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Normas de la Secci�n 
En esta sección sólo se permiten exposiciones de Pintores Españoles. La forma de abrir una exposición es el autor con su fotografía y su biografía y los cuadros de la exposición con un tamaño no superior a los 800 píxeles.


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Amalia Avia Peña (1930-2011)
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Post Amalia Avia Peña (1930-2011) 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado a Amalia Avia Peña (Santa Cruz de la Zarza, Toledo, 23 de abril de 1930 - Madrid, 30 de marzo de 2011) fue una pintora figurativa española. Su pintura tuvo como referencia las calles de Madrid.


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Pasa su infancia y primera juventud entre Madrid y el pueblo, marcada por el dolor de la guerra. Su carrera como pintora empieza en los años 50 en el estudio de Eduardo Peña en Madrid. Conoce en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, a muchos de sus amigos y posteriores compañeros de generación Antonio López García, Julio López Hernández, Francisco López Hernández, Isabel Quintanilla, Esperanza Parada, Carmen Laffon, Joaquín Ramo, Enrique Gran y Lucio Muñoz, con el que se casó en 1960.


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Realiza su primera exposición individual en la Galería Fernando Fe de Madrid. En 1964 entra en la legendaria Galería Juana Mordó, y en 1972 en la Galería Biosca, ambas de Madrid. Participa en numerosas exposiciones sobre el realismo español por todo el mundo.


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Amalia Avia - 'La Bobia', 1963.

En 1978 se le concedió el premio Goya de la Villa de Madrid. En 1992 se celebra una gran exposición ("Otra realidad. Compañeros en Madrid") sobre el grupo de amigos, tanto realistas como abstractos que surgió en torno a la Academia de Bellas Artes de San Fernando.


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Amalia Avia - 'Tienda de máquinas de coser', 1987.

En 1997 realizó una gran exposición antológica en el Centro Cultural de la Villa de Madrid y se le concede la Medalla del Mérito Artístico del Ayuntamiento de Madrid.

En 2004 publica sus memorias De puertas adentro, con notable éxito en el mundo del arte.


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Obras de Amalia Avia Peña

Su pintura realista se centra principalmente en la ciudad de Madrid, de las que retrata sus calles, sus comercios, las fachadas deterioradas por el paso del tiempo. La primera época de su pintura tiene un componente más social, con presencia de la figura humana, que poco a poco va desapareciendo.


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La propia artista ha reconocido en numerosas ocasiones que no es una pintura hiperrealista y que no es la perfección técnica lo que más le preocupa, sino ser capaz de reflejar la huella de lo humano, de esas otras vidas anónimas que tanto le atraen. En los años ochenta empieza a trabajar también en interiores. A su obra sobre tabla hay que añadir una larga trayectoria como grabadora.


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Sobre su obra han escrito, entre otros muchos Camilo José Cela, Francisco Umbral, Francisco Nieva, Juan Manuel Bonet o Francisco Calvo Serraller. Camilo José Cela dijo de Amalia Avia que es la pintora de las ausencias, la amarga cronista del "por aquí pasó la vida marcando su amargura e inevitable huella de dolor".

Falleció el 30 de marzo de 2011 en Madrid.


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Amalia Avia y Lucio Muñoz.

En 2013 el director de escena José Carlos Plaza decidió homenajear a Amalia Avia inspirándose en sus pinturas para crear la escenografía de las zarzuelas Los amores de la Inés de Manuel de Falla y La verbena de la Paloma de Tomás Bretón, con las que se inauguraba la temporada en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Coincidiendo con estas representaciones, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando organizó una exposición con obras de la pintora.

Espero que la recopilación que he conseguido de esta pintora española, sea del interés de los aficionados al arte que frecuentan esta sección, y en lo posible contribuya en su divulgación.





Algunas obras


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Benito García Fontanero. 1968. Óleo sobre lienzo. 150 x 125 cm. Colección particular. Obra de Amalia Avia Peña


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Metalistería. Museo de Bellas Artes de Vitoria. Obra de Amalia Avia Peña


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Lechería. Museo Español de Arte Contemporáneo. Toledo. Obra de Amalia Avia Peña


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Segadores. Óleo sobre tabla, 80 x 100 cm. Obra de Amalia Avia Peña


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'La Nati'. Obra de Amalia Avia Peña


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El Viajero. Obra de Amalia Avia Peña


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Entrada a un mercado de 1988. Obra de Amalia Avia Peña


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'Interior'. Obra de Amalia Avia Peña


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'Filatelia Finarte', 1989. colección privada. Obra de Amalia Avia Peña


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'La Bobia' o 'La parada del 4'. 1963. Obra de Amalia Avia Peña


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Puerta del Sol, 1979. Óleo sobre tabla, 120 x 240 cm. Colección AENA de arte conteporáneo. Obra de Amalia Avia Peña


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Ministerio de Fomento, 1988. Óleo sobre tabla, 89 x 145 cm. Colección Familia Muñoz Avia. Obra de Amalia Avia Peña


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Calle Recoletos. Obra de Amalia Avia Peña


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El comedor. 1987. Óleo sobre tabla, 81 x 50 cm. Colección Familia Muñoz Avia. Obra de Amalia Avia Peña


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Tienda de máquinas, 1988. Óleo sobre tabla, 89 x 116 cm. Colección Familia Muñoz Avia. Obra de Amalia Avia Peña


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Estación de ferrocarril, s.f. Óleo sobre tabla, 55 x 125 cm. Colección Carmen Thyssen.Bormemisza. Obra de Amalia Avia Peña



Otras obras


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Varias obras de Amalia Avia Peña


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Lucio Muñoz, que como la mayoría del grupo estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, comenzó pintando al óleo en estilo realista. Una de sus primeras obras figurativas fue el retrato de su mujer, el Retrato de Amalia Avia (1958). Junto a la pintura ambos posaron en la terraza de la casa del barrio de Argüelles en la que él tenía su estudio.


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Lucio Muñoz - Abimelech (1961). Museo Reina Sofía.

Amalia Avia y Lucio Muñoz. El realismo y la abstracción



Obituario


Fallece Amalia Avia, a los 81 años. Exponente de la pintura realista española


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La pintora Amalia Avia, uno de los referentes de la pintura realista española de las últimas décadas ha fallecido en Madrid después de una larga enfermedad.

Nacida en Santa Cruz de la Zarza (Toledo), en 1930, desarrolló buena parte de su trayectoria artística en Madrid, cuyas calles han sido tema de referencia en muchos de sus cuadros. Será enterrada en el Cementerio Civil de Madrid, donde reposan los restos de su marido, el también artista, Lucio Muñoz.

Vivió entre Madrid y el pueblo una infancia marcada por la guerra y la posguerra. Su carrera como pintora empezó en los años 50 en el estudio de Eduardo Peña en Madrid. En esos años comenzó a conocer a muchos de sus amigos y posteriores compañeros de generación: Esperanza Parada, Antonio López, Julio López Hernández y sobre todo, Lucio Muñoz, con quien se casa en 1960.

Su primera exposición tuvo lugar en 1959 en la Galería Fernando Fe de Madrid. A partir del año 1964 perteneció a las legendarias galerías Juana Mordó y Biosca. Desde 1993 la Galería Juan Gris se conviertió en la sede fundamental de sus exposiciones en la capital.

Participó en numerosas exposiciones en torno al realismo español por todo el mundo, y en concreto sobre el grupo de realistas de Madrid: Antonio López, Julio López Hernández, María Moreno, Isabel Quintanilla, Francisco López Hernández...

La gran exposición antológica sobre su obra se realizó en 1997 el Ayuntamiento de Madrid en el Centro Cultural de la Villa. En ella se le concedió la Medalla del Mérito Artístico del Ayuntamiento de Madrid.


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Uno de los lienzos de La pintora Amalia Avia. | Cortesía de Galería Marlborough.

En 2004 publicó sus memorias, 'De puertas adentro', aplaudidas por la naturalidad de su escritura y por el relato de una vida llena de contrastes, con una infancia y primera juventud marcadas por la tragedia de la guerra, y una segunda etapa de su vida luminosa y feliz en el entorno del mundo del arte.

Su pintura realista, nunca hiperrealista, afronta temas preferentemente urbanos, sobre todo de Madrid, ciudad desde siempre adorada por la artista. Son calles, fachadas, comercios, garajes: lugares en general desgastados por el tiempo, en ocasiones viejos y desconchados, donde la pintora coloca su particular mirada.

Camilo José Cela la llamaba la 'pintora de las ausencias'

Camilo José Cela la denominaba la pintora de las ausencias, la amarga cronista del "por aquí pasó la vida", y Francisco Nieva habla de una melancolía barojiana refiriéndose a su pintura.


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Otra de los lienzos de Amalia Avia que se exhibieron en la Galería Marlborough.


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Amalia Avia en una foto sin datar.

Ver presentación de Amalia Avia


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Lucio y Amalia



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a Amalia Avia Peña (Santa Cruz de la Zarza, Toledo, 23 de abril de 1930 - Madrid, 30 de marzo de 2011) fue una pintora figurativa española. Su pintura tuvo como referencia las calles de Madrid.


Fuentes y Agradecimientos a: lucioyamalia.com, Concha Rodriguez/plus.google.com, trianarts.com, pintura.aut.org, es.wikipedia.org, abc.es, saber.es, elmundo.es, elpais.com, artedemadrid.wordpress.com, realacademiabellasartessanfernando.com, rtve.es, propias y otras de Internet.
 




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Post Re: Amalia Avia Peña 
 
Museo digital de la trayectoria de sus obras


Lucio Muñoz y Amalia Avia: una casa, una familia, una memoria

Diego Muñoz, hijo de la pareja de artistas, abre un museo digital que cuenta su historia y su obra, entre lo heroico y lo tierno.


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Amalia Avia y Lucio Muñoz con un retrato de Amalia terminado.

Diego Muñoz Avia, hijo del artista de arte abstracto Lucio Muñoz (1929-1998) y de la pintora realista Amalia Avia (1930-2011), ha construido un museo digital (www.lucioyamalia.com) que cuenta de la historia y la obra de sus padres. El museo no es solamente una exposición de su trabajo; es un intento de preservar la memoria de la vida de sus padres, de una generación que dejo sus huellas en la historia del arte de España. Diego ha abierto una puerta al pasado, a los detalles de sus estudios, a las fotos personales de las fiestas, de los momentos de inspiración... y los ha traído al presente, para que tanto el arte como la vida que inspiró sus creaciones puedan quedarse vivos.


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'Collage Rojo' (1995), de Lucio Muñoz.

La pareja, que tenía un estudio encima del otro, se explicaban el uno al otro por oposición. Lucio era un artista abstracto que jugaba con la madera y el cartón para crear obras bastante ambiguas y abiertas en su significado. Amalia, en cambio, era una de las pintoras realistas de su generación. Su arte era una extracción de la verdad del mundo que la rodeaba. Pintaba los rincones de las calles de Madrid, los muebles solitarios y los cafés abandonados. Amalia quería demostrar la realidad escondida de España después de Franco, la España antigua que caducaba pero que seguía marcada en sus memorias, dolorosas y felices. Quería extraer el silencio del pasado.


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'Despacho de Leche' (1994), de Amalia Avia.

El trabajo de ambos demuestra una España en proceso de metamorfosis, no solamente en el contenido, sino en la libertad de expresión. Eran parte de una sociedad que estaba a punto de salir de la opresión, pero que todavía no tenía respecto por la cultura.

EL MUNDO habla con Diego sobre el museo digital y sobre cómo los martillazos de su padre siguen tocando como una canción en la casa; uno de varios fenómenos encantadores de crecer en una familia tan bendecida por la creación.

¿Diego, cuál fue su inspiración para crear el museo digital?  

    En principio fue una necesidad, una obligación. Lucio murió ya hace 18 años pero Amalia falleció hace tres años y teníamos que enfrentarnos a todo el archivo que había en casa. Veíamos los estudios vacíos, la cantidad de obra que había y veíamos que había necesidad de hacer algo. Estábamos en una ciudad como Madrid, con tanta gente y con tanta vida cultural, y pensamos que, hoy en día, tiene más sentido hacer algo virtual en vez de hacer un pequeño museo o una fundación con una sede física.

¿Y por qué decide relatar la vida de sus padres no sólo a través de sus obras, también a través de sus recuerdos?

    Bueno... Creo que la cosa más importante de un trabajo de documentación así es mantener la memoria. Los cuadros de mi madre y de mi padre hablan por sí solos y fueron muy reconocidos a lo largo de los años. Sin embargo, hay una parte de la memoria que se puede perder y que no debe perderse que es la atmósfera tan especial que había alrededor de ellos. Hemos dicho que eran un poco como el vínculo de una generación. Por nuestra casa pasaban todos los artistas, los músicos, los escritores... Era un hervidero permanente de cultura.
¿Qué piensa usted del arte de su madre y de su padre?

    Es imposible tener una opinión objetiva. Evidentemente me gusta mucho, pero si tuviera que ponerles un toque objetivo, diría que son muy coherentes. Cuando miras la trayectoria de Lucio Muñoz, ves la coherencia de haber creído en sí mismo y de no haberse dejado llevar por corrientes comerciales. Eso es muy importante. El arte de mi madre era muy distinto, era una pintora realista. Como decía Camilo José Cela, fue la pintura de las ausencias. Son paisajes muy tristes pero que a la vez tienen mucha vida. Es difícil...

¿Y cómo se explican el uno al otro?

    Uno es más meticuloso, el otro más bruto. Pero luego los dos tienden al perfeccionismo. Recuerdo que cuando mi padre nos llamaba al estudio, nos iba llamando uno a uno a los hermanos, para que viéramos en un cuadro. Era muy exigente. A lo mejor, esa misma noche hasta las tres o las cuatro de la mañana no bajaba del estudio porque de los comentarios que le habíamos dicho sacaba unas cuantas cosas que veía necesidad de corregir. Mi madre también era muy exigente. Llamaba a mi padre para que bajara del estudio para ver sus cuadros. Él decía que ella era el crítico más duro que tenía. No jugaban a autoengañarse. No era la autocomplacencia que muchos artistas necesitan tener. Eran artistas de verdad.

¿Y había similitudes?

    Creo que sí, que en el fondo uno influyó al otro. Hubo algunas exposiciones donde llegaron a estar juntos. Defendieron la cultura en España durante tiempos difíciles. Siempre es difícil para un artista salir adelante, pero en aquellos momentos, al final de la dictadura y el comienzo de la Transición, donde además de luchar por la cultura había una lucha política, era especialmente difícil. Toda esta atmosfera que les rodeaba les influyó igualmente.

¿Se ve mucho la época en sus obras?

    No son obras que lo refleja directamente, pero quizás en las obras de mi madre sí que se ve paisajes tristes con ausencia de vida, pero a la vez con mucha vida vivida.

¿En qué sentido cree usted que el trabajo de ambos ha influido la historia del arte español?

    Hombre, seria vanidoso decir que ellos han marcado la historia del arte, pero creo que son parte de una generación que sí que ha marcado mucho y además, durante momentos muy difíciles. Lucharon contra un ambiente político que oprimía, lucharon contra una falta de reconocimiento total de la cultura. El hecho de que superaran eso en aquellos momentos y, después, consiguieran mantener una línea coherente, les da un gran valor.


elmundo.es
 




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Post Re: Amalia Avia Peña 
 
La obra de los realistas de Madrid



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De izquierda a derecha. Antonio López Torres (sentado), Isabel Quintanilla, Antonio López García, Francesco (hijo de Isabel Quintanilla y de Francisco López), María Moreno y Francisco López en Tomelloso, 1973.


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Julio López Hernández observa su escultura de Federico García Lorca, en la madrileña plaza de Santa Ana -frente al Teatro Español- hay una copia de esta obra que representa al poeta con una alondra en las manos.


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Isabel Quintanilla y Francisco López, en su estudio de Madrid. Miran una escultura de Paco -como le conocen- que representa a su nieta, al fondo una pintura de 'Maribel', así la llaman sus amigos.


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Un detalle de Francisco López trabajando en su taller, a sus 83 años sigue yendo a diario.


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El pintor Antonio López, el pasado enero, en la calle madrileña donde tiene su estudio.


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A la izquierda, Antonio López, a la derecha, Francisco López, en Atenas en 1958.


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Isabel Quintanilla y Francisco López hacia 1962.


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Sin titulo. Detalle de las pinturas de Isabel Quintanilla en su taller.


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Sin titulo. Restos de esculturas en el estudio de Francisco López.



Fuente: elpais.com
 




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Realistas de Madrid. Museo Thyssen Bornemisza. Madrid. Del 9 de febrero al 22 de mayo.


Realistas en el Thyssen: el grupo que no fue

A mediados del siglo XX, cuando la mayoría de los artistas tendían a la abstracción, algunos estudiantes de Bellas Artes se mantuvieron en el arte figurativo



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Julio López, frente a su escultura de Lorca que se expone en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Tito, Fernando, Carmen, Santos y Sebas son amigos. Paco, Julio, Amalia, Mari, Antoñito, Maribel y Esperanza también lo son. Los primeros son personajes de El Jarama, de Rafael Sánchez Ferlosio; los otros siete, el grupo de artistas que forman parte de la exposición Realistas de Madrid que se podrá ver en el Museo Thyssen de la capital desde el 9 de febrero hasta el 22 de mayo.

El uso de los apelativos o los nombres de pila se debe a que es la manera de llamarse entre ellos. Tanto la novela de Ferlosio como la muestra cuentan sendas historias de grupos de amigos. El relato podría ser el de cualquier serie actual de jóvenes: un grupo de chicos y chicas que estudian en el mismo lugar y que pasan muchas horas juntos, comparten momentos, conversaciones, trabajos… Esos lugares eran la escuela de Bellas Artes, el Casón del Buen Retiro ­—donde estaba el Museo de Reproducciones Artísticas—, el Museo del Prado, los viajes de estudios, las estancias en Italia y posteriormente los talleres de cada uno.

Estos pintores y escultores reunidos bajo el epígrafe Realistas de Madrid tienen en El Jarama una de las referencias de su época y su libro de cabecera aún hoy. El pintor Antonio López —al que llaman Antoñito (incluso ahora) por ser el chico más joven del grupo, hasta aparece así escrito en el cartel de su primera exposición conjunta en 1955— cuenta cómo lo coge algunas noches y lee algún fragmento. Recuerda a la perfección su primer encuentro con él: "Era 1956, estaba en el palacio de la Magdalena (Santander) con una beca. En el vestíbulo había una mesa con novedades literarias que hojeaba al salir y entrar. Al leer las primeras líneas de El Jarama me hechizó, fue un flechazo. No ha cambiado nada, el sentimiento que tuve es el que tengo ahora cuando lo cojo. Nunca había leído nada así, ese realismo tan literal despertaba totalmente la imaginación. No tenía dinero para comprarlo, así que cada vez que pasaba por allí leía unas páginas". Maribel, la pintora Isabel Quintanilla (Madrid, 1938), explica su devoción por la novela porque la ha vivido: "Nos vemos reflejados. Yo iba con mis primos al río a pasar los domingos".

Ferlosio utiliza un lenguaje veraz, sobrio, sin retórica ni ringorrangos. Es su mismo idioma, sus mismos silencios. Es una época de silencios. Todos coinciden en esa manera de entender la realidad, en un momento —mitad del siglo XX— en que otros tendían a la abstracción, como Lucio Muñoz —compañero suyo en Bellas Artes—, que le recordaba a Antonio López que los cielos ya no se pintaban azules. Ellos representan lo que ven, lo que hay, lo que tienen más cerca, van juntos a contracorriente. Repiten los mismos temas: ventanas, jardines, quicios, bodegones, estancias domésticas, vistas de Madrid. Y aun así no se denominan grupo artístico. El tomellosero argumenta que, si no naces como tal, tienes más posibilidades de perdurar. Razón no le falta porque otros más o menos contemporáneos como El Paso o el catalán Dau al Set tuvieron una vida mucho más corta.

En Realistas de Madrid se vuelven a reunir estos artistas. El Thyssen va a exponer obra inédita de Antonio López; de su esposa, María Moreno, Mari (Madrid, 1933); cuadros de Isabel Quintanilla que vendió en Alemania (donde se halla gran parte de su obra) y que la propia autora no ve desde hace medio siglo. Muestra verdadero interés por reencontrarse con un jardín que pintó en Roma en 1966. Otro de los óleos, Habitación de costura (1974), está en su estudio y lo enseña antes de que parta para el museo. Guarda con cariño una anécdota relacionada con esta escena: “Cuando la vio la reina Sofía, me dijo que le recordaba al olor a plancha de su infancia en palacio”. La pintora se muestra satisfecha de conseguir evocar recuerdos. Todos lo tienen fácil, sus imágenes son reconocibles, son retratos de una época cercana.

Las máquinas de coser Singer, los vasos Duralex, una botella de Coca-Cola, el bote de Ajax están presentes en obras de distintos artistas de este grupo. Cualquier parecido con el pop es pura coincidencia. Aunque son coetáneos no comparten las ideas de esta corriente. Su ámbito es íntimo y doméstico, aunque parezca que se apegan a los lugares, en realidad eligen los que tienen a mano.

Guillermo Solana, comisario de la exposición junto con María López —hija del pintor—, divide el espacio en tres: el primero es el que va de la mesa a la ventana — con todas las estancias de la casa o del estudio—. En el que una repisa de un cuarto de baño o la escultura de una silla con una gabardina puede hacer un retrato de la persona que lo ocupa aunque no esté presente. Dentro de este ámbito se incluyen las naturalezas muertas de Quintanilla, de su marido, Paco, el escultor Francisco López (Madrid, 1932); de Moreno…

El segundo ámbito es el patio y la visión de la calle, siempre desde dentro de la casa. El jardín no es más que la extensión del hogar para nutrirse de otros elementos y temas. Les permite mostrar algo de cielo, pero sin perder de vista el suelo. Son espacios acotados por multitud de tapias. Incluso en la tercera área, cuando se llega a la ciudad, las vistas siguen teniendo al ser humano y lo que habita como centro.

Las pinturas, los dibujos, los relieves y las esculturas —no solo las de Francisco López Hernández, también las de su hermano Julio, con un punto de vista más simbólico— dialogarán en las salas del museo como lo hacían ellos. Francisco López recuerda las largas charlas con Antonio López cuando este le acompañaba a su casa en la calle de Francos Rodríguez, y luego él, para no interrumpir la conversación, le acompañaba a la suya en Embajadores (dos zonas distantes de Madrid).

Cada uno de los siete habla con un dialecto propio dentro de la lengua común que comparten, y llevan más de 60 años entendiéndose.


elpais.com
 




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Post Re: Amalia Avia Peña 
 
'Realistas de Madrid': Antonio López y compañía, en el Museo Thyssen

La muestra reúne al grupo de amigos y familares entregados al hiperrealismo. Del 9 de mayo al 22 de junio en la pinacoteca madrileña


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Antonio López. Gran Vía, 1 agosto, 7:30 horas, (detalle), 2015. Óleo sobre lienzo. 126 x 130 cm. Colección Pérez Simón, México

Andrés Trapiello los definió como “los silenciosos”: el grupo de amigos y familiares que, a partir de los años 50, se entregó al realismo pictórico. Antonio López es su figura universal, pero su obra está lejos de eclipsar a la de resto de sus miembros. El Museo Thyssen de Madrid los reúne bajo el nombre de ‘Realistas de Madrid’ (del 09 de febrero al 22 de mayo).


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Francisco López. 'Ventana de noche', 1972. Colección Banco España


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Isabel Quintanilla. 'Ventana, 1970. Galería Brocksetedt, Berlín

Con algún nombre hay que describir a quienes no se consideran movimiento ni grupo. “Si algo les caracteriza es una poética del silencio, de la ausencia”, define Guillermo Solana, director del Museo Thyssen y comisario de la muestra junto a María López, hija de los pintores Antonio López y María Moreno. Además de ellos, la muestra expone a Esperanza Parada, su marido Julio López Hernández, el hermano de este Francisco López Hernández y su mujer Isabel Quintanilla, y Amaia Avia. Lo dicho: más que un grupo un entorno familiar y de amistad obsesionado con la pintura y la realidad.


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Amalia Avia. 'Filatelia Finarte', 1989. Colección privada


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Antonio López. 'Madrid hacia el observatorio' (1965-1970) Colección privada

Un día antes de la presentación a prensa de la exposición, María López revisa con detalle su preparación. La guinda es el nuevo cuadro de Antonio López, todavía sin exponer. Pero aún no ha llegado. “Siempre nos tiene en vilo hasta el último momento”, dice con cariño Guillermo Solana al recordar la gran muestra que la pinacoteca le dedicó a Antonio López en 2011. “Cuando estaba todo listo, de pronto faltaban tres cuadros que se habían llevado para retocarlos. Se resisten a dejarlos marchar del estudio”. Sea como sea, a Ventana de noche (2013-2015) se le espera en el último minuto.


rtve.es
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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