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CaixaForum Madrid
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Piranesi toma las tres dimensiones


Caixaforum exhibe 250 grabados prestados por la Fundación Cini



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El puente levadizo (Cárcel). Carceri d’Invenzione(hacia 1761). Fondazione Giorgio Cini, Venecia

Las nuevas tecnologías sirven a veces, paradojas de la vida, para engrandecer las viejas técnicas. Incluso si estas datan del lejano y siempre fiable siglo XVIII. El milagro sucede estos días en una exposición de Caixaforum en Madrid, donde herramientas que parecen llegadas del futuro engrandecen el vetusto e inagotable genio de Giambattista Piranesi (Venecia, 1720-Roma, 1778). De la suma de unas y otras resulta una vibrante exploración de mundos poco conocidos en el arte. Y se diría que hasta se plantea una revolución del concepto de exposición en Las Artes de Piranesi (Arquitecto, grabador, anticuario, vedutista y diseñador), muestra en que la obra del artista adquiere nuevas dimensiones más allá del cliché.


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Mausoleo antiguo erigido para las cenizas de un emperador romano. Prima Parte di Architetture, e Prospettive (1743). Fondazione Giorgio Cini, Venecia.


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Otra sección transversal del mismo local, utilizado como café y llamado Caffè degli Inglesi. Diverse Maniere d’adornare i Cammini (1769). Fondazione Giorgio Cini, Venecia

El núcleo central lo constituyen los 250 grabados prestados por la Fundación Giorgio Cini de Venecia. Junto a estas obras raramente vistas fuera de su sede habitual, se proyecta un vídeo realizado en tres dimensiones e inspirado en sus Carceri d’invenzione (cárceles imaginarias), sus particulares Caprichos. Lo firma el prestigioso taller Factum Arte. El equipo ha recreado una serie de objetos diseñados por el buril del Piranesi y que nunca habían sido fabricados: dos trípodes, un jarrón, un candelabro, un altar, una cafetera y una peculiar chimenea.

La visión multiplicadora de los grabados de Piranesi se completa con una serie de 24 fotografías realizadas por Gabriele Basilico. El artista milanés recorre una por una las imágenes de Roma y de Pestum que el veneciano llevó a sus grabados. La exposición conjunta de todos esos paisajes vistos desde la punta de un buril o de la lente fotográfica enriquece la perspectiva de los escenarios.


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Restos del templo del dios Cánope en la Villa Adriana de Tívoli. Vedute di Roma. Fondazione Giorgio Cini, Venecia

Giuseppe Pavanello, director de la Funcación Cini y comisario de la exposición, ha querido incidir en el inagotable poder de inspiración de los grabados. “Fue una figura crucial para la formación del gusto del siglo XVIII”, detalla. “Y anticipó, con sus métodos de trabajo, el papel de los arquitectos y diseñadores de la actualidad. La magnitud colosal de sus vistas y panoramas, así como el contraste entre el espíritu visionario y la ejecución realista de cada una de sus láminas, hacen de los grabados de Piranesi una lección permanente de Arte y de Ciencia. Sus trabajos están llenos de anotaciones de experto. En ese conocimiento y en su talento creativo, están las claves d que su figura se agrande con el paso del tiempo”. Incluso, como es el caso, hasta tomar las tres dimensiones.


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Vista del Panteón. Il Campo Marzio dell’Antica Roma (1762). Fondazione Giorgio Cini, Venecia


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La obra de Piranesi, en Caixaforum 'Las Artes de Piranesi', título de la exposición que desde este miércoles podrá visitarse en CaixaForum Madrid hasta el 9 de septiembre, reúne en la capital española más de 250 grabados originales de este arquitecto, grabador, anticuario, vedutista y diseñador. Como novedad, se exhiben además una serie de intervenciones contemporáneas inspiradas en su obra y realizadas por Factum Arte.



elpais.com / madridiario.es
 




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Del 24 de abril al 9 de septiembre de 2012


CaixaForum Madrid Las artes de Piranesi


Ayer por fin pude ver la exposición que CaixaForum Madrid dedica a Piranesi. Giovanni Battista Piranesi (Mogliano Veneto, cerca de Treviso, 4 de octubre de 1720 – Roma, 9 de noviembre de 1778) fue un arquitecto, investigador y grabador italiano. Realizó más de 2.000 grabados de edificios reales e imaginarios, estatuas y relieves de la época romana así como diseños originales para chimeneas y muebles.

A mí me fascinó: los numerosos dibujos y grabados que ví, ¡qué maravilla, es magistral! y sabe utilizar la perspectiva como nadie, consiguiendo dibujar con gran detalle y máxima perfección. También ví un documental sobre sus 'Cárceles imaginarias', un artista con gran imaginación, adelantado a su tiempo y del que se han inspirado numerosos artistas del siglo XIX y XX.


Enlace interesante: http://obrasocial.lacaixa.es/nuestr...iranesi_es.html


 

Saludos.
 




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William Blake era un visionario y ahora la Obra Social La Caixa en su sede de Madrid nos ofrece la oportunidad de conocer sus “visiones” del 4 de julio al 21 de octubre. Según sus propios coetáneos, Blake tenía una grave inestabilidad mental, es decir, que estaba loco. Aún así, el arte gótico y Miguel Ángel fueron sus referentes y se sirvió de líneas potentes para expresar las fuerzas internas de la personalidad humana.



El fantástico y profético universo de Blake llega a CaixaForum


Coproducida con la Tate, 'Visiones en el arte británico' muestra cien obras del pintor y poeta



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Con solo diez años, William Blake (1757-1827) tomaba lecciones de dibujo y grabado. Las clases le hicieron conocer muy pronto los rudimentos técnicos a la vez que creaba un mundo imaginativo y profético, fuera de toda norma. Con el inconformismo como principio y con el gótico y Miguel Ángel como fuentes de inspiración, a los 16 años dio a conocer su filosofía mística a través de grabados y acuarelas, nunca el óleo. Convencido de que el mundo visible de los sentidos es un mero envoltorio de la realidad espiritual, Blake es dueño de una vasta obra en la que sus sorprendentes composiciones dan rienda suelta a sus poemas visuales. Mitologías y delirios, temas religiosos y sociales protagonizan la deslumbrante retrospectiva que hasta el 21 de octubre se puede ver en el CaixaForum coproducida con la Tate Britain, propietarios de la mayor parte del legado de Blake, la exposición de adentra también en la obra de algunos de los artistas influidos por su obra.

Alison Smith, conservadora de la Tate Britain, ha organizado la exposición destacando la vigencia y actualidad de uno de los artistas más queridos entre los ingleses y más admirados en todo el mundo. "Producto del romanticismo, es nuestro equivalente a Goya. Como él, a Blake le tocó vivir la guerra y sufrir las desigualdades sociales. Solo al final de su vida su arte empezó a ser reconocido, pero su estela sigue inspirando a generaciones de artistas".

Entre 1788 y 1806 se condensa una producción poética que alimenta sus trabajos plásticos

Entre 1788 y 1806 se condensa una producción poética que alimenta sus trabajos plásticos. En sus poemas mezcla las tradiciones religiosas con las ideas esotéricas o la pura literatura. La vigencia de su obra es tal que el poema Jerusalén se sigue vendiendo cada año durante diferentes eventos culturales como los proms. Revolucionario y muy adelantado a su tiempo, en el frontispicio de Visiones de las hijas de Albión (1793), se pueden ver tres figuras encadenadas entre sí que aparecen amarradas a las rocas de Inglaterra, detalla la comisaria de la exposición, que añade que la obra libertad sexual y la igualdad entre hombres y mujeres.

Sus cuadros son, en general, obras de pequeño y mediano formato en los que aparecen imágenes de un inconformismo y misticismo inspirado en las visiones que le acompañaron a lo largo de toda su vida. Utilizaba esas visiones para denunciar los vicios del sistema a través de personajes fantásticos o nacidos del antiguo testamento.


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Nabuconodosor. 1795. La colección de obras que CaixaForum presenta en Madrid, es suficiente para hacer un retrato completo de las obsesiones íntimas de Blake. La mayor de ellas giraban en torno a la religión, y cómo esta se relaciona con la libre voluntad del ser humano.

La exposición está dividida en ámbitos en los que se desarrollan la mayor parte de los temas que nutren su obra. Empieza con sus primeros trabajos como grabador, sigue con los libros proféticos, los grabados en color, las escenas bíblicas, sus pinturas al temple, el libro de Job, La divina comedia, los Antiguos (los primeros artistas que le adoptaron como maestro), los prerrafaelitas y simbolistas y los neorrománticos ingleses.



FOTOGALERÍA: Los trabajos de Blake en el CaixaForum


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Escritor que pinta, pintor que escribe. Conocido también por su producción literaria, Blake fue, en realidad, un artista todoterreno, que se prodigó especialmente entre la pintura, el grabado y la poesía. Su influencia sobre Aldous Huxley o Jim Morrison es una demostración de la vigencia de su legado en dispares vertientes artísticas.


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Acompañado por quienes mejor le conocen. Esta exposición, dirigida por la conservadora de arte de la Tate Britain Alison Smith, cuenta con más de 100 obras. El catálogo se compone principalmente de piezas originales de Blake, pero también da cabida a otros trabajos, unos 30, firmados por diferentes artistas ingleses influenciados por su legado.


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Un nuevo giro al arte religioso. La religión juega un papel recurrente en la obra de William Blake; prueba de ello son grabados como este 'Dios juzga a Adán'. Blake mantenía una actitud muy crítica contra el poder eclesiástico, lo que no está reñido con el hecho de que fuera un gran lector de la Biblia que logró sobrevivir económicamente gracias a los encargos de acuarelas basadas en el Antiguo y el Nuevo Testamento.


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Misticismo en grabado. En sus grandes grabados en color experimenta nueva técnicas y materiales en temas en los que predominan la Biblia, Shakespeare o su universo mitológico propio, que muchas veces representa la lucha entre el bien y el mal, como en 'La noche del júbilo de Enitharmon', c. 1795.


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Un icono contracultural del siglo XVIII. De William Blake se ha dicho que fue un icono contraculutral, un visionario o un profeta. Incomprendido durante el Romanticismo, su trabajo tuvo que soportar el examen del tiempo para ser realmente apreciado. En la imagen, 'La serpiente ataca a Buoso Donati'.


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El factor humano de Blake. 'Ángeles buenos y malos', c. 1805. Muchos le consideran el Goya de los románticos. A esta valoración se suma la propia comisionaria de la exposición, Alison Smith, para quien Blake, al igual que el pintor español, fue capaz de interpretar los grandes acontecimientos de su época, ya fuesen guerras, revoluciones o la igualdad de sexos, a través de la figura humana.


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Mártir del Romanticismo. La obra de Blake encontró un buen refugio entre los pintores neorrománticos de las primeras décadas del siglo XX, como Cecil Collins, John Piper, Ceri Richards o Graham Sutherland. Suyas son algunas de las obras que acompañarán a las de su maestro durante los próximos cuatro meses en CaixaForum.


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El Diablo cubre de pústulas a Job. Obra de William Blake. Ochenta obras prestadas para la ocasión por la Tate Britain de Londres: fantasías, delirios, mitologías personales…y en su particular visión del mundo que le rodeaba. Acompañan a Blake algunas obras de otros artistas simbolístas.


Fuentes: elpais.com, agendacentrosobrasociallacaixa.es, embelezzia.com y todo-arte.es
 




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Caixaforum viaja al año 3.000 a. C.


Una muestra de arqueología en 3D es el plato fuerte de la próxima temporada, donde también tienen cabida el cine, la fotografía o el arte contemporáneo


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Período dinástico temprano, 2900-2334 a.C. Museum of Fine Arts, Boston. Regalo de la señora Cobb Gallatin.
  
En los tiempos convulsos que atraviesan la Cultura y las cajas de ahorros, algunas entidades como la Obra Social "la Caixa" cuentan con una amplia oferta de exposiciones en Caixaforum para la temporada que arranca. Esta mañana se ha presentado en la sede madrileña la programación prevista a partir de septiembre, que consta nada menos que de seis muestras temporales que abarcan desde el arte antiguo hasta la fotografía, pasando por la pintura, la instalación, la arquitectura y arte el contemporáneo.

Siguiendo la línea de diversidad artística que el espacio conserva desde su apertura, en 2008, este año Obra Social "la Caixa" pretende “romper la brecha que existe entre el consumo cultural y la gran ciudadanía en busca de la eliminación del respeto que existe por el acercamiento a la cultura”, ha explicado la directora general adjunta del centro, Elisa Durán. El presupuesto destinado a la Cultura con el que cuenta la Obra Social "la Caixa" es de 69 millones de euros (de un total de 500 millones de presupuesto anual), una cifra que supera discretamente la cantidad de años anteriores, debido los proyectos de futura apertura de centros Caixaforum en Zaragoza y Sevilla.


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'Druksland–Physical and Socia', 15 January 1974, 11.30 am. / Michael Druks. Fotografia: England & Co Gallery, London

El punto de partida lo marcarán las exposiciones Torres y rascacielos. De Babel a Dubái, sobre la voluntad humana de construir las edificaciones más elevadas desde el mito de la Torre de Babel hasta la actualidad (Del 10 de octubre al 5 de enero). La muestra ha podido verse en Barcelona durante los meses de verano, y próximamente viajará a Palma de Mallorca.

Por otro lado, Cartografías contemporáneas, reúne los trabajos de interpretación de varios artistas del último siglo en torno al concepto de la cartografía. Entre ellos Salvador Dalí, Paul Klee, Marcel Duchamp, Yves Klein, Gordon Matta-Clark o Richard Hamilton junto a artistas actuales como Artur Barrio, Ana Mendieta o Erick Beltrán. La exposición, comisariada por Helena Tatay, está compuesta por mapas físicos, mentales y emocionales, cuestionando los sistemas de representación humanos, y coincidirá en el tiempo con la feria ARCO 2013. (Del 21 de noviembre al 24 de febrero)

El plato fuerte de la temporada es Antes del diluvio, una muestra que descubre la cultura mesopotámica, la aparición de las primeras ciudades y revela su posterior influencia. Constará de más de 400 piezas arqueológicas procedentes del Louvre, del Metropolitan de Nueva york o del Museo de Philadelphia, entre otros grandes museos, y la reconstrucción en 3D de cómo eran las ciudades sumerias de Ur y el templo Blanco de Uruk hace casi 6.000 años. Con la primera ciudad, Uruk, se creó la primera red de comunicaciones, con vías, canales y puertos y se desarrollaron las primeras jerarquías sociales, apareciendo el capitalismo y los primeros patrones de trabajo, economía y ley de la historia de la humanidad. “La dificultad para las cesiones y préstamos ha sido el gran caballo de batalla de esta exposición”, ha explicado Ignasi Miró, director de área cultural, destacando la exhaustiva labor de control de piezas, para lo que han requerido estar en contacto permanente con las autoridades iraquíes. Se podrá visitar del 27 de marzo de 2013 al 30 de junio.

Maestros del caos, otra de las apuestas más potentes de la temporada, nos hablará de las fuerzas del orden, del desorden y de sus intermediarios, que, desde la antigüedad y hasta el arte contemporáneo, se disputan el mundo. Se trata de un proyecto “muy transversal, para ver cómo este caos y el hombre han interactuado a lo largo de la historia”, apuntó Miró. En Maestros del caos, objetos, trajes y representaciones precedentes de grandes colecciones antropológicas se exhibirán junto a piezas e instalaciones de artistas contemporáneos. Del 6 de febrero de 2013 al 19 de mayo.


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Georges Méliès, diseño para 'Viaje a la Luna' (1902). / Stéphane Dabrowski

La fundación prestará además especial atención a algunas de las manifestaciones artísticas más actuales, como el cine y la fotografía. En este caso, con una retrospectiva sobre el primer mago de la historia del cine, Georges Méliès, que se podrá visitar desde el 26 de julio al 8 de diciembre, y por otro lado Seducidos por el arte. Pasado y presente de la fotografía: una mirada provocativa sobre la influencia que ha ejercido la pintura de los grandes maestros en la fotografía histórica y contemporánea, y que explora el vínculo entre la pintura clásica, las primeras fotografías de mediados del siglo XIX y los trabajos realizados por los fotógrafos contemporáneos y fotoperiodistas.



Torres y rascacielos. De Babel a Dubái


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La Obra Social La Caixa presenta "Torres y rascacielos. De Babel a Dubái", un nuevo proyecto que explora la variedad de arquitecturas que a través del tiempo han demostrado el afán de las personas por lo inaccesible, por su desmesura y por su deseo de vencer todo límite material.

  
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World Trade Center (1966-1973), Nueva York. Arquitecto: Minoru Yamasaki.


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Frans Francken II, el Joven. "La construcción de la torre de Babel", 1591. Pintura sobre cobre


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La torre de Babel. La muestra forma parte de una serie de exposiciones de la Obra Social La Caixa que toman como punto de partida la arquitectura para examinar algunas grandes cuestiones de historia cultural.


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Du Zhenjun. "Winds", 2010. Fotomontaje.


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Anónimo. Cuadro comparativo de la altura de los grandes monumentos del mundo, 1889. Grabado. Colección particular.


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Torres Fira (2007-2009), Barcelona. Arquitectes: Toyo Ito i Fermín Vázquez b720 Arquitectos. Una generación de rascacielos subraya el surgimiento de nuevas fuentes estéticas: posmodernidad, 'high-tech', etcétera. A partir de los años ochenta, los rascacielos de estética novedosa proliferan tanto en los países del este asiático como en Oriente Medio y, en menor medida, también en Europa.


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Obrero encima del andamio de la Boerentoren, Amberes (1929-1930). Arquitecto: Jan van Hoenacker. Fotografía, 1929-1930. KBC Groupe, Archives historiques, Erwin Donvil, Brusselas. Foto: Demag (Collection P. Vanhoenacker, Antwerpen).


elpais.com



 

La verdad es que el CaixaForum Madrid es todo un éxito, desde su inauguración en 2008, creo que he visto todas sus variadas e interesantes exposiciones temporales. Este museo de la obra social de La Caixa, ha sido una brillante contribución a la cultura en la 'milla de oro madrileña'..., ah! y además es GRATIS.
 




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El arte de desafiar a Dios


Desde Babel a la Burj Khalifa, Caixaforum recorre la historia de las grandes torres y rascacielos en una exposición de 200 piezas



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Burj Khalifa (2004-2010), en Dubái, es el edificio más alto del mundo (828 metros). A partir de los noventa se produjo una ruptura que hizo que los rascacielos se propagasen a otras latitudes del planeta. Estados Unidos dejó de ser la única referencia arquitectónica supremacía en la carrera por la altura.

Desde los comienzos de la Historia, el hombre ha querido demostrar su poder construyendo cada vez más alto. El mito de la torre de Babel que narra el libro del Génesis es un ejemplo perfecto del afán del hombre por distanciarse lo más posible de la tierra y acercarse a los ámbitos de lo divino. Las torres y rascacielos que llenan la historia de la arquitectura jalonan también los momentos cumbre de ese desafío permanente a los dioses. Desde el ejemplo bíblico de Babel hasta el rascacielos Burj Khalifa en Dubái, con 828 metros, los ejemplos son fascinantes. Caixaforum Madrid ofrece hasta el 5 de enero una deslumbrante exposición en la que mediante 200 obras (maquetas, fotografías, dibujos, entrevistas y documentales) se presenta esta obsesión.


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Obrero encima del andamio de la Boerentoren, en Amberes (1929-1930). Esta exposición, que se podrá visitar hasta el próximo enero, es una aproximación inédita al mundo de las edificios altos a partir de 200 obras entre maquetas, fotografías, entrevistas filmadas, grabados, pinturas, dibujos y proyecciones.

La de las torres y rascacielos es también una historia de ambiciones, retos y fracasos. La fórmula siempre ha sido la misma. Dinero y poder al servicio del talento de arquitectos e ingenieros con una imagen siempre al fondo: cuadrillas de obreros trabajando como incansables hormigas. En forma de minaretes, catedrales, viviendas o meros caprichos, detrás de cada proyecto siempre ha habido un soñador. La versión original de la muestra, expuesta en Barcelona se ve ahora enriquecida con nuevas maquetas de algunas de las construcciones más emblemáticas del mundo: el Home Insurance Building de Chicago, el Chrysler de NuevaYork, la Universidad de Moscú o la torre Burj Khalifa de Dubái.
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Robert Dulau y Pascal Mory, comisarios de la exposición, construyen un discurso en el que el rascacielos se presenta como icono de la modernidad. La construcción en vertical soluciona las necesidades de suelo en todo el mundo. Ahora, la preocupación es combinar altura, tecnología, sostenibilidad y creatividad con funcionalidad y belleza.

Metáfora perfecta de la desmesura y el poder, la exposición arranca con una bella maqueta de lo que pudo ser la torre de Babel, una imagen que ha sido constante fuente de inspiración para pintores y escritores, como Bruegel el Viejo y Bruegel el Joven. Grabados y pinturas renacentistas rodean la maqueta del primer gran desafío arquitectónico en pos de la grandeza.

Todas las culturas y religiones han participado del deseo de traspasar las esferas celestiales y aproximarse a la divinidad. Los templos religiosos de la Edad Media y el Renacimiento son un ejemplo redondo, al igual que los minaretes de las mezquitas, que siguen impactando por su insuperable belleza. Como prueba de que la fascinación por las catedrales sigue viva, la muestra incluye un edificio aún incompleto: la Sagrada Familia de Gaudí.

El bosque de torres dedica un espacio muy especial a la torre Eiffel. Inmortalizada por pintores y fotógrafos de todo el mundo, icono indiscutible de la Francia moderna, empezó a ser construida bajo las órdenes del ingeniero Gustave Eiffel en 1887 para celebrar el centenario de la revolución francesa. Levantada en hierro, su descomunal cimentación tenía que sustentar un peso de 7.300 toneladas y 18.038 piezas diferentes.


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Home Insurance Building (1885-1886), Chicago. Arquitecto: William Le Baron Jenney. Maqueta de resina y metacrilato, escala 1/200. El desastre del gran incendio de Chicago, en 1871, favoreció la construcción de rascacielos. El más conocido es el Home Insurance Building (42 metros,10 plantas), levantado en Chicago en 1885-1886 por William Le Baron Jenney.


De la exhibición de poderío parisino, la exposición salta a Estados Unidos y a la rivalidad entre Chicago y Nueva York en un pulso en el que se implicaron grandes arquitectos europeos. Es en Chicago donde alrededor de 1880 se construyen los primeros rascacielos, y hasta finales de 1970 no ha dejado de liderar las construcciones verticales. En este tramo de la muestra el visitante se adentra en la historia de edificios homenajeados una y otra vez por el cine y los libros, con la posibilidad de visitar a escala sus interiores y exteriores, cómo fueron construidos y quiénes los idearon. Unos cuantos ejemplos: el Flatiron (1902), diseñado por Daniel Burnham ( 87 metros de alto); la torre de la Metropolitan Life Insurance (1909), de Napoleon LeBrun e Hijos (213 metros); el Woolworth Building, la catedral del comercio, de Cass Gilbert (241 metros)...

Las construcciones del período de entreguerras, 1919-1939, es una síntesis de la colaboración entre Estados Unidos y Europa: la sede del Chicago Tribune (141 metros); el RockefellerCenter (259 metros); el PSFS Building (150 metros); el Chrysler ( 298 metros); el Empire State (381 metros)...

En las década de los cincuenta toda la capacidad de innovación se invierte en columnas interminables de viviendas y oficinas que crecen en el corazón de la ciudad. Los centros financieros, en una exhibición casi obscena de poder, rematan obras como la John Hancock Tower de Boston (1968-1976, 248 metros), de Ming Pei; o las desaparecidas torres gemelas del World Trade Center de Nueva York (1966-1973, 417 metros), de Minoru Yamasaki and Associates y Emery Roth &Sons, la Torre Sears (1970-1974)….

A partir de los ochenta, los países del este asiático y Oriente Próximo toman el relevo en altura y espectacularidad. El dinero les permite recurrir a los grandes arquitectos internacionales y crean el Hong Kong and Shanghai Bank de Foster, construido en esta segunda ciudad en 1986; la Jin Mao Tower de Hong Kong, levantada en 1990 por el estudio SOM (421 metros); las Torres Petronas de Kuala Lumpur, obra de César Pelli (1998, 452 metros); o la Torre Taipei 101 de C. Y. Lee (2004, 509 metros). Así, hasta llegar a la torre más alta del mundo por el momento: la Burj Khalifa de Dubai (2004-2010), firmada por Skidmore, Owings & Merrill. Sus 828 metros la convierten en la representación más osada del desafío a lo divino; una prueba de la inmodestia y pequeñez del hombre.


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La torre de Babel. Maqueta de resina de poliuretano, escala 1/200 (2011-2012). Para esta exposición se han producido ocho nuevas maquetas a escala 1:200 de algunos de los edificios más singulares de la historia de los rascacielos, como el Home Insurance Building de Chicago, entre otros. Las maquetas han sido realizadas en la Escuela Técnica Superior deArquitectura del Vallès (UPC).


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Frans Francken II, el Joven. La construcción de la torre de Babel, 1591. Pintura sobre cobre. este afán humano por construir cada vez más alto se remonta al mito de la Torre de Babel, desde donde arranca la exposición. En esta historia bíblica, los hombres desafiaban las leyes naturales y el poder divino.


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Torre AGBAR (1999-2005), en Barcelona. La muestra, comisariada por Robert Dulau, conservador jefe de Patrimonio en Francia, y Pascal Mory, arquitecto y profesor de arquitectura, también expone obras de edificios españoles.


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La Torre de Cristal, situada en Madrid, es el edificio más alto de España y el octavo de la Unión Europea, con una altura de 249 metros, distribuidos en 52 plantas, según datos del Council on Tall Building Urban Habitat 1 (CTBUH) organismo que, desde 1969, lleva a cabo el control dimensional de edificios de más de 100 metros de altura y dispone la mayor base de datos de este tipo de edificaciones. La revista 'Muy Interesante' 2 también reconoce la Torre de Cristal como el edificio más alto de España en el dossier que incluye dentro de su número 376 de Septiembre de 2012.

Su construcción comenzó en 2004 y se terminó el 4 de diciembre de 2009. Se divide en una planta baja de acceso, 46 pisos de ofinas y seis plantas bajo rasante, destinadas a aparcamiento de vehículos, con una capacidad aproximada de 1.250 coches. Las fachadas están cubiertas exclusivamente de vidrio y en el nivel superior, la variación de la planta genera cambios en los cuatro planos de la fachada que ofrece al edificio la apariencia de un cristal tallado. El edificio está situado en el distrito madrileño de Fuencarral-El Pardo, en el complejo de rascacielos Cuatro Torres Business Area. La torre ha sido diseñada por el arquitecto argentino César Pelli. En el proyecto también participaron los arquitectos Íñigo Ortiz y Enrique León. El edificio se destina íntegramente al alquiler de oficinas.

El ingeniero autor del proyecto de estructura fue D. José Ignacio Viñals Millán, que también se encargó de la Dirección de la obra junto con el ingeniero D. César Herrera Castilla.

La Torre, que dispone de todas las innovaciones tecnológicas y medioambientales, es la única de oficinas en altura que cuenta con la certificación A de categoría medioambiental. Entre sus avances, es destacable su fachada acristalada, que posee un sistema de "pared bioclimática" que integra ventilación interior, gradúa automáticamente el control de soleamiento y optimiza los parámetros climáticos y de consumo energético.



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La muestra hace hincapié en el triunfo de la escena norteamericana a partir de la segunda mitad del siglo XIX y en la difusión planetaria de los rascacielos desde la década de los setenta del siglo pasado, que ha provocado que hoy día dos terceras partes de losrascacielos más altos del planeta estén ubicados en el Extremo y Medio Oriente.


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Cuadro comparativo de la altura de los grandes monumentos del mundo, 1889. Grabado. A partir del siglo XIX, los adelantos de la industria y la confianza en un desarrollo incesante del progreso, ligados al cambio de escala de las ciudades, aceleraron la experimentación en Occidente.

El contrapunto a estos gigantescos desafíos, lo pone una instalación del artista español Miquel Navarro. La belleza y armonía de su idea de ciudad es una reflexión sobre la necesidad de volver a las escalas humanas.


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El arte y otros rituales de paso


CaixaForum aborda el desorden, el carnaval y la máscara desde las culturas ancestrales hasta la creación actual en la muestra ‘Maestros del caos’


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El chamán Autel Azé Kokovivina, en Caixaforum. Abajo, máscara de Bali y un vídeo de Sergio Prego. / BERNARDO PÉREZ

El lunes, a esa hora en la que la España empleada abandona la oficina para el segundo café de la mañana, el chamán Autel Azé Kokovivina, de Togo, se entregaba a otra clase de ritual: liberar “de malos espíritus” la sala de CaixaForum que desde hoy alberga la turbadora y fascinante muestra Maestros del caos: artistas y chamanes. Armado con silbatos, manojos de hebras tintineantes, brotes de jengibre y botellas de ginebra, el hombre daba vueltas, entonaba cánticos y bailaba en torno a un altar de intimidante aspecto, compuesto de gruesas raíces y cubierto con un líquido de aspecto viscoso. El resultado de sus conjuros permanecerá hasta el 17 de mayo en Madrid “procurando buenos augurios y expulsando los malos”, como antes hizo en la Bundeskunsthalle de Bonn, y en el parisiense museo del Quai Branly, organizador de una muestra que esta vez no viajará a la sede barcelonesa de la Obra Social La Caixa.

Frente al ritual, al que asistieron un reducido grupo de empleados del centro, entre dispuestos a creer y divertidos, se emitía en bucle una grabación de Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta (1965), célebre performance de Joseph Beuys, en la que el gran chamán del arte de siglo XX daba rodeos por una galería de Dusseldorf con el rostro pintado en oro y un animal muerto en los brazos. El contraste nos sirve para explicar el difícil aunque seductor empeño de Jean de Loisy, comisario de la exposición y presidente del Palais de Tokio: identificar a los mediadores, artísticos o espirituales, en el conflicto tan viejo como el mundo entre el orden y el caos; limitar el camino que conduce de lo teatral a lo grotesco y de la máscara al terror; y extraer enseñanzas de tradiciones ajenas a la europea (que también está presente) para sacar ventaja del desorden que gobierna nuestros destinos.

De Loisy vence, con todo, la tentación de caer en el tópico que asimila el papel del brujo al del artista. “Hoy el creador es más bien un antropólogo”, explica ante Bestia, cuadro del pintor-marginal-adorado-por-el-mercado Jean-Michel Basquiat, nieto de una sacerdotisa haitiana. Tampoco se recurre al fácil juego de intercalar obras artísticas sin intención entre las reliquias ceremoniales: “Las fronteras entre el arte antiguo y el contemporáneo, entre el folclore y la así llamada cultura seria están en entredicho”, aclara De Loisy. “De ahí la decisión de traer de Togo al chamán. Me opongo a la idea de la exposición como una sucesión de objetos del pasado; una muestra debe aspirar a incidir sobre la realidad”.

Máscaras, trajes, amuletos, bastones y demás panoplia chamánica de las tribus hopi y navajo en EE UU, el levantisco pueblo taíno de las Antillas (y sus inquietantes dúhos a cuyos lomos viajar al otro mundo impulsado por sustancias psicotrópicas) o los inyai-ewa de Papúa Nueva Guinea ejercen parecido hechizo sobre el visitante al que debió de doblegar las voluntades de las vanguardias europeas del siglo XX, cuando los picasso, brancusi o klee abrieron una puerta a la modernidad primitiva de otras culturas. La contemplación de una máscara del demonio Maha-Kola, de Sri Lanka, anterior a 1890 y candidata a estrella de la exposición, junto a un San Miguel del siglo XV a punto de dar muerte a un diablo invita a pensar que aquel gesto quizá fue más lógico que heroico.

Una pantalla con entrevistas realizadas con chamanes actuales demuestra que la superstición está lejos de ser cosa del pasado (el comisario va más allá y constata un repunte, por la crisis) y sirve de ingreso a la última parte de la exposición, que coquetea con la idea de lo grotesco, el teatro y el inminente rito de catarsis y renacimiento del carnaval. Varios Caprichos de Goya (que hace eco con una instalación de Thomas Hirschhorn), un grupo de pinturas negras de Gutiérrez Solana y Painter, descacharrante vídeo de Paul McCarthy, dan por bueno el eslogan Pas d’art sans desordre (no hay arte sin desorden).

Y al final del caos, queda recoger los restos para comenzar de nuevo. Como en la filmación de Miércoles de ceniza, de la brasileña Rivane Neuenschwander. En ella, unas hormigas acarrean los restos de confeti de un carnaval pasado.


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Una pieza de la exposición 'Maestros del caos. Artistas y Chamanes en CaixaForum'. / BERNARDO PÉREZ


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Pissarro, Sorolla y Le Corbusier estarán en la nueva temporada de CaixaForum


El recinto albergará dos exposiciones de los pintores además de una muestra del arquitecto coproducida con el MoMA


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'El balandret' (1909), de Sorolla.

Ya no son tiempos de propuestas arriesgadas, mejor apostar por la calidad consolidada y la seguridad del autor consagrado. Es lo que se desprende de la programación de CaixaForum para el curso 2013-2014, presentada ayer. La cada vez más exigua presencia del arte contemporáneo se vuelve a centrar en la colección de la Fundación y un año más las cabezas de cartel son dos exposiciones de arte moderno, dedicadas a Sorolla y Pissarro.

Sorolla es un artista capaz de congregar multitudes de espectadores, dispuestos a horas de espera. La muestra, que está en Madrid y llegará el próximo verano, se estructura como un viaje de la naturaleza a la pintura con el mar como hilo conductor. “Veremos un Sorolla menos académico, más íntimo, libre y experimental”, aseguró Ignasi Miró, director del Área Cultural, añadiendo que la elección de Pissarro responde a la voluntad de buscar el “menos conocido y más anárquico” entre los artistas impresionistas. La muestra, que llega a CaixaForum el 15 de octubre, se estrenó en el Museo Thyssen de Madrid. Tras el éxito de Goya se repite la colaboración con el Museo del Prado en Belleza cautiva, una muestra de 120 piezas de todos los géneros, temas y técnicas, cuyo común denominador es el pequeño formato.

Aunque el marco cronológico de estas exposiciones vuelve a solaparse parcialmente con el del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), parece olvidado cuando su director Pepe Serra declaró que la muestra de Goya gratuita era competencia desleal. “Desde mayo también hemos establecido una entrada de cuatro euros para quien no es cliente de La Caixa. Con el MNAC la relación es muy fluida y hace poco hemos firmado un acuerdo para la futura comercialización y explotación de los museos de la montaña de Montjuïc”, recordó Elisa Durán, directora general de la Fundación La Caixa. Durán asegura que el fin de la gratuidad no ha supuesto una disminución de la afluencia.

La diversidad y transversalidad que desde siempre caracteriza el programa de La Caixa este año se plasma en las muestras dedicadas al Mediterráneo, con 180 piezas arqueológicas de museos italianos y griegos, y Le Corbusier coproducida con el MoMA.


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Exposición temporal, hasta el 16 de febrero de 2014



Japonismo


La fascinación por el arte japonés



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El Japonismo, una de las expresiones artísticas más ricas y poliédricas del siglo XIX, es un movimiento artístico muy conocido internacionalmente.


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El interés por Japón se extendió por toda Europa durante la segunda mitad del siglo XIX gracias a iniciativas de alcance internacional tan influyentes como el establecimiento y los productos art nouveau de Siegfried Bing, que dejó su impronta en la obra de artistas del impresionismo, del posimpresionismo, del simbolismo e incluso de la vanguardia.


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El japonismo en España nació hacia la década de 1870 y tuvo su periodo de mayor influencia a finales de siglo y alrededor de los grandes artistas del Modernismo, con una gran riqueza de propuestas estéticas y con obras tan diversas como las de Marià Fortuny, Pablo Picasso o Joan Miró. En este sentido, España, y especialmente Cataluña, dispone de un corpus de obras japonistas muy abundante, pero todavía muy poco conocido.


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Conferencia inaugural

Miércoles 16 de octubre, a las 19 h
Japonismo. La fascinación por el arte japonés.
A cargo de Ricard Bru i Turull, comisario de la exposición

Información adicional

Precio: 4 €
Entrada gratuita clientes "la Caixa".
El precio incluye el acceso a todas las exposiciones

Visitas comentadas para el público general
Jueves y viernes, a las 18 h. Sábados, a las 17 h. Domingos y festivos, a las 11 y 18 h
Precio por persona: 3 €
50% de descuento clientes "la Caixa"

Novedad Audioguía

Precio por persona: 4 €
50% descuento clientes "la Caixa"
 




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Un mar de dioses y pensadores


Caixaforum desvela la historia y los mitos del Mediterráneo con 165 obras



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Exposición en el Caixaforum de Madrid. / Máximo García de la Paz

El Mediterráneo, considerado en el mundo antiguo como el centro del universo, es el mar que más imperios y civilizaciones ha visto. Casi aislado de gigantescos océanos, baña las costas de Europa, Asia y África y allí nacieron culturas que transformaron la forma de relacionarse con el mundo como Próximo Oriente antiguo, Grecia y Roma. La exposición Del mito a la razón, en Caixaforum Madrid, hasta el 5 de enero, ofrece un fantástico y didáctico viaje por un mar plagado de tesoros como el nacimiento de la Filosofía o la creación del espíritu europeo.

Pedro Azara, profesor de Arquitectura en Barcelona, ha organizado una exposición en la que se definen las influencias esenciales de la cultura antigua (siglos VI a.C y IV d.C) hasta nuestros días. Para ello ha reunido 165 piezas prestadas por 32 instituciones, en su mayor parte de Grecia e Italia.
Una cita de Albert Camus, el gran defensor de la cultura mediterránea, sirve de arranque por el minucioso recorrido expositivo: "Es el único que se encuentra con todos los pensamientos orientales. No es clásico y ordenado, es difuso y turbulento. Lo mismo que el sol mediterráneo es el mismo para todos los hombres, el esfuerzo de la inteligencia humana debe de ser un patrimonio común y no fuente de conflictos y matanzas".

Hacia el siglo VI, los jonios buscan cuáles son las raíces del mundo

El primer ámbito está dedicado a la Mitología y a los viajes que fundan el Mediterráneo. En las amplias y dentadas cartelas que guían la muestra se puede leer que en el principio de los tiempos, el cosmos era un enigma simbolizado por seres amenazantes contra los cuales era imposible luchar. El Mediterráneo estaba repleto de monstruos marinos y dioses furibundos que desencadenaban tormentas. El mar era un lugar de perdición; sin embargo, la invitación al viaje resultaba irresistible para muchos.

Los desplazamientos por mar eran más sencillos y seguros que por una tierra infestada de peligros aún mayores. Criaturas tan dañinas como el toro de Maratón, el león de Nemea o el gigantesco jabalí de Erimanto recorrían las tierras ribereñas. Y una cita de Platón: "Los que estamos entre las columnas de Hércules y el río Fasis habitamos una pequeña porción de tierra, viviendo en torno al mar como hormigas o ranas en torno a una charca". A orillas del mar, la vida era agradable. Sin embargo, era el control de las aguas, antes que el de la tierra cultivada, lo que señalaba el nivel de desarrollo de una cultura. Estos viajes por el mar, los desplazamientos de las culturas que vivían en su orilla dieron lugar a los relatos de los mitos fundadores: de Ulises, Jasón y Heracles.

El segundo ámbito trata de El Cosmos y los enigmas del mundo.Es un tiempo en el que se cree que el Cosmos es la morada de los dioses y son los mitos los encargados de narrar sus increíbles aventuras. La Esfinge era un ser híbrido entre la seducción femenina y la fuerza de un león alado con garras y cola de serpiente. Hacia el siglo VI, los habitantes de las costas jonias y de Grecia empiezan a buscar cuáles son los elementos y raíces del mundo, de manera que los nuevos héroes pasan a ser los filósofos y los historiadores.

Los desplazamientos de las culturas dieron lugar a los relatos de los mitos

El nacimiento del ágora y de la ciudad dialogante, lleva al tercer ámbito de la exposición: El espacio común. Aquí se nos recuerda que después de largos siglos de monarquía y gobiernos oligárquicos, a partir de finales del siglo VII a. C. se impuso en Atenas un régimen de tiranías respaldadas por las clases populares, hastiadas de los abusos de la aristocracia y de los reyes-sacerdotes. A raíz de la fuerte crisis política y social que se produjo a finales del siglo VI a. C., una serie de reformadores, desde Solón hasta Pericles, realizaron profundos cambios que culminaron en la instauración de la democracia. La igualdad ante la ley, la equidad y la libertad de expresión fueron los principios fundamentales de la democracia ateniense.

Por último, se muestra el nacimiento de la Persona, una nueva concepción del ser humano como individuo caracterizado por un cuerpo guerrero y alma de filósofo. Es en estos últimos momentos cuando se produce la aparición del retrato como un puro reflejo del alma y con una importancia definitiva en el devenir del arte.

La reflexión final lleva a preguntarse sobre las similitudes entre aquel Mediterráneo y el actual. Las mezclas culturales de entonces ) se han renovado, en opinión del comisario, pero la reflexión sobre la región sigue siendo más necesaria que nunca.


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Las mascotas divinas de los faraones


Una muestra en CaixaForum Madrid explora el rol de los animales en el antiguo Egipto



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Estatuillas de Montu, Señor de Medamud, con cabeza de toro, (Iz), de la Diosa Uadyet de Buto, (ctro) y de Horus con cabeza de halcón. A la derecha, un relieve de Montu en su trono.

Ver FOTOGALERÍA El reino animal

Ninguna cultura de la antigüedad ha estado tan vinculada al mundo animal como el Egipto de los faraones. Implicados con el entorno natural de un Nilo tan fértil como hostil y temido, los egipcios se fijaron en su rica fauna no solo para alimentarse, trabajar o hacerles compañía. Los animales eran sus intermediarios con los dioses y una metáfora perfecta para explicar la vida. Su importancia era tal que se les embalsamaba como a las personas para pasar a disfrutar de otra vida. De la relación entre hombres, fauna y dioses habla la exposición Animales y faraones que desde hoy (hasta el 23 de agosto) se puede ver en CaixaForum Madrid.

Realizado en coproducción con el Louvre, el recorrido muestra 430 piezas entre las que se incluyen representaciones de 60 especies diferentes, 14 momias y el grupo de babuinos que formaron la base del obelisco del templo de Luxor que nunca ha salido del Louvre desde su traslado desde la plaza de la Concordia en 1847. Procedente del Louvre-Lens, donde fue visitada por 106.000 personas, la exposición se podrá ver también en Barcelona, desde mediados de septiembre.

Hélène Guichard,conservadora-jefa del Departamento de Antigüedades Egipcias del Museo del Louvre, tenía muy claro lo que quería explicar cuando aceptó ser comisaria de la exposición: explicar cuales eran las relaciones de los egipcios antiguos con el mundo animal. “En ninguna otra cultura, ni anterior ni posterior, se da una vinculación tan fuerte como en esta. Y en ninguna otra civilización han sido tan representados, pintados o esculpidos como en esta. La fauna en torno al Nilo era riquísima. Aquí están representadas decenas de especies, algunas ya desaparecidas, que formaban parte de su vida diaria: escarabajos, arañas, ratones, saltamontes, ranas, cocodrilos, perros, gatos, hipopótamos, caballos, leones, carneros, toros…”.

El espectacular montaje sobre el que se recrea el Egipto de los faraones se mueve en torno a los puntos: la salida del primer rayo del sol (el nacimiento del mundo) representada por el obelisco y sus beduinos y la puesta del sol escenificada en una pintura. En medio hay nueve secciones en las que se da cuenta del papel desempeñado por los animales.

El más reproducido es el gato, representante de la diosa Bastet, la de la felicidad y la armonía. Inspiración de los artistas para sus esculturas y relieves, cuenta Guichard, el amor por los gatos tenía un origen muy justificado: mataban a los ratones que se comían el trigo: “Al proteger las cosechas, garantizaban el alimento familiar. Por eso vivían en las casas y puede decirse que fueron las primeras mascotas tal como hoy las conocemos. El gato era el protector de las familias, de los niños y de las mujeres embarazadas”. En el lado opuesto de las bondades felinas estaban las serpientes o las leonas: “Todos aquellos que pudieran traer peligro de muerte. Eran temidos y respetados porque los egipcios entendían que les podían castigar con enfermedades y desgracias”.

Uno de los platos fuertes para los visitantes, al igual que ocurre en los grandes museos arqueológicos de todo el mundo, serán las 14 momias que ocupan la parte central de la exposición. Algunas reproducían la forma del animal, gatos y aves en su mayor parte, y por dentro estaban vacías. Pero de otras se pueden contemplar parte del plumaje y restos de madera de lo que fue su refugio en vida.

Respecto a la situación de peligro que en estos momentos corren las piezas arqueológicas custodiadas por países en conflicto como Irak o Siria, Guichard prefiere no pronunciarse. Solo acepta hablar de Egipto. “Creo que las piezas están perfectamente custodiadas. los problemas que se han podido registrar han estado motivados por la necesidad y han sido episodios aislados. Egipto puede guardar solo sus tesoros arqueológicos”.

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La Fundación La Caixa y el British Museum firman una ambiciosa alianza

El centro británico prestará sus obras para cuatro grandes exposiciones que podrán verse en los centros culturales de la obra social La Caixa



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British Museum

La Fundación La Caixa ha abierto esta mañana sus puertas a dos millones de años de historia. Son los que abarcan las ocho millones de piezas que posee el British Museum, con quien la fundación bancaria española ha firmado una alianza, que se concretará en cuatro grandes exposiciones que podrán verse en los centros culturales de la obra social La Caixa en los próximos cuatro años. Se trata, en palabras de Richard Lambert, presidente del patronato del British Museum, de la colaboración “de mayor magnitud” que el museo londinense haya firmado nunca con otra institución.

El convenio marco firmado permitirá a la Fundación La Caixa organizar, conjuntamente con el British y con los fondos de este último, cuatro grandes proyectos, que se convertirán en 16 muestras que podrán visitarse en los siete centros culturales con los que cuenta la Obra Social La Caixa por toda España. Además de Madrid, las cuatro capitales catalanas, Palma de Mallorca y Zaragoza, también está previsto que las exposiciones lleguen al nuevo CaixaForum de Sevilla, que está en estos momentos en construcción. “El British es un museo del mundo para el mundo”, destacó Lambert, “por eso estamos tan contentos de que este acuerdo permita que objetos de nuestra colección sean vistos por toda España”.

La primera exposición se titula Europa medieval: poder y legado, y propone una reflexión sobre cómo la influencia medieval se extiende hasta nuestros días. Arranca con la caída del Imperio Romano y se extiende hasta el año 1.500, y recorre acontecimientos, personajes, ciudades y conflictos clave a lo largo esos más de mil años. Entre otras obras escogidas, podrá verse una de las piezas del ajedrez de las isla de Lewis, talladas en marfil de morsa, que constituyen uno de los objetos icónicos del museo londinense. Esta exposición arrancará en 2016 en el CaixaForum Madrid.

La segunda exposición, titulada Grecia antigua: atletas, guerreros y héroes, acercará al público español los fondos griegos del museo británico, una de las colecciones clásicas más importantes del mundo. Será una de las mayores selecciones de objetos griegos jamás prestados por la institución, y empezará su periplo por España en Madrid en 2017. Los faraones serán los protagonistas de la tercera exposición, que empezará a itinerar en 2018. Faraones: reyes de Egipto reunirá más de 130 objetos de la colección británica que abarcan 3.000 años de historia del antiguo Egipto. La última de las cuatro grandes exposiciones, aún pendiente de desarrollo ya que no se inaugurará hasta 2019, estará dedicada a la cultura fenicia. Todas ellas serán de acceso gratuito para los clientes de Caixabank y el resto deberá pagar una entrada de unos 4 euros.

Elisa Durán, directora general adjunta de la Fundación La Caixa, confirmó que el acuerdo con el British Museum se produce tras “un largo noviazgo”. “Desde hace más de una década es un prestador importante en nuestras exposiciones”, explica, y pone como ejemplo las exposiciones Los maestros del grabado en la colección del British y El imperio olvidado, organizadas conjuntamente por las dos instituciones en 2003 y 2006, respectivamente. “Somos el mayor prestador de piezas del mundo”, explica Lambert, del museo londinense, que asegura que más británicos ven piezas del British fuera de Londres que en la propia capital.

La Fundación La Caixa ha firmado con anterioridad alianzas estratégicas con museos de la talla del Louvre o el Prado. Ambas partes, la fundación española y el museo británico, coinciden en destacar lo positivo de la experiencia de colaboración entre dos instituciones que, según Durán, comparten tres principios importantes: “En primer lugar, una visión pedagógica de nuestros contenidos. En segundo lugar, el deseo de accesibilidad, de llegar al mayor público posible. Y por último, la voluntad de alcanzar colaboraciones público-privadas como forma de optimizar recursos”, explica la directora adjunta de la Fundación La Caixa, que este año prevé llegar a cinco millones de personas con sus exposiciones itinerantes en 90 ciudades españolas.

El acuerdo tiene un coste para la Fundación La Caixa de cerca de dos millones de euros en cuatro años. Pero el alcance va más allá de la prestación de fondos. “Es un entramado más complejo”, explica Durán, “que incluye la contratación de los servicios de producción de la exposición, transporte, seguros, textos de catálogo, derechos de reproducción de las imágenes, etcétera”. La Fundación cuenta con un presupuesto anual de 500 millones de euros, 100 de los cuales se destinan a la divulgación de la ciencia y la cultura, una cantidad que no se ha vito reducida en las últimos ocho años.


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Colaboración Caixaforum Madrid y el Museo del Louvre


Aquellas romanas seductoras, maternales, excesivas y anónimas

CaixaForum Madrid estrena su colaboración con El Louvre con una exposición de 172 piezas procedentes de sus colecciones



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Estatua de Polimnia', una de las obras expuestas en CaixaForum. / Musée du Louvre et AFA / Anne Chauvet

Muy poco se sabe del papel de las mujeres en el mundo antiguo. Conocemos, por ejemplo, que los egipcios la consideraban un complemento. Para los griegos, no pasaba de ser una eterna menor de edad. Los romanos, en cambio, les reconocían cierta importancia, pero solo de puertas adentro, no en el ámbito civil y político. Relegadas de la vida pública y recluidas en sus hogares, se sabe muy poco de lo que sentían estas mujeres. Las únicas pistas informativas proceden del arte, de las esculturas y pinturas con las que adornaban los espacios públicos y privados. La exposición Mujeres de Roma, que hasta el 14 de febrero se puede ver en Caixaforum Madrid ofrece un detallado recorrido a partir de 178 piezas prestadas por Museo del Louvre (47 restauradas expresamente para esta muestra) procedentes de la decoración doméstica que las rodeaba y los objetos que las acompañaban en su vida cotidiana. La exposición viajará después a Zaragoza y Palma de Mallorca.

El retrato que propone la exposición es el de una mujer que, a la vez, era objeto de amor y temor, de deseo y de desprecio. Para su entorno masculino eran menores de edad, seductoras, maternales y excesivas. Daniel Roger, conservador jefe del departamento de antigüedades griegas, romanas y etruscas del Louvre, comisario de la exposición junto a Aurélie Piriou, sitúa la exposición entre el siglo I antes de Cristo y el I después de Cristo, un período en el que las artes plásticas alcanzan una importancia extraordinaria en Roma y cuyos restos arqueológicos contienen una información de primer orden. Es un tiempo, puntualiza Daniel Roger, "en el que se produce un cierto cambio de mentalidad que genera una contradicción entre una imagen tradicional de tipo aristocrático y la realidad de una sociedad en la que empieza a emanciparse y en la que sus logros le permiten superar el rol ancestral asignado. El estatuto de cierto privilegio de la mujer en Roma se traduce en distintas representaciones bajo el prisma de la mitología, la religión y la fuerza materna, así como de la alegoría de la seducción y el exceso".

  47 de las piezas expuestas han sido restauradas expresamente para esta muestra

En las sucesivas salas que ocupa la exposición se mezcla la representación subalterna de la mujer con la exaltación mitológica utilizada como puro ornamento. Su papel de diosa del hogar se refleja en escenas esculpidas sobre lámparas de aceite, candelabros, espejos, horquillas, camafeos y joyas. De su papel en el exterior hablan las las musas, inspiradoras de las artes y el pensamiento; Venus, imagen de la belleza y la seducción; Minerva y Diana, férreas defensoras de la virginidad y la virtud, las monstruosas gorgonas y sirenas o las responsables de tremendos desastres como Medea o Pasífae.

La exposición arranca con seis bustos de mujer que se diferencian entre ellas por unos peinados esculpidos con tal realismo que parece que los mechones tuvieran movimiento. La manera de colocarse el cabello es esencial para datar la obra, explican los comisarios. Las modas variaron enormemente con el paso de los años, marcadas por las damas de la corte imperial, con las que el resto de las romanas se familiarizaba gracias a la escultura pública. Trenzas, mechones ondulados, bucles sueltos o recogidos en la nuca sirven para diferenciar las tendencias imperantes según quien ocupara el poder. Como ejemplo, se señala que durante el reinado de Nerón (54-68) se impuso la melena con varias capas de bucles que los escultores imitan mediante perforaciones realizadas con el trépano.

  El retrato que propone la exposición es el de una mujer que, a la vez, era objeto de amor y temor, de deseo y de desprecio

Para las decoraciones de los interiores de las viviendas pintaban frescos o esculpían arcillas en las que las mujeres de la familia adquirían aspectos mitológicos y encarnaban sentimientos positivos como la fertilidad, la prosperidad, la creación o la suerte. Durante la era de Augusto, las mujeres adquieren cierta presencia pública. No solo las que son familia del emperador, sino que empieza a surgir un pequeño grupo al que se le permite administrar su fortuna y ocuparse de importantes ceremonias religiosas, de manera que su tratamiento en la escultura adquiere una importancia y belleza que antes no había conocido. Las varias recreaciones de las tres gracias, que aquí se exhiben, dan cuenta de ese nuevo papel de poder.

Entre diosas, adoradoras de Dionisos y criaturas femeninas mostruosas con una parada ante Hermafrodito, el joven de extraordinaria belleza convertido en criatura bisexuada, la exposición concluye con una espectacular pieza, Polimia y una reflexión. Polimia, musa de los mitos, fue copiada del original griego por un artista romano. Partida desde su tronco, fue recreada en el siglo XVIII por un artista italiano, Agostino Penna. De manera que la parte inferior es auténtica y la superior, inventada. La duda se plantea si tenemos en cuenta que la recreación de la vida de las romanas está hecha a partir de hallazgos arqueológicos incompletos. Lo que queda por descubrir puede cambiar radicalmente la historia tal como hasta ahora la conocemos.



Algunas obras de la exposición, en fotos


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Estatuilla de Venus Anadiomena. Tartus (Siria), Siglos I-II dC. Bronce.
RMN-Grand Palais (Musée du Louvre) / Hervé Lewandowski


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'Las tres Gracias'. Roma, colina de Celio, Villa Cornovaglia (antes de 1608), siglo I-II dC. Mármol. Colección Borghese.
RMN-Grand Palais (Musée du Louvre) / Hervé Lewandowski


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'Anillo decorado con un camafeo: rostro de mujer de perfil'. Procedencia desconocida, época imperial. Oro y sardónice.
RMN-Grand Palais (Musée du Louvre) / Hervé Lewandowski


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'Anillo: Deméter y Perséfone'. Probablemente Italia, siglo I aC - siglo I dC.Oro. Colección Campana.
RMN-Grand Palais (Musée du Louvre) / Hervé Lewandowski


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'Lámpara de aceite: Venus'. Italia, segunda mitad del siglo I dC. Arcilla. El medallón se montó en la lámpara en el siglo XIX. Restaurada en 2015. Colección Campana.


Fuente: elpais.com
 




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CaixaForum -  Hasta el 14 de febrero de 2016


'Mujeres de Roma. Seductoras, maternales, excesivas'



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178 piezas de uso cotidiano y procedentes de la decoración de las villas romanas y que se tradujo en distintas representaciones bajo el prisma de la mitología, la religión y la fuerza materna, así como en alegoría de la seducción y el exceso.


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'Mujeres de Roma' selecciona 200 piezas procedentes de la colección del Museo del Louvre para mostrar la forma de representar el rol de la mujer en la decoración de las villas romanas.



madridiario.es
 




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Miró: el amor por los objetos

CaixaForum Madrid recorre la heterodoxia artística del creador catalán en una exposición de 109 obras



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Algunas de las esculturas de Joan Miró que se muestran en la exposición 'Miró y los objetos'.

A lo largo de toda su vida, Joan Miró (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983) acumuló en sus estudios todos aquellos objetos que encontraba y habían llamado su atención: Conchas, esponjas, manillares de bicicletas, un trozo de alfombra o unos cubiertos. Por un lado, los usaba para decorar su lugar de trabajo, pero muy pronto empezaron a formar parte de sus collages, esculturas y cerámicas, como también hicieron dadaístas y surrealistas. En una carta enviada a su amigo Matisse, en 1936, habla de su afición: “Me siento atraído por una fuerza magnética hacia un objeto, sin premeditación alguna”.

De esa esa intensa relación trata la exposición Miró y el objeto que hasta el 22 de mayo se puede ver en las salas de CaixaForum Madrid. Realizada en colaboración con la Fundación Miró de Barcelona, la exposición muestra 109 obras fechadas entre 1916 y 1981, prestadas por coleccionistas públicos y privados de todo el mundo, en las que se narra como el artista perpetra su personal asesinato de la pintura y ensalza la obra de arte más allá del caballete y de las telas convencionales.

Comisariada por William Jeffett, responsable de exposiciones del Salvador Dalí Museum de Saint Petersburg (Florida), la impactante muestra guarda un orden cronológico y el espectador aprecia los dos grandes momentos en los que Miró decidió acabar con la pintura convencional. El comisario señala que el artista exploró por primera vez la idea de la antipintura en 1930. “En una serie de telas calculó con gran precisión la composición para luego eliminarla tachando la imagen. En 1974 Miró realizó una serie de telas quemadas para su gran retrospectiva en el Grand Palais de París. tiempo, propuso una serie de esculturas en bronce, hechas también a partir de assemblages de objetos, cerámicas y tapices, como expresiones poéticas más allá de la pintura”.

En el primero de los seis ámbitos en los que está dividida la exposición, se puede apreciar la atracción primigenia de Miró por los objetos y su primera relación creativa con ellos a partir de su representación pictórica. Incluye una selección de naturalezas muertas entre las que destacan dos de 1922-1923 procedentes del MoMA de Nueva York: supusieron sus primeros intentos conscientes de incorporar objetos humildes en su producción y reivindicar el valor de los elementos populares como materia artística.

Viene después el ámbito en el que se da cuenta de su batalla contra el arte convencional. Después de conocer a Breton y aliarse con los surrealistas crea algunas de sus obras más rompedoras, como su serie Bailarinas españolas (1928) y los collages Sin título (1929), compuestos con materiales no artísticos. En 1930 realiza una serie de (anti)pinturas, donde se presentan imágenes canceladas o tachadas. En esta línea de experimentación, un año después, Miró crea una serie de pinturas-objeto que son puros ensamblajes hechos con objetos encontrados en la calle.Es entonces cuando irrumpe en su obra el objeto físico para no abandonarla ya jamás.

La exposición avanza con obras realizadas en la década de los cuarenta, hechas con materiales inusuales y soportes no asociados a las técnicas tradicionales de bellas artes: conglomerado de madera, fragmentos de metal, fibrocemento. El comisario concluye explicando que el artista quebranta así los enfoques convencionales de la pintura mediante la incorporación de materiales no pictóricos o la selección de formatos inusuales, negando la función tradicional del arte como ilusión y, a la vez, afirmando su condición material como objeto. Estas investigaciones le conducirán, posteriormente, al mundo de la cerámica y de la escultura.

Intercaladas entre los diferentes ámbitos artísticos, se muestra una selección de algunos de los objetos encontrados en los estudios de el artista, junto a fotografías en las que se le puede contemplar trabajando sus nuevos materiales.


elpais.com
 




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Bocetos salvados por Luis XIV

CaixaForum exhibe los delicados cartones que el artista Charles Le Brun usó en la decoración de Versalles



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De izquierda a derecha: La directora de la Fundación CaixaForum, Elisa Durán, y la comisaria de la muestra, Bénédicte Gady.

Con apenas 15 años, Charles Le Brun (París, 1619-1690) ya era un favorito del Cardenal Richelieu, quién le había encargado algunos trabajos y estaba encantado con ellos. En la Francia de Luis XIV todo aquel que aspirara al reconocimiento artístico tenía que pasar por la corte. Le Brun lo sabía. En su taller le consideraban autoritario, pero había nacido para ser reconocido y llegó a ser el primer pintor del rey.

Dibujar Versalles nos adentra en el momento previo a lo que fue la decoración del Palacio de Versalles a través de 74 obras, entre ellas 22 dibujos y 36 cartones, algunos inéditos, que estarán en Caixa Forum Madrid hasta el 19 de junio. Piezas tan frágiles que una vez terminada la muestra, volverán a ser guardadas durante cinco años antes de poder volver a ver la luz, para evitar su deterioro.

La historia de los cartones y dibujos empieza cuando Luis XIV decide trasladar las cortes de París a Versalles y le encarga a Le Brun a decoración del nuevo Palacio. Durante los 20 años previos al traslado, Le Brun estuvo al mando de centenares de artesanos y artistas que trabajaron bajo sus órdenes. “Los cartones preparatorios, que estaban hechos a escala natural, eran destruidos”, cuenta Elisa Durán, directora de Caixa Forum Madrid. “Pero en este caso, se requisaron y pasaron a integrar la colección real. Se conservan 350 de un fondo de más de 3.000 dibujos que formaban parte del taller del artista y que se han conservado en el Louvre hasta hoy”.

“Además de lo artístico queríamos hacer una investigación científica”, dice la francesa Bénédicte Gady, comisaria de la exposición y colaboradora científica del Departamento de Artes Gráficas del Museo de Louvre, que estuvo en la presentación. “Los cartones que se exhiben permiten saber cómo trabajaba el artista. El material sobre el que están hechos los dibujos era considerado una herramienta de trabajo para calcar o transferir, con puntos, los contornos de los modelos sobre las paredes y sobre las bóvedas. Se desechaban una vez terminada. Fue gracias a que Luis XIV mandó requisar los bocetos de Le Brun, que existen”.

El que algunos dibujos hayan estado más de 300 años sin ver la luz, ha hecho que el trabajo de restauración se haya convertido en una hazaña. La también francesa Valentine Dubard ha liderado al equipo de 20 especialistas que durante dos años ha trabajado en su recuperación. “Entre los cartones pudimos observar distintos estados de conservación. Había algunos cartones que habían quedado tal como habían entrado en la colección del rey: enrollados y doblados. Esos cartones sufrieron alteraciones y desgarros. Al ser bocetos que muchas veces se utilizaban como plantillas, había que dejarlo evidente, sin borrar los rastros”.

Otro de los problemas que encontraron fue el transporte, “como no podíamos enrollarlos, hemos tenido que traerlos extendidos. Para eso utilizamos una técnica japonesa que se usa para secar grandes pinturas”, agrega Dubard. “Consiste en hacer una especie de portafolios con estructura de madera acolchada cubierta de poliéster que permite mover los cartones en posición vertical. Eso también nos permitirá conservarlos en los almacenes del Louvre y facilitará su consulta por parte de los investigadores”.


elpais.com
 




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Le Brun ante el espíritu Versalles

'Las diferentes naciones de Europa', de Charles Le Brun.



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El Palacio de Versalles era para Luis XIV su espejo. El reflejo de esa monarquía a la que le sobraba poder y le faltaba coherencia. Era el rey absoluto y así quería que fuese su residencia. Pasó por grandes chateaux parisinos, pero era incapaz de sentirse cómodo en ninguno. Soñó Versalles y sus amantes se encargaron de hacer volar su imaginación. Pensó en todo y sobre todo en Charles Le Brun.

El francés era el pintor de la corte y se convirtió en un ingeniero que debía otorgar a cada estancia la magnitud de su dueño. Generó dibujos inmensos, trabajó con un equipo infinito y ahora observamos la base de la obra de arte que anhelaron todas las monarquías europeas. Fue el que dio vida a la escalera de embajadores y a la galería de los espejos.

Ahora, CaixaForum Madrid presenta una exposición con los cartones y dibujos que Le Brun realizó para el Palacio de Versalles en el siglo XVII y que el Museo Louvre guardaba con recelo. Dibujar Versalles. Charles Le Brun (1619-1690), que se puede visitar hasta el 19 de junio, acoge 74 obras: 36 cartones, 22 bocetos, 14 grabados y un óleo.

"Muchos de ellos no habían visto la luz y llevan dos años bajo las manos de 20 restauradores. Esta exposición es única porque después de pasar por Madrid regresan a París de donde no podrán salir en 5 años", explica Elisa Durán, directora de CaixaForum Madrid.

Su estado impide que se expongan más de tres meses seguidos, por lo que las obras que componían esta exposición en el CaixaForum de Barcelona son distintas a las que ahora se presentan en la capital. "Su estado es tan frágil que no se expondrán ni en la muestra que el Louvre le va a dedicar al pintor en mayo".

Todos cuentan un método, una manera de trabajar desconocida que servía de base a través de calcos, o de puntos, para generar la obra final. "Cumplían con su función y luego se destruían, pero Luis XIV los requisó y los integró dentro de la colección real. Muy pocos se conservan en la actualidad".

Pero más que la grandiosidad de Versalles, esta exposición quiere consolidar el virtuosismo de Le Brun como dibujante y su talento en la construcción de escenas. "Una de sus obras más llamativas, la escalera de embajadores, disponía de un espacio muy estrecho y de poca luz. Le Brun le dió fondo y consiguió que la iluminación pareciese mayor de lo que era", asegura Bénédicte Gady, comisaria de la exposición y colaboradora científica del Departamento de Artes Gráficas del Louvre.

"Tenemos que tener presente que no son obras de arte, son herramientas de trabajo; pero el paso del tiempo las ha convertido en algo excepcional", añade Gady. Además, al restaurar estos cartones se han descubierto nuevos dibujos en el reverso. Algo poco común en la época. Le Brun cambió la acción, modificó el movimiento, o la mirada, y ahora vemos las dos versiones, las dos caras de lo que luego formaría la Galería de los espejos o la escalera de embajadores.

"Hay que tener en cuenta que esta segunda estancia, que se creó para impresionar a los huéspedes de Luis XIV, se destruyó en el siglo XVIII y las conocemos por grabados y por copias. Estos cartones nos dan más información sobre ella". También sobre la galería de los espejos, donde Le Brun narró las hazañas del rey otorgándole el único poder absoluto, el divino.


Pintor absoluto

Poco se sabría de Charles Le Brun si el cardenal Richelieu no le hubiese echado el ojo con tan solo 15 años. Le apadrinó, dando a su talento la visibilidad necesaria para ser apreciado. Pasó por Roma donde conoció a Rafael. La técnica del italiano la hizo propia al volver a París donde, gracias al apoyo del rey, fundó la Real Academia de Pintura y Escultura. Sus pinturas se convirtieron en el referente del arte en Francia, todo llevaba su sello. Pero fue su cuadro Alejandro y la familia de Darío, el que conquistó a Luis XIV y le llevó a ocupar el puesto de Pintor de la corte. A partir de ahí, todo. Cada uno de los palacios que se construían llevaban su nombre en las paredes, en los techos. Muchos dijeron que el arte de Francia, en aquella época, bailaba a sus órdenes. Lo definieron como dictatorial, un pintor absoluto. Y llegó Versalles, donde convirtió un reinado en una obra de arte. Murió sin acabarlo, dicen que de una enfermedad alimentada por un cambio de superintendente de obras públicas que no apreciaba tanto a Le Brun como el anterior.


elmundo.es
 




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El 'Prado norteamericano'

La Phillips Collection de Washington aterriza en CaixaForum con 'Impresionistas y modernos'



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'Bailarinas en la barra' de Degas.

«En este Prado norteamericano no puede haber sino las mejores obras». Lo escribió Duncan Phillips, rico empresario, coleccionista y uno de esos filántropos como sólo puede haber en Estados Unidos, tras comprar una de esas obras capitales con las que se escribe la historia del arte: El almuerzo de los remeros (1880-1881) de Auguste Renoir. Era diciembre de 1923 y ya hacía cinco años que había fundado la Phillips Memorial Art Gallery, el primer museo de arte moderno de Washington. Duncan Phillips codiciaba El almuerzo de los remeros desde que la vio en su primer viaje a París, cuando tan sólo tenía 25 años, en el domicilio del marchante Paul Durand-Ruel. Y se pasó 10 años obsesionado con esa obra (como el anciano de Amélie, el hombre de cristal que pinta una y otra vez el lienzo de Renoir para descubrir todos los secretos que esconden sus personajes).

Una década después de verla, Phillips consiguió adquirir esa obra magna de Renoir -por 125.000 dólares de la época- para exponerla en su museo de Washington. Y aunque El almuerzo de los remeros no sale del museo, sí lo han hecho otras dos joyas que Phillips también descubrió en París:el delicadísimo Bailarinas en la barra (1900) de Edgar Degas y el fascinante El ballet español (1862) de Edouard Manet, «un eslabón importante de una cadena que empieza con Goya y que llega hasta Gauguin y Matisse», en palabras del propio Phillips que, por supuesto, también consiguió comprar una pintura de Goya en 1936 (San Pedro penitente) y varios Matisse para su Prado norteamericano.

Para ver su Greco o ese codiciado Renoir hay que viajar hasta Washington. Pero CaixaForum muestra otras 60 joyas en la exposición Impresionistas y modernos. Obras maestras de la Phillips Collection, que sólo se verá en tres ciudades europeas:Roma, Barcelona (donde permanecerá hasta el 19 de junio) y Madrid.


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'Corrida de toros' de Picasso.

Hoy, la Phillips Collection atesora la ingente cantidad de 4.000 obras que van del siglo XV hasta los expresionistas americanos, de los impresionistas franceses a la fotografía contemporánea. Para establecer una comparación:la National Gallery de Londres posee unas 2.500 piezas en su fondo. Duncan Phillips descendía de una adinerada familia dedicada a la industria del acero y no fue un coleccionista al uso. Estudió pintura, fue crítico de arte y se casó con la artista impresionista Marjorie Acker. Phillips formó parte del primer patronato del MoMA (en 1929) y hasta el final de su vida estuvo volcado en su museo:falleció en 1966, a los 80 años, poco después de supervisar el montaje de una exposición dedicada al pintor abstracto Arthur Garfield Dove.

Impresionistas y modernos es un paseo por la historia que se abre con La pequeña bañista (1846) de Ingres, una de sus sensuales odaliscas de pequeño formato. Una exquisitez. Como también lo son Caballos saliendo del mar (1860) de Delacroix, una marina romántica llena de tensión; Vista desde los jardines Farnese. Roma (1826) de Camille Corot o El Mediterráneo (1857) de Gustave Courbet, todas ellas en la primera sala dedicada al Claisicismo, romanticismo y realismo.Tras este prólogo digno del Louvre (en el que también se muestra El ballet español de Manet), el espectador entra en territorio impresionista, como si deambulara por las orillas del Sena y llegara al Musée d'Orsay, donde están Sisley, Monet, Cézanne, Degas y... Van Gogh con Casa en Auvers, un lienzo que pintó en 1890 tras ingresar en el psiquiátrico de Saint Rémy y sólo seis semanas antes de suicidarse. Duncan Phillips adquirió el cuadro en 1952: un trigal verde que se extiende hasta una casa de campo y que para Phillips tenía un gusto entre «japonés y gótico».


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'La pequeña bañista' de Ingres.

La exposición sigue en el París de las vanguardias (ahora el espectador salta al Pompidou): Picasso, Modigliani, Juan Gris, Georges Braque, Raoul Dufy... El expresionismo (sobre todo americano, a destacar el bello Motivo de hojas de Georgia O'Keeffe o el Pollock) y la abstracción (ahí está la lírica de Kandinsky) cierran el viaje. El prólogo, a cargo de Mark Rothko: Sin título.


elmundo.e
 




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El British Museum lanza un mensaje europeísta en una muestra en Madrid

CaixaForum y la institución londinense inician su colaboración con una exposición sobre los lazos culturales en la Edad Media que disipa las tinieblas sobre el periodo histórico



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Exposición de la Edad Media en Europa en el museo Caixaforum. / CARLOS ROSILLO | EPV

Una de las piezas ahora más célebres de uno de los museos más populares del mundo es un pequeño rey de marfil. Y debe su fama, sobre todo entre los niños, al fenómeno editorial de Harry Potter, que citaba en uno de sus libros esa pieza de ajedrez tallada entre 1150 y 1200, muy probablemente, en Noruega, si bien fue hallada en Escocia. Pertenece a la colección del British Museum, pero su espesa barba y su aparente quietismo, quebrado por la actitud alerta de sus manos sobre la espada que descansa en su regazo, se pueden contemplar desde este miércoles en la sede de CaixaForum de Madrid. Forma parte de la exposición Los pilares de Europa. La Edad Media en el British Museum y se organiza en virtud del acuerdo firmado hace un año por la Obra Social de La Caixa y la institución londinense, gracias al cual la primera exhibirá hasta cuatro grandes muestras con los préstamos de la segunda hasta 2020.

El estreno de esta colaboración contó este martes con la cúpula del British Museum, representado por el presidente de su patronato, Richard Lambert, y su director, el alemán Hartwig Fischer. Ambos, en la resaca del Brexit, hicieron una profesión de fe europeísta, tanto en la explicación de la exposición, cuya tesis defiende los lazos comunes culturales entre los distintos pueblos del continente y rechaza las sombras tenebrosas que se suelen arrojar sobre la Edad Media, entre los años 400 y 1.500, como en las respuestas a los periodistas. 

Lambert incidió en que la exposición explora los "valores compartidos" y el "legado común" del continente a través de 263 piezas, 244 del British Museum y 19 del Museo Arqueológico Nacional (MAN), el Museo Nacional d'Art de Catalunya y el Museu Frederic Marès. El mundo caballeresco, el amor cortés, el nacimiento del orden feudal, la monarquía, la liturgia religiosa, la corte o la vida urbana  dividen el espacio expostivo concebido como una escenografía impactante, en la que conviven las pequeñas piezas, como las puntas de flechas de la batalla de Barnet, de 1471, de la Guerra de las Dos Rosas (que enfrentó a la casa de los Lancaster con la de York), y proyecciones ampliadas de frisos o relieves.
 
Hay toda clase de armas y armaduras y predominan los pequeños objetos (baldosas, colgantes, cofres, estuches, joyas, letras de latón) que permiten, sin embargo, recorrer un largo periodo de la historia de Europa, “algo muy importante en estos tiempos”, subrayó el presidente del British. De sus palabras parecía desprenderse un lamento personal, le sugirió un periodista. Lambert le dio la razón, mientras sonreía.
Con el ‘Brexit’ al fondo.

Tanto él como la comisaria Naomi Speakman reiteraron la idea de que la exposición pretende modificar el estigma de la Edad Media como “la edad de las tinieblas”. El director del British añadió que, a pesar de sus alteraciones, no se trata de una etapa de “ruptura” sino de un momento de “continuidad”, muy rico en intercambios culturales, sociales y comerciales. Un gran mapa de Europa, con sus distintos pueblos a través del tiempo recibe al visitante.

Los pilares de Europa se llama la exposición, abierta en Madrid hasta el 5 de febrero. Su presentación fue derivando hacia cuestiones europeas y políticas de actualidad. En un tono más serio, Hartwig Fischer puntualizó que “Reino Unido quiere irse de la Unión Europea, no de Europa”. Y en cuanto a lo que implicará la salida de la UE, “es pronto para decir lo que ocurrirá”, respondió, si bien dijo que habrá secuelas,, “seguro”, y se conocerán conforme se desarrollen las negociaciones. “La identidad europea es compleja” y “vivir en complejidad es algo profundo y precioso”, agregó.
 
El estreno de esta colaboración contó con la cúpula del British Museum, representado por el presidente de su patronato, Richard Lambert, y su director, el alemán Hartwig Fischer.

En cualquier caso, el British “es un museo del mundo para el mundo”, recordó, en alusión a las reclamaciones de países como Grecia sobre las esculturas y frisos del Partenón que exhibe el centro. Recordó que, desde su apertura al público en 1759, el museo ha recopilado objetos del mundo para su divulgación, y que esa riqueza de las culturas representadas es única y su acceso es gratuito para todo el mundo.

La directora general adjunta de la Fundación Bancaria La Caixa, Elisa Durán, incidió en el carácter europeo de la muestra y recordó que se realizarán tres exposiciones más hasta 2020, que versarán sobre la Grecia antigua, el Egipto de los faraones y la idea del lujo en la antigüedad.



Exposición de la Edad Media en Europa en Caixaforum

Lambert incidió en que la exposición explora los "valores compartidos" y el "legado común" del continente a través de 263 piezas, 244 del British Museum y 19 del Museo Arqueológico Nacional (MAN), el Museo Nacional d'Art de Catalunya y el Museu Frederic Marès


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El estreno de esta colaboración contó con la cúpula del British Museum, representado por el presidente de su patronato, Richard Lambert, y su director, el alemán Hartwig Fischer.


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Ambos, en la resaca del Brexit, hicieron una profesión de fe europeísta, tanto en la explicación de la exposición, cuya tesis defiende los lazos comunes culturales entre los distintos pueblos del continente y rechaza las sombras tenebrosas que se suelen arrojar sobre la Edad Media, entre los años 400 y 1.500, como en las respuestas a los periodistas.


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El presidente del British Museum incidió en que la muestra relata la historia de Europa, algo "muy importante en estos momentos", que llevará a cambiar la opinión de la Edad Media como "la edad de las tinieblas".


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Preguntado por el Brexit y por la lectura que puede tener la exposición respecto a este asunto, el presidente del patronato del British Museum, Richard Lambert, considera que Reino Unido y este museo tienen en cuenta "el legado común y estos valores compartidos", palabras con las que ha dejado ver su lamento personal respecto a este tema.


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Hartwig Fischer puntualizó que "Reino Unido quiere irse de la Unión Europea, no de Europa".


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En cualquier caso, aseguró que la misión del British Museum será "la misma": "Es un museo del mundo para el mundo". Tal y como ha recordado, desde su inauguración en 1759, ha recopilado objetos del mundo para su muestra y divulgación, y la riqueza de las culturas representadas es única y accesible para todo el mundo.



elpais.com / CARLOS ROSILLO
 




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Exposición medieval en el British Museum


CaixaForum: Los cimientos de Europa

CaixaForum estrena en Madrid su acuerdo con el British Museum acogiendo una exposición que recorre los 1.000 años de la Edad Media para dibujar 'Los pilares de Europa'.

La muestra cuenta con 250 piezas, de las que algunas abandonan por primera vez el perímetro de la institución británica.




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Estatuilla de un caballero (1375 - 1425). The Trustees of British Museum

La Historia demuestra que no existe regeneración sin trauma y antes de que todo esto se llamase Europa hubo, casi en el mismo lugar, un Imperio. El romano. Nosotros somos, de algún modo, la consecuencia de su degeneración. No es mal atributo para fundar lo nuevo. Y lo nuevo es un conjunto de países asentados en un territorio convulso que desde la Edad Media fue espigando hasta tomar forma en lo que hoy vemos (y que algo dice que quizá no será igual a como lo conocimos un par de generaciones).

Europa es, exactamente, el resultado de muchas convulsiones juntas. Y de ahí esto de ahora, que comenzó a tomar contorno en la Edad Media (casi 1.000 años) y que desembocó en uno de los periodos con más 'sex appeal' de la Historia moderna: el Renacimiento italiano y la Reforma protestante. De tanto como fue quedan las huellas y los mapas, pero también una condición inquietante de espacio de batallas, de vieja tierra cansada de cosechas. Europa es un renacer que va perdiendo luz. Pero el British Museum y CaixaForum Madrid echan la vista al primer destello de este concepto mal abrochado con una exposición, 'Los pilares de Europa. La Edad Media en el British Museum', abierta has el próximo 5 de febrero y de la que son comisarios Michael Lewis y Naomi Speakman.

Una expedición desde el 400 al 1500 d.C. Una ventana que se asoma al rastro de la élite dominante y las 'invisibles' clases populares. Más de 260 objetos entre pinturas, grabados, escultura y utensilios que permiten seguir el itinerario de una ¿civilización? (quizá no tanto) forjada en la guerra, la conquista, la intriga y la voluntad de descubrimiento y posesión. "Lo que se concibió durante mucho tiempo como una edad oscura fue, en realidad, una época de grandes talentos artísticos y de desarrollo cultural", sostiene Sir Richard Lambert, presidente del consejo del British Museum. Y es que los niveles de la sociedad experimentaron grandes cambios. Aunque sin olvidar que fue un tiempo con fuerte carga siniestra, de luchas y supersticiones, de miedo e ignorancia. Pero lo singular es que en Europa nunca hay nada seguro, todo se confeccionó con algo de especulación y de paisaje indeterminado.

Aún hoy el término 'medieval' apela a barbarie. "Pero la realidad es otra: la estructura social europea se volvió más definida, con reyes, reinas y príncipes que se hicieron acreedores de una autoridad política absoluta, mientras que la Iglesia romana aumentó su influencia como representante del reinado de Dios en la tierra", sostienen los comisarios de la muestra. "La Iglesia también pretendió el poder político, y recabó el apoyo militar de los gobernantes seglares contra aquellos que percibía como una amenaza contra el dominio cristiano, especialmente los moros y los turcos en la periferia de Europa, lo que se acabaría convirtiendo en una guerra de religión que también incluiría las Cruzadas".

El poder real, la vida en la corte, la vida religiosa y la vida en las primeras urbes echaron a rodar de un modo inédito. Europa se confeccionaba con una herencia de mil razas, una herencia estilística y un juego de ajedrez entre monarcas absolutistas y Papas ilimitados. En un enroque de fronteras. "A medida que aumentaba el poder y el estatus de los gobernantes, las lindes y las culturas iban quedando establecidas con más firmeza, poniendo los cimientos de las naciones-estado europeas modernas. La Iglesia dominaba las vidas y las actitudes diarias, mientras que la expansión de las rutas comerciales, en el interior de Europa y más allá, incrementó los contactos interculturales", explican los comisarios. Pero la realidad más abundante de aquel periodo expansivo, de esto no se dice demasiado, era la pobreza.

La muestra, que también acoge fondos del Museo Nacional de Arte de Cataluña, la Fundación Frederic Marés y del Museo Arqueológico Nacional, reúne algunas piezas que no habían salido antes del perímetro del British Museum, fundado en 1753 y donde se conserva una colección de ocho millones de piezas, de las que se exhiben más de 50.000. En Madrid ha desembarcado un rey del juego de ajedrez de Lewis (1150-1200), encontrado en Escocia. Es un símbolo importante de la civilización europea. De las 93 piezas que conocemos, 82 están en el British, hechas de marfil de morsa. Destaca también el Broche de Wingham (575-625) y la estatuilla de un caballero (1375-1425) que podría representar a san Jorge.

Todos los ámbitos de la sociedad experimentaron transformaciones que llegan hasta hoy. También afianzaron un pálido rebaño de contradicciones. Europa ha sido un cruce de caminos esbozados en esta exposición. Y es a la vez la expresión rotunda de la voluntad de de unirse cumpliendo el deseo o la expectativa de varios países, con el propósito de confeccionar una férula común de modelos en pugna. "La Iglesia dominaba las vidas y las actitudes diarias, mientras la expansión de las rutas comerciales en el interior de Europa y más allá incrementó los contactos interculturales", así dicen Lewis y Speakman.

Pero a la Edad Media le debemos además otros referentes. El pensamiento político avanzaba desde la Carta Magna Libertatum de Juan I de Inglaterra (sancionada en 1215) y de ahí nacieron ideales que hoy son herramienta esencial de las democracias del mundo: el Parlamento (del anglonormando 'parler', 'hablar'), una reunión de representantes del pueblo para debatir, redactar leyes y controlar al Gobierno. Esto hoy, porque en la Edad Media todo se discutía entre un rey y un dios. O entre una corte y una iglesia.

'Los pilares de Europa' dan cuenta de una construcción. Tres generaciones de Europa están en el umbral de asistir a una lenta e incalculable desconexión. El 'Brexit' es el punto de partida. Y a partir de ahí, aquella que fue la primera concepción moderna del mundo occidental tiene una única demanda: ¿sobrevivir?


elmundo.es
 




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Ramón Casas, el Toulouse Lautrec español, llega a Madrid a los 150 años de su nacimiento


El CaixaForum de la capital expone la mayor muestra del modernista catalán, un precursor en España del espíritu libre e irreverente de la bohemia.

'Ramón Casas. La modernidad anhelada' muestra 145 obras del pintor y de sus coetáneos: Toulouse-Lautrec, Rusiñol, Romero de Torres, Sorolla, Picasso...

Autor implicado con el 'nuevo tiempo' y sin necesidades financieras —era hijo de un industrial azucarero—, Casas mostró una sociedad elegante y relajada.




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Exposición Ramon Casas. Obra Social ”la Caixa”  (vídeo sin editar. Material prensa)

Atrevido, bohemio, hedonista y convencido de que vivía a las puertas de un "nuevo tiempo" de modernidad y ruptura de academicismos, el pintor Ramón Casas y Carbó (en catalán el primer nombre de pila se escribe sin tilde) fue uno de los precursores de la nueva sensibilidad que se adivinaba con la llegada del siglo XX. Conmemorando el 150º aniversario del artista (1866-1932), que se celebró en 2016, llega ahora a Madrid la sugestiva exposición Ramón Casas. La modernidad anhelada.

La muestra, en el CaixaForum hasta el 11 de junio, llega a Madrid después de su estreno en el Museo de Maricel de Sitges, donde fue visitada por más de 38.000 personas, y viajará luego al CaixaForum de Palma. Es la exposición más amplia nunca vista en la capital de España sobre un creador fundamental para explicar la exportación del modernismo desde Francia.

Con 145 obras gráficas —pinturas, dibujos y carteles— y 45 fotografías de época, no sólo abarca la producción de Casas, un ecléctico que practicó la pintura, pero también el diseño publicitario —le han llamado por paralelismo el Toulouse-Lautrec español—, sino de algunos de los artistas coetáneos a los que admiró y conoció, entre ellos, además del recién citado, John Singer Sargent, Santiago Rusiñol, Julio Romero de Torres, Joaquín Sorolla, Joaquín Torres García y Pablo Picasso.

Hijo de un millonario industrial catalán que había labrado fortuna con los ingenios azucareros en la Cuba colonial y gracias a una posición económica sin ahogo de ningún tipo, Casas pudo dedicarse a viajar, crear, promover financieramente colectivos de vanguardia —como el fundamental Els Quatre Gats, que tenía su base en el bar del mismo nombre— y disfrutar de la vida.


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La 'Joven decadente', cansada tras una sesión de baile, de Ramón Casas (Museu de Montserrat. Abadia de Montserrat. Donación J. Sala Ardiz)


La musa y amante Julia Perarire, vendedora de lotería

Alcanzó gran repercusión y fama como retratista —sobre todo tras los elegantes óleos que pinto de una de sus musas y amantes, la vendedora de lotería Julia Peraire, a la que mostró ataviada de torera— y recibía encargos de la alta sociedad, a la que mostraba de manera relajada, coqueta y con un leve barniz de picardía o lánguido abandono.

No obstante también fue un avezado observador social, con escenas de masas de gran dramatismo como La carga (1899), donde la Guardia Civil, a caballo y sable en mano, reprime a obreros en huelga, y El garrote vil (1894), donde muestra, desde un punto de vista elevado, el ajusticiamiento público de un joven acusado de asesinato. Casas parece querer huir de los detalles escabrosos, pero el patetismo es aún mayor con la distancia y la enlutada coreografía que representa.


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Ramón Casas Carbó. A los toros, c. 1896 Óleo de Casas de una mujer con mantilla preparada para asistir a una tarde de toros (© Foto: Gabriele Merolli)


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Ramón Casas Carbó. La sargantain, 1907 Los retratos de mujeres pícaras y coquetas fueron numerosos en la producción de Ramón Casas (Círculo del Liceo, Barcelona)


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Ramón Casas Carbó. Baile en el Moulin de la Galette, 1890-1891 Escena de un salón de baile parisino pintada por Ramón Casas, que viajó por primera vez a la ciudad a los 15 años (Museu del Cau Ferrat, Sitges)


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Ramón Casas Carbó. Flores deshojadas, 1894 'Flores deshojadas', óleo de Casas pintado en 1894 (Colección Ruiz Gallardón Albéniz


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Ramón Casas Carbó. Catalineta, 1898 Óleo de Ramón Casas (Colección Masaveu)


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Ramón Casas Carbó. Ámbar y espuma, 1898 Anuncio publicitario de Ramón Casas para Codorníu (Colección particular Codorníu)


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Ramon Casas Carbó. Garrote vil, 1894 Ejecución pública por garrote vil en Barcelona, uno de los óleos 'sociales' más conocidos de Ramón Casas (MNCARS. Museo Nacional Centro. de Arte Reina Sofía, Madrid)


Mujeres emancipadas y activas

Ramón Casas. La modernidad anhelada está dividida en cinco apartados que van desde la pulsión bohemia que llevó a Casas a viajar a París cuando era un adolescente de 15 años, hasta los retratos de mujeres que pertenecen a una clase social que cultivaba el hedonismo y el esteticismo decadente de finales del siglo XIX, pero empiezan a mostrarse emancipadas y activas.

También se incluyen en el recorrido piezas que presentan a Casas como un hombre avanzado en cuyas obras aparecen automóviles, bicicletas y lavabos, que no hizo ascos a dedicarse al cartelismo publicitario y que jamás renegó de la admiración, muy extendida entre su clase social y generación, por la estética japonista.


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Ramón Casas Carbó. Ramón Casas y Pere Romeu en un tàndem, 1897 Casas era un gran amante de las bicicletas. En este dibujo se autorretrata (detrás) en un tándem con un amigo (Fundación La Caixa)


La modernidad llama a la puerta

La muestra subraya que el artista barcelonés fue el pintor que "mejor supo comprender la eclosión de un nuevo tiempo en el que la modernidad llamaba a la puerta". Aunque era notorio y famoso, Casas se encontró en más de una ocasión con dificultades para comercializar algunas de sus obras más atrevidas, porque parte de su clientela era "refractaria" a algunos planteamientos de la modernidad.


20minutos.es
 




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