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ESCULTORES DE LA ANTIGUA GRECIA
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Mensaje ESCULTORES DE LA ANTIGUA GRECIA 
 
Este trabajo recopilatorio está dedicado a los escultores de la antigua Grecia. Sin duda hay muchos escultores, algunos su fama perdura, bien por algunas obras que se conservan, por copias de las mismas, o por referencias de los biógrafos de la época.

Podríamos citar por orden a: Agasio de Éfeso, Agesandro de Rodas, Antenor, Antíoco, Apolonio de Atenas, Apolonio de Tralles, Agorácrito, Alcámenes, Briaxis, Calamis, Calímaco, Cefisodoto el Viejo, Cefisodoto el Joven, Cresilas, Doidalsas de Bitinia, Escopas, Eufránor, Eutíquides, Fidias, Kritios, Leocares, Lisipo, Mirón, Pasiteles, Peonio de Menda, Policles, Policleto el Viejo, Policleto el Joven, Pitágoras de Regio, Praxíteles y Timoteo entre los más conocidos.

El término Antigua Grecia se refiere al período de la historia de Grecia que abarca desde la Edad Oscura de Grecia ca. 1200 a. C. y la invasión dórica, hasta el año 146 a. C. y la conquista romana de Grecia tras la batalla de Corinto. Se considera generalmente como la cultura seminal que sirvió de base a la civilización occidental. La cultura de Grecia tuvo una poderosa influencia sobre el Imperio romano, el cual la difundió a través de muchos de sus territorios de Europa. La civilización de los antiguos griegos ha sido enormemente influyente para la lengua, la política, los sistemas educativos, la filosofía, la ciencia y las artes, dando origen a la corriente renacentista de los siglos XV y XVI en Europa Occidental, y resurgiendo también durante los movimientos neoclásicos de los siglos XVIII y XIX en Europa y América. La civilización griega fue básicamente marítima, comercial y expansiva. Una realidad histórica en la que el componente geográfico jugó un papel crucial en la medida en que las características físicas del sur de la península de los Balcanes, por su accidentado relieve, dificultaban la actividad agrícola y las comunicaciones internas, y por su dilatada longitud de costas, favorecieron su expansión hacia ultramar. Un fenómeno sobre el que incidirían también de forma sustancial la presión demográfica originada por las sucesivas oleadas de pueblos (entre ellos aqueos, jonios y dorios) a lo largo del III y II milenios a. C.

Tras las civilizaciones minoica y micénica, en los siglos oscuros (entre el XIII y el XII a. C.) la fragmentación existente en la Hélade constituirá el marco en el que se desarrollarán pequeños núcleos políticos organizados en ciudades, las polis. A lo largo del período arcaico (siglos VIII al V a. C.) y del clásico (siglo V a. C.), las polis fueron la verdadera unidad política, con sus instituciones, costumbres y sus leyes, y se constituyeron como el elemento identificador de una época. En el período arcaico ya se perfiló el protagonismo de dos ciudades, Esparta y Atenas, con modelos de organización política extremos entre el régimen aristocrático y la democracia. La actividad de las polis hacia ultramar fue un elemento importante de su propia existencia y dio lugar a luchas hegemónicas entre ellas y al desarrollo de un proceso de expansión colonial por la cuenca mediterránea. La decadencia de las polis favoreció su absorción por el reino de Macedonia a mediados del siglo IV a. C. y el inicio de un período con unas connotaciones nuevas, el helenístico, por el que la unificación de Grecia daría paso con Alejandro Magno a la construcción de un Imperio, sometiendo al Imperio aqueménida y al egipcio. En opinión de algunos especialistas, en esta fase la historia de Grecia volvía a formar parte de la historia de Oriente y se consumaría la síntesis entre el helenismo y el orientalismo.


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Fidias. Escultor griego, pintor y arquitecto (The Sculptor Phidias, Roman copy of a 3rd cent. BC Greek origina; Marble, at Ny Carlsberg Glyptotek). Fidias, en griego antiguo Φειδίας / Pheidias (Atenas, hacia 490 a. C. – Olimpia, h. 431 a. C.), fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, pintor y arquitecto, perteneciente al primer clasicismo griego. Fidias diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la Acrópolis de Atenas (Atenea Partenos dentro del Partenón y Atenea Promacos) y la colosal estatua sentada de Zeus en Olimpia.

Cronología de antigua Grecia

Algunos historiadores consideran que los primeros Juegos Olímpicos Antiguos en el 776 a. C. señalan el comienzo del período conocido como la Antigua Grecia. Entre el fin del período micénico y los primeros olímpicos transcurre una época llamada la Edad Oscura de Grecia, de la cual no existe ningún escrito y quedan pocas reliquias arqueológicas. Hoy en día, este período se incluye en el término Antigua Grecia.

Tradicionalmente se consideraba que la época de la Antigua Grecia finalizaba con la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C., dando comienzo al período helenístico. No obstante, se extiende el período de la Antigua Grecia muchas veces para incluir el tiempo hasta la conquista romana de 146 a. C. Algunos autores tratan la cronología de la Antigua Grecia como un continuo hasta la llegada del cristianismo en el siglo IV; pero esta opinión es poco convencional.

La Historia de la Antigua Grecia suele subdividirse en varios períodos según la alfarería y los sucesos políticos, sociales y culturales:

- La Edad Oscura (h.1100-h.750 a. C.) muestra diseños geométricos en la cerámica.

- La Época Arcaica (h.750-h.500 a. C.) sigue, mientras que los artistas creaban esculturas en posturas estiradas con la «sonrisa arcaica» onírica. Se suele considerar que la Época Arcaica termina al derrocar al último tirano de Atenas en el 510 a. C.

- El período clásico (h.500-323 a. C.) ofrece un estilo distinto, que después se consideraba como ejemplar (o sea «clásico»); el Partenón se construyó durante esta época.

- El período helenístico (323-146 a. C.) es cuando la cultura y el poder de Grecia se expandió en el Oriente Próximo y el Oriente Medio. Este período comienza con la muerte de Alejandro Magno y termina con la conquista romana tras la Batalla de Corinto (146 a. C.).

- La Grecia romana, comprendida entre la conquista romana y el restablecimiento de la ciudad de Bizancio y su nombramiento, por el emperador Constantino I, como capital del Imperio romano (la Nueva Roma) renombrada Constantinopla en el año 330.

- La Antigüedad tardía, hasta inicios del siglo VI, con el declive del politeísmo romano frente al avance del cristianismo. El final de este período se suele simbolizar con el cierre de la Academia de Atenas por parte de Justiniano I bajo el edicto del año 529, que además prohibía el paganismo, el judaísmo y cualquier religión no cristiana.


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El Partenón es uno de los símbolos más ilustrativos de la cultura y la sofisticación de los antiguos griegos.

Hay que tener cuidado con las fuentes de información cuando se trata de la historia de la Antigua Grecia. La mayoría de los historiadores y escritores políticos cuyas obras han sobrevivido ―principalmente Heródoto, Tucídides, Jenofonte, Demóstenes, Platón y Aristóteles― eran o atenienses o pro-atenienses. Por eso sabemos mucho más sobre la historia y la política de Atenas que de cualquier otra ciudad griega. Además, estos escritores se centran en la historia política, militar y diplomática; prestándole relativamente poca importancia a la historia económica ni social. Por tanto, las historias de la Antigua Grecia tienen que enfrentarse a estas limitaciones.
Más info: http://es.wikipedia.org/wiki/Antigua_Grecia

Espero que la recopilación que he conseguido de estos escultores de la Grecia Antigua sea de vuestro interés y sirva para divulgar su obra y lo que ha representado para la cultura, hasta nuestros días.




A continuación expongo los trabajos de los escultores más reconocidos, de los que también les he dedicado un trabajo individualizado. Más al final presento a otros escultores de la Antigua Grecia, también importantes, pero de los que hay menos bibliografía.



FIDIAS


Esta pieza del trabajo dedicado a los escultores de la antigua Grecia, está dedicado al más famoso: conocido como Fidias o Pheidias. Fidias, en griego antiguo Φειδίας / Pheidias (Atenas, hacia 490 a. C. – Olimpia, h. 431 a. C.), además de escultor, fue pintor y arquitecto, perteneciente al primer clasicismo griego. Fidias diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la Acrópolis de Atenas (Atenea Partenos dentro del Partenón y Atenea Promacos) y la colosal estatua sentada de Zeus en Olimpia. Las obras atenienses fueron aparentemente encargo de Pericles en 447 a. C. Es posible que Pericles usase el dinero de la Liga de Delos para pagarle, si bien esto no es seguro.

Fue el artista más famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. Apenas se sabe nada de su formación, si bien se cree que tenía experiencia como grabador, pintor y repujador. Vivió en la época de Pericles, gran estadista empeñado en hacer de la Acrópolis de Atenas un signo majestuoso de la grandeza de la ciudad, que se convirtió en el principal protector de Fidias, encargandoles numerosos trabajos, entre los que destacó la dirección de obras de la Acrópolis de Atenas, así como numerosas estatuas y grabados.

fidiasenpequeoyp6 Fidias. Nació en Atenas, Grecia. Artista que por sus obras es considerado representante emblemático de la escultura griega. Sus trabajos más importantes y conocidos fueron realizados para formar parte del templo Partenón, cuya construcción fue ordenada por Pericles. Fidias fue el arquitecto, director de obras y decorador a cargo de este proyecto y para ello esculpió varias obras que en nuestros días aun son ejemplo de escultura helénica clásica.

Debido a los destrozos y saqueos causados por invasiones extranjeras, pocos trabajos originales del maestro se conservan hasta hoy. En el interior del Partenón creó dos estatuas gigantes cuyos originales ya no existen y en su exterior labró el mármol en forma magistral logrando la combinación perfecta de sus tallados y el estilo Jónico utilizado en las edificaciones atenienses más refinadas. De estos esculpidos con escenas históricas, religiosas y mitológicas aun se guardan fragmentos.

Fidias ejecutó sus obras en mármol, bronce y también materiales de alto valor como marfil y oro. Existen varias réplicas de sus estatuas, que otros artistas griegos de la antigüedad esculpieron para mantener vivo su magnífico legado. La escuela de escultura griega es sin duda parte fundamental del inicio y desarrollo universal de este arte. De ella nace la corriente inspiradora que llevó a otros pueblos europeos a conferir a esta plástica una importancia mayor que a otras artes, a veces incluso cercana a lo divino, y que sólo fueron logradas por escultores de máximo nivel.


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Llamado “Rondanini Medusa”. Mármol, Roman copy after a 5th-century BC Greek original by Phidias, which was set on the shield of Athena Parthenos.

Fidias es un perfeccionista innato y la gracia presente en sus figuras consigue inmortalizar el sentimiento filosófico y espiritual en el arte de su época cuyo propósito principal era plasmar los aspectos imperecederos y permanentes de la belleza humana más que los detalles inherentes del modelo específico.

Espero que os guste la recopilación que he realizado de lu obra del escultor más famoso de la antigua Grecia.




Algunas obras de Fidias


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El Partenón, símbolo de Atenas, está emplazado en la cima de la Acrópolis, dominando la ciudad. Es el templo sagrado de la diosa Atenas, protectora de la ciudad; con su simple estilo dórico ha inspirado a la arquitectura oficial en todo el mundo. Fue construido casi exclusivamente en mármol blanco, la misma fue iniciada por Pericles y realizada entre los años 447 y 432 AC. Gran parte de la decoración escultórica fue realizada por el famoso escultor Fidias. Durante el sitio veneciano de 1687 fue utilizado por los turcos como polvorín. Lamentablemente una de las bombas cayó en el templo y destruyó gran parte del mismo.


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Las cariátides son esculturas femeninas a modo de atlantes que  tienen la función arquitectónica de las columnas y sostiene el entablamento de ese pórtico. Las cariátides, que miden 237 cm son seis y están dispuestas en una posición simétrica con el pórtico norte, cuatro delante, y dos detrás. Las seis figuras son distintas; Cinco de estas figuras son originales, pero la que se encontraba en mejor estado, fue arrancada del lugar por Lord Elgrin, y se encuentra hoy en día en el Museo Británico, ocupando su lugar en el Erecteion un vaciado de la misma. Estas figuras se creen obras de Kallimakos, discípulo de Fidias.


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Construida en una colina de piedra caliza aproximadamente a 150 metros de altura, la Acrópolis de Atenas domina la ciudad y guarda los restos de algunas de las muestras más admirables existentes de la arquitectura clásica, tales como el templo dórico llamado Partenón; los Propileos, un enorme pórtico de mármol en el oeste y entrada principal a la Acrópolis; el Erecteion, un templo famoso por sus excepcionales detalles jónicos y por su pórtico de Cariátides, y el templo de Atenea Niké. Esta obra maestra fue construida en la Edad de Oro ateniense durante el reinado de Pericles en el siglo V a.C. encargó a Fidias la decoración del mismo, así como la dirección general de las obras de la Acrópolis de Atenas. Dañados y descuidados, algunos edificios fueron restaurados gradualmente después de establecerse la monarquía griega en 1833.


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Reconstrucción de Olimpia, el friso completo atribuido a Fidias


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Grabado de la estatua de Zeus en Olimpia En el año 394, fue transportada a Constantinopla (actual Estambul), donde se dice que fue destruida por un incendio de Fidias.


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Estatua de Atenea (Museo del Louvre) de Fidias


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Relieves de Fidias en el Partenón


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Atenea (siglo VI adC). Museo de la Acrópolis (Atenas) de Fidias


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Afrodita, Pan y Eros, atribuido a Fidias


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Atenea partenós (siglo V adC) de Fidias


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Atenea Lemnia, de Fidias


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Atenea Varvakeion, de Fidias


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Partenón. Deméter y Perséfone, de Fidias


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Partenón. Jinetes del friso de las Panateneas, de Fidias


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Partenón. Metopa. Centauromaquia de Fidias


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Partenón. Relieve de los dioses


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Torso of Apollo, Roman copy. Detroit Institute of Arts, Michigan


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Figure of Dionysos from the east pediment of the Parthenon. Museo Britanico


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Figures of three goddesses from the east pediment of the Parthenon. Museo Britanico


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Cabeza de Atenea, mármol, CA 138–92 A.D.; Antonino, romano; copia de una estatua griega de 430 a. c. atribuido al escultor Fidias


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Vista del campo de entrenamiento desde una habitación de la palestra. Lo que queda de la obra de Fidias.


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Procesión de las panateneas. Museo del Louvre


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Marmol Estilo Jónico de Fidias


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Atenea (réplica) de Fidias


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Replica de Apolo, atribuido a Fidias


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Pheidias. Born in Athènes, 490 B.C. - Dead in. Greece, 430 B.C. Grèce classique. Museo del Louvre


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Fidias mostrando el friso del Partenón a sus amigos (1868) Representación artísitca de Fidias hecha por el pintor neerlandés Sir Lawrence Alma-Tadema.


Más info de Fidias:

http://es.wikipedia.org/wiki/Fidias
http://www.artcyclopedia.com/artists/phidias.html


Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, artcyclopedia.com,artehistoria.jcyl.es, sikyon.com, biografiasyvidas.com, epdlp.com, culture.gr y otras de Internet.


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PRAXÍTELES


Esta pieza del trabajo dedicado a los escultores de la antigua Grecia, está dedicado a uno de los escultor más célebres, conocido como Praxíteles (Atenas, siglo IV a. C.). Hijo y nieto de escultores, se cree que era hijo de Cefisodoto el Viejo. Su figura domina con autoridad la escultura del siglo IV a. C. en Atenas y se sitúa casi al mismo nivel de fama y prestigio que la de Fidias en el siglo anterior.

Praxíteles es el máximo exponente de la escultura postclásica griega junto a Escopas y Lisipo. El rasgo más característico y revolucionario de su estilo es la denominada “curva praxiteliana”, enfático contrapposto en actitud de reposo, cuya característica visible es el contoneo de la cadera. Con Praxíteles la escultura griega se desliga del clasicismo de Fidias, preludiando las formas del período helenístico; con él, el retrato naturalista plenamente asumido se practica por primera vez.

Sin romper con los rasgos estilísticos de la cultura ática, Praxíteles los interpretó desde una visión muy personal, que sentó las bases para el posterior desarrollo de la escultura helenística. Se alejó de la tradición anterior al preferir como material el mármol, más que el bronce, pero se mantuvo en la línea de sus antecesores por su elección como modelo para sus obras de la belleza juvenil idealizada. Desde este punto de partida, evolucionó hacia una mayor humanización de las estatuas, hacia una plasmación algo más intensa de los sentimientos.

Gozó de un gran prestigio desde sus primeras realizaciones, en particular por la suavidad del modelado y la postura indolente de los cuerpos, que gravitan fuera de su eje, descansando sobre un punto de apoyo. Es emblemático en este sentido el grupo de Hermes con Dioniso niño, encontrado en 1877 en Olimpia y que se considera un original, el único que se conserva de un escultor griego de primera magnitud.

Sus obras restantes se conocen a través de copias romanas. La que gozó de mayor renombre en la Antigüedad fue la Afrodita de Cnido, estatua de tamaño natural de la diosa en la que por primera vez se la representa desnuda. El Sátiro en reposo y el Apolo Sauróctono destilan el encanto sensual y la gracia delicada connaturales en la obra de Praxíteles. El escultor obtuvo también un gran éxito con un tipo de Eros desnudo al que la cabellera rizada confiere una nueva plasticidad, un nuevo encanto romántico.

Espero que la recopilación que he conseguido de este clásico escultor griego, sea de vuestro interés y sirva para divulgar su obra.




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Copia del Torso de Praxíteles descripción del tipo de sátiro a raudales. Mármol de Carrara, Roman copiar desde la primera mitad del siglo II después de un original griego del siglo IV a. C. Dimensiones H. 1,5 m


Más info de de Praxíteles

Praxíteles (griego antiguo: Πραξιτέλης) de Atenas, hijo de Cefisodoto el Viejo, fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a. C. Con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualismo. Sus obras están caracterizadas por la llamada karis (gracia) ática y la llamada «curva praxiteliana» consistente en un elegante contrapposto.

Fue el primero en esculpir la forma femenina desnuda en una estatua a tamaño natural. Aunque no queda ninguna escultura que sea atribuible sin dudas a Praxíteles, numerosas copias de sus obras han sobrevivido; autores contemporáneos, incluyendo a Plinio el Viejo, escribieron sobre sus obras; y han sobrevivido monedas grabadas con siluetas de varios de sus modelos estatuarios.

Una supuesta relación entre Praxíteles y su bella modelo, la cortesana tespia Friné, ha inspirado especulación e interpretación en obras de arte que van desde la pintura (Gérôme) a la opereta (Saint-Saëns) o las marionetas (Charles Maurice Donnay).

Algunos escritores han sostenido que hubo dos escultores con el nombre de Praxíteles. Uno sería contemporáneo de Fidias y el otro su más conocido nieto. Aunque la repetición del mismo nombre en generaciones sucesivas es habitual en Grecia, no hay evidencia cierta para ninguna de las posiciones. Pocas cosas se saben de la vida de Praxíteles: no se sabe siquiera con certidumbre el año de su nacimiento ni el de su muerte. Las fuentes literarias abundan pero son tardías, ninguna de ella es anterior al siglo III.[1]

Nacido en Atenas hacia el 400 a. C., formado junto a su padre Cefisódoto el Viejo, desarrolló su máxima actividad artística entre los años 370 y 340 a. C.. Plinio el Viejo sitúa su apogeo artístico después de la 104.ª olimpiada (esto es, en 364 a 361 a. C.) y señala que Eufránor fue un escultor contemporáneo suyo.[2] Esta propuesta cronológica está corroborada por la base de una estatua firmada por Praxíteles, que lleva la dedicatoria de «Kléiokratéia, mujer de Spoudias»: este Spoudias es conocido como el adversario de Demóstenes en un alegato que data de 361 a. C.[3] Pausanias dice al respecto «la tercera generación después de Alcámenes»,[4] alumno de Fidias, por el grupo de los Letoidas de Mantinea. Se considera generalmente que Praxíteles nació hacia el año 400 a. C.[5]

Estuvo asociado con Friné, una famosa cortesana que le sirvió de modelo y que también fue su amante. Esta circunstancia podría probar que se trataba de un artista con recursos económicos, como también lo demostraría el que fuese honrado con el patronato de uno de los coros de Atenas, algo que había que pagar. Fue también popular entre el pueblo, que gustaba de adquirir sus trabajos aunque Praxíteles no fuese inclinado a ello.


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Tipo de Afrodita Cnidia (llamada “Afrodita Braschi”), copia libre (siglo I a. C.) de una estatua votiva de Praxíteles en Cnido (c. 350-340 a. C.).


Estilo praxiteliano

Deben mencionarse cinco puntos de composición que parecen tener un origen praxiteliano; sin embargo, no hay ninguna conclusión definitiva.

- Una línea muy flexible divide las figuras si se traza en el medio de arriba a abajo; todos tienden a estar reclinados
- Están adaptados para verse de frente y de espaldas, más que desde los lados
- Árboles, drapeados y otros elementos semejantes se usan como apoyo para las figuras de mármol, y se incluyen en el diseño en lugar de ser extraños a él
- Las caras aparecen en una vista tres cuartos
- La estatua se encontró en el mismo lugar en el que la describió Pausanias.


Obra

• Afrodita saliendo del baño o Afrodita de Cnido (Venus de Cnido, cuya modelo parece haber sido Friné). El modelo tuvo gran aceptación y fueron demandadas muchas copias. En la actualidad se conservan más de cincuenta.
• Eubuleus de Eleusis.
• Sátiro escanciador.
• El amor de Tespis o Tánatos o Genio de la muerte o l'Éros de Thespies.
• Faunos.
• Dionisos.
• Base con relieves de las musas de Mantinea.

Y sus obras de madurez:

• Hermes con el niño Dioniso en brazos, que según la mayoría de los historiadores, sería la única obra original de Praxíteles conservada hoy día
• Apolo Sauróctono
• Apolo Liceo
• Artemisa Brauronia


Referencias y Bibliografía

[1] Ajootian [1998], p. 92.
[2] Historia Natural de Plinio el Viejo (XXXIV, 50).
[3] Contre Spoudias. Pasquier, «Éléments de biographie», p. 23.
[4] Descripción de Grecia, de Pausanias (VIII, 9, 1).
[5] Pasquier [2007], «Éléments de biographie», p. 19 ; Muller-Dufeu, p. 481 ; Rolley, p. 242.
• De Azcárate Ristori, J. M.ª, y otros Historia del arte, Anaya, Madrid, 1986. ISBN 84-207-1408-9
• Pijoán, José, El arte griego. Summa Artis. Historia general del arte. vol. IV, Espasa-Calpe, Madrid, 1965



Algunas imágenes de su obra


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Hermes con el niño Dioniso es su obra más famosa. Es una escultura griega de mármol con una altura de 213 centímetros que se encuentra en el Museo Arqueológico de Olimpia. Su autoría se atribuye al escultor Praxíteles del período clásico final o bien, según otros autores, se trataría de una copia del siglo I de un original del mismo artista del 350-330 a. C. Se encontró en el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera donde servía como ornamentación. Se trata de una obra escultórica exenta, inspirada en la mitología griega. Los conceptos de perfil griego, nariz griega y curva praxitélica han pasado a ser un modelo de belleza clásica dentro del arte de la escultura.

Descubrimiento. El estado griego firmó con Alemania, en 1874 un acuerdo para la exploración arqueológica en Olimpia. Las excavaciones realizadas por un equipo alemán empezaron en 1875 bajo la dirección de Ernst Curtius. El 8 de mayo de 1877 fue encontrada en las ruinas del mismo templo de Heraeum donde lo vio Pausanias.[1] Se trataba de una escultura corpórea desnuda (cabeza, tronco, piernas y el brazo izquierdo) que representa un joven apoyado en un tronco de árbol cubierto con un paño de tela. Se encontraba protegido por una gruesa capa de arcilla, aunque en un estado de conservación excepcional. Se realizaron aún otros seis descubrimientos diferentes de piezas que faltaban, en otras campañas de excavaciones, hasta conformar el grupo escultórico como se encuentra en la actualidad expuesto. A la figura de Hermes le faltaba el antebrazo derecho, dos dedos de la mano izquierda, las dos piernas a partir de las rodillas, el pie izquierdo y los atributos sexuales; al niño Dioniso le faltaban los brazos (excepto la mano derecha que la tiene descansando sobre la espalda de Hermes) y la punta del pie derecho. Finalmente, no se consiguió localizar gran parte del árbol y del pedestal.

Autor. Praxíteles fue uno de los grandes escultores griegos, que vivió y fue un representante destacado de la escuela ática durante la parte central del siglo IV a. C. Fue un escultor reconocido en su época y también posteriormente los romanos eran conocedores y admiradores de su obra. Su biografía es bastante desconocida; en este sentido las fuentes son incluso contradictorias. Perteneció a una dinastía de escultores: su abuelo, el llamado «Praxíteles el Viejo», había trabajado con Fidias en la Acrópolis de Atenas. Praxíteles (llamado como su abuelo) era hijo del también escultor Cefisodoto el Viejo del que nos ha llegado una escultura original el grupo de Eirene y Pluto llamado de La paz y la riqueza, obra en la que puede haber cierta inspiración para el Hermes con el niño Dioniso.[2]

Praxíteles nació alrededor del año 400 a. C. También se sabe que trabajó en Atenas, donde tenía un taller y que era de la misma época que Lisipo y Escopas de Paros, con los que formó el trío de escultores más representativos de la segunda fase del clasicismo.[3] Se cree que mantuvo relaciones con la cortesana tespia Friné, que habría hecho de modelo para su escultura la Afrodita de Cnido. Plinio el Viejo sitúa su apogeo artístico después de la 104.ª olimpiada (esto es, en 364 a 361 a. C.) y señala que Eufránor fue un escultor contemporáneo suyo.[4] Pocas son las obras que se pueden considerar originales de Praxíteles y se mantienen dudas sobre su autoría: Hermes con Dionisio niño está considerada generalmente como obra original del artista.[5]


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Detalle de la espalda de Hermes donde se aprecian las marcas de la textura rallada por la gradina.

Datación y debate sobre su autoría. Desde su descubrimiento la obra se considera que es la misma representación de Hermes con Dioniso niño que vio Pausanias en el templo de Hera en Olimpia:«... las que he enumerado son de marfil y oro, y algún tiempo después ofrendaron otras en el Hereon: un Hermes de piedra que lleva a Dioniso niño y es obra de Praxíteles...»( Descripción de Grecia, V, 17, 3).[6] Georg Treu, uno de los descubridores, escribió con entusiasmo: «No conozco de entre todas las obras de arte que he visto, ninguna que permita compararla. No hay duda que se trata de un original de Praxíteles». Y Ernst Curtius, otro arqueólogo escribió a su hermano con motivo del descubrimiento diciéndole que era: «La gloria coronada de todos los hallazgos hechos en Olimpia».[7]

El grupo escultórico tiene un gran virtuosismo técnico y la característica «curva praxiteliana»: una suave curvatura en la cadera de Hermes, que se consigue al apoyar el brazo en un tronco de árbol. La expresión de su rostro es nostálgica y con aspecto amanerado propio de Praxíteles, la flexibilidad, el aire juvenil del dios y el tratamiento de los músculos, sin duda, se acerca al Apolo Sauróctono del museo del Louvre, como también sucede con el Sátiro en reposo en los museos Capitolinos, y la Afrodita de Cnido en el Palacio Altemps en Roma.[8] Sin embargo es el único ejemplar de este tipo a diferencia de las numerosas copias que existen del Sátiro en reposo y de la Afrodita de Cnido.[9]

Por otro lado, el autor romano Plinio el Viejo (Historia Natural vi, 66)[10] atribuyó a Cefisodoto el Viejo (que posiblemente fue padre de Praxíteles) una escultura de Hermes con Dioniso niño, pero de bronce. Plinio no menciona ninguna de mármol.[11]. A favor de la tesis praxiteliana, o al menos, de que se trate de un segundo original griego de los clásicos, se ha presentado como prueba el material: aunque todos los ejemplares conocidos son de mármol de Olimpia pentélico, el Hermes es de mármol de Paros.[12]. Se ha informado que la cabeza del pequeño Dioniso es parecida a la de las estatuas de Dioniso niño encontradas en Braurón y datadas del fin del siglo IV a. C. o principios del siglo III a. C.: Hermes es, por lo tanto, un original del siglo IV a. C.[13]


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Detalle de Hermes con el niño Dioniso donde se observa un perfecto pulido.

Pero algunas peculiaridades estilísticas parecen incompatibles con una datación del siglo IV a. C. Así pues, contrariamente a las esculturas habituales de la época, el cabello se realiza mayoritariamente, mediante el trépano; el cincel solo se utiliza en algunos puntos. Sin embargo, puede ser una innovación de Praxíteles. Así mismo, el acabado del tronco del árbol está realizado con un cincel plano y no con la gradina que era una forma inusual en el siglo IV. El diseño de las sandalias es más habitual en el periodo helenístico que en la época clásica.[14] Finalmente, el pulido de la estatua es característico de los mármoles del periodo imperial romano. Es posible que los resultados de la acción del pulido, sea un estudio aplicado como preparación para recibir la pintura, del tecnicismo del cual, se sabe relativamente poco.

Toda esta serie de elementos ha llevado a proponer otras autorías en lugar de la de Praxíteles. El Hermes podría ser obra de un escultor de la época helenística próxima a la romana. La adjudicación praxiteliana sería debida a un error o confusión de Pausanias. Carls Blümel, propone una solución que permite el testimonio de Pausanias y una adjudicación tardía; Hermes es el trabajo de un «Praxíteles» pero es, de hecho, un escultor del siglo II a. C., la firma del cual se encontró en las excavaciones de Pérgamo. Sigue la controversia por lo que concierne a la datación de la obra, que en 1877 fue encontrada en las excavaciones realizadas por un equipo alemán en Olimpia, en las ruinas del mismo templo donde lo vio Pausanias, pero que algunos rasgos estilísticos parecen de época posterior por lo que, algunos expertos, opinan que es una copia del siglo I de un original de Praxíteles del siglo IV a. C.[15]

Tema. Según relatos de la mitología griega, Dioniso es el hijo del dios Zeus y Semele, una mortal, hija de Cadmo, rey de Tebas. Semele pidió a Zeus que le demostrase todo el poder que poseía, y Zeus, rey de los dioses, mostró con una gran fuerza de rayos y truenos todo su potencial. Al ver el gran poder de Zeus, Semele murió de la impresión y el miedo que le hizo sentir; entonces el dios que sabía que Semele estaba embarazada, le extrajo el feto que llevaba dentro suyo y se lo cosió en su pierna. Al cabo de seis meses, según el mito, nació Dioniso, es por esta razón por la que se conoce a Dioniso como «el dios nacido dos veces». Recién nacido fue confiada su custodia a Hermes, también hijo de Zeus, para protegerlo contra Hera y llevarlo para su cuidado a Atamante y su esposa Ino. Es posible que esta escultura se realizara como una alegoría de la paz entre los habitantes de Elis, que tenían a Hermes como patrón y Arcadia, que tenían por patrón a Dioniso.[16]


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Cabeza de Hermes, mostrando el clásico perfil griego, tipo de belleza clásica.

Consideraciones técnicas. El grupo está tallado en un bloque de mármol de Paros de la mejor calidad. Hermes mide entre 210 y 212 centímetros, y la obra completa con la base unos 370 centímetros. El pie derecho de Hermes está unido a un trozo de zócalo, que tiene agujeros que no encajan en la corona de la base, lo que hace pensar que refleja los cambios realizados en la estatúa en algún tiempo. Otras partes del grupo están igualmente separadas, y el tronco del árbol se adosa a la cadera de Hermes por la colocación de un puente.

El rostro y el torso de Hermes se muestran con un perfecto pulido, casi brillante «al que han contribuido», comenta haciendo broma John Boardman, «generaciones de limpiadoras del templo».[14] Sin embargo, en la espalda tiene las marcas de los golpes de raspa y del cincel y en el resto de la escultura sólo está pulida de manera parcial. En los cabellos, desde su descubrimiento, se aprecian pequeñas huellas de cinabrio,[17] un compuesto de sulfuro de mercurio de color rojo, que probablemente no es un color real, sino una preparación para el dorado.[18] El color se encuentra en las correas de la sandalia del pie original, que también presenta restos de dorado; además, la sandalia tiene un dibujo de Heracles, que fue realizado en pintura, y que nace en el motivo tallado de las correas entre los dedos del pie. Los ojos y los labios eran probablemente de color rojo.

En la escultura se han hecho esfuerzos para una restauración de la máxima calidad y respetando la obra original. Así, en la versión que se conserva en el museo de Olimpia, Hermes no tiene los atributos clásicos de llevar un petasos[19] en la cabeza, o bien de ir calzado con sandalias aladas. Que llevara un ornamento de una corona de hierba parece lo más probable.[20] Con la mano izquierda sujetaba otro atributo: probablemente un caduceo. En general, el brazo derecho en alto de Hermes que le falta, ha sugerido diversas interpretaciones. Parece que el grupo es la representación del episodio mitológico de Hermes cuando llevaba a Dioniso a las ninfas de la montaña Nisa.[21] A lo largo del camino, Hermes, para distraer al pequeño Dioniso, agita un objeto con la mano derecha. Por lo tanto, se supone que Hermes llevaba en la mano un instrumento musical, o también podría ser que sujetara un racimo de uva.[22]


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Detalle del niño Dioniso, de la famosa escultura de 'Hermes con el niño Dioniso' de Praxíteles

Conclusiones. La estatua se encontró en el mismo lugar donde la describió Pausanias. El testimonio de Pausanias nos asegura que la estatua se encontraba en el Templo de Hera en Olimpia en el pasado, es decir, ya en el siglo II. La cita, entre otras grandes obras de la época clásica, pero el Heraion también alojaba estatuas romanas. Por lo tanto no se sabe con seguridad si se encontraba desde el siglo IV a. C.
Si se hace un trazo de arriba a bajo, una línea muy flexible en forma de S divide las figuras. A pesar de las dudas de si la escultura de Hermes con el niño Dioniso es la obra original o una copia, sin duda, conserva los rasgos fundamentales de las obras de Praxíteles. Este escultor introdujo un dinamismo nuevo en la disposición de las figuras que quería representar; los rasgos principales son el soporte intenso que le da a una de las piernas, que al sobresalir la cadera hacia un lado, crea un contorno en forma de S o contrapposto.[5]

- Árboles, telas y otros elementos parecidos se usan como soporte para las figuras de mármol, y se incluyen en el diseño en lugar de ser extraños a él. Se destaca un movimiento en el cuerpo, de detrás hacia adelante, y la colocación de un brazo sobre el objeto, normalmente a su derecha, que representa un árbol o paños, con el que consigue evitar que la figura sea excesivamente rígida. La composición de Hermes con el niño Dioniso, está influida por la efectuada por Cefisodoto en La paz y la riqueza, en la que el peso de las dos figuras se apoya sobre el tronco de un árbol.[5]

- Las caras aparecen en una vista de tres cuartos. El ligero movimiento de las cabezas siempre tienen una causa justificada, una razón de ser, como el mirar hacia algún otro tema de la escultura, como, por ejemplo, al lagarto en el Apolo Sauróctono o hacia Dioniso en Hermes con el niño Dioniso; este recurso cierra la representación en la propia narración del sujeto, sin necesidad de hacer participar al espectador que observa la escultura. Sólo la anécdota que sugiere, invita a participar y a adivinar el motivo de esta representación.[23]
El pulido y el policromado. Sus estatuas estaban policromadas; parece que su pintor preferido fue Nikias. El tratamiento dado a las superficies de sus esculturas es de una gran delicadeza, y el pulido del mármol se destaca por el virtuosismo de su realización, imprime en sus obras una nostalgia casi religiosa.[5]

- Praxíteles conocía perfectamente el material del mármol, sus obras representaban siempre adolescentes bellos con una dulzura y detalles de gestos opuestos a la escultura atlética del siglo precedente, sus esculturas presentan la voluptuosidad y una sensualidad refinada, sus personajes se presentan con carácter triste y blando. Representó a las divinidades como seres mortales, llegando a atreverse con la representación de una diosa desnuda la Afrodita de Cnido.[24]


Referencias de esta obra

[1] Pijoan, José (1966) pág.191
[2] Pijoan, José (1966) pág. 188
[3] Azcárate Ristori, (1986) pág.73
[4] Historia Natural de Plinio (XXXIV, 50).
[5] a b c d Historia Universal del Arte (1984), Volumen XII
[6] Richter, Gisela M.A. (1980) pág. 144
[7] Pasquier, (2001) pág. 246.
[8] Barral i Altet, Xavier (1987) pág. 187
[9] Història de l'Art Espasa (2004) p.217
[10] Plinio el Viejo. Historia Natural, VI, 66
[11] Pijoan, José (1932), Summa Artis Vol IV, p.340. Plinio conoció la obra de Cefisodoto dedicándole párrafos elogiosos. En su crítica añadió que este autor hizo un grupo de Hermes llevando al niño Dionisos, del cual se conservan copias romanas no muy afortunadas.
[12] Olga Palagia, Figures d'artistes dans l'Antiquité grecque : les limites de la monographie, organizado al museo del Louvre, 24 de marzo de 2007.
[13] Andrew Stewart. Figures d'artistes dans l'Antiquité grecque,Museo del Louvre (2007).
[14] a b Boardman, (1998) pág. 53.
[15] Barral i Altet, Xavier (1987) pp. 186-188
[16] Devambez, Pierre (1972) pp. 150-151
[17] Informes de Alfred Emerson (1887). «Letter from Olympia», The American Journal of Archaeology and of the History of Fine Arts, junio de 1887, vol. 3, núm. 1-2, pág. 96.
[18] Carpenter, p. 7
[19] sombrero de copa baja y ala ancha que llevaban los romanos para ir de viaje.
[20] Pasquier (2001) pp. 246-247.
[21] Devamber, Pierre (1972) pág. 151
[22] Devamber, Pierre (1972) pág. 152
[23] Bozal, Valeriano (1983) pp.132-133
[24] Barral i Altet (1987) pág.186)


Bibliografía sobre ' Hermes con el niño Dioniso' de Praxíteles

• Azcárate Ristori, J.M. (1986). Historia del arte. Madrid, Anaya. ISBN 84-207-1408-9.  
• DD AA (1984). Historia Universal del Arte:Tomo XII. Madrid, SARPE. ISBN 84-7291-600-6.  
• DDAA (2004). Historia del Arte Espasa. Barcelona, Espasa-Calpe. ISBN 84-670-1323-0.  
• Barral i Altet, Xavier (1987). Historia Universal del Arte:La antigüedad clásica. Barcelona, Editorial Planeta. ISBN 84-320-8902-8.  
• Boardman (1998). La Sculpture grecque du second classicisme. París, Thames & Hudson. (en francés).  
• Bozal, Valeriano (1983). Historia del Arte: La Escultura. Barcelona, Carroggio Ediciones. ISBN 84-7254-313-7.  
• Carpenter, Rhys (1954). Two Postscripts to the Hermes Controversy : American Journal of Archaeology (janvier 1954) vol. 58, no 1. (en inglés).  
• Devambez, Pierre (1972). Diccionario de la civilización griega. Barcelona, Ediciones Destino. D. Legal: B-26323-72.  
• Pasquier, Alan (2001). Olympie:L’Hermès d'Olympie. Paris, Muséeu du Louvre. ISBN 2-11-004780-1 (en francés).  
• Pijoan, José (1966). Historia del Arte,Historia general del arte Tomo I. Barcelona, Salvat Editores.  
• Pijoan, José. Praxíteles Historia general del arte, Tomo IV:El arte griego hasta la toma de Corinto por los romanos. Editorial Espasa Calpe.  
• Richter, Gisela M.A (1980). El Arte griego. Barcelona, Ediciones Destino. 84-233-1018-3.  
• Robertson, Martin (1981). El arte griego. Alianza Editorial. 84-233-1018-3.  


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Hermes con el niño Dioniso escultura de mármol en el museo arqueológico de Olimpia. Tiene una altura de 213 centímetros, se encuentra en el Museo Arqueológico de Olimpia. Su autoría se atribuye al escultor Praxíteles.


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Eirene portando a Pluto (La paz y la riqueza), Gliptoteca de Múnich, obra de Cefisodoto el Viejo en la cual se pudo inspirar su hijo Praxíteles para esculpir su 'Hermes con el niño Dioniso'. Cefisodoto el Viejo fue un escultor ateniense de comienzos del siglo IV a. C. (h. 400-370 a. C.) Su vida es mal conocida. habitualmente es considerado el padre de Praxíteles, aunque la filiación no puede ser establecida con exactitud: Praxíteles no citaba el nombre de su padre en sus firmas, y su apogeo, que Plinio el Viejo, sitúa durante la 102 Olimpiada (es decir, 372-369 a. C.), parece más próxima a la de su hijo. el hecho de que el hijo de Praxíteles se llamara también Cefisodoto tiende, no obstante, a corroborar la filiación: la costumbre griega era que el hijo mayor llevara el nombre de su abuelo paterno. Es también posible que Cefisodoto no fuera el padre, sino el suegro de Praxíteles. Por último, se sabe que su hermana fuer la primera esposa del estratego Foción. Parece según las fuentes antiguas que su esfera de actividad fuera relativamente limitada, centrada en el Ática.



Apolo Sauróctono


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Apolo sauróctonos (matador de saurios), Museo del Louvre, copia romana en mármol del siglo I-II, según original griego, 1,49 m de alto

El Apolo Sauróctono era una estatua de bronce y de tamaño natural realizada por Praxíteles en el siglo IV a. C. Es mencionada por Plinio y representaba a Apolo en su adolescencia a punto de herir a un pequeño lagarto que trepaba por el tronco de un árbol. Aparece representado en monedas de Nicópolis. Hay varias copias de este original perdido, entre las que destacan la de los museos Vaticanos y la del museo del Louvre. La copia que se encuentra en el museo del Louvre anteriormente estaba en Italia, en Villa Borghese. Es de mármol y en 1807 pasó a las colecciones francesas. En la época romana debieron ser muy abundantes las copias que se hicieron del original de Praxíteles, como muestra un epigrama de Marcial:

Perdona, niño malvado, a la lagartija
que a ti se dirige arrastrándose;
ella anhela morir entre tus dedos.


En 2004 el museo de arte de Cleveland compró una estatua de bronce que representa al Apolo Sauróctono, que había pertenecido a una colección particular alemana. A la figura le faltan el árbol y la mayor parte de los brazos. Tiene separados del cuerpo principal de la estatua un fragmento de una mano y el reptil (con escaso parecido al representado en las copias romanas). Algunos estudiosos consideran que este bronce podría ser el original de Praxíteles.

El tema de la representación de un dios como Apolo en un entretenimiento infantil dentro de un templo es sorprendente y extraño. Apolo, representado como un adolescente, se encontraba en actitud relajada y pensativa antes de herir al pequeño lagarto con una flecha que debía tener en una de sus manos. La postura de Apolo conserva la característica curva praxiteliana en la cadera, compensada con el apoyo del peso sobre una de sus piernas y sobre el árbol. Esta figura podría representar a Apolo en su condición de pastor. Según la mitología griega, Apolo mató a los Cíclopes y por ello fue sentenciado a servir como pastor del rey Admeto. También podría ser una parodia del mito en el que Apolo mató a la serpiente Pitón. También hay que señalar que entre los epítetos de Apolo se encontraban Alexikakos, Epidourios y Peán, es decir, liberador de la enfermedad, auxiliador y sanador. Es posible que el propósito de esta estatua, en la que el lagarto simbolizaría la enfermedad, fuera representar estos atributos de Apolo.


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Detalle de la estatua de Apolo Sauróctono ‘matador de lagartos’



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Afrodita de Cnido de Praxíteles


oludovisi

La copia de Afrodita Cnidia llamada de "Altemps" o Ludovisi. La Venus de Cnido, Afrodita de Cnido o Afrodita Cnidea es una de las más célebres esculturas del escultor griego Praxíteles y una de sus primeras obras, realizada en Atenas en torno al año 360 a. C. La escultura representa a la diosa griega del amor (principalmente en su acepción del amor erótico), la belleza y la fertilidad femenina de Afrodita, prestándose a realizar, o tras haberlo efectuado, el baño ritual de las Eleusiadas. Tal escultura estaba destinada a exornar el naos de un pequeño templo de dos aberturas a lo largo de un mismo eje, o quizá para ubicarse en un templete monóptero en la ciudad helénica de Cnido (en Caria, Anatolia). Se la llamó Knidia o Cnidia porque fueron los habitantes de esta ciudad quienes adquirieron la estatua después de que los de la ciudad de Cos la rechazaran y compraran a Praxíteles una versión en la cual, la diosa estaba vestida de forma «más púdica y severa».

La Afrodita de Cnido, para la cual sirvió de modelo Friné, fue representada desnuda en actitudes personalmente íntimas. Tal actitud recibió el nombre de replegamiento intimista y se utilizó principalmente en la Antigüedad tanto por Praxíteles como por Escopas para representar a divinidades y personajes míticos en poses particularmente despreocupadas. La obra de Praxíteles se hizo rápidamente famosa y fue muy venerada: Plinio el Viejo relata que un joven se enamoró de la escultura (notar, que como todas las otras esculturas clásicas, la misma estaba pintada imitando lo más perfectamente posible al ser humano vivo). Se trata de una de las esculturas que posee mayor número de copias y variantes. La desnudez en la Afrodita Cnidia es un buscado y logrado elemento de erotismo: la seducción ha sido acentuada merced a la tersura que se ha obtenido en el fino labrado del mármol que constituye a la estatua. Tersura realzada por las curvilíneas y suaves (mórbidas) formas, grácilmente femeninas del cuerpo. Formas que se "mueven" con un perfil sinuoso (en "S"). La representación toma, en efecto, a Afrodita cuando presta al baño, deja caer casi lánguidamente sus vestiduras sobre una hydria (gran ánfora para agua) que está a su costado. La vestidura y el ánfora, pese a la impresión opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte estructural, de manera que así el cuerpo puede "rotar" ligera y levemente hacia adelante y hacia la izquierda, casi en un gesto de, instintivo aunque despreocupado, pudor. Como si la diosa hubiese sido sorprendida en tal pose por un extraño. Por ello, "lleva" su mano diestra delicadamente a cubrir incompletamente el pubis.

La obra original desapareció durante un incendio ocurrido durante la rebelión de Niká en Constantinopla, ciudad a la que la había hecho transportar el emperador Teodosio. A pesar de ello, se mantienen numerosas copias.


Copias de la Afrodita de Cnido

De las copias, la siguiente lista señala las principales:


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La cabeza Kaufmann en el Museo del Louvre.

• Cabeza Kaufmann ca. 150 a. C., Museo del Louvre.
• Afrodita de Cnido llamada la Venus Colonna, copia romana, en el Museo Pio-Clementino, Vaticano.
• Cabeza de Afrodita de Cnido, copia romana en el Museo del Prado, Madrid.
• Cabeza de Afrodita de Cnido, (num.421) copia romana fecit siglo II a. C., en el Museo del Louvre, París.
• Cabeza de Afrodita (num.561) copia romana, siglo III a. C., Museo del Louvre.
• Afrodita de Cnido, copia del siglo II a. C., Museo del Louvre.
• Cabeza de Afrodita de Cnido, Museo de Olimpia.
• Cabeza de Afrodita de Cnido, Museo arqueológico de Atenas.
• Afrodita de Cnido (Ludovisi) Museo del Palacio Altemps, Roma.
• Afrodita Braschi (Considerada una de las mejores copias de toda esta escultura), Gliptoteca de Múnich.
• Venus de Belvedere obra en bronce moldeada a pedido de Francisco I de Francia.

Además de la existencia de varias y valiosas copias de la escultura original también existen muchas variaciones de la misma:


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La Venus Capitolina es un tipo de estatua de Venus, específicamente uno de los varios tipos de Venus Púdica (entre los que se incluye también la Venus de Médici), del que existen varios ejemplos. El tipo deriva en última instancia de la Venus de Cnido. Es reconocible por la posición de los brazos: de pie tras un baño, Venus empieza a cubrir sus pechos con la mano derecha y su pubis con la izquierda. Se cree que el original de este tipo es una variante perdida del siglo III o II a. C. de una obra de Praxíteles, procedente de Asia Menor, que modifica la tradición praxiteliana mediante un tratamiento carnal y voluptuoso del sujeto y del gesto de pudor de la diosa con ambas manos, en lugar de solo una sobre el pubis, como en el original de Praxíteles.

• Venus Capitolina (Museos Capitolinos), Roma
• Venus Barberini
• Venus Borghese
• Venus de Arlés (actualmente en el Louvre, París).
• Venus de Medicis (Galleria degli Uffizi, Florencia)
• Venus Esquilina (Museos Capitolinos).
• Venus agachándose (dos copias, una en el Louvre y otra en el British Museum de Londres).
• Afrodita Kallypigos o Venus de las bellas nalgas (Museo Archeologico Nazionale Napoli (Nápoles).
• Venus Victrix (Venus victoriosa) Galería de los Oficios (degli Uffizi), Florencia.
• Venus Mazarino
• Venus Felix (Venus Feliz), Museos Vaticanos.


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Venus Urania (L'Afrodite Urania). Galería Uffizi, Florencia. Italia. Obra de Giorgio Sommer (1834-1914), fotografía de 1860.

Original. La Afrodita de Cnido no ha sobrevivido. Posiblemente la estatua fue trasladada a Constantinopla (Estambul) y fue perdida en un incendio durante la Niká. Ha sido una de las estatuas más copiadas de la Antigüedad, por lo que una idea general de la estatua puede ser deducida por las descripciones y réplicas que han sobrevivido.


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Grabado que representa una moneda de Cnido mostrando a la Aphrodite de Cnido de Praxíteles.


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Venus - Roman copy of Greek original by Praxiteles at the Getty Museum, Los Angeles.


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Copia de Praxíteles. Venus Capitolina, después de la Afrodita de Cnido. Mármol, obras de arte romano de la época imperial. Siglo II a.C. Altura 1,8 metros. Museo del Louvre. París


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Copy of Praxiteles or Euphranor (?) Lycian Apollo. Roman copy (Imperial era) of a Greek original.


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Estatua de Afrodita, conocida como la Venus de Arlés. Hymettus mármol, obras de arte romano, periodo imperial (finales del siglo i A.C.), podría ser una copia de la Afrodita de Tespias de Praxíteles. La manzana y el espejo se agregaron durante el siglo XVII. Se encuentra en el antiguo teatro de Arles, Francia. Altura 1,97 metros. Museo del Louvre. París


namaephebedemarathon

Maratón juvenil o Efebia de maratón. Estatua de bronce de un joven atleta, encontrado en el mar cerca de Marathon (Costa de Ática). La mano izquierda fue reemplazada posteriormente por otra en forma de una lámpara. Obra de la Praxiteles escuela, c. 340-330 a. c. dimensiones H. 1,3 m. Museo Arqueológico Nacional, Atenas. Grecia

 
copiadepraxtelesstiromr

Copia de Praxíteles - Sátiro. mármol. Altura: 171 cm. Museos Capitolinos. Roma. Sátiro apoyado en un tronco de árbol. Copia romana de la época imperial de un original griego del clasicismo tardío, restaurado en 1999. Alrededor de 130 (copia),IV siglo a.C. (original)
 

Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, artehistoria.jcyl.es, sikyon.com, biografiasyvidas.com, epdlp.com y otras de Internet.



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ESCOPAS


Esta pieza del trabajo dedicado a los escultores de la antigua Grecia, está dedicado a uno de los escultor más célebres, conocido como Escopas (isla de Paros, actual Grecia, ?-?); (s. IV a. C.) Escultor griego. Junto con Praxíteles y Lisipo, se le considera la tercera gran figura de la escultura griega del siglo IV a.C. Se sabe que trabajó en el templo de Artemisa en Éfeso, en el de Atenea Alea en Tegea y, hacia el final de su carrera, cuando era ya un artista consagrado, en el mausoleo de Halicarnaso.

Su obra se conoce sobre todo a través de copias del período helenístico. Destacan la decoración escultórica de los frontones de Tegea, Amazonomaquia del mausoleo de Halicarnaso. En ellas se advierte un estilo de gran originalidad, caracterizado por el trazo nervioso, la fastuosidad de los drapeados y una considerable intensidad dramática, que anticipa la carga emocional propia de la escultura helenística. Constituye una magnífica síntesis de su estilo la famosísima Ménade, que encarna el movimiento y la gracia.

Espero que la recopilación que he conseguido de este clásico escultor griego, sea de vuestro interés y sirva para divulgar su obra.




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Cabeza masculina. Mármol griego, variante romana después de modelos de escuela de Escopas. Museo Capitolino. Roma



Más info de Escopas enla Wikipedia

Escopas o Scopas (en griego, Σκόπας, Skópas) (h. 380–330 a. C.) es un célebre escultor y arquitecto clásico griego del siglo IV a. C. Praxíteles, Lisipo y Escopas son los tres grandes escultores representativos de la segunda fase del clasicismo.[1]

Nació en la isla de Paros, en las Cícladas.

Trabajó el mármol de las famosas canteras de su isla natal. Escopas estuvo muy activo en el periodo de 395 a. C. al 350 a. C. y trabajó casi exclusivamente en Grecia. Intervino en el mausoleo de Halicarnaso. Se encargó de la reconstrucción del Templo de Atena Alea en Tegea (la Arcadia), destruido por un incendio en 395 a. C. Pausanias estima que el edificio "supera con mucho a todos los templos del Peloponeso por su disposición y en particular por su talla" (VIII, 45, 4). Entre los temas mitológicos abordados figuran la caza del jabalí de Calidón (frontón de la fachada) y el combate de Aquiles contra Télefo (frontón trasero). También intervino en el Templo de Artemisa en Éfeso.

Colaboró con Praxíteles, Leocares, Briaxis y Timoteo.


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Baile a Ménade de Escopas. Molde de yeso en el Museo Pushkin original en Dresde.

Estilo e influencia. Es considerado un artista que debe incluirse entre los grandes de la escultura, un innovador y un maestro.

Según los historiadores de la escultura de la Grecia antigua, Escopas fue el inventor del estilo patético, así llamado por el pathos (el sentimiento), bien definido por la expresión doliente con el que era usual caracterizar la cara de las propias estatuas.

Sus obras se parecen mucho, en la construcción de las composiciones, al estilo de Fidias aunque parecen muy rigurosas en la forma, en la cual se nota el recurso a Policleto.

A diferencia de Fidias, sin embargo, la escultura de Escopas carece de la naturaleza interpretativa de la identidad humana pero se compensa con un particular sentimiento de dolor, una tragedia, un pathos del vivir la condición humana con toda el dramatismo del dolor y del sufrimiento. Escopas exalta la expresión patética, la angustia, el sentimiento trágico, con características bocas entreabiertas, cuerpos que se mueven en espiral y ojos hundidos.[2] Son caracteres específicos de las figuras de Escopas esas caras de forma casi cuadrada con ojos muy hundidos y la boca entreabierta.

Ha sido seguramente el primer escultor de la mente humana, casi un escultor-psicólogo, un artista capaz de robar los sentimientos, la angustia, la expresión de sus sujetos para poder infundirlos en el mármol. No se contentaba con representar el exterior del sujeto sino que quería a toda costa entrar en los pliegues del alma y descubrir todos los secretos recónditos: el dolor, la tristeza, la desilusión.

El ejemplo de la Ménade ilumina y resulta trágica al mismo tiempo; la expresividad de la cara de la mujer, su movimiento, el drama de sus rasgos, es contagiosa y perturbadora y conmovedora al mismo tiempo.

Otra ópera que es particularmente significativa del estilo y de la interpretación emotiva de la escultura de Escopas, es la cabeza de Heracles que en un tiempo formaba parte del frontón oeste del Templo de Atena Alea en Tegea.

También en este caso se puede notar la falta de refinamiento de la obra, pero en ella de manera intensa se vive el reflejo del sentimiento, el alma, el pathos. Los rasgos somáticos están ligeramente deformados, pero con una gran carga expresiva, en la postura de la boca semiabierta: casi un grito apagado, con las marcas de las arrugas que enarcan la frente, los ojos y la mirada, casi implorante, como en espera, vuelto hacia el cielo, la profundidad de la mirada acentuada aún más por las órbitas vacías que contrastan con la protuberancia excesiva de las cejas.

Mientras en Fidias todo se construye con una arquitectura espacial propia y precisa, que no deja jamás vacíos, Escopas lucha con el espacio, lo contrasta, lo vence, se le impone con la fuerza domesticándolo y plasmándolo en el propio genio artístico.

Esta particular interpretación queda ejemplificada en la Ménade danzante (bacante), donde todo es movimiento, proyección, dinamismo, búsqueda del infinito: básicamente, un verdadero salto al futuro.

Incluso en obras menos revolucionarias, como la estatua de Pothos, donde el movimiento está menos acentuado, son los juegos de luces, los claroscuros, los que dan vida a una sensación de movimiento estático.

Otra característica de Escopas es la de no pulir sus obras, no rematarlas, no refinarlas. Sus esculturas, que han llegado a la actualidad sólo a través de copias romanas de la época imperial mantenían siempre fuertes contrastes de luces y sombras. Se puede llegar a considerar que son los predecesores de los prisioneros de Miguel Ángel donde la vida, el alma de las obras, vive ya en el interior del bloque de mármol; incluso apenas esbozada, la figura, el personaje, la vitalidad de la obra sale fuera en toda su energía, su vitalidad.

Influyó en Lisipo y en la escultura helenística con sus representaciones de características dionisíacas (pasión, movimiento y violencia).



Obras relacionadas con Escopas


Realizó una parte del mausoleo de Halicarnaso (hoy Budrum), construido en torno a 350 a. C., encargándose en particular de los bajorrelieves y esculpiendo el lado este de la estructura.


user_50_restos_del_templo_de_atenea_alea_en_tegea  

Ruinas del templo de Atenea Alea en Tegea.

Dirige además las tareas para la construcción del nuevo edificio del Templo de Atenea Alea en Tegea, en la Arcadia, donde trabajó personalmente y en particular en los frontones que están unidos hoy. Se le atribuyen a él diversos edificios que formaban parte del Santuario de los Grandes Dioses de Samotracia.

Se le atribuyen:

- una Ménade Furiosa, a la que numerosos epigramas de la Antología griega rinden homenaje;
- Meleagro del Vaticano;
- estatuas de Asclepio e Higía en el templo de Asclepio en Gortina, en Arcadia;
- una estatua de Afrodita Pandémos en Elis;
- una estatua de Hécate en Argos;
- dos Erinias del templo de las Augustas Diosas en Atenas;
- un Heracles en Sición;
- un Apolo en Ramnunte, que se encontrará en el templo de Apolo en el Palatino, en Roma, cantado por Propercio (II, 31).

Obras de Escopas se exponen en los siguientes museos:

• Museo Británico de Londres (bajorrelieves)
• Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Fragmentos del templo de Atenea Alea en Tegea )
• El celebrado Ares Ludovisi en el Palazzo Altemps, Roma
• Una estatua de Pothos restaurada como Apolo con cítara en los Museos Capitolinos, Roma
• Una estatua de Meleagro en el Museo Fogg Art, Cambridge, Massachusetts.


Bibliografía:

[1] Azcárate Ristori, J. M.ª, "El arte griego y sus precedentes", en Historia del arte, Anaya, 1986, p. 73
[2] Azcárate, op. cit
- Marion Muller-Dufeu (ed.), La Sculpture grecque. Sources littéraires et épigraphiques, éditions de l'École nationale supérieure des Beaux-Arts, col. « Beaux-Arts histoire », 2002 (ISBN 2-84056-087-9), pp. 463–469 (en francés)
-Andreas Linfert: Von Polyklet zu Lysipp. Polyklets Schule und ihr Verhältnis zu Skopas v. Paros. Diss. Freiburg i. B. 1965 (en alemán)
- Andrew F. Stewart (en inglés) Skopas of Paros. Noyes Pr., Park Ridge, N.Y. 1977. ISBN 0-8155-5051-0
- Andrew F. Stewart (en inglés)Skopas in Malibu. The head of Achilles from Tegea and other sculpures by Skopas in the J. Paul Getty Museum J. - Paul Getty Museum, Malibu, Calif. 1982. ISBN 0-89236-036-4
- Azcárate Ristori, J. M.ª, "El arte griego y sus precedentes", en Historia del arte, Anaya, 1986.
- Jesús Palomero Páramo, Historia del arte de 2º de Bachillerato, I.B.S.N.:84-33-328-0


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Cabeza femenina representando a la diosa Igea, proveniente de Tegea en la Arcadia. Atribuida a Escopas y realizada a mediados del siglo IV a. C. Museo Arqueológico Nacional de Atenas.


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Estatua de Pothos, restaurada como Apolo Museos Capitolinos, Roma, Italia. Copia de Escopas. Estatua de Pothos, restaurada como Apolo kitharoidos (tocador de cítara). Mármol, copia romana de un original griego de Escopas, hacia 300 adC. Col. Albani, Palazzo Nuovo


user_50_5pothos_dios_de_la_a_oranza_el_anhelo_y_el_deseo_m_rmol_copia_romana_del_siglo_i_seg_n_un_original_griego_del_siglo_iv_adc_de_escopas

Pothos, dios de la añoranza, el anhelo y el deseo. Mármol, copia romana del siglo I según un original griego del siglo IV adC de Escopas que estaba en el templo de Afrodita en Megara. Museo del Louvre, París, Francia.


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'Meleagro'. Mármol, copia romana de la época imperial, según un original griego del siglo IV adC, posiblemente de Escopas. Museo Pio-Clementino, Roma.


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Estela funeraria ática atribuida a Escopas o su taller, Museo Arqueológico Nacional de Atenas


Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, artehistoria.jcyl.es, sikyon.com, biografiasyvidas.com, epdlp.com, culture.gr y otras de Internet.


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LISIPO


Esta pieza del trabajo dedicado a los escultores de la antigua Grecia, está dedicado a uno de los escultor más célebres, conocido como Lisipo. Fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 370 a. C. y fallecido hacia el 318 a. C.

Lisipo, Escopas y Praxíteles están considerados los tres grandes escultores de la segunda fase del clasicismo (siglo IV a. C.), época de transición entre la era griega clásica y el helenismo. Existen una serie de problemas de método que se plantean al estudioso de su obra: el amplio taller de Lisipo, la demanda de réplicas de su obra aún en vida y más tarde entre los aficionados helenísticos y romanos, el número de discípulos directamente en su círculo y la supervivencia de sus obras sólo en copias.

Además del célebre Fidias, Lisipo -junto a Praxíteles y Escopas- fue uno de los escultores más famosos de la Grecia clásica y precursor del estilo helenístico. De las 1.500 esculturas de bronce que realizó, según Plinio, no se ha conservado ninguna, pero se conocen algunas de sus creaciones a través de copias helenísticas y romanas.

Su obra más famosa es el Apoxiómeno, un atleta que se limpia el cuerpo con el estrígilo, y que ejemplifica uno de sus rasgos estilísticos más característicos: una mayor profundidad espacial, conseguida en este caso mediante la proyección de los brazos hacia adelante. El acentuado realismo de sus estatuas, otra de sus singularidades, se advierte en el Hércules Farnesio, considerado una copia del Hércules de Sición.

Las figuras de Lisipo son siempre altas y esbeltas, lo que corrobora la tradición según la cual sustituyó el canon de Policleto por uno nuevo, en el que la cabeza representa una octava parte de la altura del cuerpo.

Espero que la recopilación que he conseguido de este clásico escultor griego, sea de vuestro interés y sirva para divulgar su obra.




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Lisipo. Eros tensando el arco, Museos Capitolinos, Roma.



Más info de la Wikipedia de de Lisipo


Lisipo (griego antiguo Λύσιππος) fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 370 a. C. y fallecido hacia el 318 a. C. Lisipo, Escopas y Praxíteles están considerados los tres grandes escultores de la segunda fase del clasicismo (siglo IV a. C.),[1] época de transición entre la era griega clásica y el helenismo. Existen una serie de problemas de método que se plantean al estudioso de su obra: el amplio taller de Lisipo, la demanda de réplicas de su obra aún en vida[2] y más tarde entre los aficionados helenísticos y romanos, el número de discípulos directamente en su círculo[3] y la supervivencia de sus obras sólo en copias.

Nació en Sición alrededor del año 390 a. C. Trabajador del bronce en su juventud, aprendió por sí mismo el arte de la escultura, y más tarde se convirtió en líder de la escuela de Argon y Sición.

Vivió en la época de esplendor de Alejandro Magno, de quien fue el artista predilecto y retratista oficial, retratándolo en muchas ocasiones en numerosas obras hoy dispersas. De alguna de ellas ha llegado hasta nuestros días la descripción a través de los escritos de los historiadores y filósofos griegos.

En particular, Lisipo retrató a Alejandro en el acto y con el gesto bravo de cazar un león, en combate y en varias posturas heroicas, y a veces en poses divinizadas. Un epigrama recientemente descubierto de Posidipo, en la antología representada en el papiro de Milán, fue inspirada por un retrato en bronce de Alejandro:

Lisipo, escultor de Sición, mano osada, artesano aprendido,
tu estatua de bronce tiene la mirada de fuego en sus ojos,
esa que hiciste en la forma de Alejandro. Los persas no merecen
reproches. Hemos de perdonar a las ovejas que huyen ante un león.


Se debe a Lisipo la representación típica de Alejandro como una figura inspirada, endiosada, con el pelo revuelto, los labios entreabiertos y mirando hacia arriba;[4] un buen ejemplo, una copia romana de la época imperial que se encontró en Tivoli, y se conserva en el Museo del Louvre.

Trabajó en Sicione, Olimpia, Corinto, Rodas, Delfos, Atenas, Roma y Tarento.

Murió en fecha indeterminada, pero seguramente a una edad muy avanzada.

Para sus contemporáneos, era considerado el sucesor del famoso escultor Policleto. Destacaban su gracia y elegancia, la simetría o coherente equilibrio de sus figuras, con cabezas más pequeñas que el canon de Policleto, lo que daba la impresión de mayor altura. Era famoso por la atención que prestaba a los detalles de las pestañas y las uñas de los pies.


La producción

Lisipo fue muy prolífico. La tradición habla, a propósito de sus obras, de una enorme producción, estimada por algunas fuentes en cerca de 1.500 estatuas (dice Plinio el Viejo), la mayor parte de las cuales se realizaron en bronce. Muchas son las estatuas de los atletas vencedores en las Olimpiadas griegas de Olimpia, y se tiene noticia de numerosas cuadrigas en mármol y en bronce. En los últimos años de su vida, erige en Tarento una estatua alta de cerca de 17 metros de Zeus, representado en posición erecta junto a una pilastra con un águila y en el acto de lanzar rayos.

De esta inmensa labor, no ha llegado hasta nuestros días ningún original, sino sólo copias romanas.


Apoxiomenos

Su obra más importante es el Apoxyómeno, del que se conserva una copia romana en mármol, mientras que el original era de bronce. Representa a un joven atleta griego en una posición vulgar. Se está quitando la arena pegada a su cuerpo debido al sudor con un estrígil, instrumento de la época, de metal, hierro o bronce (que los romanos llamaban strigilis), que sólo usaban los hombres y, principalmente, los atletas: parecido a un rascador, se utilizaba para limpiarse el polvo, sudor y el aceite en exceso que se extendía por la piel antes de los concursos. Es de esbeltas proporciones y presenta un cuerpo flexible.

Las termas de Agripa estaban decoradas con dos estatuas de Lisipo; la del Apoxiomenos y la de un león yacente.

La obra se conserva en el Museo Pío-Clementino, en la Ciudad del Vaticano.


La renovación artística y de la perspectiva

Lisipo, junto con Praxíteles, Escopas, y Apeles, fue uno de los protagonistas absolutos del arte del tardío periodo clásico griego.

Con Lisipo la escultura se estiliza, pues alarga el canon de las esculturas y destaca la individualización realista en los retratos.[5] En efecto, uno de sus mayores méritos, fue el de modificar y renovar, en primer lugar, el canon de proporción para la representación del cuerpo humano, que anteriormente se había fijado por Policleto, en relación 1:7. Lisipo revisó el canon aumentándolo a siete cabezas y media.

Además, creó una nueva escuela de escultura, la del retrato fisionómico e individual que, reproduciendo el aspecto exterior del sujeto, sugiere también las implicaciones psicológicas y emotivas. Su renovación partía, sin embargo, de la tradición griega.

Su obra es una síntesis de la charis de Praxíteles y del pathos de Escopas. Fue maestro de muchos escultores del helenismo.

Lisipo fue, quizá más que otros, excepcionalmente valiente en la producción volumétrica de la figura, imprimendo un giro aún más significativo, en el tránsito del arte clásico a la época helenística.

La genialidad de Lisipo lo llevó a abrir nuevos caminos en la escultura de la época. Fue el primero en intuir la posibilidad de modelar la estatua, en función de un punto de vista circular, de 360 grados, y no desde la perspectiva de un solo punto de vista, fijo, como se había trabajado hasta entonces lo que, en términos de puesta en escena, adormecía a la figura, haciéndola perder fuerza, expresión y vitalidad. Sus intuiciones lo impusieron como el escultor más completo y moderno de su época, pudiendo así controlar la forma de su obra, en cada posible perspectiva y ángulo de visión.

La conquista de la armonía figurativa en el espacio, en una circularidad todo alrededor. Fue sobre todo gracias a esto, que pudo, primero imaginar, y luego pudo realizar, aquellas obras de grandes efectos escénicos y de gran impacto visual, estético y monumental. Para estas características, fue para el arte de la época helenística, un punto de referencia seguro, un faro.

Con el equilibrio justo entre las proporciones y la posición del cuerpo, derivó vida y elegancia para sus estatuas. Sus intuiciones transmitieron una enseñanza que tendría entonces una continuidad constante, numerosa y de valor seguro, en los siglos posteriores.

El helenismo se caracterizó principalmente por el cambio de los cánones de belleza estética, unido al sentido del movimiento de la figura, propio de todas las obras que lo consiguieron.

Las intuiciones de Lisipo, y sus estudios sobre la figura humana, fueron seguidos por otra gran personalidad artística griega, en el campo de la escultura, Apeles.

Su alumno, Cares de Lindos, construyó el Coloso de Rodas, una de las siete antiguas maravillas del mundo. Puesto que se trata de una estatua que hoy ya no existe, continua debatiéndose si estaba fundida en bronce o recubierta de una lámina de bronce.

Otros discípulos fueron Eutíquides de Sición, y sus tres hijos, especialmente Eutícrates.


La figura femenina

El descubrimiento de muchas estatuas y estatuillas en bronce, o en mármol, que representan a Afrodita, (Venus), diosa del amor, demuestra por deducción lógica que el movimiento o periodo conocido con el nombre de helenismo, utilizó con mucha frecuencia la figura femenina como sujeto artístico y que se remonta a éste período de la Grecia pre helénica en general y a la acción de Lisipo en particular.

Un aporte de la labor artística de Lisipó es la representación de los dioses, como seres palpables y con gestos más humanos.

Lisipo tenía un hermano, Lisistrato, también escultor, el cual renovó, con intención realista, el arte del retrato.

Ya en el arte helenístico, la innovación de las ideas introducidas por Lisipo y otros como Praxíteles, Escopas o Apeles, llegaron a una exasperación de los temas y sujetos a esculpir.

Se hicieron de hecho estatuas, obras, con sujetos, a veces, se podrían imaginar desagradables, porque se había asimilado por todos la idea de que el autor, el artista es quien triunfa con su valentía, su talento y su genio, a dar belleza, vitalidad y fascinación a la obra y no la belleza del sujeto a condicionar al artista en la producción de la obra.

Un ejemplo que ha llegado a nosotros es la copia romana de una estatua griega de aquel periodo: una señora anciana y fea, y a pesar de ello interpretada de manera bellísima en su aspecto emotivo y psicológico que el escultor supo obtener del mármol.

El maestro y fundador de esta revolucionaria teoría fue Lisipo, que intuyó cómo la belleza de una obra de arte, es relativa. Hay una belleza estética del sujeto, pero es fundamentalmente la valentía del artista que la representa e interpreta la que imprime el carácter de obra artística.

No hay otro ejemplo mejor que la escultura de Hércules del propio Lisipo, representado en el esfuerzo de expresar toda la fuerza y toda la energía encerrada en su masa muscular exasperada, enorme, de una belleza y una fascinación únicas que emana de la plasticidad y de la vivacidad de la figura, en el gesto atlético.


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Lisipo. Hermes de Atalante, Museo Arqueológico Nacional de Atenas.


Obra

• Apoxiomenos - Copia romana en mármol, h. 200 cm. - El original era de bronce, 330 a. C. - 320 a. C. - Museo Pío-Clementino, Ciudad del Vaticano.
• Eros tensando el arco. Hay varias copias, una está en el Museo Capitolino de Roma; otra, en el Museo Británico.
• Hermes Landsdowne
• Hércules Farnesio, copia en mármol de Glycon Ateniese, del original en bronce de h. 320 a. C., unos 317 cm.; originalmente estuvo en las termas de Caracalla, aunque la copia en mármol que se conserva se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.
• Alejandro con lanza
• Hermes en reposo - (Bronce, h. 105 cm., 330 a. C. - 320 a. C., Nápoles, Museo Arqueológico Nacional.)
• Sileno y Dioniso - (Museos Vaticanos.)
• Agias, conocido a través de una copia de mármol que se encontró y se conserva en el Museo de Delfos.
• Ares Ludovisi - (Roma, - Museo Nacional Romano - Palacio Altemps.)
• Sócrates - (Busto en mármol que retrata al filósofo Sócrates y se le atribuye a Lisipo)
• Los llamados Caballos de san Marcos.
• El servidor de aceite, en Dresde y Munich.
• Canon de 8 cabezas


Notas

[1] Azcárate Ristori, J. M.ª, "El arte griego y sus precedentes", en Historia del arte, Anaya, 1986, p. 73
[2] El redescubierto Agias dedicado por Daocos en Delfos era una copia contemporánea en mármol de un bronce, cuyo original estaba en Farsalia en Tesalia.
[3] Su hijo Eutícrates trabajó en el mismo estilo, según Plinio, y en la siguiente generación Tisícrates produjo esculturas difícilmente distinguibles de las del maestro. (Historia natural xxxiv. 61-67.
[4] The Search for Alexander, catálogo de la exposición, 1976, ilustra varios ejemplos y sigue el desarrollo de este tipo.
[5]Azcárate, p. 73


Referencias

A. F. Stewart, "Lysippan Studies" 2. Agias and Oilpourer" American Journal of Archaeology 82.3 (verano de 1978), pp. 301-313.


Bibliografía (en inglés)

Gardner, P. 1905. ‘The Apoxymenos of Lysippos’, JHS 25:234-59.
Serwint, N. 1996. ‘Lysippos’, en The Dictionary of Art vol. 19: 852–54.
Stewart, A.F. 1983. ‘Lysippos and Hellenistic sculpture’, AJA 87:262.
Vermeule, C.C. 1975. ‘The weary Herakles of Lysippos’, AJA 79:323–32.

 
Algunas obras relacionadas con Lisipo


user_50_1copy_after_lysippos_copia_despu_s_lisipo

Copia de Lisipo. Copia después Lisipo. Llamado "Apoxiomeno" ("el raspador"). Mármol, copia romana del siglo i después de un griego bronce original ca. 320 a. C.. Desde el Trastevere en Roma. Altura 2,05 m. Museos Vaticanos


user_50_2copia_de_lisipo_busto_de_arist_teles_m_rmol_roman_copiar_despu_s_un_bronce_griego_original_de_lisipo_de_330_a_c

Copia de Lisipo. Busto de Aristóteles. Mármol, Roman copiar después un bronce griego original de Lisipo de 330 a. C.; el manto de alabastro es un moderno.Français: Busto d'Aristote. Marbre, copie romaine d ' un original grec en bronce de Lysippse (vers 330 av. j. C.). Ancienne colección Ludovisi.Italiano: Ritratto di Aristotele, conservato un Altaemps Palazzo, Roma. Marmo, copia romana di ONU originale greco di Lisippo (330 a.C. ca.); Il mantello en alabastro è un'aggiunta moderna. Dalla collezione Ludovisi.  Nacional Museum of Roma - Palacio Altemps
 

user_50_3busto_de_hermes_tipo_pilar_con_la_parte_superior_como_una_cabeza_esculpida_de_alejandro_magno_hab_a_llamado_hermes_azara

Busto de Hermes-tipo (pilar con la parte superior como una cabeza esculpida) de Alejandro Magno había llamado Hermes Azara. Lleva la inscripción: "Alejandro, hijo de Felipe, Macedonia [rey]." Copia de la época Imperial romana (I o II siglo CE) de una escultura en bronce de Lisipo. Encuentran en Tivoli, al este de Roma, Italia. Región de mármol, edificio de Atenas. Museo del Louvre.


user_50_4retrato_de_arist_teles_copia_en_m_rmol_edificio_de_la_poca_imperial_1_o_2_siglo_de_una_escultura_de_bronce_perdida_hecha_por_lisipo_museo_del_louvre

Retrato de Aristóteles. Copia de Lisipo en mármol, edificio de la época Imperial (1ª o 2ª siglo) de una escultura de bronce perdida hecha por Lisipo. Museo del Louvre


user_50_5aristotele_anziano_del_tipo_cosiddetto_di_viena_copia_romana_del_117_138_d_c_da_onu_originale_greco_potrebbe_risalire_un_lisippo_museo_archeologico_regionale_di_palermo

Aristotele anziano, del tipo cosiddetto "di Viena". Copia romana del 117-138 d.C. da ONU originale greco potrebbe risalire un Lisippo. Museo archeologico regionale di Palermo.


user_50_6head_of_ares_copia_ce_ca_90_probablemente_tras_una_estatua_del_dios_sentado_por_lisipo_ca_330_a_c_gliptoteca_munich

Head of Ares. Copia de Lisipo, CE ca. 90, probablemente tras una estatua del Dios sentado por Lisipo (ca. 330 a. C.). Gliptoteca, Munich


user_50_7head_of_socrates_ca_470_399_a_c_copia_romana_despu_s_de_un_original_griego_por_lysipp_ca_320_v_e_c_gliptoteca_munich

Head of Socrates. (ca. 470–399 a. C.). Copia romana después de un original griego por Lysipp (ca. 320 v. e.c.). Gliptoteca, Munich


user_50_8retrato_de_arist_teles_copia_en_m_rmol_edificio_de_la_poca_imperial_1_o_2_siglo_de_una_escultura_de_bronce_perdida_hecha_por_lisipo_museo_del_louvre

Retrato de Aristóteles. Copia en mármol, edificio de la época Imperial (1ª o 2ª siglo) de una escultura de bronce perdida hecha por Lisipo. Museo del Louvre


user_50_9retrato_de_s_crates_m_rmol_obras_de_arte_romano_siglo_i_tal_vez_una_copia_de_una_estatua_de_bronce_perdida_hecha_por_lisipo_museo_del_louvre

Retrato de Sócrates. Mármol, obras de arte romano (siglo i), tal vez una copia de una estatua de bronce perdida hecha por Lisipo. Museo del Louvre


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Muchacho desnudo, copia romana después del tipo 'Hermes Richelieu' (ca. 380–370 BC).Glyptothek, Munich


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Copy of Lysippos, restored by Alessandro Algardi


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Heracles y su hijo Telefos. Mármol, copia romana del siglo 1st–2nd CE después de un original griego del siglo IV a. C.. Encontrado en Tivoli, Italia. Altura 2,62 m. Museo del Louvre


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Copia de Lisipo. 'Hermes Richelieu'. La identificación como Hermes está asegurada por el fragmento del caduceo en la mano izquierda y los pequeños agujeros aburrirán en el cabello para apoyar pequeñas alas (ahora perdidos). Mármol, copia romana del siglo II CE después de un original en bronce del siglo IV a. C. Altura 1,90 m. Museo del Louvre


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Heracles matando al León de Nemea, siglo II, copia romana del original de Lysippus. Museo del Hermitage


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Copia de Lysippus. Autor: Carlo Brogi (1850-1925) - 'Rome - Palazzo dei Conservatori - Seated girl, marble statue'


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Copia de Lysippus. 'El colador con Baconiño, århundrede, Copenhague, Ørstedsparken


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Busto de Alejandro Magno, mármol romano que copia un original de Lisipo (Museo del Louvre).


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Lisipo. Hermes de Atalante, Museo Arqueológico Nacional de Atenas.


Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, artehistoria.jcyl.es, sikyon.com, biografiasyvidas.com, epdlp.com, culture.gr y otras de Internet.



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MIRÓN


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Mirón. Minotauro, de una fuente en Atenas, parte del grupo perdido de Mirón de Teseo y el Minotauro (Museo Arqueológico Nacional de Atenas).

Mirón (en griego Μύρων; trabajó h. 480-440 a. C.) fue un gran escultor y broncista de mediados del siglo V a. C. y uno de los más conocidos autores del arte griego, cuyas aportaciones escultóricas supusieron la transición al periodo clásico. Nacido en Eleuteras, ciudad situada en la frontera de Beocia y el Ática. Según la Historia Natural de Plinio, Agéladas de Argos fue su maestro.

El viajero Pausanias destacó esculturas de Mirón que permanecían in situ en el siglo II. Quionis, un vencedor olímpico del siglo VII de Esparta era conmemorado a través de un bronce idealizado obra de Mirón

Trabajó fundamentalmente con el bronce: y aunque hizo algunas estatuas de dioses y héroes, su fama descansa principalmente en sus representaciones de atletas, en los que hizo una revolución, según los comentadores de la Antigüedad, al introducir una mayor audacia en la pose y un ritmo más perfecto, subordinando las partes al todo. La observación de Plinio de que las obras de Mirón eran numerosior que las de Policleto y «más diligentes» parece sugerir que eran consideradas de proporciones (numeri) más armoniosas y al mismo tiempo más convincentes en su realismo: diligentia denotaba «gran atención a los puntos delicados», una cualidad que, con moderación, era característica de las mejores obras de arte, según los críticos de la Antigüedad. Su gran mérito consistió en saber captar como nadie el movimiento. Sus obras más famosas se caracterizan por la representación fidedigna de las tensiones del cuerpo humano en movimiento, como se aprecia en su conocido Discóbolo, y el realismo en sus esculturas de hombres y animales.


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Mirón. Reproducción romana en bronce del Discóbolo de Mirón (siglo II), Gliptoteca de Múnich

Sus obras más famosas, según Plinio (Historia Natural, 34.57-59) fueron una vaquilla, un perro (canem, tal vez Cerberus), un Perseo, un sátiro — Marsias— admirando la flauta y Minerva (Atenea), un Hércules, que se llevó al santuario que le dedicó Pompeyo el Grande en el Circo Máximo, el Discóbolo (el lanzador de disco), y un Apolo para Éfeso, «que Antonio el triunviro cogió a los Efesios, pero el Augusto deificado lo restauró después de haber sido advertido en un sueño». Los escritores del Alto Imperio Romano consecuentemente consideraron a Mirón entre los más grandes de los escultores griegos, un signo de que su reputación contemporánea había permanecido alta.

La vaquilla parece que obtuvo su fama principalmente por inspirar epigramas, lo que nada nos dice sobre la pose del animal. Un epigrama sobre Ladas, el corredor más veloz de la época, señala que fue conmemorado por una escultura de Mirón; del Ladas de Mirón no hay copia conocida. Una descripción de Luciano definitivamente identifica como obra de Mirón el Discóbolo o «Lanzador de disco», de la que existen varias copias, de las cuales la mejor es la del Palazzo Massimi alle Terme, Roma. Estrabón también registra grupos callejeros sobre Mirón, especialmente un amplio grupo en Samos; varias cabezas supervivientes se han identificado como copias de la Atenea Samia de Mirón por C.K. Jenkins en 1926.

Una figura de mármol en el Museo de Letrán, que está actualmente restaurada como un sátiro danzante, es casi con certeza una copia de una obra de Mirón, un Marsias deseoso de tomar el aulos que Atenea había arrojado. El grupo entero está copiado en monedas de Atenas, en un vaso y en un relieve que representa a Marsias como oscilando entre la curiosidad y el miedo a desagradar a la diosa Atenea.


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Discóbolo. Autor: Mirón. Fecha: 450 a.C. El discóbol original en bronce está ubicado en en el Museo Vaticano. Esta escultura ha sido reproducida en todas las épocas por los mejores artistas, especialmente los romanos.

La transición del estilo severo a la época clásica plena o madura está representada por Mirón, gran escultor y broncista de extraordinario prestigio. Su empeño en reproducir la realidad y por la preocupación por la simetría serán sus principales características como se observa en su célebre Discóbolo, una de las obras más famosas de la escultura griega. Como tantas veces se ha señalado, representa el Discóbolo un avance originalísimo y decisivo en el estudio del movimiento violento, de la tensión muscular consiguiente y de la integración de la figura en el espacio. Todos estos logros quedan sometidos al principio rector de la plástica clásica: la frontalidad del punto de vista principal. El modelado es típico del estilo severo.


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Mirón. El Discóbolo de Mirón en el Jardín Botánico de Copenhage, Dinamarca.

Los críticos antiguos dicen de Mirón que, aunque tuvo un éxito admirable al dar vida y movimiento a sus figuras, no logró presentar las emociones de la mente. Esto concuerda con la evidencia existente, hasta cierto punto, aunque no perfectamente. Los cuerpos de sus hombres son de mucha mayor excelencia que sus cabezas. La cara de Marsias es casi una máscara; pero de la actitud conseguimos una impresión vívida de las pasiones que le dominan. La cara del Discóbolo está calmada y tranquila; pero todos los músculos de su cuerpo se concentran en el esfuerzo. Sin renunciar a algunas de las características esenciales de la escultura del periodo arcaico, su Discóbolo es una obra plenamente clásica. Y aunque supuso un avance decisivo en el estudio del movimiento, de la tensión muscular y de la integración de la figura en el espacio no captó el aspecto emocional y los detalles de un rostro expresivo. Por ello la cabeza conserva reminiscencias de la movilidad del estilo anterior, la sonrisa se parece todavía a la expresión arcaica.

Un número considerable de otras obras existentes se adscribieron a la escuela o la influencia de Mirón, por Adolf Furtwängler. Estas atribuciones no han superado la prueba del tiempo.

Un papiro de Oxirrinco da las fechas de vencedores de Olimpia de quienes Mirón hizo estatuas del atleta Timantes, victorioso en Olimpia en el año 456 a. C., y de Licino, victorioso en 448 y 444. Esto ayuda a fijar su data. Era contemporáneo, pero algo mayor, que Fidias y Policleto


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Mirón. Cabeza de un boxeador. Grecia insular mármol, copia romana de un original griego de mediados del siglo v a. C. atribuido a Myron. Mirón fue un aventajado alumno de Agéladas, la parte más interesante de su obra es la que se inscribe dentro del primer periodo clásico, en el que sus obras muestran un interés por la representación de las tensiones del cuerpo humano en el movimiento contenido. Son muchas las obras que se le atribuyen, sin embargo sólo tres con seguridad: Atenea y Marsias, el Anadoumenos y el Discóbolo. Esta última es su obra más destacada, y la conocemos por diversas copias romanas en mármol, la mejor de las cuales se encuentra en el Museo delle Terme en Roma. Residió fundamentalmente en Atenas y es muy probable que participara en el Partenón.
Realizó una Vaca para la ciudad de Atenas que parecía real ya que sus obras, especialmente las animalísticas, venían marcadas por un naturalismo exacerbado.



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CALÍMACO


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Calímaco. Estela funeraria ática de Hegesón, atribuida a Calímaco, Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Calímaco (en griego Καλλίμαχος, Kallímakhos), apodado katatēxítechnos («el que apura el arte» y de ahí «el del arte detallista»), fue un escultor, orfebre y pintor activo en Atenas de alrededor de 432 a 408 a. C.

Las atribuciones que le son relativas son todas dudosas. Pausanias describe una lámpara de oro y una palmera de bronce situadas en el Erecteión, pero este género de objetos era más bien típico del período helenístico. Incluso la invención del capitel corintio que le atribuye Vitruvio no corresponde a lo que se conoce de la arquitectura del siglo V a. C., ni tampoco la invención de la técnica del trépano.

Se el atribuye también las Bailarinas de Laconia, obra de la que dice Plinio el Viejo que «el esmero [del autor] ha retirado toda gracia». Se ha identificado a una de las bailarinas de este conjunto con una estatua femenina descubierta en la villa de Herodes Ático en Eva Kynourias.


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Calímaco. Venus con apple por Calímaco. Molde de yeso en el Museo Pushkin

Su obra atribuida más importante es el original en bronce de la Afrodita de Fréjus que serviría como modelo para crear el escultor Arkesilao la estatua encargada por Julio César de la Venus Genetrix, de gran refinamiento y siguiendo a Polícleto en articulaciones paños y modelado, está caracterizada por llevar un chitón muy fino, suelto y transparente sobre el que se coloca un himation que le cae por la espalda

También se le acreditan las esculturas Nike en el friso del templo de Atenea Niké ("Atenea, Portadora de la Victoria") en los Propíleos de la Acrópolis de Atenas. Es famosa la Nike que se está atando su sandalia. El pequeño templo fue encargada por Pericles, poco antes de su muerte en 429, y construido aproximadamente entre 427 a 410.


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Calímaco. Ménade baila. Copia romana de un relieve griego esculpido en Atenas al final del siglo v a. C., tradicionalmente atribuido a Calímaco. Mármol de edificio. 27. B.C.–14 A.D.; Periodo Augusto. Museo Metropolitano de arte en Nueva York. Foto de gafas 3D anaglíficas o rojo y azul.

Existe un grupo de seis modelos de Ménades en éxtasis báquico, en relieve que se le atribuyen a Calímaco, probablemente en bronce y pintadas, donde se destaca la vaporosidad de las vestimentas y la elegancia de su desarrollo, probablemente las más refinadas del llamado "estilo bello" y que serían realizadas aproximadamente entre 410 a. C. a 423 a. C.


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Ménade, copia romana del Museo del Prado. Relieve de una ménade bailando con un tirso. Mármol, 139 x 76 cm.


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Ménade, copia romana del Museo del Prado. Relieve de una ménade bailando con un tirso. Mármol, 141 x 79 cm.


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Ménade, copia romana del Museo del Prado. Una ménade bailando. Copia romana de un relieve griego ejecutado en Atenas a fines del siglo V a.C. y atribuido tradicionalmente a Calímaco. Mármol, 141 x 79 cm.


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Ménade, copia romana del Museo del Prado. Relieve de una ménade bailando con un tirso. Mármol, 141 x 79 cm.

Existen varias copias romanas sobre las que esculpió Calímaco; como las de Roma o las de Madrid. En el Museo del Prado se conservan cuatro, en mármol blanco de grano fino, de hacia 120 - 140. Son las cuatro imágenes de más arriba.


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Calímaco. Estela funeraria de mármol pentélico encontrada al oeste de Atenas en el Cerámico. Representa a una ateniense sentada en una silla con reposapies, mirando un joya que tiene en su mano derecha, originalmente pintada. En frente de ella hay una esclava que sujeta un joyero abierto. Según la inscripción del epistilo la difunta se llamaba Hegeso, hija de Próxeno: la calidad del trabajo indica que esta mujer era una eupátrida.



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EUFRÁNOR


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Eufránor. 'Cabeza de hombre joven'. Copia romana de un original atribuido a Eufránor. Ca. 330-310 a. C., encontrada en Eumenes, en el sur de la Acrópolis. National Archaeological Museum, Athens

Eufránor o Eufránor de Corinto (griego antiguo Ευ'φράνωρ), que vivió a mediados del siglo IV a. C.), fue tal vez el único artista griego de la antigüedad que destacó tanto en la pintura como en la escultura y la teoría, habiendo escrito un tratado sobre las proporciones. Nació en el istmo de Corinto pero ejerció en Atenas. Plutarco lo menciona como ateniense.

Su vida es mal conocida. Plinio el Viejo le llama «Eufránor del Istmo» (Isthmius, expresión que quizá signifique que era de una pequeña ciudad cercana al santuario de Poseidón en Istmia; pero Pausanias no lo describe en ninguno de sus escritos en dicha región. Tal vez se trate de una perífrasis para Corinto, . Un escolio a Juvenal lo menciona como ateniense. ,pero junto a Policleto, originario de Argos, lo que desacredita este testimonio. Sin embargo, Eufránor casi trabajó únicamente en el Ática. Es citado por Plutarco como uno de los mastros de la escuela ática de pintura. Las firmas de su hijo Sóstrato, no mencionan ningún étnico, lo que implicaría que era ateniense.


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Eufránor. Escultura en Bronce, cree que París o Perseo (París es más probable), c. 340-330 aC, Museo Arqueológico Nacional, Atenas. Atribuido a Eufranor, Atikythera naufragio.

Plinio el Viejo sitúa su apogeo en la Olimpiada 104 (364-361 a. C.), a la vez que el de Praxíteles. La fecha corresponde a su trabajo en la Estoa de Zeus de Ateas, es decir al comienzo de su carrera artística; la cual se estima que empezó en los años 360 a. C. y prosiguió hasta la carrera de Licurgo.


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Eufránor. Estatua de bronce de Artemis en el Museo Arqueológico de el Pireo (Atenas). Data desde el siglo de mid-4 y se le dio al escultor Eufranor. National Archaeological Museum, Athens

Quintiliano escribe sobre él lo siguiente: «lo admirable de Eufránor es que siendo que todo para él era objeto de interés, fue uno de los artistas más grandes, tanto en pintura como en escultura». Los antiguos lo citaban como pintor a la par que Apeles, Polignoto, Zeuxis y Parrasio, y como escultor a la altura de Alcámenes, Fidias, Mirón y Policleto. Plinio dice que «aprendía fácilmente, trabajaba más que nadie, sobresalía en todos los géneros, siempre fiel a sí mismo».


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Apolo Patroos, estatuilla de mármol, copia de un original griego supuestamente de Eufránor, Museo del Ágora de Atenas.

Las obras de Eufránor, según Plinio el Viejo tenemos una lista de sus obras; entre las pinturas:

Una mostrando a los doce dioses y en el lado opuesto Teseo y Demos; la locura fingida de Odiseo; Una batalla de caballería entre los atenienses y beocios (batalla de Mantinea (362 a. C.)), y por eso Plinio el Viejo lo sitúa hacia el año 362 a. C., pero seguramente vivió en la parte final del siglo IV a. C.


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Eufránor. Llamado "Mattei Atenea". Mármol, 2,30 m de altura. Roman copiar desde el siglo i AC/DC después de un original griego del siglo IV a. c., atribuido a Cephisodotos o Eufranor. Relacionados con el bronce Pireo Atenea. Museo del Louvre. París

Como escultor, trabajó el bronce y el mármol, haciendo figuras de todas las medidas, desde las colosales hasta pequeñas copas. Las obras más famosas son un Paris el amante de Helena; una Atenea que está en Roma; un Agatodemo; Leto con sus hijos Apolo y Artemisa, Filipo y Alejandro en carros.


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Eufránor. Estatua de un joven con gorro frigio, identificado como París. Mármol, altura 1,65 m. Roman copiar desde el siglo II después de un original griego de Eufránor. Encontrado por Gavin Hamilton en Villa Adriana en Tivoli, 1769.

Desafortunadamente no es posible identificar, entre las estatuas que han llegado a nuestros días, cuáles son copias de obras de Eufránor, aunque se le han atribuido varias. Parece que hizo obras parecidas a las de su contemporáneo Lisipo, principalmente por la atención que prestó a la simetría, en su preferencia para las formas corporales más delgadas que las del arte precedente, y a su amor por los temas heroicos.


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Eufránor. La estatua de la "Pireo Atenea" en el Museo Arqueológico de el Pireo (Atenas). La obra ha sido dada a Kephisodotos o Eufranor (siglo IV a. c.), o considerados como una creación de la época helenística en estilo clasicista.

Eufránor escribió un importante tratado sobre proporciones y colores (de Symmetria et Coloribus), al que hace varias referencias Plutarco en su Sobre la gloria de los atenienses.


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Eufránor. Llamada "Alexander Rondanini". Antigua copia, el original pertenece a un grupo creado por Eufranor: rey Felipe II de Macedonia en su carro conducir por 4 caballos; su hijo Alejandro, teniendo en el carro, sostiene las riendas con ambas manos (blindaje y vestimenta añaden el copist). Creación del grupo después de la batalla de Queronea en 338 a. C. Museo: Glyptothek, Munich.


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Eufránor. Detalle del cconjunto de "Alexandre Rondanini", que representa a Alejandro Magno y su padre. Copia romana posiblemente de un original de Eufránor, Gliptoteca de Múnich.



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ALCÁMENES


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Procne. Autor: Alcámenes. Fecha: 440 a.C. Museo:Museo de la Acrópolis de Atenas. La estatua de Procne meditando matar a su hijo Itys se atribuye a Alcamenes, discípulo de Fidias. El tema reviste grandeza trágica y Alcamenes se pone a su altura para reflejar, sin temor al barroquismo, la intranquilidad del niño y la angustia de la madre, por medio de la torsión violenta del cuerpo infantil y de la agitación del plegado en el vestido de Prokne. Reconocemos en esta obra el ambiente del frontón occidental del Partenón, que a su vez coincide con el de las Cariátides del Erecteion, relacionadas con el taller de Alcamenes. No hace falta ponderar, por evidente, la gracia y la naturalidad con que en ellas se funden lo tectónico y lo plástico, pero sí hay que resaltar en relación con la estatua de Prokne la corporeidad de las formas anatómicas obtenida a través del peplo, así como el mismo estilo del plegado, en el que destaca el grosor del paño y los finos canales trepanados entre los pliegues.  (artehistoria.jcyl.es)


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Copia de una escultura representando a Ares, obra de Alcámenes.

Alcámenes (griego antiguo Ἀλκαμένης, Alkaménês) fue un escultor griego del primer clasicismo, de Lemnos y Atenas del siglo V a. C. Nacido, quizás, en la cleruquía ateniense en la isla de Lemnos, transcurrió toda su carrera en Atenas. Plinio el Viejo sitúa su apogeo durante la olimpíada 83, es decir, en 448-445 a. C. y cita como sus contemporáneos a Critios y a Fidias, de los que fue discípulo. Figura ente los escultores oficiales de la ciudad ática y decoró numerosos templos erigidos durante la guerra del Peloponeso. Es posible haya sido el autor de las estatuas de culto del Hefestión, esculpidas entre 421 y 415 a. C.

Estaba aún activo en el 403 a. C., fecha en la que esculpió, a petición de Trasíbulo, el relieve de Heracles y Atenea del Heraclión de Tebas, que celebraba el derrocamiento de la tiranía de los Treinta Tiranos. Frente a este periodo de actividad particularmente largo, algunos estudiosos han concluido que Plinio se equivocaba al hacer a Alcámenes contemporáneo de Fidias.

Si bien Alcámenes era más joven que Fidias, resaltó por la delicadeza y acabado de sus obras, entre las que sobresalieron un Dioniso de marfil y oro, un Hefesto y una Afrodita "de los jardines".

También se atribuyó a Alcámenes la realización de la primera representación escultórica de Hécate en forma triple.


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Caryatid of Erechtheum OF Atenas in the British Museum (London). Mármol, arte griego, 420 a. c..

Probablemente es el autor de una estatua del museo de la Acrópolis de Atenas que representa una mujer que aprieta con su falda a su hijo pequeño y que podría corresponder a una estatua de Procne e Itis mencionada por Pausanias.

Pausanias dice que Alcámenes era el autor de uno de los frontones del templo de Zeus en Olimpia, si bien hay cierta controversia porque algunos eruditos opinan que esto parece imposible desde un punto de vista cronológico y estilístico, y también que fuera contemporáneo de Fidias, según Plinio el Viejo, que se basó en Pausanias (como ya se ha dicho arriba, en el apartado de bibliografía). Se ha sugerido también la existencia de dos Alcámenes.


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Herm of Hermes. Copia romana de la Propyleia de Hermes de Alcámenes, compactas AD. Museo j. Paul Getty Museum, California. Estados Unidos

Pausanias también hace referencia a una estatua de Ares, obra de Alcámenes, que fue erigida en el ágora de Atenas, que podría ser el Ares Borghese. Sin embargo, el templo de Ares que menciona no fue trasladado desde el suburbio de Acarnas hasta el ágora hasta tiempos de Augusto, y las otras estatuas que se conoce que derivan de la estatua de Alcámenes muestran al dios en un pectoral, por lo que no es seguro que la estatua de Ares de Alcámenes fuese la que hoy está en el Museo del Louvre.


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Cabeza del Dios o héroe. Copia ca. 130 CE, probablemente tras una estatua de Alcámenes (ca. 440–430 BC). Dimensiones H. 41 cm. Museo: Gliptoteca, Munich

En Pérgamo se descubrió en el año 1903 una copia helenística de la cabeza de Hermes "Propileo" de Alcámenes. Por otra parte, al estar la deidad representada en un estilo Neo-Ático, arcaico y convencional, no se puede confiar mucho en la copia para conseguir información del estilo habitual de Alcámenes, que era casi con certeza un artista progresivo y original.

Probablemente tomó parte en la decoración escultórica del Partenón, bajo la dirección de Fidias, y también se relacionan con su estilo las Cariátides del Erecteión de Atenas.


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Copia de Fidias o Alcámenes. Estatuilla de Asclepio. Grecia insular mármol, copia en pequeña escala después de un siglo v A.C. original atribuido a Fidias o Alcámenes.

En 1972 se descubrieron los llamados bronces de Riace en los restos de un naufragio, cerca de la costa de Calabria (Italia). Son dos estatuas de bronce que probablemente representan a Tideo y Anfiarao, dos de los siete contra Tebas que estaban representados en un grupo escultórico del ágora de Argos y que fue obra colectiva de escultores de Atenas y de Argos. Algunos especialistas atribuyen la estatua de Tideo a Agéladas de Argos mientras la de Anfiarao se suele atribuir a Alcámenes, en base a similitudes de estilo con las cabezas de los Centauros del frontón oeste del templo de Zeus en Olimpia.


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Alcámenes. La escultura en bronce Diskuskastare (lanzador de disco), una copia de una escultura antigua de Alcámenes, colocado en Götaplatsen en Gotemburgo, Suecia.

Se dice que fue el escultor más eminente de Atenas tras la partida de Fidias a Olimpia, pero es un personaje enigmático por el hecho de que ninguna de las esculturas asociadas a su nombre en la literatura clásica están conectadas con certeza a copias existentes.


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Ares Borghese. Copia de Alcámenes ?. Desnuda, casco Guerrero sosteniendo una lanza y luciendo un brazalete en el tobillo izquierdo, probablemente una representación de Ares. Estatua de pie, período Imperial romano. Desde el Ágora de Atenas. Museo del Louvre. París.

 


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"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
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Mensaje Re: ESCULTORES DE LA ANTIGUA GRECIA 
 
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ESCULTURA DE LA ANTIGUA GRECIA


La escultura de la Antigua Grecia alcanzó el ideal de la belleza artística hasta donde pudo llegar por sí solo el ingenio humano. Aunque Grecia floreció en todas las Bellas Artes, ninguna le distingue tanto como la escultura.

Cultivó el arte de la Antigua Grecia todos los géneros de escultura, adoptando con predilección el mármol y el bronce como material escultórico y tomando como asuntos principales los mitológicos y los guerreros a los cuales añadió en su última época el retrato de personajes históricos.

Forman su característica en los mejores tiempos del Arte (los de Fidias) la expresión de la realidad idealizada, la regular proporción orgánica, el alejamiento de lo vago y monstruoso, la precisión en los contornos y detalles, la armonía y belleza en las formas y la finura en la ejecución.


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Atenea Partenos. Obra romana esculpida en mármol entre 130 y 150 d.C. Es una copia de un original griego de 11 metros de altura de oro y marfil, esculpido por Fidias para el Partenón (Atenas) entre 447 y 438 a.C. La cimera del casco es fruto de una restauración del siglo XVII.


División de la escultura
 
Suele dividirse la escultura griega en cuatro periodos históricos bien delimitados a los cuales precede el protohistórico[1] o minoico[2] y micénico.[3] En éste, se desarrolló por espacio de unos veinte siglos (desde el año 3000 al 1100 a. C. aproximadamente) un arte rudimentario pero lleno de vida y movimiento que modeló el barro y trabajó la piedra, el marfil, el hueso e incluso el oro, el plomo y el bronce, produciendo relieve, grabados, entalles mitológicos en piedras finas y pequeñas estatuas e idolillos. Aunque labrados con cierta tosquedad, se presentan a veces con admirable corrección en el dibujo que parece recordar el arte de los cazadores del reno los cuales pudieron tener con la civilización egea algún lazo histórico.

Los cuatro períodos arqueológicos que tras un prolongado silencio artístico siguieron al micénico se distinguen del siguiente modo:

- El período de formación, desde aproximadamente el 620 a. C. al 540 a. C.
- El período arcaico, desde el 540 a. C. al 460 a. C.
- El período de perfección o clásico, hasta finales del siglo IV a. C.
- El período de difusión, que algunos llaman de decadencia, después de Alejandro Magno hasta la conquista de Grecia por Roma, de 323 a. C. a 146 a. C.


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Afrodita, Pan y Eros. Afrodita y Eros luchando frente a los avances del pan. Ilustración de mármol, helenística desde finales del siglo II a. C.. Desde el sitio de la Poseidoniasts de Berytos en Delos. Altura. m. 1,29. Museo Arqueológico Nacional, Atenas


Período de formación. En el primer período después de los rudimentarios ídolos de madera llamados xoanon, planos por delante y por detrás y redondeados en los bordes, descubiertos en Delos (atribuidos al mítico Dédalo) y después de las primeras estatuas de mármol de tosco labrado y a modo de columnas, va recorriendo el arte un camino de progreso que empieza en las escuelas jónico-asiáticas de Samos y Quíos (islas de Asia Menor) y sigue en la dórica Sición (Peloponeso) a principios del siglo VI. Las jónicas se distinguen por cierta elegancia y simetría en el plegado de los paños como es de ver en las diferentes Ártemis (o Dianas primitivas) que son obras principales de dichas escuelas. La dórica, por la robustez y el aspecto varonil de sus figuras y unas y otras por los reflejos de la tradición asiática en que debieron inspirarse, imitando modelos de procedencia oriental, traídos por el comercio. No obstante, en la escuela dórica se hace menos visible el influjo asiático y se revela ya por el espíritu de independencia sobre todo, en la talla de sus Apolos desnudos y de aspecto varonil. En los relieves de este periodo se advierte por lo general la misma técnica de los asirios arriba mencionada.


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Lucha entre lápitas y centauros. Friso del templo de Zeus en Olimpia.


Periodo arcaico. El segundo período se caracteriza por la independencia que el arte griego, ya formado, va realizando respecto de imitaciones orientales y por el tipo atlético dado a sus estatuas que en su gran parte representan a los vencedores en los juegos olímpicos aunque se llamen Apolos.

Esta última y quizás también la de Egina más bien deben llamarse escuelas áticas de influencia dórica pues seguían la tradición jónica en el plegado de los paños con bastante finura y exceso de simetría. Las escuelas propiamente dóricas se reducen a las tres primeras ciudades de la lista como situadas en el Peloponeso, las cuales forman la llamada escuela argivo-sicionia, que labró las estatuas atléticas de bronce. En Asia Menor y las islas del mar Egeo continúan vivas en este periodo las imitaciones orientales y en todos los centros nombrados aun se observa alguna rigidez, uniformidad y falta de expresión en las figuras con cierta sonrisa amanerada e inexpresiva lo cual es distintivo del periodo arcaico.

En la escultura griega arcaica se mantienen aún los rasgos hieráticos y rígidos con composiciones geométricas y cerradas respetando la ley de frontalidad. Se creó un convencionalismo formal de la figura tendente a su geometrización con los brazos rectos y pegados al cuerpo (a excepción de las mujeres con brazos en posición oferente), la anatomía muscular marcada de forma esquemática y un pelo largo y recto con corte rectangular que enmarca unos ojos almendrados y una orejas en forma de voluta que recordarían al orden jónico arquitectónico. Las vestimentas de las mujeres eran policromadas y con motivos geométricos.

Su evolución haría que las formas se estilizaran y se pulieran las más toscas y rectas en la época clásica.

Ejemplo de este tipo de escultura del período preclásico griego es el kurós, procedente del Asclepeion de Paros, mármol pario, h. 540 a. C., Museo del Louvre, con la típica sonrisa arcaica o eginética. Otra muestra de este periodo es la conocida como Dama de Auxerre, una koré.


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Kurós del Asclepeion de Paros, vers 540 av. j. C. Marbre de Paros, vers 540 av. j. C. Altura 1.3 m. Museo del Louvre. París.


Período clásico. El tercer período señala el apogeo de la escultura, siendo Fidias el que a mediados del siglo V a. C. la llevó a su esplendor. Pero antes forman una especie de transición los escultores Cálamis y Mirón los cuales vencen la rigidez del anterior periodo dando a las figuras delicadeza y gracia el primero y expresión de movimiento el segundo. Fidias, condiscípulo de Mirón en la escuela de Agéladas (de Argos), se celebra como escultor de los dioses pues nadie como él en el mundo antiguo supo dar a sus creaciones artísticas actitud noble y serena y sello de lo divino sin que le hiciera falta para ello el simbolismo. Obras suyas fueron entre otras:

• las estatuas crisoelefantinas (de oro y marfil) y la estatua de Zeus (Júpiter) para el templo de Olimpia
• las estatuas de Atenea o Minerva para el Partenón de Atenas. Esta estatua se dice que medía unos doce metros sobre su pedestal
• las esculturas que adornaban los tímpanos y frisos de este segundo templo.

Contemporáneo y condiscípulo de Fidias fue Policleto, que en su tiempo alcanzó tanta fama como él, notable por la corrección en el dibujo, finura en los detalles y expresión noble de la fuerza y forma humanas, en contraposición al tipo sobrehumano de Fidias. Ambos artistas se consideran como genios superiores de la escultura. Policleto fijó el canon escultórico, modificado después por Eufránor y Lisipo y representa con Mirón el progreso de la escuela argivo-sicionia o dórica de Canaco y Agéladas, siendo obras suyas varios atletas y la famosa Amazona presente en los Museos Vaticanos.


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Cariátides originales del Erecteión, expuestas en el Museo de la Acrópolis de Atenas, protegidas por un cristal.

Los imitadores de Fidias constituyen la escuela llamada de tradición ática o jónica en la cual brillan Agorácrito, Alcámenes y Peonio. Se cuentan entre las mejores obras de la escuela las siguientes:

• las cariátides del Erecteión
• los relieves del templo de la Victoria Áptera
• las estatuas del frontón del templo de Olimpia.
• A la misma tradición se hace corresponder el puteal o brocal de pozo con bajorrelieves que guarda el Museo Arqueológico Nacional de España, que fue hallado en Madrid y es conocido como el Puteal de la Moncloa. Continuadores de la escuela dórica de Policleto fueron Pericletes, Arístides y Atenodoro.


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Victoria alada de Samotracia. La Victoria alada de Samotracia, también conocida como Victoria de Samotracia y Niké de Samotracia, es una escultura exenta de bulto redondo perteneciente a la escuela rodia del periodo helenístico. Se encuentra en el Museo del Louvre, París. En griego la estatua se denomina Níke tes Samothrákes (Νίκη της Σαμοθράκης). Tiene una altura de 245 cm y se elaboró en mármol hacia el 190 a. C. Procede del santuario de los Cabiros en Samotracia. Algunos expertos la atribuyen con cierta probabilidad a Pithókritos de Rodas. Fue descubierta en 1863 en la isla de Samotracia (Samothraki, en griego) por el cónsul francés Charles Champoiseau, un arqueólogo aficionado. Aunque cuando se descubrió se pensó que fue mandada esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Sóter en el año 306 a. C., porque figuraba en las monedas emitidas del 294 al 288 a. C., la datación de la escultura hacia comienzos del siglo II antes de Cristo hace más lógico pensar que en realidad se labró para celebrar las victorias sobre Antíoco III Megas. La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura femenina, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento éste que recuerda a la denominada técnica de «paños mojados» atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas, dando lugar a una composición muy característica en otras figuras femeninas de la misma época. Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo.

Entrado ya el siglo IV a. C., la escultura toma un carácter realista que degenera en sensualismo con Escopas y Praxíteles (pertenecientes más bien a la escuela ática) al buscar el sentimiento, la gracia y la delicadeza en vez de la grandiosidad y elevación que distinguía a los anteriores. De esta época y, sobre todo, de Praxíteles son varios Faunos, Afroditas, Dionisos y Apolos sin las formas atléticas de tradición dórica. A Escopas se atribuye entre sus mejores obras

• el grupo de Níobe con su hija
• la Afrodita de Cnido
• la Victoria de Samotracia, en el Museo del Louvre
• incluso, la Venus de Milo (muy discutida y puede ser una Anfítrite de la escuela de Fidias), también en el Museo del Louvre.


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Venus de Milo. Museo del Louvre. París.

En cambio, los escultores de la escuela argivosicionia como Eufranor y Lisipo, continúan fieles al espíritu clásico sin dejar de ser muy realistas. A Lisipo atribuyó Plinio el Viejo, más de 1.500 estatuas, la mayor parte de bronce y se distingue en la expresión del carácter individual que supo imprimir en ellas. A él o a otro escultor de Quíos se adjudica la cuadriga de bronce dorado que hoy adorna la fachada de San Marcos de Venecia (y que otros suponen romana de la época de Nerón) y de él fueron todas las esculturas que representaron a Alejandro Magno. Entre los escultores del Peloponeso que siguieron la misma línea realista figura Cares de Lindos, autor de la gigantesca estatua del Sol de 33 metros conocida como el Coloso de Rodas que estuvo en la isla de este nombre.


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Laoconte y sus hijos.Período helenístico


Período helenístico. El cuarto período que es el de difusión se llama también alejandrino y helenístico por corresponder a la época de helenismo abierta por Alejandro Magno.


En él, las escuelas salen de Grecia y figuran principalmente en Pérgamo, Rodas, Tralles, Antioquía y Alejandría, distinguiéndose por su realismo, alguna exageración en las actitudes, predilección por las escenas trágicas o dolorosas y cultivo por el retrato. Son muy celebrados:

• el grupo de Laoconte y sus hijos de la escuela de Rodas, que hoy se halla en el Museo del Vaticano
• el Toro Farnesio de la escuela de Tralles
• el Gálata moribundo de la escuela de Pérgamo.

La escuela griega de Alejandría se distinguió por los asuntos simbólicos o alegóricos y los rústicos o campestres que fueron objeto de sus relieves o estatuas.


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El Gálata moribundo, una copia romana en mármol de una obra helenística del siglo III a C. Museos Capitolinos, Roma.


Glíptica. Durante todos los periodos enumerados, se cultivó en Grecia con perfección admirable la glíptica, ya ensayada en el arte micénico y antes cultivada en Egipto y Caldea. Se conservan en los Museos magníficas colecciones de primorosos entalles y camafeos, labrados con piedras finas (ágatas, por lo común con sus afines) que sirvieron para anillos y demás joyas de la opulencia griega y que tal vez mejor que los demás objetos artísticos, revelan el gusto y la habilidad insuperable del pueblo griego para con la escultura. Tomó por patrón de su glíptica en sus principios el escarabeo de los egipcios sustituyendo el jeroglífico por la figura mitológica y alguna inscripción griega. Y aunque desde el siglo V a. C. se fue abandonando la forma del escarabajo, conservó siempre el corte oval o elíptico y convexo en las gemas grabadas. La más notable de éstas es un camafeo de la época helenística, labrado tal vez en Alejandría y conservado en el Museo del Hermitage en San Petersburgo. Representa los bustos de un Tolomeo y su esposa (Tolomeo II y Arsinoe, probablemente) y mide 17 centímetros de largo por 13 de ancho. Se denomina Camafeo Gonzaga por haber pertenecido al duque de Mantua. A dichos camafeos de factura griega deben agregarse también los llamados vasos murrinos (nombre que, al parecer, les da Plinio el Viejo) y son ciertas copas talladas en ágata u otra piedra fina que suelen tener relieves magníficos. Los más famosos entre éstos son:

• la llamada Copa de los Tolomeos, vaso de ágata con pie y con figuras alusivas a Baco
• la Taza Farnesio, del Museo de Nápoles.

Ambas pueden considerarse obra helenística de Alejandría. Dicha taza tiene la forma de un platillo de cornalina de ocho centímetros de diámetro con ocho figuras en el interior y la cabeza de Medusa en la externa. La glíptica griega y romana no ha podido ser superada nunca ni siquiera por el arte moderno...

Coroplastia. En trabajos de coroplastia (estatuas y relieves de barro cocido) sobresalió igualmente el pueblo artista por excelencia siendo muy celebradas las estatuitas de Tanagra (en la antigua Beocia) y de Mirina (cerca de Esmirna, en Asia Menor) por sus acabados de perfiles. Datan de los siglos IV a. C. y III a. C. las mejores de estas obras aunque ya empezaron en el VI a. C. y siguieron labrándose en la época romana, las cuales reproducen con frecuencia y a escala las obras maestras de los grandes artistas griegos. A imitación de las griegas, se modelaron otras en Sicilia, Etruria y Roma.

Referencias

[1]adj. Perteneciente o relativo a la protohistoria. Real Academia Española
[2] adj. Perteneciente o relativo a la antigua Creta. Real Academia Española
[3] El período micénico se caracteriza en arquitectura por los robustos muros y palacios de aparejo ya ciclópeo, poligonal y medio escuadrado y por las tumbas de cúpula falsa la cuales se hallan diseminadas por las regiones de Grecia y mar Egeo.

El contenido de este artículo obtenido en la Wikipedia incorpora material de Arqueología y bellas artes, de 1922, de Francisco Naval y Ayerbe, que se encuentra en el dominio público.


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Toro de Faresio, Escultura griega helenística, Museo de Nápoles, Italia. Toro Farnesio es la denominación historiográfica de la mayor escultura en bulto redondo de la antigüedad clásica que ha llegado hasta la actualidad (más de cuatro metros de altura y más de tres metros de lado en la base, con un peso de 24 toneladas).



Además de los escultores más reconocidos presentados más arriba..., a continuación expongo las obras de otros escultores también importantes de la Antigua Grecia de forma más resumida.



POLICLETO EL VIEJO


Policleto (en griego Πολύκλειτος), llamado «el Viejo» para diferenciarlo de su hijo, fue un escultor griego en bronce del siglo V a. C. Junto con los famosos Fidias, Mirón y Cresilas, es el más importante escultor de la Antigüedad clásica. El catálogo del siglo IV atribuido a Jenócrates («Catálogo jenocrático»), que fue la guía de Plinio en materia de arte, colocó a Policleto entre Fidias y Mirón. Policleto fue famoso sobre todo por sus estatuas de dioses y atletas realizadas en bronce, aparte de la enorme estatua de la diosa Hera, destinada al culto en el Hereo de Argos.


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Policleto. Discóforo (440 a.C.), bronce. Museo Torlonia de Roma. Italia

Policleto. Escultor, broncista y teórico griego, junto a Fidias la otra gran figura de la escultura griega del periodo clásico, así como el primer tratadista occidental del que se tiene noticia. Nacido en Argos, en cuya escuela se formaría bajo la tutela de Hageladas, Policleto se especializó en la talla de figuras de atletas, con la representación del cuerpo humano desnudo como objeto de sus futuras investigaciones. Policleto, más “revolucionario” -valga el anacronismo de un adjetivo por entero inapropiado para los antiguos griegos- que Fidias, fue asimismo el inventor de uno de los máximos artificios de la escultura: el contrapposto, consistente en la representación del movimiento de los hombros y la parte superior del torso en oposición a la de la pelvis, resultado de lo cual las líneas de los hombros y de la pelvis no son paralelas, lo que genera un desequilibrio por el que se consigue un cierto dinamismo, consecuencia del cual el peso del cuerpo pasa a apoyarse sobre una sola pierna, quedando la otra en reposo; una descripción de este recurso lo encontramos en su escultura más representativa, el ‘Doríforo’. [Con anterioridad Mirón ya había logrado conferir la sensación de movimiento en su ‘Discóbolo’, mas de manera harto efectista y sin la lograda naturalidad que consigue trasmitirnos Policleto.] Al margen de su obra como escultor, Policleto desarrolló una labor teórica hasta entonces desconocida; el fruto más notable de ésta, basado en las relaciones entre los números y las partes del cuerpo, fue su desaparecido tratado teórico ‘Kanon’ (‘Norma’), en el que expone los principios de su concepción del hecho escultórico, partiendo del presupuesto capital de que la belleza no es sino la relación de unas partes con otras y del conjunto de las partes con el todo. Para lograr tal propósito, Policleto centra su atención en el estudio de las proporciones, llegando a la conclusión de que la perfección prototípica se conseguirá a través de unas medidas precisas en las que la altura será 7 veces la medida de la cabeza; quedaba así establecida la recurrente fórmula 1/7, de la que su obra maestra, el ‘Doríforo’, es toda una ilustración de principios, obra cuya coherencia de conjunto y asombrosa unidad matemática en el estudio de las proporciones, confirman a Policleto como uno de los más geniales escultores de todos los tiempos.


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Estatua de Diadumenos (atleta portando la cinta del pelo de la victoria alrededor de su cabeza), copia romana (alrededor del 69-96 d.C) de una estatua de bronce griega realizada por Policleto (alrededor del 430 a.C) en mármol de 185,42 cm de alto. Museo metropolitano de arte de Nueva York. USA

Policleto. Escultor. (Grecia, Sicione h. 480 a.C.. - 420 a.C.), también llamado «el Viejo» para diferenciarlo de su hijo. Policleto y Mirón son considerados los promotores del arte clásico que se desarrolla en Grecia en el siglo V a.C.  Policleto, fue alumno de Agéladas, se le considera el inventor del contrapossto en escultura. Su producción es en bronce y el tema más frecuente el de jóvenes atletas. De entre sus obras destaca el Doriforo, que conocemos a través de copias romanas en mármol y que destaca por su equilibrada composición y las proporciones reguladas por un canon que él mismo estableció (el dedo índice). Armonía, simetría y ritmo también aparecen en su obra Diadúmeno, conocida por una copia helenística que se conserva en el Museo Nacional de Atenas. Destacó también como un gran teórico con su tratado Canon, en el que explica que la belleza humana está en la proporción, la medida y el número.


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Diadúmeno. Autor: Policleto. Fecha: 430-20 a.C. Tras la creación del Doríforo, Policleto entra en una fase de plenitud y madurez, a la que no es ajeno el influjo ático, más concretamente fidíaco. La obra más representativa de esta evolución es el Diadúmeno, cuyas formas corporales son más sueltas y naturales que las del Doríforo y en cuya cabeza se perciben las consecuencias del influjo mencionado. En ella se mantiene el ritmo alternante, pero se reducen las proporciones y se da a la composición una forma más cerrada. Comparado con el Doríforo, el Diadúmeno se concentra más en la acción, perfectamente definida mediante el recurso de ceñirse la cabeza con una "taenia", que los copistas repetirán e interpretarán a su antojo. Por otra parte, el Diadúmeno acredita un cambio de mentalidad en el maestro, más suavizada y, si se prefiere, más humanizada, cambio que se atribuye al influjo ático y fidíaco. El motivo de base con la pierna exonerada retrasada es típicamente policlético.  


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Doríforo. Autor: Policleto. Fecha:440-30 a.C. Bronce. Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. El célebre canon de Policleto es la plasmación práctica de los principios teóricos formulados por el gran maestro de Argos en un libro desgraciadamente perdido, llamado precisamente "Kanon". Se suele repetir con razón que el Doríforo da forma a la máxima aspiración de los escultores griegos, que era la perfecta proporción dentro de un ideal naturalista. Efectivamente, Policleto es el último escultor interesado por el viejo problema del kouros y el que consigue dar una nueva expresión al contraposto, cuestión fundamental para enjuiciar su trayectoria artística. Como es sabido, el sistema de proporciones del Doríforo se basa en la aplicación de sencillas y antiguas relaciones o módulos aritméticos, como la altura total determinada por 7 cabezas, y otros geométricos que nos son desconocidos. El factor numérico juega, por tanto, un papel decisivo en la expresión rítmica de la simetría, aunque ésta es algo más. Es un conocimiento riguroso del organismo humano obtenido a base de una detallada observación, hecho que explica la importancia del otro principio rector, la "diarthrosis" o articulación, el engranaje de piezas y miembros en el conjunto del cuerpo. Ahora bien, si alineamos al Doríforo junto a precedentes como el Aristodikos y el Efebo de Kritios, valoraremos las innovaciones introducidas por Policleto, sobre todo, en lo que se refiere al ritmo oscilante en forma de S del Doríforo, como si una corriente dinámica fluyera por todo el cuerpo. La disposición chiástica de miembros exigida por el contraposto se expresa con nuevo énfasis, pues pierna de sostén y brazo caído coinciden en el mismo lado, mientras en el otro lo hacen brazo flexionado y pierna exonerada, retrasada y sin tocar el suelo más que con las puntas de los dedos del pie. El resultado de este esquema ofrece un contraste muy armonioso entre el flanco derecho cerrado, que acentúa el giro de la cabeza, y el izquierdo, abierto y con concesiones a la profundidad. El equilibrio entre los efectos de carga y descarga del peso del cuerpo es lo que da al Doríforo ese dinamismo único que es consecuencia de la tensión y de la placidez. El influjo de esta obra creada hacia el año 440 se deja sentir muy pronto.


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Joven sosteniendo un ave o pequeñas mascotas (ahora perdidos), probablemente una efigie de funeral; pose del niño toma después del Doríforo de Policleto. Mármol, obras de arte romano, segunda mitad del siglo II. Los brazos, piernas y alas son adiciones modernas. Altura 92 cm. Museo del Louvre.


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Copia romana de un original de Policleto


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Cabeza de Heracles. Mármol de Paros. Copia romana de un original de Policleto de 430 a. C.. En la zona del cementerio Verano, 1887. Musei Capitolini. Roma


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Cabeza de un joven atleta. Luni mármol, copia romana de un original griego inspirado en los modelos de Policleto, particularmente la estatua de Kyniskos. Desde el Via di S. Gregorio, 1939.  Musei Capitolini. Roma


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Copia Policleto. "Idolino". Escultura en bronce fundido en el Museo Pushkin de Moscú. La Galería Uffizi (tiene una copia romana en mármol de griego sobre un bronce original, siglo V c. a. C.).


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Athete of eleusis, copy from policletus, original 440 bc.


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Efebo desnudo, de Kephissia. Copia romana del siglo I d.C., sobre una copia original de la escuela de Policleto. Museo Arqueológico de El Pireo (Atenas).


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Torso de un portador de lanza (Aquiles). Encontrado 1873 en la colina del Palatino en Roma. Copia romana en mármol sobre una estatua griega de bronce de Policleto, hacia  440 a.C. Pergamon Museum Berlin



Fuentes y agraecimientos: artehistoria.jcyl.es, epdlp.com, es.wikipedia.org, kuratti.wordpress.com sikyon.com, biografiasyvidas.com y otras de Internet.



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POLICLETO EL JOVEN


Policleto el Joven o Policleto de Argos (Griego: Πολύκλειτος) (c. siglo V a. C. - siglo IV a. C.), conocido como el Joven para distinguirlo del escultor Policleto el Viejo, fue un escultor y arquitecto griego de la época clasica. Era nativo de la ciudad peloponesia de Argos. Aunque era buen escultor, su fama fue eclipsada por Policleto el Viejo, quien fue en parte contemporáneo suyo y probablemente su padre. Fue en su faceta de arquitecto en la que obtuvo sus más destacados logros.

Pausanias afirmó expresamente que la estatua de Agenor de Tebas -un campeón olímpico- fue hecha por «Policleto, no el que hizo la estatua de Hera, sino el discípulo de Naucides». Dado que Naucides murió sobre el año 420 al 400 a. C., Policleto el Joven debería situarse entre el año 400 a. C.

Estudió en la escuela de Policleto el Viejo y se distinguió como autor de diversas estatuas de atletas. Pausanias dice que su fama principal venía de sus estatuas de ganadores de los Juegos Olímpicos. Obtuvo gran renombre con sus trabajos como arquitecto; siendo ya escultor de renombre, diseñó el tholos de Epidauro. Este tholos, cuya construcción comenzó cerca de 360 a. C., exhibía detalles elaborados, en especial es los capiteles corintios de sus columnas internas. Estas columnas influirían en los diseños posteriores de este orden arquitectónico. También realizó una estatua de Afrodita en Amiclas, por encargo de los espartanos y pagada con el botín de Egospótamos. Podría ser también el autor de una estatua de Alcibíades que nombra Dion Crisóstomo.


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Policleto el Joven ?. Estatua de Asclepios, encontrada en el santuario de Epidauro (Museo nacional de Atenas). Asklepios, Museo Nacional Arqueológico en Atenas. Mármol, c. 160. D.C. , encontrada en el santuario de Asklepios en Epidaurus. Copia de un original a partir del siglo IVa. C.


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CRESILAS


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Cresilas. Cabeza de amazona herida del tipo Capitolio-Sosicles, copia romana, museos del Capitolio. Roma

Cresilas (en griego Κρησίλας, Krêsílas) fue un escultor griego del siglo V a. C., contemporáneo de Fidias. Originario de la ciudad de Cidonia, en Creta, desarrolló su carrera en Atenas. Se le debe el retrato de Pericles llamado «olímpico» que estaba situado en la Acrópolis. Esta estatua de bronce, realizada después de la muerte del hombre de estado, le representaba de pie en una actitud próxima a la de los bronces de Riace. Ha sido reconocida en varios hermes romanos inscritos, uno de los cuales está en los museos Vaticanos (ver aquí al lado) y otro en el Museo Británico.

Se acerca el estilo del Pericles olímpico al del tipo de Atenea llamado Palas de Velletri, cuya estatua epónima está conserada en el museo del Louvre y del tipo llamado de Diomedes con la lanza, cuyos ejemplares figuran en la Gliptoteca de Múnich (véase el artículo Diomedes) y en el Louvre.


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Cresilas. Arte romano, lansdowne busto de Atenea de velletri, siglo II original griego de un 430-420 a. C. por Cresilas

Es también el autor de una Amazona herida realizada en el marco del concurso organizado en 440-430 a. C. para el templo de Artemisa en Éfeso y finalmente ganado por Policleto. El tipo de la Amazona herida es conocido por numerosas copias que es difícil atribuir a los diferentes competidores. Se duda generalemente para Cresilas entre el tipo del Capitolio-Sosicles — ejemplares de los museos del Capitolio, en el Vaticano et au Louvre — y el tipo Berlín-Lansdowne-Sciarra — ejemplar en el Metropolitan Museum of Art.

Se le atribuye también una estatua de herido moribundo descrito por Plinio el Viejo, quizás la misma que la «estatua de bronce de Diitrefes, herido por flechas» que vio Pausanias en la la Acrópolis[14] en el siglo II. Una basa datada de 450 a. C. lleva efectivamente la inscripción: «Hermólico, hijo de Diitrefes. Obra de Cresilas.»

Tenemos conocimiento también de un Doríforo (portador de lanza) — quizás el Diomedes mencionado debajo —, de una vaca votiva a Deméter Ctonia y de un exvoto a Atenea Tritogenia.


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Cresilas. Hermes de Pericles, copia romana de la estatua de Cresilas, museo Pío-Clementino



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CALAMIS


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Calamis. Busto de la Afrodita Sosandra, copia romana del siglo II. Museo del Louvre. París

Calamis (Κάλαμις) fue un escultor griego clásico del siglo V a. C.. Posiblemente era beocio, pero nada seguro se sabe de su vida, hasta el punto que hay quien identifica dos "Calamis" distintos en ese siglo, uno al comienzo, asociable al estilo severo, y otro, que podría ser su nieto, en la segunda mitad; que sería el "Calamis" citado por Pausanias como maestro de Praxias (uno de los escultores, junto con Androsthenes -ambos atenienses-, de los desaparecidos frontones del templo de Apolo en Delfos, al comienzo del siglo IV a. C.)


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Calamis. Cabeza del Apolo Omphalos, copia romana. Museo del Louvre. París

Se dice que Calamis trabajó tanto el mármol como el bronce, el oro y el marfil, y que destacó en el género animalístico por sus representaciones de caballos, especialmente por su escultura en bronce del caballo llamado Pherenikos, que le encargó Hierón de Siracusa para Olimpia y por su escultura en mármol del auriga Nicómaco, para Istmia. Según Pausanias fue autor de una estatua de Zeus-Amón para Píndaro y otra de Hermes Crioforo (Κριοφόρος -"que lleva un carnero"-) para Tanagra, que aparece en monedas de esa ciudad de época romana. Tambíen se refiere como el autor de una estatua crisoelefantina de Asclepio imberbe, de una Niké ("Victoria") y de un Dionisos.


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Calamis. Cuerpo de la Afrodita Sosandra, copia romana del siglo I o II. Mármol, 1,65 de altura. Museo del Louvre. París

Laobra más ambiciosa de Calamis fue una estatua de Apolo de 30 codos de alto para Apolonia Póntica (actual Isla de San Iván, Sozopol, costa búlgara del Mar Negro), que fue llevada a Roma por Lúculo.


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Calamis. Afrodite Sosandra

Su Afrodita Sosandra (Σωσάνδρα -"salvadora de hombres"-) de bronce de la Acrópolis de Atenas fue elogiada por Luciano de Samosata, y posiblemente fue usada como modelo para el retrato de Aspasia que a su vez originó un modelo de retrato romano. Se le atribuye una estatua de Apolo Onfalos o Alexikakos (Ἀλεξίκακος -"el que previene del mal"-), inicialmente en el Keramikos de Atenas, y muy copiada en época romana. El descubrimiento del Dios del cabo Artemisio, de autor desconocido, hizo que se considerara a Calamis para su atribución, pero no ha podido establecerse más que como conjetura.


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Calamis. Apolo Omphalos, copia romana. mármol, 1,81 de altura. Museos Capitolinos, Roma.



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PEONIO DE MENDA


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Peonio de Menda. Niké de Peonios en un antiguo dibujo del año 1889.

Peonio de Menda (En griego, Παιώνιος Μενδαῖος) fue un escultor griego de finales del siglo V a. C. nacido en Menda o Mendé, en Calcídica (Macedonia). Se le conoce por una inscripción y dos menciones de Pausanias.

Peonios es conocido sobre todo por una magistral estatua de la diosa Niké en la que triunfa el dinamismo. Esculpió esta estatua para celebrar el triunfo de los mesenios sobre los acarnianos y los habitantes de Eniadea hacia el año 455 a. C. Según la inscripción que hay en su base, se dedicó al pueblo de Mesenia y Naupacto después de una victoria en un conflicto de nombre desconocido, posiblemente, la batalla de Esfacteria, de la que habla Pausanias (5, 26, 1). Pausanias la menciona en el siglo II en su viaje a Olimpia; la identificación se considera cierta gracias a la base firmada.

Es la única obra que se le puede atribuir de manera definitiva. Se elaboró hacia el año 420 a. C. y se donó alrededor del año 424 a. C. Esta estatua fue descubierta en las excavaciones alemanas de Olimpia en el año 1875. La figura se alzaba sobre una columna de 8,5 metros de alto, con el espacio triangular ocupado, tal como se reconoce en los fragmentos de la base. El fundamento de la columna estaba en directa proximidad, de manera que se consiguió reconstruir el monumento al menos gráficamente completo con excepción de la porción del rostro de la diosa, que no se ha recibido. Se encuentra vestida de una túnica ligera y transparente que hincha el viento. Aparece con un gesto amplio y generoso.

Según la inscripción relacionada con la Niké, se proporciona el dato de que Peonios también ganó la competición artística para decorar las acroteras del Templo de Zeus en Olimpia (alrededor de 430 - 420 a. C.), Pausanias probablemente estaba equivocado al señalar que trabajó en las esculturas de los frontones del templo, en la que se representaba la carrera de carros entre Pélope y Enomao.


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Peonio de Menda. Niké (Victoria) de Peonios, con cabeza. La Niké de Peonios aparece como parte del diseño de las medallas de los Juegos Olímpicos de 2004 en Atenas y actualmente se expone en el Museo Arqueológico de Olimpia.



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TIMOTEO


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Timoteo. Leda y el cisne (Yale University Art Gallery. USA).

Timoteo (en griego antiguo Τιμόθεος; ¿Epidauro?,–Epidauro, c. 340 a. C.) fue un escultor griego del siglo IV a. C., uno de los rivales y contemporáneos de Escopas de Paros, uno de los escultores que trabajaron en la construcción de la |tumba de Mausolo en Halicarnaso desde 353 a 350 a. C.

Fue probablemente Timoteo el esculor jefe del templo de Asclepio de Epidauro, c. 380 a. C. Se le atribuye una escultura de Leda y el cisne en la que reina Leda de Esparta protegía a un cisne, sobre la base de la cual, una copia romana de mármol se halla en los Museos Capitolinos se dice ser de "después de Timoteo". El tema pudo haber sido popular, juzgando la más de una docena de copias romanas de mármol que se conservan. La versión más famosa estuvo en los Museos Capitolinos, en Roma, adquirida por el papa Clemente XIV de su cardenal Alessandro Albani. Existe una versión restaurada en el Museo del Prado, en Madrid, y una incompleta en la Yale University Art Gallery, en New Haven, Connecticut.


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Timoteo. Mármol romano de Leda y el cisne (Museo del Prado, Madrid).



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LEOCARES


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Leocares. Ganímedes llevaron por el águila. Mármol, Roman copia de un original de 325 a. c. en bronce. Museo Pío-Clementino, El Vaticano

Leocares (en griego Λεωχάρης, Leôkhárês), fue un escultor ateniense en actividad desde los años 360 a los años 320 a. C.

Se sabía que sus estatuas eran de bronce, y que trabajó sobre todo en Atenas, donde se han encontrado varias basas firmadas con su nombre. Entre las obras que le son frecuentemente atribuidas, se pueden citar: el Apolo de Belvedere, en el museo Pío-Clementino (Vaticano)
la Diana de Versalles;  el Zeus tonante de los Museos capitolinos; el grupo del Águila de Zeus raptando a Ganímedes; las estatuas criselefantinas del Filipeion de Olimpia y el grupo de la caza del león de Delfos, en colaboración con Lisipo. Se sabe también que Leocares trabajó, a invitación de Artemisa II, con Escopas, Timoteo y Bryaxis en el Mausoleo de Halicarnaso hacia 350 a. C.


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Leocares. Apolo de Belvedere, generalmente atribuido a Leocares, Museo Pío-Clementino, El Vaticano



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KRITIOS


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Kritios. Harmodio y Aristogitón (Tiranicidas), copia romana de la estatua Ateniense de Kritios y Nesiotes.

Kritios o Critios (Κριτίος en griego), es un célebre escultor ateniense clásico del siglo V a. C., probablemente pupilo de Antenor y que ejerció en los talleres de Ática en la Antigua Grecia.

Esculpió junto a su contemporáneo Nesiotes la escultura de los Tiranicidas, (asesinos de Hiparco), tras la victoria de los atenienses sobre los persas en Maratón, aquellos ocuparon al día siguiente el Ágora de Atenas y encargaron a Critios y a Nesiotes la ejecución del grupo escultórico de los Tiranicidas, símbolo de la libertad de Atenas. Fue erigido en el lugar que ocupaba el de Antenor, robado por los persas.
Efebo de Kritios, estatua no atribuida a Kriotios pero que lleva su nombre debido al parecido de la cabeza con alguna de sus obras.

Kritios es un artista que trabajó entre el final de la Época Arcaica y la época arcaica final considerándose pupilo de Antenor y maestro de Mirón y que impulsó el concepto del contraposto, término italiano para designar la oposición armónica de las distintas partes del cuerpo de la figura humana, lo que proporciona cierto movimiento y contribuye a romper la ley de la frontalidad.


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El chico de Kritios. Estatua de un Efebia, tal vez un atleta, en mármol de Paros. Trabajo atribuido a Kritios y Nesiotes, en comparación con el grupo Tyrannoktonoi, una de sus obras conocidas de copias romanas. 480 a. c.



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CEFISODOTO EL VIEJO


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Estatua de mujer, probablemente una copia romana de la estatua de Artemis de Cefisodoto el Viejo. Museos Capitalinos. Roma.

Cefisodoto el Viejo fue un escultor ateniense de comienzos del siglo IV a. C. (h. 400-370 a. C.) Su vida es mal conocida. habitualmente es considerado el padre de Praxíteles, aunque la filiación no puede ser establecida con exactitud: Praxíteles no citaba el nombre de su padre en sus firmas, y su apogeo, que Plinio el Viejo, sitúa durante la 102 Olimpiada (es decir, 372-369 a. C.), parece más próxima a la de su hijo. el hecho de que el hijo de Praxíteles se llamara también Cefisodoto tiende, no obstante, a corroborar la filiación: la costumbre griega era que el hijo mayor llevara el nombre de su abuelo paterno. Es también posible que Cefisodoto no fuera el padre, sino el suegro de Praxíteles. Por último, se sabe que su hermana fuer la primera esposa del estratego Foción. Parece según las fuentes antiguas que su esfera de actividad fuera relativamente limitada, centrada en el Ática. Su obra la conocemos por las fuentes literarias y por un grupo, copia de un original suyo llamado 'Irene y Pluto' que conmemoraba la paz del 375 a. C. entre Atenas y Esparta.


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Eirene portando a Pluto (también conocida como 'La paz y la riqueza'). Autor: Cefisodoto el Viejo. Fecha: 374 a.C. Características: 199 cm altura. Muse: Gliptoteca de Múnich, obra de Cefisodoto el Viejo en la cual se pudo inspirar su hijo Praxíteles para esculpir su 'Hermes con el niño Dioniso'.

El escultor Cefisódoto el Viejo debió de ser un artista muy bien introducido en los ambientes rectores de Atenas, pues sabemos que su hermana se casó con el político Foción; por ello no es de extrañar que recibiese el primer gran encargo oficial de que se tiene noticia en Atenas después de la Guerra del Peloponeso: la escultura de bronce que conmemoraría en el ágora la paz firmada entre Atenas y Esparta, y que, a los ojos de los atenienses, señalaría el principio de una nueva era de prosperidad. Irene y Pluto, es decir, de la Paz como madre o nodriza de la Riqueza, es considerado unánimemente la piedra fundacional del Segundo Clasicismo. Irene, majestuosa, se yergue como una matrona clásica. Actitud y vestido son una consciente vuelta a Fidias y a Alcámenes, y sus amplios y pesados pliegues rompen con las caligráficas superficies del estilo florido postfidíaco. Incluso el empleo del peplo, prenda por entonces caída en desuso (salvo en el ritual de Atenea), quiere ser un canto a la tradición. Pero, por debajo de esta apariencia, el nuevo mundo bulle en las partes desnudas de la estatua: la infinita dulzura de la diosa al mirar al niño, el contacto psicológico del cruce de miradas, el intento -aún sólo parcialmente conseguido- de darle a la criatura formas realmente infantiles, rompiendo con la tradición que veía a los niños como jóvenes en tamaño reducido, todo en fin nos habla de la nueva mentalidad. D. Haynes ha escrito sobre este grupo escultórico: "Aun siendo en origen personificaciones de ideas abstractas, Irene y Pluto habían logrado consistencia como seres divinos desde hacía tiempo, e Irene tenía altar propio en Atenas. Sin embargo, desde el punto de vista mitológico, no había conexión entre ambas divinidades, y su relación alegórica como madre e hijo en la estatua de Cefisódoto implica una nueva aproximación intelectual a su esencia abstracta, una nueva racionalización".


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Detalle de 'Eirene portando a Pluto' (es decir la paz portando a la riqueza). La obra más conocida de Cefisodoto el Viejo es Eirene y Pluto, que corresponde a un encargo con ocasión de uno de los dos congresos panhelénicos por la paz, el primero de los cuales tuvo lugar en 374 a. C. y el segundo en 371 a. C. Pausanias la vio erigida en el Ágora de Atenas durante su visita a la ciudad.

Fue reconocida en 1839 en una estatua romana que figuró en las colecciones Albani antes de llegar a la Gliptoteca de Múnich. Otra copia, tal vez más fiel, se halló en Cumas en la Magna Grecia; actualmente se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.


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Cefisodoto el Viejo. Herm. Servir de apoyo a una estatua de Hermes llevando al niño Dioniso. Copia romana, quizás de un grupo de Kephisodotos. En la pantalla junto al pórtico de la Stoa de Atalo, que alberga el Museo de Antigua Ágora de Atenas.


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Copia de Cefisodoto el Viejo o Eufranor (?) Descripción español: Llamada "Mattei Atenea". Mármol, Roman copiar desde el siglo i AC/DC después de un original griego del siglo IV a. c., atribuido a Cephisodotos o Eufranor. Relacionados con el bronce Pireo Atenea. Mármol. Altura 2,30 m. Museo del Louvre.

Copia Cefisodoto el Viejo. Estatua de Pluto se encuentra en el puerto de el Pireo. Pluto representado como un niño está sentado en el antebrazo de una figura adulta. De la mano de la figura se conserva la punta de un cuerno de la abundancia. La estatua pertenecía a un grupo de Irene y el niño Pluto. Una copia hecha en el c. de p. s. 1 de bronce original por Kephisodotos erigida en el Ágora a 374-370 a. C.

También fue el autor de un grupo de Mercurio alimentando al niño Dioniso, tema que se compara extrañamente con el Hermes con el niño Dioniso encontrado en Olimpia, y cuya atribución a Praxíteles es muy discutida. Los textos antiguos le atribuyen otras obras, de las que no se sabe cierto si se trata del abuelo o del nieto: un grupo de Musas en el Monte Helicón; una estatua de Atenea en El Pireo, en Atenas; una estatua de Zeus Sóter sentado en un trono y una estatua de Artemisa Sotera, para el santuario de Zeus en Megalópolis, realizadas conjuntamente con el escultor Jenofonte.



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CEFISODOTO EL JOVEN


Cefisodoto el Joven fue un escultor ateniense de finales del siglo IV a. C. Fue el hijo mayor de Praxíteles y hermano de Timarco[1] y muy probablemente el nieto de Cefisodoto el Viejo: la costumbre griega era que el hijo mayor llevara el nombre de su abuelo paterno.[2] Los tres fueron escultores atenienses. Plinio el Viejo sitúa su apogeo (floruit) en la 121 Olimpiada, es decir de 296-293 a. C.[3] Firmó en 344-343 a. C. la base de una estatua del Asclepeion de Atenas,[4] lo que plantea un problema de cronología: la fecha parece demasiado precoz para designar al hijo de Praxíteles, pero demasiado tardía para designar a Cefisodoto el Viejo.[5] Cefisodoto se dedicó esencialmente a los retratos, que hacía pagar muy caros: 1000 dracmas por cliente, equivalente a más de 600 jornadas de trabajo de un obrero de trabajos públicos.[6] A partir de 335 a. C, el nombre de «Cefisodoto, hijo de Praxíteles» aparece en las listas oficiales de Atenas como sintrierarca:[7] tenía que financiar el equipamiento completo de un trirreme con otros atenienses quienes, como él, pertenecían a los 300 más ricos de la ciudad. En total, formó parte de seis trierarquías, en dos él solo.[8]


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Busto de Menandro, copia romana de la que quizá fue el original de Cefisodoto el Joven y de su hermano Timarco, Museo Chiaramonti (Ciudad del Vaticano)

Los textos antiguos e inscripciones le atribuyen, junto con su hermano Timarco: *Retratos: del orador Licurgo y sus hijos,[9] de Teoxénidas, su tío abuelo,[10] del poeta Menandro[11] (al que se ha creído reconocer en una serie de copias romanas),[12] ), de una sacerdotisa de Atenea Polias[13] *Efigies divinas : Enio (la Discordia) en el templo de Ares en Atenas,[14] el héroe Cadmo de Tebas.[15] Él solo realizó: *Un symplegma[16] (grupo representando un sátiro persiguiendo a una ménade) *Efigies divinas: una Leto, una Afrodita, una Hera, un Asclepio y una Artemisa que Plinio vio reunidas en Roma[16] *Retratos: las heteras Miro de Bizancio y Anite de Tegea.[17] *Diversas ofrendas. La estatua de Irene (la Paz) llevando a Plutos (la Riqueza), de la que hay una copia en Munich.

Más info: http://es.wikipedia.org/wiki/Cefisodoto_el_Joven




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"La pintura es la amante de la belleza y la reina de las artes"

"Nicolas Poussin"
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Mensaje Re: ESCULTORES DE LA ANTIGUA GRECIA 
 
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PITÁGORAS DE REGIO


Pitágoras de Regio (Regio de Calabria hacia principios del siglo V a. C.) fue un escultor griego. Nacido en Rhegion (actual Regio de Calabria), ciudad de la Magna Grecia, (aunque es probable que Pitágoras naciese en Samos), vivió y trabajó en Regio, donde fue discípulo del gran maestro Clearco de Regio. El joven Pitágoras, no solo superó a su maestro, sino también a todos los escultores que vivieron antes que él. Se le considera entre los cinco más famosos escultores griegos, después de Fidias. Realizó numerosas obras en diferentes polis griegas y de la Magna Grecia, de Atenas a Siracusa.

Pitágoras de Regio fue el primer escultor en tener en cuenta las proporciones de las esculturas y tener una atención especial con los más mínimos detalles de los cabellos, las arterias y las venas. Las características de su obra, descrita por los expertos más reconocidos en la estatuaria griega le han atribuido muchas obras maestras y ha tenido el soporte de la tesis de muchos historiadores contemporáneos como uno de los autores más probables de las estatuas de los Bronces de Riace, uno de los máximos ejemplos de la escultura griega.

Plinio el Viejo relata en un pasaje que Pitágoras de Regio superó a Fidias, Mirón y Policleto, en particular, refiriéndose al arte de Mirón, Plinio dice:

Pitágoras de Regio lo superó en Italia con el Pancratico dedicado a Delfos[...] También Astila que se observa en Olimpia [...] en Siracusa después hizo un Zoppo (identificado como Filoctetes) de tal manera que también los que lo miran sienten el dolor de la herida [...] Pitágoras fue el primero en reproducir los tendones y las venas y el primero en tratar el cabello con más delicadeza que otros, subdividiéndolo con más precisión.  (Plinio el Viejo)


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Pitágoras de Regio. Guerreros de Riace (obra atribuida).

Muchas son las obras de Pitágoras de Regio, diversas estatuas de deportistas como el corredor Astila, y también el púgil Eutimo; el bronce que representa a Zeus en forma de buey que transporta Europa, la famosa cabeza de Perseo conservado en el Museo Británico de Londres y se le atribuye también la estatua del Auriga de Delfos.


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Pitágoras de Regio. Estatua de un Músico con lira en el Museo del Louvre, París.


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Pitágoras de Regio. Auriga de Delfos (obra atribuida). Museo di Delfos. Grecia

La estatua de la Auriga de Delfos pertenece a un grupo escultórico de la alta época clásica griega probablemente realizado por Pitágoras de Regio y que formaba parte de un encargo como exvoto solicitado por el tirano griego Polizalo de Gela — hermano de Gelón y Hierón de Siracusa – con ocasión de una victoria en una carrera de carros celebrada en el 474 A.C. La estatua fue descubierta de manera fortuita en 1896 por un grupo de arqueólogos franceses que se encontraban realizando una serie de excavaciones en el santuario de Delfos al producirse un corrimiento de tierras. Lo realmente peculiar y trascendente de esta bellísima escultura es que se trata de una de las escasas esculturas originales griegas que ha llegado hasta nosotros. De tamaño natural, aproximadamente 180 centímetros de altura, la escultura pertenecería a un grupo formado por el auriga que sostiene las riendas de la cuadriga, cuatro o quizás seis animales, un mozo de cuadra y un guerrero detrás suyo. La escultura está fundida en varias piezas separadas y soldadas posteriormente, tal y como era costumbre en las representaciones de grupo de la época. El material empleado para su construcción es el bronce (El mismo que se empleó para el resto de las más famosas esculturas clásicas del siglo V A.C. y de las que hoy sólo conocemos sus posteriores copias romanas en mármol) aunque también presenta restos de plata en la diadema y de cobre en los labios, amén de las piedras coloreadas en los ojos. Hoy en día se expone en el Museo Arqueológico de Delfos.


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La escultura de la Auriga de Delfos conserva rasgos propios del arcaísmo: Figura erguida, rostro impasible, rigidez volumétrica y facciones geométricas. Sin embargo, la cabeza, esférica y luciendo en ella una diadema ajustada que produce un magnífico efecto plástico, anticipa claramente a la del Discóbolo, con el pelo ligeramente rizado sobre las sienes y cuello. Pese a la actitud de reposo, la figura está en tensión como así lo refleja la expresión del rostro mediante los ojos que aún conserva. A estas cualidades se unen las del plegado, verdadero y portentoso exponente de la categoría de los mejores broncistas griegos. Existen además una serie de matices que dotan a la figura de una mayor tridimensionalidad, como los pies oblicuamente situados con respecto al cuerpo y que acentúan ligeramente la torsión natural. Pese a que ha sido atribuida a Pitágoras de Regio, algunas voces reclaman dicha autoría a Sótades de Thespiai o a Onata de Egina. La representación corresponde al momento del desfile triunfal, luciendo la larga túnica (Xystis) ceñida al cuerpo por correas, propia de los aurigas. Sus ojos incrustados de pasta vítrea siguen inquietando a quien trata inútilmente de cruzar con ellos la mirada, ya que la suya propia se pierde en un punto indefinido, tal vez en el intemporal de la fama.



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POLICLES


Policles (griego antiguo: Πολυκλη̂ς, romanización: Polycles) (siglo II a. C.) fue un escultor griego mencionado por Plinio el Viejo (Naturalis Historia XXXIV, 80), que dice destacó en la olimpíada 156 (155 a. C.).[1] A veces es llamado Policles el Joven, para distinguirlo de otro artista homónimo del siglo IV a. C..

Seguramente era ateniense, ya que Plinio traduce Policles, Athenaeus (griego antiguo: Πολυκλη̂ς ̓Αθηναι̂ος). Se cree que fue el autor de una estatua de Juno que se encontraba en el Pórtico de Octavia en Roma, aunque podría ser también obra de Policles el Viejo. Pausanias menciona algunas estatuas de vencedor olímpico que tampoco se sabe seguro a cual de los dos escultores pertenecen.


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Hermafrodito dormido. mármo Griego, copia romana del siglo II CE después de un original helenístico del siglo II a. C., restaurada en 1619 por David Larique; colchón: mármol de Carrara, solicitado por Gianlorenzo Bernini en 1619 en Cardenal de Borghese. Dimensiones: 1,69 x 89 cm. Museo del Louvre. París.

Una de sus obras más conocidas es el Hermafrodito dormido, cuyo original en bronce se perdió, existiendo varias copias realizadas en época romana, de las cuales una de las más famosas es el Hermafrodito Borghese, hallado en las Termas de Diocleciano a principios del siglo XVII y restaurado por Bernini. Se llama así por encontrarse en la Colección Borghese hasta 1807, fecha en que fue trasladado al Louvre.[2] Otra copia se encuentra en el Museo Palazzo Massimo Alle Terme, Roma. En época moderna se realizaron varias copias más, como la encargada por Felipe IV de España, actualmente en el Prado, que seguramente influyó en la Venus del espejo de Velázquez.[3]

Dejó dos hijos, Timocles y Tomárquides, artistas atenienses de considerable reputación.



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DOIDALSAS DE BITINIA


Doidalsas de Bitinia (siglo III a. C.) fue un escultor griego, que trabajó preferentemente para el rey Nicomedes I de Bitinia.


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Doidalsas de Bitinia. Venus agachada. Museo nazionale romano di palazzo Altemps. Roma, Italia

Su obra más famosa es la Venus agachada, célebre estatua muy valorada en la antigüedad grecorromana, de la que se hicieron numerosas copias que decoraban palacios, jardines y edificios públicos. Actualmente existen varias copias en museos de todo el mundo: Museo del Prado (Madrid), Museo del Louvre (París), Uffizi (Florencia), Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps (Roma), British Museum (Londres), Ny Carlsberg Glyptotek (Copenhague), Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Museo Arqueológico de Rodas, etc. También se han efectuado diversas copias o versiones en el arte moderno —principalmente el Renacimiento—, como las de Giambologna, Antoine Coysevox y Jean-Baptiste Carpeaux, o incluso en dibujo o grabado, como las de Marcantonio Raimondi y Martin Heemskerck. Rubens también se inspiró en esta figura para varias obras suyas.

La atribución de esta obra a Doidalsas proviene de Plinio el Viejo, quien en su Historia Natural menciona la obra Venerem lavantem sese Daedalsas («Venus lavándose» de Doidalsas), presente en el Templo de Júpiter Stator del Pórtico de Octavia, cerca del Foro Romano.



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BRIAXIS


Briaxis o Bryaxis (en griego antiguo Βρύαξις o Βρύασσις / Brúassis) es un escultor griego, nacido en Atenas o en Caria en la primera mitad del siglo IV a. C., alrededor del 350 a. C.


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Copia romana del original del Serapis de Briaxis que se encontraba en el Serapeo de Alejandría, (Museo del Vaticano).

Briaxis trabajó para los diádocos, encargándole Seleuco I una estatua de Apolo para su templo de Dafne en las afueras de la nueva capital Antioquía y una estatua de bronce de sí mismo. En Alejandría, realizó para Ptolomeo I la estatua crisoelefantina de Serapis.[1] Una copia romana de la misma se encuentra en el Museo del Vaticano, aunque está sujeta a discusión su autoría.

Sobre todo, es conocido por su participación en la decoración del Mausoleo de Halicarnaso, junto con los también escultores Escopas, Leócares y Timoteo.


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Bajo relieve de base votiva del ágora de Atenas, firmado por Bryaxis, Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Caso raro en un escultor de este período, es el haber conservado una de sus obras originales identificada por su firma, una base votiva encontrada en el Ágora de Atenas en 1891, que soportaba un trípode de bronce, dedicada con la ocasión de ganar un concurso de anthippasia y que sería una obra temprana del escultor, antes de su partida para Asia.



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APOLONIO DE ATENAS


Apolonio de Atenas. Apolonio, hijo de Néstor, fue un escultor griego de Atenas, que vivió en el siglo I a.C. Procedente de la escuela neoática, su obra es admirada desde el Renacimiento por el naturalismo vigoroso de sus dos obras conocidas.

A Apolonio de Atenas, se le atribuyen dos obras: El Torso del Belvedere (hoy en el Museo Pío-Clementino, uno de los Museos del Vaticano) y el Púgil en reposo (Museo Nacional de Roma). s. I a.J.C.) Escultor griego.


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Torso de Belvedere. El torso de Belvedere es un fragmento de la estatua de un desnudo masculino firmado por el escultor ateniense Apolonio de Atenas. La estatua fue descubierta en su estado actual en el Campo de' Fiori (campo de las flores) durante el papado de Julio II (1503-1513). Se creía que se trataba de un original del siglo I a.C. pero en la actualidad se estima que se trata de una copia de una estatua más antigua, probablemente datada en el siglo II A.C. La estatua completa representaría a esta figura humana sobre un animal, aunque a qué personaje corresponde exactamente todavía se discute: es posible que sea Hércules, Polifemo o Marsias, entre otros. La retorcida pose del torso y su extraordinariamente bien representada musculatura tuvo un gran influencia en posteriores artistas (incluidos Miguel Ángel y Rafael Sanzio) del Renacimiento, Manierismo y Barroco.


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En la actualidad la estatua forma parte de la colección del museo Pío-Clementino de los Museos Vaticanos. El nombre de "Belvedere" deriva del Cortile del Belvedere (patio de Belvedere) donde la estatua fue inicialmente expuesta. El torso no debe ser confundido con el también famoso Apolo de Belvedere de la misma colección.


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Púgil en reposo. El Púgil en reposo o Púgil de las Termas es una escultura de bronce de 1,20 metros de altura. Encontrado en las Termas de Constantino (Arlés), en Roma, actualmente se conserva en el palacio Massimo alle Término, una sección del Museo Nacional Romano. Es una de las dos obras encontradas en 1885 con tan sólo un mes de diferencia en las laderas de la colina del Quirinal,[1] posiblemente procedentes de las ruinas de los baños de Constantino. Parece que las dos fueron enterradas esmeradamente ya en la antigüedad. El realismo de la pieza sugiere que es algún boxeador en particular, y no la representación de Polideuco, uno de los Dioscuros.

A raíz de la exhibición de las dos piezas en la Akademisches Kunstmuseum de Bonn, el verano de 1989, programada para celebrar los dos mil años de la fundación de la ciudad, Nikolaus Himmelmann restauró y estudió exhaustivamente las estatuas.

La escultura representa a un púgil sentado sobre una roca (imitación moderna de la original, desaparecida) justo después de un combate, y que gira violentamente la cabeza. Lleva un taparrabos y unos guantes formados por unas gruesas tiras de cuero (ἱμάντες/ hymantes ) que rodean los nudillos y dejan libres los dedos; la parte del puño está reforzada. En el cuerpo no hay señales de ninguna herida, pero la cara está llena de marcas de los golpes: tiene un corte en la oreja, la nariz rota y toda la cara llena de cicatrices.


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La cabeza del boxeador, con las muescas que representan las heridas.

El púgil es una pieza de bronce formada por ocho fragmentos soldados, y de un gran refinamiento técnico en la búsqueda de la policromía. Los ojos, que tendrían que estar incrustados, han desaparecido, y hay numerosas pequeñas incrustaciones de cobre rojo en los dedos y en la cabeza para simular la sangre de las heridas. El movimiento de la cabeza hace volar las gotas, y por eso también hay incrustaciones sobre el antebrazo y el muslo derecho.

Una limpieza reciente ha puesto de manifiesto que hay zonas desgastadas en la punta del pie derecho y en los guantes y dedos de la mano izquierda, acariciadas en señal de la veneración y deferencia de que ha sido objeto la estatua a lo largo de los siglos.


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Manos del púgil.

Atribución. Esta obra del púgil en reposo ha sido atribuida a Apolonio de Atenas por razones estilísticas. En el guante de la mano izquierda hay unas marcas que tradicionalmente se habían interpretado como la firma «Apolonio, hijo de Nèstor», un escultor griego activo durante el siglo I a.C.. Esta afirmación ha sido discutida, y ha quedado invalidada por un examen más profundizado, que ha mostrado que en realidad se trata de los rastros de la corrosión del bronce. En un dedo del pie izquierdo está la letra, que sin duda es la marca del taller que se encargó de la fundición. Desde el punto de vista del estilo, el púgil, con su musculatura bien marcada y la reproducción realista de las heridas causadas por el combate, parece el arquetipo del estilo helenístico por su búsqueda del naturalismo, patente también en la exacerbación de los sentimientos que se pueden leer tanto en la cara como en el movimiento del hombre. Sin embargo, las consideraciones técnicas y la clara influencia de Lisipo han llevado algunos autores[5] a ver en la estatua una pieza del maestro o de su hermano Lisistrato , famoso por su habilidad técnica. Cuando menos, el grueso del bronce impide ver en la pieza una realización helenística; el trabajo de las partes y la coletilla de los ojos hacen que se relacione la obra con el siglo IV a.C..



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ANTENOR


Antenor (530 – 510 a. C.) fue un escultor griego que se desempeñó en Atenas. Fue famoso en la antigüedad por sus esculturas de bronce que representaban a los Tiranicidas, fueron hechas en el año 510 a. C. para el Ágora de Atenas. Actualmente estas estatuas ya no existen y fueron sus elementos de movimiento y precisos detalles anatómicos los que marcaron la transición entre las épocas arcaica y clásica de Grecia.


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Koré atribuída a Antenor.

Una gran koré de mármol de la Acrópolis, hecha posiblemente en el año 520 a. C., fue encontrada en 1886 y se le atribuyó su autoría a Antenor, siendo considerada uno de los más finos ejemplos de la escultura arcaica.



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AGASIO DE ÉFESO



Agasio de Éfeso. También conocido como Agasio ó Agasias, escultor de Éfeso, hijo de Dositeo. Su vida transcurre entre mediados del siglo I a. C. y principios de nuestra era. A veces se le denomina Agasias I para distinguirlo de Agasias II, hijo de Menófilo, que trabajó en la primera mitad del siglo I en Delos.

Se le atribuye la autoría del Gladiador borghese, estatua que se descubrió durante el mandato del Papa Pablo V. El Gladiador fue vendido a Napoleón en 1807 y actualmente se conserva en el Louvre.


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Gladiador borghese. La obra conocida por Gladiador borghese es una escultura de mármol de tamaño natural[1] de la escuela Helenística que representa un luchador, tallada en Éfeso en el siglo I a.C. Está firmada por Agasio de Éfeso, a quien también se le llamó Agasio, hijo de Dositeo.

Fue hallada en Nettuno en el año 1611 e incorporada a la Colección Borghese de Roma. En la Villa Borghese dispuso de una sala con su nombre en la planta baja. Camillo Borghese la vendió a Napoleón en 1807, y fue trasladada a París cuando la Colección Borghese fue adquirida para engrosar los fondos del Museo del Louvre, donde actualmente se conserva.

En el siglo XVII se llevó a cabo una restauración errónea de la estatua, ya que se pensó que representaba a un gladiador. Estaba entre los trabajos de la antigüedad más admirados y copiados en el siglo XVIII, proporcionando a escultores un Canon de dimensiones. Fue sacado un molde vaciado en bronce para Carlos I de Inglaterra (ahora en Castillo de Windsor), y otra copia realizada por Hubert Le Sueur, fue instalada por Isaac de Caus como elemento central del parterre en Wilton House; esa reproducción fue cedida a Sir Robert Walpole por el 8º Conde de Pembroke y es el centro focal del patio de entrada de Houghton House (desarrollado por el arquitecto William Kent en Norfolk). Otras copias pueden ser encontradas en Petworth House y en el Green Court de Knole.


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Una copia del 'Gladiador borghese' del siglo XVIII en el Musée Lorrain, Nancy.



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AGESANDRO DE RODAS


Agesandro de Rodas. También conocido como Agesander, de Rodas escultor, cuyo título a la fama es que él es mencionado por el Plinio (Nat. Hist. , XXXVI.37) como autor (con Polidoro y Atenodoro de Rodas) del grupo de la Laocoonte y sus hijos. Inscripciones encontrar en la Lindos en Rodas fecha Agesander y Athenodorus para el período 42 a. C.-21 a. C. La fecha de la Laocoonte parece resolverse de este modo, después de largas controversias. Representa la culminación de un sentimentales o patética tendencia en el arte, que es importante en la escultura un poco antes de Pérgamo.


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Grupo de Laoconte. Agesandro de Rodas, es autor del hermoso grupo de Laoconte: se tienen tan pocas noticias de Agesandro, que ni aun se sabe con seguridad en qué tiempo vivió: unos creen que floreció en la época de Pericles o en la de Alejandro Magno: otros suponen que es más moderno y que vivió en el siglo I de la era cristiana. Posterior a esta época no puede ser, porque Plinio el Viejo cita y describe el Laoconte. Esta obra maestra, en cuya ejecución tomaron parte otros dos escultores, Polidoro y Atenodoro, probablemente hijos de Agesandro, fue encontrada en las ruinas de los baños de Tito en Roma en el año 1506 por Félix de Fredis.

 

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ANTÍOCO


Antíoco (griego antiguo Ἀντίοχος, Antiochus) fue un escultor griego cuyo nombre aparece en una notable estatua de Atenea que se encontraba en la Villa Ludovisi de Roma.

Se duda acerca de la autenticidad de la inscripción, que aporta el nombre del escultor. La Atenea es una copia de la de original de Fidias del siglo V a. C. Actualmente, se conserva restaurada en el Palazzo Altemps del Museo Nacional Romano.


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Atenea Partenos. Mármol griego firmado ANTIOCHOS, copia del siglo I a. C. del original de Fidias del siglo V a. C. que se erigió en la Acrópolis



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EUTÍQUIDES


Eutíquides (Eutychides, Εὐτυχίδης) de Sición, fue un escultor griego del periodo helenístico (fines del IV a. C.), discípulo y seguidor de Lisipo.

De su obra más célebre, la Tique o Fortuna de Antioquía con el río Orontes a los pies, a la que alude Pausanias (VI, 2, 6), fechada hacia 300  a. C., se conocen representaciones en monedas y algunas copias romanas en mármol, la más conocida de ellas la conservada en el Museo Pío-Clementino. Según Pollitt, la estatua respondía a la creciente preocupación por el destino o la fortuna, rasgo típicamente helenístico. En este caso se trataría de la fortuna colectiva de una ciudad, por lo que Eutíquides fundió los elementos propios de la Fortuna con los rasgos característicos de las representaciones de las ciudades, alegorizadas en figuras femeninas con corona mural, como se encuentra en algunas monedas del IV a. C., siendo posteriormente imitado por muchas otras ciudades que adoptaron imágenes semejantes a las que rendían culto. Desde el punto de vista formal, destaca el tratamiento de la figura sentada con distintos puntos de vista, característica del arte lisipeo.


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Tykhe de Antioquía, copia romana en mármol, Museos Vaticanos.

Plinio, Naturalis Historia, lib. 34, 19, tratando de las estatuas en bronce, le atribuyó una estatua del río Erotas, en la que habría representado excelentemente el líquido elemento, y en 35, 40 mencionó a un pintor del mismo nombre y en ocasiones tenido por la misma persona, quien destacó por la pintura de una Victoria sobre un carro, lo que es recordado por Vicente Carducho en sus Diálogos de la Pintura.



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APOLONIO DE TRALLES


Apolonio de Tralles fue un escultor del siglo II ó I a.C. de la Antigua Grecia.

La obra que ha llegado a nuestros días y por la que le conocemos es el grupo escultórico conocido por el Toro Farnesio. Este nombre se le dio por pertenecer a la colección de arte de la familia Farnesio en el Palacio Farnesio de Parma. Hoy en día se guarda en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. Esta obra representa el castigo de Dirce por Anfión y Zeto.


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Grupo del Toro Farnesio

Toro Farnesio. Autor: Apolonio de Tralles, la obra la hizo conjuntamente con su hermano Taurisco de Tralles. Toro Farnesio es la denominación historiográfica de la mayor escultura en bulto redondo de la antigüedad clásica que ha llegado hasta la actualidad (más de cuatro metros de altura y más de tres metros de lado en la base, con un peso de 24 toneladas).

Su tema es el suplicio de Dirce, a la que los hijos de Antíope (Anfión y Zeto, deseando vengar las ofensas a su madre) ataron a un toro salvaje que la arrastró hasta matarla.

Según Vasari, fue encontrada en el año 1546 en las Termas de Caracalla de Roma durante las excavaciones encargadas por el papa Pablo III con la esperanza de encontrar esculturas antiguas que adornaran su residencia familiar (el Palacio Farnesio), donde se usó como fuente. Fue restaurada de forma muy intervencionista, bajo la supervisión de Miguel Ángel por el escultor milanés Giobattista Bianchi, que añadió la cabeza del toro, la parte superior de la figura de Dirce y gran parte de las de los hermanos.


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La escultura 'Toro Farnesio' está albergada en el Museo Arqueológico de Nápoles.

Luis XIV quiso comprarla, en vano. Heredada por Isabel de Farnesio (segunda mujer de Felipe V de España), fue trasladada en 1786 por su nieto Fernando a su reino de Nápoles. Se volvió a restaurar y se instaló en la Villa Reale. Desde 1828 se encuentra con el resto de la "colección Farnesio" en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

La composición es piramidal, dentro de la que se establecen líneas helicoidales de tensión ascendente sobre una base paisajística (o "fondo alejandrino", al ser característica de la denominada escuela alejandrina de la escultura helenística, frente al "fondo ático" o neoático). Las figuras secundarias (un perro, un niño y una segunda figura femenina -que representa posiblemente a Antíope-) han sido identificadas a veces como adiciones posteriores.



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PASITELES


Pasiteles fue un escultor de la escuela neoática en el tiempo de la Roma Antigua que trabajó durante el mandato de Julio César. Según Plinio, Pasiteles nació en la Magna Graecia, y obtuvo la ciudadanía romana. Trabajó durante un período donde había una gran demanda de copias, o variaciones sobre, los trabajos notables de las esculturas griegas: la demanda fue atendida por los talleres de Pasiteles y sus pupilos Stephanus, Menelaus y otros.

Se le atribuyen algunas de las obras más importantes de la escuela Neoática. Los principales datos históricos de su existencia parten de Plinio, que nos informa del compendio o catálogo de las esculturas más famosas del mundo diseñado por Pasiteles.

Se le atribuyen además las siguientes esculturas:

- La Atalanta de la Galería de los Candelabros en el Museo Vaticano.Mármol.
- Grupo escultórico de Cástor y Pólux, hermanos fruto de los amores que Zeus tuvo con Leda. Mármol.
- Un Júpiter en oro y marfil.
- Numerosas obras en bronce.


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Atalanta. Estatua de mujer joven victoriosa (palma sobre el tronco) llamada Atalanta. Mármol, obra griega del siglo I a.C. Atribuida a Pasiteles. se conserva en la Galleria dei Candelabri de los Museos Vaticanos.


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Thanatos. Copia romana después de un original de la escuela de Pasiteles. Al final del siglo I a. C.. Actualmente en exhibición en la sala 31 del Museo Arqueológico Nacional de Atenas.


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'Grupo escultórico de Cástor y Pólux', hermanos fruto de los amores que Zeus tuvo con Leda. Mármol. Copia de Pasiteles de 'Cástor y Pólux' por Joseph Nollekens. Lonon, Victoria and Albert Museum



Pues esto es todos amigos, espero os haya gustado el extenso trabajo recopilatorio dedicado a los escultores de la Antigua Grecia.



Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, artehistoria.jcyl.es, sikyon.com, biografiasyvidas.com, epdlp.com, culture.gr, gigantesquedesaparecen.blogspot.com, leiter.wordpress.com, tfernandezdiez.blogspot.com y otras de Internet.
 




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Mensaje Re: ESCULTORES DE LA ANTIGUA GRECIA 
 
Pintura de la Antigua Grecia



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Con anterioridad a la formación del arte griego hubo en territorios de la antigua Grecia un arte que se ha llamado prehelénico, conservadas tan sólo en ruinas de edificios de la época y sobre estuco, representando paisajes, acciones guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras aunque imperfectas revelan notable expresión y vida. En las decoraciones de vasijas se presenta raras veces la figura humana y siempre estilizada y de escasos detalles.

En cuanto a la pintura griega, su celebridad y la de sus artistas se debe casi por entero a los antiguos historiadores pues no se conserva de ella ni un solo cuadro ni se conoce obra alguna de los famosos Zeuxis, Parrasio y Apeles, considerados desde la antigüedad los pintores por antonomasia. Las obras pictóricas griegas que al presente se conocen y conservan consisten únicamente en decoraciones de ánforas y de otras elegantes vasijas salvo algunos mosaicos de pavimento y placas de arcilla pintadas y sin contar las obras de pintura romana en que intervino mano griega. Consta, no obstante, que los griegos pintaron cuadros excelentes, por lo menos murales (cuyas copias pueden ser algunas decoraciones de las grandes ánforas de lujo) y que emplearon los procedimientos al fresco, al encausto, al temple y quizás al óleo. Los asuntos representados en tales pinturas, a juzgar por lo que se observa en las mencionadas vasijas, fueron escenas de la vida humana y tradiciones o leyendas mitológicas y heroicas.


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Pintura sobre vasija, cerca 500 a. C.

La pintura griega se divide en tres periodos (después del cretense y micénico ya nombrados que pueden considerarse como protohistóricos respecto de Grecia), a saber:

1. El de formación y arcaico que dura hasta el siglo V a. C., el cual se distingue por los resabios de influencias asirias y egipcias que revela en sus dibujos. La pintura de las vasijas correspondientes al primero de dichos periodos suele ofrecer desde mediados del siglo VIII a. C. las figuras de color negro sobre fondo amarillo o rojo (pues antes de dicha fecha consistía en dibujos de estilo geométrico y figuras estilizadas)

2. El de elegancia nacional, durante el siglo V a. C. y parte del IV a. C. en que se emancipó la pintura con Polignoto, seguido de Apolodoro, Zeuxis y Parrasio, muy correctos en el dibujo, atribuyéndose al primero la invención del claroscuro. Las vasijas de este periodo tienen las figuras rojas sobre fondo negro, siendo excepción los célebres lecitos blancos de tenas que sobre fondo blanquecino ostentan figuras polícromas.

3. El alejandrino o de difusión desde mediados del siglo IV a. C. hasta dos siglos más tarde en que fue Grecia conquistada por los romanos. Las vasijas de este periodo que es la época de las grande ánforas decorativas o de lujo continúa casi en lo mismo que en el precedente pero con menor corrección y con cierto barroquismo en el dibujo hasta principios del siglo II a. C. en que cesan las figuras pintadas y se usan de relieve con uniforme color negro o rojo.


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Escena familiar con la inscripción "[hija de] Mousiaos", estela funeraria. Museo del Louvre

A principios de este último periodo rayó con el famoso Apeles el arte pictórico en lo más alto a que pudo llegar ocupándose su pincel en representar hazañas y gentilezas de la persona de Alejandro. Pero muy pronto decayó el arte, parando en una especie de barroquismo debida esta decadencia a la voluptuosidad y vulgaridad de los asuntos y a la misma difusión y éxodo fuera de Grecia que realizaron los talleres o escuelas principales e influyentes y que propiamente forman el periodo helenístico.

De todas las variaciones apuntadas, se guardan elegantes muestras en los grandes museos de Europa y en ellas puede advertirse que la tal pintura no pasa del simple género decorativo pues carece de verdadera perspectiva y de claroscuro, determinándose los pliegues de la vestimenta y demás lineamentos con rayas negras o de color rojo oscuro más o menos gruesas según lo exige las figura y es frecuente representar la carnación en las figuras sobre todo, las femeninas, con pasta de color blanco.


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'Edicola funebre greco-punica da Marsala' - Quiosco griego-púnico funeraria, fresco con escenas. El Imperio Romano, desde Marsala. En la Jamba izquierda, el símbolo de la diosa fenicia Tanit. En la parte inferior, la Granada, símbolo de la fertilidad y la inmortalidad a través de la progenie. La inscripción, que define "agathòs" (buena memoria) el fallecido era en idioma griego.Museo archeologico regionale di Palermo.


Timantes de Sición y Parrasio de Éfeso

Parrasio de Éfeso (en griego antiguo Παρράσιος) fue uno de los principales pintores de la Grecia Antigua, que desarrolló su actividad entre los años 440 y 380 a. C. Nació probablemente en Éfeso.
Contenido

Parrasio se presenta a sí mismo en un epigrama: fue hijo y alumno de Evenor como precisa Plinio el Viejo.

Se estableció en Atenas, ciudad en la que ya residía alrededor del año 400 a. C. y de la que fue ciudadano. Vivió muchos años en Atenas, siendo un pintor rico y admirado. Parrasio es junto a Zeuxis un autor de la escuela de pintura jónica, pero puede ser considerado entre los artistas áticos. Sus costumbres excéntricas y su gusto por el lujo fueron bien conocidos durante la Antigüedad: se dice que lucía una vestimenta teñida de púrpura, una corona de oro, un bastón rodeado de oro y cintas de oro en sus sandalias.3 Se cree que murió hacia el año 388 a. C.

El periodo de su actividad está fijado por la anécdota que Jenofonte documenta de la conversación entre él y Sócrates sobre el tema del arte, en sus Memorables,4 lo que llevó a Quintiliano a situar al pintor en la época de la Guerra del Peloponeso;5 era por lo tanto un pintor distinguido antes del año 399 a. C. Plinio fija su apogeo en la 85.ª olimpiada6 (400-396 a. C.) y le presenta como contemporáneo de Zeuxis.

Una leyenda que se cuenta sobre él es su competición con Zeuxis, quien pintó racimos de uvas con tal realismo que engañó a los pájaros. Entonces Zeuxis le pidió a Parrasio que apartara la cortina y mostrase su cuadro, pero, al descubrir que el cuadro de su rival era la propia cortina, reconoció que le había sobrepasado, pues Zeuxis había engañado a los pájaros, pero Parrasio había engañado a Zeuxis;7 esta anécdota prueba su habilidad técnica.

Séneca relata un cuento según el cual Parrasio compró uno de los olintios que Filipo vendió para ser esclavos, y lo torturó para tener un modelo para un cuadro de Prometeo encadenado para el Partenón de Atenas;,8 pero la historia es cronológicamente imposible, ya que Olinto se tomó en el año 348 a. C.9

Con Timantes de Sición compitió sin éxito en una pintura, Odiseo y Áyax discutiendo por las armas de Aquiles.


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El Sacrificio de Ifigenia, obra considerada copia de Timantes (Museo de Nápoles, Italia)

Timantes de Sición fue un pintor de la Antigua Grecia del siglo IV a.C., discípulo de Parrasio. Su más célebre obra fue una pintura sobre “El sacrificio de Ifigenia” en la que plasma vivamente las emociones de quienes toman parte en el hecho, sin embargo Agamenón, padre de Ifigenia, es representado en la misma obra con un velo y con el rostro cubierto. De esta forma, el autor parece mostrarnos que es imposible expresar, mediante la plástica, un dolor tan grande. Una pintura descubierta en Pompeya, y ahora en el Museo de Nápoles, es considerada como copia o por lo menos estar basada en el original de Timantes.



Enlaces interesantes

Cerámica griega: http://es.wikipedia.org/wiki/Cer%C3%A1mica_griega
Cultura de Grecia: http://es.wikipedia.org/wiki/Cultura_de_Grecia
Arte griego: http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_griego



Fuentes: commons.wikimedia.org
 




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