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Rosso Fiorentino
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Este trabajo recopilatorio está dedicado a Giovanni Battista di Jacopo, llamado Rosso Fiorentino («Rojo Florentino») (Florencia, 8 de marzo de 1494 – Fontainebleau, 14 de noviembre de 1540), fue un pintor italiano renacentista integrante de la Escuela de Fontainebleau. Se trata de uno de los primeros y más destacados exponentes toscanos del manierismo pictórico.


 user_50_rosso_fiorentino  Rosso Fiorentino

Como Pontormo, fue alumno de Andrea del Sarto y —desde muchos puntos de vista— un rebelde a las constricciones clasicistas que en su época se encontraban en crisis.

De su producción en su ciudad natal destacan La Asunción (1517) en la iglesia de la Santisima Annunziata y Las hijas de Jetró (Florencia, Uffizi), obra singularísima que evidencia un gran influjo de Miguel Ángel. También participó en frescos del Castillo de Fontainebleau que adornan sus salones.

Posteriormente durante su estancia en Roma realizó los frescos de La creación de Eva y El pecado original (1524) para Santa Maria della Pace.

Tras el violentísimo saqueo de Roma (1527) por parte de las tropas de Carlos V, il Rosso Fiorentino se refugió en Borgo Sansepolcro y luego en Arezzo; es en esta época que su pintura se vuelve más inquietante y lúgubre. Luego marchó a Venecia en donde permaneció brevemente, y en 1530 fue convocado por el rey de Francia Francisco I para quien dirigió las obras decorativas en el Castillo de Fontainebleau. Allí realizó frescos y estucos (Galería de Francisco I) en los cuales su arte se vuelve caprichoso y elegante, como un anticipo del barroco. Una de sus últimas obras y al mismo tiempo una de sus obras maestras es La Piedad, pintada para Ana de Montmorency, que se encuentra actualmente en el Museo del Louvre de París.

Se considera generalmente que la obra maestra de Rosso es El descendimiento (La Depozisione) que se encuentra en la Pinacoteca Comunale de Volterra (inicialmente fue pintada para la catedral). En contraste con el helado dolor de otros descendimientos, esta parece como una operación apresurada y complicada, mientras que las figuras inferiores tienen unas expresiones simples y poderosas de calmado dolor, con expresiones que se entreven por sus rostros ocultos. El cielo es sombrío. Las tres escaleras y aquellos que llevan a Cristo parecen precarios. El propio Cristo es plano. Puede verse el contraste entre esta escena frenética y alborotada con la composición igualmente compleja, pero más comedida del mismo tema por el manierista florentino, prácticamente contemporáneo Pontormo. De esta forma, Rosso fuerza las figuraciones expresando así un mundo inquieto y atormentado más acorde con el de su tiempo.

Así es que, en efecto, el Rosso obtiene expresiones dramáticas, pletóricas de pathos, a partir de volumetrías angulosas (es decir violentas) que desfiguran o desdoblan los rostros y cuerpos representados. Logra los mismos efectos a partir de la representación de los movimientos convulsionados de algunos de los personajes, o por el uso de una cromía y coloratura intensa, prevalentemente rojiza (cálida) contrastada con fondos de extensiones azuladas (frías) que representan a los cielos.

Las deformaciones de rostros y cuerpos llegan a la exasperación superlativa: por ejemplo en El descendimiento, un anciano situado sobre lo alto de la cruz tiene el rictus semejante al de una máscara trágica; la disposición asimétrica de las escalas y proporciones parecen escapar a todo canon y de tal modo generan una dinámica violenta que se encuentra acentuada -por entre otros recursos— la incertidumbre de los apoyos para los personajes que están descendiendo el cuerpo de Cristo mientras que las figuradas luces inciden violentamente desde la derecha de la composición creando un, más que contrastante, chocante claroscuro.

Aunque Vasari cuenta que se suicidó en 1540 debido a ciertas calumnias, parece ser que es más una leyenda que no se ha visto reflejada en fuentes francesas.

Espero que la recopilación que he conseguido de esta pintor extranjero, sea del interés de los aficionados al arte que frecuentan esta sección, y contribuya en su divulgación.






Algunas obras


Descendimiento de Cristo


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El descendimiento de Cristo, El descendimiento de la cruz o El descendimiento de Volterra, conocida en italiano como La Deposizione, es considerada generalmente la obra maestra del pintor renacentista italiano Rosso Fiorentino. Este panel mide 333 cm de alto y 196 cm de ancho. Está datado en el año 1521. Pintada inicialmente para la catedral de Volterra, actualmente se conserva en la Pinacoteca Comunale.

Frente al gélido dolor de otros descendimientos, esta parece como una operación apresurada y complicada, mientras que las figuras inferiores tienen unas expresiones simples y poderosas de calmado dolor. Los que tienen una expresión más intensa de dolor y desesperación son Juan el Evangelista, que llora desconsoladamente y María Magdalena, que rodilla en pie se acerca a la Virgen María. El cielo es sombrío. Las tres escaleras y aquellos que llevan a Cristo parecen precarios. El propio Cristo es plano. Puede verse el contraste entre esta escena frenética y alborotada con la composición igualmente compleja, pero más comedida del mismo tema por el manierista florentino prácticamente contemporáneo Pontormo.

Las figuras son desproporcionadas, con cabezas más bien pequeñas y los cuerpos alargados. No existe coherencia tampoco en la luz, pues parece que hay fuentes diversas.


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Detalle superior del descendimiento de la cruz, Rosso Fiorentino. 1521, óleo sobre madera, 375 × 196 cm. Pinacoteca Comunale, Volterra

Esta obra, junto a El Descendimiento de la cruz de Pontormo, fueron utilizadas como tableau vivant iconográficos, por el director Pier Paolo Pasolini en el episodio La ricotta, dentro de la película colectiva Ro.Go.Pa.G. de 1963.

Ver más imágenes del descendimiento de la cruz, Rosso Fiorentino



Otras obras


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Retrato masculino (National Gallery de Washington). Obra de Rosso Fiorentino


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Bacco, Venere e Marte, c. 1530. Rosso fiorentino (attr.). Obra de Rosso Fiorentino


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The Holy Family with the Infant Saint John the Baptist, 63.5 x 42.5 x 3 cm. Obra de Rosso Fiorentino


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San Giovannino, collezione privata Firenze. 1521. Obra de Rosso Fiorentino


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The Holy Family, circa 1520, oil on panel. Country Museum of Art, Los Angeles. Obra de Rosso Fiorentino


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Pala Dei. 1522, oil on canvas, 250 x 299 cm. Pitti Palace. Obra de Rosso Fiorentino


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Cappella Cesi, cacciata dal paradiso terrestre. 1524. Obra de Rosso Fiorentino


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Sagrada Familia o Alegoría de la salvación (LACMA de Los Ángeles). Obra de Rosso Fiorentino


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Moisés defendiendo a las hijas de Jetró. 1523. Óleo sobre tabla. 160 x 117 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Rosso Fiorentino


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Morte di Cleopatra, c. 1525. Obra de Rosso Fiorentino


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Risen Christ. 1528-30, oil on panel, 348 x258 cm. Duomo, Città di Castello. Obra de Rosso Fiorentino


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Madonna and Child with Putti, circa 1522, oil on canvas, 111 x 76 cm. Hermitage Museum. Obra de Rosso Fiorentino


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Mars and Venus. 1530. Pen and black ink, white wash. Louvre Museum. Obra de Rosso Fiorentino


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Madonna Enthroned between Two Saints. 1521, oil on panel, 169 x 133 cm. Museo Diocesano, Volterra. Obra de Rosso Fiorentino


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Dead Christ with Angels. 1525-1526, oil on canvas, 133.5 x 104 cm. Museum of Fine Arts, Boston. Obra de Rosso Fiorentino


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Deposition from the Cross. 1528, oil on canvas, 270x 201 cm. San Lorenzo, Sansepolcro. Obra de Rosso Fiorentino


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Assumption of Mary. 1517, fresco, 385 x 395 cm. Santissima Annunziata (Florence). Obra de Rosso Fiorentino


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Musician Angel, circa 1520, tempera on wood, 38 x 47 cm. Uffizi Gallery. Obra de Rosso Fiorentino


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Pietà. 1537-40. Oil on wood transferred to canvas, 125 x 159 cm. Louvre Museum. Obra de Rosso Fiorentino


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La Asunción de la Virgen, mural en la iglesia de la Santissima Annunziata de Florencia. Obra de Rosso Fiorentino


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Detalle decorativo de la Galería de Francisco I (Castillo de Fontainebleau). Obra de Rosso Fiorentino


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Detalle decorativo de la Galería de Francisco I (Castillo de Fontainebleau). Obra de Rosso Fiorentino


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The Contest of the Pierides. Oil on wood transferred to canvas, 31 x 63 cm. Louvre Museum. Obra de Rosso Fiorentino


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Ritratti a Rosso Fiorentino, frontal view. Casa Vasari, salone. Obra de Rosso Fiorentino



Retrato de seis maestros del Renacimiento


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Retratos de Rafael, Corregio, Penni, Andrea del Sarto, Polidoro von Caravaggio, Rosso Fiorentino por Joachim von Sandrart (1606–1688)



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a Giovanni Battista di Jacopo, llamado Rosso Fiorentino (Florencia, 8 de marzo de 1494 – Fontainebleau, 14 de noviembre de 1540), fue un pintor italiano renacentista integrante de la Escuela de Fontainebleau. Se trata de uno de los primeros y más destacados exponentes toscanos del manierismo pictórico.



Fuentes y agradecimientos: es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, artcyclopedia.com, wga.hu, artrenewal.org, pintura.aut.org y otras de Internet.
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Intervención de Rosso Fiorentino en el Palacio de Fontainebleau


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La Gran Escalera Imperial. Palacio de Fontainebleau

El Palacio de Fontainebleau, en francés original Château de Fontainebleau, es unos de los mayores palacios reales franceses. Está localizado en la ciudad de Fontainebleau, departamento de Sena y Marne, en el norte de Francia.

El palacio refleja, actualmente, las aportaciones constructivas y decorativas de varios monarcas franceses, a partir de una estructura inicial de Francisco I. El edificio se desarrolla alrededor de una serie de patios.

La ciudad de Fontainebleau creció en su entorno y en lo que restaba de la Floresta de Fontainebleau, en español Bosque de Fontainebleau, un antiguo parque real de caza.


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Vista de la fachada de los jardines.

Este palacio introdujo en Francia el Manierismo italiano, en la decoración de interiores y en los jardines, adaptándolo. El Manierismo francés en la decoración de interiores del siglo XVI es conocido como "Estilo Fontainebleau": combina escultura, forja, pintura, estuco y carpintería. En jardinería supuso la introducción del parterre.

El ideal de belleza femenina en Fontainebleau es, también, manierista: una pequeña y graciosa cabeza en un cuello esbelto, torso y brazos exageradamente largos, pechos pequeños y altos; es casi un regreso a las bellezas del gótico tardío. Los nuevos ideales de Fontainebleau fueron plasmados en refinados y detallados grabados que circularon entre artistas y entendidos.


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La Sala de espectáculos del Palacio de Fontainebleau, en 1855.


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Las Edades y la Muerte. Museo del Prado. Obra de Hans Baldung Grien

Estas obras introduce un mundo de formas muy distinto del de los pintores flamencos y neerlandeses. La influencia renacentista es evidente tanto en los elementos iconográficos como en el tratamiento escultórico de la figura, que posee a la vez rigor y delicadeza; la fría gama de colores utilizada, así como la perfección dibujística de la línea, contribuyen a reforzar tal impresión.

En la primera, representa lo que pueden ser Las Tres Gracias de la mitología clásica, sin embargo los instrumentos musicales que las acompañan, así como la partitura que porta el niño del primer término parecen sugerir una alegoría de la Armonía. Algunos elementos tienen carácter moralizante, como el cisne que canta la partitura, presagio de la muerte; o la serpiente enroscada en el árbol, alusión al pecado. En la segunda tabla el argumento se ha elaborado de forma cruda para impresionar al espectador con un tema obsesivo para el hombre, la muerte. Se representa el ciclo de la vida, haciendo hincapié en los estragos del tiempo y el final irreversible de la existencia. El círculo empieza en la recién nacida que yace en el suelo y se cierra con la tétrica figura del cadáver en descomposición. Ambas están unidas por una lanza rota. También están entrelazadas la Juventud y la Vejez, cuyos cuerpos desnudos establecen un expresivo contraste. El búho simboliza tanto el sueño del que se despierta al nacer como el sueño eterno, que es la muerte. Todo ello en un paisaje desolado que hace más opresiva la imagen.


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La Armonía, o Las tres Gracias. Museo del Prado. Fueron concebidas por Hans Baldung Grien como una especie de díptico, junto a Las Edades y la Muerte.

A través de los grabados realizados por la "Escuela de Fontainebleau", este nuevo estilo fue transmitido a otros centros del norte de Europa, especialmente en Amberes, Bélgica, Alemania y, más tarde, también Londres.


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Salle trone. Palacio de Fontainebleau

El viejo castillo que se erigía en este lugar ya era usado al final del siglo XII por el Rey Luis VII, para quien Thomas Becket consagró la capilla. Fontainebleau fue una de las residencias favoritas de Felipe II y de Luis IX. El creador del edificio actual fue Francisco I, para quien el arquitecto Gilles le Breton construyó la mayor parte de las construcciones del Cour Ovale (Patio Ovalado), incluyendo la Porte Dorée (Puerta Dorada), en su entrada sur. También Francisco I, invitó al arquitecto Sebastiano Serlio y al genio de Leonardo da Vinci.


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La Galería de Francisco I, con sus frescos hechos en estuco por Rosso Fiorentino, fue construida entre 1522 y 1540, siendo la primera gran galería decorada construida en Francia.


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Vase im Gardesaal des Schlosses Fontainebleau


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Biblioteca del Palacio de Fontainebleau

El Renacimiento fue introducido en Francia por el Palacio de Fontainebleau, por influencia de Enrique II y Catalina de Médici, que contrataron a los arquitectos Philibert Delorme y Jean Bullant, con los que llevan a cabo una importante campaña de remodelaciones.


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La salle du conseil au château de Fontainebleau (XVIIIe siècle)

La Salle des Fêtes (Salón de Baile), fue decorada por los pintores manieristas italianos, Francesco Primaticcio y Niccolò dell'Abbate. La "Ninfa de Fontainebleau", de Benvenuto Cellini, encargada para el palacio, está en el Louvre.


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Vista de los járdines del Palacio de Fontainebleau

El Fontainebleau de Francisco I y Enrique II, Enrique IV añadió el patio que lleva su nombre, el Cour des Princes (Patio de los Príncipes), la Galerie de Diane de Poitiers (Galería de Diana de Poitiers) y la Galerie des Cerfs (Galería de los Ciervos), usada como biblioteca. Una "segunda escuela de decoradores de Fontainebleau", menos ambiciosa y original que la primera, estuvo involucrada en estos proyectos.

Enrique IV perforó el parque forestal con un canal de 1200 metros, donde actualmente se puede pescar, y ordenó la plantación de pinos, olmos y frutales. Su jardinero, Claude Mollet, con habilidades ya probadas en el Château d'Anet, ejecutó los parterres.


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Tres siglos después el palacio entró en decadencia; durante la Revolución francesa mucho del mobiliario original se dispersó en las ventas revolucionarias del contenido de todos los palacios reales, concebidas como una forma de conseguir dinero para la nación y asegurar que los Borbones no podrían volver a sus dominios. Todavía, dentro de una década el Emperador Napoleón Bonaparte, comenzó a transformar el Château de Fontainebleau en un símbolo de su grandeza, como una alternativa al Palacio de Versalles que tenía connotación borbónicas. En Fontainebleau, Napoleón I de Francia firmó su abdicación, con el Tratado de Fontainebleau. Se despidió de su Vieja Guardia y partió al exilio.


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Fontainebleau, detalle escalera roja

Con modificaciones en la estructura del palacio, incluyendo la entrada de cantería suficientemente ancha para su carruaje, Napoleón ayudó a hacer del palacio el lugar que los visitantes conocen actualmente. Fontainebleau fue el escenario de la Corte del Segundo Imperio, de su sobrino Napoleón III. Felipe IV, Enrique III y Luis XIII nacieron en este palacio, y el primer de estos reyes también murió aquí. Cristina de Suecia vivió en Fontainebleau durante varios años, después de su abdicación en 1654.


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Detalle del Salón del Trono. Palacio de Fontainebleau


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Salle du trône; trône de Napoléon Ier. Palacio de Fontainebleau


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Bedroom of Marie Antoinette, c. 1890-1900. Palacio de Fontainebleau


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Gallery of Henry II, c. 1890-1900. Palacio de Fontainebleau

En 1685 Fontainebleau asistió a la firma del Edicto de Fontainebleau, el cual revocó el Edicto de Nantes (1598). Huéspedes reales de los reyes de la dinastía de los Borbones fueron instalados en Fontainebleau: Pedro I de Rusia y Cristián VII de Dinamarca, y también, en la época de Napoleón, el Papa Pío VII, en 1804 cuando vino a consagrar Napoleón como Emperador, y entre 1812 y 1814, cuando fue su prisionero.

Actualmente, parte del palacio alberga las "Écoles d'Art Américaines" (Escuelas de Artes Americanos), una escuela de arte, arquitectura y música para estudiantes de los EUA Preservado en los campos está o jeu de paume (campo de tenis real) de Enrique IV. Es el mayor campo de tenis de este género en el mundo, y una de las pocas de propiedad pública.


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En 1981, el Château de Fontainebleau fue clasificado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.



Galería de Francisco I en el palacio de Fontainebleau


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Galería de Francisco I en el palacio de Fontainebleau. Autor: Rosso Fiorentino. 1528. Pintura mural. La Galería de Francisco I es un hito fundamental en la historia del arte europeo. Rosso plantea un nuevo sentido en la distribución parietal de la decoración, dejando unos altos zócalos de madera, ricamente tallados por el italiano Scibec de Carpi, sobre el que se distribuyen los famosos estucos con pinturas.


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Detalle decorativo de la Galería de Francisco I (Castillo de Fontainebleau). Obra de Rosso Fiorentino

Se trata de la plasmación de un sistema decorativo que, si bien procedía y tenía precedentes en Italia, supone un nuevo y diferente planteamiento del sentido de la decoración de interiores, donde ingeniosidad, complejidad y refinamiento son fines en sí mismos. La superficie de la pared queda oculta tras la variada decoración, a base de esculturas en complicadas y rebuscadas posiciones, pequeños amorcillos, festones, guirnaldas, tarjas recortadas y dobladas, todo realizado en estuco y rodeando a las pinturas, cuya iconografía desarrolla complicadas alegorías en torno al reinado, virtudes y hechos gloriosos de Francisco I.

La enorme variedad de diseño y profundidad que plantean las decoraciones de la Galería de Francisco I, está admirablemente adaptada a una galería larga como la de Fontainebleau, que permite la lectura particular y pormenorizada, pero también puede ser contemplada de conjunto desde una perspectiva aguda. Por otro lado, el conjunto de la Galerie François I es un sistema igualmente nuevo por lo que respecta a la invención de historias, donde en pro de la exaltación del Estado y de la Monarquía, este rey francés decora su palacio poniendo en paralelismo su propia trayectoria y las historias de dioses y héroes. Panofsky, que ha estudiado detenidamente todo el programa iconográfico, señala cómo no hay distinción fundamental entre representaciones sagradas y profanas, y cómo se introducen personajes similares a ángeles en relatos mitológicos y viceversa.

Todo denota un profundo conocimiento de las "Metamorfosis" de Ovidio, en el planteamiento de un programa abierto y elástico que, al carecer de colofón, permite la inserción de nuevas historias. Como marco de ello, las minuciosas decoraciones señaladas, que cuentan con una serie de figuras miguelangelescas, desprovistas, no obstante, de la grandiosidad y sentido dramático que les imponía el gran artista italiano; es, pues, una de las primeras lecturas en clave formalista y decorativa de las propuestas figurativas de Miguel Angel.

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La Galería de Francisco I, con sus frescos hechos en estuco por Rosso Fiorentino, fue construida entre 1522 y 1540, siendo la primera gran galería decorada construida en Francia.


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Capilla del Palacio de Fontainebleau


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Vista del Patio de Honor. Palacio de Fontainebleau



Fuentes y Agradecimientos a: es.wikipedia.org, pintura.aut.org, artehistoria.jcyl.es, nibiryukov.narod.ru, wga.hu, nationalgallery.org, lib-art.com, georgianindex.net, steveartgallery.se, artunframed.com, csus.edu, arqhys.com, foroswebgratis.com, sofiaoriginals.com, es.parisvision.com y otras de Internet.
 




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