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Fundación Juan March (Madrid)
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Continuando con el modelo de exposiciones de pequeño formato como las dedicadas durante los últimos años a Giandomenico Tiepolo o Giorgio Morandi, la Fundación Juan March presenta en febrero una pequeña muestra integrada por 11 bodegones flamencos y holandeses realizados en el siglo XVII por Osias Beert, Pieter Claesz, Willem Claesz Heda, Floris Claesz van Dijck, Jan Davidsz de Heem y Clara Peeters. Se trata de algunos de los artistas más renombrados de entre los que hicieron de la equívocamente denominada "naturaleza muerta" uno de los géneros más característicos de la pintura del norte de Europa.

Acompaña la muestra una publicación que incluye, además de los perfiles biográficos de los artistas, el ensayo La "mesa con arreglo de objetos y alimentos", una tipología de bodegón flamenco y holandés a cargo de Teresa Posada Kubissa, conservadora de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte (hasta 1700) del Museo Nacional del Prado.




Once obras maestras del bodegón, en la Fundación Juan March, del 8 de febrero - 3 de marzo de 2013


De la vida doméstica. Bodegones flamencos y holandeses del siglo XVII


Los cuadros, de artistas como Osias Beert, Pieter Claesz y Clara Peeters, proceden de colecciones privadas españolas y no se habían visto antes en público



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«Bodegón con nautilus y frutas», de Osias Beert. Colección particular

Once obras maestras del bodegón, todas ellas inéditas en España, se exhiben en la exposición «De la vida doméstica», que la Fundación Juan March dedica en Madrid a bodegones flamencos y holandeses del siglo XVII, informa Efe. Entre las obras expuestas se encuentran las de algunos de los artistas más renombrados de la denominada naturaleza muerta como Osias Beert, Pieter Claesz, Willem Claesz Heda, Floris Claesz van Dijck, Jan Davidsz de Heem y Clara Peeters.


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«Bodegón con copa sobredorada, taza y melón», de Jan Davidsz de Heem. Colección particular

Este género, uno de los más característicos de la pintura del norte de Europa, muestra unas mesas sobre las que sus autores han dispuesto «en artístico desorden» todo un repertorio de alimentos y de objetos valiosos, en opinión de Teresa Posada, conservadora de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado y comisaria de la exposición.


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«Bodegón con quesos, fruta y jarra», de Floris van Dijck. Colección particular

Los bodegones exhibidos, todos ellos procedentes de colecciones particulares españolas, permiten hacer un recorrido por todo el siglo XVII «y a través de ellos contemplar la evolución del género», comenta la comisaria.

Evolución del género

Las representaciones de la vida doméstica comenzaron a pintarse a principios del siglo XVII en todos los territorios de los Países Bajos; sin embargo, la división política en 1581 provocó que en Holanda, donde la iconoclastia del reformismo calvinista impulsaba hacia una pintura más descriptiva y doméstica, se produjera una mayor evolución del bodegón en todas sus tipologías.


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«Bodegón con copa Römer, panecillo y ostras», de Pieter Claesz. Colección particular

Las obras de la exposición permiten cubrir esa evolución: desde Osias Beert, el iniciador de este tipo de composiciones, pasando por dos cultivadores de su estilo, la misteriosa Clara Peeters y Floris van Dijck, hasta Jan Davidsz de Heem, que continuó la tradición de las llamadas «mesas monocromas» que comenzaron a finales de la década de 1620 Willem Heda y Pieter Claesz.
«Una pequeña extravagancia»


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«Bodegón con frutas y empanada», de Jan Davidsz de Heem. Colección particular

«De la vida doméstica. Bodegones flamencos y holandeses del siglo XVII» se inscribe en el programa desarrollado los últimos años por la Fundación March que contempla organizar una muestra de formato reducido entre sus dos grandes exposiciones del año, como fue el caso de las dedicadas a Giorgio Morandi y Giandomenico Tiepolo.


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«Bodegón con copa Römer, panecillo y limón», de Willem Heda. Colección particular

Para Manuel Fontán, director de exposiciones de la Fundación, se trata de «una pequeña extravagancia». A pesar de su pequeño formato, de gabinete, «son exposiciones densas y pensadas que cuentan con una publicación importante» en la que se profundiza en estos siete pintores de primer orden pero menos conocidos para el público. Las obras, «que se encuentran todas en perfecto estado de conservación», serán una sorpresa para el público, según el director de exposiciones de la Fundación, los bodegones se podrán contemplar hasta el 3 de marzo de 2013.

Web Fundación Juan March



Fuentes: abc.es y march.e
 




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Las Floras de Giuseppe Arcimboldo, por fin juntas



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Más info

La Fundación Juan March presenta desde este viernes hasta el 2 de marzo la exposición de pequeño formato 'Giuseppe Arcimboldo. Dos Pinturas de Flora', en la que por primera vez se mostrarán públicamente dos magníficos óleos sobre tabla pintados por el artista italiano, uno en 1589 y el otro alrededor de 1590.

 La Fundación Juan March presenta desde este viernes hasta el 2 de marzo la exposición de pequeño formato 'Giuseppe Arcimboldo. Dos Pinturas de Flora', en la que por primera vez se mostrarán públicamente dos magníficos óleos sobre tabla pintados por el artista italiano, uno en 1589 y el otro alrededor de 1590.

'Flora' y 'Flora Meretrix', las obras que constituyen esta muestra, pertenecen a colecciones particulares y no han formado parte de las últimas grandes exposiciones sobre el artista. Ambas fueron celebradas en su momento como obras maestras y son dos ejemplos de las 'cabezas compuestas' de Arcimboldo, realizadas con el excepcional virtuosismo de un miniaturista.

En estas obras, el artista conforma ambas cabezas y bustos a base de flores, pequeños animales y otros elementos del mundo natural, elegidos con precisión y relacionados con el asunto a representar, pero únicamente reconocibles al contemplar de cerca las obras.

El director de la Fundación Juan March, Javier Gomá, ha destacado este viernes en la presentación de la muestra que lo que diferencia a Arcimboldo de los impresionistas es que "de lejos se ve la imagen de una mujer, y al acercarse hay rasgos muy detallistas en miniatura".

El jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa (hasta 1700) del Museo del Prado, Miguel Falomir, ha añadido a este respecto que ambos cuadros fueron "concebidos para una doble contemplación, de lejos y de cerca, pues son como un puzzle de pequeñas flores".

"Cada miniatura se puede ver sola, pero están unidas con toda lógica", ha subrayado, para después agregar que Arcimboldo era un "pintor caprichoso pero también con una sólida base científica". Además, ha resaltado que esta muestra tiene una "tremenda importancia como explicación de la sensibilidad artística de finales del siglo XVI".

MITO DE CLORIS

Cada una de las Floras de la muestra representa una de las dos tradiciones clásicas que arrancan del mito de Cloris, quien, embarazada de Céfiro, dios del viento, se transformó en la ninfa Flora. Las dos Floras son: la ninfa 'Flora', representación de la primavera y alegoría de la concordia y la fecundidad natural, virtuosa y casta; y la 'Flora Meretrix', mundana y sensual.

La guinda a estas obras las ponen los marcos del reconocido historiador italiano Federico Zeri (1921-1998), quien utilizó la técnica clásica de las 'pietre dure', muy empleada en la época de Arcimboldo, cuyo rico colorido resalta y prolonga el de las pinturas.

que.es
 




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Exposición de Max Bill, hasta el 17 de enero de 2016


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"wegnehmen und zufügen" [quitar y añadir], 1975
wegnehmen und zufügen [quitar y añadir], 1975.
© max, binia + jakob bill stiftung, CH – adligenswil / VEGAP, Madrid, 2015


El artista suizo Max Bill (Winterthur, 1908-Berlín, 1994) fue un multitalento que articuló su vida en torno al trabajo artístico y la reflexión sobre unas pocas, pero grandes, ideas –las de forma, concreción, función, figura, belleza o configuración. Fue un creador inserto en la tradición renacentista del homo universalis, un "configurador" que combinó las virtudes del homo faber y del homo ludens durante toda su intensa vida.

Esta primera retrospectiva de Max Bill en España exhibe de manera concentrada la obra completa del artista, porque cubre, tanto cronológica como temáticamente, todos los aspectos de su polifacética creación: la pintura, la obra gráfica, la escultura, la arquitectura, el diseño de libros y revistas, el diseño industrial y de mobiliario, el grafismo y la tipografía publicitaria –desde los carteles de gran formato hasta las pequeñas inserciones en publicaciones periódicas– y el diseño de espacios expositivos. Una cuidada selección de 170 obras y documentos procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas europeas y americanas materializan esta idea de "retrospectiva concentrada", que ha guiado desde sus inicios el desarrollo de la exposición y del catálogo que la acompaña.

La obra de Max Bill ha podido verse hasta ahora en España formando parte de exposiciones colectivas y, sobre todo, en la muestra individual que le dedicaron el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid y la Fundació Miró de Barcelona en 1980, la primera en nuestro país que presentaba a un tiempo pinturas, esculturas y obra gráfica. Su arquitectura, a la que se le han dedicado diversos estudios y publicaciones, ha despertado igualmente el interés entre nosotros, como también su paso por la Bauhaus y su relación fundacional con la Hochschule für Gestaltung Ulm (HfG) [Escuela Superior de Diseño de Ulm], creada en 1951.

Tras una serie de exposiciones significativas recientes, celebradas en el Kunstmuseum de Stuttgart, el Kunstmuseum y el Gewerbemuseum de Winterthur y la Haus Konstruktiv de Zúrich entre 2005 y 2008 (en esta última fecha con motivo del centenario de Bill), la muestra que ahora presenta la Fundación Juan March quiere ofrecer una visión actualizada de la obra del artista suizo y de su significado para las artes plásticas, la arquitectura y el diseño.
La obra de Bill puede considerarse como una intensa fiesta de las formas; con aquellas formas que encuentran su función en la vida diaria –como las del diseño y la arquitectura–, y con aquellas con las que se celebra una belleza que no tiene función material –la de las obras de arte, que Bill definió frecuentemente como "objetos configurados para el uso espiritual"–

La muestra ha sido concebida y organizada en estrecha colaboración con la max, binia & jakob bill stiftung y ha contado con el asesoramiento principal de Jakob Bill, y para ello se han seleccionado obras fundamentales y representativas de toda la trayectoria del artista, que fue alumno de la Bauhaus entre 1927 y 1928 y, como se ha dicho, arquitecto y cofundador de la Escuela de Ulm en 1951, además del máximo exponente del llamado konkrete kunst [arte concreto], tendencia que ha marcado la creación suiza contemporánea. Bill destaca, además de por su influencia en la arquitectura española, por su influjo en las corrientes geométricas latinoamericanas, una pista que la Fundación Juan March ya tuvo ocasión de mostrar en la exposición América Fría. La abstracción geométrica en Latinoamérica, 1934-1973. También destaca por sus ensayos, su dedicación a la enseñanza y sus preocupaciones políticas y sociales. A todos esos aspectos de su vida y su obra atiende el catálogo de la muestra, profusamente ilustrado y publicado en dos ediciones, española e inglesa, con ensayos de especialistas internacionales y españoles y una selección de textos inéditos de Max Bill.

La exposición max bill ha estado precedida por una muestra, dedicada a la obra gráfica de del artista, en la que se han exhibido más de un centenar de piezas y que ha tenido como sedes el Museu Fundación Juan March, en Palma de Mallorca (25 de febrero-30 de mayo de 2015) y el Museo de Arte abstracto Español de Cuenca (24 de junio-18 de septiembre de 2015). Algunas de estas obras se muestran también en Madrid.


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begrenzung geht durch das zentrum [el límite pasa por el centro], 1972
Colección Walter + Helga Sonanini, Suiza
© max, binia + jakob bill stiftung, CH – adligenswil / VEGAP, Madrid, 2015


En un texto sobre cuestiones relacionadas con el diseño de exposiciones escrito en 1948, Max Bill decía haberse preguntado con frecuencia "por qué se visitan las exposiciones. He llegado a la conclusión […] de que la mayoría de los visitantes esperan recibir una sensación que exceda el ámbito de su vida cotidiana. La visita a una muestra –añadía– es una ocasión para interrumpir la vida diaria con un día de fiesta".

La obra de Bill puede considerarse como una intensa fiesta de las formas; con aquellas formas que encuentran su función en la vida diaria –como las del diseño y la arquitectura–, y con aquellas con las que se celebra una belleza que no tiene función material –la de las obras de arte, que Bill definió frecuentemente como "objetos configurados para el uso espiritual"–. A festejar ese doble juego está dedicada esta exposición.


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Max Bill 1970

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