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MUSEO GUGGENHEIM De BILBAO
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CONCLUSIONES DE LA COMISIÓN DE INVESTIGACIÓN


Varapalo al PNV en las conclusiones de la investigación del 'caso Guggenheim'

La oposición reclama la dimisión de Azkarate a Ibarretxe en el Parlamento vasco




VITORIA.- El PNV ha recibido en el Parlamento Vasco un duro castigo por sus errores en la gestión del Museo Guggenheim de Bilbao. Todos los grupos, incluido uno de sus socios de gobierno, EA, han aprobado un dictamen que señala a la actual consejera de Cultura, Miren Azkarate, como responsable de la falta de celo en su función de control, de avalar actuaciones contrarias a los intereses del museo y de relajar su atención en el manejo de recursos públicos por parte de empleados y gestores.

Las conclusiones de la comisión de investigación que ha abordado la cuestión en los últimos meses, aprobadas con 48 votos a favor y 25 en contra, también señalan a otros cuatro responsables políticos del PNV en el Gobierno vasco y la Diputación de Vizcaya.

PSE, PP y EHAK, todos los grupos de la oposición, salvo Aralar, solicitaron la dimisión de la consejera y portavoz del Ejecutivo de Ibarretxe, Miren Azkarate, que ha estado arropada por éste en todo momento, hasta el punto de que ocupar el asiento de la vicelehendakari para sentarse a su derecha en los bancos del gobierno.

El documento aprobado también reprocha al director del Guggenheim, Juan Ignacio Vidarte, su gestión en los dos asuntos estudiados, el desfalco de medio millón de euros protagonizado por el director financiero, Roberto Cearsolo, y la pérdida de 8,4 millones en una operación de compra de divisas.

La jornada deparará nuevos disgustos a los nacionalistas, porque también está en cuestión la gestión de sus cargos públicos en la puesta en marcha del museo dedicado al modisto Cristóbal Balenciaga, objeto de una segunda comisión de investigación cuyas conclusiones se debaten este lunes.


EL MUNDO
 




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Post Re: MUSEO GUGGENHEIM De BILBAO 
 
La exposición de Murakami reúne en el Guggenheim obras de arte junto a objetos comerciales - La muestra presenta 90 piezas



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El artista japonés financia actividades culturales en su país[/b][/size][/color]

El artista Takashi Murakami (Tokio, 1962) se presento ayer en el Museo Guggenheim acompañado por Kaikai y Kiki, dos de sus creaciones encarnadas en sendos muñecos de peluche. Kaikai y Kiki saludaban, posaban con su creador y se movían conforme a las órdenes que recibían a través de un sistema inalámbrico en una puesta en escena más propia de un parque temático que de la inauguración de una exposición en un museo de arte contemporáneo. Pero Murakami es así: mezcla su formación enraizada en la pintura japonesa tradicional con el manga (cómic) para crear su iconografía, vende obras de arte por millones de dólares a museos y coleccionistas y cuenta con una productora en la que colaboran 300 personas en la creación de objetos que llevan su nombre.
 
Y todo identificado por la firma Murakami, hasta el punto de que la exposición que ayer se inauguró en el Guggenheim se titula ©Murakami. Bajo ese paraguas del copyright Murakami, la exposición reúne 90 obras, entre pinturas, esculturas, instalaciones y películas de animación. También figuran, bien protegidos en vitrinas, los bolsos diseñados por al autor nipón para la firma Louis Vuitton, que sólo en su primer año completo de producción generaron unos beneficios de unos 300 millones de dólares (234 millones de euros).

La empresa creada por Murakami, la Kaikai Kiki Co. Ltd., con el nombre inspirado en los personajes que se repiten en su obra, tiene su sede central en Long Island, en Nueva York. Desde allí Murakami lanza al mundo sus obras de arte, los productos comerciales que en ellas se inspiran, sus películas de animación, organiza sus exposiciones y las colaboraciónes con otras firmas, e impulsa las carreras de siete jóvenes artistas de su país.

El comisario de ©Murakami, el conservador del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles Paul Schimmel, encuentra los antecedentes de la vocación comercial de Murakami en el taller de Rubens, en el que hasta 400 personas colaboraban con "un emprendedor infatigable" para realizar desde tapices a pinturas. Para el comisario, Murakami sigue el camino de combinar el arte y los intereses comerciales que ya exploraron en el arte contemporáneo Dalí, Andy Warhol o Jeff Koons.

Murakami no reniega de la etiqueta de "Warhol japonés" con la que su trabajo se ha difundido en Occidente. Schimmel explica que, a diferencia de Warhol, no toma prestadas las imágenes, sino que hace un "cruce de marcas". "La marca es más valiosa que el objeto individual", recalca. Murakami es el artista japonés de más éxito, pero no sólo se mueve por intereses comerciales. "Pierde dinero financiando actividades para transformar la cultura japonesa", asegura Schimmel.


EL PAÍS
 




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Los lobos de Cai Guo-Qiang toman el Guggenheim


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La manada de 99 lobos de peluche del artista chino Cai Guo-Qiang han asaltado las salas del Guggenheim Bilbao, en lo que supone un fascinante cruce de caminos entre el arte y la investigación naturalista. Guo-Qiang, uno de los creadores emergentes del mercado internacional del arte y un individuo obsesionado por la cosmología, fue el responsable de las extraordinarias colecciones de fuegos artificiales que abrieron y clausuraron los Juegos Olímpicos de Pekín. Su aterrizaje en Bilbao se produce después de haber pasado por el Guggenheim de Nueva York. Allí montó, como ahora a orillas del Nervión, sus inabarcables instalaciones con lobos, con automóviles o con pólvora. Es la explosión creativa de un artista amante de las estrellas, el fuego... y el Guernica, de Picasso.


EL PAÍS
 




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Cai Guo-Qiang muestra en Bilbao la expresividad de la pólvora


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El artista chino Cai Guo-Qiang (1957) ha defendido en Bilbao el uso de la pólvora en sus creaciones por la "espontaneidad" que les otorga y "lo impredecible" de sus resultados, ya que, frente a la faceta destructiva asociada a ese material, el creador valora su capacidad de transformación.

En la presentación de su exposición 'Quiero creer', que desde este martes y hasta el 6 de septiembre se podrá ver en el Museo Guggenheim de la capital vizcaína, Cai se ha definido como una persona "excesivamente racional" que desde el inicio de su carrera ha recurrido a la pólvora por las posibilidades creativas que le otorgaba y la sensación de "falta de control" que le confería.

Por ello, ha usado pólvora que esparce en lienzos blancos y sobre óleos en figuras representativas, que dan lugar a otros cuadros más abstractos, debido al impacto de la explosión que deja zonas ennegrecidas y restos de papel carbonizado, dentro de la primera de las categorías de obras de Cai catalogada por el mismo como "dibujos con pólvora", con los que simboliza la tradición milenaria china.

La muestra de Bilbao presenta también en vídeos sus grandes montajes con pólvora que el artista ha diseñado para conmemorar eventos como los Juegos Olímpicos y otros creados sólo por afán creativo, considerados dentro de la categoría "proyectos de explosión" que para el artista representan la "destrucción creativa".


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El trabajo de Cai Guo-Qiang incluye también grandes instalaciones como 'Inoportuno', que recibe al visitante en el atrio del museo donde cuelgan ocho coches atravesados por hilos de luz, con los que el artista ha querido reflejar los diferentes momentos de un vehículo que va cayendo tras hacer explosión.

En ella, ha indicado, se puede apreciar el concepto del paso del tiempo, relevante para el autor que también se plasma en la instalación titulada 'Patio de la recaudación de la renta de Bilbao', con esculturas de arcillas que se están creando mientras es visitada, por parte de artesanos chinos a los que ha invitado, junto a alumnos de la Facultad de Bellas artes de la Universidad del País Vasco.

La cuarta categoría de obras de Cai Guo-Qiang está compuesta por los denominados "proyectos sociales" a través de los cuales intenta lograr que los visitantes interactúen, con un compromiso de movilización social y un trasfondo de crítica política que está presente en toda su obra.

En su comparecencia, ha pedido que "no se subestimen" los niveles de libertad y los cambios que se están produciendo en la vida del pueblo chino, porque aún tienen graves problemas asociados al régimen de aislamiento político de la época de Mao en la que él creció, pero que "van por buena dirección".

La muestra retrospectiva de este creador se organizó para ser exhibida en el Guggenheim de Nueva York y durante el año en que se celebraron los Juegos Olímpicos en China se presentó en Pekín, en cuyas ceremonias de apertura y clausura participó Cai Guo-Qiang, para cerrar el recorrido de la exposición en Bilbao, dentro de los certámenes dedicadas al arte asiático y que va a coincidir en el tiempo con la del japonés Murakami.


EL MUNDO
 




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Bilbao exhibe el germen del Guggenheim de Nueva York


El Museo Guggenheim de Bilbao muestra a partir del 26 de junio las obras más destacadas de las seis colecciones que dieron origen al museo público neoyorquino del mismo nombre, en una exposición a la que se suman una treintena de piezas de las donadas en 2001 por la Fundación Bohen. De lo privado a lo público: las colecciones Guggenheim exhibirá hasta el próximo 10 de enero más de un centenar de cuadros, esculturas, fotografías y videocreaciones.


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Kandinsky, Picasso... Los visitantes del Guggenheim bilbaíno podrán ver obras destacadas de autores relevantes del arte no objetivo o abstracto, como Kandinsky, Picasso, Juan Gris, Mondrian, Leger, Metzinger y Delaunay. Junto a ellos, se exhiben piezas de destacados autores impresionistas como Cézanne, Gauguin, Manet, Van Gogh, Seurat, Modigliani y el "Violinista" de cabeza verde, de Marc Chagall, que el fundador del Museo Guggenheim tenía en su ático personal en el Hotel Plaza, de Nueva York.

Hasta los años 90. También se muestran obras de autores expresionistas alemanes, uno de los primeros móviles de Alexander Calder y dos cuadros tempranos de Jackson Pollok, comprados antes de que adquiriera relevancia artística por la sobrina del fundador, Peggy Guggenheim, su gran protectora. La muestra se cierra con trabajos recientes -de la década de los 90 del pasado siglo-, procedentes de la donación de la Fundación Bohen, de artistas contemporáneos y todavía vivos, como Sophie Calle, Jac Leiner, Hiroshi Suguimoto y Jane y Louise Wilson.

Coleccionistas. La piezas, procedentes de las colecciones que donaron Solomon R. Guggenheim, Justin K.Thannhauser, Hilla Rebay, Katherine S. Dreier, Peggy Guggenheim y Karl Nierendorf y Bohen, permiten hacer una lectura de los orígenes del arte moderno y de la transición hacia el siglo XXI. La exposición, según sus responsables, pretende "dar una imagen de que la gran colección se forma con la unión de otras" y ofrecer "una lectura transversal", ya que aquí se encuentra parte de lo más representativo de las mismas.

Conjunto heterogéneo. Esta introspección sobre como se formó la colección se presenta en las salas clásicas de la tercera planta del museo bilbaíno. De forma diferencial, la donación más reciente, la de la Fundación Bohen en el año 2001, se ha dividido de forma temática agrupando obras visuales, fotografías y lenguaje como arte visual. Con el objetivo de informar al visitante, cada pieza lleva la fotografía del coleccionista que la donó. Todos ellos forman un conjunto muy heterogéneo pero a la vez hay puntos en común.

Gustos distintos. Las colecciones se forman casi a la vez. La comisaria de la muestra, Tracey Bashkoff, ha explicado en la presentación de la exposición que la propiedad de las obras se solapa, ya que primero pertenecieron a los galeristas Thannhauser y Nierendorf, quienes se las vendieron a Dreier o Solomon Guggenheim. Bashkoff ha destacado que, aunque todos estos coleccionistas tenían gustos artísticos muy distintos, les unía su carácter visionario, ya que todos ellos se centraban en comprar lo que llamaban "el arte del mañana"; es decir, obras de autores que todavía no habían despuntado en sus carreras, pero a los que les auguraban un gran futuro.

Pintura no-objetiva. Fundado en 1937 por la Fundación Solomon R. Guggenheim dedicada al arte moderno, el Guggenheim neoyorquino fue llamado en sus inicios museo de pintura no-objetiva, creado para exhibir arte vanguardista de artistas modernos tempranos como Kandinsky y Mondrian, en una sede diseñada por el arquitecto Frank Lloyd Wright.


EL PAÍS / EFE
 




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Exposición del Guggenheim de Bilbao del arquitecto Frank Lloyd Wright


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La arquitectura de Frank Lloyd Wright destaca por potenciar la calidad de vida con edificios adecuados a su tiempo, al lugar donde se ubican y a las personas que los utilizan, visitan o viven en ellos; además, es relevante por el uso innovador de los materiales y por la integración de los edificios en su entorno y en la naturaleza. Creía firmemente en la importancia de la educación y fundó su propia escuela de arquitectura en su residencia de Taliesin (Spring Green, Wisconsin). Wright fue el principal exponente de la arquitectura orgánica, caracterizada por prescindir de los espacios compartimentados y por proyectar edificios abiertos al exterior mediante cubiertas planas y terrazas, con abundante luz natural e integrados en el entorno.

Frank Lloyd Wright es una exposición del Guggenheim de Bilbao sobre la relevancia del pensamiento espacial de Wright y el gran impacto que éste ha tenido en la organización de la vida moderna. Los más de ochenta proyectos presentes en la muestra abarcan desde encargos privados de casas hasta oficinas, edificios públicos, gubernamentales y religiosos, así como auditorios, teatros y estructuras urbanas nunca ejecutadas que pone de manifiesto una arquitectura que incita a la interacción social y a la interacción con el mundo natural.


Enlace: http://www.guggenheim-bilbao.es/sec..._exposicion=128
 




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Post Re: MUSEO GUGGENHEIM De BILBAO 
 
Rauschenberg despliega sus 'objetos' en el Guggenheim


La muestra supone el 'regreso' del fallecido creador al museo bilbaíno

Estas piezas nacen de su trabajo con materiales recogidos de la basura




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'Primary Mobiloid Glut' (1988), una de las obras de exposición dedicada Rauschenberg en el Guggenheim de Bilbao.

El Museo Guggenheim Bilbao rinde un homenaje póstumo al artista estadounidense Robert Rauschenberg, fallecido en mayo de 2008, con una exposición de 60 obras de su serie 'Gluts', que supone su regreso al centro de arte vizcaíno 11 años después de su retrospectiva.

La exposición temporal, que se inaugurará el próximo viernes y permanecerá abierta hasta el 12 de septiembre, amplía en una veintena de obras de mayor formato la muestra ya exhibida en el museo Peggy Guggenheim, de Venecia (Italia), y en el Tinguely de Basilea (Suiza).

"Volver a presentar su obra en Bilbao, especialmente sus 'Gluts', después de más de una década, no sólo es un privilegio para nuestro público, es también la forma en que los museos Guggenheim, con quienes Rauschenberg siempre tuvo una relación especialmente estrecha, homenajean al artista fallecido en 2008", ha afirmado en una nota el director del Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte.

La muestra, de la que son comisarios David White y Susan Davidson, está compuesta por fondos del patrimonio de Rauschenberg y préstamos de instituciones y colecciones privadas.

Rauschenberg, nacido en Texas en 1925, comenzó la serie 'Gluts' ('Excesos') a mediados de la década de 1980 al quedar impresionado por el abandono de objetos de consumo, desde coches a barriles, y el cierre de negocios en ese estado de EEUU debido a una crisis de la industria petrolera.

Entonces, Rauschenberg comenzó a recuperar chatarra y material de desguace para transformarlos en relieves murales y esculturas, que exhibió por primera vez en 1986 en Nueva York.

La vinculación de Rauschenberg con el Museo Guggenheim Bilbao va más allá de la retrospectiva de 1998, ya que estuvo presente en la inauguración del museo en 1997 y volvió para la apertura de la exposición dedicada a su amigo James Rosenquist, además de que el centro bilbaíno posee en su colección permanente su mayor serigrafía en blanco y negro: 'Barcaza'.


EL MUNDO
 




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Post Re: MUSEO GUGGENHEIM De BILBAO 
 
El Guggenheim Bilbao es el museo español con la entrada más cara


Su tarifa, 13 euros, muy por encima del Prado (8) o el Reina Sofía (4)



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El Guggenheim es el sexto museo nacional más visitado.

El Guggenheim Bilbao es el museo español con la entrada más cara de todos: 13 euros la entrada individual a las grandes exposiciones temporales, según revela un estudio de la revista Eroski Consumer.

Según dicho informe, que incluye una comparación de precios y visitantes anuales de las 38 pinacotecas más importantes de España, esta tarifa está muy por encima de la que cobran otros museos destacados como el Prado, el Reina Sofía y el Thyssen-Bornesmiza (8, 4 y 6 euros, respectivamente).

Dicho estudio indica también que el Museo de Bellas Artes de Bilbao es uno de los cinco españoles y el único de los relevantes del País Vasco que aumentaron sus precios en 2010 al cobrar 6 euros la entrada frente a los 5,5 que costaba en 2009.

En el caso del resto de museos vascos analizados por esta revista, las entradas oscilan entre la gratuidad en el Bellas Artes de Álava y los 8,5 euros que cobra el Chillida-Leku.

El Artium de Vitoria tiene una tarifa denominada "Tu decides" por la que los precios están en función de los deseos del visitante.

En el capítulo de asistentes a los museos en 2009, el estudio revela que el Guggenheim perdió 46.321 visitantes con respecto a 2008, al pasar de los 951.369 de ese año a los 905.048 contabilizados en 2009.

Esta cifra sitúa al museo bilbaíno de la marca Guggenheim en sexto lugar de los museos nacionales más visitados, por detrás de El Prado, el Reina Sofía, que recibieron más de dos millones de visitantes y los catalanes Museu Picasso-Barcelona, Museo Nacional d'Art de Catalunya y la Fundación Joan Miró, que superaron el millón de asistencias.

El Bellas Artes de Bilbao también notó la crisis de espectadores que se registró de forma generalizada en 2009, al pasar de los 223.197 contabilizados en 2008 a los 207.978 del año pasado; es decir, 15.219 personas menos.

Los otros tres museos vascos analizados en este informe, el Ártium, el Chillida-Leku y el Bellas Artes de Vitoria, quedaron muy lejos de estos registros, con 105.000, 60.045 y 15.795 visitantes, respectivamente, en 2009.


EL MUNDO
 




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Post Re: MUSEO GUGGENHEIM De BILBAO 
 
El Guggenheim de Bilbao, faro arquitectónico de las últimas tres décadas


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Ya lo proclamó emocionado y con lágrimas en los ojos el gran arquitecto Philiph Johnson en 1998 cuando acudió a Bilbao de la mano de Frank Gehry a ver en directo lo que entonces se consideró como una revolución en la arquitectura mundial : "El museo Guggenheim de Bilbao es el edificio más importante de nuestra era" dijo Johnson. Más de una década después, ese es el veredicto lanzado también por un grupo de 52 arquitectos influyentes, críticos internacionales y decanos de arquitectura consultados por la revista estadounidense Vanity Fair, que en la edición digital de julio ofrece los resultados de una encuesta en la que se proclama al Museo Guggenheim como el edificio más importante de las últimas tres décadas.

Barbara Isenberg, periodista y autora del libro "Conversaciones con Frank Gehry", un best seller que aún no ha sido publicado en España, aseguró a este diario no sentirse sorprendida del veredicto. Por algo ella pasó casi cuatro años dedicada a escribir las memorias orales de un arquitecto que ya supera los 80 años y que "tuvo muchos problemas para ser aceptado entre arquitectos. En realidad fueron primero los artistas quienes le entendieron. Por algo tituló una de sus primeras conferencias 'No soy raro'" afirmó Isenberg a este diario. "Estoy completamente de acuerdo con la elección. El Guggenheim no solo es esencial desde el punto de vista arquitectónico. También ha sido clave en la evolución de Gehry como arquitecto. Conecta con muchas de las ideas y filosofías que son importantes para él y además lo construyó en un momento en el que tenía una gran confianza en si mismo y en su visión poco convencional de la arquitectura" afirma Isenberg. "Su impacto visual es indiscutible. Y como dijo Thomas Krens (el hombre que como director de la Fundación Guggenheim le encargó el edificio) ni siquiera las mejores fotografías le hacen justicia. Cuando lo ves en directo es inspirador y sorprendente. A mi además siempre me fascinó también el interior, del que se habla mucho menos, con ese atrium central desde el que salen las diferentes salas, al contrario que en los museos tradicionales".

Otro de los edificios de Gehry que se repite en la lista es el auditorio de Los Angeles, de formas similares a las del Guggenheim y construido cinco años después que el museo bilbaíno. Consultado por Isenberg respecto a la elección de sus colegas, Gehry aseguró en The Huffington Post: "De lo que estoy más orgulloso es de que funcione como un museo de arte. Los artistas que yo respeto lo adoran y además resultó ser una buena inversión para el cliente. Se construyó con lo presupuestado -incluso con un poco menos de lo presupuestado- y ha devuelto la inversión a lo bestia. Siempre pienso que podría haber sido un poquito mejor y veo las cosas que podrían ser diferentes. Pero me alegro mucho de los resultados de esta votación. Y yo no me voté a mi mismo!". Sus faros arquitectónicos de los últimos treinta años en cambio son: el Bird Nest Olimpic Stadium de Pekín, de Herzog & de Meuron; el CCTV Building, también en Pekín, diseñado por Rem Koolhaas/O.M.A., la iglesia de Santa Maria en Marco de Canavezes, Portugal, de Alvaro Siza Vieira; la Fundación Cartier de Paris de Jean Nouvel y el MAXXI Museum de Roma de Zaha Hadid.

Pero en la lista de obras más nombradas por arquitectos como Tadeo Ando, Rem Koolhas, Richard Rogers o Rafael Viñoly también abundan los ejemplos de arquitectura que pisa suelo español o que lleva firma española. Entre ellos está el Musac de León, firmado por Mansilla y Tuñón. Además el nombre del arquitecto español y premio Pritzker Rafael Moneo se repite como favorito de algunos de los consultados con obras como el Museo de Arte Romano de Mérida, el Kursaal de San Sebastián y el ayuntamiento de Murcia. Entre los edificios con cimientos en España de arquitectos extranjeros destaca la Caixa Forum de Madrid, diseñada por Herzog & Meuron. Ese edificio es el que propone el crítico Charles Jencks como mejor edificio del siglo XXI, aunque entre los más repetidos como icono de este joven siglo esté el edificio CCTV de Pekín, firmado por el holandés Rem Koolhas.


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Post Re: MUSEO GUGGENHEIM De BILBAO 
 
El Guggenheim Bilbao exhibe la mejor pintura flamenca del siglo XVII


La obra 'El geógrafo', de Jan Vermeer van Delft abre esta exposición

También se verán trabajos de Rembrandt, Rubens, Dirk van Baburen o Hals



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Una mujer, ante 'El geógrafo' de Jan Vermeer van Delft en Bilbao.

El Museo Guggenheim de Bilbao ha abierto sus salas a la pintura de la Edad de Oro holandesa y flamenca con una exposición que incluye 130 obras que abarcan desde finales del siglo XVI hasta principios del XVII y que reflejan el gusto de la elite comercial y financiera de los Países Bajos.

El director general del Guggenheim-Bilbao, Juan Ignacio Vidarte, ha presentado hoy esta exposición junto al director del Städel Museum de Fráncfort (Alemania), Max Hollein, de donde proceden todas las obras, y del comisario de la exposición, Jochen Sander.

Está previsto que la muestra, patrocinada por la Fundación BBVA y que abre el ciclo de otoño del museo bilbaíno, permanezca abierta al público desde mañana y hasta el próximo 23 de enero.


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'El Geógrafo', de Jan Vermeer.

Vidarte ha explicado que la exposición refleja la intención del museo bilbaíno de incluir de manera periódica, cada unos dos años, una muestra clásica que trascienda del marco temporal propio del Guggenheim, especializado en obras de los siglos XX y XXI.

Ha explicado que "La Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca" incluye obras maestras de más de 80 artistas, de la talla de Jan Vermeer, Rembrant, Frans Hals, Peter Paul Rubens, los Brueghel y Jordaens, entre otros, muchas de las cuales se exhiben por primera vez en España.

Vidarte ha agradecido la confianza que ha depositado el Städel Museum en el Guggenheim para traer a España esta colección y ha valorado la "enorme calidad" de la misma.

Hollein ha explicado que el Städel Museum abrió sus puertas en 1816 y que su origen estuvo en la donación de obras realizada por el comerciante y banquero Johan Friedrich Städel (1728-1816), quien dejó patente en su selección el gusto de la elite comercial del momento.

Ha destacado el reto que supone para su museo que obras clásicas sean presentadas en un espacio como el Guggenheim, con un público acostumbrado a un arte moderno, y ha asegurado que este hecho, unido al "elevado nivel de confianza y amistad" con el museo bilbaíno, ha motivado su elección para acoger esta muestra fuera de Alemania.

Por su parte, el comisario de la exposición ha explicado las obras en su contexto y su época y ha indicado que la muestra, en la que predominan los retratos, las naturalezas muertas y los paisajes, refleja una sociedad civil alejada de los gustos de la Corte, que buscaban cuadros para decorar habitaciones de mercaderes y banqueros.

De ahí que la exposición no contenga cuadros de grandes dimensiones, sino de pequeños y medianos tamaños, en los que se recrean los asuntos "más minuciosos" de la vida cotidiana.

"Los cuadros son como documentos de la historia económica" de Holanda, ha asegurado Sander, quien ha puesto de relieve la importancia de los retratos, que reflejan "el orgullo de una sociedad cívica", y de los paisajes como elemento para desarrollar "una conciencia nacional".

"El siglo XVII es el siglo de Holanda en cuanto a economía y cultura y esto se refleja en las obras", ha resumido Sander, quien de entre los cuadros que se podrán ver ha destacado "El geógrafo", una de las obras maestras del pintor holandés Jan Vermeer firmado en 1668, que se muestra en España por primera vez y que es el único que aparece colgado en solitario en una sala.

La exposición ocupa la tercera planta del museo y está dividida en cinco secciones, donde se pueden ver desde bodegones de Brueghel el Viejo ("Ramos de flores en un jarrón de vidrio") y Cornelis de Heem ("Bodegón suntuario con gorriones copulando"), pasando por pinturas de historia de Jacob Jordaens, como "La adoración de los pastores", y "David toca el arpa ente Saúl", de Rembrandt.

También ocupan un lugar destacado los paisajes, especialmente de litorales, como "Fragata disparando salvas de cañón y balandro con mar en calma", de Simon de Vlieger; y los retratos familiares como el "Retrato de Susanna de Vos", de Cornelis de Vos.


EL MUNDO
 




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Post Re: MUSEO GUGGENHEIM De BILBAO 
 
El Museo Guggenheim Bilbao cierra 2010 con un 6% más de visitantes
 

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El Museo Guggenheim Bilbao ha cerrado 2010 con un incremento del 6% en el número de visitantes (956.417) respecto al ejercicio anterior, según ha informado hoy la pinacoteca bilbaína en una nota de prensa.

Estos datos, según el comunicado, superan las previsiones iniciales del museo para 2010, ya que se consideraba que la desfavorable coyuntura económica mundial influiría en la atracción de público.

En cuanto al origen geográfico, la novedad más destacada es el aumento de dos puntos de visitantes extranjeros, situándose en un 62% del total, con un incremento de las personas que proceden de Francia, Gran Bretaña y EE.UU.

Los visitantes procedentes del resto de España representan 25%, y los del País Vasco, un 13%. Ambos colectivos se mantienen en cotas similares a las del año anterior, aunque se han incrementado los visitantes locales en el último trimestre del año -un 11,4 % más que el año anterior- debido, principalmente, a la repercusión de la exposición dedicada al arte holandés y flamenco de la Edad de Oro.


La página web del museo registró un total de 1.091.253 visitas

La página web del museo, por su parte, registró en 2010 un total de 1.091.253 visitas, cerca de un 14% más que en 2009.

En cuanto a los programas educativos que el Museo Guggenheim Bilbao diseña para distintos colectivos, un total de 724.506 personas participaron en alguna de las actividades ofertadas, lo que supone un 26,7% más que en 2009.

Respecto al Programa de Miembros Corporativos incluye en la actualidad a 126 corporaciones y ha sido uno de los más afectados por la mala situación económica global, según el museo.

El Programa de Miembros Individuales, sin embargo, se ha incrementado y ha cerrando el año con cerca de 16.600 amigos, 500 más que en 2009.

Sobre el análisis del impacto económico de las actividades del Museo Guggenheim Bilbao en la economía del País Vasco durante el año 2010, en la nota se indica que ascendió a 212.925.617 euros, lo que implica un gasto medio de 223,97 euros por visitante.

Generación de riqueza

La actividad del Museo Guggenheim Bilbao durante el año 2010 ha supuesto una generación de riqueza de 193.228.895 euros de PIB y esta actividad económica ha supuesto unos ingresos adicionales para las Haciendas Públicas Vascas de 26.315.843 euros, y ha contribuido al mantenimiento de 3.853 empleos, según la misma fuente.

En el comunicado se resalta que, un año más, el Museo Guggenheim Bilbao continúa como líder entre las instituciones culturales europeas en relación a su nivel de autofinanciación, que en 2010 se ha situado en torno al 67%, lo que se traduce en que dos de cada tres euros son generados por el propio Museo


elmundo.es
 




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El Guggenheim revisa la vuelta al clasicismo en la Europa de entreguerras



Las 150 obras expuesta en el El Guggenheim de Bilbao incluyen muebles y vestidos

El comisario resalta que el lenguaje artístico quiso protestar contra el pasado

Algunos de los hallazgos de la vanguardia se incorporaron a las nuevas formas



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Antonio Donghi - Circo (Circo equestre), 1927. Óleo sobre lienzo, 150 x 100 cm. Gerolamo y Roberta Etro, Milán

En paralelo a los acontecimientos políticos que sacudían Europa, la historia del arte sufrió un súbito cambio de dirección al final de la Primera Guerra Mundial. Mientras el continente se recuperaba de la destrucción de la guerra, los artistas iniciaron un movimiento de recuperación de los ideales clásicos y la serenidad en respuesta a las convulsiones estéticas y teóricas de las vanguardias de principios del siglo XX. La exposición Caos y clasicismo. Arte en Francia, Italia y Alemania. 1918-1936 explica en el Museo Guggenheim Bilbao ese retorno al orden en el periodo de entreguerras a través de pinturas y esculturas, pero también con el influjo que tuvo en las artes decorativas, el cine, la fotografía y la moda, lo que sirve para incluir en la muestra varios muebles y vestidos.

El comisario de la exposición, el catedrático de Arte Moderno de la Universidad de Nueva York Kenneth E. Silver, explica que la selección de obras (más de 150, ordenadas por líneas temáticas) quiere recalcar el renacimiento del clasicismo en Europa: "Tras la oscuridad de la guerra, llegó el arte de la luz y la historia".

El lenguaje artístico dominante en las décadas de entreguerras supuso una alternativa a los caminos abiertos por las vanguardias. Silver define ese cambio como "una protesta" contra el arte anterior a la I Guerra Mundial, que tuvo diferencias en los distintos países europeos: fue "anticubista en Francia", "antifuturista en Italia" y "antiexpresionista en Alemania".

La respuesta a las corrientes experimentales, a pesar de su generalización en toda Europa, no significó, con todo, un rechazo total. "Algunos descubrimientos de las vanguardias fueron incorporados a la serenidad y al orden de la nueva modernidad", añade el comisario.


La veta española

Pese a no haberse visto directamente concernidos por la guerra, los autores españoles se sumaron a las corrientes europeas de restauración clasicista. Tras pasar por Nueva York, la muestra de Bilbao suma ahora una veintena de artistas españoles. Junto a las obras de sus coetáneos europeos, figuran pinturas de Aurelio Arteta, José María de Ucelay y Pablo Gargallo, seleccionadas por la comisaria María Dolores Jiménez-Blanco. "Gargallo es un ejemplo perfecto del sentido de esta exposición. Es una bisagra entre el cubismo y el clasicismo, influenciado por el Novecentismo catalán", señaló ante Antinoo (1932), una escultura de hierro.

Silver no tiene dudas al señalar a Picasso, representado por cinco obras en la muestra, como el gran líder de la vuelta al clasicismo. "No sucedieron muchas cosas en las que Picasso no estuviera involucrado", recuerda. "Si no llega a ser por el interés de Picasso por la tradición es muy posible que no surgiera el renacimiento clásico. Su talento le permitió imitar cualquier estilo. Fue el mejor modernista y el mejor clasicista. Otros solo pudieron quejarse".

Caos y clasicismo: arte en Francia, Italia, Alemania y España, 1918-1936, enlace: http://www.guggenheim-bilbao.es/sec..._exposicion=138


Fuente: elpais.com / Luis Alberto García
 




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Del 12 de abril al 11 de septiembre


Sesenta obras de la colección de Dimitris Daskalopoulos llegan al Guggenheim

El museo presenta una selección de obras del coleccionista D. Daskalopoulos


 
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'Cabeza de tomate', de Paul MacCarthy, una de las obras de la exposición. | Efe

Ver más obras: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/...1302525965.html
 
Decía el filósofo griego Nikos Kazantzakis (1883-1957) que la vida es como un "intervalo luminoso" donde el individuo debe convivir con el pleno conocimiento de la inevitabilidad de la muerte. Una máxima sobre la coexistencia de la esperanza y la desesperación en la condición humana que durante más de veinte años le ha servido al coleccionista y empresario griego Dimitris Daskalopoulos como brújula en sus adquisiciones.

El Museo Guggenheim Bilbao retoma ahora este pensamiento para presentar 'El intervalo luminoso: The D. Daskalopoulos Collection', una muestra de 60 piezas de las más de 400 obras de arte contemporáneo que posee Daskalopoulos que, con el patrocinio de Iberdrola, podrá visitarse en la pinacoteca entre el 12 de abril y el 11 de septiembre de 2011.

Una treintena de artistas como Louise Bourgeois, Martin Kippenberger, Paul McCarthy y Kiki Smithi componen así una exposición que, según ha explicado la comisaria Nancy Spector, explora esta "coexistencia de opuestos" y presta especial atención a conceptos como alienación, trauma, identidad cultural o el cuerpo humano.


Incluye piezas de artistas como Kiki Smith y Paul McCarthy

Muchas de las obras exhibidas, en su mayoría instalaciones de gran formato, aluden a contextos políticos o sociales concretos como la Guerra del Golfo, conflictos en Líbano, el problema kurdo o la Guerra de Irak, pero al mismo tiempo abordan cuestiones universales como la dualidad entre la interioridad y la exterioridad, así como la individualidad y el sentimiento de comunidad.

Es el caso de 'Küba' (2004) de Kutlug Ataman (Estambul, 1961), donde cuarenta pantallas de televisión, como si fueran cuarenta salas de estar, recogen los testimonios de otros tantos refugiados kurdos para conformar así una imagen general del problema de la comunidad.

Mientras, en 'Hombre cavernícola' (2002) el artista Thomas Hirschorn (Berna, 1957) construye con cartón y cinta adhesiva una cueva artificial gigante con latas, baldas, pósteres y libros de autores como Noam Chomsky para reflexionar con ellos sobre el concepto de la "sociedad utópica", han explicado los comisarios.

La exposición reúne también varias obras de Kiki Smith (Núremberg, 1954) como 'Lavabo', 'Cuerpoexcremento'y 'Cama con brazos', así como obras de Robert Gober (Wallingford, Connecticut, 1954) en los que los artista toman diferentes objetos domésticos y los aislan de la presencia humana para poner precismante de relieve, a través de su ausencia, la presencia del hombre.

Vídeos, esculturas, instalaciones de gran formato... pero también pintura. A través de la obra de artistas como Paul McCarthy (Salt Lake City, Utah, 1945) , Nate Lowman (Las Vegas, 1979) y Crhis Ofili (Manchester, Reino Unido, 1968), la exposición invita a reflexionar sobre el papel de la pintura en el mundo del arte actual.

En total, una selección de unas 60 obras a cargo de más de una treintena de artistas internacionales procedentes de la colección de Dimitris Daskalopoulos, actual presidente de los empresarios griegos y propietario de una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importante del mundo, con más de 400 obras de 170 artistas que han sido prestadas a más de 120 museos internacionales de Europa y EEUU en los últimos quince años.

Daskalopoulos está embarcado en la actualidad en la búsqueda de un emplazamiento adecuado en Atenas para ser sede permanente de su colección a partir de 2013/2014 donde pretende crear un espacio público que fomente las ideas y promueva la importancia del arte contemporáneo y su apreciación, así como la creatividad de los artistas.


elmundo.es
 




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ANIVERSARIO


Quince años de 'efecto Guggenheim'



El museo celebra su XV aniversario con un año de actividades especiales

Vidarte celebra que la pinacoteca es 'una institución europea de referencia'

Hockney, Oldenburg, Schiele y García Rodero protagonizarán las exposiciones

Visitas VIP, concursos y conciertos se suman a la programación expositiva




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Más de cien exposiciones y catorce millones de visitantes, una colección propia de 124 obras de 70 artistas y un apoyo social en forma de 16.000 amigos del museo y más de 120 miembros corporativos. Es el balance de quince años de historia de un museo que ha dinamizado en Bilbao lo que se conoce como 'efecto Guggenheim' y que, según ha destacado este viernes su director, Juan Ignacio Vidarte, "se ha consolidado como una institución europea de referencia".

El Guggenheim Bilbao celebra sus primeros quince años de vida con el orgullo de los objetivos fundacionales cumplidos, según ha asegurado Vidarte, y con el reto de consolidar lo que ha conseguido hasta ahora, pero también con la voluntad de hacer partícipe de la celebración a la ciudadanía que lo ha aupado al éxito. Para ello ha organizado un programa de actividades multidisciplinares y para todos los públicos que se desarrollarán a lo largo del año 2012.

La situación económica del momento impone la "austeridad", ha señalado Vidarte, y el museo no cuenta con una partida presupuestaria extraordinaria para las celebraciones, pero sí con la colaboración de diseñadores de moda, Basquetour y colectivos como las asociaciones de comerciantes de BilbaoCentro y del Casco Viejo.

Con todos ellos, y con la "colaboración e implicación" de la propia plantilla del museo, según ha resaltado su director, el Guggenheim pondrá en marcha este año un catálogo de actividades que incluirán disciplinas como el arte, la música, la danza, la moda, la arquitectura, las artes escénicas y la gastronomía.

Este calendario de citas extraordinarias se sumará a una programación que estará protagonizada por figuras del panorama artístico actual como David Hockney, Claes Oldenburg o Cristina García Rodero.

Como inicio de este año de conmemoración, el museo organizará el 17 de febrero una noche de fiesta de carnaval que tiene como tema los años setenta y ochenta y que contará con la actuación en directo del grupo The Groovies.

Entre marzo y abril, los seis colegios participantes en el programa 'Aprendiendo a través del arte' desarrollarán la actividad '¡Feliz cumpleaños Museo!', con la que reflexionarán sobre los conceptos de celebración y simbolismo. También a partir de marzo, el museo pondrá en marcha diferentes actuaciones junto con las asociaciones de comerciantes de BilbaoCentro y del Casco Viejo para vincular al museo con estos comercios y contribuir a difundir la efeméride.

A partir de abril, los visitantes podrán descubrir aspectos inéditos de la pinacoteca y del trabajo que se lleva a cabo en ella a diario con las visitas VIP 'No es lo que ves, es lo que sientes', realizadas en colaboración con Basquetour. En mayo, el artista Jeff Koons, el creador de 'Puppy', se unirá a las celebraciones y creará un traje especial para el perro gigante que custodia la entrada al museo.

Camisetas diseñadas por los diseñadores vizcaínos Ailanto, Ion Fiz, J+G, Mercedes de Miguel y Miriam Ocáriz; espectáculos de danza del Dantzaldia y del New York City Ballet; actividades relacionadas con la gastronomía que contarán con la participación de cocineros como Ferrán Adrià y Josean Alija y su equipo del Restaurante Nerua; un concierto de la BOS y de Ainhoa Arteta en junio y un simposio de arquitectura a cargo de la Architectural Association School of Architecture de Londres, entre otras iniciativas, completarán la programación.


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El museo Guggenheim DE Bilbao organizará asimsimo diferentes concursos para implicar a la ciudadanía. Entre ellos, elegirá la mejor fotografía que los visitantes se hayan hecho junto a 'Puppy' y también invitará a los artistas menores de treinta años que trabajen y residan en Euskadi a implicarse con el museo en el certamen 'Muro Guggenheim Bilbao'. Los mejores proyectos, que deberán ser realizados en una jornada en la sala 103B del museo, se expondrán al público.


elmundo.es
 




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El Guggenheim presenta la primera gran muestra dedicada en España al pintor David Hockney



Está considerado el pintor británico en activo más importante

Los paisajes de su Yorkshire natal son el núcleo de la muestra

Del 15 de mayo al 30 de septiembre de 2012 en Guggenheim Bilbao




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Ver vídeo de­ ­lo mejor del artista británico David Hockney llega al museo Guggenheim de Bilbao : http://www.rtve.es/alacarta/videos/...bilbao/1406145/

Como el propio David Hockney, (Bradford, Gran Bretaña, 1937) afirma “vemos psicológicamente” a través del filtro de nuestros recuerdos personales. Y esa, su visión psicológica del paisaje es la que podemos encontrar en todas y cada una de las obras que reúne esta primera gran muestra organizada en España en torno al considerado pintor británico en activo más destacado.

De él la crítica ha destacado su audacia, su energía y su originalidad. También, como ha escrito Inacio Galán, presidente de Iberdrola -patrocinadora en España de la exposición- su "evolución" que la ha mantenido a lo largo de medio siglo "al margen de las corrientes"

La muestra, organizada por la Royal Academy of Arts en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao y el Museum Ludwig de Colonia, lleva por título David Hockney: una visión más amplia .

Tiene como núcleo  los  paisajes inspirados en Yorkshire, su condado natal, realizados a partir del año 2004  y reúne una destacable selección de alrededor de 150 trabajos —pinturas al óleo, carboncillos, dibujos realizados con iPad, cuadernos de bocetos y vídeos digitales—, la mayoría de ellos llevados a cabo en los últimos ocho años.


La naturaleza siempre presente

La exposición también ilustra hasta qué punto la representación del entorno natural ha estado presente a lo largo de toda la carrera del artista, incluso cuando otros motivos centraban su producción.

Una selección de trabajos, desde 1956 —durante sus días de estudiante en Bradford—, hasta 1998, contextualiza sus últimos paisajes, y nos revela la temprana preocupación de Hockney por la representación del espacio, el uso del color y el tratamiento de la perspectiva para reflejar el mundo natural. Ejemplo de estas obras tempranas presentes en la muestra son  Huida a Italia – Paisaje suizo (1962),  y La autopista de Pearblossom, 11–18 de abril de 1986 n.º 1.

También tenemos la oportunidad de ver de cerca sus dos pinturas del Gran Cañón, realizadas en el año 1998, entre las que se encuentra el espectacular paisaje de más de siete metros de largo Un Gran Cañón más próximo (1998).

Del mismo año es Garrowby Hill, 1998, una obra creada de memoria en su estudio a partir de la evocación tras su vuelta a Yorkshire en el año 1997 para pasar tiempo junto a su amigo Jonathan Silver, que se encontraba en fase terminal de una enfermedad.


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Detalle de las pinturas de David Hockney en el Museo Guggenheim Bilbao


Paisajes recientes

A lo largo de las salas clásicas del Museo, punto de arranque del recorrido por la exposición, se exhiben seis conjuntos de obras, creados entre 2005 y 2009, que revelan la profunda curiosidad  de Hockney a la hora de valerse de las distintas posibilidades de representar el paisaje, tanto cuando pinta del natural como cuando utiliza sus recuerdos y su imaginación en el estudio.

La primera sala acoge una amplia serie de óleos y acuarelas de pequeño formato creadas por el artista en los años 2004 y 2005 del natural, tras la publicación en 2001 de El conocimiento secreto: el redescubrimiento de las técnicas perdidas de los grandes maestros, una publicación que teorizaba sobre la influencia que la visión a través de la cámara tuvo en la pintura desde el siglo XV.

Cuando volvió a la pintura tras este período de investigación, Hockney rechazó la influencia de la cámara deliberadamente y salió al campo para pintar directamente lo que veía. Fue un período extraordinariamente prolífico en el que el artista captó numerosas escenas de los paisajes de Yorkshire como Sendero en el trigal, julio (2005) o Vista de Woldgate, 27 de julio de 2005.

Junto a sus acuarelas y óleos se exhibe la representación de una pequeña pista forestal a la que el artista se refiere como “el túnel”, sito en el Este de Yorkshire. La carretera o camino es un motivo recurrente en sus paisajes recientes y es también una reminiscencia de alguna de sus primeras pinturas.

El compromiso emocional del artista con el pasaje de su niñez y juventud queda también patente en las series de obras El bosque de Woldgate  y Árboles de Thixendale, creadas entre los años 2006 y 2008.

La última sala nos muestra una representación del ciclo de la naturaleza al completo, por medio de una serie de obras creadas por Hockney, tanto del natural y de memoria, como en el estudio a partir de su imaginación: desde el grupo llamado El espino en flor (Hawthorn Blossom), donde anticipa la llegada de la primavera por medio del florecimiento del espino blanco, hasta la serie Árboles y tótems, en la que obras como Tala de invierno (2009), de más de 6 metros de ancho, muestran a los árboles ya talados, sin vida.


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Otro detalle de las pinturas de David Hockney en el Museo Guggenheim Bilbao


La llegada de la primavera

Dominando una de las enormes e irregulares salas del Museo se despliega la monumental La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire en 2011 (dos mil once).

Este glorioso homenaje a la naturaleza es una instalación compuesta por una gran pintura de 32 lienzos rodeada por 51 dibujos realizados con iPad e impresos sobre papel que registran la transición desde el inverno hasta el final de la primavera en un pequeño sendero de East Yorkshire, y en la cual se puede apreciar la experiencia de Hockney en el diseño de escenografías para ópera.

De 'El sermón de la montaña' a 'un mensaje más amplio'

En una sala de paredes curvilíneas del Guggenheim envuelve al espectador el deslumbrante óleo de más de siete metros de largo titulado Un mensaje más amplio ( 2010). En diciembre de 2009, durante una visita a The Frick Colección en Nueva York, Hockney se sintió atraído por la obra El sermón de la montaña, pintada en el año 1656 por el artista francés Claude Lorrain.

Posteriormente, el artista realizó una transcripción de aquella pintura a tamaño real y, después, una serie de estudios, algunos muy fieles al original y otros más estilizados.

El proyecto culminó en el óleo sobre 30 lienzos titulado Un mensaje más amplio. Aunque mucho mayor que el original, esta obra conserva la composición de la de Lorrain, pero, al aplicar su propia técnica, Hockney transforma el tema en una pieza monumental, que trata del artificio existente en la representación del espacio.


Cuadernos de apuntes y películas

Los cuadernos de apuntes proporcionan una magnífica visión de la inspiración que subyace a muchas de las pinturas de la exposición y a su composición.

Asimismo, se muestra el interés del artista por las nuevas tecnologías a lo largo de su carrera: desde su temprano empleo de la cámara Polaroid, su incorporación innovadora de la fotocopiadora a color, el uso del iPhone y el iPad.

Además ese interés es especialmente evidente en una serie de nuevas películas producidas usando hasta 18 cámaras, que se exponen sobre múltiples pantallas, evidenciando el uso de las técnicas que ha desarrollado en sus pinturas en el formato videográfico.



’David Hockney, una visión más amplia’ en el Museo Guggenheim Bilbao


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Pintura banal, (1964). Obra de David Hockney


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'La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire, n. 1' (abril de 2011, dibujo realizado con iPad e impreso en papel. Obra de David Hockney


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Del invierno a la explosión primavera. El artista compone enormes lienzos formados con decenas de piezas. En la imagen, 'La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire, n.2' (2011)


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’Túnel con nieve en invierno, marzo 2006’ óleo sobre lienzo de David Hockne


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’El gran espino’, 2008,Óleo sobre nueve lienzos. Obra de David Hockney


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La carretera que atraviesa los Wolds, (1997), óleo sobre lienzo. Obra de David Hockney


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La autopista de Pearblossom, 11-18 de abril de 1986 nº1 (collage fotográfico). Obra de David Hockney


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El sermón de la montaña II (según Claudio de Lorena)’, 2010, Óleo sobre lienzo. Obra de David Hockney


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’7 de noviembre, 26 de noviembre de 2010, bosque de Woldgate, 11.30am y 9.30 am’-Fotograma de vídeo digital. Obra de David Hockney


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’El bosque de Woldgate, 21, 23 y 29 de noviembre de 2006’, Óleo sobre seis lienzos. Obra de David Hockney


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'La llegada de la primavera', óleo de 2011 formado por 32 piezas. Obra de David Hockney


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’Tala de invierno’, 2009, Óleo sobre quince lienzos. Obra de David Hockney


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Túnel más próximo, en inverno, marzo’, 2006, óleo sobre lienzo. Obra de David Hockney



Fuente: rtve.es



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David Hockney, (n. 9 de julio de 1937) es un artista inglés, que vive en Los Ángeles, California. Es un importante contribuyente del Pop Art inglés de los años 1960. Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del s. XX.


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David Hockney. 'A Bigger Grand Canyon' 1998 oil on 60 canvases, 81 x 291 in. overall

Su web: http://www.hockneypictures.com/home.php



 

Francamente es un artista muy interesante, casi no lo conocía, pero David Hockney tiene una obra de lo más original, creo que en unos años, sus composiciones se revalorizarán y sus obras batiran récords de ventas.
 




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Post Re: MUSEO GUGGENHEIM De BILBAO 
 
La muestra incluye desde acuarelas a videos rodados con nueve cámaras


El regreso a casa de Hockney


Una exposición reúne expone los paisajes de Inglaterra que ha pintado en los últimos años. 50 obras están hechas con iPad



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El pintor David Hockney, ayer, ante la pieza central de obra 'La llegada de la primavera en Woldgate en 2011', expuesta en el Guggenheim.

David Hockney (Bradford, 1937) se marchó de Inglaterra con 24 años y se estableció en Los Ángeles, cautivado por la luz y la vida en la soleada California. El nombre de Hockney quedó unido a los paisajes de cielo azul y brillantes piscinas de su nuevo hogar, en los que siempre parece verano. Cada año visitaba Inglaterra, pero regresaba pronto a América, hasta que en 1997 la enfermedad de un íntimo amigo le mantuvo en Yorkshire, rodeado otra vez de los campos y los árboles de su infancia. Su pintura empezó a fijarse en los prados ondulados, en los bosques y en los cambios que sufrían en cada estación del año. Cuando la Royal Academy of Arts, de Londres, le propuso organizar una gran exposición, Hockney eligió plasmar los paisajes de Yorkshire, su condado natal. Allí montó un estudio y paso horas y horas observando el entorno y pintando al aire libre. El resultado del trabajo que le ha ocupado en los últimos ocho años compone la exposición David Hockney: una visión más amplia, que hoy se abre al público en el Museo Guggenheim.


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La obra 'Un mensaje más amplio', una de las pinturas que conforman la exposición de David Hockney en el Guggenheim Bilbao


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Una muestra de las 51 piezas realizadas con Ipad como complemento del lienzo 'La llegada de la primavera en Woldgate'

La comisaria de la exposición, Edith Devaney, responsable de proyectos de arte contemporáneo de la Royal Academy, recuerda que en su regreso al paisaje del este de Yorkshire, en el norte de Inglaterra, empezó a pintar con acuarela, como hacía en los años 60. Fue el despegue de una apasionada dedicación a plasmar paisajes directamente del natural, con una fila de tres caballetes que sostenía dos lienzos cada uno y le permitían abrir su ángulo de visión. Su interés por el mundo natural no apareció por sorpresa en la madurez, sino que ha sido una constante en toda su carrera. La exposición lo demuestra con una sala dedicada a obras anteriores, en la que entre otras obras se muestra su célebre paisaje del Gran Cañón del Colorado.


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La obra en seis lienzos 'Tres árboles cerca de Thixendale', de David Hockney


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Otra de las obras del británico David Hockney inspirada en las interminables estaciones; 'Tunel más próximo, invierno'

Cubierto con una gorra blanca y caminando con un bastón, Hockney tiene a sus 74 años el aspecto de un inglés retirado. Su actividad ha sido, sin embargo, frenética. Cuando el óleo no fue suficiente empezó a experimentar con el Iphone y el Ipad, “herramientas fascinantes”, en palabras del artista. La obra central de la exposición La llegada de la primavera en Woldgate está formada por 32 lienzos que componen un paisaje gigantesco y 51 impresiones de vistas que pusieron a prueba el talento de dibujante de Hockney sobre la pantalla del Ipad. La pintura al aire libre, el trabajo en el estudio y las nuevas herramientas no agotaron el caudal creativo del artista. La última sala de la exposición esta dedicada a las grabaciones en vídeo, con un sistema de nueve cámaras que inciden en el tema que recorre toda la exposición.


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A la izquierda, la obra 'Tunel más próximo, otoño', y a su lado 'Invierno', ambas parte de la exposición dedicada al pintor británico David Hockney


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Una de las obras de la retrospectiva dedicada a David Hockney en el Guggenheim Bilbao, 'Double East Yorkshire', de 1998

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Tres imágenes de la obra 'Parque de Yosemite', del pintor británico David Hockney, en el Museo Guggenheim Bilbao


Hockney ha logrado la consideración de ser el artista vivo más importante del Reino Unido. No parece importarle. “Estoy muy ocupado para tenerlo en cuenta”, dijo ayer.


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'El camino que cruza los Wolds', de 1997


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'Bajo los árboles, más amplio', óleo pintado en 2010 y 2011, compuesto por 20 lienzos


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El pintor británico David Hockney visita su exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao el 15 de mayo de 2012.



Enlaces interesantes


Hockney pinta con iPad 50 paisajes de la campiña inglesa: http://cultura.elpais.com/cultura/2...936_820250.html

Hockney cambia el sol por los bosques: http://cultura.elpais.com/cultura/2...005_115556.html



elpais.com
 




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Desolación Schiele en Bilbao


El Guggenheim exhibe los sobrecogedores dibujos del expresionista austriaco

El centenar de obras procede de la colección del Albertina de Viena




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Una visitante del museo Guggenheim de Bilbao durante la presentación de Egon Schiele.


Egon Schiele será uno de los protagonistas del Museo Guggenheim de Bilbao hasta el 6 de enero. Una apuesta que abre la nueva programación del centro con las obras de este expresionista. Los dibujos y las acuarelas serán las piezas que destaquen dentro de la selección de trabajos del austriaco.

La mano arqueada sobre la cadera, todo el peso del cuerpo sobre una pierna, la mejilla procazmente apoyada sobre un hombro y todos los argumentos explícitos del desnudo integral resumidos en un cuerpo andrógino, imperfecto, irresistible, reflejado en un juego invisible de espejos. Y al fondo el artista, tomando apuntes del natural, con el rostro hecho un naufragio. Y, si siguiésemos explorando, toda la desolación del mundo, también toda la rebelión frente a toda idealización de la belleza, también la irremediable evidencia, ayer como hoy, de estar ante la desintegración de un mundo sin un futuro claro. Es la vida en la Viena de principios del siglo XX, o es la vida según algunos, por ejemplo según Egon Schiele (Tulln, 1890-Viena, 1918), apóstata de la idea preconcebida y del prejuicio expresivo.


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Autorretratos de Egon Schiele

Podían elegirse otros muchos, pero este fascinante dibujo a lápiz sobre papel de embalaje, Schiele con modelo desnuda ante el espejo (1910), resume de un plumazo los cómos y los porqués de la obra del gran expresionista vienés, cuya obra gráfica sobre papel (dibujos, acuarelas, gouaches, tintas, carbones, tizas…) se despliega desde hoy y hasta el 6 de enero en las salas del Guggenheim Bilbao: un centenar de obras procedentes de los ingentes fondos del Museo Albertina de Viena, que posee el mayor fondo mundial de obra gráfica del artista y es, junto con el Museo Leopold de la capital austriaca, el mayor baúl del tesoro para sus seguidores. La muestra supone uno de los platos fuertes en la celebración (en concreto el próximo día 19) de los 15 años de vida del museo.

Nada es lo que parece en los laberintos de Schiele, un creador de quien los historiadores y los críticos del arte siguen haciéndose preguntas. Preguntas tales como qué hubiera pasado si la gripe española no se lo hubiera llevado del mundo con 28 años (tres días de hacer lo propio con su esposa, Edith, embarazada de seis meses), cuando empezaba a disfrutar de un auténtico estatus de estrella en los medios artísticos de Viena.


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Muestra de obras del pintor expresionista austríaco Egon Schiele (1890-1918) en el Museo Guggenheim de Bilbao.

La masiva presencia en el Guggenheim de los fondos del Albertina, comisariada por el propio director del museo vienés, Klaus Albrecht Schröder, retrata a fondo la evolución sin desmayo de la obra del artista desde lo conceptual, lo formal y lo temático. Un artista lleno de desazón y de inconformismo que aprendió a romper las reglas del color y del trazo tras contemplar la obra de Van Gogh y de Munch.

Discípulo de Gustav Klimt, su auténtico maestro y mentor, y coincidente en ciertos ámbitos con la personalidad y la obra del gran expresionista vienés en el arranque del siglo, Oskar Kokoschka, el legado artístico de Schiele queda resumido en este conjunto de obras ejecutadas sobre un papel de no muy buena calidad apoyado en madera rugosa.


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Un visitante observa el cuadro de Egon Schiele 'Dos niñas sentadas', durante la exposición que el museo Guggenheim de Bilbao dedica a Schiele desde el 12 octubre de 2012 al 6 de enero de 2013.

El viaje es agotador: la formación academicista de la que pronto huiría como del demonio, el idilio inicial con el Modernismo vienés y el movimiento de Secesión capitaneado por Klimt, la nueva ruptura y la incursión salvaje en los territorios del expresionismo: contar, por encima de las apariencias, lo que el 'yo' expresa o puede que quiera expresar… Y también las no siempre confesadas vocaciones del artista: el arte como un juego de papeles donde él mismo (era un maniático del autorretrato, narcisista como pocos sostenía que su mejor modelo era él) se representaba con mil caretas, su gusto por el espiritismo y por las fotografías de fantasmas y las imágenes de enfermos esquizofrénicos, su pasión por la teosofía y el aura de las personas y, por supuesto, lo que siempre consideró como una misión innegociable: bucear —a buen seguro siguiendo las enseñanzas de su compatriota Sigmund Freud— en los insondables barrancos de la pulsión sexual.

Eso incluía dibujar y pintar el sexo de forma explícita, y eso incluía dibujar y pintar el sexo de los niños de forma igualmente explícita. “Es increíble, habéis olvidado cómo nos fascinaba el sexo cuando éramos críos”, contestó a quienes arremetieron contra él por pintar niños desnudos en su estudio de la pequeña localidad de Krumau, a donde había escapado huyendo de la asfixiante y biempensante sociedad vienesa de la época.


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La exposición muestra algunos de los dibujos y acuarelas incluidas en la estremecedora Serie de la cárcel, realizada por Schiele durante sus tres semanas de encierro tras ser condenado por “resguardo insuficiente de dibujos eróticos”. La cárcel fue un trauma para Egon Schiele, un tipo que, al contrario de lo que contaba en sus autorretratos, era alguien vitalista, divertido, vividor y lleno de humor. Aunque fue un mal menor: la acusación inicial, finalmente desestimada, había sido de “secuestro y abuso de menores” porque un oficial de la marina austriaca le había denunciado por llevarse a Viena —en compañía de su esposa Edith— a su hija de 13 años, una de las niñas que le servían de modelos.

Egon Schiele en el Guggenheim: cuerpos maltrechos como metáforas de la maltrecha condición humana, embarazadas de rictus desolador, anoréxicas de mirada perdida, mujeres histéricas, sexos abiertos al espectador como trasuntos expresionistas de El origen del mundo de Courbet, cuerpos descoyuntados, gestos dislocados y, en definitiva, la conclusión salvaje, irremediable, de su arte: el vacío. Estamos solos. Nos hemos distanciado tanto de nosotros mismos que somos muñecos rotos. Todo está perdido, o al menos empieza a parecerlo. ¿Les suena?



El expresionismo feroz de Egon Schiele en el Guggenheim de Bilbao


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Autorretratos de Egon Schiele


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Varias obras de Egon Schiele sin rotular


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'Redención (Erlösung)', 1913. Obra de de Egon Schiele


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'Retrato de la cuñada del artista, Adele Harms', 1917. Obra de de Egon Schiele


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'Dos niñas sentadas', 1911. Obra de de Egon Schiele


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Gerti ante telas ocres, 1910. Obra de de Egon Schiele


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'Homenaje a Picasso'. Obra de de Egon Schiele


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'Casas antiguas de Krumau', 1914. Obra de de Egon Schiele


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'Desnudo femenino yacente con las piernas abiertas', 1914. Obra de de Egon Schiele


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'Modelo desnuda rubia, sentada sobre un paño marrón', 1912. Obra de de Egon Schiele


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Egon Schiele. 'Autorretrato con chaleco amarillo', 1914



Vídeos


Ver vídeo de Egon Schiele en el Guggenheim de Bilbao

El universo de Egon Schiele, en el Guggenheim Bilbao



Fuentes: elpais.com y kedin.es
 




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DESAYUNO CON... KLAUS A. SCHRÖDER



“El tiempo del autoengaño en los museos ha pasado”

El director del Albertina organiza la muestra Schiele en el Guggenheim




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Klaus Albert Schröder es director del Museo Albertina de Viena. / SANTOS CIRILO

Tibia mañana de lunes en Bilbao. Al otro lado de la cristalera de la cafetería se yergue la mole de titanio, piedra y cristal del Guggenheim, “una de las grandes maravillas arquitectónicas del mundo actual”. El elogio corresponde a un ojo muy experto, el de Klaus Albrecht Schröder (Linz, Austria, 1955). Director del Albertina Museum de Viena desde 1999, Schröder es el comisario de la antológica de Egon Schiele, integrada por 110 obras de sus fondos, que la pinacoteca bilbaína presenta hasta el día de Reyes de 2013.

“Es muy excepcional que un director de un museo sea a la vez comisario de una exposición”, reconoce mientras el camarero se acerca con la bandeja de cafés, pero en su caso lo ve “inevitable” tras tres décadas de trabajo sobre el pintor. La muestra, que irá a presentar junto al director general del Guggenheim, Juan Ignacio Vidarte, en cuanto termine su capuchino, “se ocupa de las preguntas primordiales que se hacía Schiele: quién es el hombre; qué roles juega”. Y la respuesta es que el hombre “está roto y al final del día está solo. Ese es el mensaje de Schiele”.

Esta es la segunda muestra que Schröder comisaria para el Guggenheim bilbaíno, tras la dedicada a Miguel Ángel y su tiempo que montó a finales de 2004.

Entre sorbos al capuchino, reflexiona sobre el papel hoy en día de un director de museo: “Ha de tener un trasfondo técnico, ser un historiador del arte, pero con capacidad como administrador”. Aunque en todas las exposiciones del Albertina se reserva “la dramaturgia”, la puesta en escena, su labor primordial es gestionar un centro con más de un millón de visitantes al año, una de las mayores colecciones de obra gráfica del mundo y 300 personas en plantilla.

Un museo con 25 millones de euros de presupuesto, de los que el Gobierno austriaco pone solo cinco, y eso conduce la conversación a un punto inevitable en estos tiempos cuando se habla con cualquier gestor cultural: el dinero, los recortes, la crisis. Los museos no están obligados a hacer exposiciones-espectáculo, pero “tienen que buscar la forma de ganar dinero y su forma es el número de visitantes”. No se queda su reflexión solo en lo económico, sino que recala también en lo artístico. Ya no vale, enfatiza, el director de museo o el comisario “que diga: ‘He hecho la mejor exposición del mundo con las mejores obras, pero no ha venido nadie’. El tiempo de ese autoengaño ha pasado”. Y más cuando “nunca en la historia de los museos ha ido tanta gente tan preparada a ver las exposiciones”.

Los políticos han cogido un camino de suicidio para la cultura"

El Albertina, el Prado o el Louvre, los primeros ejemplos que le vienen a la mente, tienen que esforzarse para seguirse autofinanciando. Pero el enfado de Schröder es patente cuando habla de las políticas de recortes a la cultura. “La gran catástrofe del momento es esa falta de visión de los políticos. Han cogido un camino de suicidio para la cultura”, resalta, tras confirmar con su interlocutor el dato que ya conocía del radical tijeretazo en el presupuesto cultural español para 2013. Y alerta de que “el arte que ahora está realmente en peligro es el antiguo”, monumentos y obras que están quedándose sin financiación y que si siguen sufriendo recortes en la próxima década “dejarán de existir dentro de 30, 50 o 100 años”.

Las tazas llevan tiempo vacías. Antes de levantarse para ir al Guggenheim a hablar de Schiele, remata Schröder su pasión por el edificio de Gehry: “En los últimos 50 años no se ha hecho nada tan especial y tan importante”.


elpais.com
 




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La exposición 'El arte en guerra, Francia 1938-1947' llega al Guggenheim Bilbao


     Organizada junto al Museo de Arte Moderno de París
    Muestra cómo los artistas se rebelaron frente a la ocupación alemana
    Mas de 500 obras de Picasso, Braque, Kandinski o Dubuffet, entre otros



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’Dibujos colectivos’, de Victor Brauner (1903-1966) y otros, 1941.© Galerie 1900-2000, Paris © ADAGP, Paris 2012

Organizada por el Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, Paris-Musées y el Museo Guggenheim Bilbao, L’Art en guerre. France, 1938–1947: De Picasso a Dubuffet muestra cómo, frente al amenazador contexto de opresión vivido en Francia durante la II Guerra Mundial y la Ocupación nazi, los artistas de la época se rebelaron frente a las consignas oficiales mediante novedosas respuestas estéticas que modificaron el contenido del arte.

Más de 500 obras de un centenar de artistas se reúnen en esta exposición única que evidencia la forma en la que estos creadores resistieron y reaccionaron, “haciendo la guerra a la guerra” con formas y materiales casuales impuestos por la penuria, incluso en los lugares más hostiles a toda expresión de libertad.

Entre las obras de ese centenar de artistas podremos ver trabajos de Georges Braque, Jean Dubuffet, Marcel Duchamp, Alberto Giacometti, Vasili Kandinsky, Pablo Picasso o Joseph Steib y también de autores desconocidos para el gran público.

La muestra, dividida en 12 secciones, servirá como afirman sus comisarias (Jacqueline Munck, Conservadorea de Museo de Arte Moderno de París y Laurence Bertrande Dorléac, historiadora del arte) para desvelar "todo lo quedó en la intimidad de las viviendas y de los talleres, de os refugios, de los campos de internamiento y de concentración, de las cárceles y los psiquiáttricos, a la sombra de la historia"

Los artistas ocultos en los talleres o presos en los campos

El recorrido se inicia con una sección dedicada a la historia que impregna las producciones artísticas en Francia tras la derrota contra Alemania y la instauración de la doble dictadura de los nazis y del gobierno de Vichy, con el trasfondo de la propaganda intensiva y la persecución de judíos y otras minorías raciales o políticas. Mientras en el Museo Nacional de Arte Moderno, inaugurado en 1942, se muestra  el llamado "gusto oficial", pocos son los ejempolos de obras de movimientos cruciales como el Fauvismo, el Cubismo, el Dadaísmo, el Expresionismo.

La vida artística parisina, expurgada de "indeseables" resulta lúgubre, como habían vaticinado los surrealistas en su Exposicion Internacional de 1938.

La producción realizada en los campos de internamiento -200 en Francia- tiene un espacio particular en la exposición (En los campos-1). También lo tiene la clandestinidad, a la que se ven abocados quienes pretenden eludir el arresto, mientras llos maestros de referencia, como Matisse o Bonnard se refugian en sus talleres al abrigo del ruido de las botas militares.

A un extranjero residente en Francia, Pablo Picasso, la muestra dedica una sección completa (Picasso en su taller). El pintor español, también recluido en su estudio, aprovechó para multiplicar sus obras maestras, encarnando la resistencia.

Galerías que resistieron

Pocas galerías resistieron en el ambiente artístico parisino durante la Ocupación. Entre las que sí lo hicieron, destacó la galeria Jeanne Bucher. La galerista ayudó a artistas en peligro y exhibió lo que eran consideradas "obras degeneradas"

La Ocupación y el régimen de Vichy se endurecieron cada vez más, especialmente en los campos de internamiento donde encontramos a quienes crean obras libres con los medios de que disponen. Serán los últimos vestigios de creación antes del exterminio. Fue el caso de Otto Freundlich  o Felix Nussbaum, cuyas obras son huellas irremplazables del horror.

Al periodo de Liberación la muestra dedica dos espacios continuos donde poder contemplar todo lo que había sido excluido, obligado a ser ocultado

 'El arte de la guerra, Francia 1938-1947' finaliza con un capítulo dedicado a Los Anartistas, quines mejor pueden hablar directamente de otro mundo y hacer estallar los marcos de la reconstrucción en una revuelta permanente, desde los talleres de los hospitales psiquiátricos en los que realizan sus obras, pasando por todos los lugares del artes liberados del yugo de una "pesadilla siniestra y gélida"



Algunas obras de la exposición: ’Arte en guerra, Francia 1938-1947’ en Guggenheim Bilbao


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Pablo Picasso: Mujer sentada en un sillón (1941) © Henie Onstad Art Centre, Norvège/Photo Øystein Thorvaldsen© Succession Picasso 2012


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Otto Freundlich (1878¿Campo de concentración de Majdanek, Polonia, 1943) ’Rosetón II’, 1941, © Musées de Pontoise


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Charlotte Salomon (1917¿Campo de concentración de Auschwitz, Polonia, 1943)Sin título (4917), 1940¿42, Gouache sobre papel © Collection Jewish Historical Museum, Amsterdam © Copyright Charlotte Salomon Foundation


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Domela-Nieuwenhuis [César Domela] (1900¿1992) Relieve n.°14 (Relief n°14), 1937-© Musée d’Art Moderne / Roger-Viollet


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Germaine Richier(1904¿1959) La mantis (La Mante), 1946-© Galerie Jacques de la Béraudière, Genève, © ADAGP, Paris 2012


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Victor Brauner (1903-1966). ’Souffrance, souffrance’. Huile sur toile, 1941. Paris, musée d’Art moderne. © Musée d¿Art Moderne / Roger ¿ Viollet © ADAGP, Paris 2012


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André Masson (1896¿1987) ’El fondo del mar’ (Le Fond de la mer), 1937Arena, conchas y algas sobre panel. Colección particular


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Victor Brauner (1903-1966). ’La rencontre du 2 bis, rue Perrel’. Huile sur toile, 1946. Paris, musée d’Art moderne. © Musée d’Art Moderne / Roger-V



Fuente: rtve.es
 




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Los parados entrarán gratis al Museo Guggenheim a partir del 19 de marzo


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Las personas desempleadas podrán acceder gratis al Museo Guggenheim a partir del próximo día 19, con motivo de la inauguración de la exposición "L'Art en guerre. Francia, 1937-1948: De Picasso a Dubuffet".

El Museo Guggenheim se une a la iniciativa que ya puso en marcha el Museo de Bellas Artes de Bilbao a principios de febrero para facilitar el acceso al arte a las personas sin trabajo.

La medida acordada por el Guggenheim se enmarca en el programa solidario "Erdu", cuyo objetivo es "acercar el museo y mostrar su compromiso con las personas que se encuentran en situación de desempleo en una coyuntura social tan desfavorable", según apunta la pinacoteca en un comunicado.

El Museo Guggenheim asegura que es "es sensible a las dificultades que afectan a muchos de sus ciudadanos a los que brinda esta medida solidaria", después de haber contado con "el extraordinario respaldo de una gran parte de esta sociedad" durante sus más de quince años de vida.

Para lograr la entrada gratuita, los desempleados deberán presentar el documento oficial que acredite su situación laboral.

Los titulares de esta tarjeta anual podrán recibir además información por internet de toda la actividad que desarrolla el museo, añade la nota.


Fuente: rtve.es
 




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