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PICASSO (Pablo Ruiz Picasso)
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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Picasso en la almohada de Fellini

El museo del pintor en Málaga ofrece una inédita exposición sobre la influencia que ejerció en el cineasta y sus mundos creativos compartidos



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Dibujo de Fellini, en 1962, en el que aparece Picasso, el propio director y su mujer, la actriz Giulietta Massina.

No llegaron a conocerse. Al menos no hay constancia. Sí se sabe con certeza que Pablo Ruiz PIcasso (1881-1973) y Federico Fellini (1920-1993) pisaron la misma alfombra roja en la inauguración del festival de Cannes en 1961, pero no hay pruebas de que conversaran ni tan sólo de que se saludaran. Sin embargo, el que fuera uno de los mejores directores de la historia del cine no dejó de soñar con el pintor más icónico del silo XX. Le solía pasar cuando entraba en una de sus crisis creativas o amorosas. Entonces, el director de La dolce vita buscaba un maestro, un guía, un demiurgo, y la imagen potente, segura de sí misma, firme, del artista malagueño aparecía salvadora entre los sueños del cineasta.

De esta conexión onírica sí que hay constancia, porque Fellini la dibujó y pintó en su Libro de los sueños, que había empezado a elaborar en 1960  (lo acabó en 1990) por recomendación de su psiquiatra Ernst Bernhardt, discípulo de Jung. "Giulietta y yo invitados en casa de Picasso, estamos de maravilla, comemos y bebemos con alegría. Todo es sencillo, familiar, antiguo, ¡qué paz, qué gusto!", escribió el realizador de Amarcord, junto a uno de los tres citados dibujos, que se pueden ver en la exposición Y Fellini soñó con Picasso. Se acaba de presentar este lunes en el Museo Picasso de Málaga y abre al público mañana.

Se trata de una muestra inédita y arriesgada. Es inédita porque nunca se ha exhibido la obra conjunta de ambos creadores, ni se han trazado vínculos entre ambos, ni se ha incidido de manera diáfana en la influencia que la obra de Picasso ejerció sobre la de Fellini. Y es arriesgada porque, precisamente, no hubo ninguna relación personal entre ambos y porque puede parecer un ejercicio forzado establecer convergencias o paralelismos con el propósito de responder a la atractiva idea de juntar en un mismo espacio dos nombres míticos de la cultura, a través de dibujos, pinturas, fotografías, fotogramas, películas o libros.
 

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Dibujo de Fellini 'Nino Rota tocando el violín', sin fechar.

La propia comisaria de la muestra coproducida por La cinémathèque française, Audrey Norcia, reconoce que es un "desafío loco", pero insiste en que ha investigado y contrastado tanto esa citada influencia como el universo creativo compartido, fundamentalmente, en tres campos temáticos u obsesivos: la antigüedad, el circo y las mujeres. Durante el recorrido, a veces se hace evidente, otras no tanto. En una entrevista de 1972, Fellini admite su admiración hacia "Picasso, Jung y Moravia".

La muestra empieza con los escritos y dibujos de Fellini sobre sus sueños con Picasso y con las obras relativas al mundo circense, incluyendo también una serie fotográfica de ambos creadores en retratos que guardan semejanzas entre sí. A un lado, otra sala recoge las obras que aluden a la representación del mundo de la antigüedad clásica por parte de Picasso, al que se le quedó grabada para siempre en su retina su visita a Italia en 1917. Esas imágenes, algunas captadas en el Museo de Arqueología de Nápoles, fueron recurrentes a lo largo de su trayectoria. La comisaria destacó cómo el minotauro, constante en Picasso, influyó en la máscara del personaje de la película de Fellini El satiricón.
 

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Obra de Pablo Picasso 'Mujer de pie con una mano en la cadera', de 1908

En el otro lado, se aborda la obsesión por "el continente femenino", como decía Fellini, por las prostitutas, por la iniciación sexual. Las excesivas y generosas figuras de los dibujos del cineasta, que fue primero caricaturista, se asocian bien con los grabados y cuadros de Picasso, si bien estos tienen un carácter sexual mucho más explícito y concupiscente. La concepción de Fellini de la mujer es más cercana a la madre, es menos agresiva, más respetuosa, en opinión del que fue ayudante de realización del director, Gérard Morin. También el peso de la educación cristiana es mucho más evidente en el caso del cineasta. El también cofundador de la Fundación Fellini ha prestado asesoría y algunos dibujos de Fellini a la muestra, que se clausura el 13 de mayo. "Picasso era un conquistador, cuando se cansaba, dejaba a sus amantes; Fellini era más masoquista, y más inseguro, y aunque tuvo aventuras nunca dejó a su mujer, Giulietta Massina", señala.

La síntesis de la apuesta expositiva viene dada por una evocadora y excelente película, que se proyecta al final del recorrido. Dirigida por Isaki Lacuesta, con la voz de la actriz Emma Suárez y encargada ex profeso, la película de 23 minutos recorre los sueños y las obsesiones de Fellini a través de las imágenes (muchas inolvidables) de sus películas y las vincula con la larga sombra de la influencia real u onírica de PIcasso. De hecho, en palabras de José Lebrero, director artístico del Museo Picasso, el proyecto, cuyo cartel es del artista Curro González, consta de dos partes: una exposición de arte y una película de cine, PIcasso y Fellini. ¿Qué hubieran soñado juntos?


elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
La justicia francesa anula la condena al electricista de Picasso

Pierre Le Guennec, acusado de robar 271 obras del pintor, será juzgado otra vez. Las pruebas que lo inculparon fueron insuficientes, según la Corte de Casación



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Pierre Le Guennec, ante el juez el 10 de febrero de 2015. / Eric Gaillard - REUTERS

La justicia francesa acaba de anular la condena de dos años de cárcel en suspensión que recibió el antiguo electricista de Pablo Picasso, Pierre Le Guennec, por haber escondido en su domicilio 271 obras del pintor malagueño, cuyo valor oscilaría entre los 60 y 80 millones de euros.

La Corte de Casación francesa, institución encargada de revisar si las normas del derecho fueron aplicadas correctamente en un juicio determinado, hizo público su veredicto el pasado miércoles: el tribunal que juzgó el caso en diciembre de 2016 fue incapaz de demostrar que “los bienes en posesión de los acusados procedieran de un robo”. Por ese motivo, el magistrado no debió “pronunciar una pena sin haber indicado todos los elementos constitutivos de infracción”, señala la Corte, que ha ordenado que el caso vuelva a ser juzgado por el Tribunal de Apelaciones de Lyon.

Le Guennec, electricista de Picasso durante los últimos años de su vida, es sospechoso, junto a su esposa Danielle, de haber robado 180 obras del pintor y un cuaderno de 91 dibujos que no estaban inventariados en el momento de su muerte, en 1973. En ese lote se encuentran seis óleos, nueve collages cubistas y 28 litografías. Las obras estarían fechadas entre 1900 y 1932. Reaparecieron en 2010 cuando Le Guennec se puso en contacto con uno de los hijos del artista, Claude Picasso, para que las identificara. La familia las consideró auténticas. Y, acto seguido, presentó una denuncia por robo, considerando improbable que Picasso hubiera hecho una donación de tanta importancia. En especial, porque las obras no iban firmadas y tampoco llevaban fecha, hecho inédito en los regalos que solía hacer el artista malagueño.

El electricista defendió durante años que se trataba de un obsequio que le habría hecho Picasso en 1971 o 1972, en agradecimiento a los servicios prestados. Después, durante el juicio de 2016, Le Guennec cambió su versión y sostuvo que había sido su viuda, Jacqueline Roque, quien se los regaló. Roque le habría pedido, según la versión de Le Guennec, que guardara “algunas bolsas de basura” en su casa. “Entre 15 y 17”, según su testimonio durante el juicio, posiblemente para que no figuraran en el inventario que se realizó a la muerte del pintor. Más tarde le pidió que se las devolviera. A excepción de una, que le dejó como compensación. “Guárdela, es para usted”, le habría dicho, según la versión de Le Guennec. Jacqueline Roque se suicidó en 1986, a los 59 años.

“Es una decisión formidable que valida la tesis que siempre ha defendido la pareja Le Guennec. Es decir, la ausencia total de robo”, reaccionó uno de los abogados del matrimonio, Antoine Vey, a la agencia France Presse, añadiendo que este nuevo juicio será la ocasión de “establecer, por fin, la verdad”.
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
EXPOSICIÓN



Picasso y el año de la "maravillas"



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Una joven observa la obra de Picasso "El sueño", de 1932. / EFE

Los franceses lo llamaron l'année érotique. Los británicos, pudorosos ellos, lo han rebautizado como the year of wonders. Hablamos de 1932, el "año erótico de las maravillas" (dejémoslo así) en el que Pablo Picasso consuma el tránsito amoroso de Olga Khokhlova a Marie-Thérèse Walter, a la que exprime, retuerce y tortura en una orgía creativa sin fin, para mayor gloria de la historia del arte.

Es también el año en el que el artista por excelencia del siglo XX se mira al espejo cóncavo de los 50 años y decide apurar el elixir de la juventud, cosumando al mismo tiempo la venganza sobre los críticos que le consideraban acabado. La fama llama también a su puerta en esos meses de perpetua agitación, entre el estudio de París y el de Boisgeloup, en los que Picasso se convierte en comisario de su primera gran restrospectiva: "Me siento como si me viera a mí mismo diez años después de mi muerte"...

"Pintar, para el artista malagueño, era una forma de "llevar un diario", advierte Achim Borchadt-Hume, de la Tate Modern de Londres, que acoge la exposición Picasso 1932: amor, fama y tragedia . "Todas las tribulaciones de su vida personal saltan al lienzo con la misma pasión creativa. Esos 12 meses vividos peligrosamente quedan plasmados de principio a fin en un año en el que empieza también a mascarse el drama en su España natal y en Europa".

Tres pinturas en tres días. Entre 22 y el 24 de enero de 1932, Picasso completa Descanso, Mujer Dormida y El sueño, que por primera vez en 86 años se exhiben juntas. "Lejos de repetirse a sí mismo, se trata de tres obras muy distintas y oscilantes", recalca Achim Borchadt-Hume. "Olga y la vida familiar están aún presentes. Pero Marie-Thérèse se apodera del lienzo, con esa explosión de colores saturados que serán la nota dominante durante ese período".


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No es solo amor todo lo que reluce. Espoleado por la inminente retrospectiva, el artista consuma su particular "vendetta" contra los críticos y se proyecta una vez más hacia el futuro. En la primera sala, consagrada a la producción de Enero/Febrero, se palpa casi esa "resolución de seguir siendo relevante".

En doce días de marzo llega otra explosión inusitada, con una serie de lienzos que culminarían en Mujer ante el espejo. La escapada a Boisgeloup, su punto secreto de encuentro con Marie Thérèse, tiene gran parte de culpa. Hasta allí solía llegar Picasso a bordo de su Hispano -Suiza, cada vez que sentía llamada de la escultura. En su estudio en la campiña normanda experimenta con el volumen y lleva su particular obsesión con la nariz griega de su amante a una nueva dimensión.

Abril llega con guiños al surrealismo y desnudos reclinados en los que brazos y piernas tienen algo de tentáculos, posiblemente influidos por la obra de Hokusai y del arte erótico japonés. El marchante de Picasso, Paul Rosenberg, tuerce el gesto ante la predilección del artista por los "orificios" en sus cuerpos femeninos abstractos, magnificados por el sol o la luna.

En el ecuador del año llega la consagración de la fama. Picasso declina la oferta del MOMA y de la Bienal de Venecia y decide llevar él mismo las riendas de su exposición en las Galerías Georges Petit. Contrario a ordenar cronológicamente sus obras, Picasso opta por mezclar aleatoramente todos sus "períodos" y dar una prioridad a los retratos de su familia (reunidos para la ocasión). Fiel a su fama de descorcertantes, decidió dar plantón a la prensa y las autoridades el día de la inauguración. Prefirió meterse en un cine.

En plena canícula de 1932, de nuevo en Boisgeloup, Picasso vuelve a los desnudos reclinado y culmina con una nueva y más sensual versión de Marie-Thérèse en Mujer desnuda en sillón rojo, ejecutada sin versión previa, de un solo impulso y posiblemente en cuestión de horas, como muchas de las obras del año "erótico" o de las "maravillas".

El otoño y su viaje a Zurich marcan un giro crucial. Picasso vuelve a dibujar al carboncillo y comienza una serie sobre la crucifixión, posiblemente inspirada en Matthias Grünewald. El año que arrancó como una promesa colorista se va tiñendo poco a poco de negro: Marie Thérèse contrae una espiroquitosis al nadar en las aguas contaminadas del río Marne. Tiene que ser hopitalizada. Se queda en los huesos y pierde su melena. Picasso teme por su vida y pinta El Rescate, en el tránsito ya hacia el annus horribilis de 1933, con la llegada al poder de Hitler y los vientos de guerra sacudiendo Europa.

Picasso y Marie-Thérèse tienen una hija en 1935, Maya, que recuerda su relación como "una perpetua agonía". Después de su musa más pintada, llegaría Dora Maar, y después Françoise Gilot, y finalmente Jaqueline... "Todo lo que amamos está a punto de morir", escribió el poeta y etnógrafo Michel Leiris, amigo de Picasso, a modo de epílogo de la exposición consagrada a 1932. "Por eso todo los que amamos debe concretarse, con la alta emoción de la despedida, en algo tan bello que nunca olvidaremos".

elmundo.es
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Banderas habla sobre Picasso y Weinstein

El actor presenta en Madrid y Málaga la serie de National Geographic que protagoniza sobre el pintor



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El actor Antonio Banderas, ante un cartel de la serie 'Genius: PIcasso', en la presentación de la serie en Madrid. / JAIME VILLANUEVA

Con la cabeza rapada y con la cercanía que suele mostrar siempre en sus apariciones públicas, Antonio Banderas habla sobre cualquier cosa que se le pregunte sin tapujos. La cabeza la lleva así porque el pasado viernes terminó el rodaje de la serie Genius: Picasso para National Geographic (estreno el 26 de abril), en la que interpreta al pintor malagueño, un papel por el que ha tenido que llevar una peluca cana. Y hablar, lo hace con el acento de su tierra natal, que comparte con el artista, al que adora y al que espera haber hecho un gran homenaje en la ficción. De Picasso, de Málaga (donde se estrena en la noche del miércoles la serie), de la Semana Santa y del fervor malagueño con la serie habla estos días en radios, televisiones y periódicos. Pero camino del sur también ha hablado con EL PAÍS sobre el mundo en el que trabaja y en el que vive, sobre ese Hollywood que ya es consciente de que los abusos de poder y sexuales deben de erradicarse.

"Hay que apoyar esas denuncias, son abusos de poder tremendos. El ansia por trabajar ha hecho que mucha gente con poder pensara. 'yo a esta persona la puedo manipular y hacerlo'. Eso es terrible, de película de miedo", comenta el actor en un céntrico hotel de Madrid. El intérprete se muestra seguro y claro sobre el tema, pero también cree que es algo delicado que hay que pensar con tiento y desde todos los puntos de vista posibles: "Se pueden producir ahí también muchas injusticias".

"En los años tras la muerte de Franco, en el 76, 77, 78, muchos fuimos de la universidad y de los colegios los que salíamos a la calle porque vivíamos en un país de inocentes hasta que se probara lo contrario. Ahora muchos años después no me pueden pedir que le ponga el dedo a alguien sin yo tener toda la información, es que no puedo hacerlo. Yo no puedo convertirme en Franco, decir, éste es culpable porque este otro ha dicho esto. No puede ser así de simple, porque, si no, es muy fácil cargarse la carrera de alguien por una venganza o por cualquier tipo de cosa. Tenemos que tener un poco de cabeza a la hora de apuntar con el dedito a alguien, porque si no, nos vamos a volver locos", comenta Banderas.

El actor ha visto como compañeras de profesión y amigas íntimas han sacado a la luz abusos sufridos hace años, como pasó con Salma Hayek. El actor se muestra tajante: "Un abuso es un abuso, y muchos de los que hay denunciados, tal y como están descritos, son abusos de poder tremendos y que deben de ser no solamente penalizados por la propia profesión, que se diga 'no quiero trabajar con esta persona más', sino que tienen que ser penalizados por la justicia, muchos de estos casos deberían de llevarse frente a un juez o a un tribunal, en el caso de EE UU".

A finales de 2017, la actriz mexicana publicó un artículo en The New York Times en el que denunciaba el acoso recibido por parte del productor Harvey Weinstein durante el rodaje de Frida. Banderas no tardó en mostrar públicamente su apoyo a la actriz en sus redes sociales. Hoy Banderas ha ampliado su apoyo:  "He trabajado con Harvey en varias ocasiones. A mí no me gustaba él por otras razones, profesionales, que no voy a precisar, pero no tenía ni idea de que eso estaba pasando", relata el actor, que en su momento conversó también de forma personal con Hayek. "Cuando hablé con Salma, le pregunté que por qué no nos lo había contado, y ella respondió con mucha humanidad y me dijo que porque no quería meternos en líos. Dijo, 'no se lo conté a Edward Norton [su pareja entonces], no te lo dije a ti, no se lo dije a mis amigos porque él es un hombre muy poderoso, y si yo te lo digo y haces algo, lo mismo te pega a tí un mazazo y te hunde la carrera, yo no quería poneros a vosotros en la situación que yo estaba".

Banderas cree que entonces igual sí que se podía haber hecho algo pese a la "noble" decisión de Hayek de no implicar a más gente de la industria: "Nosotros no sabíamos todo aquello, hubiéramos reaccionado en ese momento y, sobre todo, si lo hubiéramos sabido un grupo importante, porque en un grupo podemos hacer más fuerza. Es muy triste lo que ha pasado". Para Banderas, los movimientos de #MeToo y Time's Up deben de servir para no dejarlo pasar más: "Esto va a tener consecuencias para que todos nos pongamos en situaciones de alerta, ojalá. Es bueno para que repensemos, reflexionemos y digamos, un momento, nos estamos pasando".

elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
¿Es el ‘Guernica’ un retrato familiar de Picasso?

Un sorprendente estudio mantiene que la obra nada tiene que ver con el bombardeo de la localidad vasca en la Guerra Civil



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José María Juarranz, durante la presentación de su libro. / Europa Press
 
De Pablo Picasso y su obra más famosa, el mural Guernica, parecía que ya estaba dicho todo. Son decenas los estudios firmados por especialistas de todo el mundo que han analizado cada detalle de la pieza y la han ensalzado como la obra más antibelicista creada nunca. Su propio museo parisiense le dedica estos días una gran exposición, en la que se recuerda que el artista se inspiró en la matanza de civiles ocurrida en la villa vasca el 26 de abril de 1937 por la Legión Cóndor alemana y la aviación de la Italia fascista. Pero resulta que, cuando se cumple el 81º aniversario de la obra, la última investigación publicada desmiente hechos considerados históricos, asegurando que el mural nada tiene que ver con lo acontecido en la localidad vizcaína y, entre otras cosas, que se llama así por el oportunismo de un artista apolítico y ambicioso.

El Guernica no sería más que un retrato de familia, según mantiene el catedrático José María Juarranz de la Fuente (Fuentemolinos, Burgos, 1949) en el libro Guernica. La obra maestra desconocida (ediciones Rodrigo Juarranz), presentado hoy martes en un hotel madrileño. Vicente Verdú, autor del prólogo, destaca "la valentía insólita que despliega el autor para esclarecimiento de la verdad". El estudio parte de la idea de que la obra de Picasso es autobiográfica, como por cierto ya señaló Daniel-Henry Kanhweiler, uno de sus marchantes y sus más importantes biógrafos.

Cabe recordar que Picasso pintó el mural a petición del Gobierno de la Segunda República española para la Exposición Universal de París de 1937, un encargo por el que cobró 150.000 francos franceses (unos 300.000 euros). Los historiadores han coincidido hasta el momento en que inicialmente el artista no tenía claro el planteamiento. Vivió días atascado, dándole vueltas. La iluminación le llegó al conocer el arrasamiento de la ciudad. Fue entonces cuando la tela se fue poblando de personajes agonizantes cuya carga simbólica la convirtió en un icono mundial contra las guerras.
 

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El 'Guernica', de Picasso. MUSEO REINA SOFÍA


"Oportunista"

Pero Juarranz de la Fuente explica en las 261 páginas, profusamente ilustradas, que culminan 14 años de investigación, que el mural nada tiene que ver con la guerra. Juarranz examina la cronología que va desde el encargo del cuadro hasta el bombardeo para demostrar que la temática la había iniciado antes de conocerse el ataque a la ciudad vasca. "Cuando se produjo el bombardeo, él estaba fuera de París con su entonces amante Marie-Thérèse Walter y la hija de ambos, Maya. La guerra de España no le preocupaba. No tenía ningún interés por los asuntos políticos". Y añade el autor del libro que la idea de poner el nombre de Guernica a la obra surgió durante una visita al estudio del pintor en des Grands-Augustins de París con varios amigos, entre otros el poeta Paul Éluard, autor del poema La victoria de Guernica. En el grupo se encontraba el también poeta Juan Larrea quien, según Juarranz, contó que uno de ellos gritó: "¡Guernica!", al ver la tela. "Oportunista y gran vendedor de sí mismo", cuenta el autor, "Picasso pilló la idea al vuelo y así contribuyó a la confusión que la izquierda y los republicanos se encargaron de extender. El cuadro fue utilizado como elemento de propaganda, distorsionando así su significado y haciendo muy difícil su lectura".

¿Por qué ningún otro historiador ha defendido hasta ahora esta tesis? "Porque no se han atrevido", responde sin pestañear Juarranz. "Tienen miedo a decir que esta obra no es un alegato contra la guerra porque a Picasso le importaban pocas cosas salvo él mismo. No estuvo nunca en Guernica y no le afectó lo ocurrido". Juarranz, catedrático de geografía e historia, es licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad Complutense de Madrid.

En la obra (de 3,5 metros de alto y 7,8 metros de ancho) hay seis personas y tres animales, también reinterpretados por Juarranz. Para él, no hay duda de que el toro simboliza al propio Picasso. "Él es el protagonista absoluto de la composición. Se ve a sí mismo como a un rey, y por eso quería que la obra estuviera en el Prado junto a Las Meninas de Velázquez y La familia de Carlos IV de Goya”.

La mujer con el niño desmayado representaría a su amante Marie Thérèsse Walter y a su hija Maya en el momento de su nacimiento, cuando estuvo a punto de morir; el caballo haría alusión a su mujer Olga Koklova. "Para él, las mujeres suponen tensión, peligro. Por eso oculta su vida privada", asegura el autor, dejando de lado los numerosos testimonios gráficos de la época en los que se certifica que Picasso escondía muy poco sus relaciones.

El guerrero tirado en el suelo es su interpretación más polémica, reconoce el autor. No alberga dudas de que se trata del pintor Carlos Casagemas, al que considera que Picasso traicionó durante un viaje a Málaga. "Casagemas tenía un problema de impotencia sexual", estaba deprimido. Picasso le invitó Málaga, su ciudad natal, y le llevó de burdeles. En un momento dado, Casagemas se enfrentó a otros amigos de Picasso porque le ridiculizaron llamándole independentista y nacionalista. Entonces, Casagemas se fue a Barcelona y Picasso a París. Después, el artista catalán se suicidó pegándose un tiro en la cabeza y Picasso comenzó su etapa azul.

elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
'Picasso 1932: Amor, fama, tragedia'; primera muestra monográfica en la Tate Modern



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Imagen de archivo de Pablo Picasso con uno de los cuadros presentes en la muestra.. . Ver 22 imágenes

45 años después de la muerte del pintor malagueño, la Tate Modern de Londres ha inaugurado la primera exposición individual de la obra de Pablo Picasso, una de las muestras más ambiciosas de la historia del museo. Con el título de 'Picaso 1932 - Amor, Fama, Tragedia', la exposición viaja a través de los doce meses de 1932, un momento crucial en la vida y la obra del pintor, llamado el "año de maravillas". Más de un centenar de pinturas, esculturas y obras en papel excepcionales que muestran el carácter prolífico e inquieto del retratista, en los que se despoja de los mitos comunes para revelar al hombre y al creador en toda su complejidad y riqueza.

Durante el "año de maravillas" las obras de Picasso alcanzaron un nuevo nivel de sensualidad y consolidó su estatus de celebridad como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. En el transcurso de esos doce meses, creó alguna de sus obras más queridas, como 'Mujer desnuda en un sillón rojo', mientras que en el ámbito personal el artista mantuvo un delicado equilibrio entre su relación familiar con Olga Khokhlova y su hijo, y su apasionado romance con Marie-Thérèse Walter. Una muestra que da vida a estas complejas dinámicas artísticas y personales con una gama sin precedentes de préstamos de colecciones de todo el mundo.

Según Achim Borchardt-Hume, comisario de la exposición, "Picasso describió la pintura como "simplemente otra forma de llevar un diario". Esta muestra lo invita a acercarse al artista, a su forma de pensar y trabajar, y a las tribulaciones de su vida personal en un momento crucial de su carrera. Los visitantes podrán recorrer 12 meses de la vida de Picasso y descubrir sus decisiones creativas, para ver muchas de sus obras más innovadoras y queridas en una nueva y sorprendente luz."


elconfidencial.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
La subasta de los tesoros de los Rockefeller entusiasma a los coleccionistas

'Joven con una cesta de flores' de Picasso se vende por 115 millones en una subasta en la que Matisse y Monet batieron marcas



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Empleados de Christie´s ajustando el lienzo de Picasso. / TOLGA AKMEN - EFE

Mucho antes que Bill Gates, Jeff Bezos y Ken Griffin estuvo David Rockefeller. Empezó a construir su colección de arte en los años 1950 y 1960, junto a su esposa Peggy. Entonces no había tantas grandes fortunas compitiendo por las obras más preciadas. El magnate decidió antes de morir subastarla entera para destinar el dinero a caridad. Emergieron así lienzos como Fillette a la coberbeille fleurie de Pablo Picasso, vendida este martes por 115 millones de dólares (97 millones de euros) en un noche en la que se recaudaron 645 millones en dos horas.

Las subastas de primavera en Nueva York arrancan con fuerza seis meses después de que el Salvator Mundi de Leonardo da Vinci destrozara todos los récords. Christie´s parte la temporada esta vez en dos semanas. La primera está dedicada entera a los tesoros que David y Peggy Rockefeller acumularon durante su matrimonio, en la que está considerada como la mayor colección privada que sale a subasta en la historia del arte.

Marc Porter, presidente de Christie´s para las Américas, explica que les llevó un año preparar la subasta. El lienzo de la joven desnuda sosteniendo una cesta de flores era la pieza más valiosa de las más de 2.000 que integra la colección. Picasso lo pintó cuando tenía 23 años. David Rockefeller lo adquirió a la hermana de Leo Stein. Su valor antes de empezar la puja se estimaba en 70 millones. La subasta arrancó en 90 millones. El martillo cayó dos minutos después en 102 millones, cantidad a la que se sumó la comisión.


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Obra de Henri Matisse / AP

La profusión de arte que llenó sus seis mansiones no tiene igual. Como indica Porter, tenía un gran conocimiento del mercado y fue tan astuto como su padre al invertir. Le ayudó haber presidido gran parte de su vida el consejo del Museo de Arte Moderno (MoMA). Eso le dio acceso a las obras más preciadas que salían a la venta. Su madre, Abby Aldrich, fue una de las creadoras de la institución.

El magnate adquirió así Odalisque couchée aux magnolia de Henri Matisse. Se vendió por 80,75 millones, superando el anterior récord del artista con Les coucous, tapis bleu et rose. Los Rockfeller fueron uno de los grandes promotores del arte moderno y de los primeros en entrar en ese mercado. Le gustaban los colores intensos. Ayudaron a entender el nuevo canon de artistas como Cézanne, Braque, van Gogh o Gauguin.

Quedan pocas obras de esta categoría y con tanto gusto en manos de coleccionistas privados como el Nympheas en fleur de Claude Monet, subastado por 84,68 millones y con el que el artista marca también un nuevo récord. Son obras que los coleccionistas llevan décadas siguiendo.


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Claude Monet’s ‘Nymphéas en fleur’


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Joan Miro (1893-1983) Mural I, Mural II, Mural III

 
Precios asequibles

En total se van a subastar medio millar de pinturas hasta el viernes y algunas de ellas se ofrecen a precios asequibles, cuando se comparan con las obras maestras. Pomme, de Pablo Picasso, abrió la noche con 3,97 millones. De ahí escaló a 31,81 millones con La table de musicien de Juan Gris y 35,18 millones para La Vague de Paul Gauguin. La noche siguió con La rade de Grandcamp de Georges Seurat (34 millones), Fleurs dans un vase de Paul Gauguin (19,4 millones) y Exterieur de la gare Saint-Lazare, effet de soleil de Claude Monet (32,9 millones), junto a Mural I, Mural II y Mural III de Joan Miró (20 millones).

Tras este primer lote en el que se subastaron 44 obras, la colección de David y Peggy Rockefeller bate sin dificultad los 484 millones recaudados hace nueve años con la de Yves Saint Laurent y Pierre Bergé. Durante las semanas previas se especuló con que la venta podría acercarse a los 1.000 millones cuando caiga definitivamente el martillo el viernes. La familia repartirá el dinero entre el MoMA, la Asociación de las Américas y otras organizaciones sin ánimo de lucro.

El nieto de John Rockfeller falleció hace un año, a los 101 años. Su familia era lo más cerca que se puede encontrar a la nobleza en un país sin reyes. Eso hizo que el valor de los artículos más pequeños que se subastaron por Internet se dispararan. “Esta atracción no es tanto porque fuera una celebridad”, explica Porter, “sino porque era un gran coleccionista, desde la pinturas más caras a las piezas decorativas más simples”.

“Compraban arte porque les atraía no por el retorno de la inversión”, apunta el presidente de Christie´s para las Américas. La colección incluye muebles antiguos de estilo inglés, piezas de cerámica, porcelanas, alfombras persas, figuras africanas y otras reliquias. Ni los organizadores eran capaces de estimar el dinero que iba a generar los objetos de menor valor. Un pinza de oro para billetes partía a un precio de 800 dólares, tras 50 ofertas superó los 26.000 dólares (22.000 dólares).
 
“El amor por el arte y las cosas bellas eran el centro de la casa”, dice su hijo David, que espera que los nuevos dueños le dejen poder alguna vez visitar los cuadros con los que se crió durante la niñez. Unas 50.000 personas visitaron la muestra previa durante la gira antes de llegar a Nueva York. El objetivo mínimo de 500 millones que se daba para toda la subasta se superó rápido. Las joyas de su mujer se ofrecerán en junio.


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David Rockefeller y su esposa. / Peggy - AP


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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Christie’s retira un ‘picasso’ de una subasta tras ser “accidentalmente dañado”

El dueño de la obra, el magnate Steve Wynn, ya rompió otro cuadro del pintor español en 2006 con un codazo



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Una empleada de Christie's fotografía 'El marinero', de Pablo Picasso, el pasado 3 de mayo en la casa de subastas, en Nueva York. DON EMMERT AFP

La pose de El marinero que Pablo Picasso pintó en 1943 pretende mostrar su melancolía. Lo decía estos días, previos a su subasta, Conor Jordan, vicepresidente para arte moderno e impresionista de Christie’s, a la agencia AFP. Desde luego, ahora El marinero tiene razones para estar aún más triste: el cuadro ha sido retirado de la puja prevista para mañana martes en Nueva York, dedicada a Impresionismo y arte moderno, debido a que ha sido "accidentalmente dañada", según Christie's, en la preexposición del pasado viernes, que tradicionalmente se celebra para mostrar las obras antes de su venta. Para explicarlo The New York Times emplea un símil: "Es como si un hombre fuera golpeado dos veces por un rayo".

El hombre en cuestión es Steve Wynn. La casa de subastas se refiere a él con un genérico "cliente", junto con quien asegura haber tomado "medidas inmediatas para remediar al problema". El comunicado tan solo agrega: "No hay más información disponible de momento". Sin embargo, The New York Times sí ofrece más detalles. El "cliente", y dueño de la obra, es Steve Wynn, magnate estadounidense de los casinos. Y se trata de la segunda vez en 12 años que un picasso de su propiedad acaba dañado.

En 2006, el propio Wynn, quien padece retinitis pigmentosa, una enfermedad degenerativa que afecta a los ojos, atravesó por error con su codo El sueño, del artista malagueño. Además del daño a la obra, el codazo también paró la venta, que Wynn tenía pactada por 110 millones de euros, a otro magnate millonario, Steven. A. Cohen. Finalmente, la transacción se celebró y por una cantidad mayor; solo hubo de esperar siete años más: en 2013, después de haber sido restaurado, El sueño pasó a Cohen, a cambio de 120 millones de euros, a la sazón el precio más alto jamás desembolsado por un coleccionista estadounidense.

El pasado febrero, Wynn dimitió como presidente y director ejecutivo de la cadena Wynn Resorts, tras recibir una serie de acusaciones de comportamiento sexual inapropiado. En esta ocasión, todavía se desconoce el daño sufrido por El marinero. Eso sí, Christie's aclaró en un correo electrónico al mismo periódico que un tercer picasso, también perteneciente al mismo dueño, Mujer sentada con gato, ha sido a su vez retirado de la subasta.

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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Adrià, el pintor y Cruyff



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Gran parte de las 1.846 fotografías de los platos elaborados en la historia de elBulli de Adrià. J. Á. M.

“Mis referentes creativos son Picasso y Cruyff”, dijo este miércoles pletórico el famoso cocinero Ferrán Adrià que participa en la exposición del Museo Picasso al final del recorrido, en una sala que es una especie de aperitivo de lo que podrá verse en 2020 en la Fundación elBulli: el resultado de siete años de investigación, desde que cerró su famoso restaurante, sistematizando el lenguaje gastronómico. “Hay quien ha creído que elBulli podría ser un motivo para hacer reflexionar al mundo del arte sobre la cocina”, ha dicho junto a las pequeñas fotografías de los 1.846 platos que creó a lo largo de los años. “Dibujar es fácil, hacerlo con el genio de Picasso, es imposible. Poder estar aquí es un sueño. Hace veinte años esto hubiera sido imposible, pero hoy en el arte hay gente que se interesa por lo que estamos haciendo toda una generación de cocineros que apostamos por hacer vanguardia”, remachó.


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última edición por j.luis el Jueves, 24 May 2018, 09:28; editado 1 vez 
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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Picasso, entre pinceles y fogones

Una muestra aborda, con la colaboración de Ferran Adrià, la pasión del artista por la cocina



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'La cocina', la obra de Picasso que pintó en 1948 que cierra la exposición de Barcelona. / Joan Sanchez

Pablo Picasso tenía tres pasiones: la pintura, las mujeres y la comida. Realizó cientos de retratos, ninguno por encargo, todos con personas de su entorno, sobre todo sus esposas y sus amantes y a la numerosa prole que tuvo con casi todas ellas. Pero muchas de las pinturas que realizó a lo largo de su vida también están protagonizadas por alimentos y comida. Ninguna como Corrida de toros y pez —la tauromaquia fue otra de sus pasiones— un enorme plato de barro rojo en el que el artista superpuso en 1956 la espina de un pez (un lenguado cocinado a la meunière) impreso en arcilla blanca que acababa de comerse, tal y como puede verse en la serie de fotografías que hizo David Douglas Duncan. La cerámica, que donó Jacqueline Picasso al museo de Barcelona en 1982 junto con otras 40 piezas, es solo una de las más de 180 obras de arte, sobre todo pinturas, esculturas (en las que metamorfoseó instrumentos culinarios como coladores y cucharas), documentos y recibos del colmado o de la carnicería donde compraba el artista, que pueden verse en la exposición La Cocina de Picasso que el Museo Picasso de Barcelona inaugura este viernes (hasta el 30 de septiembre), en la que la cocina, los utensilios culinarios y los alimentos son protagonistas absolutos.


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La cerámica 'Corrida de toros y pez', de Picasso (1957). Museo Picasso de Barcelona

La exposición es capicúa. Comienza con dos pequeñas pinturas de la cocina familiar de Málaga pintadas en 1896 y termina con La cocina, un enorme lienzo de 1948 en el que esta estancia se ha convertido en un mapa abstracto de líneas y puntos. Entre medio, los comisarios, Emmanuel Guigon y Claustre Rafart, director y conservadora del museo Picasso de Barcelona, respectivamente, y Androula Michael, del Museo Picasso de París, han creado “no una acumulación de obras de alimentos, que sería aburrido e indigesto”, según Guigoan, sino un relato “poético” con varias áreas para dar “una visión y perspectiva nueva del pintor del que ya se han explicado muchas cosas”. Arranca con la cocina del café restaurante Els Quatre Gats, cuna del modernismo y cita obligada de todos los artistas barceloneses de finales del siglo XIX, entre ellos un joven Picasso que realizó el cartel del plato del día y del menú del local. La muestra termina con la cocina laboratorio de elBulli que cuenta con una intervención de Ferran Adrià en la que se pregunta “¿Qué es cocinar?”, en diálogo con el pintor y su acto de crear.


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'Niño con langosta', pintado por Picasso en 1941. Museo Picasso de Barcelona

En medio, apartados como la “cocina cubista”, que aporta obras como El restaurante, de 1914, en el que Picasso introduce el collage sobre un suculento pollo asado; Gran naturaleza muerta, de 1918, La botella de vino, de 1926 o la escultura Vaso de absenta, de 1914. El periodo de la II Guerra Mundial con obras en las que la comida escasea o no está presente, como Flor, de 1941; una pequeña escultura realizada con un trozo de pan duro y una flor de papel que Picasso regaló a su pareja Dora Maar. La exposición muestra también cómo el artista reflejó los bares y restaurantes que frecuentó, como el cubista Café Royan, de 1950, el local que tenía enfrente de su casa durante el conflicto o cómo, durante la ocupación alemana, Picasso llenó sus obras de crustáceos, frutas, alcachofas, mesas y cubiertos. “Es la encarnación de la abundancia fabulosa en tiempos de carestía”, explica Rafart.


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'Naturaleza muerta' de Picasso, de 1901. Museo Picasso de Barcelona

Picasso guardó todos los tiques y recibos de hoteles, restaurantes y tiendas de comestibles, algo que posibilita reconstruir sus gustos culinarios. En el Museo Picasso de París se han conservado listas de alimentos y precios del carnicero, la quesería, la frutería o el colmado, que delatan el contenido de la cesta del creador y, por extensión, de su dieta donde no faltaba el fuagrás y las angulas, pero, sobre todo, verduras, frutas y legumbres, que por la cantidad de los recibos (todos pagados), se consumían a diario. Alcohol poco: vino y cerveza, mientras que consumía agua mineral en gran cantidad.

El tema, a juicio de los comisarios es inagotable. “Los alimentos llenan miles de sus obras. Delante de las figuras de las Señoritas de Avignonpuede verse un bodegón con sandía, uvas y peras”, remacha Rafart. Casi al final de la muestra otra media docena de cerámicas muestran a peces, pulpos y una pantagruélica morcilla negra con huevos fritos que seguro acababa de comerse el pintor. Alimentos efímeros que Picasso convirtió en inmortales después de imprimirlos o modelarlos en barro.

elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Descubren en Japón  una hoja de un periódico escondida en un cuadro de Picasso que ofrece nuevos datos sobre su vida


El descubrimiento es el resultado de una investigación entre el Museo Pola y la National Gallery of Art de Washington mediante la utilización de tecnología infrarroja. Esta primicia es de gran relevancia debido a que fue pintada en 1902, poco antes de regresar a España. La mayoría de los investigadores aseguran que Picasso a su regreso a Barcelona se llevó consigo varias obras sin concluir, por lo que la pintura pudo ser terminada en la ciudad condal y no en la capital francesa.





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Utilizando tecnología infrarroja, un grupo de investigadores de Japón y EEUU ha descubierto la hoja de un periódico escondida bajo el cuadro de Pablo Picasso "Maternidad junto al mar" (1902), que ofrece a los historiadores nuevos datos sobre la vida del célebre pintor español.

El periódico que habría utilizado el pintor es el diario francés 'Le Journal', fechada el 18 de enero de 1902, de tendencia republicana, que se publicó entre 1892 y 1944 y del que Picasso habría sido un lector asiduo.

"El descubrimiento es muy relevante debido a la proximidad de la fecha en la que Picasso se mudó de París a Barcelona", explicó la comisaria del Museo Pola de Hakone Keiko Imai. La mayoría de los historiadores considera que Picasso (1881-1973) regresó a España a principios de 1902 llevando consigo varias obras sin concluir, por lo que el hallazgo sugiere que la pintura pudo ser terminada en la ciudad condal y no en la capital francesa.


El hallazgo resulta de una investigación conjunta del Museo Pola y la National Gallery of Art de Washington, liderada por el científico estadounidense John Delaney, experto en tecnología infrarroja, que permite obtener más información que los rayos X. El estudio también reveló la existencia de una pintura subyacente de una mujer sentada junto a un vaso con una cuchara, lo que reafirma el gusto del artista por reutilizar en varias ocasiones sus lienzos durante su juventud.

La hoja encontrada bajo el cuadro contenía una noticia sobre una nueva exposición anual de pintura y escultura en el Club de Automóviles de Francia, un conocido club de caballeros de París en la época. La obra "Maternidad junto al mar" será prestada por el centro japonés al Museo de Orsay (París) para la exhibición "Picasso: Blue and Rose" (Picasso: Azul y Rosa), que se estrenará el próximo 18 de septiembre y explora sus dos primeros períodos artísticos.


antena3.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Muere David Douglas Duncan, el fotógrafo que retrató a Picasso en la bañera

El fotoperiodista ha fallecido a los 102 años en un hospital de la Costa Azul francesa



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Fotografía que Duncan hizo de Picasso el día de 1956 en que se conocieron. El fotógrafo y reportero estadounidense David Douglas Duncan (DDD), amigo íntimo del pintor Pablo Picasso, murió el este pasado 7 de junio a los 102 años en el hospital de Grasse, en la Costa Azul francesa, informó hoy el Museo Picasso de Antibes.
 
Pablo Picasso pintando en su estudio, la mayoría de las veces apenas vestido con unos calzoncillos talla XXL; comiendo un lenguado y estampando su raspa sobre el barro para acabar haciendo un plato de cerámica; metido en la bañera de su casa; junto a su segunda esposa Jacqueline Roque, jugando con sus hijos Paloma y Claude o con su inseparable perro Lump. El fotógrafo y reportero estadounidense David Douglas Duncan (Kansas City, 1916), considerado uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX, que accedió a la intimidad del pintor, falleció el jueves a los 102 años de edad en un hospital de la Costa Azul francesa donde residía desde 1960, según el Museo Picasso de Antibes.

En 2013, cuando donó al Museo Picasso de Barcelona 163 de estas imágenes, recordaba emocionado cómo conoció al malagueño: “Fue el 8 de febrero de 1956. Me presenté en su casa de La Californie, cerca de Cannes, diciendo que era amigo del también fotógrafo Robert Capa. Jacqueline me cogió de la mano y me llevó al segundo piso, donde, dentro de la bañera estaba él, desnudo. Le dije que si le podía hacer una fotografía y me dijo que sí. Esa fue la primera vez”. Luego, y durante 17 años de amistad que acabó al fallecer el pintor en 1973, llegó a realizar más de 25.000 fotografías. “He fotografiado la historia de amor entre Pablo Picasso y su mujer, Jacqueline”, dijo entonces.


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David Douglas Duncan.

Antes de conocer a Picasso, Duncan ya era un profesional con una larga trayectoria. Marine —coronel del ejército— y arqueólogo, fotografió en la II Guerra Mundial los frentes del Pacífico Sur publicando sus trabajos en National Geographic. En 1946 se incorporó a la revista Life y luego, como freelance, inmortalizó acontecimientos como el final de la ocupación británica en India, la guerra civil de Grecia o las guerras de Corea y Vietnam.

En 2013, vitalista, no quiso perderse el recorrido por la exposición que mostraba parte de las fotografías que había donado a Barcelona (el resto se vieron en 2014). Acompañado de su mujer Sheila, que no le quitaba ojo, recorrió con ayuda de sus muletas —que utilizaba a modo de puntero para señalar los detalles—, todas las salas, mientras repetía sin parar “Recuerdos, recuerdos, recuerdos” delante de las imágenes, como las dos enormes en color que regaló para la muestra, en una se veía a Picasso con albornoz y en otra vestido de indio Apache, con plumas y gesto guerrero.

El museo dedicado al pintor en Buitrago de Lozoya expone entre el 10 de mayo y el 22 de julio 60 fotografías de David Douglas.
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Picasso y Dérain compartirán museo en Valencia con Ribalta y El Bosco

El Museo de Bellas Artes de Valencia y el IVAM sellan su primera colaboración con la exposición 'Teníamos todo a nuestro favor'



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El claustro del Museo de Bellas Artes de Valencia. / MÒNICA TORRES

Picasso, Dérain o Carmen Calvo compartirán espacio por primera vez con El Bosco, Joan de Joanes o Francisco Ribalta en el marco de la exposición Teníamos todo a nuestro favor, el primer proyecto de colaboración entre el Museo de Bellas Artes de Valencia y el IVAM. La muestra, concebida en un plan conjunto de "aumentar la difusión de las colecciones" y para que los amantes del arte clásico y moderno "dejen de lado los prejuicios", podrá verse del 4 de octubre al 13 de enero en el Museo de Bellas Artes valenciano, la segunda pinacoteca más importante de España.

La muestra inicia una línea de trabajo entre ambos centros para los próximos años y comprende un total de 34 obras de 24 artistas de arte moderno y contemporáneo de la colección del IVAM que compartirán espacio con otras de 36 creadores de la colección permanente del Bellas Artes de los siglos XIV y XX. En esta exposición se encontrarán piezas de artistas destacados de la colección del IVAM como Pablo Picasso, el Equipo Crónica, André Dérain, Markus Lupertz, James Rosenquist, Carmen Calvo, Ana Peters, Robert Rauschenberg, Diether Roth, Gerhard Richter y Miquel Navarro, junto a grandes artistas clásicos del Bellas Artes como Antonio Muñoz Degrain, Salvador Abril, Joan de Joanes, El Bosco y Francisco Ribalta.

La muestra utiliza la metáfora de un viaje, como el que harán las obras de una pinacoteca a otra cruzando el antiguo cauce del río Túria. "Como la colección del IVAM viaja, pensamos en representarlo mediante la Botella de notas de Claes Oldenburg, conformada por el texto que reza "Teníamos todo a nuestro favor para poder observar el planeta Venus desde la órbita del Sol" —cita de los diarios de viajes del Capitán Cook—, que representa que venimos desde el IVAM con un mensaje: que tenemos todo a nuestro favor para enseñar las colecciones juntos", ha explicado Teresa Millet, conservadora del IVAM.

Un segundo proyecto está previsto para 2020 en el que el IVAM expondrá en sus instalaciones varias obras del Museo de Bellas Artes.


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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
El viaje incansable de Picasso hacia la obra maestra

Una gran exposición en el Museo Nacional de Picasso en París recorre el concepto de obra maestra para el genio

Reúne piezas excepcionales que muestran su evolución de la adolescencia a la vejez y la búsqueda de expresividad artística




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De izq a dcha: 'Arlequín sentado'. Foto de Martin P. Bühler; 'Arlequín con espejo', Museo Thyssen; 'Retrato de Jacinto Salvado'', Centre Pompidou, © Succession Picasso 2018.

¿Qué significaba “obra maestra” para Picasso? Alrededor de esta cuestión nuclear pivota la gran retrospectiva del genio malagueño en el Museo Nacional de Picasso de París que explora cómo se convierte una pieza en icono de arte.

El artista consagró su vida a esta búsqueda incansable de la perfección para hallar la obra definitiva. Lo hizo a través de diferentes formas expresivas, desde su experimentación con objetos africanos a innovaciones escultóricas, una faceta poco conocida, o sus múltiples reflexiones sobre el proceso creativo que recorren sus numerosísimos autorretratos.

A lo largo del siglo XX, desde la tradición académica hasta las revoluciones modernas, las actividades de Pablo Picasso redefinieron por completo el concepto de obra maestra. Tal y como apuntaba Malraux en Antimemorias, “la obra maestra garantiza la genialidad del autor, pero no todo genio deja una obra maestra”. Un florecimiento que dependería de la fuerza del impulso vital más allá del talento del autor, según el novelista francés.

La exposición parisina (Picasso. Les chefs d’oeuvre!. Hasta el 13 de enero de 2019) suma sus fondos y se nutre de préstamos excepcionales para abordar esta evolución. Ofrece una nueva interpretación de las creaciones del autor: desde el origen de sus piezas a cómo fueron recibidas por la crítica, ya que en numerosas ocasiones escandalizaron a la sociedad.

Sobre este asunto, la suscripción del pintor a la agencia de artículos de prensa Lit-out apunta a qué el malagueño estaba interesado en cómo acogía el público su trabajo y cómo lo reflejaban las publicaciones.
Exposición 'Obras maestras' de Picasso en el Museo Nacional de París
 

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Picasso pintó 'Ciencia y caridad' con tan solo 16 años 04.09.2018 Ciencia y caridad aborda la temática de la visita a los enfermos. Museo Picasso de Barcelona. © Succession Picasso 2018

 
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Mujeres peinándose. Paris, 1937. Museo Nacional de Picasso.© Succession Picasso 2018
 
En su prolífica carrera Picasso ideó obras maestras desde la adolescencia a su vejez. Así lo refleja la selección, que recoge una veintena de piezas clave como La Danza, expuesta en la Tate Modern de Londres pero que el pintor no quiso vender hasta 1965, cuarenta años después de su concepción. Un lienzo con un vocabulario visual innovador que evoca la atracción por el ballet para el que realizó labores de escenógrafo.

Las señoritas de Avignon (1907) arrancó a partes iguales indiferencia, incomprensión y rechazo. De hecho, Braque afirmó que era como “si con tu pintura, quisieras que comiéramos estopa o bebiéramos aceite”. Esta obra magistral no se exhibe en París pero sí se puede ahondar en sus trabajos y bocetos preparatorios al  igual que los de El Guernica.

Los visitantes de esta muestra que abre este martes también pueden disfrutar de Ciencia y caridad, una de sus primeras pinturas, que un joven Picasso parió con tan solo 16 años mientras estudiaba en la Escuela de Arte y Diseño de Barcelona, espoleado por su padre que le instaba a conseguir reconocimiento artístico.

Para el lienzo, que ya apabulla con su extraordinaria habilidad técnica, eligió un tema popular que imbrica con el realismo social: la visita a los enfermos que se hace eco de un drama personal, la muerte de su hermana menor, Conchita, en 1895.

Asimismo, se abordan las series de melancólicos arlequines en las que Picasso trabajó una y otra vez a lo largo de su vida modificando las posturas. Una figura icónica y polémica que protagoniza el cartel de la exposición. Los pierrots encarnaban su ideal del retrato, además de ser su doble nostálgico y emerger su fascinación por el mundo circense.


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La danza, París, 1925, Tate Gallery, Londres.© Succession Picasso 2018


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La cabra, Vallauris, 1950. Museo Nacional de Picasso.© Succession Picasso 2018


La experimentación a través de los objetos

Entre las obras que nunca antes se habían exhibido en Francia se encuentra el monumental trío Las bañistas, que pintó en pocos días coincidiendo con la ocupación franquista de Málaga en 1937. Muestra unas inquietantes escenas de playa con cuerpos deformes e imponentes y paisajes reducidos a unas pocas líneas.

La mirada del espectador se centra en estas figuras monstruosas, inspiradas en las conversaciones de Picasso con los surrealistas con los que pasó los veranos.

Mención aparte merece la curiosa sección orientada a objetos como papel, alambres de hierro y tabletas que el creador transformaba en arte y que ofrecen una nueva perspectiva.

Las más de 200.000 piezas documentales y 17.000 fotografías del archivo del Museo de París han servido para completar y contextualizar esta redefinición del concepto 'picassiano' y universal de obra de arte.


RTVE.es
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Muy bueno este espacio dedicado a uno de los mejores como lo es Pablo Picasso.
 



 
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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Tecnología geoespacial para salvar al ‘Guernica’ del fuego

El Museo Reina Sofía trabaja desde hace dos años en un método revolucionario para proteger sus obras de arte



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Visitantes en torno al 'Guernica', de Picasso, en el Museo del Reina Sofía. / ANDREA COMAS

El talismán contra la violencia, que nació de la muerte y terminó convertido en un icono de la paz, es demasiado grande para huir del fuego sin problemas. Allí por donde cualquier cuadro puede girar, los más de siete metros de largo y casi cuatro de alto atascarían la huida de Guernica del Museo Reina Sofía. Nunca ha sido descolgado de esa pared. Para sacarlo —como siempre han apuntado los conservadores y la dirección hasta el momento— habría que desenrollarlo y el lienzo de más de 200 kilos no aguanta ni una tortura más: la obra de Picasso se enrolló y desenrolló más de 90 veces —en una gira por 38 exposiciones internacionales— antes de llegar a la institución que lo muestra, custodia y conserva.

Hace 37 años llegó enrollado desde Nueva York y antes de que saliera del Casón del Buen Retiro hacia el Reina Sofía, en julio de 1992, hubo que ensayar los movimientos en una maqueta. Los expertos simularon el desplazamiento cruzando las laberínticas estancias del antiguo hospital diseñado por Sabatini. Para auparlo a la segunda planta se construyó, incluso, un montacargas, que también se contempla en el nuevo plan de emergencias, puesto en marcha tras el informe del Tribunal de Cuentas de 2015. Allí se aseguraba que el plan de autoprotección no se actualizaba desde 2009. El reciente incendio del Museo Nacional de Brasil, en São Paolo, ha vuelto a poner el foco sobre las medidas de seguridad en los centros de arte.

“Decidimos crear un protocolo innovador que contemplara la operativa de evacuaciones y rescate de las obras de arte”, explica a EL PAÍS Javier Pinto, arquitecto responsable de PROCOERS, un proyecto que desarrolla el Museo Reina Sofía y la Universidad Complutense de Madrid, financiado por el Ministerio de Economía desde 2016. En seis meses estará el proyecto listo para poder licitar la creación del software que dé a luz un proyecto revolucionario, inspirado en la tecnología Sistema de Información Geográfica (SIG), el mismo que utiliza Google Maps para elegir la mejor ruta para llegar a un destino. Una tecnología familiar para un caso de salvamento extraordinario. “La innovación no está en la tecnología, sino en su aplicación a la protección de las colecciones del museo”, añade Pinto. Una comisión ministerial reúne a otros museos y son informados de los avances de este procedimiento pionero y “multiusuario”. En cuatro años habrá contado con un apoyo de 70.000 euros. El coste del desarrollo sumará, aproximadamente, unos 400.000 euros cuando se licite su ejecución y para esa fase final se espera atraer la inversión de empresas tecnológicas o aseguradoras.

Se ha creado un big data con la información cartográfica y alfanumérica del museo, y los expertos están a un paso de crear una herramienta capaz de prever y proponer soluciones inmediatas en caso de emergencia. No hay referencias de una base de datos similar a la que construye este equipo de conservadores, restauradores, seguridad, químicos y arquitectos. El sistema de información geográfico dinámico tendrá monitorizado cada sala en tiempo real, podrá calcular el aforo de cada estancia, tendrá geolocalizadas las obras de arte, alertará de los riesgos y lo más importante: será capaz de proponer la mejor ruta de evacuación a los vigilantes de sala a través de dispositivos móviles.


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10 minutos menos

Se ha logrado rebajar en más de diez minutos el tiempo de evacuación del 'Guernica'. Con el antiguo plan, el cuadro debía zigzaguear hasta encontrarse con una puerta por la que no cabía. Para sacarlo hasta el montacargas se debía desmontar una pared de DM atornillada. La nueva ruta, surgida gracias al SIG, es más directa y efectiva, sin paredes. “Un formato tan especial como el de este cuadro necesitaba la eficacia máxima en su evacuación. Ahora estamos invirtiendo mucho tiempo en hacer eficaces las operaciones de salvamento y eliminando los elementos que interrumpen la salida de público y obra de arte”, cuenta Jorge García Gómez-Tejedor, jefe de restauración del Museo Reina Sofía.

Si hace 24 años los especialistas idearon una maqueta, ahora lo realizan con tecnología 3D La nueva ruta de fuga se implantó, después de formar a todo el personal, en abril de 2017, con la exposición temporal Piedad y terror en Picasso. Este hallazgo reduce el peligro de destrucción de la obra y facilita el movimiento de un cuadro que nunca ha sido prestado desde que está en España. El museo siempre lo ha rechazado porque “cualquier movimiento del cuadro, debido a que sus grandes dimensiones hacen imposible evitar las vibraciones y los riesgos que conllevaría su manipulación”, según un informe del Reina Sofía elaborado cuando era dirigido por el actual ministro de Cultura, José Guirao.



Plan tras el terremoto de Lorca

Ningún museo nacional tiene desplegado hoy íntegramente las recomendaciones contempladas en el Plan de Protección de Colecciones ante Emergencias, elaborado a raíz de la catástrofe de la población murciana de Lorca, en 2011.

El terremoto se cobró la vida de nueve personas y destruyó una parte muy significativa del patrimonio y de los bienes culturales de la localidad.

Fue el detonante para la creación del Plan Nacional de Emergencias y Gestión de riesgos en el patrimonio nacional que, sin embargo, sigue sin implementarse.


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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
París se tiñe del azul y rosa de Picasso

El Museo de Orsay reivindica la obra más temprana del pintor en la mayor antológica de los últimos 20 años sobre la etapa previa al cubismo



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'Mujer con peine' (1906) de Pablo Picasso. EL PAÍS

Al principio de la muestra, Picasso tiene 19 años. El joven prodigio de la pintura acaba de desembarcar en París para participar en la Exposición Universal de 1900, habiendo sido escogido como representante del arte español. Supondrá su primera toma de contacto con la efervescencia de las vanguardias en la capital francesa y un preludio a los seis años que pasará viajando sin cesar entre París y Barcelona, forjándose una identidad como artista a la que se mantendrá fiel hasta el final de su vida. Es lo que defiende Picasso, azul y rosa, la gran exposición de cerca de 300 obras que el Museo de Orsay inaugura en París. Hasta el 6 de enero, la muestra propone una relectura y una rehabilitación de su etapa anterior al cubismo, siempre considerada la más accesible y consensual, aunque Picasso ya renegase entonces del academicismo con todas sus fuerzas y demostrase una voluntad feroz de inscribirse en la modernidad.

Picasso (Málaga, 1881- Mougins, 1973) vuelve al lugar donde llegó. El museo parisino, que fue estación de tren mucho antes que pinacoteca, fue el sitio donde el pintor se apeó de su vagón al llegar a la capital francesa. “Por esa razón anecdótica, resultaba el lugar perfecto para organizar la exposición”, señala el comisario general de la muestra, Laurent Le Bon, director del Museo Picasso de París, que firma su primera colaboración de envergadura con el de Orsay. Está claro que no es la única: que el lugar esté especializado en exponer el arte situado entre 1848 y 1914 refuerza todavía más su idoneidad. “Durante los periodos azul y rosa, Picasso logra pasar del siglo XIX al siglo XX”, explica Le Bon. El malagueño es el eslabón perdido en esa cadena evolutiva. La exposición lo demuestra en una de las primeras salas gracias a una hábil decisión escenográfica. De cara, el visitante se enfrenta a Mujer en azul (1901), retrato prestado por el Reina Sofía que inmortaliza a una dama de vestimenta ampulosa. A sus espaldas, una pared perforada permite percibir, algunas salas más allá, La vida (1903), óleo metafísico en el que Picasso condensa las edades de la existencia y resume su investigación plástica de todo el periodo azul. “El primero es, en cierta manera, un cuadro decimonónico. El segundo es moderno en su tratamiento de la figura humana y en su carga alegórica”, analiza Le Bon.


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'Acróbata y joven Arlequín' (1905) de Pablo Picasso. EL PAÍS

La exposición parisina es la mayor dedicada al periodo precubista desde 1997, cuando se celebró otra de tamaño y préstamos similares en la National Gallery de Washington. Esta vez, la cuestión cromática ocupa un lugar central. En la primera página del catálogo, aparecen muestras de todos los azules y rosas que Picasso utilizó durante ese lustro, una paleta poco habitual en los cuadros postimpresionistas de autores como Van Gogh y Toulouse-Lautrec, que tanto impactaron al joven pintor. “Fue al pensar que Carlos Casagemas estaba muerto cuando me puse a pintar de azul”, confesaría Picasso al historiador Pierre Daix, en alusión al suicidio de su gran amigo. Por otra parte, el rosa irrumpió en sus lienzos cuando el pintor descubrió a una troupe circense al pie de la colina de Montmartre.

Sin embargo, en los pasillos de esta muestra, la tradicional asociación del azul con la melancolía y del rosa con la pulsión de vida no resulta especialmente evidente. Existen en sus lienzos añiles vivaces y también lavandas funestos. “A veces hay azul en el rosa y rosa en el azul. En realidad, pese a la versión que se ha dado, no son etapas uniformes”, confirma Le Bon. No debe de ser casualidad que, en la primera retrospectiva protagonizada por Picasso, celebrada en la galería Georges Petit en 1932, el artista colgase cuadros de ambos periodos en una misma pared. “Entendió que su obra era un todo, pese a que los demás quisieran clasificarla en categorías distintas”, apunta el comisario. La exposición recrea, desde su segunda sala, ese desorden conceptual, mezclando los autorretratos que firmó en 1901 y en 1906, y arrimando El abrazo, pastel del periodo azul, a Los adolescentes, perteneciente al rosa. El resto de la muestra se inscribe, en cambio, en una cronología tal vez demasiado obediente.

La muestra se cierra con el abandono gradual del rosa, tras dos años experimentando con él, y la transición al color ocre durante su estancia en Gósol, la localidad ilerdense en la que Picasso volvería a alterar su estilo y su paleta. El pintor decidió experimentar con volúmenes poliédricos, similares a los que Cézanne utilizaba para pintar sus paisajes. Sin embargo, el malagueño los aplicó al rostro humano, influido por el descubrimiento de la escultura romana y del arte íbero en una exposición en el Louvre. A lo largo del año 1906, lienzos como Los dos hermanos y Muchacho con caballo abrirán paso a retratos femeninos como El peinado o Dos desnudos. Unos meses después, ya en 1907, Picasso firmará Las señoritas de Avignon y empezará así la aventura del cubismo. “En ese corto periodo de seis años, Picasso descubre lo que será su característica principal como pintor: una reinvención permanente”, concluye Le Bon. Al final de la exposición, Picasso tiene 25 años. La pintura ha cambiado con él. Su arte nunca dejará de hacerlo.


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'Mujer con el cuervo' (1904) de Pablo Picasso. EL PAÍS


Préstamos de excepción

La vida (1903), obra maestra del joven Picasso, es uno de los grandes préstamos obtenidos por esta exposición, a la que llega desde la colección permanente del Museo de Arte de Cleveland. Hay unos 40 más, algunos tan importantes como La acróbata de la bola (1905), procedente del Pushkin de Moscú, que lo ha cedido en contadas ocasiones –se pudo ver en el Prado en 2011–, o Joven con una cesta de flores (1905), prestado por la colección Rockefeller. La Tate Modern ha prestado Mujer con camisa (1905) y la National Gallery de Washington ha mandado Mujer con abanico (1905), aunque no La familia de los saltimbanquis, que no es prestable por decisión del coleccionista que la cedió a ese museo. Tampoco está El viejo guitarrista ciego, expuesto en Chicago y demasiado frágil para cruzar el océano. Entre los principales prestatarios de la muestra también se encuentra el Museu Picasso de Barcelona. A través de un acuerdo firmado con el de Orsay para el intercambio de obras, ha mandado a París distintos paisajes de los tejados barceloneses o el retrato picassiano de Benedetta Bianco, además de los dibujos en que retrató a algunos de sus contemporáneos, como Casas o Rusiñol.


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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Picasso antes del cubismo

300 obras reivindican al Picasso primerizo, al joven malagueño que llegó a París solo con su talento en la maleta para convertirse en el genio de la pintura del siglo XX



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Vista de una de las salas


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'Mujer con abanico', 1905.


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'El abrazo', 1903.


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'Mujer melancólica', 1902.


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'Autorretrato con sombrero de copa', 1901.


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Vista de la obra 'El bufón o el loco', 1905.


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'Mujer en azul', 1901.


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'La espera', 1901.


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Una mujer fotografía con su tablet una de las obras de Picasso expuestas en la exposición.


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'Gustave Coquiot', 1901.


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'La habitación azul', 1901.


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Un grupo de personas permanece en una de las salas de la exposición 'Azul y rosa' en el Museo de Orsay de París.


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'Mujer peinándose', 1906.


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'Mujer con el cuervo', 1904.


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'Niño y paloma', 1901.


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'El bebedor de absenta', 1901.


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'La muerte de Casagemas', 1901.


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'La evocación', 1901


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'Chico con perro', 1905.


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'Chica con cesta de flores', 1905.


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'Familia de acróbatas con mono', 1905.


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'Los dos hermanos', 1906.


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Vista del acceso a la exposición 'Azul y rosa' en el Museo de Orsay de París.



elpais.com / AGENCIAS
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Picasso sanea las cuentas del Reina Sofía

El museo cierra 2017 con 2,2 millones de euros a favor gracias al éxito de la muestra 'Piedad y Terror en Picasso. El camino a Guernica'



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'El Guernica', de Pablo Picasso.  
80 años del 'Guernica'

El Museo Reina Sofía ha cerrado las cuentas de 2017 con buenas noticias: ha ingresado más de lo que ha gastado y su tesorería también da un respiro. Ha ingresado 37,7 millones de euros y ha gastado 35,5 millones de euros en el ejercicio, lo que salda el año con 2,2 millones de euros a favor de la institución. Los datos recuerdan al otro hito sobresaliente de la última década, cuando la exposición de Salvador Dalí, en 2013, se convirtió en la más visitada de España, con 732.339 personas. Los motivos de la bonanza de este año hay que buscarlos en la muestra temporal Piedad y Terror en Picasso. El camino a Guernica, que cerró con 681.127 visitantes y que dejó –junto al resto de actividades– en las arcas más dinero de lo que habían previsto: 4,7 millones de euros.

Además, ha crecido un 3,6% respecto a 2016 en visitantes totales al llegar a 3,8 millones de personas. De ellos, pasaron por la sede principal 1,6 millones. El 58% de las visitas registradas suceden en las dos sedes secundarias del museo, en el parque del Retiro, en el Palacio de Cristal y el Palacio de Velázquez, de acceso gratuito. Esta afluencia masiva a estos dos edificios marca la diferencia en la comparación con el Museo del Prado, que cerró 2017 con un millón menos de visitas que el Reina Sofía. Pero la taquilla del Prado llegó a los 19,6 millones de euros en venta de entradas (frente a los 4,7 millones del museo de arte contemporáneo), en parte también por la diferencia de precio: 15 euros para ver Las meninas y 8 euros para ver Guernica.

La comparación entre ambas instituciones abre otro capítulo importante: el Prado recibió de las arcas del Estado 13,9 millones de euros (un 30,1% del total de 46,2 millones de euros de su presupuesto). El Museo Reina Sofía tuvo ayudas públicas por valor de casi 27 millones de euros (un 69 % del total del presupuesto). Es decir, el Reina Sofía tiene pendiente potenciar los ingresos propios, que han crecido mucho en el alquiler de las salas, pero se han estancado en la captación de patrocinios en 1,7 millones de euros. En esto el atractivo del Prado vuelve a ser incontestable: en 2017, el equipo de Miguel Falomir llegó a captar 6,1 millones. Para acortar esa diferencia, Michaux Miranda, gerente del Reina Sofía, asegura que están elaborando un plan estratégico para la captación de ingresos patrocinados, más allá de las empresas del IBEX. Además de tratar de incrementar el micromecenazgo con el dinero de los visitantes y ciudadanos, sobre todo pretenden conquistar el corazón de las medianas empresas.

Miranda considera que los resultados económicos de 2017 han sido “muy positivos” y cree que la exposición que inaugura a finales de este año, París años cuarenta, será una nueva alegría para las cuentas del centro. Este dato sobre los hitos de popularidad del Reina Sofía es llamativo para determinar los intereses del público: Dalí y Picasso (y la inminente París años cuarenta, en la que habrá más Picasso). Parece claro que los artistas modernos son los favoritos y que cuando Picasso ha vuelto a entrar en las temporales propuestas –14 años después de la última– los números del museo mejoran. Otro gran nombre adorna la muestra con más éxito del museo en el extranjero: Miró último (1963-1983): la experiencia de mirar. Comisariada por Carmen Fernández y Belén Galán, no se ha visto en la sede madrileña.

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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Pérez-Reverte: “Picasso no pintó el ‘Guernica’ por patriotismo, sino por muchísimo dinero”

El escritor recorre en París los escenarios de la tercera novela de su serie de Lorenzo Falcó, un agente del espionaje franquista sin escrúpulos



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Arturo Pérez-Reverte en París el 1 de octubre. / Jeosm

Que nadie busque lo que no hay en Lorenzo Falcó. Bajo la seductora sonrisa y los impecables modales del hijo díscolo de una familia andaluza adinerada, el agente estrella del servicio de espionaje franquista que protagoniza la última saga de Arturo Pérez-Reverte es un ser “sin conciencia, sin ética y sin remordimientos”. Un mercenario, insiste el autor, para quien matar no es más que una “herramienta de trabajo” que pone al servicio del mejor postor, que resulta ser el bando de los malos en una guerra que dejó unas heridas que no han cerrado aún del todo en España. “Quería hacer un perfecto hijo de puta”, sonríe el escritor al presentar en París Sabotaje, la última parte de la trilogía que comenzó en España recién iniciada la Guerra Civil, continuó en Tánger y, ahora, se traslada a la capital francesa.

Hace frío en París y Pérez-Reverte se cierra bien la chaqueta antes de emprender un paseo por algunos de los lugares en los que se desarrolla la trama de Sabotaje, como el histórico café Les Deux Magots, punto de paso casi obligado de buena parte de la intelectualidad del siglo XX y donde Falcó recala tras visitar el estudio donde Pablo Picasso pinta el Guernica, unas calles más abajo. O su puente parisino favorito, el Pont des Arts, desde donde Pérez-Reverte obliga al espía a tirarse a las aguas del Sena para huir de sus enemigos.

El escritor retrata una Ciudad de la Luz donde, a la habitual ebullición de artistas e intelectuales, se añadía en ese mayo de 1937 en que se sitúa la trama una explosiva mezcla de idealistas y republicanos en el exilio, fascistas que admiraban y colaboraban sin complejos con la Alemania de Hitler o la Italia de Mussolini y espías, muchos espías, de todos los servicios secretos de una Europa que no era consciente de la catástrofe hacia la que caminaba a marchas forzadas. Una situación no tan distinta, advierte Pérez-Reverte, de la actual.

“Me interesa mucho remarcar esa falsa seguridad de los que estaban aquí refugiados. Lo que venía era muy gordo y no todo el mundo lo sabía ver”, explica sentado en uno de esos falsos refugios de entonces y ahora, el Deux Magots, ante las fotos de dos invitados a su novela, Picasso y Ernest Hemingway. “Entre el París del 37 y la Europa de 2018 he querido, sin forzar, establecer algunos vínculos. Como ahora, pensaban que estaban a salvo, que no iba a pasar nada. Y no, la ola parda siempre está ahí, sea parda, azul, verde, amarilla o color butano. Y siempre llega. Quería, aunque tampoco con eso cambie la mentalidad de nadie, decir: ‘Cuidado con las certezas, con las seguridades y con las tranquilidades”.

Falcó, extraficante de armas, conquistador irreductible y mortífero para los enemigos de sus patrones —“no es un fascista ideológicamente, trabaja para ellos pero no es de los suyos, hace su propia guerra”, precisa el autor—, viaja a París para cumplir, una vez más, órdenes de la inteligencia falangista: desacreditar a un héroe del bando republicano, el intelectual y aviador Leo Bayard (inspirado sin complejos en André Malraux) y, a la par, evitar como sea que Picasso muestre en la Exposición Universal el Guernica que está pintando por encargo de la República. Una doble misión que le ha permitido a Pérez-Reverte recrear “sin caer en los tópicos” una ciudad y una época que, una vez eliminada la pátina de romanticismo y heroicidades —y Falcó alias Pérez-Reverte es un maestro en arrancarla a mordiscos— transpira un mensaje recurrente en las novelas del reportero de guerra reconvertido en escritor de éxito: “El mundo real nunca es blanco o negro, no es azul o rojo, es una gama de grises”. Y no todos son héroes ni actúan por motivos meramente altruistas, empezando por un Picasso que “no pintó el Guernica por patriotismo ni por democracia; lo pintó por muchísimo dinero”.

Una paliza

Hacer navegar a Falcó por esa paleta de grises también le ha permitido a Pérez-Reverte darse licencias como ajustar cuentas con un Hemingway al que oculta, con muy poco celo, tras el personaje del borrachuzo escritor Gatewood. “Como no me cae bien Hemingway, sí como escritor, pero no como persona, decidí que en esta novela Falcó le diese una paliza en los lavabos de un cabaret de Pigalle”, el mismo lugar donde transcurre otra de sus escenas favoritas: un fugaz encuentro entre el canalla agente y una Marlene Dietrich que, ella sí, aparece con nombre y apellido reales en esta ficción de espías que tantos placeres le ha dado a su autor.

Aun así, por el momento, la de París será la última aventura de Falcó. Pérez-Reverte tiene otros proyectos en mente y el pese a todo irresistible agente secreto falangista tendrá que “hibernar” por un tiempo aún indefinido. Pero no es, promete, un punto final. “Cierro la trilogía pero tengo proyectos para el personaje”, asegura. Y conflictos, con una Guerra Civil inacabada y una mundial por empezar, hay de sobra para revivir a Falcó en nuevos escenarios y aventuras.


Una injusticia histórica

Arturo Pérez-Reverte no se cansa de repetir que las de Falcó no son obras sobre la Guerra Civil, sino “novelas canónicas de espías” que tienen como escenario el conflicto español. Lo que no quita que le sirvan al escritor, que como periodista vivió muchas guerras, para denunciar lo que considera una “injusticia histórica”. “El problema que tiene toda guerra, y las civiles más, es que al final se apropian de ella los intelectuales”, señala el autor, que no duda en reflejar esta situación en Sabotaje a través de algunos personajes en los que, tras un nombre ficticio, se esconden individuos reales y fácilmente identificables, más allá de Hemingway.

“Y cuando hay una guerra como la española, protagonizada por los desgraciados de ambos bandos, incultos, campesinos, o gente que realmente tenía fe, como el comunista, el socialista o el falangista, una vez pasado el conflicto o incluso durante, es el intelectual el que se adueña de la historia”.

Todo ello cuando “había intelectuales que no pisaban el frente más que para hacerse fotos. Gente que se paseaba por la retaguardia con pistola, y en los bares y los cafés”. “En ambos bandos”, subraya, refiriéndose a una “injusticia” que, dice, pervive.


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