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Schiele, Egon
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Este trabajo recopilatorio está dedicado al pintor austriaco , fue un pintor expresionista, Tuvo como maestro a Gustav Klimt. Junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.

0_egon_schieleEgon Schiele (Tulln, Austria, 12 de junio de 1890 – Viena, 31 de octubre de 1918),

Su padre era jefe de estación y procedía del norte de Alemania; su madre originaria de Krumau (actualmente Český Krumlov), en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.

En 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.

En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.

En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).

Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.

Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos. En 1913 empezó a colaborar en die Aktion.

Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zúrich, Praga y Dresde.

En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. Durante el breve lapso de tiempo que separó sus muertes, Schiele realizó unos bocetos de Edith, que se consideran su última obra. Meses antes, en febrero de ese año, también había acabado la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbe.

Espero os guste la recopilación de este pintor austriaco, sea de vuestro interés y contribuya en la divulgación de su obra.






Algunas obras


Egon Schiele en el Museo Thyssen

Egon Schiele (Tulln, 1890 - Viena, 1918) A pesar de su prematura muerte, cuando apenas contaba con treinta años, el pintor Egon Schiele es considerado, junto a Oskar Kokoschka, el máximo representante del expresionismo austriaco. Comenzó sus estudios artísticos en 1906 en la Akademie der Bildenden Künste de Viena, junto al profesor Christian Griepenkerl, y la abandonó en 1909 para formar el Neukunstgruppe junto a otros pintores jóvenes, como Antón Peschka. El manifiesto del grupo, redactado por Schiele, defendía la individualidad del artista, lo que tuvo como consecuencia que la formación se disolviese al poco tiempo

Durante. estos primeros años, Schiele se sintió muy atraído por las corrientes modernistas del Jugendstil y especialmente por la obra de Gustav Klimt, al que había conocido en 1907. Presentó su obra al público vienés en la exposición Internationale Kunstschau de 1909, donde entró en contacto con sus primeros y más importantes patronos, como el crítico Arthur Roessler, que se convertirían además en protagonistas de sus retratos

En. su obra, centrada en la representación de la figura humana, destacaba la obsesión por el autorretrato, en el que analizaba su cuerpo trascendiendo las convenciones culturales y morales del momento. A esto se unía su interés por la representación de las diversas caras de la sexualidad, lo que hizo que su arte fuese calificado en numerosas ocasiones como pornográfico. Esta circunstancia le obligó a cambiar de residencia en 1911, a pasar una temporada en prisión en 1912 y a tener que vivir la quema pública de alguna de sus obras. A partir de 1911 realizó series de paisajes urbanos, donde representó, entre otras, la ciudad natal de su madre, Krumau (hoy perteneciente a Chequia). Con estas obras su arte tendió hacia la simplificación, e incluso a lo abstracto, algo que se vería también en sus posteriores representaciones de árboles

A. comienzos de la década de 1910, Schiele comenzó a estrechar contactos fuera de Austria, participando en diversas exposiciones. Gracias al reconocimiento de su obra, su mala situación económica fue poco a poco mejorando. Por otro lado, su matrimonio en 1915 con Edith Harms otorgó a su pintura un tono algo más optimista, a pesar de que pocos días después de su boda fue llamado a filas debido al estallido de la Primera Guerra Mundial. Moriría en 1918 víctima de una epidemia de gripe


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Egon Schiele - Autorretrato, 1910. Acuarela y carboncillo sobre papel, 45 x 31,5 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Ningún artista estuvo tan obsesionado con su propia imagen como Egon Schiele. A partir de 1910 su narcisismo, o su esquizofrenia, le llevaron a autorretratarse en todo tipo de actitudes, en numerosas posturas y gestos, con un erotismo muy provocador. El artista se representa tanto desnudo —a modo de san Sebastián herido— como vestido con todo un repertorio de disfraces en el papel de actor caricaturesco de una gestualidad cercana a lo grotesco.

En esta acuarela su cuerpo delgado, que resalta sobre el fondo neutro, es captado desde un punto de vista muy bajo para enfatizar su escualidez, y el expresivo gesto de su rostro nos hace pensar en las exageradas expresiones faciales esculpidas por su compatriota el escultor Franz Xavier Messerschmidt (1736-1783). Como en la mayoría de sus retratos, a la gestualidad del rostro, en principio el mejor aliado de la expresividad, se unen las manos, unas manos extremadamente alargadas y huesudas.


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Muchacha sentada (Poldi Lodzinsky), c. 1910. Acuarela, gouache, carboncillo y lápiz sobre papel, 45 x 30 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Egon Schiele.

En los años 1909 y 1910, Egon Schiele colaboró con la Wiener Werkstätte , una cooperativa creada en Viena en 1903 para la promoción de las artes decorativas. Uno de los encargos más importantes fue una vidriera para el Palais Stoclet de Bruselas, del arquitecto Josef Hoffmann , para la que realizó un boceto al óleo con el retrato de Poldi Lodzinsky. Aunque nunca llegó a realizarse, no cabe duda de que el artista puso mucho empeño en esta obra, a la vista de los numerosos trabajos preparatorios, entre los que se encuentra esta acuarela del Museo Thyssen-Bornemisza. El esquema simplificado y geométrico de la figura y el halo blanco colocado detrás de la cabeza de la joven pueden explicar su concepción para ser trasladado al vidrio.

La modelo Poldi Lodzinsky, hija de un conductor de autobús de Krumau , el lugar de origen de la madre del pintor, posa sentada con sus manos en el regazo. Su postura y el gesto de ansiedad de su rostro nos hacen recordar Pubertad de Edvard Munch, un artista por el que Schiele sentía una profunda admiración. Llama la atención la delicadeza con la que está trazado el estampado del vestido con diseños característicos del Jugendstil y que vincula a Schiele con la obra de su maestro Gustav Klimt.


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Desnudo tumbado con los brazos hacia atrás. 1911. Acuarela, gouache y lápiz sobre papel, 48 x 31,5 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Egon Schiele.

A comienzos del siglo xx, en que la sexualidad fue investigada con mayor seriedad, algunos artistas, entre los que sin duda destaca Egon Schiele, reflejaron en sus retratos determinadas emociones a través de la exageración erótica del cuerpo desnudo. Desde la recuperación científica y artística del cuerpo en el Renacimiento y el consiguiente debate entre su representación ideal o naturalista, hasta finales del siglo xix, cuando el desnudo comenzó a ser considerado un medio de identificación de la personalidad individual, el retrato desnudo fue un tema utilizado de forma muy excepcional. Sin embargo, en el siglo xx, el cuerpo fue ganando una mayor notoriedad y, como consecuencia de ello, se fue generalizando el retrato desnudo.

Egon Schiele siempre representó el cuerpo al margen de los cánones de belleza, en actitudes desinhibidas cargadas de contenido erótico, y sus personajes, incluso cuando adoptan poses provocativas, se presentan ante nuestros ojos como si estuvieran confinados en su alienación. Como en otras ocasiones, para esta acuarela el artista utiliza una muchacha joven como modelo, una práctica que le valdría una estancia en prisión y una condena por ofensa a la moral pública.

Aunque en el catálogo razonado del pintor Jane Kallir denominaba la obra Desnudo femenino de pie , hemos modificado el título siguiendo a Peter Vergo que afirma que la joven no se encuentra de pie sino tumbada.


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Casas junto al río. La ciudad vieja. 1914. Óleo sobre lienzo, 100 x 120,5 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Obra de Egon Schiele.

Casas junto al río pertenece a un extenso conjunto de paisajes urbanos realizados por Egon Schiele a lo largo de su carrera. Durante mucho tiempo estuvo erróneamente identificado como una vista urbana de Wachau, la localidad de la baja Austria en donde Schiele pintó en varias ocasiones, pero posteriormente se ha demostrado que en realidad se trata de Krumau, una pequeña población de Bohemia a orillas del río Moldava (hoy Cesky´ Krumlov, República Checa). Desde que en el verano de 1910 Schiele la visitó con sus amigos Anton Peschka y Ervin Osense, decidió que esta localidad, donde había nacido su madre, era una perfecta vía de escape de la agitada Viena. En 1911 se instaló allí de forma permanente con su modelo Wally Neuzil, y sus calles estrechas, la geometría de sus edificios y sus construcciones medievales pronto se convirtieron en uno de sus motivos pictóricos preferidos. Sin embargo, esa relación idílica no duró mucho tiempo. Su estilo de vida bohemio y libertino le trajo al artista serios problemas en la provinciana y conservadora Krumau y acabó siendo expulsado de su casa. Al trasladarse a Neulengbach, a las afueras de Viena, continuaron las acusaciones sobre su persona y en 1912 fue encarcelado durante veinticuatro días, acusado de inmoralidad pública.

Como la mayoría de los paisajes urbanos de Schiele, esta composición carece de perspectiva y está concebida como un friso plano que en ocasiones se ha puesto en relación con las vidrieras o las miniaturas góticas, que, al igual que a sus contemporáneos los expresionistas alemanes, tanto fascinaban al pintor. Al comparar la imagen del cuadro con las construcciones actuales comprobamos que la pintura no reproduce con demasiada fidelidad la secuencia de edificios alineados junto al río, y el artista se toma determinadas licencias, como la modificación de las proporciones de los tejados o la inserción de una torre inexistente. Por otra parte, la imagen de esta ciudad desierta, fantasmal, sin ningún atisbo de presencia humana, otorga a la composición un aire melancólico no exento de cierta ansiedad, esa ansiedad que tan bien sabía plasmar el artista en sus retratos. En este sentido, Kimberly A. Smith considera que los paisajes de Schiele son metáforas del ser humano o «elegías melancólicas que muestran de forma muy evidente su fascinación por la muerte».

El primer propietario del cuadro fue el coleccionista vienés Franz Hauer a quien Schiele, al igual que Kokoschka, retrató en 1914, el mismo año en que está fechado. En 1965 fue donado por Mr. y Mrs. Mortimer M.Denker a The Solomon R.Guggenheim Museum de Nueva York y entró en la colección Thyssen-Bornemisza en 1978.



Autorretratos


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Egon Schiele - Autorretrato (1907).

Autorretratos. Cerca de cien autorretratos fueron los que realizó Schiele, lo que demuestra que entre los pintores de su época fue uno de los que más observó «su propio yo», se captó en forma figurativa siempre, aunque en los primeros realizados entre 1905 y 1907 eran más naturalistas. Seguramente esta búsqueda de demostrar su ser, fue por el deseo de compensar la pérdida de la muerte de su padre, por medio de una exhibición y exaltación de su propio ego —puesto que su padre siempre había alabado sus dibujos— y encontrándose aún en edad de la pubertad, intentó asumir el papel de «hombre de la casa» mediante la intensificación de su propio orgullo. A partir de 1910 y cada vez más, fue deformando su figura con poses extravagantes y gestos patéticos, que de forma consciente despersonalizaba o envejecía. Friedrich Stern escribió en noviembre de 1912: «También aquí presenta un autorretrato que resulta difícil de reconocer porque la descomposición se encuentra demasiado avanzada; él creía que tenía que representar su joven rostro conmocionado por esa descomposición. Esto es realmente triste...»

Los rasgos más sobresalientes con los que se representaba eran la extrema delgadez de la figura, las contorsiones del cuerpo, un cabello corto y rebelde y una mímica casi tétrica. Seguramente el pintor habría leído a Friedrich Nietzsche, al margen de una influencia directa, muchas de sus pinturas están cercanas a las ideas de Nietzsche, como la que se formula en un capítulo de Así habló Zaratustra: «Hermano, detrás de tus pensamientos y sentimientos se encuentra un poderoso soberano, un sabio desconocido que se llama Yo Mismo. Vive en tu cuerpo y es tu cuerpo.»


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Egon Schiele - Autorretrato con barriga al aire. 1911. Acuarela y lápiz. 55.2 x 36.4 cm. Graphische Sammlung Albertina. Viena. Austria


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Egon Schiele - Autorretrato con los dedos extendidos (1911).


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Egon Schiele - Autorretrato con manguitos de rayas (1915).

Pero en su mayor parte no parecía tan orgulloso de su imagen, sino más bien mostraba lo patético de su estado ruinoso. Agotada su función como un ideal clásico (el desnudo académico) y de tipo social (el género del retrato), la figura resurgía casi del trastorno psicosexual. La representación de si mismo desnudo se hizo más habitual, la mayoría de los autorretratos no tienen ningún fondo, solo superficies lisas monocromas que, junto con las líneas del contorno del cuerpo irregulares y angulosas, le hacían conseguir una figura más expresiva, pero alejando el aspecto natural de la imagen, que aún lo conseguía más con anchas pinceladas de un cromatismo llamativo. Esto diferencia sus autorretratos con los realizados por Richard Gerstl predecesor suyo que se autorretrató en varias ocasiones también desnudo...



Figuras humanas


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Madre con dos hijos (1915-1917). Obra de Egon Schiele

La atención artística de Egon Schiele se centró principalmente en la figura humana, especialmente la femenina, que representó en una amplia y variada gama de expresiones: Desnudo duro y agudo; mujeres fuertes, orgullosas y seguras de sí mismas; retratos de una profundidad psicológica profunda y parejas entrelazadas en un abrazo erótico sin amor.


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Muchacha desnuda con el pelo negro (1910). Obra de Egon Schiele

Empleando colores en rojo, marrón oscuro, amarillo pálido y sombríos negros, trató de pintar el pathos directamente de los paisajes melancólicos con los árboles marchitos, así como imágenes desesperadas de madres y hijos afligidos. Son signos que revela el inconsciente, asumiendo una profundidad emocional mucho más pronunciada, que se caracterizan por una línea nerviosa, casi neurótica. Toman forma en el lienzo en una disonancia armónica que niega la estética y rompe el molde tradicional. El ego del artista emerge, contorsiona la materia y deja los ojos desorbitados y retorcidas las manos. Las manos es donde las líneas parecen denunciar el dolor, el sufrimiento, la tristeza de un alma a la deriva. Schiele describió los vericuetos de su mente, el tormento oscuro y el trauma doloroso por la pérdida prematura de su padre en 1905. Un hecho, que marcó indeleblemente su relación con las mujeres y el erotismo.

Aparecen en sus lienzos cuerpos femeninos terriblemente provocativos, con poses a menudo absurdas, para confundir la espacialidad. Heinrich Benesch describió su forma de trabajar:

    La belleza que Schiele nos regala en la forma y el color, nunca existió antes de él. Su dibujo era algo único. La seguridad de su mano era casi infalible. Cuando dibujaba solía sentarse en una banqueta baja, el tablero de dibujo con las hojas sobre las rodillas apoyando la mano derecha sobre la base. Pero también le vi dibujar de otra manera, de pie delante del modelo apoyando el pie derecho sobre la banqueta. Sostenía el tablero de dibujo sobre la rodilla derecha y lo sujetaba con la mano izquierda en el borde superior. Después disponía el lápiz, a pulso, perpendicular a la hoja y trazaba sus líneas, por así decirlo, a partir de la articulación del húmero.


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Dos mujeres echadas y entrelazadas (1915). Obra de Egon Schiele

El artista presentó una tensión erótica existencial y psicológica para difundir un mensaje de crítica social contra la falsedad de la burguesía. Más que una liberación del yo, su arte muestra un conflicto interno del sujeto individual que le enfrenta en relación a las autoridades, instituciones académicas y gubernamentales. En algunas de sus cartas dirigidas a su cuñado Leopold Czihaczek y al coleccionista Oskar Reichel, aparece en Schiele una «filosofía de la vida» de tendencia solipsista en la que expresaba opiniones contra los ataques de los «filisteos»:

    ...los artistas siempre vivirán.— Creo que los grandes pintores siempre pintaron figuras... Yo pinto la luz que proviene de los cuerpos.—¡La obra de arte erótica también tiene santidad!.— Una única obra de arte "viva" es suficiente para lograr la inmortalidad del artista...—Mis cuadros deberían colocarse en edificios similares a templos.

En una superficie rugosa y escabrosa, Schiele mostró, sin falso pudor, un erotismo desprovisto de moralidad y triste, donde las protagonistas son chicas de rostro infantil y de actitud deliberadamente impúdica. Las representó en las más diversas variaciones, vistas desde arriba o de perfil y con extrañas posiciones y movimientos extravagantes. Benesch apuntó que a veces pintaba a sus modelos desde una escalera, colocada sobre ellas.


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Abrazo (Amantes II), 1917. Óleo sobre lienzo, 100 x 170.2 cm. Osterreichische Galerie. Viena. Obra de Egon Schiele


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Arrodillada con la cabeza inclinada hacia abajo (1915). Obra de Egon Schiele


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La embarazada y la muerte    . 1911. Óleo sobre lienzo, 100.3 x 100.1 cm. Národni Galeri. Praga. Obra de Egon Schiele

Schiele era un hábil dibujante, de trazo claro, rápido y duro, sin dudas, no concedía espacio a la apreciación decorativa o estética de sus pinturas o dibujos. Sus obras tienen todas un fuerte y violento impacto en el espectador, que asume casi una posición de intérprete psicoanalítico; exudan el deseo de rebeldía y provocación como angustia existencial. Schiele buscaba, en las figuras angustiadas sin referencia al contexto histórico y social, los «instintos reprimidos», exploraba el exhibicionismo y el voyerismo, hacia un estado afectivo que puede llegar a lo patológico.


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Muchacha de pie con tela de cuadros (1910). Obra de Egon Schiele


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Mujer sentada con la pierna izquierda levantada (1917). Obra de Egon Schiele


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Pareja sentada (Egon y Edith Schiele), 1915. Obra de Egon Schiele


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La muchacha y la muerte (Egon y Wally) 1915. Obra de Egon Schiele


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La familia (1918). Obra de Egon Schiele

Trabajó en un sentido constante y siempre presente el carácter dramático y una visión de la realidad sufrida y meditada en su interior. El arte de Schiele permite, entonces, perderse en el infinito existencial y se encuentra cara a cara con el significado de la vida, que desafía las órdenes y se detiene en el magma emocional de una mancha de color. Una de las fuentes de inspiración, surgió en las experiencias de enfermos mentales que su amigo Erwin Osen había realizado por encargo del Dr. Kronfeld: dibujos de pacientes del manicomio local de Steinhof. Era Osen un personaje con una mímica artificial, que Schiele en los retratos que le realizó consiguió trasmitir.28 Es posible establecer también una relación directa, comparando algunos dibujos con los realizados por el Dr. Paul Richer asistente del neurólogo Jean Martin Charcot que constituyeron un catálogo de rasgos característicos de fases patológicas. El pintor pudo adoptar esas tipologías en algunos de sus modelos incluyéndose él mismo, ya que poseen, los llamativos movimientos que presentan estáticos o en actitud convulsiva, cierto parecido con los «maniquís» de Charcot. El resultado de la investigación de Charcot y Richer, que observaron que sus estudios en parte reaparecían en pinturas y dibujos históricos, lo editaron en su obra Les démoniaques dans l'art (1887).



Otras obras


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Retrato de Erwin Osen (Mime van Osen) 1910. Obra de Egon Schiele


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Leopold Czihaczek, 1907. Óleo sobre lienzo, 149.8 x 49.7 cm. Colección privada


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Erich Lederer. 1912. Óleo y aguada, 139 x 55 cm. Öffentliche Kunstsammlung. Basilea


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Dr. Hugo Koller, 1918. Óleo sobre lienzo, 140.3 x 109.6 cm. Österreichische Galerie. Viena


 35mujer_del_artista

Mujer del artista. 1918. Óleo sobre lienzo, 139,5 x 109,2 cm. Österreichische Galerie. Viena



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El arte no puede ser moderno, el arte es eterno. Obra de Egon Schiele


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Aquella naranja era la única luz. Obra de Egon Schiele


 13egon_schiele_nicht_gestraft_sondern_gereinigt_f_hl_ich_mich_20_04_1912

Me siento purificado y no castigado. Obra de Egon Schiele


 14egon_schiele_den_k_nstler_hemmen_ist_ein_verbrechen_es_heisst_keimendes_leben_morden_23_04_1912

Reprimir a un artista es un delito, significa asesinar vida en gestación. Obra de Egon Schiele


 15egon_schiele_ich_werde_f_r_die_kunst_und_meine_geliebten_gerne_ausharren_25_4_1912

Persistiré con gusto por el arte y por mis seres queridos. Obra de Egon Schiele


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La puerta hacia el exterior. Obra de Egon Schiele


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Habitación del artista en Neulengbach Schiele (1911). Obra de Egon Schiele


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Cuatro árboles (1917). Obra de Egon Schiele


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Ciudad muerta (1910-1912). Obra de Egon Schiele


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Casa con cobertizo (1915). Obra de Egon Schiele


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La casa de la curva (1915). Obra de Egon Schiele


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Torrente (1918). Obra de Egon Schiele


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Sagrada Familia. 1913. Aguada y lápiz sobre papel apergaminado, 47 x 36.5 cm. Galerie St. Etienne. Nueva York



Enlaces para ver más obras de Egon Schiele


http://pintura.aut.org/BU04?Autnum=11.112

http://www.achome.co.uk/vienna/inde...subpage=schiele

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Egon_Schiele

http://www.artcyclopedia.com/artists/schiele_egon.html

http://www.reproarte.com/artista/Egon_Schiele/index.html



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al pintor austriaco Egon Schiele, fue un pintor expresionista, tuvo como maestro a Gustav Klimt. Hay algunas imágenes eróticas un poco fuertes que he preferido no poner, si alguien desea verlas están en los enlaces de más arriba.


Fuentes y agradecimientos a: pintura.aut.org, es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, artrenewal.org, wga.hu, epdlp.com y otras de Internet.
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Last edited by j.luis on Wednesday, 13 May 2015, 23:16; edited 2 times in total 
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Post Re: Schiele, Egon 
 
Wally vuelve del exilio


Regresa a Viena el retrato de la amante de Egon Schiele, expropiado por los nazis y que había sido confiscado en Nueva York durante una exposición



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Retrato de Wally, pintado por Egon Schiele en 1912 y propiedad del Museo Leopold de Viena

El cuadro de Egon Schiele Retrato de Wally regresa a Viena por 19 millones de dólares (14,9 millones de euros). Es la cantidad establecida en el acuerdo extrajudicial que pone fin a 12 años de litigio entre la Fundación Leopold de Viena y los herederos de la propietaria original del lienzo, según comunicó la Fiscalía de Manhattan. El retrato que el pintor expresionista austriaco Egon Schiele realizó en 1912 de su amante Valerie, Wally, se convirtió en 1998 en uno de los últimos protagonista de medio siglo de encubrimiento de la apropiación de obras de arte a cargo de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Ese año, durante una exposición itinerante de Schiele en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) organizada por el Museo Leopold de Viena, el óleo fue confiscado por la fiscalía neoyorquina. Dos familias judías que lo reclamaban como propio sostenían que había sido expropiado por los nazis a una antecesora suya, la galerista Lea Bondi Jaray, casi setenta años antes. El asunto no era sencillo porque se trataba de un caso sin precedentes y porque el expolio había ocurrido en la década de 1930 pero el propietario en esos momentos, el coleccionista Rudolf Leopold, considerado hoy el más importante de Austria, había adquirido la obra ya en la posguerra, en 1950.

El caso de Wally desencadenó en todo el mundo una serie de debates e investigaciones que después de mucho tira y afloja condujeron a la adopción en Austria de una Ley de Restituciones que exige el esclarecimiento de la proveniencia de las obras de arte y que ha dado pie a la devolución de numerosos cuadros y piezas valiosas que albergaban los museos de Viena.

En cuanto a Wally, poco a poco se fueron disipando las dudas. Hoy se sabe que antes de ser forzada a exiliarse en Londres, la marchante Lea Bondi Jaray había sido sometida a presiones para que entregara sus propiedades a las autoridades del IIII Reich. Con el mismo método fueron expropiados miles de judíos sin que tuvieran posibilidad de recuperar sus bienes al finalizar la guerra. El botín nazi acabó en instituciones estatales austriacas.

Así, Wally fue a parar a la Galería Nacional de Austria, que hizo oídos sordos a las reclamaciones de Bondi. Ella recurrió a la ayuda del por aquel entonces joven Leopold, pero fue engañada por el coleccionista, que consiguió comprar el cuadro pero no lo devolvió a su antigua propietaria, sino que se lo quedó para engrosar su colección, en la que atesora 250 obras de Schiele dentro de una colección de 5.400 pinturas.

Lea Bondi Jaray falleció en 1969, pero su familia no cejó en su intento de recuperar el schiele. El coleccionista Rudolf Leopold falleció el pasado 29 de junio y la larga batalla judicial se resuelve ahora de forma extraoficial. Según el acuerdo, la fundación Leopold paga 14,9 millones de euros y los herederos de Bondi renuncian a la propiedad del cuadro. Todo ha sucedido apenas unos días antes del proceso judicial, que debía continuar con una visita de la jueza de Manhattan a Viena el 26 de julio.

Los abogados han cobrado 3,5 millones de euros a lo largo de estos años antes de resolver el conflicto, según cálculos del director comercial de la fundación, Peter Weinhaeupl, quien indicó que la suma total de 14,9 millones de euros será pagada mediante la venta de cuadros de la colección Leopold. Antes de morir el mes pasado, Rudolf Leopold había seleccionado ya las obras para vender a fin de financiar el regreso de Wally.

"Fue él mismo quien llevó a cabo las negociaciones", dijo su hijo Diethard. "Lástima que Rudi no lo pueda tener otra vez entre sus manos", lamentó Elisabeth, su viuda, en una rueda de prensa en el museo que lleva el nombre de la familia, en la que se fotografió con una copia del cuadro. El original será expuesto a partir del 27 de julio en el Museum of Jewish Heritage de Nueva York y se podrá ver en Viena a finales de agosto en una presentación especial del Museo Leopold. A su lado, un texto relatará la tormentosa peripecia del retrato de la amante de Egon Schiele.


EL PAÍS
 




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Exposición de la Fundación Beyeler de Basilea


Viena erótica


En la Viena de 1900, a falta de revistas o páginas web pornográficas, existía la posibilidad de acudir a las exposiciones de Gustav Klimt o Egon Schiele para buscar la inspiración que luego llevarse a casa.



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'Mujer tumbada' (1917) de Egon Schiele. | Cortesía del Leopold Museum de Viena.

La sublimación del desnudo, la autosatisfacción y la exageración del placer fueron habituales en los pintores de la época. Con más de 200 obras, la Fundación Beyeler de Basilea dedica su última exposición a la revolución artística que se vivió en la capital del Imperio Austrohúngaro a principios del XX, con un foco especial en el erotismo.

Klimt, Schiele, Kokosha y Gerstl se interesaron por el sexo como una manera de mostrar el subconsciente y todos los instintos que yacen más allá de lo controlable. Su inspiración provenía de las óperas de Wagner, los ensayos de Freud y las obras de los escritores austriacos Arthur Schnitzler y Leopold von Sacher-Masoch (por el que se acuñó el término masoquismo).


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'Chica desnuda acostada' (1906), Gustav Klimt y detalle de 'Goldfish' (1902) de Gustav Klimt. | Manfred Thumberger / Dübi-Müller-Stiftung

Klimt solía dibujar a las mujeres durmiendo o masturbándose, mostrando su lado más sensual en un estado casi onírico. Aparecen desnudas en posiciones relajadas, unas veces masturbándose; otras, practicando sexo lésbico o con hombres. Se muestran también ajenas a la mirada del espectador, perdidas en su placer infinito, dejándose arrastrar a los límites del subconsciente. Es el caso de 'Mujer acostada semidesnuda' (1917) o 'Mujer acostada sobre su barriga' (1910).


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Un desnudo femenino y 'Chica con el torso desnudo' (1911) de Egon Schiele. | Manfred Thumberger

La mayoría de la obras eróticas del autor de 'El beso' están hechas a lápiz o carboncillo, aunque a menudo realza los trazos con tonos rojos, azules o amarillos. En sus retratos en óleo, cargados del mismo simbolismo con el que dotó a sus paisajes, el erotismo es más sensual que sexual. En 'Goldfish' (1901-1902), el pintor austriaco presenta a cuatro mujeres desnudas entre las que se desliza un pez dorado, en una danza submarina muy sugestiva. Aquí se observa al Klimt más conocido, el de las pinceladas gruesas, los tonos dorados y los colores vivos. El título original del cuadro fue 'A mis críticos', en respuesta a los comentarios negativos que solía recibir por parte de la conservadora sociedad austriaca.

A pesar de todo, las obras de Klimt fueron mejor recibidas que las de su discípulo, Egon Schiele, quien acabó con sus huesos en la cárcel por exponer "arte erótico licencioso". No es de extrañar que sus cuadros escandalizaran a la recatada sociedad vienesa de principios del siglo XX.


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'Dos chicas tumbadas y entrelazadas' (1915) y 'El anfitrión rojo' (1911), ambas de Egon Schiele. | Peter Ertl / Cortesía de la Galería St. Etienne, Nueva York.

Las obras de Schiele son más pornográficas y tan directas que a menudo el resultado es de un realismo crudo y abrupto. Con estilo abstraccionista, pintó a mujeres y hombres aislados en el espacio, sin ornamento alguno, y sentó las bases del expresionismo futuro. La mirada de los personajes, siempre directa hacia el espectador, sus posturas exageradas y sus gestos llenos de tensión provocan inquietud. 'El anfitrión rojo' (1911) y 'Dos chicas tumbadas y entrelazadas' (1915) son una buena muestra de la brutal franqueza de sus trabajos eróticos.

Mujeres con las piernas descaradamente abiertas, vaginas expectantes, clítoris rojizos y penes en máximo estado de excitación eran imágenes obscenas que violaban las preceptos morales de aquellos tiempos. Así fue como Schiele marcó un antes y un después en el arte de la pintura erótica.

Como Klimt, las obras eróticas de su discípulo también giraban en torno al subconsciente, aunque en su caso mostraba el lado más oscuro del ser humano, influenciado por un mundo, el del Imperio Austrohúngaro, que se despedazaba por momentos y una sociedad, que había perdido el norte.

Además de estas obras subidas de tono, la Fundación Beyeler presenta también los trabajos paisajísticos de Klimt y Schiele, así como algunas de las obras más destacadas de otros contemporáneos. Todo para narrar la historia de una ciudad en efervescencia que marcó la base de los movimientos vanguardistas del siglo XX.


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'Madre e hijo' (1910) y 'Mujer embarazada y sentada', ambas de (1910) y de Egon Schiele. | Manfred Thumberger / Cortesía de Richard Nagy Ltd. London


EL MUNDO
 




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Viena acoge la primera exposición dedicada íntegramente a los retratos y autorretratos de Egon Schiele, considerado uno de los grandes pintores del expresionismo   



Se pintó a sí mismo 150 veces. Solo Rembrandt superó tal narcisismo


Su obra indignó y desconcertó a la biempensante sociedad vienesa



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Autorretrato de Egon Schiele.

Horas más tarde, cruzando la Ringstrasse frente a la mole de la Ópera, sorteando tranvías y bajo una ventisca de dimensiones bíblicas, uno se seguía haciendo preguntas, preguntas baladíes en torno a lo que somos y lo que decimos que somos, lo que pensamos y lo que en realidad decimos que pensamos, lo que deseamos y no somos capaces de revelar... y entonces volvían a aparecer, repetida, obsesivamente, los espejos atormentados de Egon Schiele (Tulln, Austria, 1890-Viena, 1918), sus retratos y autorretratos de angustia y búsqueda, todo ese abanico de interrogantes que uno de los tipos menos clasificables de la historia del arte lanzó al aire en la efervescencia modernista de la Viena de principios del siglo XX. Alguien que hacía preguntas y, desde sus pinturas, trataba de responderlas. Sin rodeos.

Misión condenada al fracaso, horas después de contemplarlos, la de quitarse de la cabeza esos cuerpos dislocados y esas miradas alucinadas, esos pobres diablos desnudos y desafiantes, terribles, esos prohombres de la cultura o las finanzas sabedores de su poder, esos niños en escorzo que posan con ojos de gente mayor, esas mujeres tan plagadas de sexualidad pero tan tristes, esa desolación, toda esa negrura.

Nunca, por increíble que parezca, se había dedicado una exposición a los retratos y autorretratos de Egon Schiele, un pintor que se pintó a sí mismo hasta la extenuación, más de 150 veces, solo superado en tan esforzado ejercicio de narcisismo por Rembrandt. La laguna, evidente e hiriente para los seguidores de Schiele, el monstruo del expresionismo austriaco con permiso de su maestro y mentor Gustav Klimt y de su contemporáneo Oskar Kokoschka, ha sido subsanada en las salas del Museo Belvedere de Viena (www.belvedere.at).

Agnes Husslein-Arco, su directora, y Jane Kallir, máxima especialista mundial en la obra del artista, han reunido un conjunto que apabulla por su cantidad -en torno a un centenar de obras entre óleos, dibujos, acuarelas y gouaches- y que procede de un buen número de museos, galerías y colecciones privadas de Europa y Estados Unidos. Un conjunto que incluye los retratos que Schiele hizo de sus modelos-amantes (como Wally Neuzil), de su esposa Edith, de los prisioneros de guerra rusos que le tocó custodiar durante su etapa de soldado en la I Guerra Mundial, de marchantes de arte, de editores, de banqueros... y del niño Erich Lederer, una de sus obsesiones, quién sabe si tan solo artística...

Se trata, sin asomo de duda, de uno de los grandes acontecimientos artísticos del año a nivel europeo, y su visita tiene un obligado complemento no solo en la colección permanente del Belvedere (15 schieles) sino también, y sobre todo, en el Museo Leopold de Viena, un adusto receptáculo de hormigón y cristal que alberga el mayor conjunto de obras de Schiele en el mundo: la colección de Rudolph y Elisabeth Leopold. Y se trata de uno de los acontecimientos artísticos del año (la muestra permanecerá abierta hasta el 13 de junio) a pesar de que Schiele nunca perteneció, digamos, a la reducida estirpe de las superestrellas del gran circuito como otros contemporáneos suyos y compañeros de viaje en el movimiento expresionista como Kandinsky o Klee. Y a pesar también, es de justicia reconocerlo, de la muy extendida ignorancia que sobre la existencia misma de un pintor llamado Schiele vive instalada en España.

Estamos ante un artista que murió con 28 años víctima de la gripe española, que pasó 24 días en la cárcel por pintar niñas y niños desnudos, que evolucionó pictóricamente a velocidades de vértigo, que desconcertó e indignó a la muy biempensante y muy conservadora sociedad vienesa de la época y que dejó tras de sí, pese a su insultante juventud, una obra enorme y la impronta indescifrable de los genios sin etiqueta. Un pintor de culto y de trazo poderoso que, casi un siglo después de su muerte, cuenta con legiones de apasionados seguidores que rastrean y olisquean las páginas de sus biografías y de sus catálogos como si buscaran a uno de esos escasos autores que, con su existencia y sus creaciones, rompieron el molde e hicieron saltar en mil pedazos cualquier posibilidad de encasillamiento.

Porque Egon Schiele se zambulló conscientemente, sí, en las aguas turbulentas del expresionismo, donde tras la bendición de Klimt abrazó la obra de otros artistas de la Secesión vienesa como su amigo Max Oppenheimer y Oskar Kokoschka, pero solo hay que ver esta galería en el Belvedere o buscar sus otros rastros desperdigados por Viena para darse cuenta de una evidencia: como Van Gogh, como Munch, como Goya o como otros electrones libres de la historia del arte... a ver en qué carpetas, en qué categorías o en qué capillas artísticas conseguimos meter a Schiele.

"Él pensaba que para poder adentrarse a fondo en los entresijos del alma humana, tenía que conocer primero a la perfección la suya, y por eso se pintó a sí mismo tantas veces... Schiele sentía una gran ansiedad ante la vida, ante la sexualidad, ante los misterios del hombre, su vocación irrefrenable era la exploración de la psyche, y al mismo tiempo creía con mucha fe en la capacidad del arte de trascenderlo todo", explica pausadamente y en voz baja Jane Kallir ante un buen plato de apfelstrudel en la cafetería del Museo del Belvedere, donde reconoce que ha contado con casi todas las obras que persiguió para la exposición... "Casi todas, hay dos o tres que no he podido conseguir de sus propietarios".

Arrogante, orgulloso, melancólico, oscuro, triste, iracundo, solitario... así se muestra Schiele en sus autorretratos, donde parece presentarse a sí mismo como el emisario de otro mundo, como alguien que se ha asomado a algún lugar horrible y ha visto cosas, cosas que los demás hombres no han visto. Pero no las puede contar, solo su mirada y su cuerpo pueden servir de mensaje... es la angustia hecha arte, que tanto descalabró las conciencias de los puristas, quienes en 1910 debieron de ver en Egon Schiele un trasunto del diablo, aunque él explicara a quien le quisiera escuchar que era como un sacerdote encargado de transmitir un mensaje. También dijo: "El arte no puede ser moderno, lo que tiene que ser es eterno". Y con ese aviso a navegantes y aspirantes de la modernez -que no modernidad- por parte de alguien que murió hace 93 años queda todo dicho.



elpais.com
 




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Otra herida abierta del expolio nazi


El Museo Albertina, obligado por el ministerio austriaco a restituir cinco obras de Egon Schiele   

 
Eran de un marchante judío que murió en el campo de Lodz

En subasta, los dibujos alcanzarían un precio entre tres y cinco millones




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Joven proletario, Chica con gafas de sol y Joven desnudo: tres de los cinco dibujos de Egon Schiele que deberán ser devueltos a la heredera de Karl Mayländer.

Lejos de cicatrizar, ciertas y grotescas heridas del expolio nazi aún siguen abiertas. Así ha quedado claro en Austria, donde esta semana se ha desatado una tormenta político-cultural tan siniestra como la estética de su protagonista: Egon Schiele, pintor de aquella gran Viena finisecular y retratista del claroscuro como estado mental. La ministra austriaca de Cultura, la socialdemócrata Claudia Schmied, anunció ayer que acepta la recomendación del Consejo de Restitución de obras de arte expoliadas por el III Reich e instará al Museo Albertina de Viena a devolver cinco dibujos del artista a la heredera de su antiguo propietario, Karl Mayländer, marchante judío, deportado y asesinado en el campo nazi de Lodz (Polonia) en 1941.

La decisión vinculante de Schmied es polémica. Para resistirse a la devolución, el museo esgrime fuentes que señalan que Mayländer "regaló o dejó en depósito las láminas del maestro austriaco, por su precaria situación personal durante el nacionalsocialismo, a su amante, Etelka Hofmann", según declaró a este diario la portavoz de la institución, Verena Dahlitz. "Se trataba de una mujer con la que no se pudo casar por su condición de aria. De ser así, ni fueron expoliadas, ni por tanto deberían ser objeto de restitución". Estas teorías fueron comunicadas esta semana por carta a la ministra por el director del Museo Albertina, Klaus Albrecht Schröder.

Una portavoz del ministerio aseguró ayer que tras recibir la misiva, la titular pidió al presidente de la Comisión, Clemens Jabloner, que tuviera en cuenta esas informaciones antes de llegar a una conclusión definitiva. El veredicto, lejos de cambiar, se mantuvo tras una revisión de los documentos y hasta una amenaza de Jabloner de abandonar su puesto debido a este desacuerdo, según el diario austriaco Der Standard.

Su portavoz subrayó que el Albertina, que cuenta con la mayor colección de obra gráfica del mundo, "no va a contravenir oficialmente la decisión de la ministra porque es nuestra superior". "Aunque no estemos de acuerdo, las obras serán devueltas muy pronto, este mismo año". La heredera es una mujer estadounidense, sin relación sanguínea con Mayländer. Porque sí, la peripecia vital de los dibujos es digna del muy convulso siglo XX. El marchante murió sin dejar descendencia. Los heredó su sobrino, que tampoco tuvo descendencia tras dos matrimonios. La destinataria de los dibujos de Schiele es la hija de la viuda de este.

El Albertina compró en 1949 cuatro de las cinco piezas. La quinta la adquirió en un trueque con otra institución en 1952. Si los dibujos se subastaran podrían alcanzar un precio que oscilaría entre los tres y los cinco millones de euros, según analistas del mercado del arte.

La decisión (y la tormenta subsiguiente) llega pocos meses después de que otra comisión recomendase devolver a la heredera de Mayländer otros cinco dibujos de Schiele expuestos en el Museo Leopold de Viena. Esta institución, de momento, no ha aceptado ese consejo, en un gesto que ha sido violentamente criticado. Entre las razones aducidas por el Museo Leopold está que la heredera de Mayländer no las ha reclamado.

Austria ha devuelto unas 10.000 obras de arte expoliadas por el régimen nazi desde que entró en vigor en 1998 una normativa destinada a reparar tal oprobio. Esta será la tercera ocasión en que el Albertina se desprenda de obras por restitución tras haber devuelto varios dibujos de Schiele en 1999, así como una serie de carteles de la colección Paul, en 2009.



elpais.com
 




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Desolación Schiele en Bilbao


El Guggenheim exhibe los sobrecogedores dibujos del expresionista austriaco

El centenar de obras procede de la colección del Albertina de Viena




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Una visitante del museo Guggenheim de Bilbao durante la presentación de Egon Schiele.


Egon Schiele será uno de los protagonistas del Museo Guggenheim de Bilbao hasta el 6 de enero. Una apuesta que abre la nueva programación del centro con las obras de este expresionista. Los dibujos y las acuarelas serán las piezas que destaquen dentro de la selección de trabajos del austriaco.

La mano arqueada sobre la cadera, todo el peso del cuerpo sobre una pierna, la mejilla procazmente apoyada sobre un hombro y todos los argumentos explícitos del desnudo integral resumidos en un cuerpo andrógino, imperfecto, irresistible, reflejado en un juego invisible de espejos. Y al fondo el artista, tomando apuntes del natural, con el rostro hecho un naufragio. Y, si siguiésemos explorando, toda la desolación del mundo, también toda la rebelión frente a toda idealización de la belleza, también la irremediable evidencia, ayer como hoy, de estar ante la desintegración de un mundo sin un futuro claro. Es la vida en la Viena de principios del siglo XX, o es la vida según algunos, por ejemplo según Egon Schiele (Tulln, 1890-Viena, 1918), apóstata de la idea preconcebida y del prejuicio expresivo.


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Autorretratos de Egon Schiele

Podían elegirse otros muchos, pero este fascinante dibujo a lápiz sobre papel de embalaje, Schiele con modelo desnuda ante el espejo (1910), resume de un plumazo los cómos y los porqués de la obra del gran expresionista vienés, cuya obra gráfica sobre papel (dibujos, acuarelas, gouaches, tintas, carbones, tizas…) se despliega desde hoy y hasta el 6 de enero en las salas del Guggenheim Bilbao: un centenar de obras procedentes de los ingentes fondos del Museo Albertina de Viena, que posee el mayor fondo mundial de obra gráfica del artista y es, junto con el Museo Leopold de la capital austriaca, el mayor baúl del tesoro para sus seguidores. La muestra supone uno de los platos fuertes en la celebración (en concreto el próximo día 19) de los 15 años de vida del museo.

Nada es lo que parece en los laberintos de Schiele, un creador de quien los historiadores y los críticos del arte siguen haciéndose preguntas. Preguntas tales como qué hubiera pasado si la gripe española no se lo hubiera llevado del mundo con 28 años (tres días de hacer lo propio con su esposa, Edith, embarazada de seis meses), cuando empezaba a disfrutar de un auténtico estatus de estrella en los medios artísticos de Viena.


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Muestra de obras del pintor expresionista austríaco Egon Schiele (1890-1918) en el Museo Guggenheim de Bilbao.

La masiva presencia en el Guggenheim de los fondos del Albertina, comisariada por el propio director del museo vienés, Klaus Albrecht Schröder, retrata a fondo la evolución sin desmayo de la obra del artista desde lo conceptual, lo formal y lo temático. Un artista lleno de desazón y de inconformismo que aprendió a romper las reglas del color y del trazo tras contemplar la obra de Van Gogh y de Munch.

Discípulo de Gustav Klimt, su auténtico maestro y mentor, y coincidente en ciertos ámbitos con la personalidad y la obra del gran expresionista vienés en el arranque del siglo, Oskar Kokoschka, el legado artístico de Schiele queda resumido en este conjunto de obras ejecutadas sobre un papel de no muy buena calidad apoyado en madera rugosa.


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Un visitante observa el cuadro de Egon Schiele 'Dos niñas sentadas', durante la exposición que el museo Guggenheim de Bilbao dedica a Schiele desde el 12 octubre de 2012 al 6 de enero de 2013.

El viaje es agotador: la formación academicista de la que pronto huiría como del demonio, el idilio inicial con el Modernismo vienés y el movimiento de Secesión capitaneado por Klimt, la nueva ruptura y la incursión salvaje en los territorios del expresionismo: contar, por encima de las apariencias, lo que el 'yo' expresa o puede que quiera expresar… Y también las no siempre confesadas vocaciones del artista: el arte como un juego de papeles donde él mismo (era un maniático del autorretrato, narcisista como pocos sostenía que su mejor modelo era él) se representaba con mil caretas, su gusto por el espiritismo y por las fotografías de fantasmas y las imágenes de enfermos esquizofrénicos, su pasión por la teosofía y el aura de las personas y, por supuesto, lo que siempre consideró como una misión innegociable: bucear —a buen seguro siguiendo las enseñanzas de su compatriota Sigmund Freud— en los insondables barrancos de la pulsión sexual.

Eso incluía dibujar y pintar el sexo de forma explícita, y eso incluía dibujar y pintar el sexo de los niños de forma igualmente explícita. “Es increíble, habéis olvidado cómo nos fascinaba el sexo cuando éramos críos”, contestó a quienes arremetieron contra él por pintar niños desnudos en su estudio de la pequeña localidad de Krumau, a donde había escapado huyendo de la asfixiante y biempensante sociedad vienesa de la época.


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La exposición muestra algunos de los dibujos y acuarelas incluidas en la estremecedora Serie de la cárcel, realizada por Schiele durante sus tres semanas de encierro tras ser condenado por “resguardo insuficiente de dibujos eróticos”. La cárcel fue un trauma para Egon Schiele, un tipo que, al contrario de lo que contaba en sus autorretratos, era alguien vitalista, divertido, vividor y lleno de humor. Aunque fue un mal menor: la acusación inicial, finalmente desestimada, había sido de “secuestro y abuso de menores” porque un oficial de la marina austriaca le había denunciado por llevarse a Viena —en compañía de su esposa Edith— a su hija de 13 años, una de las niñas que le servían de modelos.

Egon Schiele en el Guggenheim: cuerpos maltrechos como metáforas de la maltrecha condición humana, embarazadas de rictus desolador, anoréxicas de mirada perdida, mujeres histéricas, sexos abiertos al espectador como trasuntos expresionistas de El origen del mundo de Courbet, cuerpos descoyuntados, gestos dislocados y, en definitiva, la conclusión salvaje, irremediable, de su arte: el vacío. Estamos solos. Nos hemos distanciado tanto de nosotros mismos que somos muñecos rotos. Todo está perdido, o al menos empieza a parecerlo. ¿Les suena?



El expresionismo feroz de Egon Schiele en el Guggenheim de Bilbao


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Autorretratos de Egon Schiele


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Varias obras de Egon Schiele sin rotular


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'Redención (Erlösung)', 1913. Obra de de Egon Schiele


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'Retrato de la cuñada del artista, Adele Harms', 1917. Obra de de Egon Schiele


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'Dos niñas sentadas', 1911. Obra de de Egon Schiele


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Gerti ante telas ocres, 1910. Obra de de Egon Schiele


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'Homenaje a Picasso'. Obra de de Egon Schiele


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'Casas antiguas de Krumau', 1914. Obra de de Egon Schiele


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'Desnudo femenino yacente con las piernas abiertas', 1914. Obra de de Egon Schiele


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'Modelo desnuda rubia, sentada sobre un paño marrón', 1912. Obra de de Egon Schiele


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Egon Schiele. 'Autorretrato con chaleco amarillo', 1914



Vídeos


Ver vídeo de Egon Schiele en el Guggenheim de Bilbao

El universo de Egon Schiele, en el Guggenheim Bilbao



Fuentes: elpais.com y kedin.es
 




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