geólogo australiano de origen húngara Laszlo Toth atacó a la 'Piedad' con un martillo. Logró golpearla hasta 15 veces, antes de que un 'carabiniere' le detuviera. “Soy Jesús Cristo, resurgido de la muerte”, gritaba Toth según las crónicas de la época. La obra tuvo que pasar por una larga restauración y desde entonces se expone detrás de un cristal. El asaltador, en cambio, fue ingresado en un hospital psiquiátrico italiano. Falleció en 2012.


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'David'. De vuelta a Florencia, entre 1501 y 1504 Miguel Ángel realizó el segundo anillo de su cadena de maravillas. Él mismo lo cuenta en su diario: “Cuando volví, me encontré con que era famoso. El consejo de la ciudad me pidió que sacara un David colosal de un bloque de mármol, ¡dañado!, de casi seis metros”. El artista relata cómo se encerró durante tres años a trabajar en la obra, así como su pelea para que la estatua fuera colocada justo ante el Palazzo Vecchio, “como un símbolo de nuestra república”. Le hicieron caso, aunque se necesitaran 40 hombres y cinco días de trabajo para moverlo hasta allí. Desde 1910 sin embargo el 'David' que se alza en la plaza de la Señoría solo es una copia. El original se halla en la Galería de la Academia de Florencia y, sobra decirlo, es una de las esculturas más famosas del mundo. Dicen los historiadores que también fue un mensaje de Miguel Ángel a los ciudadanos de Florencia, para que cada uno de ellos fuera consciente de su responsabilidad y su importancia.


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'La creación de Adán'. En el fresco quizás más famoso de Miguel Ángel, las manos de Dios y Adán se alejan. Estuvieron juntas, pero ya no, y el hombre ha de afrontar en solitario su camino por la vida. Las manos de Buonarroti y del papa Julio II se apretaron, en cambio, a principios del siglo XVI para sellar una nueva comisión del papado al gran artista. Esta vez la apuesta era aún más ambiciosa: pintar las bóvedas de la Capilla Sixtina. En realidad, Julio II ya le había encargado anteriormente la realización de las esculturas que se alzarían sobre su propia tumba. Pero ante una misión más importante, el Papa dejó a un lado, al menos provisionalmente, su vanidad. Sea como fuere, dicen que el maestro al principio quiso rechazar. Bastante más fascinado con la realización del sepulcro papal que con el nuevo encargo, Buonarroti llegó incluso a abandonar Roma por Bolonia. Sin embargo finalmente aceptó y, en 1508, se puso manos a la obra.


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Una obra compleja como su creador. El relato de la creación de los frescos da fe de una trayectoria tan compleja como el carácter del creador. Famoso por sus malos modales, sus ‘prontos’ y su timidez, el artista decidió repentinamente despedir a todos sus asistentes y comenzar otra vez de cero. También estableció que nadie pudiera ver el progreso de las obras. El solo Julio II tuvo la oportunidad de echar algunos vistazos previos. “Tras cuatro años de torturas, y más de 400 figuras de tamaño real, me sentía tan viejo y extenuado como Jeremías. Tenía 37 años y ni siquiera mis amigos ya reconocían al anciano en el que me había convertido”, escribió Buonarroti en su diario. El resultado, eso sí, fue tan brillante que se cuenta que un tal Rafael, que a la sazón trabajaba en las cuatro célebres estancias vaticanas –imagínense: dos genios pariendo milagros a pocos metros de distancia-, quedó impresionado por los frescos.


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'Moisés'. Una vez resuelta la primera comisión de Julio II, a Buonarroti le quedaba pendiente la segunda. El Papa ya le había pedido en 1505 que se encargara personalmente de la majestuosa tumba donde yacería. Y Miguel Ángel había aceptado con cierto entusiasmo, hasta el punto de hacerse cargo personalmente y durante meses de escoger los mármoles que habían de proceder de la ciudad de Carrara. El proyecto original preveía varias decenas de estatuas. Finalmente, cuando Miguel Ángel retomó las obras, las redujo. Aun así, y pese a no estar terminado, el sepulcro cuenta con la que algunos consideran como la mejor estatua jamás esculpida por el genio italiano. Un buen indicio de la perfección que atesora el Moisés de Buonarroti es una anécdota con cierto tinte de leyenda. Se dice que el propio Miguel Ángel, al terminar la obra, sorprendido por su realismo le soltó: “¿Por qué no hablas?”. Para comprobar si Moisés es tan espectacular, o si por fin tras cuatro siglos se ha decidido a soltar alguna palabra, se puede acudir a la iglesia romana de San Pietro in Vincoli.


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Creador total. No solo estatuas y frescos. Miguel Ángel Buonarroti fue un artista total. También compuso poemas y realizó proyectos arquitectónicos: suyos son, por ejemplo, los diseños para la Biblioteca Laurenciana de Florencia, la cúpula de San Pedro –de ello se hablará más adelante- y la plaza del Campidoglio, donde se alza el Ayuntamiento de Roma (en la imagen). / Foto: ROBERT BOLTON (FLICKR)


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El 'Juicio final'. Tras sus magias romanas, Buonarroti regresó a Florencia. Sin embargo, en 1534 volvió a abandonarla, esta vez definitivamente, y regresó a la ciudad de los Papas. Mientras, en la Santa Sede ya se había instalado un nuevo pontífice: Clemente VII. Fue suya, probablemente, la idea de pedirle al maestro toscano que pintara un enorme fresco del juicio final en una de las paredes de la Capilla Sixtina. El papa, sin embargo, murió poco después de que Buonarroti llegara a Roma. Pero Pablo III, el sucesor en el trono vaticano, confirmó el encargo. Y en 1535 el 'Juicio final', el mayor fresco del Renacimiento, estaba terminado, con autorretrato de pintor incluido (en la piel desecha que sujeta San Bartolomé). Su odisea, en cambio, acababa de empezar. Buonarroti fue acusado de herejía y de unos frescos escandalosos, sobre todo por la multitud de cuerpos desnudos. Biagio da Cesena, maestro de ceremonias vaticano, defendió que era una obra más digna de “tabernas y baños públicos” que de una capilla papal. Lo que Biagio no sabía es que meterse con un maestro inmortal tiene sus riesgos: Buonarroti le puso su cara al rey del infierno Minós, que aparece con orejas de burro y una serpiente enroscada alrededor del cuerpo. Sin embargo las teorías disparatadas de Biagio y compañía acabaron por ganar. Y Pio V (el sucesor de Pablo III) le encargó a Daniele de Volterra, alumno de Miguel Ángel, la polémica tarea de pintar trapos y pantalones que cubrieran las desnudeces ideadas por el maestro. Por ello, el pintor es famoso como 'Braghettone' (algo así como calzonazos). De todos modos, Daniele de Volterrra murió antes de poder terminar su censura, lo que dejó unos pocos personajes tal y como Buonarroti los pintó. Algunos desnudos fueron recuperados por las restauraciones del 'Juicio final'. Otros sin embargo lucen todavía hoy el legado de 'Braghettone'.


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San Pedro. Miguel Ángel falleció el 18 de febrero de 1564. Pero, antes, dejó la enésima huella de su talento estratosférico: la cúpula de San Pedro. El propio Buonarroti creía haber sido escogido para ese trabajo por el mismísimo Dios. El proyecto, tanto de la basílica como de la cúpula, había pasado por muchas manos prestigiosas: Bramante, Rafael y finalmente Sangallo. Cuando este falleció, en 1546, Buonarroti fue nombrado arquitecto jefe del conjunto. El maestro criticó ásperamente sobre todo el planteamiento de su antecesor directo en el cargo y modificó la construcción según sus ideas, retomando en parte la concepción original de Bramante. Camino de los setenta, ya cansado –como escribe Vasari, no había pensamiento en el que no le acompañara la idea de la muerte-, Buonarroti volcó sus últimas fuerzas en el proyecto. Ni siquiera quiso cobrar nada por ello. Por desgracia, el artista nunca pudo ver el trabajo terminado: las obras de la cúpula finalizaron 24 años después de la muerte del maestro.


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Adiós a un mito. Al principio, el genio fue enterrado en la iglesia romana de Santi Apostoli. Sin embargo, su nieto se llevó el cuerpo a Florencia e hizo colocar sus restos bajo la iglesia de Santa Croce, donde el propio artista quería yacer. Su amigo Gaetano Vasari diseñó en 1570 la tumba, sobre la que reposan un busto del artista y tres estatuas alegóricas. Representan la pintura, la escultura y la arquitectura. Y están, cómo no, desesperadas.



Obra pictórica de Miguel Ángel


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Capilla Sixtina


Bóveda de la Capilla Sixtina


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El Juicio Final. El Juicio Universal (Il Giudizio Universale) Miguel Ángel, 1537-1541. Fresco, 1370 × 1220 cm. Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano.

El Juicio Final o El Juicio Universal es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina (Ciudad del Vaticano, Roma). Miguel Ángel empezó a pintarlo 25 años después de acabar de pintar la bóveda de la capilla.

Desde la construcción de la Capilla Sixtina hasta 1536, la pared del altar donde ahora está el Juicio Final contenía otros murales de la serie de las historias de Moisés y de Jesús. Estaban la Asunción, la Natividad de Cristo y el Descubrimiento de Moisés.

Más arriba se encontraban los tres primeros Papas, donde estaba Simón Pedro. Miguel Ángel tuvo que sacrificar estos frescos de Perugino de la zona del altar para pintar su obra, lo que le valió numerosas críticas.

Anteriormente, Clemente VII La caída de los ángeles rebeldes, pero, tras su muerte, su sucesor Pablo III le encargó que pintara la escena del Juicio Final.

Descripción, tema y personajes

El Juicio Final es un enorme conjunto pictórico al fresco de género religioso cuyo tema es el Juicio Final, extraído del Apocalipsis de San Juan.
Conjunto central

    Cristo. Es el epicentro de la obra. Con un enérgico y aterrador movimiento separa a los justos de los pecadores. Es uno de los pocos Cristos que se han pintado con una expresión de enojo e ira.
    María. Junto a Cristo está María. Temerosa, se esconde junto a su hijo asustada por el movimiento violento que hace. Detrás de ellos hay un destello de luz así que reciben todo el enfoque además porque se encuentran en el centro.

Alrededor a ellos están varios santos, representados sin perspectiva alguna, rodeándolos por todas partes. Algunos parecen estar asustados por la acción que acaba de hacer Cristo, y otros están inquietos. Para reconocerlos, Miguel Ángel los pintó con sus característicos complementos o con los objetos con los que fueron mártires.

   - San Pedro. Tiene en sus manos las llaves del Paraíso.
    - San Pablo. Se le reconoce por su barba gris y su aspecto ceñudo.
    - San Andrés. Sostiene una cruz en forma de "X", símbolo de su martirio.
    - San Bartolomé. Tiene una piel en su mano ya que este mártir fue despellejado. Según la tradición, se dice que Miguel Ángel pintó su cara en la piel despellejada del mártir como signo de que él creía no merecer el Cielo, pues estaba atormentado.
    - Santa Catalina. Usa la rueda de púas de su martirio para evitar el paso a los pecadores que intentan llegar al Cielo.
    - San Sebastián. Tiene sostenidas las flechas de su martirio.
    - San Lorenzo. Sostiene la parrilla de su martirio.
    - San Blas. Sostiene los dos rastrillos de carda de su martirio.


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El Juicio Final después de la restauración... Más info del Juicio Final


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Bóveda de la Capilla Sixtina en Roma, realizada por Miguel Ángel entre 1508 y 1512.

La bóveda de la Capilla Sixtina es un conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Fue pintada entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una de las obras pictóricas más complejas y más bellas de toda la historia del arte, encargada por el papa Julio II para sustituir la pintura que había en aquel momento a base de un fondo azul con estrellas doradas, que había sido realizada por Piero Matteo d'Amelia, según la tradición de los templos paleocristianos.


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En la bóveda de cañón rebajada, el artista diseñó una complicada arquitectura simulada donde incluyó el desarrollo de historias del Génesis, narradas desde el extremo del altar hasta la puerta de entrada de la capilla en más de 500m2 de espacio. Desde 1508 hasta el otoño de 1512 Miguel Ángel trabajó solo en su realización, sin ayudantes. El 1 de noviembre de 1512 se celebró la primera misa en la capilla, después de acabada la pintura de la bóveda.


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El techo de la Capilla Sixtina está dividido en varias secciones, que los elementos arquitectónicos simulados consiguen multiplicar los marcos de la bóveda y separan las nueve escenas del Génesis que son las que reciben mayor atención gracias a su complejidad, sobre los lunetos de las ventanas y las enjutas laterales es donde están los antepasados de Cristo, los triángulos donde se encuentran los tronos de los Profetas y las Sibilas y finalmente las enjutas de las esquinas o pechinas donde están las cuatro historias clave de la Salvación del pueblo de Dios (Israel).12

Se le da una semblanza gótica a la estructura de la bóveda, pero Miguel Ángel no hizo ninguna crucería diagonal, solamente los triángulos podrían recordar en algo al estilo gótico, de hecho, se parece más a una nave central de un salón romano o también de un templo románico, organizado en tramos transversales.


Las nueve historias del Génesis

Estas escenas ocupan el área central de la bóveda y atraen la mayor atención del público. En esta sección rectangular se encuentran narradas nueve escenas del Génesis, pudiendo agruparse en trípticos: las tres primeras historias desde el altar hablan de la Creación del Mundo; las tres siguientes, de la Creación del Hombre y de su expulsión del Paraíso; y, las tres últimas, ilustran la historia de Noé. Algo raro en el orden de los frescos es que al entrar a la capilla por la puerta principal, la primera escena que vemos pintada es la de La embriaguez de Noé, en otras palabras, las escenas están pintadas en el orden inverso.

Las escenas son las siguientes:


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    1. La Embriaguez de Noé (Génesis IX, 23). Se observa a Noé embriagado y dormido, Cam avisa a sus hermanos Sem y Jafet, que con su manto tapa la desnudez de su padre. El aspecto escultural de las figuras y su aptitud clásica revelan la influencia de los relieves antiguos.


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    2. El Diluvio Universal (Génesis VII, 18). El pintor representó la escena con un gran dramatismo, se aprecia en los rostros la angustia y el horror delante de la furia de los elementos, según Ascanio Condivi, primer biógrafo de Miguel Ángel, esta fue la primera escena que pintó en la bóveda, las dificultades que pasó con la pintura le hicieron decidir trabajar solo, sin ayudantes. Las figuras en posiciones diversas muestran violentos escorzos.


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    3. El Sacrificio de Noé (Génesis VIII, 20). Esta escena es la más académica, con un gran ritmo de composición y con una perspectiva rigurosa que se resalta con la posición en esquina del altar del sacrificio, las figuras están ordenadas dentro de una geometría ovalada.


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    4. Caída del Hombre, pecado original y expulsión del Paraíso (Génesis II, 4). Desde esta zona se encuentra la segunda fase de la pintura, así se cree que una vez retirados los andamios Miguel Ángel pudo contemplar desde la distancia el efecto de sus pinturas, y en consecuencia, se ve un aumento en la medida de las figuras, así como la disminución del número, naturalmente también es la necesidad ilustrativa en las siguientes escenas para las historias que cuenta. Esta escena corresponde a dos narraciones el pecado original y la expulsión del Paraíso, con un equilibrio perfecto y una torsión de las figuras en contrapposto, aquí se ve una clara alusión a Masaccio en comparación con su pintura Los primeros Padres.


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    5. Creación de Eva (Génesis II, 21: Entonces Yahvé Dios hizo caer un sueño profundo sobre Adán y, mientras este dormía, tomó una de sus costillas y cerró la carne en su lugar). Del costado de Adán surge Eva con las manos en posición de rezar a Dios, su creador. La desnudez de Eva carece de seducción, el cuerpo presenta una gran pesadez y el rostro está realizado con trazos gruesos pareciéndose a una matrona romana, mientras Adán se muestra con un rostro tranquilo y con una sensación de dulzura en su sueño.18 Como modelo para esta representación el artista se inspiró en las esculturas que había visto en el año 1494, realizadas por Jacopo della Quercia para la puerta Magna de la Basílica de San Petronio de Bolonia. Se puede observar en este fresco la simbología de los cuatro elementos, en el suelo rocoso, la tierra, en el fondo una superficie de agua azul, el aire en toda la pintura y finalmente el fuego en el color rojo de la túnica de Dios.


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La creación de Adán de Miguel Ángel, en la Capilla Sixtina, con el Creador a punto de tocarlo con un dedo para darle la vida.

    6. La creación de Adán (Génesis I, 26: Entonces dijo Dios: Hagamos al hombre a nuestra imagen, conforme a nuestra semejanza). Nadie como Miguel Ángel había sabido plasmar la creación de la vida humana con tanta sencillez y fuerza este misterio, la feliz idea de transmisión por contacto de los dedos, como si fuera un punto de electricidad, según Ernst Gombrich es: "uno de los más grandes milagros del arte".

La inspiración de Miguel Ángel pudo venir del himno medieval Veni Creator Spiritus donde se pide que el dedo de la mano paterna derecha (digitus paternae dexterae) de a los fieles, amor y corazón. Existe un contraste entre la estructura esférica del manto que envuelve al Creador con todos los ángeles y el alargar la línea de su cuerpo hacia Adán, rebosando energía y una dinámica violenta. Adán en cambio, muestra una soberbia belleza con unas formas armónicas e indolentes dando la mano para encontrar la vida.


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    7. Separación de las aguas y la tierra (Génesis I, 9). Aquí representó a Dios volando con los dos brazos extendidos para mostrar la energía en sus manos y dando orden para la separación de las aguas y la tierra.


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    8. Creación de los astros y las plantas (Génesis I, 4). En este tramo, se representan el tercer y cuarto día de la creación, la figura de Dios de espaldas crea la plantas y el lado de frente con un gesto poderoso crea los astros, la doble presencia quizás alude a la omnipresencia del Creador.


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    9. Separación de la luz de la oscuridad (Génesis I, 4). Con una gran originalidad en el escorzo, las dos manos separan la noche del día, como si fuese un atlante, Dios, soporta el peso del cosmos.

Se alternan en estas escenas algunos desnudos masculinos llamados ignudi los cuales dan un toque sensual a la obra, y algunos medallones que representan otros momentos en la historia de la Biblia, pintados como si tuviesen un grabado imitando el bronce. El tamaño de los frescos es distinto. La primera pintura es pequeña y está enmarcada por cuatro ignudi y dos medallones de bronce donde se muestra el esbozo de una escena.

La segunda se representa en el mismo espacio que la anterior pero esta vez, también sobre lo que sería el marco de los desnudos y los medallones, por lo que esta escena es más grande que la anterior. Y así se alternan las escenas, una pequeña, y luego una grande.

Otra cuestión fue que Miguel Ángel pintó la escena del Sacrificio de Noé antes del Diluvio, cuando se sabe que el Sacrificio que hizo fue precisamente para dar gracias a Dios por haberse salvado del Diluvio y porque este hubiese terminado. Esto lo hizo probablemente, porque el espacio grande necesitaba ser usado por el Diluvio para resaltar este aspecto.


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Uno de los ignudi de Miguel Ángel.

Desnudos o ignudi. Los adolescentes desnudos representan las anillas entre el hombre y lo divino, son la equivalencia de los ángeles de la tradición cristiana y el de los amores de la tradición platónica. Según la iconografía los ignudi pueden representar los putti del siglo XV, ya que los putti acostumbraban a tener la misión de sostener blasones, es decir, los medallones que ahora sostienen los desnudos de Miguel Ángel.24

Los realizó con potentes anatomías y todos presentan una actitud diferentes, con gran variedad en el juego de brazos y piernas, se inclinan hacia atrás o hacia delante en una libertad total, con una clara relación de los conceptos platónicos de la Belleza y de Eros, se le ha dado una interpretación de símbolo sensual o de una esclavitud


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Más información e imágenes La bóveda de la Capilla Sixtina



La Capilla Sixtina renace con una nueva luz

La impresión, tras tres años de trabajos y polémicas por el daño que la afluencia de turistas pudiera causar a los frescos, es la de una iluminación mucho más homogénea.


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Vista general de la Capilla Sixtina antes (izquierda) y ahora, con la nueva instalación de iluminación 7.000 puntos LES que permiten resaltar todos los detalles de cada obra además de protegerla.

Hay algunas ocasiones (29 de octubre de 2014) en las que está justificado asistir a una conferencia de prensa sin prestar demasiada atención a lo que se dice ni a quién lo dice. Una de ellas se produjo anoche. Tras el cierre de los Museos Vaticanos, justo después de que se marchara el último de los 20.000 visitantes diarios, un grupo de periodistas tuvo el privilegio de asistir a la presentación de la nueva iluminación y el nuevo sistema de climatización de la Capilla Sixtina, esa “caja mágica” –en palabras de Antonio Paolucci, director de los museos—donde Miguel Ángel, Botticcelli, Pinturicchio, Perugino o Signorelli crearon el espacio artístico más importante de la historia y donde tiene lugar el Cónclave para elegir al Papa. La primera impresión, tras tres años de trabajos y no pocas polémicas por el daño que la gran afluencia de turistas pudiera estar causando a los frescos, es la de una iluminación mucho más homogénea, que elimina las zonas de sombra que se producían hasta ahora. “Se trata”, dijo Paolucci, “de una luz no elocuente, que permite admirar la Capilla Sixtina en toda su belleza”.

Pero incluso más que la iluminación instalada por Osram, que incluye 7.000 puntos de luz basados en lámparas led que permiten un gran ahorro energético y la mitad del calor que antes, lo que la Capilla Sixtina necesitaba desde hace tiempo era un sistema de climatización que ayudara a contrarrestar “la excesiva presión humana” que, como el propio director de los Museos Vaticanos denunció en 2010, estaba poniendo en peligro los frescos de los siglos XV y XVI. El anterior sistema de ventilación, instalado en 1993, ya no daba abasto para proteger las obras de arte de los residuos de todo tipo –polvo, aliento, sudor, cabello, caspa, hilos de lana, fibras sintéticas— dejado por los turistas. De hecho, durante el verano de 2010, 30 restauradores emplearon 20 noches en retirar “cantidades ingentes de materia y polvo” y constataron algunas señales de deterioro. Ahora, según aseguró Paolucci y los técnicos de la multinacional estadounidense Carrier responsables del proyecto, el nuevo sistema garantiza que, siempre que no se rebase la cifra de 1.500 visitantes al mismo tiempo, ninguna partícula de polvo se deposite en los 2.500 metros cuadrados que ocupan los frescos y que se controlen también los niveles adecuados de anhídrido de carbono.

Pero todo esto no llamó a sorpresa porque ya se había anunciado, como también que la Unión Europea ha sufragado parte de los tres millones de euros que ha costado la nueva luz y el nuevo aire de la Capilla Sixtina. Lo que, aunque sea un hecho incuestionable, sigue sorprendiendo cada vez es la belleza apabullante de la Capilla Sixtina. Mientras hablaba Paolucci, gustándose en la solemnidad del momento y en su habilidad para construir frases redondas, los periodistas que asistieron al encuentro hacían esfuerzos por prestar atención a las palabras del director de los Museos Vaticanos o de los resposanbles de Osram o Carrier. Allá arriba, como si no hubieran pasado cinco siglos, seguía celebrándose el Juicio Final.


La nueva Capilla Sixtina en imágenes


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La Capilla Sixtina, pintada por Miguel Ángel, tiene un nuevo sistema de iluminación LE y de aire acondicionado para conservar los frescos. Los 7.000 puntos de luz dejan zonas sin sombra. En la imagen, el techo abovedado de esta obra maestra del Vaticano.


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La creación de Adán, un detalle de la Capilla Sixtina. El Vaticano concluyó las obras después de tres años.


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“Se trata”, dijo Paolucci, “de una luz no elocuente, que permite admirar la Capilla Sixtina en toda su belleza”.


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Detalle de El jucio final, en una de las paredes. Lo que la Capilla Sixtina necesitaba desde hace tiempo era un sistema de climatización que ayudara a contrarrestar “la excesiva presión humana” como el propio director de los Museos Vaticanos denunció en 2010.


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El anterior sistema de ventilación, instalado en 1993, ya no daba abasto para proteger las obras de arte de los residuos de todo tipo –polvo, aliento, sudor, cabello, caspa, hilos de lana, fibras sintéticas— dejado por los turistas. Durante el verano de 2010, 30 restauradores emplearon 20 noches en retirar “cantidades ingentes de materia y polvo” y constataron algunas señales de deterioro.


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La Unión Europea ha sufragado parte de los tres millones de euros que ha costado la nueva luz y el nuevo aire de la Capilla Sixtina.


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El nuevo sistema garantiza que, siempre que no se rebase la cifra de 1.500 visitantes al mismo tiempo, ninguna partícula de polvo se deposite en los 2.500 metros cuadrados que ocupan los frescos y que se controlen también los niveles adecuados de anhídrido de carbono.

Fuentes: EL PAÍS / MUSEI VATICANI/ANSA/CLAUDIO PER (EFE)



Otras pinturas


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La conversión de San Pablo es un fresco del pintor renacentista italiano Miguel Ángel, ejecutado en la Capilla Paolina del Palacio Apostólico (Ciudad del Vaticano). Data del año 1549. Mide 6,25 metros de alto y 6,61 metros de ancho y hace pareja con otro fresco de Miguel Ángel dedicado a la Crucifixión de San Pedro.

Miguel Ángel era idolatrado en Roma casi como una leyenda viviente, pero este trabajo no se salvó de las críticas. Según sus detractores, Miguel Ángel había abandonado el clasicismo insuperable de la Capilla Sixtina y su estilo estaba decayendo en un manierismo desmañado. En este mural, las figuras huyendo en desorden no fueron bien recibidas. Algunos historiadores consideran que a raíz de este aparente fracaso, Miguel Ángel refrenó su audacia en su siguiente fresco, el de san Pedro, que resultó ser su último trabajo pictórico.


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Crucifixión de san Pedro (en italiano, Crocifissione di San Pietro) es un fresco del pintor renacentista italiano Miguel Ángel. Fue ejecutado entre 1546 y 1550 en la pared de la Capilla Paulina del Palacio Apostólico, en la Ciudad del Vaticano. Es un fresco que mide 6,25 metros de alto y 6,62 metros de ancho. Hace pareja con La conversión de san Pablo y es el último fresco ejecutado por Miguel Ángel.

El artista retrató a san Pedro en el momento en que, colocado al revés en la cruz, esta era alzada por los soldados romanos. Miguel Ángel concentró su atención en la descripción del dolor y del sufrimiento. Las caras de la gente presente están contraídas en una mueca de horror, y varios de los espectadores parece que van a morir.

Entre los jinetes a la izquierda, se ha reconocido un autorretrato del propio Miguel Ángel, con motivo de una reciente restauración.1

Comparado con La conversión de san Pablo, este mural muestra un esquema algo más mesurado y tradicional, que algunos historiadores explican por las críticas que aquél recibió. Bien por dichas objeciones o por otras causas, Miguel Ángel no volvió a pintar después de este trabajo.


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Santo Entierro. Miguel Ángel, Hacia 1501. Temple y óleo, 162 × 150 cm. National Gallery de Londres, Londres, Reino Unido.

El Santo Entierro (en italiano, Sepoltura) es un cuadro inacabado atribuido al pintor renacentista italiano Miguel Ángel. La obra ha sido objeto de una serie de disputas sobre su posición cronológica, aunque en general se considera obra de juventud. Según otros, fue una obra de un alumno de Miguel Ángel a partir de un dibujo de su maestro o, directamente, una imitación.

Según un documento descubierto en 1981, Miguel Ángel recibió el encargo de una tabla para la iglesia de San Agustín en Roma, pero llegó un momento en que el artista devolvió la suma que le habían anticipado. Aunque no existe ninguna certeza, es probable que la obra en cuestión fuese de hecho este Santo Entierro, que quedó inacabado debido al regreso de Miguel Ángel a Florencia.

El centro del cuadro representa a Jesucristo llevado al sepulcro. El hombre con barba que está tras él es José de Arimatea, el hombre que dio su tumba para la sepultura de Cristo. La figura de la izquierda es probablemente san Juan, con una larga túnica roja, mientras que arrodillada a sus pies estaría María Magdalena.

La identidad de las dos figuras de la derecha es incierta (Nicodemo, la del interior, y María Salomé se han sugerido). La otra figura que falta sería la de la Virgen María.


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Sagrada Familia (Tondo Doni). Miguel Ángel, Hacia 1503. Óleo y temple sobre madera, 120 × 120 cm. Galería Uffizi, Florencia, Italia.

Esta Sagrada Familia, conocida como Tondo Doni, es un cuadro del pintor renacentista italiano Miguel Ángel. Su diámetro alcanza los 120 centímetros. Se considera que esta obra se ejecutó entre el 1503 y el 1504. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), con su marco original, diseñado por el propio Miguel Ángel.

Miguel Ángel empleó dos medios para esta obra, témpera y óleo. Al aplicar el óleo en capas sucesivas desde el color más intenso hasta el más ligero, de la manera que le fue enseñada cuando era un aprendiz, Miguel Ángel creó un efecto colorista bastante distinto del de los pintores flamencos de la época. La escuela flamenca usaba la técnica al óleo opuesta, modelando desde los tonos claros hasta los tonos más oscuros del pigmento. El efecto colorista de Miguel Ángel se llama cangianti y es típico de su estilo pictórico... Leer más


 27michelangelo_manchaster

Madonna de Mánchester, c. 1497. Temple sobre madera, 105 × 76 cm. National Gallery, Londres. Obra de Miguel Ángel.     


 26la_batalla_de_cascina_sangallo

Copia del dibujo de Miguel Ángel, de la parte central de La Batalla de Cascina, pintada por Bastiano da Sangallo (Norfolk, Reino Unido, Palacio Holkham Hall).

La batalla de Cascina es un fresco diseñado por Miguel Ángel para el Palazzo Vecchio de Florencia. No llegó a pintarlo e hizo sólo el cartón (modelo) previo, que fue destruido y es conocido por la copia pintada al óleo por Bastiano da Sangallo y por dos grabados parciales de Marcantonio Raimondi...


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El tormento de San Antonio, c. 1487-1489. Óleo, 47 x 35 cm. Museo de Arte Kimbell Texas. Obra de Miguel Ángel.     


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Crucifixión, c. 1540. Óleo sobre tabla. Concatedral de Santa María de la Redonda, Logroño. España. Obra de Miguel Ángel.

En el deambulatorio, tras el retablo mayor de la concatedral, se encuentra una pequeña pintura al óleo sobre tabla. Representa un Calvario con Cristo vivo, la Virgen Dolorosa, San Juan Evangelista y María Magdalena.

Miguel Ángel Buonarroti pintó un pequeño cuadro para su buena amiga Vittoria Colonna, poetisa de gran piedad y cultura, hija del noble aristócrata Fabrizio Colonna y felizmente casada en 1509 con Francisco Ferrante d'Avalos, Marqués de Pescara, perteneciente a la aristocracia del sur de Italia, entonces bajo dominio español, y originaria del pueblo de Ábalos en La Rioja.

En 1525 las tropas españolas del emperador Carlos V ganaron la Batalla de Pavía al rey de Francia Francisco I gracias a la acertada dirección del Capitán General Ferrante d'Avalos, pero en ella resultó herido y poco después falleció. Su enamorada y joven viuda escribió encendidos sonetos de amor en su recuerdo. Y mantuvo también una íntima correspondencia epistolar con Miguel Ángel durante varios años. En 1540 le pidió un pequeño cuadro de la Crucifixión que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, cuyas copias se conservan en el British Museum y en Louvre, el artista gustoso le pintó el pequeño Calvario, quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo eran Cristo, la Virgen y San Juan.

En 1547 falleció Vittoria y tal era el afecto que Miguel Ángel le profesaba que recuperó el cuadro y la incluyó como María Magdalena abrazando la cruz de Cristo y portando sobre los hombros un pañuelo símbolo de su viudez.

Cómo llegó a Santa María de La Redonda. El obispo don Pedro González del Castillo, gran humanista y entusiasta de la Redonda hizo construir en el siglo XVII la Capilla del Santo Cristo junto al altar mayor, la que siglos más tarde con sus modificaciones daría origen al deambulatorio, disponiendo su enterramiento en ella con su mausoleo y estatua orante que le representara. Gozando de gran fortuna, hizo frecuentes viajes a Roma donde adquirió numerosas obras de arte con la idea de incorporarlas a su capilla.

En la relación fundacional de esta capilla de fecha 13 de octubre de 1627 se hace constar:

    “Ytem una ymajen de Micael Ángel original, de tabla, y de un Crucifixo y Cristo bivo, con Nuestra Señora y San Juan a los lados y la Madalena al pie de la cruz y dos ángeles en lo alto, a los dos lados del Christo, con guarnizión de ébano, que se a de poner en el testero de nuestro sepulchro, detrás de nuestro bulto, en lo alto, de manera que se bea desde fuera”

Una nota marginal dice: “Está guardado en los cofres”. También ordena el obispo don Pedro que no se coloque hasta que no se levante la verja protectora de la capilla. Hay que tener en cuenta que en la relación figura un cuadro de la Sagrada Familia e indica que es copia de Rafael. Copia de muy buena mano que se puede contemplar en la concatedral.

Tras varios siglos de olvido, en la segunda mitad del siglo XX se atribuyó a la escuela de Miguel Ángel y se colocó en el deambulatorio tras el altar mayor.

A pesar de todo, no hay pruebas suficientes para demostrar que la Crucifixión de Logroño fuese pintada por Miguel Ángel, y de hecho se considera generalmente como una copia del original, o una copia basada en los dibujos previos.3 En cualquier caso, es un testimonio valioso de cómo pudo ser la obra original del genio.


Otros dibujos

Para la bóveda de la Capilla Sixtina el artista realizó una serie de dibujos a manera de esbozos, donde se advierte los trazos del manierismo ya patente en Miguel Ángel: dentro de este conjunto se incluyen los estudios sobre los desnudos conservados en el Museo Británico de Londres, los estudios para la Sibila Líbica, con diferentes versiones, del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, diversos estudios de figuras, una sanguina del Cristo en el limbo y unos cuantos dibujos sobre el tema de la Resurrección.


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La Piedad, dibujo de Miguel Ángel hecho a petición de Vittoria Colonna (Boston, Isabella Stewart Gardner Museum).

A principios del siglo XV surgieron en Italia un tipo de dibujos perfectamente acabados, para ser donados como obsequio: Leonardo da Vinci, en el 1500, hizo una serie para ofrecerlos a un mecenas. Miguel Ángel también realizó algunas series, que regaló a jóvenes por los que sentía algún afecto especial, pero la gran mayoría fueron para regalarlos a su joven estimado Tommaso Cavalieri,114 que Vasari justificaba como ejercicios de aprendizaje:

    ...porque aprendiese a dibujar le hizo muchas láminas, trazadas con lápiz negro y rojo, de cabezas divinas; y después un dibujo de un Ganimedes arrebatado al cielo por el ave de Júpiter, un Ticio al que el águila devora el hígado, la Caída del carro del Sol con Faetón y una Bacanal de niños, todas unas obras singularísimas, unos dibujos nunca visto de tan excelentes.


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Dibujo de Miguel Ángel en un soneto dirigido a su amigo Giovanni da Pistoia (1510).


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Epifanía, dibujo de Miguel Ángel conservado en el Museo Británico de Londres.

En el dibujo de La Piedad que le regaló a Vittoria Colonna alrededor de 1540, la transformación de Miguel Ángel es evidente en el estilo. En esta obra, la figura de Cristo está tratada con mucha delicadeza, buscó la simetría orgánica con su madre María mirando hacia el cielo; ella extiende los brazos medio en cruz hacia arriba, mientras su Hijo los deja caer hacia abajo, todo en una composición simétrica que refuerzan las dos figuras laterales de unos niños y la cruz del fondo, que parte en dos mitades iguales el cartón y que tiene una inscripción sacada de Cantos de El Paraíso de Dante: «Non vi si pensa quanto sangue costa» (No se piensa cuanta sangre cuesta).

Se conservan numerosos dibujos, sobre todo a la tiza roja:

    - Estudio: Santa Ana, h. 1505, Museo del Louvre, París.
    - Cabeza ideal, dibujo a tiza roja, h. 1533, Museo Ashmolean, Oxford.
    - Dos hombres desnudos combatiendo, h. 1545-50, Museo del Louvre, París.
    - Crucifixión, h. 1550-55, Museo del Louvre, París.
    - Epifanía, h.1550-53, Museo Británico, Londres.
    - Descendimiento, dibujo a tiza roja, h. 1555, Museo Ashmolean, Oxford.
    - Estudio de un hombre desnudo, realizado a pluma, Museo del Louvre, París.
    - Estudios de rostros de perfil hacia la izquierda, Estudio de hombro derecho, pecho y parte superior de brazo de hombre y Estudio de un brazo derecho de hombre. Los tres pertenecen al Museo del Prado, en el que ingresaron en 1931 gracias al legado Fernández-Durán. Los dos últimos, preparatorios para la Capilla Sixtina, fueron identificados como obras de Miguel Ángel en 2004


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La Resurrección (1520-1525) de la Royal Collection del Castillo de Windsor. Obra de Miguel Ángel.



CONTINÚA MÁS ABAJO...
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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última edición por j.luis el Viernes, 05 Febrero 2016, 16:44; editado 23 veces 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
J.Luis gracias por la aportación de las obras de Miguel Angel muy interesante.

Un Saludo.
 




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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
gracias, por mostrarnos la obra de Miguel Angel, a mí me apasiona tanto su vida como su obra, me parecen de una tremenda inspiración, y creatividad.
Ha sido un regalo para la vista.
Saludos
 



 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
... CONTINUACIÓN



Esculturas de Miguel Ángel


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Arca de Santo Domingo en Bolonia. El Arca de Santo Domingo, es el monumento funerario que contiene los restos de Santo Domingo de Guzmán, en la basílica de Santo Domingo de Bolonia.

Después de la muerte de Domingo de Guzmán en 1221, sus restos fueron puestos el año 1233, en un simple sarcófago de mármol dentro del altar de una capilla lateral de la Basílica de San Domenico. Con el objeto de ser visible para los fieles, en 1267 los restos del santo fueron trasladados a un monumento mayor decorado con episodios de la vida del santo, obra de Nicola Pisano y sus discípulos Fra Gugliemo Agnelli y Arnolfo di Cambio. Más adelante fue modificada su decoración por Niccolo da Bari (que a partir de esta obra sería más conocido como Niccolo dell'Arca),el cual realizó las estatuas de los cuatro evangelistas, de San Francisco de Asís, Santo Domingo de Guzmán, San Floriano, San Vitale y un Cristo muerto adorado por ángeles, todo coronado por la imagen de Dios Padre. Por la muerte en 1494 de este artista, se recurrió a Miguel Ángel para la terminación de las imágenes de San Petronio, San Próculo y un Ángel portacandelabro haciendo pareja con el de Niccolo dell’Arca. El año 1531 hizo el escultor Alfonso Lombardi, los bajo reieves para la predela de mármol del Arca con Escenas de la vida de Santo Domingo de Guzmán y la Adoración de los Reyes Magos.


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Detalle del Ángel esculpido por Miguel Ángel.


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Baco (Bacco) es una escultura en mármol realizada entre 1496 y 1497 por Miguel Ángel, la obra de una altura de 203 cm se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia.


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La Batalla de los centauros es una escultura en relieve en mármol del escultor Miguel Ángel datada cerca de 1493 y que se guarda en el museo de la Casa Buonarroti de Florencia. Sus medidas son de 84,5 x 90,5 cm.


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Brutus es un busto en mármol, realizado en 1539-1540 por el escultor Miguel Ángel Buonarroti, se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia.


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Cristo de la Minerva es la denominación de una escultura de mármol, obra de Miguel Ángel, finalizada en 1521, que representa a un Cristo redentor, desnudo, abrazando la Cruz (el lienzo de pureza que oculta sus genitales es una adición posterior). Esta obra se encuentra en el lado izquierdo del altar mayor de la iglesia de Santa Maria sopra Minerva de Roma.


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El Crucifijo de Montserrat es una escultura de marfil recientemente atribuida al artista renacentista Miguel Ángel. Se encuentra en el monasterio de Montserrat. Barcelona.


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El Crucifijo del Santo Spirito, es una obra escultórica de la juventud de Miguel Ángel, que se encuentra en la sacristía de la Basílica del Santo Spirito en Florencia.


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El Crucifijo en madera de tilo o Crucifijo Gallino, es una pequeña escultura de madera,1 que actualmente carece de la cruz. Está dudosamente atribuida a Miguel Ángel Buonarroti y datada entre 1495 y 1497. Tiene un tamaño de 41,30 x 39,70 cm y pertenece a los Museos Estatales de Florencia, que aún no han seleccionado la ubicación final de la obra.


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El David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros de altura y 5.572 kilogramos de masa, realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.


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Leonardo da Vinci, el estudio de David de Miguel Ángel (detalle), Royal Library, Windsor

El David de Miguel Ángel es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores, y una de las esculturas más famosas del mundo. Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia,6 aunque hasta 1910 estuvo ubicada en la Plaza de la Señoría de la capital toscana; desde entonces en su lugar se erige una copia de la obra a tamaño real realizada también en mármol...


 10michelangelo_due_lottatori_1530_circa_02

Los Dos luchadores son un boceto de una escultura en arcilla de cerca de cuarenta centímetros de altura, atribuido a Miguel Ángel, datado cerca de 1525 y conservado en la Casa Buonarroti de Florencia.


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Esclavo moribundo, es una escultura de mármol blanco creada hacia 1513 por el escultor renacentista Miguel Ángel. Junto con otra del mismo autor, llamada Esclavo rebelde, se encuentra en el Museo del Louvre en París. Tiene unas medidas de 229 centímetros de Historia.


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El Esclavo rebelde, c. 1513-1516, es una escultura de mármol blanco de 215 cm de altura, creada por el escultor renacentista Miguel Ángel del Museo del Louvre.


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Dibujo de Rubens inspirado en la escultura de Miguel Ángel del Hèrcules'.

El Hércules fue una escultura en mármol del año 1492 realizada por Miguel Ángel en Florencia y que en la actualidad se encuentra desaparecida.


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Joven en cuclillasJoven en cuclillas es una escultura de Miguel Ángel, que se encuentra en el Museo del Hermitage en San Petersburgo. La escultura del Joven en cuclillasen esta ejecutada en mármol, es de 54 cm de alto y representa a un joven desnudo, doblado sobre sí mismo, tal vez la con la intención de quitar una espina del pie. Aunque no se trata de una escultura terminada, las características de la cara, el cabello y la forma del cuerpo son bien reconocibles.


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Detalle de la espalda del Joven en cuclillas.


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Madonna de Brujas es una escultura realizada en mármol por Miguel Ángel en el año 1504. De 1,23 metros de altura, se encuentra en la iglesia de Nuestra Señora de Brujas (ciudad de la actual Bélgica). Fue realizada inmediatamente después que la Piedad del Vaticano, por encargo de unos mercaderes flamencos...


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Capilla de la Madonna de Brujas en la iglesia de Nuestra Señora de Brujas.


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El Moisés es una escultura de mármol blanco y fue realizada en 1509, obra de Miguel Ángel (1475-1564), centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della Rovere, de la que el papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había sido cardenal titular antes de su nombramiento como representante del Vaticano...


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Tumba del papa Julio II. 1503. Mármol. San Pietro in Vincoli, Roma.     


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Raquel. 1545. Mármol. 195 cm de altura. San Pietro in Vincoli, Roma. Obra de de Miguel Ángel.


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Leah. 1545. Mármol. 209 cm de altura. San Pietro in Vincoli, Roma. Obra de de Miguel Ángel.


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Tumba de Julio II, con las estatuas de Miguel Ángel Raquel y Leah a izquierda y derecha de su Moisés.


El secreto oculto de la piel del 'Moisés' de Miguel Ángel

Unos trabajos de restauración reconstruyen la luz que tenía originalmente la icónica escultura. A final del siglo XIX se tapió una de las ventanas de la basílica de San Pietro in Vincoli, en Roma, al construirse al lado la facultad de ingeniería. En lo que nadie reparó entonces es la gran importancia que tenía aquella ventana justo en el lugar en que se encontraba.


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Una imagen del 'Moises' al que se le han modificado las fuentes de luz, según la idea original.

En la basílica de San Pietro in Vincoli está una de las esculturas más emblemáticas de Miguel Ángel: el Moisés, que forma parte de la monumental tumba del papa Julio II. Ahora, más de un siglo después de que se tapiara aquella ventana, se ha descubierto que Miguel Ángel esculpió las estatuas de la tumba de forma diferente en función de la luz natural que recibían. El secreto ha permanecido escondido durante tantos años porque simplemente las esculturas se encontraban en la penumbra.

«Ya se sabía que había una ventana, y que el Moisés miraba hacia el lado por donde entraba la luz de la ventana», explica el restaurador italiano Antonio Forcellino, que se encargó de limpiar el conjunto escultórico de mármol blanco entre 1999 y 2001, y el pasado otoño continuó con las labores de restauración. Precisamente, durante estos trabajos de limpieza, se percató de que algunas zonas del Moisés están especialmente pulidas, mientras otras, se caracterizan por su rugosidad.

«Hasta ahora no entendíamos por qué Miguel Ángel daba un tratamiento diverso al mármol en una misma escultura, pero ahora lo hemos descubierto por fin», celebra el restaurador. «Las zonas más pulidas corresponden a las partes de la tumba de Julio II que se encontraban expuestas de forma directa a la luz natural que entraba por la ventana», asegura Forcellino. «Eso hacía que el sol se reflejara y estas partes tuvieran una apariencia muy brillante», sigue describiendo el restaurador. «En cambio, las zonas más rugosas eran las que quedaban en la sombra», argumenta.

Según Forcellino, esto permitió conseguir a Miguel Ángel una mayor profundidad y expresividad en su obra, que ningún otro autor logró. «Miguel Ángel lo pudo hacer porque era un gran escultor, pero también un gran pintor. De hecho, aplicó a sus esculturas efectos de claroscuro que son característicos de la pintura», destaca el restaurador.

Por ejemplo, el brazo izquierdo del Moisés está muy pulido, y también su pierna derecha, que sobresale entre la ropa. En ambos, el sol se reflejaba directamente. Forcellino opina que Miguel Ángel debió de hacer estos acabados en esta estatua y en el resto de la tumba de Julio II, una vez el conjunto escultórico estuvo colocado en la basílica de San Pietro in Vincoli. «Eso le permitió comprobar dónde la luz se proyectaba sobre las esculturas exactamente», argumenta.

Ahora se ha intentado devolver a la obra de Miguel Ángel su apariencia original. No se ha abierto de nuevo la antigua ventana que existía en la basílica, pero se han instalado fuentes de luz artificial. No obstante, la operación no ha sido fácil. Para ello, se ha medido la intensidad y el color de la luz en diversas horas del día alrededor de la basílica y en su interior. Y se ha creado un programa de ordenador que genera una iluminación que simula los cambios de luz a lo largo de la jornada. Todo el trabajo ha ido a cargo de Mario Nanni. La Sobreintendencia Especial para el Coliseo y el área Arqueológica central de Roma ha impulsado el conjunto del proyecto.

(Publicado el 24 de febrero de 2017 por elmundo.es)



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La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizado por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.

La Virgen María, joven, bella y piadosa, cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen María es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una madre eternamente joven y bella.

Vasari dice de ella que «es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, ni en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol».


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La Piedad fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino, embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en él se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha. Fue la primera vez que el artista aborda este tema iconográfico, luego repetido a lo largo de su vida con diversos tratamientos, que ponen de manifiesto su evolución artística y espiritual. La última de esta serie de Piedades sería la denominada Piedad Rondanini, que dejó inacabada al caer enfermo y morir, y cuyo patetismo, que anticipa el barroco, nada tiene que ver con la serenidad clásicamente renacentista de esta obra de juventud.

El artista contaba entonces veinticuatro años; había trabajado los dos últimos años en la realización de las figuras de la Virgen con el cuerpo de Cristo en las rodillas y el pulimentado de todos los detalles. Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado, sobre el que después no haría más que seguir los impulsos de su arte como escultor, es decir, como refiere Vasari, quitando toda la materia pétrea sobrante del bloque hasta conseguir la forma pensada, pues para Miguel Ángel en el interior de un bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza; el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra, en este caso el dolor de una madre que tiene sobre sus rodillas a un hijo asesinado; lo demás es cuestión de técnica y paciencia hasta descubrir las formas concretas.

Cuando la obra fue finalizada y entregada, algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Ángel el verdadero autor de la misma, dudando de él por su juventud. Al enterarse, Buonarroti, en un arranque de furia grabó a cincel su nombre en la escultura, siendo esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: «Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]» («Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo»).

En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:

   Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.
   Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que está lleno de vida y conmiseración.
   Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato".

Representa, como mencionamos anteriormente, el ideal de belleza del renacimiento.

Ataque a la obra. El 21 de mayo de 1972 (día de Pentecostés) la imagen sufrió un atentado cuando un geólogo australiano de origen húngaro, llamado Laszlo Toth, golpeó en apenas unos pocos segundos el rostro y uno de los brazos de la Virgen con un martillo en quince ocasiones, mientras gritaba ¡Yo soy Jesucristo, resucitado de entre los muertos!; rápidamente fue reducido y detenido.

La estatua sufrió graves daños, sobre todo en la figura de la Virgen: el martilleo había quitado cincuenta fragmentos, rompiendo su brazo izquierdo y el codo, mientras que la nariz de su rostro estaba prácticamente destruida, así como los párpados. La restauración se inició casi de inmediato, después de un período de estudio, y se llevó a cabo en la mayor medida de lo posible mediante la reutilización de los fragmentos originales, así como una pasta hecha de pegamento y polvo de mármol. Se llevó a cabo en unos laboratorios cerca de los Museos Vaticanos, bajo la responsabilidad del director Deoclecio Redig de Campos y, gracias a la existencia de numerosos modelos, fue posible reanudar el trabajo con fidelidad, sin alteraciones arbitrarias.

El autor de este atentado, reconocido enfermo mental, se mantuvo en un manicomio italiano por un año y luego regresó a Australia. Desde entonces, la Piedad está protegida por una pared de vidrio especial a prueba de balas.



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Piedad florentina, llamada también Piedad Bandini, del Duomo, de las cuatro figuras o Deposición, es una escultura en mármol que representa una variante de las tipologías iconográficas de la Pietà ("piedad") y de la Deposición de Cristo, realizada por Miguel Ángel y conservada en el Museo dell’Opera del Duomo en Florencia.


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La Piedad de Palestrina es una obra atribuida a Miguel Ángel, que se encuentra en la Galería de la Academia de Florencia, junto al David, otra escultura del artista , y consta de un grupo escultórico con Cristo, la Virgen María y María Magdalena, con una medida de dos metros y medio de altura.


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EnlaceLa Piedad Rondanini se encuentra en el museo del Castillo Sforzesco de Milán. Considerada como la última obra esculpida por Miguel Ángel, ya que estuvo trabajando en ella seis días antes de morir. Fue encontrada en su estudio después de su muerte e inventariada como:

    Estatua iniciada de un Cristo con otra figura encima, juntas, esbozadas y sin acabar.

En agosto de 1561 Miguel Ángel regaló la figura, aún en ejecución, a su criado Antonio del Francese, a pesar de que continuó trabajando en ella hasta su defunción.


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San Mateo, es una obra escultórica en mármol de 2,61 metros de altura, que realizada por Miguel Ángel la dejó inacabada y se encuentra en la Galleria dell'Accademia en Florencia.

El 24 de abril de 1503 firmó el contrato el escultor con el Gremio de la Lana, donde se comprometía a realizar doce imágenes de los apóstoles para Santa María del Fiore. Sólo empezó la de san Mateo, ya que cuando Giuliano della Rovere fue escogido papa con el nombre de Julio II, lo llamó a Roma para encargarle la realización de su sepulcro, este encargo le hizo abandonar el proyecto de Florencia, el contrato del cual, fue anulado el 18 de diciembre de 1505.

La escultura de san Mateo inacabada, se parece a la de los esclavos, que más tarde, realizó el escultor para la tumba de Julio II, parece la figura surgir de la piedra, cargada con una gran emoción que en la época de Miguel Ángel, describían como de terribilitá.


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San Petronio es una escultura juvenil de Miguel Ángel, ejecutada entre el 1494 y 1495 encontrándose colocada en la basílica de Santo Domingo en Bolonia.

La obra representa a San Petronio, obispo y patrono de Bolonia, fue ejecutada en un mármol ya esbozado por Niccolò dell'Arca. La figura de sesenta y cuatro centímetros, sostiene entre ambas manos la representación de la propia ciudad, cercada por la muralla donde se distinguen las torres Garisenda y de los Asinelli.

Se aprecia la influencia de Jacopo della Quercia en la disposición de los ropajes y de los pintores de Ferrara, especialmente con la de Cosimo Tura.


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San Próculo, es una escultura realizada por Miguel Ángel, en su periodo juvenil entre los años 1494 y 1495 para el Arca de Santo Domingo, en el interior de la basílica de Santo Domingo en Bolonia.

Ejecutada junto con otras dos esculturas más: San Petronio y un Ángel para completar el trabajo que dejó sin acabar debido a su fallecimiento Niccolo dell'Arca, se aprecia un cierto parecido con Donatello.

Según un testimonio de fray Ludovico da Prelormo, anciano custodio del Arca de Santo Domingo, sobre la ruptura de la estatua de San Próculo en 1572:

    En la víspera de San Domenico el pobre desgraciado fra Pelegrino rompe la estatua de San Procolo, la tiró al suelo en más de cincuenta piezas. Yo nunca he tenido en ochenta años, más intenso dolor en el corazón que este. Desde luego, me creí morir, vinieron los frailes a confortarme, y muchos maestros que dominan el arte, por lo tanto que se lo llevaron y la ajustaron a lo que en el presente se ve.


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El Tondo Pitti, es una escultura realizada en relieve de mármol con un diámetro horizontal de 82 cm y vertical de 85,5 cm por el escultor Miguel Ángel, hacia el año 1503 y que se conserva en el Museo Nazionale del Bargello de Florencia.

Consta el tondo o círculo, de tres personajes, la Virgen María con su hijo Jesús y San Juan Bautista, el gran dinamismo de la escultura es el giro de la Virgen que rompe con los dos puntos estáticos del asiento cúbico donde se encuentra sentada y su cabeza mirando hacia el frente, los dos puntos rompen sobresaliendo la moldura del círculo, la composición es piramidal con frecuentes líneas horizontales y oblicuas que comportan una gran plasticidad. El Niño se encuentra en la derecha descansando sobre una libro abierto sobre las rodillas de su madre.

Fue encargado por Bartolomeo Pitti, más tarde regalado por su hijo Miniato Pitti a Luigi Guicciardini y finalmente fue adquirido en 1823 para su exposición en el Bargello.


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El Tondo Taddei es una escultura en relieve redondo de mármol, realizada en 1504 por el escultor Miguel Ángel, y que actualmente se encuentra en la Royal Academy of Arts de Londres. Su medida es de 109 cm de diámetro.


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La Virgen de la escalera es una escultura en relieve de mármol del escultor Miguel Ángel, datada hacia 1491 y que se guarda en la Casa Buonarroti de Florencia. La obra inacabada tiene unas medidas de 55,5 x 40 cm.


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El Ángel, portacandelabro, es una escultura en mármol, realizada por Miguel Ángel en el año 1494 para el Arca de Santo Domingo de la basílica de Santo Domingo en Bolonia.

Por el fallecimiento en 1494 del escultor Niccolo dell'Arca que estaba realizando la decoración del sepulcro de Santo Domingo de Guzmán, se recó a Miguel Ángel, para la terminación de las imágenes de San Petronio, San Procolo y un Ángel portacandelabro que hiciera pareja con el ejecutado por Niccolo dell'Arca.

La obra del Ángel de Miguel Àngel, que es la única alada en toda su escultura, se muestra en un gran contraste con la delicada escultura de Niccolo dell’Arca, retorna Miguel Ángel a la escultura típica toscana del siglo XV, pero con un aire monumental, se aprecia en los ropajes un gran dinamismo con un claro recuerdo a Jacopo della Quercia. Esta obra se encuentra documentada en las biografías de Vasari y Condivi.


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San Pablo. 1503-150.4 Mármol, 127 cm., de altura. Catedral de Siena. Obra de de Miguel Àngel.     


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San Pedro. 1503-150.4 Mármol, 124 cm., de altura. Catedral de Siena. Obra de de Miguel Àngel.     


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Esclavo joven. 1513 y 1519-1535. Mármol. 256 cm de altura. Galería de la Academia de Florencia. Obra de de Miguel Àngel.     


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Esclavo atlante. 1513 y 1519-1535. Mármol. 277 cm de altura. Galería de la Academia de Florencia. Obra de de Miguel Àngel.     


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Esclavo barbudo. 1513 y 1519-1535. Mármol. 267 cm de altura. Galería de la Academia de Florencia. Obra de de Miguel Àngel.     


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Esclavo despertándose. 1513 y 1519-1535. Mármol. 267 cm de altura. Galería de la Academia de Florencia. Obra de de Miguel Àngel.     


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Genio de la Victoria, c. 1532–1534. Mármol. 261 cm de altura. Palazzo Vecchio, Florencia. Obra de de Miguel Àngel.     



San Juan Bautista niño, la última obra recuperada de Miguel Ángel


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San Juan Bautista niño, obra de Miguel Ángel. Partes originales en mármol y reconstrucción en resina, 140 x 40 x 43 cm, ca. 1495 - 1496, Propiedad: Fundación Casa Ducal de Medinaceli. Capilla del Salvador de Úbeda (Jaén)

Los biógrafos de Miguel Ángel, Vasari y Condivi, narran que al volver de Bolonia a Florencia en 1495 su primer encargo fue una estatua en mármol de un San Giovannino hecha para Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis (primo de Lorenzo el Magnífico) que hoy se identifica con esta. En lugar de seguir el modelo del San Juan Bautista de Donatello (Florencia, Museo del Bargello) como hacían los demás escultores florentinos, Miguel Ángel representó al santo más joven, como un niño de unos 6 o 7 años. Siguiendo el ejemplo de la escultura helenística griega, apoya la pierna izquierda sobre una roca y al doblarla ligeramente crea unas elegantes líneas oblicuas, un recurso estético que el artista utilizaría en diversas obras. Los brazos doblados, la cabeza ligeramente inclinada y el énfasis en el cuerpo desnudo recuerdan modelos de la escultura clásica, tan admirada por Miguel Ángel. Se perciben semejanzas compositivas evidentes entre esta y otras obras del maestro, como el pequeño san Juan Bautista en el cuadro inacabado conocido como la Madonna de Manchester (Londres, National Gallery, 1495-1496) y la escultura de Baco con sátiro del Museo del Bargello (1497-98).


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La obra recuperada se expuso en el Museo del Prado por primera vez en 2015.

El 'San Juan Bautista niño' de Miguel Ángel tiene 130 centímetros de altura y su cuerpo infantil, que había quedado reducido a cascotes, vuelve a lucir con toda la belleza y misterio de las esculturas de Miguel Ángel (Caprese, 1475-Roma, 1564). Y todo gracias a los más recientes milagros tecnológicos obrados por el Centro de Restauración de Florencia, que ha necesitado 19 años para insuflarle nueva vida. San Juan Bautista niño, más conocido como San Juanito, fue víctima de la Guerra Civil española y nació de las manos del genio renacentista cuando contaba unos veinte años. Desde hoy se expone hasta el 28 de junio en la sala 47 del Museo del Prado, el mismo lugar en el que se exhibió a la Gioconda del Prado. Después, volverá a la capilla del Salvador de Úbeda (Jaén), donde se expone desde el siglo XVI, por deseo de sus propietarios, la Fundación Casa Ducal de Medinaceli.


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El San Juanito deja ver las cicatrices de las heridas causadas por un ataque de grupos anarquistas (con toda probabilidad) a comienzos de la guerra. No solo quedó reducido a cascotes, sino que también algunas partes, como la cabeza, fueron quemadas. La recuperación de la obra hubiera sido inimaginable hace unas décadas. Sin embargo, los propietarios perseveraron y decidieron llevar los trozos al Centro de Restauración de Florencia, el Opificio delle Pietre Dure, el lugar más indicado para recobrar la figura creada con el blanco mármol de Carrara entre 1495 y 1496.


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Detalle de San Juanito.

Cristina Improta, directora del Departamento de Materiales Pétreos del centro florentino, explica que los expertos contaron con varias fotografías para recuperar su aspecto original. Una de ellas había sido tomada en 1930 en la capilla de Úbeda. Contaban con referencias escritas por Vasari, quien relacionaba la obra con piezas juveniles de Miguel Ángel, como la escultura de Baco, y con la pintura conocida como la Madonna de Manchester.

Las imágenes permitieron la reconstrucción virtual en tres dimensiones de lo que había sido la obra completa. El paso siguiente consistió en montar la escultura con los trozos originales de mármol y completar las partes perdidas, más del 60%, con fibra de vidrio y nylon que luego fueron estucadas, entonadas con tempera y selladas con cera y barniz. El armazón interno se sostiene con una estructura de acero inoxidable articulada por imanes. La parte final del proceso consistió en aplicar un potente láser capaz de limpiar los restos de quemaduras de la cabeza y de la piel de cordero con la que San Juanito se cubre parte del cuerpo. Los restauradores han querido que la figura guarde las cicatrices de sus penurias y agresiones; una venganza contra el arte que, como recuerda Miguel Zugaza, se sigue perpetrando en estos momentos por el Estado Islámico.


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Detalle de San Juanito, de Miguel Ángel Buonarroti.

Durante los 19 años que la obra ha permanecido en Italia no solo se ha sometido a un tratamiento de regeneración; también se ha certificado definitivamente la paternidad de Miguel Ángel, en un congreso de expertos celebrado en Florencia en 2013. Aunque no se albergaban muchas dudas, hasta entonces solo se contaba con la atribución del historiador del arte Manuel Gómez Moreno.

Stefan Schoeder, jefe del departamento de Escultura del Museo del Prado y comisario de la exposición documental montada en torno a San Juanito, explica que las primeras noticias escritas que se tienen sobre la obra están fechadas en 1495 y cuentan que fue un encargo de Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, el mismo mecenas de Botticelli. Después, en 1537, Cosme I de Médicis regala la obra a Francisco de Cobos, secretario del emperador Carlos V. Cobos la envía a España para embellecer el mausoleo que se había mandado construir en la capilla de San Salvador en Úbeda. De esta manera pasó a formar parte de la Fundación Casa Ducal de Medinaceli y a convertirse en la única escultura conocida en España nacida del Divino Buonarroti.




Obra arquitectónica de Miguel Ángel


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Capilla de los Médicis - Capillas Mediceas (Florencia) Autor: Miguel ÁngelL Buonarroti. Fecha: 1520-1604.
Las Capillas Mediceas sirven como mausoleo particular a los miembros más jóvenes de la familia Médici, de la misma manera que en la Sacristía Vieja de la iglesia de San Lorenzo están enterrados los miembros más antiguos del clan familiar. Consta de tres recintos: la Capilla de los Príncipes, la Capilla del Tesoro y la Sacristía Nueva. La Capilla de los Príncipes fue construida en 1604 siguiendo los diseños de Giovanni de Médici, hijo natural de Cosme I, finalizándose en 1929. Presenta una planta octogonal cubierta con cúpula, siguiendo las normas del neoclasicismo. Las paredes de la capilla se cubren con mármoles incrustados de piedras preciosas mientras que la cúpula está decorada con frescos realizados por Pietro Benvenuti en 1828. En este lugar se hallan enterrados los grandes duques de Toscana, realizados los sarcófagos en granito egipcio, jaspe verde de Córcega y granito oriental. Los de Fernando I y Cosme II se coronan con estatuas de bronce dorada salidas del taller de Fernando Tacca. El conjunto se completa con un altar de piedras duras. Detrás de este altar se sitúa la Capilla del Tesoro en la que se conservan interesantes piezas de orfebrería de los siglos XVII y XVIII, así como algunos vasos de cristal de roca. Pero el espacio más interesante del conjunto es la Sacristía Nueva. El promotor de este proyecto serán el cardenal Giulio de Médici, futuro papa Clemente VII, y León X.


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Capillas Mediceas (Florencia). Puerta de acceso

En 1520 encargan a Miguel Ángel la realización de los diseños, empezando los trabajos en marzo de ese año. Los problemas políticos que Florencia vivó en los años siguientes y la instauración de la República provocaron la interrupción de las obras durante diez años, retomando el propio Miguel Ángel el proyecto, que sería acabado por su discípulo Vasari en 1546. La Sacristía Nueva no presenta la severidad geométrica de la obra realizada por Brunelleschi en la Sacristía Vieja. Buonarroti busca el tratamiento de la muerte como un asunto teatral, como si de un poema se tratara, creando una obra de grandiosa belleza. El proyecto inicial contaba con cuatro tumbas destinadas a guardar los restos de Lorenzo el Magnífico; su hermano Giuliano de Médici -asesinado en la conjura de los Pazzi-; Lorenzo, el duque de Urbino; y Giuliano, el duque de Nemours: los dos "Magnifici" y los dos "Capitani". Pero sólo se completaron dos de las tumbas del proyecto, las dedicadas a los dos Capitanes. A la izquierda del altar se encuentra el Sepulcro de Lorenzo, el duque de Urbino, definido por Vasari como "Il Pensieroso" por su actitud reflexiva. Le acompañan las figuras del Crepúsculo y la Aurora. Enfrente se encuentra la tumba de Giuliano, el triunfo de la vida, representado con su coraza y su bastón de mando; a sus pies se encuentran representadas las alegoría de la Noche y el Día. El espacio arquitectónico toma como referencia a Brunelleschi, al emplear la bicromía de la piedra gris y el yeso blanco. Tolnay lo ha interpretado como la subdivisión de tres esferas: la esfera del Hades, la terrenal y la celestial, culminada con la cúpula que se inspira en el Panteón de Roma. La única decoración del conjunto, a excepción de las tumbas, se encuentra en la Virgen con el Niño, grupo escultórico también realizado por Miguel Ángel ocupando actualmente el lugar del sepulcro de los "Magnifici", acompañada por las estatuas de los santos patrones de la familia Médici: san Cosme a la derecha, obra de Montorsoli (1537) y san Damián a la izquierda, realizado por Raffaele da Montelupo (1531).

En 1975 se descubrió, durante la realización de unos trabajos en la zona inferior de la Sacristía, una galería subterránea que presentaba una curiosa decoración de dibujos en los muros y los techos, dibujos atribuidos a Miguel Ángel.


Tumbas de Lorenzo y Juliano de Médicis


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Tumba de Lorenzo de Médicis. Autor: Miguel Ángel. Fecha: 1520-1534, Iglesia de San Lorenzo de Florencia.


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Tumba de Juliano de Médicis. Autor: Miguel Ángel. Fecha: 1520-1534. Iglesia de San Lorenzo de Florencia.

El modo cómo molduró Miguel Ángel las paredes de la Sacristía Nueva de San Lorenzo de Florencia para albergar en los costados dos sepulcros-retablo crea un ambiente enrarecido y fúnebre gracias a la dicromía de los mármoles y la tensión en que comprime en hornacinas angostas las estatuas simbólicas. En el sepulcro de Lorenzo, duque de Urbino, fallecido en 1519, sentado en meditabundo silencio y brazo retorcido en espiral, glosa la introspección del Pensamiento y exalta la vida contemplativa -se adecúa al dictado de Pensieroso como ha sido llamado-, en contraste con la actitud gallarda y activa de su hermano Juliano, duque de Nemours, en la tumba frontera. Dos alegorías, masculina el Crepúsculo, y femenina la Aurora, se deslizan como el transcurrir del tiempo efímero sobre el plano inclinado del frontón roto, imagen de la vida truncada del efigiado, como en el otro sepulcro el Día -de rostro non finito- y la Noche también lo rubrican. Es notorio el inacabado o non finito de los dos rostros masculinos, especialmente en el Día, que es aquí deliberado intento del artista por escamotear al espectador sus caras heridas por el resplandor solar, técnica que al extremo opuesto del esfumado praxiteliano, adquiere carácter pictórico y romántico luego seguido entre escultores tan dispares como Rodin o Victorio Macho.


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Tumba de Lorenzo de Médicis (detalle). Obra de Miguel Ángel. Fecha: 1520-1534, Iglesia de San Lorenzo de Florencia.


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Tumba de Juliano de Médicis (detalle). Obra de Miguel Ángel. Fecha: 1520-1534. Iglesia de San Lorenzo de Florencia.


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La fachada de San Lorenzo. Reconstrucción de un diseño de Miguel Ángel sobre la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia, por medio de una proyección luminosa, el año 2007.

La familia Médici había financiado la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en 1420, durante la visita en 1515 del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da Sangallo. Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y toda la escultura de Italia, ideando una fachada semejante a un retablo contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves. Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto, se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, en base a la cual se firmó el contrato para su construcción el 19 de enero de 1518.

Según escribió Miguel Ángel, lleno de entusiasmo: «me he propuesto hacer, de esta fachada de San Lorenzo, una obra que sea el espejo de la arquitectura y de la escultura para toda Italia...» Entre los años 1518-1519 Miguel Ángel revisó los mármoles en Carrara, un trabajo inútil, ya que el papa propuso que el mármol fuera del territorio florentino, en las pedreras de Pietrasanta y Serravezza. Con fecha 10 de marzo de 1520, el papa dio por finalizado el contrato,88 cuando el artista se había quejado que el mármol destinado para la fachada se estaba utilizando en otras obras. La segunda maqueta de madera presentada y realizada por su ayudante Urbano, se conserva en la Casa Buonarroti.


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Exterior de la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires, parte de las antiguas Termas de Diocleciano

Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires es un templo que se encuentra en Roma, junto a la actual plaza de la República. El cardenal titular de Sanctae Mariae Angelorum in Thermis es William Henry Keeler. La dedicación a los mártires hace referencia al dato que afirma la hagiografía cristiana, según el cual las termas de Diocleciano fueron construidas con el trabajo de cristianos hechos esclavos.

El edificio fue diseñado en 1562 por Miguel Ángel sobre la base del aula central de las Termas, a solicitud de papa Pío IV y del sacerdote siciliano Antonio del Duca.


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Nave central de la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires (Roma)

Miguel Ángel se limitó a recubrir algunos muros y a restaurar un aula del tepidarium, creando así un edificio eclesiástico del todo particular: dilatado de modo lateral en vez de longitudinalmente. El ingreso a la iglesia se hace a través de un vestíbulo circular, también de origen romano, y termina en un profundo presbiterio, dónde se encuentra el coro de los cartujos, a quienes se confió esta iglesia una vez terminada.


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Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires (Roma). La gran meridiana solar de Francesco Bianchini, situada bajo el crucero del templo, fue construida sobre diseños de Miguel Ángel, a solicitud del papa Clemente XI e inaugurada el 6 de octubre de 1702. Su fin era, más allá de competir con el reloj semejante entonces existente en San Petronio en Bolonia, demostrar la exactitud del Calendario Gregoriano y determinar la fecha de la Pascua cristiana en el modo más coherente posible con los movimientos del Sol y la Luna.


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San Giovanni dei Fiorentini. Roma. Proyecto de Miguel Ángel no ejecutado. 1559–1560     


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Ventanas inginocchiate en el Palacio Medici Riccardi, en una fotografía de 1908.

Mejoras del Palacio Médici Riccardi. Hacia el año 1517, efectuó unas obras de mejora en la planta baja del Palacio Medici Riccardi, donde se cerraron los arcos de la loggia (galería) que se habían construido en la esquina de la Via Longa y la Vía de'Gori, con lo que resultaba una arquitectura más cerrada y más compacta del edificio. Se colocaron también unas ventanas que Vasari denominaba inginocchiate (arrodilladas). En la Casa Buonarroti se conserva un dibujo que debió servir para la maqueta de este palacio.


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La Sacristía Nueva (en italiano, Sagrestia Nuova) de la basílica de San Lorenzo de Florencia es una de las obras maestras de Miguel Ángel como arquitecto y como escultor. Hoy forma parte del complejo museístico de las Capillas Mediceas.


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Madonna Medici. Obra de Miguel Ángel. Fecha: 1520-1534. Iglesia de San Lorenzo de Florencia.


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Estudio de fortificación de Miguel Ángel para el bastión de la Porta al Prato d'Ognissanti.

Las fortificaciones de Florencia. Después de la expulsión de los Médici en 1527 y el establecimiento de la nueva república en Florencia, el 6 de abril de 1529 Miguel Ángel fue nombrado «gobernador y procurador general de las fortificaciones» y, además de una pequeña estancia en Venecia, dedicó todos sus esfuerzos a la mejora de las fortificaciones florentinas. Todos los dibujos clasificados en la Casa Buonarroti, son estudios para los bastiones de las puertas y los ángulos de la muralla medieval. Es especialmente remarcable por su elaboración, el correspondiente al ángulo de la Porta al Prato d'Ognissanti, en la parte occidental de Florencia.

Miguel Ángel centró su preocupación en la acción defensiva y muestra su gran originalidad en esta clase de dibujos que son los únicos diseños militares, junto con algún otro de Leonardo da Vinci, en los que se establecen las trayectorias de los disparos de los cañones y su radio de acción. La gran cantidad de cuerpos salientes agudos de sus dibujos proporcionan un máximo alcance, ya que los bastiones eran más defensivos que ofensivos. Las ideas del autor estaban destinadas a no ser aceptadas, y en algunos de sus dibujos de la última época ya se aprecia la eliminación de puntos ciegos, que no se podían proteger, seguramente por alguna crítica recibida de parte de expertos militares; estos últimos diseños, los más próximos a los que se utilizaron posteriormente en la época del barroco, son muy similares a los propuestos por el ingeniero militar Vauban en su obra Manière de Fortier, del año 1689.


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Proyecto de Miguel Ángel para la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia. 1515–1520, no se llegó a construir.


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Exterior de la Biblioteca Laurenciana.

Biblioteca Laurenciana. La Biblioteca Laurenciana o Biblioteca Medicea Laurenciana es una de las bibliotecas más importantes de Florencia y de toda Italia. Es famosa por conservar aproximadamente 11.000 manuscritos. Construida en el claustro de la medicea basílica de San Lorenzo, fue patrocinada por el papa Clemente VII (en el siglo, Julio de Médicis).

Miguel Ángel, tras la realización de los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina retorna a Florencia, donde trabaja como arquitecto a las órdenes del nuevo papa León X de Médicis, elegido después de la muerte de Julio II. Proyecta la fachada de la Basílica de San Lorenzo, nunca realizada, y en 1519 construye la Capilla Medicea o Sacristía Nueva para acoger los sepulcros de los Médicis. A la realización de las tumbas mediceas se dedica desde 1521, y tres años después, en 1524 el papa Médicis Clemente VII encarga la construcción de la Biblioteca Laurenciana, para la conservación de los preciosos códices de la colección medicea. Miguel Ángel comenzará a flanquear un costado del claustro levantado por el biógrafo y seguidor de Brunelleschi, Antonio Manetti.

En 1527, la invasión de las tropas de Carlos I de España y la expulsión de los Médicis de Florencia, interrumpen los trabajos para los complejos laurencianos. Los trabajos en la sacristía nueva y en la biblioteca serán retomados en 1530, después del restablecimiento de los Médicis en el gobierno de Florencia. Pero en 1534 Miguel Ángel se traslada definitivamente a Roma por el nuevo encargo de Clemente VII de pintar un Juicio Final para el altar de la Capilla Sixtina, interrumpiendo los trabajos en San Lorenzo para iniciar dicho proyecto.

Tras esta interrupción siguen construyendo el edificio de la Biblioteca Laurenciana Bartolomeo Ammannati y Giorgio Vasari.

En 1571, Cosme I de Médicis, Gran duque de Toscana, abrió la todavía incompleta Biblioteca al público. Numerosas aportaciones se han realizado a lo largo del tiempo a la colección. En 1757 fue elegido bibliotecario de ésta a Angelo Maria Bandini, que pasó cincuenta años en el cargo y que siguió una política de adquisiciones para engrandecimiento de la Biblioteca y además publicó los primeros catálogos de los fondos bibliográficos.

En el siglo XIX el bibliófilo florentino Angelo Maria d'Elci donó su colección de primeras ediciones de clásicos latinos y griegos y se adquirió la biblioteca de Lord Bertram Ashburnham, con importantes códices mayoritariamente en lengua italiana.


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Sala de lectura de la Biblioteca Laurenciana.


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Vestíbulo de la Biblioteca Laurenciana.


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Escalera de la Biblioteca Laurenciana.

Durante la década de 1520, Miguel Ángel diseñó de la Biblioteca Laurenciana la sala de lectura y vestíbulo con la escalinata de acceso, anexa a la citada iglesia, aunque los trabajos no finalizaron hasta varias décadas después y ya no bajo la dirección del maestro toscano... Leer más


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Grabado del año 1568 de Étienne Dupérac según el proyecto de Miguel Ángel.

Plaza del Capitolio. Después de Florencia, en Roma también desarrolló una etapa arquitectónica durante sus dos últimas décadas de vida; así en 1546 se le encargó la urbanización de la plaza del Capitolio o Campidoglio. Durante la visita del emperador Carlos I, el papa Pablo III, entre las diversas realizaciones para el ornamento de la ciudad con ocasión de este recibimiento, había hecho trasladar algunas esculturas al monte del Capitolio: en 1537 se había colocado la estatua ecuestre de bronce de Marco Aurelio, símbolo de la autoridad imperial y por extensión de la continuidad entre la Roma imperial y la papal; esta escultura debía de ser el centro de partida de toda la urbanización. Miguel Ángel, para que hubiera una visión unitaria, dispuso el Palacio de los Senadores (sede del ayuntamiento) en el fondo de la plaza, con unas escalinatas tangentes a la fachada; y delimitada a los lados por dos palacios: el Palazzo dei Conservatorio y el llamado Palazzo Nuevo construido ex-novo, ambos convergentes hacia la escalera de acceso al Capitolio. Los edificios, actualmente Museos Capitolinos, fueron dotados de un orden gigante con pilastras corintias en la fachada, cornisas y arquitrabes, y proyectadas divergentes, no paralelas, de manera que la plaza quedaba en forma de trapecio, para conseguir la ilusión óptica de más profundidad...


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Fachada del Palacio Farnese, en Roma.

Palacio Farnese. En la construcción del Palacio Farnesio, Miguel Ángel sustituyó a Antonio da Sangallo el Joven, que era el que dirigía las obras en el momento que se produjo su fallecimiento en 1546. El edificio se encontraba en construcción al nivel de la segunda planta.

Buonarroti acabó la fachada antes de realizar los cuerpos laterales y el posterior, e hizo elevar la altura del segundo piso para unificarlos con la misma medida que los inferiores. La cornisa del edificio, que Sangallo había previsto más estrecha, la substituyó por otra más grande y con elementos ornamentales, donde se mezclan los órdenes dórico, jónico, y corintio. Cambió también el ritmo de la fachada con la revisión de la ventana central, que dotó de un dintel más grande con la prolongación del entablamento, encima del cual colocó un escudo gigante de más de tres metros de altura.

La parte posterior de la obra fue acabada años más tarde por Giacomo della Porta.


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Grabado de Étienne Dupérac que representa las Termas de Diocleciano antes de la transformación en iglesia.

Santa Maria degli Angeli e dei Martiri. Por concesión mediante una bula del 27 de julio de 1561, Pío IV decidió instalar a los cartujos en las Termas de Diocleciano, previa su transformación en iglesia.102 Ya en el año 1541 un sacerdote siciliano, Antonio del Duca, había solicitado al papa la creación de una iglesia consagrada al culto de los ángeles, y en 1550 consiguió la autorización de edificar catorce altares provisionales, siete dedicados a los ángeles y otros siete a los mártires.103 El 5 de agosto de 1561 se colocó la primera piedra de la iglesia y se encargó del proyecto Miguel Ángel, que, según Vasari, propuso:

    ...diseñarla en forma de cruz, limitar la medida y eliminar las capillas inferiores, cuyas bóvedas se habían de derribar, de manera que las partes altas serían las que conformarían la parte principal de la iglesia. Su bóveda estaría soportada por ocho columnas, en las que se grabarían los nombres de mártires y ángeles; dibujó tres puertas, una al sudoeste, otra al noroeste y la tercera al sureste, tal como hoy se pueden ver; el altar mayor, lo situó hacia el noreste.

Las obras empezaron inmediatamente, pero tuvieron que detenerse en el año 1563 por falta de fondos económicos. Cuando en 1565 se convierte en iglesia titular (parroquial) con el nombre de Santa Maria degli Angeli e dei Martiri, se encargó la realización de un baldaquino de bronce para el altar mayor, según diseño de Miguel Ángel, que se encuentra actualmente en el museo de Nápoles. Durante los siglos posteriores se ha ido transformando, haciendo casi imperceptible el diseño original.


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Cara interna de la Porta Pia, según el diseño de Miguel Ángel.

Porta Pia. El papa Pío IV le encargó un proyecto para la Porta Pia, el artista le presentó tres; el papa escogió el de menor coste y se empezó la construcción en 1561.

La puerta se edificó durante el proceso de remodelación urbanística realizada por el papa Pío IV. La nueva calle que venía desde el Quirinal, se nombró Via Pia en honor del papa; a partir de entonces prosiguió en línea recta a través de la Porta Pia, que atraviesa las murallas de la ciudad; Miguel Ángel la realizó en aquel tramo en sustitución de otra que había muy próxima al lugar llamada Nomentana. Se realizó como una gran escenografía, en el punto topográfico más elevado de la muralla, con la fachada hacia el interior de la ciudad, con lo que se apartaba de la antigua tradición de orientar las puertas hacia el campo, como presentación de la ciudad al visitante. Las medallas que se acuñaron con motivo de la construcción de la Puerta, obra de Giovanni Federico Bonzagni, muestran como fue diseñada originariamente. El proyecto para la parte externa no se pudo llevar a término por el fallecimiento de Miguel Ángel en 1565 y la elección de un nuevo papa, Pío V, con lo que las obras quedaron paralizadas y la parte exterior se solucionó con un sencillo muro y una puerta.106

En 1853 Virginio Vespignani restauró el ático y, durante los años 1861-1868, se construyó la puerta exterior.


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Cordonata Capitolina en Roma, diseñada por Miguel Ángel.

La Cordonata Capitolina es una calle en pendiente, formada por grandes elementos de piedra o ladrillo que la hace similar a una escalera. Se encuentra en Roma, en el distrito de Campitelli. Se conecta con la plaza del Capitolio con la Plaza d'Aracoeli, y fue diseñada por Miguel Ángel en el siglo XVI, por encargo del papa Pablo III, dentro de los trabajos de renovación del Capitolio.

La cordonata Capitolina, de fácil acceso y tránsito fue pensada para el paso de hombres a caballo, se amplia ligeramente hacia arriba, después, pusieron las grandes esculturas de Dioscuros, Castor y Pólux, y el grupo escultórico conocido como I Trofei di Mario.

Dos estatuas de leones adornan la escalera en la base, mientras que en la mitad se encuentra la estatua de Cola di Rienzo, diseñada por Girolamo Masini en 1887 justo en el sitio que fue ejecutado.



Basílica de San Pedro


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Basílica de San Pedro. La Basílica papal de San Pedro (en latín: Basilica Sancti Petri; en italiano: Basilica Papale di San Pietro in Vaticano), conocida comúnmente como Basílica de San Pedro, es un templo católico situado en la Ciudad del Vaticano. La basílica cuenta con el mayor espacio interior de una iglesia cristiana en el mundo, presenta 193 m de longitud, 44,5 m de altura, y abarca una superficie de 2,3 hectáreas. La altura que le confiere su cúpula hace que su figura domine el horizonte de Roma. Es considerada como uno de los lugares más sagrados del catolicismo. Se ha descrito como «ocupante de una posición única en el mundo cristiano», y como «la más grande de todas las iglesias de la cristiandad». Es una de las cuatro basílicas mayores.

En la tradición católica, la basílica se encuentra situada sobre el lugar de entierro de san Pedro, que fue uno de los doce apóstoles de Jesús de Nazaret, primer obispo de Antioquía, primer obispo de Roma y, por lo tanto, el primero de los pontífices. La tradición y las evidencias históricas y científicas sostienen que la tumba de san Pedro está directamente debajo del altar mayor de la basílica; a causa de esto, muchos papas han sido enterrados en San Pedro desde la época paleocristiana.


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Nave central de la Basílica de San Pedro.

En el sitio de la basílica han existido iglesias desde el siglo IV. La construcción del actual edificio, sobre la antigua basílica constantiniana, comenzó el 18 de abril de 1506, por orden del papa Julio II, y finalizó el 18 de noviembre de 1626.6 En ella trabajaron algunos de los arquitectos más renombrados de la historia, como Donato Bramante, Miguel Ángel o Bernini.


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Vista de noche de la Basílica de San Pedro.

A pesar de la creencia popular, San Pedro no es una catedral, ya que la Archibasílica de San Juan de Letrán es la verdadera catedral de Roma...


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La cúpula de San Pedro del Vaticano, diseñada por Miguel Ángel.

Miguel Ángel fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro en 1546 a los 72 años de edad, a la muerte de Antonio da Sangallo el Joven. La construcción de la basílica había sido empezada sobre la anterior paleocristiana, por mandato del papa Julio II y bajo la dirección del arquitecto Bramante; a partir del fallecimiento de este último, se hizo cargo Rafael Sanzio, que modificó la planta y la transformó en una cruz latina. Cuando Miguel Ángel recibió el encargo de las obras, modificó de nuevo la planta y volvió, con ligeras variaciones, a la idea original de Bramante de cruz griega, pero redujo las cuatro esquinas del cuadrado para que las áreas más pequeñas pudieran tener luz directa. Le corresponde en particular la modificación de la cúpula central respecto al proyecto de Bramante: suprimió el anillo con columnas y le dio un perfil más elevado. Al suprimir las torres, la cúpula se convirtió en el elemento predominante. Obtuvo permiso del papa, ante la vista de sus maquetas, para demoler parte de la construcción de Sangallo y, sin alterar de forma sustancial el interior, consiguió imponer su estilo personal y aportar una gran unidad al conjunto. La mayor parte de las obras se realizaron entre los años 1549 y 1558.100.


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Proyecto de Bramante para la planta de San Pedro del Vaticano.


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Proyecto de Miguel Ángel para la planta de San Pedro del Vaticano.

Con ligeros retoques en el proyecto ideado por Miguel Ángel, que dejó una maqueta para la cúpula central realizada entre los años 1558 y 1561, se realizó la terminación de las obras, 24 años después de su muerte, por los arquitectos Giacomo della Porta y Domenico Fontana, con una altura de 132 metros y un diámetro de 42,5 metros.


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Vista interior de la cúpula de La Basílica de San Pedro proyectada por Miguel Ángel.


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Cúpula de La Basílica de San Pedro, su culminación como arquitecto. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma Bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones englobadoras de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto. A pesar de todo no consiguió ver su idea acabada, para lo cual otro arquitecto debería sustituirle, que fue Maderno en última instancia.



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Retrato de Miguel Ángel, por Daniele da Volterra, donde se aprecia su nariz chata.



Enlaces interesantes


Más info de Miguel Ángel en la Wikipedia

Ver obra de Miguel Ángel en la Wikipedia

Ver obra de Miguel Ángel en Artehistoria


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Sepulcro de Miguel Ángel diseñado por Vasari en la Basílica de la Santa Croce de Florencia.



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado la recopilación dedicada al genio de Miguel Ángel. Uno de los grandes artistas de las Artes de todos los tiempos... sencillamente impresionante.


Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, artehistoria.jcyl.es, pintura.aut.org, iglesiaynuevaevangelizacion.blogspot.com, elpais.com, es.wahooart.com, museodelprado.es, artcyclopedia.com, historiadelartemgm.com.ar, elmundo.es, arteparalosamigos.blogspot.com, elmonilloviajero.blogspot.com y otras de Internet.
 




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última edición por j.luis el Viernes, 24 Febrero 2017, 11:09; editado 9 veces 
j.luis - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
hola J.Luis , la verdad es que me encanta el arte en todas sus manifestaciones, la verdad es que no tengo mucho tiempo pero me gusta el arte en toda sus manifestaciones , me metí en poesía para escribir un estrofa de un poema que se está componiendo, te diré que tengo una reproducción de la piedad pequeñita, y un cuadro de las manos de la creación que es una maravilla,parece que tengo un trozo de la Capilla Sixtina en casa, algún día tengo que ir a verlo en directo, creo que será maravilloso.
Un saludo
 



 
Brisa - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Resposta: Miguel Ángel 
 
Qué guapa la exposición que estás montando sobre Miguel Angel, J.luis.
Sus esculturas me gustan pero hay una, "Cristo cargando la Cruz", que no me parece muy creíble. Al Cristo le veo muy rollizo
Y, a parte de las más conocidas, me gusta "Crouch, 1530". Esta no la había visto nunca.

De su obra pictórica me gusta todo      


Mi paisano tambien lo homenajeó con estas obras:

i0136   f11-04


Brisa, hola otra vez! A ver si te animas y participas a menudo
 




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galarina - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
gracias Galarina, me gustaría participar más pero no tengo mucho tiempo, de todas formas, veo que soy un grupo muy familiar, m alegro de estar entre vosotros
 



 
Brisa - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
Galarina, nuevamente bienvenida, me alegro que te guste la "mini expo" de Miguel Ángel, haber si puedo concluirla mañana o pasado... No conocía: La piedad y el Moisés de tu admirado Dalí, son muy originales, cómo no podía ser de otro modo.


Brisa, yo también tengo una reproducción de la Piedad, en mi último viaje a Roma, la adquirí, la tengo en un lugar destacado en el salón de casa, igual le hago una foto y os la pongo para que podáis contemplarla lo bien que luce.
En éste último viaje he podido volver a visitar con detenimiento los Museos Vaticanos -incluida Capilla Sixtina, aunque fue lo peor que vi, pues estaba muy oscura, estaba nublado en el exterior y con multitud de gente-, y la Catedral de San Pedro, junto a otros numerosos monumentos romanos... la verdad que decir son una pasada, si tienes ocasión no dejes de hacerte un viajecito... vas a flipar, como dicen mis hijos.



Saludos.
 




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j.luis - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
Brisa bienvenida, a huecos libres escapate por el foro y nos cuentas y comentas cosas, así la familia de amigos va creciendo  

J.luis, gracias por este despliegue de Miguel Ángel   personalmente me gusta más el escultor que el pintor, La Piedad es increíble, ya lo comentamos a tu vuelta de Roma, pero es que la miras una y otra vez y notar esa piedra viva, la flacidez del cuerpo muerto es increíble; el pintor no me gusta en sus formas tan redonduelas de los cuerpos, aunque si las expresiones e incluso la sensación de moviemiento que producen algunas de sus figuras.

galarina, gracias por esos dos descubrimientos dalinianos, hay veces que tu paisano me parece un cachondo total, aunque supongo que es una especia de homenaje a Miguel Ángel.
 



 
maca - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privadoVer la galería personal del usuario 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
Gracias maca, ya sabes que ante todo fue escultor en primer lugar, empezó como aprendiz de pintura, pero se cansó... luego las circunstancias sociales de la turbulenta época que le tocó vivir... soportar a los Médicis, le hicieron hacer de todo... pero reconociendo que es mejor escultor que pintor, ahí queda su Capilla Sixtina, -cómo la mejor obra maestra en su conjunto- qué perdurará en el tiempo... por ser, ya sabemos que llegó a ser hasta arquitecto y le tocó retomar las obras de San Pedro, hasta su muerte.

Por todo esto para mí es uno de los dos o tres grandes, para algunos incluso por delante de Leonardo.



Saludos.
 




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j.luis - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Resposta: Miguel Ángel 
 
Maca, tienes razón tambien creo que era un cachondo  

Pero, no pensais que el Cristo está demasiado cebado?   
 




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galarina - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
Que si gala, que Jesús está demasiado bien comido y bebido en la escultura, no es como lo hemos visto en otros cuadros o esculturas, ni en películas y mucho menos en nuestra imaginación.

Lo díficil de Dalí es descubrir cuando se reía de él mismo, del público, de los críticos...realmente un genio  [smilie=up.gif]
 



 
maca - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privadoVer la galería personal del usuario 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
Galarina, ya sabes que a Miguel Ángel, le gustaban los hombres -eso dicen, otros dicen que era bisexual-, por lo que siempre sus figuras están pintadas o esculpidas de unas formas; musculosamente exageradas, debido a que practico disección, para conocer mejor la anatomía del hombre... pero así era él, cómo bien sabes los genios son exageradamente excéntricos y suelen ver las cosas muy distintas a los mortales.




 
 




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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
Miguel Ángel

 
Pintor, escultor, arquitecto. Tal vez el más grande artista de todos los tiempos. Su talento excepcional, su genio violento, su arte atesorado en un alma llena de pasión y de recreo. Eminente figura de la aristocracia y del renacimiento, él fue el único e inigualable Miguel Ángel Buonarroti.


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Retrato de Miguel Ángel en la época que estaba pintado la Capilla Sixtina, c.1504-1506. Por Marcello Venusti.

 
Por el correr del tiempo

Acababa de morir Lorenzo de Médecis, aquel a quien llamaban el Magnífico, y la gente se preguntaba cómo sería aquel que le sucedería. Lorenzo había sido un ferviente admirador de los artistas, les apoyaba, les daba la mano y, en fin, velaba por ellos.


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Busto de Lorenzo de' Medici por Verrocchio.

Pedro de Médecis fue su sucesor. Se decía que era un hombre inculto, que le gustaba reír y mofarse de los demás, pero nadie era alguien para juzgarle. De pronto, un muchacho, un joven de nariz aplastada, expresión hosca y carácter difícil, se acercó para conocerle.

Se trataba de un talentoso joven, descubierto por Lorenzo, quien fue a buscar a este nuevo protector. Se dice o se cuenta, que estaba nevando intensamente, y apenas supo Pedro de Médecis que alguien se acercaba para ponerse a su servicio, ordenó que se le dijese a este muchacho que saliera al jardín e hiciese un monigote de nieve.

Hubo un momento de vacilación entre los cortesanos. ¿Cómo reaccionaría este muchacho que tanto estimaba su arte? Pero sin mostrar la menor sorpresa, ni decir «agua va», el muchacho empezó a ejecutar con docilidad la tarea encomendada: hacer un mono de nieve.

Este muchacho, un incipiente artista, no era conocido, pero sí con el suficiente carácter como para haber podido despreciar e indignarse con el anterior ofrecimiento. Sin embargo, los artistas del Renacimiento estaban obligados a acatar los caprichos más absurdos de sus protectores. Esto lo sabía todo mundo, incluido él, este muchacho, de nombre Miguel Ángel Buonarroti.

 
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Su nombre fue Miguel Ángel; en italiano: Michelangelo. Nace el 6 de marzo de 1475 en Caprese, territorio florentino. Su padre era un burgués semiarruinado y de supuesta estirpe aristocrática, y no era (su padre) muy inteligente, que digamos. Su madre, por otro lado, falleció cuando Miguel Ángel apenas si contaba los 6 años.

Todo esto, aunado a muchas otras cosas más, propició un carácter algo extraño en el artista. Hosco, huraño y solitario, nuestro personaje fue creándose desde el principio una personalidad de rasgos opuestos a los que particularmente poseen los jóvenes normales. Sus gustos o tendencias por jóvenes (hombres del mismo sexo) era cosa que particularmente -se dice- atraía a Miguel Ángel.

 
Su inicio como artista

Su vida está plagada de detalles importantes. Ya desde el comienzo Miguel Ángel se ve en problemas para poder hacer lo que deseaba; el primero de ellos: enfrentarse a su padre, que se oponía a la pintura. Sin embargo, Miguel Ángel resuelve este problema. Sería respetuoso con el viejo Nicer Ludovico Buonarroti (su padre), así como con sus demás familiares, que llegan hasta el punto de explotarlo.

Pintor, escultor y arquitecto, eso fue Miguel Ángel; pero, para llegar a esto, habría que tallarse. Hacerse a una posición como artista italiano en los siglos XV y XVI no era nada fácil; había una ardua y feroz competencia entre todos aquellos brillantes talentos de la época.


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Domenico Ghirlandaio. (1449-1494) fue un pintor florentino cuatrocentista italiano. Entre sus muchos aprendices estuvo Miguel Ángel.

 
Con Lorenzo de Médecis

En 1498 entra al taller de Guirlandaio, como escultor. Eran los primeros pasos, en firme, que daba Miguel Ángel. Y llegó el momento en que progresó tanto que llamó la atención de Lorenzo de Médecis, que le tomo bajo su protección. Le llevó a su palacio y le integró al cultísimo círculo de sus allegados.

Aquí permaneció buen tiempo. La vida para Miguel Ángel era más placentera. Aprendía e iba teniendo, al mismo tiempo, contacto con gente de la alta sociedad, ya no sólo de ese lugar, sino de Italia entera. Sin embargo, había algo que molestaba en todo esto: su mal carácter y su genio. Esto le llevaría a aquel penoso incidente «gracias» al cual guardaría una marca para toda su vida... ¡la nariz aplastada...!


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Retrato imaginario del artista florentino Pietro Torrigiano. Giorgio Vasari no incluyó el retrato de Torrigiano en sus Vite quizás por haberle roto la nariz a su amigo Miguel Ángel o por haber estado preso por el Santo Oficio.
 

El asunto de la nariz

Resulta que había un no muy amigo suyo, de nombre Torrigiani, con el cual Miguel Ángel no se llevaba nada bien. Torrigiani era un muchacho corpulento, un verdadero gigantón, que consideró a Miguel Ángel un insolente, por algunas cosas que había dicho y le había hecho.

Cansado de ello, Torrigiani empleó la fuerza y descargó un golpe tan potente en la nariz del pobre Miguel Ángel que dejó a éste no sólo tendido en el suelo, sino con la nariz toda rota y fracturada. Así pues, Miguel Ángel, un exaltado admirador de la belleza, quedó sumergido en su propia fealdad.


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Retrato de Miguel Ángel, por Daniele da Volterra, donde se aprecia su nariz chata.

 
En Roma

Y siguieron los años. Muere, su protector, Lorenzo el Magnífico, en 1492. Buonarroti, que poco tiempo atrás se había ido tras un fraile, no tiene más remedio que luchar por subsistir. Ya no tenía ese apoyo económico, y no sólo de prédica podría vivir.

Decide, pues, trasladarse a Roma; aunque no porque quisiese ir allá voluntariamente, sino porque la vida política de su tiempo así lo exigía. Recorre varias partes: huye a Venecia, se dirige a Bolonia, regresa a Florencia, y se instala, finalmente, en Roma.

Esta última ciudad (Roma) se encontraba bajo el dominio de los Borgia. Había sus conflictos y se necesitaban, como en todas partes, «palancas». Sin embargo, Miguel Ángel logra encontrar la tranquilidad suficiente para encerrarse a trabajar en sus obras. Alcanza la madurez que antes le había faltado y logra allegarse de mecenas y protectores.

 
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En 1498 celebra un contrato para realizar su única escultura firmada y una de las más famosas y bellas obras de todos los tiempos: La Pietà (La Piedad). Luego, en 1501, Miguel Ángel vuelve a Florencia, en donde, además de realizar una de sus mas connotadas esculturas, el David, pronto se hizo famoso por originalidad, genialidad y belleza de trazo y golpe escultórico.


Entre los Papas

Fueron muchos los Papas para los que trabajó Miguel Ángel Buonarroti, entre ellos Julio II, León X, Clemente VII y Paulo III. Había habido por ahí un pleito encontrado con un tal arquitecto Bramante. Julio II le había pedido a Buonarroti que le construyera un Mausoleo.

 
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El papa Julio II, el otro gran mecenas de Miguel Ángel, por Rafael Sanzio.

Bramante había intervenido frente al Papa para sugerirle que suspendiera dicho proyecto. La obra se detuvo, Miguel Ángel nunca vería terminada esta obra, pues a la muerte de Julio II nadie se interesó por su tumba. Sin embargo, algo sucedería después: se le encargaría a Miguel Ángel la decoración de la Capilla Sixtina.

Se suponía que Buonarroti era hábil para la escultura, mas no para la pintura. Y, según parece, Bramante lo quería «quemar»; pero no fue así. El tiempo pasó y hoy todos sabemos acerca de este genio de la escultura y la pintura como fue Miguel Ángel.

 
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El techo de la Capilla Sixtina está dividido en varias secciones, que los elementos arquitectónicos simulados consiguen multiplicar los marcos de la bóveda y separan las nueve escenas del Génesis que son las que reciben mayor atención gracias a su complejidad, sobre los lunetos de las ventanas y las enjutas laterales es donde están los antepasados de Cristo, los triángulos donde se encuentran los tronos de los Profetas y las Sibilas y finalmente las enjutas de las esquinas o pechinas donde están las cuatro historias clave de la Salvación del pueblo de Dios (Israel). Se le da una semblanza gótica a la estructura de la bóveda, pero Miguel Ángel no hizo ninguna crucería diagonal, solamente los triángulos podrían recordar en algo al estilo gótico, de hecho, se parece más a una nave central de un salón romano o también de un templo románico, organizado en tramos transversales.
 

Sobre la obra

La verdad es que Miguel Ángel no quería realizar este trabajo, pero el Papa se lo ordenó, y el no tuvo más remedio que cumplir. Este Papa, se sabe, era de un genio tremendo, quería con toda firmeza que se le obedeciese. Miguel Ángel no siempre se prestaba a sus caprichos, pero tampoco Julio II se dejaba.

Claro que Miguel Ángel tenía mucho la culpa. Un día el Papa irrumpió en la capilla (deseoso de ver la obra ya terminada) y le preguntó a Miguel Ángel: -¿cuándo estará ya terminada?», a lo que el pintor le respondió desde el andamio: «¡Hasta que yo esté satisfecho con mi obra...!». De ahí a que un día viendo lo obcecado, grosero y mal genio que tenía Miguel Ángel, Julio II le pegó en la cabeza con un bastón. Luego, ante la negativa de Miguel Ángel a continuar en su obra, amenazó con tirarlo del andamio si no proseguía.


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Capilla Sixtina, Detalle de La Creación de Adán. Obra cumbre de Miguél Ángel.


Nuevamente entre los Papas

En 1513 falleció Julio II y fue sucedido por León X. Y, como suele suceder, en estos casos, Miguel Ángel había cifrado algunas esperanzas en el nuevo papa; algunas de ellas, tal vez, muy por encima de sus expectativas. Lógico es suponer, también, que los sueños, sueños son. No siempre los sucesores contratarán o darán cabida a la misma gente.


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El papa León X y dos cardenales, por Rafael Sanzio.

¡Muerto el rey, viva el rey! Vendrían nuevas personas (como ahora vienen nuevos funcionarios, contratistas, consejeros, asesores y proveedores). León X estaba deslumbrado por el arte de Rafael. Se dio cuenta de su talento y relegó a Miguel Ángel a un segundo término.


Los siguientes años

Entre 1520 y 1521 murieron tres grandes hombres: León X, Leonardo da Vinci y el propio Rafael. El camino se había acortado; una vez más la situación para nuestro biografiado podía tornarse en buena. Y así fue... aunque sólo por algún momento. Apenas comenzaba cuando, en 1523, Clemente VII, el nuevo jerarca de la Iglesia, hizo nuevos encargos a Buonarroti.


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Leonardo da Vinci (1452-1519). Genio del Renacimiento: artista, ingeniero, científico, músico, y pensador. Da Vinci poseía una insaciable curiosidad que unida a su gran facilidad para aprender ramas del saber tan diferentes le han otorgado un gran prestigio personal, que con los siglos ha ido en aumento. El único pero que podemos poner a la figura sea quizá la escasa influencia que tuvo en los distintos campos en los que participó.


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Rafael Sanzio (1483-1520), fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Pocos pintores de su época han sabido interpretar en su corta vida el ideal de belleza y el amor hacia el clasicismo que supone el Humanismo como lo hizo Rafael, el más joven de los tres grandes creadores del Cinquecento y también el más ecléctico.

Miguel Ángel hubiese querido continuar con el Mausoleo, tanto por inclinaciones artísticas, como porque enfrentaba un pleito judicial con los herederos de Julio II, quienes alegaban que el monumento ya estaba pagado, pero aún no estaba concluido. Es entonces que Miguel Ángel busca otros rumbos.

 
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Mausoleo de Julio II (1542). Descripción: Mármol. 7 x 11 m. San Pietro in Vincoli. Roma. Obra de Miguel Angel Buonarroti, las tres figuras principales, incluido el Moisés, fueron esculpidas por Buonarroti, las otras por sus discípulos.

En 1529 retorna a Florencia como Comisario de Fortificaciones, ya que su ciudad natal se hallaba en guerra. Luego, siendo derrotado su bando, huyó a tiempo y se instaló en Venecia. Su pleito, ahora con Clemente VII, continúa. Permanece un tiempo escondiéndose y sólo, en 1533, puede trasladarse nuevamente, ya en forma definitiva, a Roma.

 
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Retrato de Clemente VII, por Sebastiano del Piombo.


La Capilla Sixtina

 
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El Juicio Final es el mural realizado al fresco por Miguel Ángel para decorar el ábside de la Capilla Sixtina, empezó a pintarlo 25 años después de acabar de pintar la bóveda de la capilla.

No cabe duda que uno de los trabajos más impresionantes que haya dejado Miguel Ángel ha sido el de la Capilla Sixtina, sobre todo el pasaje bíblico concerniente al Juicio Final. Un trabajo que se inicia en 1541 y que hace de Buonarroti, todo un portento de artista.

Una paradoja -se pudiera decir- en la vida de este gran artista; ya que él siempre había dicho, que la pintura jamás le llegaría ni a los talones a la escultura. Pero, así son las cosas, el genio de Miguel Ángel iba mucho más allá de todo lo demás.

 
El juicio final

Son varios los pasajes bíblicos que se dejan apreciar en la Capilla Sixtina. Si va a Roma, no deje de ir al Estado Vaticano, y ahí justo a la derecha de la Iglesia de San Pedro, podrá admirar esa hermosa capilla (terminada en tiempos de Paulo III), y que guardan los frescos y pinturas de Miguel Ángel.


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El Juicio Final es una de sus máximas expresiones. Mucha gente le aplaudió. Sin embargo, este entusiasmo de muchos molestó a otros. No sólo salieron a relucir los inevitables envidiosos, quienes dejaron escapar sus mordelonas y venenosas lenguas. También los moralistas se manifestaron escandalizados por el uso y abuso del desnudo en el interior de la capilla. Tan fue así que tiempo después algunos de ellos hubieron de ser tapados con algunos lienzos, otros más hasta pintados.
 

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'El David'. De vuelta a Florencia, entre 1501 y 1504 Miguel Ángel realizó el segundo anillo de su cadena de maravillas. Él mismo lo cuenta en su diario: “Cuando volví, me encontré con que era famoso. El consejo de la ciudad me pidió que sacara un David colosal de un bloque de mármol, ¡dañado!, de casi seis metros”. El artista relata cómo se encerró durante tres años a trabajar en la obra, así como su pelea para que la estatua fuera colocada justo ante el Palazzo Vecchio, “como un símbolo de nuestra república”. Le hicieron caso, aunque se necesitaran 40 hombres y cinco días de trabajo para moverlo hasta allí. Desde 1910 sin embargo el 'David' que se alza en la plaza de la Señoría solo es una copia. El original se halla en la Galería de la Academia de Florencia y, sobra decirlo, es una de las esculturas más famosas del mundo. Dicen los historiadores que también fue un mensaje de Miguel Ángel a los ciudadanos de Florencia, para que cada uno de ellos fuera consciente de su responsabilidad y su importancia.


Miguel Ángel: una vida disipada

Son tantas las cosas que se dicen de los artistas, que creer que Miguel Ángel fue «esto» o «aquello» a nadie inquietaría. En realidad, se escribe que fueron innumerables los amores que tuvo Miguel Ángel: amores con jóvenes de su mismo sexo... Pero habría que aclarar algo. Recuérdese de los griegos y de los árabes donde el homosexualismo no era del todo mal visto. Era, si no bueno, tampoco era visto como malo. En pocas palabras les era indiferente.

Recordemos que, en aquel tiempo, con el resurgir del platonismo, el gusto por los efebos (por los jóvenes) era apenas considerado un mal menor. Pero, por otra parte, aclaremos, se dice que Miguel Ángel se pasaba de lo «normal» y esto ya no era tan bien visto.


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Miguel Ángel veía en su David la perfección humana, representada en una figura de un joven musculoso y bien proporcionado que representaba la belleza que él admiraba.

Tommaso de’ Cavalieri a quien dedica múltiples dibujos y poemas fue uno de sus amores, luego vendrían mas amantes. Y es que Miguel Ángel quería estar con alguien, y sólo la fuerza de un hombre le hacía sentirse artista. Un biógrafo escribe: «Miguel Ángel cortejó a otros muchos jóvenes; algunos con verdadera furia. En cambio, jamás se enamoró de una mujer».


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Retrato de Vittoria Colonna dibujado por Miguel Ángel.

 
Aunque sí hubo una mujer...

Es obvio que en la vida de todo hombre (me refiero al género humano, tanto al hombre como a la mujer) existan en su vida personas importantes tanto hombres como mujeres. En el caso de Miguel Ángel hubo una mujer por la que sintió principal atracción y simpatía. Ella fue Vittoria Colonna, una viuda culta e inteligente a quien conociera en 1547.


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La Crucifixión, copia de una pintura de Miguel Ángel para Vittoria Colonna, fue pintada hacia 1540. Óleo sobre tabla. Concatedral de Santa María de la Redonda, Logroño. España.

Ella reconocía el genio de Buonarroti, él le entregaba la más cálida de sus amistades. Platicaban mucho y sobre muy diversos temas. Esto enriquecía a Miguel Ángel, quien con más ahínco pintaba y esculpía. Se dice que jamás la amó en el sentido estricto de la palabra; pero, eso sí, le tuvo un enorme aprecio. La muerte de Vittoria fue para Miguel Ángel una de las más tristes de sus tragedias.

 
La Basílica de San Pedro


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La cúpula de San Pedro del Vaticano, diseñada por Miguel Ángel.

Obra cumbre de Miguel Ángel fue la Basílica de San Pedro. En 1547, dando por terminado el Mausoleo de Julio II, se le daría carta abierta para la construcción de la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel sintió una gran satisfacción. ¡El, que no era arquitecto de profesión!

Y lo hizo. Miguel Ángel empezó a trabajar en los planos que en un principio había visto León X. La basílica se concluyó, pero así finalizó también la vida de este notable hombre que el 18 de febrero de 1564 fallece en la ciudad de Roma.


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Cúpula de La Basílica de San Pedro, su culminación como arquitecto. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma Bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones englobadoras de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto. A pesar de todo no consiguió ver su idea acabada, para lo cual otro arquitecto debería sustituirle, que fue Maderno en última instancia.


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Retrato de Miguel Ángel Buonarroti, por Giulio Bonasone, 1546.
 

Vida y estilos

Fue la propia vida la que envolvió a Miguel Ángel quien con sus problemas, sus sentimientos, sus tendencias y locuras plasmó en los lienzos, en las paredes y en el mármol su vida interna. Sus desnudos masculinos fueron pasiones, no con intenciones propiamente eróticas, sino como medio de expresión a lo que sentía.


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En el rostro de Nicodemo de la Piedad Bandini Miguel Ángel realizó su propio autorretrato.

La fuerza de sus líneas, el sólido y exacto golpe del cincel y del martillo, las figuras y las formas que se dejan ver en obras tan importantes como La Piedad, El David, Moisés y otras, son muestra del talento, la destreza y el drama al que podía llegar este gran artista.

 
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La conversión de san Pablo. Obra de Miguel Ángel.

Sus pinturas, sus frescos, sus detalles, toda la obra en sí es avasalladora. Obras como El Juicio Final, La conversión de San Pablo, La Martirio de San Pedro... Obras geniales, producto de un genio y de un hombre como fue Miguel Ángel Buonarroti.


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El Martirio de san Pedro. Obra de Miguel Ángel.

 

Fuentes: propias, “El Porvenir” de Monterrey, epdlp.com y es.wikipedia.org.

 


Por si alguien le interesa, cabo de colgar más imágenes en la cabecera...



 

Saludos.
 




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última edición por j.luis el Jueves, 22 Enero 2015, 01:05; editado 3 veces 
j.luis - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Resposta: Miguel Ángel 
 
Muy valuosa la exposición, J.luis

No conocía el dato de los gustos amatorios de Miguel Angel, pero ahora que lo dices a Lorenzo de Médici me lo ha puesto en una pose...   
Y como se recrea con los músculos!
En general noto que l@s modelos estaban bien alimentad@s

Nunca he visto ninguna pintura suya al natural, pero en fotos puedo reconocer sobretodo las de la capilla sixtina.
Algunas de sus obras no las conocía: View of the Basilica of Saint Peter with Bernini's Bell Towers y View of the Basilica of Saint Peter with the Dome Still Unfinished. Me gustan mucho. No sé porque pero los arquitectos que se dedican a la pintura me atraen.
 




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galarina - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
J.Luis lo paso a Nota para que esté siempre al principio como los temas del Prado.

Un Saludo.
 




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Antes que nada lee las NORMAS del foro.
Los mensajes deben de ser con respeto y educaci�n hacia todos los usuarios.
Xerbar Administrador del Foro.
[b]
 
xerbar - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privadoVisitar sitio web del usuario 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
Gracias a vosotr@s, me alegro que os haya gustado el trabajo.




Saludos.





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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
Un trabajo magnífico j.luis. GRACIAS!  [smilie=up.gif]
 



 
Green_woman - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Respuesta: Miguel Ángel 
 
Gracias Green, ya sabes que es un tema que me gusta mucho... para mí es ha sido un placer realizar este trabajo, soy desde niño admirador de Miguel Ángel.





Saludos.





 
 




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Mensaje Respuesta: MIGUEL ÁNGEL 
 
Pues ya ves que nos encanta, sigue así  [smilie=up.gif]
 



 
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