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MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid)
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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
Gobierno y Carmen Thyssen acuerdan una prórroga para renovar su convenio



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La exposición 'Intimidad', en el Museo Thyssen de Madrid. / OLMO CALVO

A dos días de que expirara el plazo que se habían dado Cultura y los abogados de Carmen Thyssen, ambas partes han acordado darse otros tres meses para seguir discutiendo las nuevas condiciones de cesión de su colección privada al Estado, han informado a EFE fuentes ministeriales.

El BOE publicó a comienzos de abril una orden del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte por la que garantiza, por 462,6 millones de euros, la colección privada de Carmen Thyssen depositada en el museo Thyssen Bornemisza hasta el próximo 31 de mayo, un mes más del plazo que se habían dado en principio el Estado y ella para acordar el futuro de sus 429 cuadros.

Carmen Thyssen pretende, según ella misma explicaba a mediados de febrero, que el acuerdo sea por otros 20 años y "movilidad" para sus cuadros, que ella valora "en más de 1000 millones de euros".
 
 

elmundo.es
 




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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
El Renacimiento en Venecia

Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura. Exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza hasta el 24 de septiembre



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Palma el Viejo (Jacopo Negretti). 'Dos ninfas en un paisaje' (Júpiter disfrazado de Diana seduciendo a Calisto).


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Giorgione (Giorgio da Castelfranco). 'Retrato de un joven', hacia 1508-1510.


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Veronés (Paolo Caliari). 'Lucrecia', 1580.


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Veronés (Paolo Caliari). 'San Juan Bautista predicando', hacia 1562.


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Palma el Viejo (Jacopo Negretti). 'Retrato de una joven', 1513-1514.


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Tiziano (Tiziano Vecellio). 'María Magdalena penitente', 1540-1546.


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Gentile Bellini. 'Retrato del dux Giovanni Mocenigo'. 1478-1483.


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Paris Bordone. 'Perseo armado por Mercurio y Minerva', hacia 1545-1555.


Museo Thyssen-Bornemisza / elpais.com
 




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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
Tiziano, el color del poder

Figura de 'El Renacimiento en Venecia' del Museo Thyssen.



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El último lienzo que pintó Tiziano fue una enorme Piedad en colores predominantemente grises y pétreos y en una atmósfera nocturna. El cuadro, fuera cual fuese la intención del artista, resulta fantasmagórico, casi violento. Hoy podríamos decir, saltándonos el rigor histórico, que presenta poco menos que un clima romántico, de novela gótica.

Tiziano quiso que ese cuadro presidiera su tumba, pero no fue así. No obstante, murió el mismo año en que lo pintó, en 1576, en Venecia, víctima de la peste negra.

El carácter sombrío y dramático de esta pintura es común al del Cristo crucificado, pintado 11 años antes, un Cristo agónico y solitario, que cierra intensamente la exposición del Museo Thyssen, El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura.

Tiziano había disfrutado de una vida larguísima, plena de fama, honores, encargos, riqueza y relaciones con las más altas instancias del poder civil y religioso. En 1560, tenía, como poco, 77 años -no se conoce con certeza la fecha de su nacimiento-, había enviudado tres décadas atrás de Cecilia Soldano, y la muerte durante un parto, ese año, de su adorada hija Lavinia -modelo en varios de sus cuadros-, fue apagando lentamente su ánimo y oscureciendo su pintura. Tanto más cuando cuatro años antes había fallecido su mejor amigo, el poeta erótico (Sonetos lujuriosos) Pietro Aretino, que tanto había contribuido a su éxito.

Fue Pietro Aretino quien fraguó el encuentro entre Carlos V y Tiziano, en Bolonia, en 1530. De ese encuentro surgieron varios encargos y retratos del emperador, entre ellos, Carlos V a caballo en Mühlberg (1548), absoluta sublimación de la majestad y del poder guerrero del hombre más poderoso de la tierra.

La relación preferente entre Carlos V y Tiziano propició el interés máximo del entonces príncipe Felipe II por el artista. Su encuentro personal tuvo lugar en Milán, en 1548, en los inicios del felicísimo viaje por Europa del luego (desde 1556) rey más grande del orbe. Se multiplicaron los encargos y los retratos, muchos con destino al Real Monasterio de El Escorial, para el que Tiziano fue el pintor favorito de Felipe II, en demérito del también contratado El Bosco. La relación profesional entre Carlos V, Felipe II -el mayor mecenas artístico de la cristiandad- y Tiziano -que nunca pisó Madrid- explica que el Museo del Prado disponga de más de 40 obras suyas.

Y muy variadas. Porque Tiziano, además de frescos y mosaicos para templos y palacios, cultivó toda clase de géneros pictóricos y en todos dejó patente su maestría: pintura de paisaje y naturaleza, mujeres (con frecuencia muy sensuales), mitología, pintura religiosa y, sobre todo, retratos. Se calcula que Tiziano ejecutó por encargo más de 100 retratos, fuente importante de sus ingresos y de su prestigio entre reyes, papas (Pablo III), nobles y toda clase de dignatarios. En los retratos de reyes y nobles guerreros dejó el detalle -marca de la casa- del brillo en las armaduras: el brillo del poder. Y, como retratista, fue pionero de la profundización en la psicología del retratado, del mismo modo que destacó en dos terrenos poco frecuentados en su época: la pintura de caballete y el retrato de cuerpo entero (eran más comunes los primeros planos y los planos medios).

Pero la Historia ya dice, que junto a sus muchas habilidades, Tiziano dejó cátedra perenne en dos aspectos: el uso del color (mancha, luz) frente al predominio del dibujo y el empleo de la pincelada suelta (que, a veces, da a sus lienzos la apariencia de inconclusos), técnica que luego determinó la pintura de Velázquez, Goya y tantos otros hasta hoy mismo.

Aquí ya va siendo hora de citar al pintor y arquitecto Giorgio Vasari, quien, en su celebérrimo (y farragoso) libro Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos cuenta algo (poco) de una visita que Miguel Ángel y él mismo hicieron a Tiziano en su estudio veneciano. Vasari, reticente, dice que Miguel Ángel elogió después a Tiziano, pero que, también reticente, echó en falta en ella más dibujo. Previsible.

La pintura renacentista que se hacía en Florencia y Roma, la pintura de Rafael y Miguel Ángel, ponía el acento canónico en el dibujo. Sin embargo, la pintura de Venecia -con Tiziano a la cabeza- puso el acento en el color y, con la colaboración inmediata de Tintoretto -también presente en la exposición del Thyssen- y otros manieristas, arrebató predicamento a la que se hacía en las otras dos ciudades. De ahí que Miguel Ángel frunciera un poco el ceño ante Tiziano.

Nacido en Pieve di Cadore, junto a los Alpes, en fecha imprecisa -se da como límite el año 1490-, cuarto hijo de un acomodado político y militar, el niño Tiziano, que disponía de un "bello espíritu y viveza de ingenio" (según Vasari), fue enviado, por sus precoces dotes, a casa de un tío suyo en Venecia. Tenía 10 años. Aunque se movió lo suyo por temporadas (Padua, Roma, Urbino etc.), Venecia fue ya para siempre el centro de su vida y de su obra.

En Venecia tuvo Tiziano dos maestros principales: el cuatrocentista Giovanni Bellini y, por poco tiempo -debido a su muerte prematura, también por la peste- el más moderno Giorgione, discípulo a su vez de Bellini y también presente en la exposición del Thyssen. De la lectura del libro de Vasari, se infiere que Bellini forjó a Tiziano en las reglas más estrictas del dibujo y que, cuando éste quiso soltarse la mano y volar algo más libre, se fue a aprender con Giorgione, algunas de cuyas pinturas llegó a terminar.

Y, lamentablemente, no hay espacio para más, salvo para decir, por si acaso, que cuando Carlos V reclamó al pintor, Tiziano ya era, como parece lo lógico, un pintor consagrado y en plena madurez. Y un apunte final de Vasari: Tiziano vivió sus últimos años rico y tranquilo, seleccionando sus encargos y, atención, con muy poco empeño por enseñar y tener discípulos.


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Imagen mía.


Fuente y texto: elmundo.es / MANUEL HIDALGO
 




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última edición por j.luis el Martes, 25 Julio 2017, 11:48; editado 1 vez 
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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
La pintura también sana

El Thyssen cederá 300 láminas de obras famosas para mitigar el dolor de los enfermos del hospital de La Fuenfría



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El proyecto 'Arte que sana el alma' donará 300 láminas de obras famosas para ayudar a curar a enfermos del hospital de La Fuenfría. / Inma Flores

Pintores como Renoir, Degas o Lichtenstein nunca se hubieran imaginado que sus cuadros servirían para ayudar en la cura de enfermos. Pero esto es precisamente lo que ocurrirá en los próximos meses en el hospital de La Fuenfría, al que el Museo Thyssen-Bornemisza (en un proyecto en colaboración con la Comunidad de Madrid) donará 300 láminas de 27 obras muy conocidas. El proyecto Arte que sana el alma tiene como objetivo que la presencia de los cuadros en las habitaciones de los pacientes ayude a reducir el dolor, la ansiedad e, incluso, la depresión. La iniciativa tiene su origen en Escocia, donde un grupo de médicos británicos comprobó los beneficios que aportaban a los pacientes tener una obra de arte en sus habitaciones.

Durante la presentación del proyecto, realizada este lunes en el propio museo, se dieron algunas claves de cómo se seleccionan las obras: “Este cuadro impresionista lo elegirían aquellos enfermos que tengan miedos, ansiedades y un estado de ánimo algo deprimido”, ha explicado Pedro Gargantilla, quien además de experto en arte es jefe de Medicina Interna del hospital. El doctor se refería a Mujer con sombrilla, de Renoir. A pocos metros y en aparente movimiento, se podía observar a la mujer protagonista del cuadro Bailarina basculando, de Degas. Según el experto, esta obra ayuda a los pacientes que están encamados después de haber sufrido una insuficiencia cardíaca o un ictus. “Se genera una esperanza de movimiento en el paciente cuando contempla el cuadro”, ha afirmado Gargantilla.

Los colores también influyen mucho en este proyecto artístico. Tanto es así que los tonos azules del mar que destacan sobre el blanco de las velas y el marrón de la arena de un cuadro de Edward Hooper aportan tranquilidad al paciente, “sobre todo a los que sufren angustia vital por estancias hospitalarias largas”, ha señalado el doctor. Se trata de la obra Marta McKeen de Wellfleet, que el pintor elaboró en 1944 en tan solo cuatro meses. “La selección de los cuadros ha sido motivada por datos científicos. Por ejemplo, a los pacientes cuando se les ponen colores verdes y azules tienen menos ansiedad y dolor, a la vez que los paisajes y la naturaleza disminuyen la frecuencia cardíaca”, ha detallado el doctor.

Tras una breve coreografía sobre las emociones a las que se enfrenta la sociedad de la mano de una alumna del Conservatorio Superior de Danza de Madrid, el consejero de Sanidad, Jesús Sánchez Martos, ha aclarado que la iniciativa es pionera en España y a nivel global “porque se permite a los pacientes elegir el cuadro que quieren en sus habitaciones”. “Nunca entendí por qué los cuartos de los hospitales son el lugar más inhóspito que existe, y además el blanco de las paredes no es un color que ayude a relajarse”, ha alegado Martos. Además, el consejero adelantó que su departamento pondrá en marcha en breve un concurso de pintura cuyas obras participantes se expondrán en las habitaciones de los hospitales de toda la Comunidad.

El gerente del Museo Thyssen-Bornemisza, Evelio Acevedo, ha señalado que “los museos ya no son solo espacios que albergan obras de arte, sino que cada día tienen una responsabilidad social”. Además, destacó la iniciativa del propio museo de habilitar una sala dedicada exclusivamente a las personas con dificultades sensoriales en la exposición de Renoir de 2016.

Julio Agredano, presidente de la asociación Freno al Ictus —dolencia que él mismo sufrió hace cinco años—, ha detallado la influencia que tuvo el arte en su recuperación. “Sufrí un ictus porque pesaba más de 100 kilos, además de tener hipertensión, colesterol y una vida sedentaria. Para recuperarme el museo me ofreció la oportunidad de prepararme un cuadro como si fuera un guía y explicárselo al público”.

Agredano recordaba perfectamente el río congelado del cuadro de Monet que le tocó relatar para los visitantes, algo que, según él, le permitió reintegrarse en la sociedad al poder volver a hablar en público sin dificultades. “Todo lo que genere emociones positivas en la rehabilitación es fundamental”, ha concluido el madrileño, mientras miraba con atención el cuadro Mujer en la bañera, de Lichtenstein, uno de los más populares del pop art y que también podrá estar en las habitaciones de los enfermos de la Comunidad muy pronto.

elpais.com
 




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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
El Thyssen cierra 2016 con medio millón de euros de superávit

La posibilidad de que la colección de la baronesa saliera del museo no está contemplada en los presupuestos y objetivos previstos para 2017



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Una de las salas de la exposición 'Renacimiento en Venecia', en el Museo Thyssen de Madrid. / Jaime Villanueva

El balance económico del Museo Thyssen de Madrid cambia su tendencia negativa desde 2013. El director gerente, Evelio Acevedo, ha presentado esta mañana los resultados del ejercicio del pasado año. 2016 cerró con superávit de 504.000 euros, lo que representa un 119% más que en 2015, que acabó con un déficit de 2,7 millones. El ciclo parece que empieza a ascender desde 2013 cuyo ejercicio finalizó con un saldo negativo de 5,2 millones y 2014, con 4,5 de déficit.

Acevedo quiso destacar que el museo se autofinancia en un 78%. También hizo hincapié en que prefieren ceñirse a los objetivos planteados que en equiparaciones con otros años y que en esta comparación los resultados también son satisfactorios, ya que los gastos están un 4% por debajo del presupuesto previsto para 2016 y los ingresos, un 62% por encima de lo esperado.

De los 20 millones de euros de ingresos, la mayoría proceden de la recaudación de la taquilla del museo con 7 millones (lo que supone un 35% del total) —esta cantidad supera en 25 puntos los 5,6 millones recaudados el año anterior—, le sigue lo obtenido a través de la tienda y librería 3,3 millones (16,9%). Acevedo deja aparte la aportación del Estado en 2016 (seis millones de euros) porque no la considera “actividad del resultado del trabajo del museo”. Con respecto a 2015 el mayor aumento de ingresos fueron los obtenidos a través del alquiler de espacios, los 706.000 euros suponen un 54% más que los 457.000 del año anterior.

En el capítulo de gastos, la mayor partida se la llevan recursos humanos con un 32,4%, seguidos de los dedicados a seguridad y limpieza (16,5%). Y los que más han aumentado con respecto a 2015 son los destinados a las primas de seguros, un 121% más (417.000 en 2016 y 189.000 el año anterior).

Sin tener en cuenta la colección Carmen Thyssen

El gerente del museo, a pregunta de EL PAÍS, ha asegurado que en el presupuesto y objetivos de este 2017 no contemplaron la inestabilidad en la que se encuentra la colección de Carmen Thyssen que se expone en el museo, y aunque desde la semana pasada es seguro que las obras permanecerán en la pinacoteca hasta el 31 de diciembre, al menos, su futuro todavía se desconoce porque siguen las negociaciones entre la baronesa y el Ministerio de Cultura. Acevedo ha confirmado que no contemplan el escenario en que estas obras tuvieran que salir del museo, aun así, si eso ocurriera no afectaría “para nada” en lo previsto para este año: “Si hubiera algún impacto, no sería determinante”.

elpais.com
 




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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
Picasso y Toulouse-Lautrec en los bajos fondos de París

El Museo Thyssen presenta la exposición estrella de su 25º aniversario, un novedoso diálogo entre dos genios de la modernidad



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'La serenata' (Mougins, 1965), de Picasso, una de las obras de la exposición del Museo Thyssen. / INMA FLORES

Cuando Pablo Picasso llegó a París en octubre de 1900, con apenas 19 años, Henri de Toulouse-Lautrec era un artista consagrado de 35 años, vencido por la enfermedad y al que le quedaba solo un año de vida. No se llegaron a conocer personalmente, pero ambos compartieron una misma radicalidad para romper con el arte que precedió a sus respectivas obras y un mismo gusto por temas surgidos en el lado más oscuro del París de aquellos tiempos: las noches de Montmartre, las prostitutas, los mendigos, las gentes del circo. Esas afinidades han sido objeto de estudio por varios especialistas, pero hasta ahora no habían sido plasmadas en una exposición como la que desde este martes, 17 de octubre, y hasta el 21 de enero de 2018 se puede visitar en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza bajo el título de Picasso/Lautrec, la muestra estrella del 25º aniversario del museo.

Comisariada por Francisco Calvo Serraller, catedrático de Historia del Arte, y Paloma Alarcó, jefa de conservación del Thyssen, la exposición muestra 112 obras, de las que solo cinco proceden del museo. El resto han sido prestadas por coleccionistas públicos y privados de todo el mundo. Junto a los museos Picasso de París y Barcelona, uno de los principales colaboradores ha sido Bernard Ruiz-Picasso, nieto del artista, que no podía disimular su satisfacción durante el recorrido de las salas. De su colección personal proceden, entre otras piezas, un espectacular tapiz de Las señoritas de Avignon y un impactante retrato del amigo de Picasso Carles Casagemas muerto. Obra en la que se pueden ver las huellas en la sien del disparo con el que acabó con su vida con 20 años.

El concepto con el que han trabajado los comisarios a lo largo de tres años ha sido contar las afinidades, que no influencias, entre los dos grandes maestros de la modernidad. “Para Picasso, Toulouse-Lautrec es un alma gemela cuya obra conoce y deglute antes de trasladarse a París”, explica Alarcó. Al igual que otros grandes maestros presentes en toda la obra del artista español (El Greco, Velázquez, Ingres, Degas, Delacroix, Goya), Picasso sabe convertir en propio todo lo que le apasiona. “Capta para sí la forma de operar de los otros”, prosigue la experta, “y lo devuelve al mundo como algo propio y enriquecido".

Lo que primero le fascina a Picasso de Toulouse-Lautrec es su manera de romper con lo anterior, de dar la espalda a los academicismos y a las tendencias que reinaban entre sus colegas. Además, le seduce del francés su ironía, su interés por la caricatura y su pasión por los habitantes de la noche. “La huella inicial”, añade Alarcó, “era tan profunda que sus amigos Max Jacob, Guillaume Apollinaire y André Salmon bromeaban diciéndole: 'Encore trop Lautrec!' (¡Aún demasiado Lautrec!). Después supo muy bien volar solo”.

Calvo Serraller añade que esas afinidades no fueron una fascinación de juventud, sino que permanecieron vivas a lo largo de una ingente obra que se prolongó siete décadas. Entre sus objetos personales más queridos de su estudio en La Californie, siempre conservó un retrato de Toulouse-Lautrec, como puede verse en la famosa fotografía tomada por el fotógrafo Paul Sescau, incluida en la muestra.
 
La exposición está dividida en cinco ámbitos temáticos. En todos ellos, se confrontan las obras de los dos maestros ante un mismo asunto: Bohemios, Bajos fondos, Vagabundos, Ellas y Eros recóndito. El mundo de la bohemia, que tanto les sedujo a ambos, les permitió explorar la personalidad de sus modelos a través de las caricaturas. Autorretrato con chistera (1901), de Picasso, con trasfondo de prostitutas, recrea el ambiente nocturno de las obras de Toulouse-Lautrec frente a una serie de retratos de mujeres solitarias de los bares de Montmartre firmadas por el francés. Ambos se fijan en los marginados de la noche, aunque mientras Toulouse-Lautrec lo hace con la complicidad de quien se siente uno más entre ellos, Picasso se enfrenta al tema con los ojos de quien siente una curiosidad insaciable por el mundo de la marginación. En Moulin Rouge (1901), Picasso exagera el aspecto caricaturesco de los personajes y su visión satírica de lo que ocurría en los reservados de los cafés.

Los dos genios tienen diferentes percepciones a la hora de representar a las mujeres de los bares y tabernas. El artista francés pinta La pelirroja con blusa blanca (1889) con empatía, con una tristeza que le da un aura de nobleza. Sin embargo, Picasso se preocupa por el aspecto negativo de la vida de las prostitutas y refleja la profunda tristeza de las mujeres afectadas por la sífilis: Mujer con flequillo (1902).

¿Cómo hubiera sido su relación de haberse conocido en alguno de los cabarés que tanto les gustaban? “Se hubieran tomado unas absentas”, bromea Alarcó, “y se habrían entendido hablando de pintura”.


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Litografía 'Aristide Bruant dans son cabaret' (1893), de Toulouse-Lautrec. INMA FLORES


'La mallorquina'

Pablo Picasso pintó La mallorquina en 1905. Prestada por el Museo Pushkin de Moscú, es un gouache sobre cartón de 67 por 51 centímetros y una de las obras más bellas de la exposición. Pero lo importante para Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen, es que la técnica utilizada en obras como esta se encuentra en la intersección que hay entre el dibujo y la pintura, algo que está presente en todas las salas y que supone un planteamiento revolucionario. “En un momento en el que se considera que un cuadro está terminado cuando ocupa hasta el espacio de los marcos, obras como esta parecen inacabadas, parecen ser bocetos. Pero nada más lejos de la realidad”, argumenta Solana, “porque no son tentativas fallidas ni obras abandonadas". "Son pinturas que se han apropiado de las ventajas del dibujo. La mallorquina es, sin duda, una obra maestra”.


elpais.com / Ángeles García
 




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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
Las visitas al Prado caen un 6,9 % en 2017

Las visitas al Prado caen un 6,9 % en 2017

El Museo Reina Sofía consigue alcanzar los 3.880.812 visitantes, lo que supone un incremento de un 3,6%



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Colas de acceso a la exposición 'El Camino a Guernica de Picasso', en el Museo Reina Sofía en Madrid. / Carlos Rosillo


Museo del Prado


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Tesoros de la Hispanic Society: 4.000 años de arte e historia, fue la Exposición temporal más visitada del Museo del Prado en 2017.

El Museo del Prado registró en 2017 un total de 2.824.404 visitas frente a las 3.033.754 del año anterior, lo que supone una caída del 6,9%. Aún así, supone el segundo mejor dato de su historia, según ha informado este martes el museo en un comunicado.

Las exposiciones temporales más visitadas en 2017 han sido Tesoros de la Hispanic Society of America, que alcanzó los 485.178 visitantes y Fortuny (1838-1874), que desde su apertura, el 21 de noviembre, ha recibido 120.681 visitantes. Datos que se alejan bastante de los conseguidos el año anterior con la muestra conmemorativa de El Bosco, la exposición más visitada de su historia, con 600.000 visitantes.


Museo Reina Sofía


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El Museo Reina Sofía recibió 3.880.812 visitantes durante 2017 en sus distintos espacios para contemplar la colección permanente, las 17 exposiciones temporales programadas y para asistir a los ciclos audiovisuales, conferencias, seminarios, visitas guiadas, talleres y actuaciones en directo. Esta cifra supone un incremento de un 3,6% con respecto a 2016, que a su vez había aumentado un 12,2% con respecto al año anterior.

La muestra Piedad y Terror en Picasso. El camino a Guernica, organizada dentro de la conmemoración del 80º aniversario de la creación de la obra y 25 de su llegada al Museo Reina Sofía, fue la más vista por el público al alcanzar 681.127 visitantes. Otros reclamos han sido las exposiciones de Bruce Conner, uno de los artistas norteamericanos más importantes de la posguerra; la del sudafricano William Kentridge, premio Princesa de Asturias de las Artes 2017; así como la primera retrospectiva en España sobre la también norteamericana Lee Lozano y la muestra dedicada al creador de cómics George Herriman.

En cuanto a las salas expositivas del Parque del Retiro, el Palacio de Cristal recibió 1.729.272 visitantes que acudieron a ver los proyectos de la artista italiana Rosa Barba y la colombiana Doris Salcedo. El Palacio de Velázquez atrajo a 491.554 personas a exposiciones como la del alemán Franz Erhard Walther y la española Esther Ferrer, premio Velázquez de las Artes Plásticas en 2014.


Museo Thyssen


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Exposición Lautrec-Picasso, en el museo Thyssen de Madrid.

El Museo Thyssen-Bornemisza recibió en 2017 850.496 visitantes, un 20,1% menos que el año anterior, siendo la exposición dedicada a Picasso y Lautrec, que estará abierta hasta el 21 de enero, la que mayor aceptación ha tenido, al ser vista por 119.670 personas.

Desde la implantación en febrero de 2016 de la entrada única, que permite visitar tanto la colección permanente como las exposiciones temporales con una sola entrada, el museo contabiliza tanto el número de tickets vendidos (850.496) como el de visitas a las muestras, que ascendió a 1.051.741, ya que aprovecharon para contemplar varias exposiciones.

Hasta el 28 de enero se podrá contemplar la muestra Lección de Arte, que en 2017 fue visitada por 8.428 personas, mientras que 87.183 acudieron a contemplar las Obras maestras de Budapest y 72.887 El Renacimiento en Venecia, ha informado hoy el museo en un comunicado.

Sonia Delaunay. Arte, diseño y moda fue vista por 41.281 personas; la obra de Rafael Moneo, por 17.962; la de Renoir, por 42.264; y la exposición de Bulgari y Roma, por 52.575.


Museos estatales

Los 16 museos de titularidad estatal dependientes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte registraron en 2017 2.963.263 de visitas, un 5,4% más que en 2016. Es la cifra más alta desde que se tiene registro.


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El Museo Nacional de Artes Decorativas y el Museo Sorolla son los que han alcanzado sus cifras de visitantes más altas hasta ahora. La exposición Manolo Blahnik. El arte del zapato, del Nacional de Artes Decorativas, abierta hasta el 8 de marzo, ha conseguido duplicar el número de visitantes (104% más que en 2016) y alcanzar los 71.474.


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Museo Sorolla de Madrid.

El Sorolla supera también sus cifras con 255.047 visitantes, un 18% más que en 2016.


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En el Museo Arqueológico Nacionall, el número de visitantes ha crecido en más de un 7%, hasta llegar a las 543.027 visitas. Mientras que el de Antropología experimenta la subida más importante, con un 11% (más de 81.790 visitas), alcanzando así su récord.

El resto de museos también han registrado cifras históricas como el Museo Nacional de Arte Romano en Mérida que ha incrementado un 5,8% o el Museo Cerralbo con 136.098 visitas y casi un 4,4% de crecimiento.


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Museo Cerralbo de Madrid.



Visitantes a los Palacios y Monasterios Reales

Los Palacios y Monasterios Reales gestionados por Patrimonio Nacional han registrado 3.470.002 visitantes. Estos resultados suponen un incremento total de 104.898 visitantes, cifra que representa un 3,18% más con respecto al año 2016.


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El Palacio Real de Madrid ha sido, de nuevo, el lugar más solicitado con 1.517.887 personas, cifra que supone un incremento de un 2,88%. Solo en el mes de diciembre, 90.188 personas han contemplado ya el Belén del Príncipe de Palacio que continuará abierto hasta el domingo 14 de enero. Mientras que las estancias de la Real Cocina de Palacio, con un itinerario independiente al habitual, ha conseguido 9.774 personas.


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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
Sorolla en el taller de costura

El Thyssen y el museo del pintor confrontan más de 70 obras del artista con trajes que muestran la nueva moda para la mujer que se emancipaba en el cambio de siglo



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Una visitante fotografía uno de los vestidos de la muestra 'Sorolla y la moda' que se expone junto con el lienzo del pintor 'Elena en la playa' (1909) en el Museo Thyssen de Madrid. / INMA FLORES

No hubo un día en que al salir a la calle de repente las mujeres vistieran pantalón sin complejos. Hizo falta una larga transición para ir aflojando los corsés y despojándose de miriñaques; larga y no exenta de tortura social. El solo gesto de partir la falda para poder montar en bicicleta impidió la entrada a más de una en algún club de gente decente. Pero ese camino ya se transitó. A caballo entre los siglos XIX y XX, la modernidad llegó con la moda: las faldas se acortaron, los vestidos eran holgados y sin ataduras, los talleres diseñaban ropa para una nueva mujer, más dinámica y desenvuelta, aventurera y activista que lo mismo reivindicaba el sufragio femenino que prescindía del sombrero en un ademán de libertad conquistada. Sí, la nueva moda y la emancipación femenina hicieron un buen matrimonio.

¿Y qué pinta Sorolla en todo esto? Mucho. Observador privilegiado de aquellos cambios que operaban en las grandes ciudades del mundo, París, Londres, Nueva York, el pintor trasladó a sus lienzos con la maestría de un buen sastre el brillo del terciopelo, las transparencias del tul, la suavidad del fieltro y el frescor veraniego de sargas y algodones. En sus retratos a las damas de la alta sociedad (esas clases por las que empiezan todas las revoluciones), el artista (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923) no ahorró en gasas, pasamanerías, lentejuelas, sombreros de paja y plumas, sombrillas y zapatos de hebillas diamantinas.

Sorolla y la moda, así se titula la exposición que reúne en el Thyssen más de setenta lienzos procedentes de museos y colecciones de medio mundo —algunos apenas han sido expuestos en público— con los vestidos de época que se conservan en prestigiosas galerías e instituciones, como el Victoria & Albert de Londres, el Museu Tèxtil de Terrassa o el Museo de Artes Decorativas de París. Desde mañana y hasta el 27 de mayo, estas joyas de la moda y valiosos complementos acompañarán a los retratos de gran formato donde el valenciano dio rienda suelta a su gran pasión: la moda. Aunque el Thyssen expone la gran parte del material, la visita no estará completa sin acercarse al Museo Sorolla, situado en la que fuera la casa madrileña del pintor, donde algunos de estos maniquíes buscan su espejo en óleos que no se descuelgan nunca de esas paredes. Los amantes de Sorolla podrán disfrutar en esta sede de un cuadro rara vez expuesto, Amalia Romea, señora de la Iglesia, una sutileza de gasas y carnaciones que incitan a tocar.

“La modernidad estaba llegando a Europa, las mujeres ya no necesitaban una sirvienta para embutirse en aquellos vestidos imposibles, se arreglaban y salían solas de compras y Sorolla se hace eco de todo aquello, pinta una mujer empoderada y moderna”, dice el comisario de esta exposición, Eloy Martínez de la Pera, que califica al pintor como el primer personal shopper. En sus viajes, Sorolla se emociona con los cambios en el vestir que observa, y envía cartas a su mujer, Clotilde García del Castillo, a la que adora, con bocetos de los sombreros que ha visto, los vestidos, los nuevos cuellos y complementos. A su vuelta a casa llegarán los regalos para ella y para sus hijas, María y Elena, que vestirán la última moda de París, de la londinense Oxford Street y de los talleres neoyorquinos —cabe pensar que al hijo, Joaquín, también le traería algún presente—.
 
Todas posaron para él, Clotilde hasta la extenuación y siempre con una mirada serena de gran dama en sus jardines: Clotilde con traje gris, Clotilde con vestido negro, Clotilde con traje de noche.

También se han seleccionado para esta muestra los retratos que hizo a las grandes damas estadounidenses, burguesas de Nueva York cuyas fortunas crecían al mismo ritmo que se elevaban los edificios; la realeza española, alfonsos y maría cristinas, también pasaron por sus pinceles.

No por conocidos, los trazos de Sorolla dejarán de fascinar al visitante, pero será difícil escapar de la atracción que provocan los modelos elegidos para acompañar a cada cuadro. Es la moda convertida en arte. “Cientos de personas han trabajado durante año y medio para restaurar, con precisión de cirujano, lentejuelas y encajes”, explica la comisaria técnica, Paula Luengo. Hubo que buscar aquellos modelos que más se parecían al retratado por Sorolla, y lo han conseguido, otorgando así veracidad al momento de fulgurante diseño que se experimentaba en la época. Los vestidos tienen prácticamente la misma fecha que los cuadros y parecen salidos de ellos. Sorolla estaba retratando el cambio de vida con el realismo de un fotógrafo.


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Una de las cartas de Sorolla con varios modelos de sombreros dibujados. / INMA FLORES


Las marcas

Para los adinerados, y Sorolla lo era, aquellos años de Belle Époque eran felices. El arte y la moda se abrazaban y los diseñadores reivindicaron su parte. Charles F. Worth es artífice de esa transición hacia la creatividad personal: quiere que sus creaciones tengan nombre propio y estampa su firma, por ejemplo, en ese vestido rosa de seda, algodón, metal y raso que se expone en el Thyssen, perteneciente ahora a la colección Francisco Zambrana, de Málaga. Empezaban las marcas.
Pero la joya de la corona es el vestido Delphos, diseñado hacia 1920 por Mariano Fortuny y Madrazo, inspirado en las túnicas griegas, que caía sobre el cuerpo de la mujer sin ataduras. Con él, y sin ropa interior, bailó Isadora Duncan, que puso cimientos a la danza moderna, y lo lucía Peggy Guggenheim, la gran coleccionista y mecenas estadounidense. Sorolla se lo regaló a su hija en color amarillo y la retrató así. La nueva mujer estaba naciendo y el cambio de piel dejó un rastro de polisones y miriñaques que tanto tiempo le impidieron cabalgar la modernidad.


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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
Los cuadros del Thyssen ganan luz

La pinacoteca cambia la iluminación para mejorar la conservación de las obras y su disfrute y reducir el consumo energético



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Una de las salas del Thyssen madrileño con la nueva iluminación. / MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA - Europa Press

Está claro que un museo sin obras pierde su sentido, pero ¿y sin luz? Sin iluminación tampoco lo tendría. Pero la importancia de este elemento no radica solo en que haya o no. Tiene un papel fundamental, tanto en la conservación de las piezas como en el disfrute de las mismas. Cuántas veces los reflejos juegan malas pasadas e impiden observar una pintura y el control de los luxes (unidad de iluminancia) es fundamental sobre todo en materiales frágiles como el papel o el tejido, pero también en la pintura.

En este sentido, el Museo Thyssen-Bornemisza, cuya tecnología ya estaba obsoleta, ha iniciado un proyecto de cambio de la iluminación de las aproximadamente 80 salas de su colección permanente y de las de exposiciones temporales, un proceso que terminará antes del comienzo del verano. Los trabajos —que ya han empezado, ya hay una decena de espacios renovados— no afectarán al público, se realizarán cuando el museo esté cerrado.

La pinacoteca cuenta con la colaboración de la Fundación Bancaria La Caixa y de Sylvania, un proveedor líder en el sector que ha trabajado, entre otros, con la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, para esta renovación con la que a través de las posibilidades que ofrecen los led se lograrán mayores niveles de eficiencia energética, se mejorará la conservación de las obras expuestas y se favorecerá su apreciación en unas condiciones más próximas a la luz del sol, “pero sin los inconvenientes que esta supone”, especificó ayer el director artístico del museo, Guillermo Solana. Se realzarán los colores y matices, con una alta fidelidad cromática que potencia zonas oscuras y logra colores más luminosos e intensos, especialmente los rojos. Además, se pueden apreciar mejor pequeños detalles y se reducirán los deslumbramientos provocados por reflejos. “La luz, además de ser el medio con el que se trabaja, es el corazón del museo”, comentó Solana.

También afectará al consumo, si se compara la potencia necesaria para los 2.136 halógenos que hay ahora con la de los nuevos 1.700 focos. Según los datos de 2017, el ahorro estimado será de un 60%.


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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
Exposición temporal - Del 13 de febrero al 27 de mayo de 2018


Sorolla y la moda



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El Museo Thyssen-Bornemisza organiza, en colaboración con el Museo Sorolla, una exposición que analiza la influencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla que puede verse simultáneamente en ambas sedes.

Comisariada por Eloy Martínez de la Pera, la muestra reúne en torno a setenta pinturas, procedentes de museos y colecciones privadas nacionales e internacionales y algunas de ellas nunca expuestas públicamente, junto a una selección de complementos y vestidos de la época.

Gran amante de la moda, Sorolla es el cronista perfecto de los cambios en las tendencias y estilo de la indumentaria a finales del siglo XIX y principios del XX. Sus obras reúnen un evocador catálogo de vestidos, joyas y complementos, realzados por su trazo suelto y vigoroso. La exposición presta especial atención a los magníficos retratos femeninos que el pintor realizó entre los años 1890 y 1920.

museothyssen.org
 




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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
El Prado, el Reina Sofía y el Thyssen, gratis para los titulares del Abono Joven



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Museo Thyssen.

El nuevo presidente de la Comunidad de Madrid, Ángel Garrido, ha anunciado este miércoles que los titulares del Abono Transporte Joven, más de 1,2 millones de menores de 26 años en la región, podrán entrar gratis a partir de este mismo jueves a los museos del Prado, Reina Sofía y Thyssen-Bornemisza.

Los titulares del Abono Transporte Joven, más de 1,2 millones de menores de 26 años, podrán entrar gratis desde el jueves a los museos del Prado, Reina Sofía y Thyssen-Bornemisza, a través, además, de una taquilla exprés.

El presidente de la Comunidad de Madrid, Ángel Garrido, ha anunciado esta ventaja para los jóvenes en el marco de la presentación conjunta, por parte de los tres museos y la Administración, de la transformación de la estación de Metro de Atocha en la 'Estación del Arte'.

Según ha explicado Garrido, los jóvenes sólo tendrán que presentar el DNI y el Abono Joven en estos tres museos y podrán acceder gratuitamente. Estos tres museos constituyen "uno de los ejes culturales más importantes del mundo", con más de 7,5 millones de visitantes anuales, han recordado desde el Gobierno regional.

El Abono Joven 30 días tiene una tarifa única de 20 euros para todas las zonas tarifarias (pudiendo viajar de la zona A a la E2) y una validez hasta la fecha en que se cumplen 26 años.


madridiario.es




     

Una iniciativa excelente.
 




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Mensaje Re: MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid) 
 
El Thyssen recurre al micromecenazgo para restaurar una obra maestra

‘La plaza de San Marcos en Venecia’, de Canaletto, precisa de 35.000 euros para su lavado de cara



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'La plaza de San Marcos en Venecia', de Canaletto (1723-24). MUSEO NACIONAL THYSSEN BORNEMISZA

El Museo Thyssen ha decidido recurrir al micromecenazgo para restaurar una de las obras maestras de su colección, La plaza de San Marcos en Venecia, de Canaletto. En una acción inédita en los museos españoles, la pinacoteca solicita 35.000 euros para contribuir al lavado de cara de este cuadro. Por ello, en su web ha dividido el óleo en 1.000 secciones, cada una por un valor de 35 euros, que es la cantidad mínima que cada donante puede aportar, para que quien lo desee ayude al estudio técnico y limpieza del cuadro escogiendo una cuadrícula. Pasadas las nueve de la mañana de este jueves, dos días después de la puesta en marcha de esta iniciativa, la cantidad recibida por el museo se acercaba ya a los 6.000 euros. Axel, Marta, Álvaro, Marjorie… el Thyssen ha colgado el listado de los nombres de los contribuyentes como muestra de agradecimiento.

"Nos hemos sumado a algo que ya funciona en otros países, donde la gente está más acostumbrada a hacerlo, como en Francia, donde ha ocurrido con el Louvre, o el Museo de Ámsterdam", ha explicado por teléfono la responsable de Patrocinios del museo Thyssen, Pepa Octavio. En España, el Museo del Prado o el Sorolla organizaron micromecenazgos pero para la compra de obras.

Octavio apunta que la restauración de una obra como este canaletto, que incluye un estudio de los pigmentos que usó el artista, para así poder profundizar en su técnica, "cuesta bastante más" que la cantidad pedida. "Si tenemos éxito, seguramente repetiremos. Se trata de hacer a la sociedad más partícipe del arte, de la toma de decisiones, como ocurre en otros ámbitos".

La plaza de San Marcos de Venecia es un óleo de 141,5 por 204,5 centímetros que Giovanni Antonio Canal, Canaletto (Venecia, 1697-1768), pintó hacia 1723-24. Es por lo tanto una pieza de juventud de este principal representante del género "de vistas urbanas o vedute", según el museo, y en la que aparecen señas de su reconocible estilo. Canaletto pintó la plaza más famosa de la bella ciudad italiana desde un punto de vista alto, con el fin de dar un encuadre más amplio a la composición. "La línea horizontal que forman al fondo las fachadas de San Marcos y el Palacio Ducal contrasta enormemente con la verticalidad del campanile y las Procuradurías, que situadas a ambos lados dan profundidad a la perspectiva", describe el Thyssen.

La pintura de Canaletto, como se ve en esta obra, se caracteriza "por la minuciosidad en la ejecución de todos los elementos que aparecen en sus cuadros, de esta manera crea el ambiente de sus escenas urbanas". Estas vistas de grandes perspectivas de ciudades captadas con detalle fueron piezas cotizadas por nobles viajeros y amantes del arte que visitaban países como Italia o Francia.

La pinacoteca recuerda en su información el porcentaje que se puede desgravar en la declaración de Hacienda del próximo año por esta donación: "Por los primeros 150 euros, el 75% del donativo, y el resto, al 30%". Además, premiará a los participantes del crowdfunding en función del donativo: desde invitaciones al museo, pases anuales, una visita al Departamento de Restauración o una visita guiada por el director artístico, Guillermo Solana, en el área de obras de pintura italiana del siglo XVIII.

elpais.com
 




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