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En esta sección sólo se permiten exposiciones de Pintores Extranjeros. La forma de abrir una exposición es el autor con su fotografía y su biografía y los cuadros de la exposición con un tamaño no superior a los 800 píxeles.


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Fernand Léger (1881-1955)
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Este trabajo recopilatorio está dedicado a Fernand Léger (4 de febrero de 1881 - 17 de agosto de 1955). Pintor cubista francés.

Su estilo hermanó en sus trabajos el arte con las máquinas adelantándose al futurismo ya en 1908 con Desnudos en el bosque (una versión del cuadro de Picasso de nombre parecido). Sus obras cubistas era de formas geométricas claras y colores brillantes, siempre con un pie en la figuración por mucho que coqueteara con la abstracción. El lenguaje pictórico era parte de un nuevo arte que correspondía a un nuevo funcionamiento del mundo. Léger había sido testigo del paso del coche de caballos al automóvil; de las velas y las lámparas de gas a la luz eléctrica; de la sociedad rural a la creciente sociedad urbana.


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Nacido en Argentan, Normandía, en el seno de una familia campesina, quedó huérfano de padre antes de cumplir dos años. Recibió instrucción primero en la escuela de su pueblo natal, y después en un instituto religioso de Tinchebray.

Entre 1897 y 1899 fue alumno de un arquitecto en Caen; en 1900 se traslada a París, donde trabaja como dibujante de arquitectura, al tiempo que estudia en la Académie Julian. Tras cumplir su servicio militar (1902-1903), ingresó en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas al no conseguir plaza en la de Bellas Artes, donde, como alumno libre, recibió lecciones de Jean-Léon Gérôme y de Gabriel Ferrier. Visitó asiduamente el Museo del Louvre y, al igual que otros pintores de su generación, debió al impresionismo, iniciado en las galerías de la calle de Laffitte, la esencia de su formación artística.

Sus primeras obras datan de 1905 y son de clara influencia impresionista.

En 1907, al igual que otros pintores parisinos, queda profundamente impresionado por la retrospectiva de Cézanne. En este mismo año entra en contacto con el primer cubismo de Picasso y Braque.

Desde los primeros momentos, el cubismo de Léger se orienta hacia el desarrollo de la iconografía de la máquina.

Desnudos en el bosque (1909-1910), inspirado posiblemente en el cuadro de Picasso de 1908 del mismo título, convierte el tema en una habitación llena de artefactos y robots, donde parece apartarse de la férrea doctrina de Cézanne de pintar a partir del cilindro y el cono; la sobriedad de los colores, unida a la actividad frenética de los robots, crea una atmósfera simbólica de un mundo nuevo y deshumanizado. En algunos aspectos es una anticipación del futurismo italiano.


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Rue Fernand Léger (Gif-sur-Yvette).

En 1910 expone con Braque y Picasso en la galería de Kahnweiler donde, en 1912, hace también su primera individual. Al siguiente año comienza a investigar sobre formas de máquinas representadas con colores primarios, llegando en ocasiones a una estructura abstracta que se hace más explícita con los títulos, como por ejemplo Contraste de formas, de 1913, donde se acerca a las ideas de Delaunay sobre los contrastes de color, aunque manteniendo la marcada tridimensionalidad de sus primeros trabajos. Su fascinación por las formas geométricas y los colores brillantes le lleva a menudo al borde de un arte abstracto, que siempre acaba rechazando.

En Escalera, de 1914, vuelve a pintar la figura y su entorno, pero construyéndola mediante las formas abstractas utilizadas anteriormente.

Entre 1914 y 1917 cumple su servicio militar. La experiencia de la guerra le revela las posibilidades visuales de las máquinas como iconos de la modernidad; aunque su estilo ya estaba predispuesto en esta dirección, a partir de entonces usa las formas cilíndricas y geométricas para idear un mundo mecanizado, aunque, a diferencia de los futuristas, no venera a la máquina, sino que quiere reconciliar sus formas metálicas y regulares con las formas orgánicas, para construir una visión humanista.


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Fernand Léger - Le Campeur Fernand Léger Musée national Fernand Léger.

La ciudad, de 1919, es una obra clave en las investigaciones de Léger sobre la relación de la realidad con la superficie pintada. En este cuadro controla el habitual aspecto escultórico de su pintura a través de la rigidez arquitectónica, estableciendo la primacía de la bidimensionalidad del plano pictórico; utiliza diversos métodos avanzados de cubismo sintético para conseguir todo tipo de variaciones ilusionistas.

En las obras de este periodo que tienen como tema la ciudad, la figura humana aparece despersonalizada y mecanizada, adaptada al ambiente que la circunda. El artista traduce la energía de la vida contemporánea a equivalentes pictóricos; masa, color y forma se confrontan en una multiplicidad de relaciones, creando imágenes independientes que producen sensaciones simultáneas; los planos se disponen de forma equilibrada y las composiciones se organizan por zonas bien definidas de color puro, uniforme y claramente delimitado. "Los elementos pictóricos de Léger, netos, simples, variados, producen, como las máquinas ideales, efectos de extraordinaria potencia" (Flint).

En los primeros años veinte colabora con el escritor Blaise Cendrars en algunas películas, y diseña escenografías y trajes para los Ballets suédois de Rolf de Maré.


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Fernand Leger - Les Constructeurs.

En 1923-1924 trabaja en su primera película sin argumento, Ballet mécanique, en la que interviene también Man Ray. En 1924 abre un taller con Ozenfant, y en 1925 hace sus primeros murales en el Pabellón del L'Esprit Nouveau de Le Corbusier para la Exposición Internacional de Artes Decorativas.

Durante los años veinte y treinta, Léger se muestra abierto a los estilos que se desarrollan. Algunos de sus cuadros de estos años muestran ciertas influencias de Kandinsky, de De Stijl y del Surrealismo.


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Fernand Léger - El puente, 1923. Óleo sobre lienzo, 92 x 60 cm. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

El tema que más desarrolla en esta época es la figura, en composiciones como Tres mujeres (1921), donde las figuras se muestran despersonalizadas, como volúmenes mecánicos modelados a partir del fondo geométrico, dando un paso más hacia la abstracción, al mismo tiempo que evoca un ambiente Art Déco. En cuadros como este se acerca claramente al purismo de Ozenfant y Le Corbusier.

En 1931 visita por primera vez los Estados Unidos y, en 1935, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Instituto de Arte de Chicago exponen su obra.

Entre 1940 y 1945 vive en los Estados Unidos, y vuelve a Francia al final de la guerra. Durante su estancia en Estados Unidos es profesor de la Universidad de Yale.


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Musée National Fernand Léger.

En los últimos diez años de su vida hace ilustraciones de libros, cuadros de figuras monumentales, pinturas murales, vidrieras, mosaicos, esculturas polícromas de cerámica y escenografías teatrales. En 1955 gana el gran premio de la Bienal de Sao Paulo.

Muere el 17 de agosto de ese mismo año en Gif-sur-Yvette, Francia.

Espero que la recopilación que he conseguido de esta pintor extranjero sea del interés de los aficionados al arte que frecuentan esta sección del foro de xerbar, y en lo posible contribuya en su divulgación.




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Scheveningen Circusplein. Kunstwerk "La Grande Fleur qui Marche" (1952) van Fernand Léger. The Hague/The Netherlands.




Algunas obras


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Tres Mujeres, c. 1921, obra de Fernand Léger, actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York


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Composición (1926), de Fernand Léger, parte de la colección del Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia).


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Composición. Obra de Fernand Léger


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Man and Woman, 1921. Obra de Fernand Leger


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Retrato del tío del artista, 1905. Óleo sobre tela, 44 x 35 cm. Musée National. Biot. Obra de Fernand Leger


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La mujer de azul, 1912. Óleo sobre tela, 193 x 130 cm. Kunstmuseum. Basilea. Obra de Fernand Leger


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Fumadores    , 1912. Óleo sobre lienzo, 129,5 x 96,3 cm. Museo Guggenheim. Nueva York. Obra de Fernand Leger


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La gran Julie. Óleo sobre tela, 111,8 x 127,3 cm.MOMA. Nueva York. Obra de Fernand Leger


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Desnudos en el bosque, 1910. Óleo sobre tela, 120 x 170 cm. Museum Kröller-Müller. Otterlo. Obra de Fernand Leger
 

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'La ciudad' (1919), pintura al óleo de Fernand Léger que condujo a la experimentación a los creadores cubistas y futuristas que la vieron. El cuadro (contenedor de la dinámica y el frenesí de la vida en la ciudad) se convirtió en un manifiesto para las representaciones de la metrópolis moderna (Philadelphia Museum of Art, A. E. Gallatin Collection, 1952 - © Fernand Léger by SIAE 2014)


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'Paisaje animado' (1924). El pintor francés Fernand Léger (1881-1955) hermanó el arte con las máquinas adelantándose al futurismo. La exposición 'Léger 1910-1930. La visione della città contemporanea' ('Léger 1910-1930. Una visión de la ciudad contemporánea'), en el Museo Correr de Venecia, repasa los años más innovadores de la carrera del autor (Philadelphia Museum of Art - © Fernand Léger by SIAE 2014)


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'Hombres en la ciudad' (1919). Las obras cubistas de Léger eran de formas geométricas claras y colores brillantes, siempre con un pie en la figuración por mucho que coquetearan con la abstracción (Collezione Peggy Guggenheim, Venezia (Solomon R. Guggenheim Foundation, NY) - © Fernand Léger by SIAE 2014)


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Diseño de Léger para el telón de una compañía de 'ballet' en 1922 (© Dansmuseet – Musée Rolf de Maré Stockholm - © Fernand Léger by SIAE 2014)


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'Disks of Newton' (Study for Fugue in Two Colors, 1912 ) 'Discos de Newton', estudio al óleo de Frak Kupka. La exposición acompaña la obra de Fernand Léger de trabajos de autores como Picabia, Duchamp, Mondrian, Le Corbusier, Robert Delauinay y El Lissitzky: compañeros de viaje del cubista francés hacia la experimentación (Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg Collection, 1950 - © Frank Kupka by SIAE 2014)

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'Elemento mecánico' (1924), uno de los más de 60 óleos de Fernand Léger de la exposición 'Léger 1910-1930. La visione della città contemporanea' ('Léger 1910-1930. Una visión de la ciudad contemporánea'), que repasa las innovadoras representaciones que hizo el autor de las metrópolis modernas (Centre Georges Pompidou, Musee National d’Art Moderne, Paris Centre Pompidou, Paris Musée National d’Art Moderne/ Centre de création industrielle - © Fernand Léger by SIAE 2014)


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'Humo sobre tejados' (1911), el primer paisaje urbano que pintó Fernand Léger (Collezione privata - © Fernand Léger by SIAE 2014)


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'Tipógrafo' (1919), óleo de Léger exhibido en la exposición 'Léger 1910-1930. La visione della città contemporanea' ('Léger 1910-1930. Una visión de la ciudad contemporánea'), en Venecia (Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg Collection, 1950 - © Fernand Léger by SIAE 2014)


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Grand tournesol (La Fleur polychrome) (1952) (fonte 2000), œuvre de de Fernand Léger, située devant le pavillon Michal et Renata Horstein du Musée des beaux-arts de Montréal, 1379, rue Sherbrooke Ouest (côté nord)


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Large mural on a wall with a human figure in a 1930's style. Obra de Fernand Léger


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Fernand Léger's stained-glass window at the Central University of Venezuela. Modern movement art + architecture in Venezuela.


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Mural de Fernand Léger en la Plaza Techada de la Universidad Central de Venezuela.


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Grand parade with red background, mosaic 1958 (designed 1953). Presented through the National Gallery of Victoria


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HenriLaurens-L'Amphion-Leger-Bimural, 1953


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L'exposition "Bazarasons, un éveil musical pour les 4-12 ans", du 8 juillet au 2 novembre 2014, Palais de la découverte, Paris, France.

    "Si las expresiones pictóricas han cambiado, es porque la vida moderna lo ha requerido. La visión desde una ventana de un tren y un coche viajando a toda velocidad han alterado la apariencia de las cosas. Un hombre moderno registra cien veces más impresiones sensoriales que un artista del siglo XVIII (...) La compresión de la pintura moderna, su variedad, su descomposición de formas, son el resultado de todo esto".

Fernand Léger



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a Fernand Léger (1881-1955). Pintor cubista francés. Nacido en Argentan, Normandía, en el seno de una familia campesina, quedó huérfano de padre antes de cumplir dos años. Recibió instrucción primero en la escuela de su pueblo natal, y después en un instituto religioso de Tinchebray.

Entre 1897 y 1899 fue alumno de un arquitecto en Caen; en 1900 se traslada a París, donde trabaja como dibujante de arquitectura, al tiempo que estudia en la Académie Julian. Tras cumplir su servicio militar (1902-1903), ingresó en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas al no conseguir plaza en la de Bellas Artes, donde, como alumno libre, recibió lecciones de Jean-Léon Gérôme y de Gabriel Ferrier. Visitó asiduamente el Museo del Louvre y, al igual que otros pintores de su generación, debió al impresionismo, iniciado en las galerías de la calle de Laffitte, la esencia de su formación artística.

Su estilo hermanó en sus trabajos el arte con las máquinas adelantándose al futurismo ya en 1908 con Desnudos en el bosque (una versión del cuadro de Picasso de nombre parecido). Sus obras cubistas era de formas geométricas claras y colores brillantes, siempre con un pie en la figuración por mucho que coqueteara con la abstracción. El lenguaje pictórico era parte de un nuevo arte que correspondía a un nuevo funcionamiento del mundo. Léger había sido testigo del paso del coche de caballos al automóvil; de las velas y las lámparas de gas a la luz eléctrica; de la sociedad rural a la creciente sociedad urbana.



Fuentes y agradecimientos a: es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, 20minutos.es, epdlp.com, artcyclopedia.com, museothyssen.org, pintura.aut.org, es.wahooart.com, royalcollection.org.uk y otras de Internet.
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Fernand Léger en Museo Thyssen


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Fernand Léger (Argentan, 1881 - Gif-sur-Yvette, 1955) Fernand Léger fue uno de los principales protagonistas de la vanguardia parisiense de la primera mitad del siglo XX.

Se. formó como arquitecto en Caen, y en 1900 se trasladó a París, donde trabajó como dibujante de arquitectura y acudió a las academias de pintura de Gérôme y de Gabriel Ferrier. La fuerte impresión que le produjo la retrospectiva de Cézanne de 1907 le hizo abandonar el impresionismo de sus primeras obras y sumergirse en el lenguaje de la vanguardia. Se relacionó con los pintores cubistas, con Apollinaire, y en 1910 entró a formar parte de los artistas de la galería de Daniel-Henry Kahnweiler. Sus primeras obras dentro de la órbita cubista tuvieron un componente figurativo, que evolucionó a partir de su serie Contrastes de formas, de 1913, hacia planteamientos más abstractos. Estuvo vinculado al grupo de Puteaux, un círculo de artistas entre los que se encontraban los hermanos Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon que, bajo la influencia de las teorías del filósofo Henri Bergson, estaban interesados por la analogía entre el arte, las matemáticas y la música. Léger expuso con ellos en los salones de la Section d’Or. También estuvo en contacto con la vanguardia rusa y con los futuristas italianos, y mantuvo una estrecha relación con el pintor Robert Delaunay.

Durante. la Primera Guerra Mundial fue movilizado y acabó ingresado en un hospital. Posteriormente, durante el periodo de entreguerras su obra acusó la influencia de los preceptos de la revista L’Esprit Nouveau, fundada por el arquitecto Le Corbusier, que defendía la estética de la máquina, dando comienzo a su «periodo maquinista», en el que reflejaba su fascinación por el paisaje urbano de París. Su obra Composición con tres figuras, de 1932 (París, Centre Pompidou- Musée national d’art moderne), marcó el inicio de su interés por la figura humana y su personal acercamiento al clasicismo, siguiendo la tendencia generalizada de «vuelta al orden». Durante la Segunda Guerra Mundial se exilió en Estados Unidos, donde trabajó como profesor en diversas universidades. A su regreso a París, se afilió al Partido Comunista y hasta el final de su vida llevó a cabo una prolífica actividad creadora. Realizó numerosas pinturas murales y se interesó por las vidrieras, los mosaicos y los tapices.


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La escalera (Segundo estado), 1914. Óleo sobre lienzo, 88 x 124,5 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Fernand Léger.

El 5 de mayo de 1913 Fernand Léger , uno de los participantes en la «Salle 41» del Salon des Indépendants de 1911, que dio carta de naturaleza al movimiento cubista, pronunció en París la conferencia «Les Origines de la peinture contemporaine et sa valeur représentative» , en la que declaraba: «El realismo pictórico es la ordenación simultánea de tres grandes cualidades plásticas: las líneas, las formas y los colores» . Si Picasso y Braque fueron quienes inventaron un nuevo lenguaje plástico que rompió con toda la pintura anterior, Léger quiso encontrar una nueva belleza en el mundo y capturar los contrastes de la vida moderna a través de los contrastes pictóricos, compaginando el cubismo con el uso del color. Léger llevó a la práctica este nuevo planteamiento estético en una serie de cuarenta y cinco pinturas que denominó Contrastes de formas, de 1913 y 1914, que marcan el punto álgido de su carrera durante el periodo anterior a la Gran Guerra . En este conjunto, a pesar de utilizar un lenguaje cercano a la abstracción, se detecta la intención de representar la figura humana; una figura humana deshumanizada y mecanizada que se funde con su fragmentado entorno, que no es otro que el mundo de la máquina y de la tecnología. En contra de la planitud propia del cubismo más ortodoxo, Léger otorgó a los objetos un sentido de volumen físico: «Opongo las curvas a las rectas, superficies lisas a formas modeladas». Esto le llevó a utilizar unas formas tubulares, con planos cóncavos y convexos y ritmos mecánicos, construidas a base de contrastes de colores puros.

En su estudio de esta pintura, Christopher Green hace referencia a una carta de Léger fechada el 14 de noviembre de 1915 en la que menciona un grupo de obras realizadas en Normandía un mes antes del comienzo de la guerra, tituladas La escalera y derivadas de sus investigaciones abstractas de contrastes de formas y colores . En el catálogo razonado del artista de Georges Bauquier aparecen recogidas, además de La escalera de la colección Thyssen-Bornemisza, otras cinco obras de la misma serie . En la versión del Museo Thyssen-Bornemisza, un grupo de figuras mecanizadas, construidas a base de formas cilíndricas, están bajando hacia el espectador por una escalera de la que podemos claramente discernir la barandilla en escorzo y unos cuantos escalones amarillos a la derecha de la composición. Las formas tubulares, que delimitan las líneas negras de los contornos, adquieren volumen gracias a unos cuantos toques de rojo, azul y amarillo, que sólo cubren la superficie parcialmente dejando a la vista el resto de la tela. La profundidad se consigue a través de la superposición de planos y formas y, aunque no hay una fuente de luz definida, Léger utiliza algunas pinceladas de blanco para resaltar determinadas zonas y aumentar la tridimensionalidad de las formas cilíndricas. El movimiento, que se crea a través de la rotación que parecen tener las distintas piezas articuladas de las figuras y por su avance hacia el espectador, pone a Léger en relación con otros pintores contemporáneos interesados en representar escenas en movimiento: con su amigo Robert Delaunay , con Marcel Duchamp —cuyo Desnudo bajando la escalera, de 1911, fue expuesto en el Salon de la Section d’Or de 1912— o con los futuristas italianos, con los que comparte un mismo interés por la captación de la mecanización y la velocidad de la vida moderna.

Por lo demás, la representación del contraste, la fragmentación y la simultaneidad de la ciudad moderna que reflejó Léger en su obra no puede dejar de relacionarse con la exaltación de la ciudad y la representación del yo fragmentado en el espacio y en el tiempo, presente en la poesía de Guillaume Apollinaire . Su noción de simultaneísmo , a la que se refiere el propio título de la serie, Contrastes de formas, es la misma que Apollinaire propone para su poesía a partir de 1912. Su poema Zone , de 1912, traduce su propia experiencia de la ciudad y ofrece un calidoscopio de imágenes a través de nuevos procedimientos poéticos, como el verso libre y la estética de la simultaneidad y la fragmentación.


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El disco, 1918. Óleo sobre lienzo, 65 x 54 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Fernand Léger.

Como les ocurrió a otros muchos artistas de su generación, la movilización durante la Primera Guerra Mundial no sólo afectó profundamente el espíritu de Fernand Léger , sino que le empujó paulatinamente a dejar la abstracción y a recuperar el objeto real . Ahora bien, esa vuelta al realismo no se produciría de forma inmediata, y cuando en el verano de 1918 pudo volver a pintar, después de una larga convalecencia tras su hospitalización en París, comenzó una serie centrada en la representación de la forma del disco. La incorporación en sus composiciones de este motivo abstracto, que le era ya familiar a través del lenguaje no-objetivo del matrimonio Delaunay anterior a la guerra, puede deberse a su colaboración con Kahnweiler en la edición de J’ai Tué del escritor suizo Blaise Cendrars , amigo de los Delaunay , que apareció en noviembre de 1918 con ilustraciones de Léger.

El disco , de la colección Thyssen-Bornemisza, fue ejecutado en octubre de 1918 y se presentó en la exposición individual del artista en la Galerie l’Effort Moderne de Léonce Rosenberg en febrero de 1919. Finalizado aproximadamente un mes antes del Armisticio, puede relacionarse con su pintura El día del Armisticio , del mes de noviembre del mismo año, y con El 14 de julio de 1918 en Vernon , otra obra de tema bélico algo anterior. Ahora bien, aunque en esta composición podamos encontrar ciertas referencias al movimiento y los colores de las banderas, con la forma del disco Léger no pretende representar nada específico, sino utilizar un simple motivo pictórico de colores y formas planas.


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El remolcador, 1922. Gouache sobre papel, 23,8 x 31,4 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Fernand Léger.

La experiencia de la guerra enfrentó a Léger con una sociedad mecanizada y un mundo transformado por la tecnología. A su regreso, abandonó las composiciones abstractas de formas geométricas y colores primarios de los años anteriores, ya que anhelaba poder fijar su atención en los objetos reales del mundo moderno. Además, la tendencia generalizada de lo que Jean Cocteau definió como rappel à l’ordre y la influencia de la simplificación de los volúmenes del purismo de Ozenfant y Le Corbusier produjeron en Léger , en palabras de Christopher Green, una deriva hacia «un estilo más simple, hacia una representación más armoniosa de las contradicciones, en la que las formas arquitectónicas planas y precisas le servirían de escenario para una representación más precisa del hombre máquina».

El remolcador, fechado en 1922, fue conocido hasta hace poco como La terraza, el título con el que este gouache salió al mercado en 1976, quizás en referencia al balcón que se distingue en el centro de la composición. Pertenece a una serie de obras que repiten el tema de los barcos remolcadores atravesando un paisaje urbano, fechados entre 1910 y 1923, entre los que se encuentran varios lienzos y gouaches de distintos formatos . Este conjunto de pinturas confrontan elementos ondulantes de la naturaleza, como la silueta sinuosa de un árbol que se repite en todas ellas, con formas geométricas propias del mundo industrializado y mecanizado. Según se deduce de una carta enviada por Léger a su amigo el crítico Maurice Raynal , la elección del tema del barco remolcador pudo deberse a la anulación del encargo del decorado de una obra de teatro para la que había proyectado realizar un telón con un gran barco.


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El puente, 1923. Óleo sobre lienzo, 92 x 60 cm. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Fernand Léger.

Formado en el seno del cubismo, Fernand Léger mostró tras la Primera Guerra Mundial una fuerte atracción por la vida moderna y la belleza de las máquinas; es lo que se conoce como su “época mecánica”. El puente, pintado en 1923, conjuga visiones fragmentarias de la ciudad y sus alrededores. Algunos motivos, como las arquitecturas de la parte superior, el paisaje solidificado, el damero en forma de cuña, y los discos dispuestos a modo de puente, ya habían aparecido en sus obras anteriores. Ahora se yuxtaponen de manera abstracta, sin unidad aparente, siguiendo patrones tomados tanto del cubismo sintético y del simultaneismo de Delaunay, como del montaje cinematográfico. No hay elementos narrativos. Ni tan siquiera una figura que destaque sobre el fondo. Léger recurre una vez más al contraste de colores primarios, de líneas curvas y rectas, y formas planas y tridimensionales para sugerir la vitalidad del mundo moderno.

Hacia finales de 1923, Léger diseñó el decorado de un laboratorio del futuro para la realización de la película L'Inhumaine, de Marcel L'Herbier. Construido con tablas de madera pintadas, su decorado era una materialización en tres dimensiones de la arquitectura pictórica que había desarrollado como pintor entre 1918 y 1921; es una adaptación del vocabulario de discos y planos de color utilizados para la arquitectura urbana y superestructuras navales de las pinturas de la serie Remolcadores, de 1920-1921, a su vez adaptadas de las composiciones de discos de 1918-1920. El puente es una de las pinturas producidas en 1923 que tienen como tema o la arquitectura sola o la confrontación de discos y planos de colores lisos y formas de edificios totalmente modeladas. Su arquitectura plana es muy parecida a la del decorado de Léger para el laboratorio.

Para L'Herbier, Léger diseñó un interior que se podía animar con iluminación y movimiento. El puente se puede interpretar como escena de exterior o se puede leer, por la colocación en la zona del «primer plano» de las formas abstractas abajo y los dos postes de color verde esmeralda arriba, como una vista de dentro hacia fuera, una vista quizá desde detrás de los pilares de un edificio cromático imaginario de Le Corbusier. La obra enlaza vagamente con los lienzos de 1923 que tratan sólo de edificios urbanos y suburbanos pero está más claramente relacionada con el regreso al tema de los remolcadores de 1920-1921, que culminó con el cuadro Gran remolcador de 1923 (Biot, Musée National Fernand Léger). Es como si se hubiera cortado una tajada vertical de la síntesis de aquella enorme pintura y sus precursoras, incluyendo la acuarela El remolcador de la colección Thyssen-Bornemisza. La larga cuña horizontal del damero aparece de nuevo, deslizándose de izquierda a derecha a través de la composición igual que en la acuarela y su modelo, la pintura de Grenoble El remolcador, de 1920. Aquí, sin embargo, corta una amplia faja de paisaje plegado, detrás del cual se encuentra un telón de formas arquitectónicas urbanas realizadas en rojo, verde, negro y blanco, como un detalle de uno de los enormes edificios a modo de silos de granos con elevadores mecánicos del horizonte de Gran remolcador. La arquitectura de colores planos de «telón de fondo» también presagia el paso de Léger a la pintura mural de 1924-1925; recuerda especialmente la disposición arquitectónica de paneles moldeados de alegres colores que expuso como primera incursión en este campo con el escultor Josef Csaky en el Salon des Indépendants de 1923, su prefacio de los decorados de L'Inhumaine.

La asociación entre la idea de interior y la zona inferior de El puente, compuesta por el damero y los planos de color debajo de él, se ve fortalecida por la relación entre esta obra y dos bodegones pintados en 1923, donde utiliza un recurso parecido de recorte de disco. Igual que en El puente, el medio disco invertido de estas pinturas contiene una disposición aplanada que contrasta fuertemente con su entorno, como si fuese una vista de zonas abstractas de otra pintura, y es significativo que en una de ellas pende un paisaje enmarcado de la pared de detrás del cuenco de fruta, dando la ilusión de una vista al exterior, En el bodegón, las ambigüedades interior/exterior son tratadas de forma directa -el bodegón de encima de la mesa está claramente en el interior y el paisaje con su marco está claro que es un cuadro que cuelga en la pared-. En El puente, la falta de una mesa y un bodegón fácilmente legibles y de una ventana como marco para el paisaje exacerba la ambigüedad añadiendo un grado de duda. Al espectador se le coloca dentro y fuera a la vez.

Por otra parte, es posible leer la obra entera como una vista del exterior. Tal lectura se apoya en la relación entre esta obra y el dibujo a lápiz conocido como Estudio para remolcador y fechado «23», en el que encontramos de nuevo el recurso del disco recortado utilizado en El puente. En este dibujo la disposición aplanada de la parte inferior que se extiende por toda la hoja está estrechamente relacionada con la parte inferior de El puente. Pueden verse aquí los elementos del remolcador vistos desde fuera, pero dentro de los discos recortados Léger ha dibujado vistas de paisajes en pequeños medallones, de modo que paradójicamente pueden entenderse como vistas del puerto desde el interior de la cabina. Las ambigüedades se multiplican con los contrastes. Habría que añadir, además, que el tema obvio del remolcador de este dibujo, que justifica el título, sugiere que el «puente» al que hace referencia el título de la pintura de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza es el puente de un remolcador. Tal interpretación, por supuesto, haría cambiar la interpretación de los postes verdes como pilares corbusianos a los puntales o los mástiles de la superestructura del remolcador.

Tanto la disposición de la composición para dar la impresión de formas abstractas interceptándose y cruzando formas de paisaje, como el recurso específico del disco recortado enlazan esta obra con el otro proyecto cinematográfico de Léger de esta época, el Ballet mécanique. Esta película, realizada con el norteamericano Dudley Murphy, parece que se completó prácticamente en su primera versión en el verano de 1924, pero no se proyectó ante el público hasta la inauguración de la Internationale Ausstellung Neuer Theatertechnik organizada por Friedrich Kiesler en Viena y que se celebró en septiembre de aquel año. Según Léger, comenzó a trabajar en el Ballet mécanique en 1923, probablemente alrededor de la época de su colaboración con Marcel L'Herbier en L'Inhumanine. La película contiene secuencias en las que un objeto plano, del que se han recortado formas, se balancea delante de algunas cosas, la más notable de las cuales era la cabeza de la modelo Kiki. Igual que en El puente, formas recortadas ofrecen una vista de contraste a través de ellas, mientras que el efecto de corte que se logra es análogo al de las zonas de contraste que seccionan el formato vertical de la pintura.

La relación entre El puente y el trabajo de Léger de finales de 1923 en L'Inhumanie y Ballet mécanique indica una fecha hacia final del año. Sin embargo, esto no se puede corroborar definitivamente. El puente fue una de una serie de nueve pinturas y ocho dibujos que llegó a las existencias de la Galerie Simon de Kahnweiler en 1923; no he podido establecer exactamente en qué mes. Todas las pinturas eran obras de 1923, lo que sugiere que la fecha de entrada sería más bien avanzado el año. Incluían ejemplos de las pinturas de 1923 que se centraban en la arquitectura, y los dos bodegones de 1923 con los discos recortados descritos anteriormente.

La obra se presenta a modo de diseño, y está realizada como si fuese un diseño, es decir, como si estuviera basada en un meticuloso plan preliminar cuya función es precisamente la del anteproyecto del diseñador. No ha sobrevivido ningún estudio para la pintura en ningún medio y, cosa rara en la práctica de Léger, sólo existe un «estado» pintado. Podemos asegurar, no obstante, que el lienzo se desarrolló a partir de un estudio muy preciso, pues existen claras huellas de una retícula dibujada a lápiz; éstas se ven aún más claramente con luz infrarroja. Léger ha transferido la idea del papel al lienzo, y lo ha hecho con tal seguridad que apenas hay ningún pentimento visible.

En 1923 Léger ya estaba preparado para que su compromiso con un proceso mecánico de trabajo, utilizando baremos industriales de acabado, se convirtiera en un hecho. Floren Fels citó exhaustivamente sus ideas sobre el tema en una entrevista publicada en la revista Les Nouvelles Littéraires en junio de 1923. Léger hizo una sencilla analogía entre la producción de «objetos bellos» en la pintura y el perfeccionismo del «obrero» que «no se atrevía a entregar un producto que no estuviera inmaculado, pulido, bruñido». Reconoció que «la pintura se juzga hasta el centímetro, mientras que lo mecánico se juzga hasta el décimo de milímetro», pero aún podía escribir que entre los artistas «hay obreros e ingenieros». Para él, Rousseau era «un obrero» y Cézanne «un pequeño ingeniero». No hizo alegaciones sobre sí mismo. Debemos suponer que, al diseñar y pintar una obra como El puente, aspiraba al estatus tanto de obrero como de ingeniero.


museothyssen.org / Paloma Alarcó / Christopher Green
 




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Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

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