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Real Academia De Bellas Artes De San Fernando (Madrid)
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Este trabajo recopilatorio está dedicado al gran museo que alberga la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Es un tesoro escondido ubicado a unos pasos de la Puerta del Sol y es el gran desconocido para los madrileños y turistas que visitan la capital. No se sabe por qué recibe pocas visitas, cuando alberga auténticas joyas, especialmente pinturas y esculturas de grandes maestros. Siempre he pensado que está poco publicitado por las distintas instituciones culturales, que escasamente promocionan el arte.


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Cuna de muchos artistas españoles, con obras representadas de grandes maestros como: Velázquez, Goya, Murillo, Zurbarán, El Greco, José de Ribera, Vicente Carducho, Luis de Morales, Antonio de Pereda, Alonso Cano, Francisco Bayeu, Vicente López, Muñoz Degrain, Hermengol, Moreno Carbonero, de los Madrazo, Sorolla, Cecilio Plá, Ricardo Bellver, Mariano Benlliure, etc...

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, fue promovida por Felipe V a instancias del escultor Juan Domingo Olivieri, y del primer Secretario de Estado, el Marqués de Villarias (1744), se erigió definitivamente en Real Academia de Bellas Artes de San Fernando por Real Decreto de 12 de abril de 1752 del monarca Fernando VI.

A las tres Secciones iniciales de Arquitectura, Escultura y Pintura, se han sumado más tarde las de Música (1873) y la de Nuevas Artes de la Imagen (2004), sumando en la actualidad un total de cinco.

Las siete Comisiones que componen actualmente el organigrama son las de Administración, Monumentos y Patrimonio Histórico, Museo y Exposiciones, Calcografía, Taller de Vaciados y Reproducciones, Archivo Biblioteca y Publicaciones, y Medalla de Honor.

Consta de 56 Académicos de Número de nacionalidad española, Académicos Honorarios y Académicos Correspondientes, españoles y extranjeros. Un Real Decreto de 13 de abril de 2004 aprueba una Reforma parcial de los Estatutos, que fija en 56 los Académicos de Número, añadiendo la mencionada Sección de Nuevas Artes de la Imagen, cuyas plazas quedan separadas de la de Escultura. Entre las novedades se contempla la figura del Vicedirector-Tesorero.

Cuenta entre sus fondos con Biblioteca y Archivo y con las colecciones del Museo, Calcografía y Taller de Vaciados.

El Museo de la Academia conserva obras maestras del arte español, italiano y flamenco. Alberga un patrimonio formado por más de 1.400 pinturas, 1.300 esculturas y 15.000 dibujos.

Espero que esta recopilación que he realizado, guste a los aficionados a las artes.




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El Palacio de Goyeneche, en la calle de Alcalá de Madrid, sede de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Página web de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Visita virtual a la Real Academia

Dirección: C/ Alcalá, 13 MADRID (Metro: Sol y Sevilla) Tel.: 915327343

Precio: Tarifa general: 6 euros y 3 euros reducida, a los titulares de carnet joven, carnet de estudiante o sus correspondientes internacionales, grupos vinculados a instituciones culturales o educativas constituidos entre 15 y 25 personas, miembros de patronatos u otros órganos de gobierno de museos públicos. Ciudadanos de la U.E. miembros de familia numerosa.



Un poco de historia


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Escudo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando fue creada en 1752, con sede en Madrid. Sus orígenes se relacionan con la Ilustración. Sus primeros estatutos fueron aprobados en 1744, pero su constitución definitiva data de 1752, con el Rey Fernando VI, quien la llamó: Real Academia de las Tres Nobles Artes de San Fernando. En un principio las actividades se basan en Pintura, Arquitectura y Escultura. Su propósito era convertir la materia artística en materia universitaria. En 1873 recibió su denominación actual y se abrió una nueva sección de Música.

Se llevaron a cabo dos reformas: con la primera (1987) se ampliaba a 51 el número de académicos numerarios y se integraban televisión, fotografía, vídeo y cinematografía a la sección de Escultura, que pasó a llamarse Sección de Escultura y Artes de la Imagen; la segunda reforma (1996) elevó a 52 el número de académicos numerarios.

A lo largo de toda su historia la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha ocupado en Madrid tres sedes distintas. Actualmente se encuentra instalada en el Palacio Goyeneche (calle de Alcalá, 13). Con el arquitecto Fernando Chueca Goitia se llevó a cabo en 1972 la remodelación del edificio.

Al margen de su actividad docente, la Real Academia es célebre por sus colecciones de arte, que se exhiben (no sin limitaciones) en su sede de Alcalá. Abarcan más de cuatro siglos, desde Luis de Morales a Juan Gris y autores aún posteriores. Entre las muchísimas obras dignas de mención, destaca un Busto de Cristo de Giovanni Bellini, La Primavera, chocante puzzle floral de Arcimboldo, su único ejemplo en España, así como Susana y los viejos de Rubens, el famoso "Sueño del caballero" de Antonio de Pereda, varios ejemplos de Ribera, "Diógenes" de Luis Paret y una de las mejores colecciones de Goya, con cuadros famosos como El entierro de la sardina y un Autorretrato (del cual hay otro ejemplar idéntico en el Museo del Prado). El museo exhibe asimismo esculturas. Aunque no tan famoso como el Prado o el Museo Thyssen, es una de las pinacotecas más importantes de España.



Colección


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La colección permanente de la Academia incluye obras maestras del arte español, italiano y flamenco. Goya fue miembro desde 1780 y el Museo conserva 13 pinturas de su mano destacando los dos Autorretratos, la Corrida de Toros, los retratos de Moratín, Juan de Villanueva, la actriz La Tirana y la célebre escena del Carnaval conocida como Entierro de la Sardina.

Forman parte de la colección permanente del museo obras como el Agnus Dei y los Frailes Mercedarios de Zurbarán; una María Magdalena de Ribera, firmada en 1636; el único Arcimboldo conservado en España; la Riva degli Schiavoni en Venecia, firmado por Leandro Bassano; el espléndido cuadro el Sueño del caballero de Pereda; la escena del Antiguo Testamento de Susana y los Viejos de Rubens; la Marquesa de Llano de Mengs, el cuadro de Van Loo de Venus, Mercurio y Amor realizado en 1748; el siglo XIX está representado por el arte español con la serie de retratos de Vicente López, el magnífico retrato de Manuel Godoy, Príncipe de la Paz de José de Madrazo o el Retrato de Isabel II de Federico de Madrazo. También se muestran otras tendencias como el romanticismo de Esquivel y otros géneros como los paisajes de Haes.El siglo XX merece una especial atención ya que nos ofrece la obra de académicos actuales, permitiéndonos tener una visión del arte contemporáneo. Así se pueden seguir todas las tendencias artísticas del siglo con obras impresionistas de Sorolla y Cecilio Plá, el regionalismo de Sotomayor, los retratos de Vázquez Díaz y paisajes de Benjamín Palencia, Lozano, Genaro Lahuerta, etc...


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Una sala de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
 
El museo ofrece también una colección importante de escultura que permite ver la evolución escultórica española desde el siglo XVII hasta nuestros días, con ejemplos tan sobresalientes como el San Bruno de Manuel Pereira o La Dolorosa de Pedro de Mena; Retrato de Fernando VI y Retrato de doña Bárbara de Braganza, relieves de Gian Domenico Olivieri; el Retrato de Alfonso Clemente de Aróstegui de Felipe de Castro; el Felipe V a caballo de Roberto Michel y el Felipe V a caballo de Manuel Francisco Álvarez de la Peña; el conjunto de la Degollación de los Inocentes realizado por José Ginés para Carlos IV; el Retrato de Antonio Teixeira Lopes por Mariano Benlliure y Gil, Sensitiva de Miguel Blay; Cabeza de mujer de Picasso; Academia de Pablo Gargallo. De gran interés son también las obras de alumnos de la Academia realizadas con motivos de Concursos Generales y becas, así como la sala de vaciados con una importante colección de obras en yeso.
 
En las salas del Museo también se puede contemplar obras adquiridas a través del Legado Guitarte, como la Vanitas de Michel Bouillon realizada en 1668, el Autorretrato de Francisco Bayeu; el magnífico Bodegón de limones de Juan de Zurbarán, la Cabeza de Apolo atribuida a Thorwaldsen, el Pintor en su estudio de Magnasco, pintura cubista a través del Bodegón con frutero, botella y periódico de Juan Gris, parte del conjunto de grabados de Picasso de la Suite Vollard etc.

Además se exponen dibujos y planos de arquitectura de forma rotativa.




Algunas obras


Goya en la Academia


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Goya - Autorretrato (1815). Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.

Goya, pintor que maduró con la Ilustración y abrió paso a las formas y temas del arte contemporáneo, estuvo muy vinculado durante su larga vida a la Real Academia, que conserva un excepcional conjunto de pinturas muy representativo de sus distintas etapas.

Las 13 obras de Goya en el Museo de la Academia quedan encuadradas entre dos de sus autorretratos: el Goya joven ante el caballete, y el de busto, contemporáneo del que conserva el Museo del Prado con el pintor próximo a cumplir los 70 años.

Su relación personal con miembros ilustres de la cultura de su tiempo quedó plasmada en numerosos retratos, género en el que Goya fue profundamente innovador. La Aca­demia conserva excelentes retratos de tres figuras destaca­das y amigos personales del maestro: Leandro Fernández de Moratín, Juan de Villanueva y José Munárriz. A ellos se une el de la gran actriz "La Tirana", que refleja el amor de Goya por el teatro. De signo diferente es el retrato ecuestre de Fernando VII, encargo oficial de la Academia, así como el del favorito Manuel Godoy en el apogeo de su poder.

Especialmente significativo es el conjunto de las cinco tablas de pequeño formato: El entierro de la sardina, Pro­cesión de disciplinantes, Corrida de toros, La casa de locos, El Tribunal de la Inquisición. Son obras consideradas como "cuadros de gabinete" en los que Goya dejaba libre curso, en sus propias palabras, "al capricho y la invención".

Doce de estas pinturas llegan a la colección de la Aca­demia en el siglo XIX en diversas fechas y circunstancias (legados testamentarios, donaciones y, en el caso del retra­to de Godoy, desde sus propiedades confiscadas). Ya en nuestros días adquiere la Academia –gracias a la Herencia Guitarte – el espléndido Autorretrato ante el caballete.


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Sala Goya

El primer contacto de Goya con la Academia tiene lugar en 1763, cuando el joven pintor se presenta al concurso trie­nal convocado por la institución. Concurso en el que no tiene éxito, siendo su compañero Gregorio Ferro el que consigue la pensión para Roma. Este contratiempo le lleva a solicitar ayuda de su paisano Francisco Bayeu, amigo de su padre y pintor introducido en la Corte, como más tarde recordará el propio Goya.

Tres años después, se presenta nuevamente al concurso de la Academia, optando en este momento al premio de 1ª clase. Su estilo personal no es apreciado por el jurado, que otorga el premio en esta ocasión a Ramón Bayeu.


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Goya - Autorretrato ante su caballete (1785 aprox.)


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El entierro de la sardina. Francisco de Goya, 1812-1819. Óleo sobre tabla, 82,5 × 62 cm. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid,

El entierro de la sardina es un cuadro de pequeño formato que pintó Francisco de Goya entre 1812 y 1819 y guarda relación con una serie de cuadros de gabinete de costumbres españolas, si bien estas están muy alejadas de los temas y la estética rococó y neoclásica de los cartones para tapices. El conjunto incluiría Corrida de toros en un pueblo, Procesión de disciplinantes, Auto de fe de la Inquisición y Casa de locos, todos ellos fechados entre 1815 y 1819. Todos ellos son óleos sobre tabla de parecidas dimensiones (de 45 a 46 cm x 62 a 73, excepto El entierro de la sardina, 82,5 x 62) y se conservan en el museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

La serie procede la colección adquirida en fecha desconocida por el Corregidor de la Villa de Madrid en la época del gobierno de José Bonaparte, el comerciante de ideas liberales Manuel García de la Prada, cuyo retrato pintó el aragonés entre 1805 y 1810, y que legó a la Academia de Bellas Artes en su testamento de 1836.

Estas obras son responsables en gran medida de la forja de la leyenda negra romántica que se atribuyó a la pintura de Goya, pues fueron imitadas y difundidas en Francia y por artistas como Eugenio Lucas o Francisco Lameyer.

El entierro de la sardina refleja una tradición carnavalesca que celebra el último día de estas fiestas. Es el final del periodo de mundo al revés que supone el carnaval, con su transgresión de los valores vigentes, su interés por los instintos primarios, el protagonismo del pueblo llano frente a las instituciones y el predominio del caos frente al orden.


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Detalle del Entierro de la sardina donde se aprecia la pincelada suelta y el ambiente carnavalesco.

Análisis del cuadro. Pese a estar inscrito en un conjunto de cuadros de costumbres de la vida española, el cuadro, en su origen, tuvo un carácter muy subversivo con la religión católica. En un primer momento, en el estandarte que ocupa el centro del cuadro aparecía la palabra «Mortus» sobre una forma indefinida, que podía ser la sardina. Esta palabra se hace eco de la que aparece en frases típicas de los estandartes de las procesiones del Viernes Santo (como Christus mortus est hodie) aunque, funcionando como parodia (como toda la tradición del entierro de la sardina), referiría a la muerte del ayuno cuaresmal, simbolizado por el pescado.

Sin embargo, toda esta serie de alusiones, desaparecen en parte al haber sustituido la palabra por una grotesca máscara sonriente, lo que la relaciona con las actitudes del grupo de personajes, bailando, y con máscaras. Aun así, el hombre que baila a la derecha viste, al parecer, hábito de fraile, con lo que se mantiene cierta parodia o sátira del estamento clerical. Además, las dos mujeres centrales que bailan eran, en el dibujo, unas monjas; en el cuadro definitivo esta identificación ha desaparecido. Solo son mujeres jóvenes con un maquillaje de fantasía que hace función de máscara. En todo caso de la parodia religiosa se ha pasado a la presencia sin más del baile, la fiesta, la risa y la diversión popular, como protagonista absoluto del cuadro. Otros personajes, como el situado a la izquierda más o menos disfrazado de jaque o soldado del siglo XVII y que blande una pica en dirección a una de las mujeres, remitiría al instinto indirectamente sexual desatado en esta fiesta. Están así presentes en forma grotesca las dos instituciones decisivas en la configuración de la sátira por parte del imaginario popular: el ejército, la fuerza; la moral, la iglesia.

Hay que recordar además que, si bien el carnaval fue permitido durante la dominación francesa, el retorno al absolutismo fernandino (que es la fecha más probable de realización de esta obra) prohibía estas expansiones por los desmanes y burlas que a las instituciones que lo apoyaban se hacían, aunque tales represiones no tuvieron demasiado efecto. De todos modos, Goya, si pintó efectivamente el cuadro entre 1815 y 1819, como defiende Bozal (2005), llevaría a cabo un acto de talante ciertamente crítico y transgresor, mostraría con él su rechazo de la política reaccionaria de Fernando VII.

En cuanto a la composición, está muy cercana a las de la serie con la que forma conjunto, en particular Corrida de toros en un pueblo, pues se trata de un óvalo iluminado, alrededor del cual (como en un ruedo) se sitúa el público espectador, aunque en este caso participe de la fiesta y esté también disfrazado con máscaras. Aunque, en comparación con aquel, en El entierro de la sardina predomina la luz sobre la sombra y la alegría frente al drama; lo mismo que lo distingue de la Casa de locos, la Procesión de disciplinantes y Auto de fe de la Inquisición, obras todas ellas que muestran una gama cromática limitada y cuyos asuntos no permiten la expansión festiva.

Esta obra manifiesta la alegría de vivir del pueblo, y contrasta con las recientes escenas macabras de Los desastres de la guerra o la tragedia inminente de la serie de la Tauromaquia, así como se aleja de los autos de fe, las muestras sangrientas de las disciplinas de los flagelantes o el mundo absurdo y marginado de la casa de locos, los cuadros con los que se ha visto que se relaciona en el tiempo y asuntos. Se trata de destacar más allá de las circunstancias políticas y sociales la «vitalidad popular», según señala Bozal. Aquí las clases humildes gozan de libertad, se expresan sin trabas y no se ven abocados a restricciones, padecimientos e incluso guerras impuestas por circunstancias ajenas al deseo del pueblo. Este es el mensaje complementario de la denuncia que lanzaba la serie de estampas de Los desastres de la guerra, donde todo el énfasis se hacía en la lucha de la gente por su vida, por sus casas y donde las víctimas estaban despojadas de heroismo y de representación de causa alguna. Es este del entierro de la sardina el mundo feliz, aunque en su último día, o el que, por un tiempo, da rienda suelta a sus deseos vitales, sin hacer consideración moral alguna y mostrando la simple fiesta, abolidas las leyes, instituciones y ataduras de la autoridad.


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Corrida de toros. Francisco de Goya, 1812-1819. Óleo sobre tabla, 45 x 72 cm. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.


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Procesión de disciplinantes. Francisco de Goya, 1812-1819. Óleo sobre tabla,  46 × 73 cm. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.


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Auto de fe de la Inquisición. 1812-1819. Óleo sobre tabla, 46 × 73 cm. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid


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Casa de locos. Francisco de Goya, 1812-1819. Óleo sobre tabla, 46 × 73 cm. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid

Casa de locos, representa un manicomio donde distintos enfermos mentales aparecen en actitudes diversas.
Análisis del cuadro

En el marco de una arquitectura piranesiana y claustrofóbica, cuya única luz al exterior es una alta ventana con barrotes, de carácter claramente represor, se encuentran locos que representan distintos personajes: uno —al parecer salvaje— tocado de plumas en la cabeza, otro con tricornio uno más con tiara papal que hace el gesto de bendecir hacia el espectador, muchos otros desnudos... todos ellos en actividades grotescas y patéticas.

El tema de los establecimientos psiquiátricos estaba en las tertulias de los ilustrados españoles, y podría este cuadro suponer una denuncia del estado contemporáneo de estas instituciones de beneficencia. En todo caso Goya siempre se siente atraído por la representación de la locura, la deformidad o las perversiones. También puede interpretarse en clave alegórica, como una galería paródica de los estamentos emblemáticos del poder social: el clero, militares —hay un hombre que pelea desnudo y porta un tricornio—. La escena desarrollaría el tópico del «mundo al revés», y se relacionaría con las estampas de Los disparates.

Goya ya había tratado el tema en otra pintura de 1793 titulada Corral de locos, pero ahora la variedad es mayor, los personajes son menos dementes y menos pintorescos, claramente caracterizados como tales que unas pobres víctimas de la marginación y el rechazo. Reviste a estos hombres que se afanan a principios del siglo XIX de una mayor humanidad y están más individualizados.


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Goya - La Tirana (1799). Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.


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Goya - Manuel Godoy, príncipe de la paz (1801). Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Goya - Leandro Fernández de Moratín. 1799. Óleo sobre lienzo. Legado testamentario, a la Academia, por parte del retratado, en 1828. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.


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Goya - José Luis Munárriz (1815), retratado por Goya. La pintura se encuentra en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de la que fue secretario y consiliario.


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Goya - Juan de Villanueva (1805). Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.


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Goya - Retrato ecuestre de Fernando VII (1808). Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.



Otras pinturas


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Francisco de Zurbarán - Visión del Beato Alonso Rodríguez. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Francisco de Zurbarán - Fray Pedro Machado, 1633. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Francisco de Zurbarán - Fray Francisco Zumel, 1633. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Francisco de Zurbarán - Fra Pedro Machado, 1633. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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José de Ribera - El martirio de San Bartolomé. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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José de Ribera - San Francis de Assisi y el ángel con la botella de agua, 1638-38. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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José de Ribera - Transfiguración de Maria Magdalena, 1636. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Francisco Pacheco - El sueño de San José. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Antonio de Pereda - El sueño del caballero o Desengaño de la vida. Hacia 1670. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Pereda realizó lienzos sobre diversos géneros, entre ellos, la naturaleza muerta con sentido moralizante o "vanitas". El Sueño del Caballero, tradicionalmente atribuido a este pintor, presenta una composición con una "vanitas", algo frecuente en el Barroco. Trata acerca de la vanidad del mundo, que nos llena de bienes efímeros que no proporcionan una ganancia trascendente: amor, belleza, dinero, placer... todo perece tras la muerte y sólo la esencia del ser humano permanece frente al mundo. La manera de hacer visible este complejo ideario moral estaba sistematizada por los pintores, que incluían un repertorio de objetos que simbolizaban las diferentes facetas de la vida que no permanecen más allá. Pereda sigue el estilo propio de la "vanitas" para realizar una de las más complejas y ricas composiciones sobre el mismo. El lienzo, que también se conoce como el Desengaño del Mundo, presenta a un joven y apuesto caballero, ricamente ataviado, que se ha quedado dormido y presumiblemente sueña con las glorias y miserias que se presentan sobre la mesa. La idea engarza con el tema de "la vida es sueño" y nos da a entender que la carrera de este joven no es más que un mero sueño sin sentido real. Los símbolos de la mesa son muy complejos, pero destacan algunos por su presencia continua en todas las "vanitas": la calavera que simboliza la muerte, la máscara de teatro sobre la hipocresía, las joyas y el dinero que son las riquezas que no podemos llevar al otro mundo, la baraja y las armas como el juego y los placeres de la caza, el reloj que indica el paso inexorable del tiempo, la vela apagada que indica la expiración de la vida... son innumerables los objetos y los múltiples significados engarzados que podemos entresacar de todos ellos.


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Antonio González Ruiz - Retrato de Gian Domenico Olivieri (c. 1755). Colección Joan J. Gavara, Valencia. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Antonio González Ruiz - Retrato alegórico del rey Fernando VII como protector de las artes y ciencias, 1754. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Louis Michel van Loo - Fernando VI. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Andrés de la Calleja - José de Carvajal y Lancaster. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Anton Rafael Mengs - Retrato de la marquesa de Llano, 1770. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Francisco Bayeu - Carlos IV, c. 1790. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Francisco Bayeu - Manuel Godoy, 1790. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Vicente López y Portaña - Carlos María Isidro de Borbón. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Vicente López y Portaña - Retrato de Francisco I de las dos Sicilias, 1829. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Vicente López y Portaña - Retrato de la reina de las Dos Sicilias, 1831. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Vicente López y Portaña - Retrato de Fernando VII (Retrato del rey Fernando VII de España, vestido de paisano y portando varias condecoraciones). Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Vicente López y Portaña - Retrato del marqués de de Castelldosríus, 1849 (Retrato del teniente general Francisco Javier de Oms y de Santa Pau, marqués de Castelldosríus, vestido con uniforme de teniente general de Artillería y portando varias bandas y condecoraciones). Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

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Vicente López y Portaña - Infanta María Francisca de Portugal (1800-1834), esposa del infante Carlos María Isidro de España e hija del rey Juan VI de Portugal y de Carlota Joaquina de España. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Vicente López y Portaña - Retrato del canónigo Manuel Fernández Varela, 1828 (Retrato del canónigo Manuel Fernández Varela (1772-1834), doctor en Teología, miembro de la Real Academia de la Historia y Comisario general de la Cruzada). Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Vicente López y Portaña - Retrato del infante Carlos María Isidro de Borbón. Principios del siglo XIX. Retrato del infante Carlos María Isidro de Borbón, con uniforme de capitán general y portando varias condecoraciones. Era hijo del rey Carlos IV de España y hermano de Fernando VII. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Retrato anónimo de Hernán Cortés, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Inventario 0031. Óleo sobre lienzo. Altura: 58 cm; anchura: 49 cm. Retrato basado en el cuadro enviado por Hernán Cortés a Paulo Giovio, tipo representado de perfil, con sombrero, que sirvió de modelo a muchas representaciones de su busto desde el siglo XVI. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Giuseppe Arcimboldo - La primavera. 1563. Óleo sobre tabla. 66,7 x 50,4 cm. Firmado en la parte inferior derecha. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Joaquín Sorolla - Baño en la playa, 1908. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Jean-Honoré Fragonard - El sacrificio de Caliroe, 1765. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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José Perovani - Retrato de George Washington, 1796. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Ginés Andrés de Aguirre - San Fernando recibe el tributo de Mahomad de Baeza. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Agustin Navarro - Anibal y su ejército en los Alpes. Encuentro de dos caudillos, 1778. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Alejandro de la Cruz - Mercurio y Argos, 1773, óleo sobre lienzo, 244 x 170 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Alonso Cano - Cristo en la Cruz. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Alonso Cano - Cristo en El Limbo, 1652. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Álvarez Enciso - Endimión y la Luna, segunda mitad del siglo XVIII, óleo sobre lienzo, 137 x 101 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Anton van Dyck - La Virgen y el Niño con los pecadores arrepentidos, c. 1625. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. La Virgen María sostiene en los brazos al Niño Jesús. Los contemplan María Magdalena, el Hijo Pródigo y el rey David, que simbolizan tres pecados de sendos pecadores arrepentidos: prostitución, prodigalidad y adulterio. La obra fue propiedad del duque de Medina de las Torres, en el Nápoles virreinal. Pasó luego a Amberes y finalmente decoró la antesacristía del monasterio del Escorial con Felipe IV, a mediados del XVII. Más adelante llegó a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, primero en sus almacenes y después abandonado (probablemente por considerarse una copia de Van Dyck) en uno de los peines donde se conservan las obras no expuestas de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.


 136venus_anadi_mena_antonio_gisbert

Antonio Gisbert - Venus Anadiómena, 1858. Óleo sobre lienzo, 225 x 119 cm. El lienzo representa a la diosa Venus (Afrodita) saliendo del mar, llamada Venus Anadiómena. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 137_venus_y_un_cupidillo_real_academia_de_bellas_artes_de_san_fernando Una

Dióscoro Puebla - Una Bacante y un Sátiro, 1859. El lienzo representa a una mujer que celebraba las fiestas bacanales, acompañada por un sátiro. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 72antonio_carneo_virgen_con_el_ni_o

Antonio Carneo - La Virgen con el Niño, óleo sobre lienzo, 107 x 84 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Arte de San Fernando


 73antonio_de_pereda_el_sue_o_del_caballero

Antonio de Pereda - El sueño del caballero, 1665. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 138sanchez_darsena_de_cartagena

Mariano Ramón Sánchez - Dársena de Cartagena, 1793, óleo sobre lienzo, 73,50 x 112 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 139rufo_defensa_del_castillo_del_morro

José Rufo - Defensa del Castillo del Morro en La Habana, 1763, óleo sobre lienzo, 166 x 210 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Cornelis Saftleven - Escena de taberna, óleo sobre tabla, 36 x 54 cm, Madrid, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 141sanchez_saravia_san_fernando

Diego Sánchez Sarabia - San Fernando recibe la embajada del rey de Fez, 1760, firmado "Didacus Sanchez Saravia sculpt. et arquit (...)ventor pingebat Granatae Ano MDC(...), óleo sobre lienzo, 125 x 168 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 142rivero_sierra_morena

José Alonso del Rivero - Carlos III entregando las tierras a los colonos de Sierra Morena, 1805, óleo sobre lienzo, 168 x 126 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 143ribelles_edipo_y_antigona

José Ribelles - Edipo y Antigona, 1843, óleo sobre lienzo, 210 x 167 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 74apuntes_de_la_playa_de_valencia_cecilio_pl

Cecilio Plá - Apuntes de la playa de Valencia, 1918. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 75baile_de_carnaval_manuel_car_y_esp      

Manuel Cará y Espí - Baile de Carnaval. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 76bartolome_de_san_antonio_fernando_vi

Bartolomé de San Antonio - Alegoría de Fernando VI y la Iglesia católica, 1753, óleo sobre lienzo, 128 x 148 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 77san_diego_de_alcal_alimentando_a_los_pobres_1645_46

Bartolomé Esteban Murillo - San Diego de Alcalá, alimentando a los pobres, 1645-46. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 78benaschi_llanto_por_abel

Giovanni Battista Benaschi - Llanto sobre Abel muerto, óleo sobre lienzo, 115 x 115 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 79bernardo_lorente_german_trampantojo

Bernardo Lorente German - Trampantojo con libro, grabados y caja, óleo sobre lienzo, 69 x 49 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 80bouillon_vanitas_acad

Bouillon - Bodegón de vanitas con florero, 1668, óleo sobre lienzo, 114 x 85 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 102giacomo_nani_florero_y_hortalizas_leo_sobre_lienzo_madrid_real_academia_de_bellas_artes_de_san_fernando

Giacomo Nani - Florero y hortalizas, óleo sobre lienzo, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 103juan_bautista_romero_florero_1796_leo_sobre_tabla_55_x_37_cm_madrid_real_academia_de_bellas_artes_de_san_fernando

Juan Bautista Romero - Florero, 1796, óleo sobre tabla, 55 x 37 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Juan Pedro Peralta - Bodegón de merienda con chocolate, jícara y azucarillo, caja dulce, vasos, pan, nueces, frutas y dos gatos, 1745, óleo sobre lienzo, 40 x 59 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 106lopez_enguidanos_bodegon

José López Enguídanos - Bodegón, c. 1807, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 105juan_gris_frutero_y_peri_dico

Juan Gris - Frutero y periódico, 1920. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 81fco_casanova_pelayo

Francisco Casanova - Proclamación de don Pelayo como rey de Asturias, 1753, óleo sobre lienzo, 106 x 126 cm, Madrid, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 82cornelio_de_beer_san_sebastian_atendido_por_santa_irene

Cornelio de Beer - San Sebastián atendido por santa Irene (atribución), óleo sobre lienzo, 107 x 162 cm, Madrid, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.


 83correggio_san_girolamo
     
Antonio da Correggio - San Girolamo, 1516-1517. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Cosme de Acuña - Abraham e Isaac camino del sacrificio, óleo sobre lienzo, 112 x 84 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Andrés Deleito - Bodegón de vanitas, óleo sobre lienzo, 91 x 202 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Dióscoro Puebla - Despedida de Cayo Graco de su familia, c. 1858. Óleo sobre lienzo, 167 × 125 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. El lienzo de Puebla representa la despedida de Cayo Sempronio Graco (en latín Caius Sempronius Gracchus; 154 a. C. - 121 a. C.) de su familia. Fue un destacado político populista romano del siglo II a. C., perteneciente a una de las más ricas familias de Roma, los Sempronio Graco. Fue hijo de Tiberio Sempronio Graco y de Cornelia, hermano de Tiberio Sempronio Graco, además de primo de Publio Cornelio Escipión Emiliano. Las reformas políticas, judiciales y económicas que emprendió provocaron el asesinato de Cayo Sempronio Graco y de miles de sus partidarios en el año 121 a. C.


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Gabriel Durán - San Sebastián y santa Irene, óleo sobre lienzo, 175 x 135 cm, Madrid, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Antonio Muñoz Degrain - El coloso de Rodas, 1914. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Antonio Muñoz Degrain - El coloso de Rodas (detalle), 1914. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 90elbo_cristo_y_la_samaritana

José Elbo Peñuelas - La samaritana, 1834, óleo sobre lienzo, 169 x 126 cm, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 91_elecci_n_de_wamba_como_rey_real_academia_de_bellas_artes_de_san_fernando

Francisco de Paula Van Halen - Elección de Wamba como rey. 1843, óleo sobre lienzo, 170 x 128 cm, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. El lienzo representa la elección de Wamba (¿?-688) como rey de los Visigodos. Wamba rechazó el nombramiento debido a su avanzada edad, pero fue forzado por la nobleza a aceptar el trono el día 1 de septiembre del año 672 en la localidad de Gertici o Gérticos, después llamada Wamba en su honor, y en la que había fallecido su antecessor, el rey Recesvinto. Por iniciativa propia, a fin de que su elección no fuera considerada una usurpación, Wamba exigió ser coronado rey en Toledo, donde fue ungido el día 20 de septiembre por el obispo Quirico en la iglesia pretoriense de San Pedro y San Pablo. Wamba renunció al trono en el año 680 y falleció en el año 688. y Fue sucedido en el trono por el rey Ervigio.


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José López Enguídanos - Familia de esqueletos, c. 1800. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 93faraona_olivieri_autorretrato_acad

Faraona Olivieri - Autorretrato, primera mitad del siglo XVIII, primera mitad del siglo XVIII. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 94faraona_olivieri_marquet_acad

Faraona Olivieri - Retrato del arquitecto Marquet, 1759, pastel, 54 x 44 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Battaglioli Battaglioli - Fiesta en un palacio barroco. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 96francisco_arnaudies_transito_de_la_magdalena

Francisco Arnaudies - Tránsito de la Magdalena, 1768, óleo sobre lienzo, 168 x 112 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 107hackert_paisaje_con_cascada

Jacob Philipp Hackert - Paisaje con cascada y cazadores (la tarde) (Tivoli?), óleo sobre lienzo, 100 x 127 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 108hackert_paisaje_con_mujeres_y_un_borrico_leo_sobre_lienzo_98_x_136_cm_madrid_real_academia_de_bellas_artes_de_san_fernando

Jacob Philipp Hackert - Paisaje con mujeres y un borrico, óleo sobre lienzo, 98 x 136 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Jean-Baptiste Tierce - Paisaje con cascada, óleo sobre lienzo, 40 x 53,50 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 110orazio_borgianni_david_beheads_goliath

Orazio Borgianni - David decapita a Goliath, c. 1609-10. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 111antonio_de_pereda_y_salgado_the_knight_s_dream_detail_wga17165

Antonio de Pereda - El sueño del caballero (detalle). Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Antonio de Pereda - Saint William of Aquitaine, c. 1630. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Hans Mielich - Crucifixión. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Jan Janssens - Caridad Romana. 1620-25. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Jorge Manuel Theotokopoulos (Hijo de El Greco) - La familia de El Greco, c. 1605. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 115jose_leonardo_serpiente_de_metal

Jose Leonardo - La serpiente de metal. 1630-40. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 116jose_maea_resurreccion_de_lazaro

José Maea - Resurrección de Lázaro, 1790, óleo sobre lienzo, 158 x 110 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 117jose_ximeno_descanso_en_la_huida_a_egipto

José Ximeno - Descanso en la huida a Egipto, 1781, óleo sobre lienzo, 83 x 67 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 121fray_juan_andr_s_rizi_la_misa_de_san_benito

Fray Juan Andrés Rizi - La Misa de San Benito. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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José Casado del Alisal - La resurrección de Lázaro. 1855. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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José López Enguídanos - El emperador Heraclio carga con la Cruz, 1784, óleo sobre lienzo, 126 x 187 cm, Madrid, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 124luis_antonio_planes_salome

Luis Antonio Planes - Salomé con la cabeza del Bautista, óleo sobre lienzo, 66,50 x 55 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Luis de Morales - Piedad. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Luis Paret - Circunspección de Diógenes, 1780. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Luis Planes - El señor de Hita y de Buitrago cede su caballo al rey Juan I en Aljubarrota, 1793, óleo sobre lienzo, 125 x 168 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Julio Romero de Torres - Mujer en oración o Nieves. Óleo sobre lienzo. 69 x 90 cm. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Peter Paul Rubens - Susana y los viejos, 1609-10. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Juan Bautista Peña - Venus y Adonis, óleo sobre lienzo, 245 x 184 cm, Madrid, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Pieter Snayers - Portret van Antonio Servás korporaal-sappeur. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Juan Ramírez de Arellano - Proclamación de Pelayo como rey de Asturias, 1753, óleo sobre lienzo, 106 x 128 cm, Madrid, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 144retrato_de_alfonso_xii_real_academia_de_bellas_artes_de_san_fernando

Joaquim Espalter i Rull (atribuido) - Retrato del rey Alfonso XII de España, vestido con uniforme de gala de capitán general. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 145retrato_de_alfonso_xii_de_medio_cuerpo_real_academia_de_bellas_artes_de_san_fernando

Leopoldo Sánchez Díez - Retrato del rey Alfonso XII de España de medio cuerpo, vestido con uniforme de gala de capitán general. 1875-85. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 146retrato_de_don_hilario_blanco_antonio_gisbert

Antonio Gisbert - Retrato de don Hilario Blanco. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


 147retrato_de_fernando_vii_luis_l_pez_piquer

Luis López Piquer - Retrato de Fernando VII. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Salvador Martínez Cubells - Retrato del rey Alfonso XII. 1876. Retrato del rey Alfonso XII de España, vestido con uniforme de gala de capitán general. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando


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Lorenzo de Quirós - San Femando recibe el tributo de Mahomad de Baeza, 1760. Óleo sobre lienzo, 124 x 166 cm. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Obra de Lorenzo de Quirós.


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Lorenzo de Quirós - Ornatos en la calle Platerías (calle Mayor) con motivo de la entrada de Carlos III en Madrid, c. 1763, óleo sobre lienzo, 111 x 167 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Representa el festejo del 13 de julio de 1760 realizado con motivo de la entrada de Carlos III en Madrid.


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Lorenzo de Quirós - Arco de triunfo de Santa María en la calle Mayor, óleo sobre lienzo, 112 x 163 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Obra de Lorenzo de Quirós. Representa el festejo del 13 de julio de 1760 realizado con motivo de la entrada de Carlos III en Madrid.


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Lorenzo de Quirós - Proclamación de Carlos III en la plaza Mayor o también conocido como: Ornato de Plaza Mayor con motivo de la entrada de Carlos III en Madrid[/b], c. 1763. Óleo sobre lienzo, 111 x 167 cm. Madrid, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Obra de Lorenzo de Quirós. Representa el festejo del 13 de julio de 1760 realizado con motivo de la entrada de Carlos III en Madrid.


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Lorenzo de Quirós - Arco de triunfo en la calle de Carretas, 1763, óleo sobre lienzo, 112 x 167 cm. Madrid, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Obra de Lorenzo de Quirós. Representa el festejo del 13 de julio de 1760 realizado con motivo de la entrada de Carlos III en Madrid.


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Lorenzo de Quirós - Ornato de la Puerta del Sol con motivo de la entrada en Madrid de Carlos III, 1760, óleo sobre lienzo, 111 x 166 cm, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (en depósito en el Museo Municipal). Obra atribuida a Lorenzo de Quirós.

La vista abraca una parte de la plaza. Se ve la fachada de la desaparecida iglesia del Buen Suceso entre las calles de Alcalá y la carrera de San Jerónimo, en cuyo inicio aparece el convento de la Victoria, también desaparecido. En la plaza un templete circular con zócalo rematado por ocho ninfas que sujetan tiras de laurel, cobija la fuente de la Mariblanca. En primer término, la Guardia de Corps con clarines y timbales, anuncia la inminente llegada del monarca por la calle de Alcalá.

La entrada de Carlos III en Madrid tuvo lugar el 13 de julio de 1760. Con este motivo una serie de artistas, entre ellos el arquitecto Ventura Rodríguez, recibieron encargos para realizar decoraciones e inscripciones para el recibimiento del nuevo soberano. El lienzo que nos ocupa forma conjunto con otros cuatro, que describen los ornatos de algunas de las calles de Madrid, por las que transcurrió la real comitiva. Son obras que en su tiempo fueron atribuídas a Luis Paret por la minuciosidad de la pincelada y la viveza de las figuras, pero que dificilmente pueden ser suyas.



Algunas esculturas

El museo ofrece también una colección importante de escultura que permite ver la evolución escultórica española desde el siglo XVII hasta nuestros días, con ejemplos tan sobresalientes como el San Bruno de Manuel Pereira o La Dolorosa de Pedro de Mena; Retrato de Fernando VI y Retrato de doña Bárbara de Braganza, relieves de Gian Domenico Olivieri; el Retrato de Alfonso Clemente de Aróstegui de Felipe de Castro; el Felipe V a caballo de Roberto Michel y el Felipe V a caballo de Manuel Francisco Álvarez de la Peña; el conjunto de la Degollación de los Inocentes realizado por José Ginés para Carlos IV; el Retrato de Antonio Teixeira Lopes por Mariano Benlliure y Gil, Sensitiva de Miguel Blay; Cabeza de mujer de Picasso; Academia de Pablo Gargallo. De gran interés son también las obras de alumnos de la Academia realizadas con motivos de Concursos Generales y becas, así como la sala de vaciados con una importante colección de obras en yeso.


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Amazona - Obra de Carlo Albacini. Escultor Neoclásico italiano activo entre 1770 y 1807. Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San FernandoSu técnica en la ejecución de obras dentro de la tradición estética neoclásica es perfecta. Otra de sus actividades es la de copiar y restaurar obras antiguas. Restauró prácticamente todos los mármoles antiguos que pasaron a Inglaterra así como la colección Farnese de antigüedades que había heredado el rey de Nápoles. En 1780 realiza la tumba del pintor Rafael Mengs en San Pedro de Roma. Trabaja para el papa Pio VI. Fue académico de San Lucca en Roma en 1783. El Museo de Bellas Artes de San Fernando en Madrid contiene una buena muestra de su obra.


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Amor y Psique (Carlo Albacini, MRABASF)


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Baco y Ariadna (Carlo Albacini, MRABASF)


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Minerva (Carlo Albacini, MRABASF)


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La Dolorosa. Obra de Pedro de Mena. talla de madera policromada y vidrio (en los ojos), 68 x 65 x 54 cm. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid.


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Academia. Escultura en mármol blanco de Pablo Gargallo (1881-1934) de 1934. 76 x 36 x 51 cm. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid.


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San Sebastián y Santa Irene (Lluís Bonifàs, MRABASF)


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El martirio de San Lorenzo (Juan de León, MRABASF)


 19fernando_vii_fco_el_as_vallejo_mrabasf_01

Fernando VII (Fco. Elías Vallejo, MRABASF)


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Estatua de San Bruno (h.1030–1101), obra de de Manuel Pereira, esculpida en piedra. El santo medita sobre la muerte, sosteniendo una calavera


 22antoninus_pius_mrabasf_matritum

Antoninus Pius (MRABASF Matritum)


 32aulus_vitellius_mrabasf_matritum_01

Aulus Vitellius (MRABASF Matritum)


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Cabeza de Apolo (MRABASF)


 24cabeza_de_baco_pascual_cort_s_mrabasf_e_99_01

Cabeza de Baco (Pascual Cortés, MRABASF)


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Cristo crucificado (Antonio de Morales, MRABASF)


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Cristo crucificado (Claudio Beissonat, MRABASF)


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El niño del pájaro (MRABASF)


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La niña del nido (MRABASF)


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Ensueño (Mateo Inurria, MRABASF)


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Ganímedes (José Álvarez Cubero, MRABASF)


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Óscar Esplá (Vicente Bañuls, MRABASF)


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Busto de Farinelli (anónimo neoclásico, MRABASF)


 35la_fe_l_s_carmona_mrabasf_e_108_01

La Fe (Luis Salvador Carmona, MRABASF)


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Fernando VI de España (G.D. Olivieri, MRABASF)


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Manuel Godoy (Juan Adán, MRABASF)


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Busto de Bernardo López (José Piquer, MRABASF)


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Cabeza de Vicente López (José Piquer, MRABASF)


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María Isabel de Braganza (José Ginés, MRABASF)


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María Josefa de Sajonia (Fco. Elías Vallejo, MRABASF)


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Jesús de Monasterio (Venanci Vallmitjana, 1880, MRABASF)


 42felipe_v_a_caballo_m_lvarez_mrabasf_e_147_01

Felipe V a caballo (Manuel Francisco Álvarez de la Peña, 1778, MRABASF)


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Busto de Antonio Ponce de León, XI Duque de Arcos (Roberto Michel, 1783, MRABASF)


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Federico V de Dinamarca (Jacques Saly, MRABASF)


 46_felipe_v_de_espa_a_r_michel_mrabasf_01

Felipe V de España (Roberto Michel, 1780, MRABASF)


 44portrait_of_picasso_pablo_gargallo_mrabasf_e_608_01

Retratp de Pablo Picasso (Pablo Gargallo, 1913, MRABASF)


 45cabeza_de_eduardo_rosales_mateo_inurria_mrabasf_e_24_01

Cabeza de Eduardo Rosales (Mateo Inurria, 1922, MRABASF)


 49mariano_benlliure_busto_de_goya

Busto de Francisco de Goya (1746-1828) en el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Obra de Mariano Benlliure.


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Sensitiva, de Miquel Blay (1866-1936), Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Obra esculpida en mármol y donada por el artista en 1910


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El Ángel Caído, de Ricardo Bellver, en el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid (España). Escultura inspirada en El paraíso perdido, de John Milton.


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Copia de la escultura 'Nióbide corriendo'- Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Una de las esculturas que se trajo Velázquez de su viaje a Italia como embajador y marchante de la corte.


En las salas del Museo también se puede contemplar obras adquiridas a través del Legado Guitarte, como la Vanitas de Michel Bouillon realizada en 1668, el Autorretrato de Francisco Bayeu; el magnífico Bodegón de limones de Juan de Zurbarán, la Cabeza de Apolo atribuida a Thorwaldsen, el Pintor en su estudio de Magnasco, pintura cubista a través del Bodegón con frutero, botella y periódico de Juan Gris, parte del conjunto de grabados de Picasso de la Suite Vollard etc.

Además se exponen dibujos y planos de arquitectura de forma rotativa.


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Salón de actos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.


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Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Ver enlace en PDF de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el gran desconocido de los grandes museos, y tan solo a un paso de la Pueta del Sol.



Fuentes y agradecimientos: realacademiabellasartessanfernando.com, es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, flickr.com, ceres.mcu.espintura.aut.org, sightswithin.com, elpais.com, almendron.com, ceres.mcu.es, propias y otras de Internet.
 




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Gracias J.Luis por este nuevo museo, sin duda de bella calidad.

Un Saludo.
 




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Post Re: REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNADO 
 
Gracias xerbar, este museo a pesar de estar muy próximo a la puerta del Sol, no es muy conocido por el público madrileño, no es demasiado grande, pero en sus estancias, además de la Academia de Bellas Artes, alberga como museo varias salas y galerías que rezuman con una gran representación del mejor arte español, con una gran representación algunos de los grandes maestros de la pintura y escultura, naturaralmente la inmensa mayoría son españoles.


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A continuación pongo unas fotos de mi visita que realicé hace a la Real academia de San Fernando, son imágenes de las estancias donde me lo permitieron, pues en las salas está prohibido y no te quitan ojo los vigilantes.


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Las fotos no son de mucha calidad, pero hice lo que pude.


 

Saludos.
 




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Un sublime marchante en escultura: Diego Velázquez


La Academia de Bellas Artes de San Fernando, expone los frutos de su segundo viaje a Italia



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Copia de la escultura 'Nióbide corriendo'- Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, es una de las esculturas que aún se conservan del famoso viaje del marchante de Velázquez.

A su cualidad de pintor universal Diego Velázquez puede añadir la de su sabiduría en el arte escultórico, más la condición de agente artístico y diplomático de admirable desenvoltura. Así lo pueden comprobar hasta el mes de febrero los visitantes que acudan a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en la calle de Alcalá, 13. Su planta baja alberga una exposición de documentadas esculturas clásicas, adquiridas durante el segundo viaje del artista sevillano a Italia, por cuenta del Rey de España Felipe IV, desde el fin de 1648, en que partió de Madrid, hasta agosto de 1651, fecha de regreso a Barcelona. Comisariada por José María Luzón y su equipo, la exposición fue inaugurada ayer por César Antonio Molina, ministro de Cultura.


No hay precedente de un evento que ilumine en tan gran medida una faceta de la vida del artista sobre la que se proyectaban, aún, sombras de desmemoria o ignorancia. Hasta Italia se había desplazado el, desde 1642, flamante superintendente regio Diego Velázquez, con la encomienda del monarca de allegar arte suntuario para la Corte de Madrid, alojada entonces en el añoso Alcázar de los Austrias, donde hoy está el Palacio Real.

En menos de dos años Velázquez recorrió la Península itálica; pese a su envidiable talento evitador de celos de otros artistas, trabó relación con escultores, fundidores, formadores, broncistas; amén de diplomáticos, burgueses, nobles, cardenales y un Papa muy feo, Inocencio X, de la familia Pamphili, al que además retrató en inmortal lienzo; mantuvo también discretos amoríos con una dama de la que tuvo un Antoñito, muerto prematuramente a los nueve años; y, con todo, trajo a España casi un centenar de piezas de estatuaria clásica y renacentista, para decorar las salas Ochavada y de los Espejos del viejo palacio.

"Hoy sería casi imposible hacer tantas cosas y tan bien hechas como las que hizo entonces en Italia", explica José María Luzón con una sonrisa. El académico ha restañado las heridas que sobre las estatuas traídas por Velázquez causaron el fuego, primero, con el incendio del alcázar en 1734, y la ignorancia después, por la pérdida de las claves para interpretar su valía.

Porque Velázquez, con finísima mirada, se adentró en las villas de los Médici, Borghese, Farnesio y Ludovisi; conversó con las grandes familias prohispanas de Venecia, Módena, Nápoles y Roma y fue autorizado por ellas a copiar en yeso o fundir en bronce los mejores tesoros escultóricos que el Renacimiento había rescatado de las ruinas y guiado hasta sus jardines y quintas. Con la ayuda del agente Juan de Córdoba y el amparo de embajadores como el conde de Oñate, en Nápoles, y del marqués de Fuentes, en Venecia, Velázquez consiguió para Madrid un duplicado cabal del mejor arte de Grecia y de Roma interpretado por los cinceladores renacentistas y lo trajo aquí con la diligencia de su serena personalidad. Con tal arte nació la Real Academia de San Fernando en 1744 y de su belleza bebieron sus promociones, aunque de las 35 grandes piezas allegadas por Velázquez, íntegramente sólo quedan 13, dispersas por el Prado, el Palacio Real y la propia Academia, que ahora las ha reunido.

Madrileños y forasteros pueden ahora apreciar el gusto exquisito del pintor de los pintores no en dos, sino en tres dimensiones: en estatuas ciclópeas, como el Hércules y la Flora Farnese, que jalonan con majestuoso porte la propia entrada a la Academia tras una restauración in situ premiada por su bella hechura; en Sileno, Nióbide corriendo, el Hermafrodita... yesos o bronces fundidos en 1651, por Matteo Bonucelli o Cesare Sebastiani, muestran la espléndida selección. Dada la delicadeza de su gestión, nada impide conjeturar con base que su misión sirvió para prolongar la hegemonía aúlica hispana en Italia. Y ello sin litigar con nadie, más bien tendiendo amistosos puentes. (EL PAÍS)


EXPOSICIÓN: Velázquez, esculturas para el Alcázar. Martes a viernes, de 9.00 a 19.00. Sábados, matutino y vespertino. Lunes y festivos hasta 14.30. Alcalá, 13.
 




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Dalí tambien estudió en esta academia durante un tiempo, hasta que le echaron porque se enfrentó al tribunal de evaluación.  
 



 
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La esencia del 'Seicento' se exhibe en Madrid

La Academia de Bellas Artes de San Fernando expone 50 obras maestras




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Susana y los viejos, obra de José de Ribera

El siglo XVII, o mejor, el Seicento, es la auténtica Edad de Oro del arte napolitano. Es un siglo extraordinario para el arte que se hace en toda Europa bajo influencia italiana. La Academia de Bellas Artes de San Fernando (http://rabasf.insde.es/) acaba de abrir al público una gran exposición en la que a través de 50 obras se muestran, por primera vez en España, los grandes tesoros del barroco napolitano.

La exposición, organizada por la Fundación Banco Santander, se completa con obras de artistas de la talla de Ribera, Giordano, Gentileschi, Caracciolo, Guarino, Belvedere, Recco o Ruoppolo.

La muestra detalla el paso del realismo y el naturalismo hacia el barroco a través de una deslumbrante colección de bodegones, paisajes y retratos.

Nicola Spinosa, superintendente de los bienes artísticos e históricos y de los museos napolitanos, es el comisario de la exposición. Durante la presentación de la muestra bromeó a propósito de la pasada huelga de basura en las calles madrileñas. "No la he traído de Nápoles. Nosotros sólo venimos con cuadros".


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El óleo sobre lienzo Sátiro y ninfa, de Artemisia Gentileschi.

El trabajo del comisario ha consistido en mostrar las dos grandes líneas que marcan este periodo. Por un lado, destaca la potente influencia de Caravaggio. El maestro del claroscuro viajó en dos ocasiones a Nápoles. La estancia fue breve, pero suficiente para armar una escuela enorme de seguidores: Sellitto, Caracciolo o Vitale son algunos de los maestros representados en la exposición. Caravaggio había revolucionado totalmente la pintura. Hasta entonces, los artistas dulcifican los temas de sus obras. Con él, la dureza de la vida cotidiana llega al lienzo.

La segunda gran influencia surge de José de Ribera, el artista español afincado en el virreinato, impulsor de la corriente naturalista y uno de los máximos responsables de la implantación del barroco más veneciano y mediterráneo. Junto a cinco espléndidas obras de Ribera, se exhiben telas de Falcone, Fracanzano o Guarino.


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Búcaro con tulipanes, de Luciano Pedicini

Nicola Spinosa ha puesto especial interés en recoger cómo, a mitad de siglo, las tendencias clasicistas, Tiziano y Veronés, compartieron la hegemonía de la pintura napolitana. Esto puede verse en las pinturas del clasicista Stanzione o las pinturas más luminosas de Cavallino o Gargiulo. "La pintura solar y mediterránea se acabó instaurando en la última fase del siglo y la pintura napolitana se adentró definitivamente en el Barroco", detalla el comisario. Los principales representantes de esta tendencia fueron Mattia Pretti, Luca Giordano y Francesco Solimena.

Las obras de Luca Giordano ocupan un lugar de honor en esta exposición. "Giordano personifica el barroco Mediterráneo", afirma el comisario. "Los frescos que realiza para el Escorial logran que el sol entre en el oscuro monasterio".

La exposición se cierra con cuatro impresionantes obras de Ribera: Susana y los viejos, Magdalena penitente, San Antonio Abad y Santa María Egipciaca.


EL PAÍS.com
 




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Setecientos: El fulgor de la pintura veneciana


Las joyas de la Venecia del Settecento deslumbran en la Academia de San Fernando


La Serenísima centra una muestra en Madrid que reúne telas de Tiépolo y Canaletto, entre otros, nunca expuestas fuera de Italia



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Sebastiano Ricci. (Belluno, 1659 – Venecia, 1734). 'Venus y Adonis'. Óleo sobre lienzo. 105 x 151,5 cm.Colección Terruzzi.

De las magníficas vedute de Canaletto a las estampas de Balestra, Sebastiano, Ricci y Pellegrini. El esplendor de Venecia, retratado a través de los mejores pintores de la ciudad que vivieron en el siglo XVIII, se exhibe en la muestra El settecento veneziano: del barroco al neoclasicismo, del 25 de marzo al 7 de junio, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
 
La plaza de San marcos, el palacio Ducal, el templo de Santa Maria de la Salute, el paso de las góndolas bajo el puente de la Academia... Pocas ciudades hay en el mundo que arrastren un historial de seducción como la ciudad de Venecia. Las vedute, las vistas de la ciudad, forman todo un género dentro del mundo del paisajismo. Y en ningún momento de la historia la ciudad de las lagunas ha sido retratada con tanta fascinación como en el Settecento, el siglo XVIII italiano, un siglo en el que la ciudad de los Duces combinó su decadencia económica con un espectacular florecimiento artístico. Fue un siglo durante el que se contabilizan no menos de 350 artistas de los que más de cien están considerados de primer orden. Tiépolo, Canaletto, Ricci, Guardi y Cimaroli, son algunos de los nombres más conocidos, pero fueron muchos más.

La Academia de Bellas Artes de San Fernando abre hoy al público la exposición Settecento Veneciano. Del Barroco al Neoclasicismo. Organizada por la Fundación Banco Santander muestra 57 lienzos, auténticas joyas de este periodo. Las obras proceden de instituciones y colecciones privadas italianas, de forma que el 80% de ellas no se han expuesto nunca en España y, en general, nunca han salido de Italia.

La comisaria, Analisa Scarpa, explica que esta es la exposición más completa dedicada en España al Settecento. "Fue e un período de renovación de las fórmulas pictóricas", explica Scarpa .""La luz y el color adquieren a partir de este periodo un significado que hasta entonces no habían tenido".


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Giovanni Antonio Canal, llamado Canaletto (Venecia, 1697 – 1768). El Gran Canal y la Iglesia de la Salute (1730), Houston, Museum of Fine Arts.



EL PAÍS.com
 




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Post Re: REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNADO 
 
Antonio Bonet Correa, director de la Academia de San Fernando


"La Villa, ese fondo popular que no se ha perdido, gana a la Corte"

"Los 'grafiteros' expresan una inquietud que no acierto a entender"

"Madrid se desenvuelve entre lo sublime y lo cutre"

El historiador considera que la capital es una ciudad con vocación de cambio

  


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Antonio Bonet Correa, coruñés de 83 años, dirige desde el pasado enero la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Con 52 académicos y 190 empleados, es una de las instituciones culturales de mayor solera entre las de Madrid, depositaria de los cánones estéticos. Perteneciente a una familia acomodada, con raíces en Lugo, Bonet pasó su mocedad en Santiago de Compostela, donde cursó Filosofía y Letras. "Viví feliz entre el mar y la montaña de Galicia", evoca.

Inclinado inicialmente a la literatura por antecedentes familiares -su madre publicaba libros con seudónimo -, el célebre periodista Borobó, director de La Noche, donde Bonet comenzó a colaborar casi adolescente, le indujo a seguir la carrera de las artes. A tal directriz se aplicaría con un entusiasmo por el saber artístico que no parece haberle abandonado desde entonces. Prosiguió estudios en París, donde vivió los que, a su juicio, fueron los años más prometedores de la Europa de posguerra, entre 1951 y 1957. "Estuve en el corazón intelectual del mundo", recuerda con satisfacción. Antonio Bonet Correa fue primero lector de español en varios liceos parisienses y luego ejerció como profesor ayudante de historia del arte en la Sorbona.

A su regreso a España, fue catedrático de esta misma asignatura en Murcia donde, según confiesa con orgullo, cuatro de sus alumnos de primer curso, entre ellos el recientemente fallecido Juan Antonio Ramírez, llegarían a ser catedráticos de arte o de historia del arte. Es considerado un divulgador incansable del arte.

Bonet Correa ha sido pionero del estudio del urbanismo desde una perspectiva histórico-artística. Tras su paso por diferentes cátedras, también en Sevilla, cuyo Museo de Arte Moderno dirigió, recaló en 1986 en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde dirigió su museo, con pinturas de maestros universales, señaladamente representados por el mayor número de obras (13) de Francisco de Goya, a excepción de las que atesora el Museo del Prado -del que Bonet es patrono-. Bajo su mandato, el de la Academia amplió en 22 sus salas, con un panel de pintores contemporáneos desde Vázquez Díaz a Eduardo Chicharro o Pablo Picasso. Ahora, esas salas, que por razones de personal no podían visitarse durante los últimos dos años, son accesibles al público varios días a la semana. A su juicio, "la Academia no acredita a los artistas noveles, sino que incluye a los ya consagrados". ¿Es sensible a los nuevos movimientos artísticos? "Claro que sí. Hay académicos que proceden de las nuevas artes de la imagen, como la fotografía o el diseño, y antes, además de las plásticas, la Academia ya acogía las llamadas artes temporales, el cine y la música". ¿Considera artístico un movimiento como el de los grafiteros? "Expresa una inquietud que no acierto a entender". Pero ellos, los grafiteros, dicen que el espacio urbano está ocupado por la publicidad y nadie pide permiso a los ciudadanos para apropiárselo. ¿Qué piensa? "Creo que el grafiterismo sobre cantería no tiene valor ninguno, me duele profundamente la falta de respeto a la alta cultura que algunos de ellos muestran". Y pone un ejemplo. "Cuando Hernán Cortés tuvo problemas con su gente tras la Noche Triste [en la que fue derrotado por los aztecas], surgieron pintadas críticas contra él. Mandó encalarlas, pero reaparecieron. Entonces, en pasquines él escribió: 'Muros blancos, papel de imbéciles".

El director de la Academia de San Fernando es un conocedor privilegiado de Madrid. ¿Cuál es el rasgo más destacado de esta ciudad? "Toda ciudad vive en una disyuntiva perpetua entre la permanencia y el cambio, pero Madrid es una ciudad con vocación de cambio", explica. ¿Qué es lo que permanece? "Su trazado, la huella de un enclave histórico. Es una ciudad que se desenvuelve entre lo sublime y lo cutre. Ha ido creciendo de una manera muy anárquica, se ha ido articulando por adiciones. Antonio Ponz decía que esta ciudad tenía una herencia musulmana, pero también eso le da encanto". ¿Cree que aquí se respeta el paisaje urbano? "Madrid está mucho mejor que antes, ya es una metrópolis moderna". ¿Cuál es el elemento crucial? "El agua. Recuerde: Madrid, aguas mil. En eso se parece a Marrakech o a Teherán, porque su subsuelo está lleno de agua. Sin embargo, por fuera, llegando desde Somosierra y de lejos, Madrid es una ciudad teñida de rojo que parece oriental, se asemeja a Bagdad. Aunque, tras vivir algunos años en Sevilla, Toledo me pareció una ciudad nórdica".

¿En qué medida se articula el arte con la ciudad? "El urbanismo es la vida", asegura el historiador. ¿En la polémica reñida siempre en Madrid entre la Villa y la Corte, quién gana la lid? "Creo que la Villa, ese fondo popular que, pese a todo, Madrid nunca ha perdido".


EL PAÍS
 




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Un rey entre Nápoles y España


Una exposición en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, rinde homenaje al rey Carlos III



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Dos óleos de Giuseppe Bonito que se muestran en la Academia de Bellas Artes de San Fernando
  
El 17 de octubre de 1759, Carlos III zarpó de Nápoles con destino a España para ser coronado. Detrás dejó a su hijo Fernando y un importante legado tanto político como artístico al que la exposición Carlos III. Entre Nápoles y España quiere rendir homenaje.

El rey Juan Carlos acompañado por el presidente de la República Italiana, Giorgio Napolitano, inaugura hoy en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando la muestra, que reúne 48 destacadas obras, entre pinturas, esculturas, dibujos, cerámicas y piedras duras que reflejan la renovación integral realizada por el monarca durante su reinado en Nápoles, entre 1734 y 1759.

Organizada por la Embajada de Italia para conmemorar el 250 aniversario de la coronación de Carlos de Borbón como rey de España y con el patrocinio de Endesa, la muestra recorre la trayectoria vital del monarca desde una vertiente artística. Y pone especial atención en algunas de sus iniciativas como la construción y decoración de palacios o la creación de la Reales Fábricas de tapices y de cerámica. Su acertada política ante conflictos y situaciones claves, así como su dedicación a los proyectos de sentido social y a la cultura dejó a lo largo de la historia una huella que esta exposición quiere relatar a través del arte, con obras cedidas por el Museo del Prado, Patrimonio Nacional, los museos de Nápoles, Caserta y el Polo Museale Napoletano, el Palazzo Quirinale o la Galleria Cesare Lampronti.

Entre las obras seleccionadas por el comisario, Nicola Spinosa, para dar una visión completa y profunda de lo que ha sido el arte en Nápoles en tiempos de Carlos de Borbón, se encuentran los dibujos de los proyectos palaciegos firmados por Luigi Vanvitelli. Entre ellos el proyecto para el palacio de Caserta, Portici o el Teatro San Carlo, así como obras de inspiración mitológica de Corrado Giaquinto, Francesco Solimena o Francesco de Mura. La pasión del monarca y de su esposa, María Amalia de Sajonia, por la música, el teatro y la arquitectura, dio lugar a un largo periodo de espléndida producción artística. Especial importancia tienen en la muestra los retratos del monarca y su familia realizados por Giuseppe Bonito, Clemente Ruta, Francesco Liani, así como los de Giacinto Diano, Vanvitelli y Bernardo Tanucci.


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Una de las piezas de la exposición Carlos III. Entre Nápoles y España

Una obra de Antonio Joli representa las ruinas del templo de Paestum, mientras que Giovan Battista Rossi es el autor de Don Quijote y Sancho vuelven a casa, óleo destinado a los aposentos privados del monarca en el Palacio de Caserta, y de Carlo Bonavia es el que representa el Vesubio en erupción visto desde la Linterna del Muselle. Especialmente documentada, a través de los grandes lienzos de Antonio Joli y Pietro Fabris, aparece la partida de Carlos III acompañado de su familia desde la dársena de Nápoles con destino a España. El comisario ha querido también destacar la jura del infante Fernando IV, de ocho años, como rey de Nápoles a través de los óleos de Michele Foschini. Una mesa cedida por el Museo del Prado realizada por el Real Laboratorio de Piedras Duras de Nápoles, manufacturas del Buen Retiro y de Capodimonte, y grandes esculturas de Carlos III completan la muestra que permanecerá abierta hasta el 10 de enero.


EL PAÍS
 




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Post Re: Real Academia De Bellas Artes De San Fernando (Madrid) 
 
Las espigas surrealistas de Maruja Mallo


La Academia de Bellas Artes de San Fernando muestra una antológica con 140 obras



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Maruja Mallo con manto de algas, fotografía retocada en 1945 por Maruja Mallo a la que recientemente en este foro le dediqué un trabajo.

De ella decía Dalí que era mitad ángel, mitad marisco. Se la ha vinculado a la Generación del 27 y al Movimiento Surrealista. Pero Maruja Mallo (Viveiro, 1902-Madrid, 1995) fue mucho más que todo eso. Tremendista, meticulosa, mujer de gran carácter, su imagen está también ligada a la modernidad de los años 80. La Academia de Bellas Artes de San Fernando, de la que fue alumna, abre por primera vez sus puertas a una antológica protagonizada por una mujer. Son más de 140 obras que hablan de su forma de entender el arte y del papel que jugó en el mundo artístico.

Organizada por Caixa Galicia y SECC, la mayor parte de las obras las obras proceden de coleccionistas privados de España, Francia, Argentina y Estados Unidos. Fernando Huici y Ramón Pérez de Ayala han optado por el orden cronológico para montar la exposición. Arranca con una selección de las ilustraciones que en torno a 1927 realizó para la Revista de Occidente. Son lienzos protagonizados por escenas cinematográficas y por verbenas. Mallo, nacida Ana María Gómez González, se había trasladado con su familia a Madrid cuando contaba once años y muy pronto había mostrado su interés por el mundo de la pintura.

En la Escuela de Bellas Artes se hizo con una fama de rebelde que ya no abandonaría en toda su vida. Allí hizo amistad con Dalí y luego, en la Residencia de Estudiantes se integró desde el primer día con Buñuel, García Lorca, Pepín Bello y Rafael Alberti. Con este vivió uno de sus grandes amores de juventud hasta que el poeta gaditano la abandonó por María Teresa León. Pero es Ortega y Gasset quien le da la primera oportunidad para mostrar su talento. Varios ejemplares de la Revista de Occidente muestran escenas de vida urbana. Mallo retomaría esa colaboración a su vuelta a España después de décadas de exilio, ya en los años 60. Son años en los que además de fiestas populares, sus trabajos se centran en el deporte y en los objetos.

Siguen las escenas urbanas con barras de bar ocupadas por cócteles y los dibujos que realizó para ilustrar "La pájara pinta" de Rafael Alberti. Y de ahí se entra a una de sus etapas más inquietantes, la serie titulada Cloacas y campanarios, una colección de lienzos protagonizada por esqueletos retorcidos y pintada en tonos oscuros. La joya de este apartado es Antro de fósiles, pintada en 1932 y casi la única a la que se le había perdido la pista. Se sabía que existía porque la artista tenía fichadas cada una de sus obras. Tanto con los detalles técnicos como con su destino. De esta pieza en concreto no se sabía nada hasta que en la pasada edición de la FIAC de París la vio el galerista madrileño Guillermo de Osma, gran coleccionista y conocedor de la obra de Maruja Mallo. Estaba expuesta para ser subastada en diciembre y De Osma no dudó en pujar. Durante todo este tiempo había permanecido en manos de un coleccionista francés.

Antes de entrar en su etapa propiamente surrealista, se exponen varios retratos de Maruja Mallo en los que se la ve como la mujer sofisticada y un punto extravagante que siempre fue. Con el rostro intensamente maquillado, luce dos piezas de baño con estampados realizados por ella misma. Su forma de presentarse en el mundo y sus cuadros llenos de tétricos esqueletos y espantapájaros sedujeron tanto a los surrealistas franceses que el propio Andrè Bretón adquirió una de sus obras en la galería Pierre Loeb. Al volver a España, entra en lo que Fernando Huici considera que es, seguramente, su etapa creativa más importante. De la mano del uruguayo Joaquín Torres García indaga en las estructuras geométricas del crecimiento del mundo vegetal . Cree que hay que imitar la forma de crear de la Naturaleza y muestra un mundo lleno de interiores de frutas y flores que recuerdan los puros estudios de líneas de los constructivistas.

La Guerra Civil le sorprende en plenas misiones pedagógicas en Galicia. Intenta escapar por Portugal, pero su marido, miembro del POUM es devuelto a España. A ella le ayuda la poetisa chilena Gabriela Mistral, embajadora de Chile en Lisboa. En 1939 pinta la que para ella es su obra más importante, su particular Guernica. La titula El canto de la espiga y forma parte de la serie La religión del trabajo, unas pinturas de trazo muy definido en las que ensalza el mundo del trabajo en el campo. Como hace otras muchas veces, falsifica la fecha y pone 1929 para hacer ver que era un encargo de la República. De los años de América lleva a su obra los retratos de gente de otras razas, de flores ajenas a Europa, de objetos marinos encontrados en sus largos paseos por las playas. Pero ya no volverá a pintar con el entusiasmo de antes.


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El Espantapeces, de Maruja Mallo (SECC / 1931 Óleo sobre lienzo 155,5 x 104,5 cm Colección Particular. Cortesía Galería Montenegro)


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El racimo de uvas, de Maruja Mallo (SECC / 1944 Óleo sobre tablero de artista 66 x 55 cm Colección particular)


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Cabeza de mujer. (Cabeza de negra), de Maruja Mallo (SECC / 1946 Óleo sobre lienzo 56,5 x 46,5 cm Museo de Pontevedra)


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Elementos para el deporte, de Maruja Mallo. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando acoge hasta el 4 de abril la mayor retrospectiva de Maruja Mallo. La muestra reúne 131 piezas.: óleos, dibujos, fotografías y documentación de la época.


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Antro de fósiles, de Maruja Mallo (SECC / 1930 Óleo sobre lienzo 135 x 194 cm Colección Guillermo de Osma, Madrid)



Sede y fechas: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando . C/ Alcalá, 13. Madrid. Del 27 de enero al 4 de abril de 2010. Horario: Martes a viernes: 10 a 14 y 17 a 20 h. Lunes, sábados, domingos y festivos: 10 a 14 h. Entrada gratuita


elpais.com
 




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El secreto de la restauración en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Exposición hasta el 19 de Julio de 2010



La Academia de Bellas Artes expone 100 obras tratadas en sus talleres

Pintura, escultura, estampas, medallas y yesos perviven gracias a la técnica

Se muestra la única pintura de George Washington que hay en España




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Grupo escultórico del Laocoonte. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
  
La tricentenaria Real Academia de Bellas Artes de San Fernando abre al exterior el cofre donde celosamente guarda su arcano más secreto, la flor de su sabiduría: la correcta restauración de obras de arte. Es la misma clave que le ha permitido atesorar y exhibir, vivo, su fabuloso patrimonio.

"Bajo una idea esencialmente didáctica pensada para ser mostrada ante el gran público", subraya Antonio Bonet Correa, la Academia que preside exhibe en su sede de Alcalá 15 la muestra Restauramos: pintura, escultura, grabados, libros y estampas restaurados en sus talleres con las técnicas más perfeccionadas.

Ha querido así festejar el Día Internacional de los Museos, mediante la explicación enjundiosa de la secuencia material y la metodología que hacen posible el milagro de revivir las obras de arte dañadas por la erosión del tiempo o los efectos de perniciosas e incorrectas manipulaciones fruto de la ignorancia y del subdesarrollo técnico. Precisamente en ello hace hincapié Pedro Navascués, vicedirector y tesorero de la Real Academia. "El canon que hoy guía la restauración es científico, no artístico. No podemos ni debemos reinventar la obra de arte, sino más bien aplicarle técnicas que van a permitir devolverle la pintura, el color, la textura que en su día tuvo". La partida de la Academia para restauración es 100.000 euros, añade.

Ya en el zaguán del palacio neoclásico, dos enormes figuras restauradas del dios Hércules y de una espléndida Flora reciben al visitante. Puede en ellas contemplar con asombro las proporciones -seis metros de altura- de las dos estatuas, que se erguían en la napolitana Villa Farnese. Añaden a la magia de sus torsos restaurados el hecho de que ambas fueran reproducidas en yeso y traídas a España por Diego Velázquez en uno de sus viajes italianos, realizado entre 1649 y 1653 por encargo de Felipe IV. Un equipo formado por Silvia Viana, Ángeles Solís y Judith Gasca emprendió su restauración con una técnica basada en un látex especial.

Las dos colosales estatuas parecen anunciar lo que el interior de la Academia cobija: un legado decisivo en la instrucción de los artistas, en la difusión de sus creaciones y en la formación del gusto artístico en España y América. Para lograr los tres objetivos, la restauración fue la tarea invisible, pero imprescindible también, que consiguió consumarlos.

Una vez dentro del museo donde se expone la muestra, sorprende un dibujo a tinta y acuarela sobre papel verjurado. Muestra la fachada barroca que el propio palacio de la Real Academia tuvo en 1726. Fue obra de José de Churriguera y exhibía todo el repertorio del barroco madrileño; desde el almohadillado -brugnato- asentado sobre roca viva, hasta las ventanas cercadas con molduras y fraileros con casetones.

Luis Ramón Gullón, de 51 años, descendiente de Juan de Goyeneche, el prócer cuyo palacio compró la Corona para instalar en él la Academia, halló el dibujo y lo expuso en su casa hasta que un primo suyo, arquitecto, descubrió su enorme valor. Ahora la Academia puede evocar su primitivo rostro barroco, afeitado por Diego Villanueva, hermano del arquitecto del Museo del Prado, que lo rehizo con el estilo neoclásico que hoy muestra. Deslumbran por su belleza las restauraciones acometidas en el centenar de piezas que el visitante puede admirar sobre incunables, estampas bajomedievales o pinturas como la única existente en España sobre George Washington. Perteneció al valido real, Godoy. "Las claves de la restauración son la legibilidad de la obra, la reversibilidad de lo actuado y la estabilidad de la obra de arte", sentencia la restauradora Silvia Viana.


EL PAÍS
 




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Recobrado y restaurado el lienzo 'La Virgen y el Niño y los pecadores arrepentidos', que permaneció olvidado en los almacenes de la calle Alcalá, 13 de Madrid



Van Dyck dormía en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Los análisis de pigmentos y de rayos X acreditan su autoría
  



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Restaurado el lienzo 'La Virgen y el Niño y los pecadores arrepentidos', hacia 1625. Obra de Anthonius van Dyck. Real Acamia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid.
    
Un lienzo de Anthonius van Dyck, pintor flamenco del siglo XVII cuyas obras figuran hoy entre las más cotizadas del mundo, ha sido redescubierto, autentificado y restaurado en los sótanos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde dormía un sueño centenario. Se trata de La Virgen y el Niño con los pecadores arrepentidos, pintado por Van Dyck en Italia en torno al año 1625. Hasta ahora se creía que era una copia.
 
El cuadro representa a la Virgen María con Jesús en brazos y tres figuras que, arrobadamente, les miran: una central, femenina, María Magdalena, con ropaje blanco satinado, que evoca las inconfundibles masas cromáticas de Tiziano contempladas por Van Dyck en un juvenil viaje a Italia; otra figura encarna al hijo pródigo, en un segundo plano, y la tercera, al rey David, en una composición que la finura sentimental de Van Dyck supo magistralmente trenzar para dar idea de que frente a sus tres respectivos pecados, prostitución, prodigalidad y adulterio, ante la figura de la Virgen María y de su hijo mostraban su devoto arrepentimiento. Precisamente, algunos arrepentimientos -retoques introducidos por Van Dyck para enmendar sus obras- han permitido ahora atribuir esta joya al excelso artista flamenco. Así, un paño que recubrió inicialmente el regazo de Jesús fue retirado por Van Dyck con posteriores pinceladas que hicieron aflorar carnaciones hasta entonces inexistentes.

Desde el pasado julio, las restauradoras Silvia Viana, Judith Gasca y Ángeles Solís han acometido un esmerado trabajo que ha incluido contundentes análisis de pigmentos y pruebas radiológicas. El cuadro, pintado en torno a 1625, perteneció a la colección del Duque de Medina de las Torres, en el virreinato español de Nápoles. Siguió ruta hasta Amberes, primero, para recalar en España, concretamente a la antesacristía del monasterio de El Escorial, bajo el reinado de Felipe IV, mediado el siglo XVII. En el recinto escurialense permaneció abierto a la contemplación pública hasta la invasión napoleónica de 1808 en la que, de manera sorprendente, se salvó del expolio al que fueran sometidas por la soldadesca miles de obras de arte. Tiempo después, el cuadro fue a parar a la Real Academia de Bellas Artes, en la calle de Alcalá, 13. Allí pasó a ocupar un lugar recoleto de sus almacenes, para integrarse luego en un olvidado peine, soporte de obras de arte. En 1973, Matías Díaz Padrón, futuro conservador de Arte Flamenco del Museo del Prado y máximo especialista en Van Dyck, por indicación de su maestro Diego Angulo, comenzó a columbrar en su tesis doctoral que el autor de tan magna obra era el ubérrimo artista flamenco, atribución que ahora acaba de ser confirmada tras un minucioso proceso de análisis químicos y radiológicos, "avalado por exhaustivos estudios históricos y contrastado por especialistas", según confirma el historiador del Arte José María Luzón, director del Museo de la Real Academia.

Anthonius van Dyck nació en Amberes en 1599. Fue coetáneo de Diego Velázquez. Precisamente, se cree que el genial sevillano dejó su impronta en este cuadro del pintor flamenco. Es conocida la afección de Velázquez por redimensionar los lienzos que, como guardián de las colecciones reales, él custodiaba. "En esta obra de Van Dyck", explica José María Luzón, "se aprecia claramente que la tela fue prolongada hasta siete centímetros en su longitud inicial, hecho que permite sospechar que pudo deberse a Velázquez".


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El lienzo de Anthonius van Dyck, hallado y restaurado en la Real Academia de Bellas Artes.

El artista flamenco, huérfano de madre desde los ocho años, se había formado en el taller de Hendrick van Balen. Su vida coexistió con la de Pedro Pablo Rubens. Tras un fértil viaje a Italia, donde estudió la pintura de los grandes maestros, Van Dyck regresó a Amberes y fue llamado a la Corte de Londres por Carlos I. Allí descollaría como uno de los mejores retratistas de todos los tiempos, maestro a la hora de representar con sus pinceles emociones tan intensas como el amor, la fe o el arrepentimiento, que tan sublimemente refleja en este tesoro pictórico ahora recobrado. La fuerza plástica, la sutileza rítmica, la finura expresiva y la singularidad instantánea que capta en sus composiciones corroboran, con las credenciales de la analítica científica aquí empleada, la certeza de su autoría.


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La obra podrá ser vista en mayo en Madrid, en una exposición monográfica, Ecos de van Dyck, que la semana entrante visita la sede de Caja Murcia, entidad patrocinadora de la restauración.


elpais.com
 




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Con ustedes, Anton van Dyck


La Real Academia de San Fernando muestra obras inéditas del gran pintor flamenco reunidas en España



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Medallón con retrato grabado de Anton van Dyck.

Madrid puede contemplar, hasta el 26 de junio, algunas de las mejores y principales obras inéditas de Anton van Dyck, artista flamenco culmen de la pintura universal. Las obras expuestas incluyen óleos, dibujos, grabados y estampas, así como libros sobre la obra y la vida del genial discípulo de Pedro Pablo Rubens.

Anton van Dyck había nacido en Amberes en 1599. Cooptado por la Corona española en Flandes, a punto estuvo de venir a la Corte de Madrid, mas llegaría a ser pintor de Cámara de Carlos I de Inglaterra hasta el regicidio del monarca que, en su juventud, fuera conocido como el Príncipe gorrón tras visitar Madrid para cortejar, sin éxito, a una hermana de Felipe IV.

El contenido de la muestra madrileña ha sido acopiado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con patrocinio de Caja Murcia, ciudad de donde procede la exposición. Ésta ha sido comisariada aquí por el académico José María Luzón, asesorado por el veterano conservador del Museo del Prado, Matías Díaz Padrón, uno de los principales expertos en arte flamenco a escala mundial. Díaz Padrón celebra como "muy feliz" el hecho de "haber reunido un florón de obras del propio Van Dyck existentes en España".

Las piezas tienen distinta procedencia, desde una colección particular que aporta el lienzo La Santa Cena, en que el flamenco evoca a Da Vinci en su celebérrimo fresco de la milanesa Santa Maria delle Grazie, hasta un San Sebastián, en insólito escorzo previo a su asaeteamiento, que presta el monasterio de El Escorial, que regenta Patrimonio Nacional. La misma institución ha cedido también de allí una espléndida Virgen y el Niño. De la biblioteca y de los archivos calcográficos de la propia Academia de San Fernando procede El Martirio de San Jorge, último boceto realizado por Van Dyck antes de su muerte en 1641, cuya figura central se inspira en otra de Bernini. Entre los lienzos que se exponen destaca por su singular elegancia Cristo y una mujer adúltera. Se trata de uno de esos tesoros semisecretos que Madrid esconde en alguno de sus más pintorescos rincones: el Hospital de la Venerable Orden Tercera franciscana. El cuadro, una de las telas más conmovedoras de Van Dyck, ha permanecido durante tres siglos en la escalera principal del edificio madrileño, que se ve rematado por una rural espadaña, casi paredaña de la basílica de San Francisco el Grande. A tan vetusta y aún activa asociación de seglares se asegura que pertenecieron literatos como Miguel de Cervantes o, ya en el siglo XIX, la escritora naturalista Emilia Pardo Bazán. Las pinturas de trasunto piadoso de Van Dyck revelan su ascendiente iconográfico sobre el arte posterior a la Contrarreforma, en fechas en que las guerras de religión seguían asolando los doloridos campos de Europa.


La exposición Ecos de Van Dyck gira sobre el lienzo La Virgen con el Niño y los pecadores arrepentidos. Tras ser identificado décadas atrás por Matías Díaz Padrón, fue recientemente descubierto en los almacenes de la Academia de San Fernando.


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'La Virgen y el Niño y los pecadores arrepentidos', h. 1625. Obra de Anton van Dyck. Real Acamia de Bellas Artes de San Fernando

El cuadro, pintado en Italia con soberbia hechura, expresa sentimientos como la arrobada devoción o la contricción profunda, que ningún pintor supo reflejar con pincelada tan sublime como Van Dyck. Fue adquirido en Nápoles por el Señor de Medina de las Torres, que lo regaló a Felipe IV, quien dispuso ubicar la tela en la antesacristía del monasterio de El Escorial.

Allí se exhibió durante dos siglos hasta que la batahola consecutiva al expolio napoleónico, en 1809, propició su extravío. Vino a dar luego a la Academia de San Fernando, donde quedó almacenada como propia del taller de Rubens hasta su reciente rescate y feliz restauración.

Ecos de Van Dyck. R. A. .B. A. S. F. Martes a sábado, de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00. Domingo, horario matutino. 3 euros.


elpais.com
 




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Tachones sobre Goya por amor



La Academia de Bellas Artes de San Fernando expone la obra del vienés Arnulf Rainer sobre el pintor aragonés       



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Grafito y tinta sobre página de libro (1990

Un acto de aparente violencia puede esconder una declaración de amor. Arnulf Rainer (Baden, 1929) lleva décadas tachando, repintando o deformando la obra de maestros como Leonardo da Vinci, Van Gogh o Rembrandt. Uno de los artistas sobre los que más ha trabajado es Goya y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ha reunido una selección de piezas en la exposición Arnulf Rainer sobre Goya, que puede visitarse hasta el día 13 de noviembre. Entre 1983 y 2005, el artista austriaco creó varias series centradas, casi exclusivamente, en los grabados del pintor aragonés.

Pintor, grabador y fotógrafo autodidacta, en 1949 Rainer apenas pasó un día en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena: la abandonó tras una discusión con un profesor empeñado en que se ciñera a la pedagogía académica. "Además, todavía había vestigios de la época nazi", señaló ayer en las horas previas a la inauguración de la exposición, que ha contado con el respaldo de la Fundación Banco Sabadell. A finales de los años cuarenta participó de las corrientes surrealistas pero, durante una visita a París, en 1951, se dejó seducir por la abstracción gestual de pintores como Georges Mathieu, Jackson Pollock, Jean-Paul Riopelle y Wols (seudónimo de Alfred Otto Wolfgang Schulze). A partir de entonces empezó a pintar sobre obras ya existentes, a veces hasta casi hacer desaparecer el original bajo una espesa capa de material negro.


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Acrílico sobre impresión láser (2005).

Su trabajo sobre obras de maestros vino después. Pero no hay que hacer de ello una interpretación iconoclasta: "Es un acto de amor", declaraba mientras contemplaba el montaje de sus piezas, satisfecho de que compartieran techo con el Agnus Dei y los Frailes mercedarios de Zurbarán, con una María Magdalena de Ribera o con los 13 goyas que forman parte de la colección de la institución de la calle de Alcalá, de la que fue académico el pintor de Fuendetodos. "Tacho lo que deseo que no se vea. Es gesto negativo por excelencia. Sin embargo, aquello que tacho se hace más llamativo y mi tachadura, en lugar de ocultarlo, lo destaca", ha dicho Rainer.



Arnulf Rainer en 1982 empezó a trabajar sobre reproducciones de los 'Caprichos'

Con ese deseo de apropiación, mezcla de admiración y rechazo, se aproximó, en 1982, en sus primeros trabajos sobre Goya. Empezó realizando superposiciones -de tinta o grafito- sobre un libro de reproducciones de los Caprichos. Pronto se dio cuenta de que lo que más le interesaba era la fisonomía, las caras. Así nació la serie Rostros con Goya, 143 pinturas y 60 láminas, algunos procedentes de los Caprichos y otros de los Disparates. Rainer adquirió una edición de los primeros fechada en Múnich en 1918 para poder trabajar sobre ellos. "No es extraño ver que en algunos casos el trabajo de Rainer consiste en acentuar aquello que en el original goyesco estaba anunciado: las oquedades de la boca y de los ojos, de las fosas nasales, pero también las expresiones, tristeza, melancolía, exasperación, propias de muchas de las facciones creadas por el artista aragonés", escribe el historiador Valeriano Bozal en el catálogo de la exposición.


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Un acrílico sobre impresión laser por Arnulf Rainer entre 1980 y 1982.


Arnulf Rainer sobre Goya. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. De martes a sábado, de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00. Domingos y festivos, de 10.00 a 14.00. Los lunes, cerrado.



elpais.com
 




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Arte en estado de gracia


La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando homenajea con una exposición a Mariano Benlliure, el autor valenciano de la mejor estatuaria de las calles, museos y parques de Madrid



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Regalo al reino de Marruecos tras la firma de un tratado. / RABASF

Visitar la exposición que la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando dedica al artista valenciano —madrileño de adopción — Mariano Benlliure (Valencia, 1862-Madrid, 1947), resulta una aventura tan grata como la que esconde y se reserva mostrar la perezosa primavera: todo un homenaje a la luz, la finura y a la alegría de un artista gozador, que se propuso hacer felices a cuantos contemplaran sus obras, más de 4.000, se asegura en el recinto académico.

Bajo el epígrafe El dominio de la materia, la muestra exhibe grupos escultóricos de dimensión reducida; bustos; retratos; bajorrelieves; bocetos; dibujos y, sobre todo, maquetas a escala en bronce, plata, terracota o cerámica, así como bellísimas reproducciones y modelados de sus mejores obras escultóricas. Muchas de ellas embellecen plazas y parques de Madrid.

Es el caso de la que, encaramada sobre un mausoleo único en Europa, en el Estanque Grande del parque del Retiro, modelaron las manos de Benlliure a la cera perdida para inmortalizar como pacificador al joven Alfonso XII; desde 1910 domina las copas de los árboles del parque desde su pedestal, a 27 metros de altura, sobre un mirador que culmina una peana columnada, ornamentada por los mejores escultores españoles. Apenas a unos centenares de metros, en el mismo parque, la efigie del general Arsenio Martínez Campos, considerada como una de las mejores piezas de estatuaria ecuestre de todos los tiempos, parece cabalgar en la historia, embutido en su capote con su ros coronado por palomas.

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Estatua del general Martínez Campos para el Retiro. / RABASF

En la Academia madrileña, la mirada discurre placenteramente por la obra del artista levantino, cuyos conocimientos pictóricos —la pintura fue su primera inclinación artística que estudió de su maestro Francisco Domingo Marqués— le aseguraron una soltura del dibujo y del color cruciales para procurarle la perfección plástica que poco a poco conseguiría, tras cruzar el pasillo hacia la escultura, verdadero hogar de su arte. Así lo demuestra en el busto en barro cocido de quien fuera su maestro, verdadero prodigio de realismo —y de afecto—, obra que le procuraría el Premio del Emperador Francisco José de Austria.

Para consumar tan feliz tránsito hacia el arte de esculpir y modelar, Benlliure había tenido que familiarizarse con el bronce, el mármol, la madera, la escayola, la cerámica y la plata; reñir luego combate contra la entraña matérica y caprichosa de aquellos elementos; y, al cabo, domeñarlos y ponerlos al servicio de sus espléndidas manos. De tal modo lo consiguió que Roma, primero, París y Viena, después, a la sazón capitales europeas de la cultura, rendirían tributo admirado a su maestría otorgándole galardones máximos como el de la Exposición Universal de París de 1900.

El visitante puede no dar crédito a la anécdota, pero con solo 14 años de edad, le fue encargado a Benlliure ni más ni menos que un paso completo —concretamente un Descendimiento— para la austera y sacra Semana Santa de Zamora. En una filmación de la década de 1940 que se proyecta en la exposición madrileña, el veterano escultor relataba: “Mi entusiasmo era entonces tan grande que no reparé en que las dimensiones del paso superaban las propias del taller donde trabajaba: tuve que tirar el muro para poder sacarlo, con el consabido disgusto de los dueños del piso, que obligaron a mi familia a abandonarlo”.

Todas las obras que la exposición muestra, desde el busto de Goya que inspiraría su monumento al aragonés situado en la fachada Norte del Museo del Prado, hasta el semblante marmóreo de la bella Cléo de Mérode, o los perfiles en mármol de María Cristina de Habsburgo y sus tres hijos, son festivales de gozo estético. Deslumbra la belleza lograda en un Idilio en mármol de Carrara, que celebra el amor adolescente de una pareja a cuyos pies un macho cabrío mima a un corderillo; destella un ameno grupo escultórico en bronce, donde una ninfa dormida atrae a dos pequeñuelos que la contemplan extasiados, mientras la espuma del mar acaricia sus brazos y piernas.

Efectos como el de la espuma; el suave rizado de la testuz de toros bravos; la puntilla del alba del beato valenciano Juan de Ribera; la filigrana de la empuñadura de una espada del general Polavieja o el hacha de plata y oro empleado por la hermana del rey, La Chata, en la botadura del acorazado Alfonso XIII, expuestos por vez primera en Madrid, son algunos de los prodigiosos efectos que un buril como el de Benlliure consigue.

Pero no son menos sorprendentes sus cincelados rostros femeninos, entre los que destacan los de sus dos esposas, Leopoldina y Lucrecia, o el de su hijo Luis Mariano, que sirvió de modelo para la estatua en la que inmortalizó al diplomático, militar y dramaturgo Ángel Saavedra, duque de Rivas, emblema de un romanticismo literario que Benlliure perpetuaría en la escultura realista con una sorprendente desenvoltura, hoy al alcance de todas las miradas.


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Autorretrato de Mariano Benlliure a los 38 años.

El dominio de materia reúne 51 obras del escultor, la mitad de las cuales se exponen en España por primera vez. En Madrid residió gran parte de su vida, tuvo su estudio y acometió el mayor número de encargos oficiales y privados; y Valencia fue su ciudad natal.

La exposición recoge una selección de obras procedentes tanto de de colecciones particulares como de instituciones públicas, como Patrimonio Nacional, el Museo Nacional del Prado, el Congreso de los Diputados, el Museo de Bellas Artes de Valencia, el Musée d’Orsay, la Real Academia de la Historia, la Embajada de España en París o la Embajada de Italia en Madrid, entre otras.

Mariano Benlliure. El dominio de la materia. De 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00, salvo lunes. Domingos horario matutino. Acceso gratuito. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Alcalá, 13. Madrid.

Web Real Academia de Bellas Artes de San Fernando



elpais.com
 




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Goya, Godoy y el retrato perdido


Bellas Artes 'resucita' una copia de Agustín Esteve sobre el original del genio, desaparecido en 1808



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El óleo 'Godoy. Protector de la Instrucción', de Esteve, en sucesivas fases de su restauración. A la izquierda se aprecian las zonas donde había saltado la pintura. / academia de bellas artes

"¡Muera el choricero!”. El grito de la muchedumbre prologó el asalto al palacete de Aranjuez. Dentro, escondido, el primer ministro de Carlos IV, Manuel Godoy. El Príncipe de la Paz y favorito del monarca (al parecer también de la reina) estaba a punto de ser arrollado por una turbamulta y con él todo lo que había en aquella casa: tapices, vasos de china, lienzos… Así contó la insurrección de la noche del 17 al 18 de marzo de 1808 Benito Pérez Galdós en los Episodios Nacionales. Godoy fue apresado y sus casas y pertenencias arrasadas varios días por un gentío instigado por los partidarios del nuevo rey, Fernando VII.

Entre esas obras destrozadas había un retrato del político pintado por Francisco de Goya en 1806, Godoy. Protector de la instrucción, en el que el Generalísimo extremeño (1767-1851) sostenía en la mano izquierda el tratado de Educación pública del pedagogo suizo Heinrich Pestalozzi (1746-1827), que había inspirado su reforma educativa. También se aprecia detrás un edificio en cuyo dintel se lee A la educación de los españoles. Esa construcción era el Real Instituto Militar Pestalozziano, escuela erigida en noviembre de 1806 en Madrid para formar a futuros oficiales del Ejército. El cuadro de Goya colgó de las paredes de ese lugar.

"Queremos recuperar este óleo por su calidad artística y su mensaje de defensa de la enseñanza pública", dice Luzón

Sin embargo, la oposición de la Iglesia y reaccionarios había obligado a cerrar en enero de 1808 aquel instituto revolucionario. Del cuadro de Goya despedazado no se supo más pero quedaron dos copias, de 1807, del valenciano Agustín Esteve y Marqués (1753-1820?), "pintor de cámara, retratista de los duques de Osuna y copista de Goya", enumera el delegado del museo de la Academia de Bellas Artes, José María Luzón.

Una de esas copias lució en una casa de Godoy pero como otras obras de arte del derrocado, los franceses las reunieron al comienzo de su invasión en el madrileño palacio de Buenavista. "Después, en 1816, esos cuadros se trasladaron a la academia de Bellas Artes, única institución que había para almacenarlos", señala Luzón. Uno de los dos óleos de Esteve (de 2,50 por 1,76 metros), doblado, arrumbado después en un bastidor y con sucesivas y pésimas intervenciones permaneció almacenado hasta diciembre pasado, cuando se acometió su restauración. Ese Godoy idealizado, en traje de gala, está a punto de ver la luz otra vez gracias a tres restauradoras. "Queremos recuperarlo no solo por su gran calidad artística, sino también por su mensaje, la defensa de la enseñanza pública", afirma Luzón, exdirector del Museo del Prado.

"Como Goya no tenía tiempo de hacer sus copias, se las encargaba a Esteve. Ambos tenían buena sintonía", dice Arturo Ansón, profesor de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza y estudioso del valenciano. De este artista, "el que más retrató a Godoy", asegura que "llegó tarde a pintor de cámara porque no encontró hueco con sus obras religiosas, por lo que se especializó en el retrato". La grandiosidad de Goya le eclipsó, además del sambenito de retratista de Godoy. Con la guerra de Independencia se refugió en Valencia y cuando regresó a Madrid "ya eran otros tiempos y el suyo había pasado". El profesor Ansón niega que la fecha del fallecimiento de Esteve sea 1820, como se ha establecido siempre. "Murió entre 1830 y 1835. Lo que sucedió fue que a partir de 1820 se quedó ciego, fue a Valencia y apenas se sabía nada de él. Pero hay testimonios en 1825 que dan fe que seguía vivo".

Luzón explica que la segunda copia del goya no tiene la calidad de la que ellos están restaurando. "Además, presenta diferencias con la nuestra, como las piernas de Godoy". Lo que no se sabe es cuál de los reproducciones se asemeja más al original. "El esteve de la academia tiene detalles extraordinarios, como la cabeza del personaje", asegura Silvia Viana, una de las restauradoras (junto a Ángeles Solís y Judith Gasca, un equipo premio Nacional de Restauración).


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Detalle del retrato de Godoy en una imagen realizada con lámpara ultravioleta para comprobar los daños más internos del óleo. / REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO

El segundo esteve viajó a Suiza porque Godoy quería regalárselo al mismo Pestalozzi. Sin embargo, cuando la obra llegó a su destino, el primer ministro había caído. Desde entonces comenzó una historia de ventas que acabó en 1989 con la compra por parte de la Generalitat Valenciana, que lo ubicó en el museo de Bellas Artes. José Gómez, conservador de esta pinacoteca, no quiere "entrar en comparaciones" sobre cual de los dos esteves es mejor. "Era normal que este pintor hiciera varias réplicas y no fueran todas iguales".

Del tercer protagonista de la historia, el lienzo de Goya, solo queda un pequeño trozo, el que muestra al grupo de niños de la zona inferior izquierda del cuadro y que se conserva en el Meadows Museum de Dallas. Sin embargo, el equipo de restauración de la Academia de Bellas Artes duda que sea auténtico: "Los rostros de esos críos son demasiado melosos para ser de Goya y además están vestidos como príncipes en vez de como alumnos", dice Silvia Viana.

La rehabilitación del esteve en poder de la academia se prevé que acabe a fines de mayo, cuando estará listo para exponerlo. Del proceso de recuperación, Viana detalla que "el cuadro se encontraba en muy mal estado por haber estado doblado, incluso tenía la marca de los pliegues". Eran visibles en el rostro de Godoy las huellas de una mala restauración. "La pintura saltó en algunas zonas", explica mientras pasa la mano por el óleo. La restauración ha llegado al estucado, en el que se aplica una masa que nivela las áreas donde se perdió pintura y que se repintarán. "Al final quedará muy bien, aunque lo hemos tenido en cuidados intensivos".


elpais.com
 




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El segundo hogar de Goya


La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando alberga tres nuevos e ilustres huéspedes



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Retratos de los condes de Fernán Núñez.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando alberga, cedidos durante un año, tres nuevos e ilustres huéspedes: una dama noble, un aristócrata y un militar. Ella es María Soledad de Solís, condesa de Fernán Núñez; su esposo, el conde José Gutiérrez de los Ríos; y el militar, el célebre general Ricardos. Tienen en común su coetaneidad, vivida a finales del siglo XVIII, y su nombradía, paseada en los salones madrileños entonces, aunque adquirida por ambos caballeros en los campos de batalla.

Pero, sobre todo, las tres personas comparten el honor de haber sido magistralmente inmortalizadas por los pinceles Francisco de Goya, en su día académico director honorario, quien abriera la pintura mundial a la edad contemporánea desde Madrid, donde vivió gran parte de su fecunda vida.

La condesa está representada en el escorzo de una posición sedente, con un tocado de tul negro coronado por un adorno carmesí, el rostro levemente jaranero, coloretes en los pómulos y un atuendo negro y oro en el que destaca sobre su pecho un camafeo cuadrado con la efigie de un muchacho. Las puntillas de sus guanteletes y basquiña muestra hasta el más leve de los hilos de su encaje. El detallismo de Goya era proverbial.

El conde de Fernán Núñez, que en 1817 sería nombrado duque, toca su testa con sombrero de dos picos y, desprovisto de condecoración alguna: se ve envuelto en un manteo oscuro, poco diferente de los entonces lucidos por majos y petimetres. Su arrogante apostura preludia aquel turbión de pasión y sentimiento al que se denominaría Romanticismo.

En cuanto al militar, paisano aragonés del pintor de Fuendetodos, comparece uniformado junto a una pieza artillera, afablemente encarado con quien le observa gracias a una mirada cargada de actualidad, semejante a la de su vecino en la misma sala del académico museo, el arquitecto Juan de Villanueva, que parece que desde el lienzo mismo respirara, dada la cercana viveza de su semblante.

Junto al del alarife autor del edificio del museo del Prado cuelga el retrato del tímido literato Leandro Fernández de Moratín, amigo íntimo del artista aragonés. Dos autorretratos del propio Goya, uno en sus cuarenta años y el otro de setentón, confirman la evolución biológica del artista, llegado a Madrid en 1766. De veinteañero buen mozo se representó a sí mismo en un extremo de su lienzo San Bernardino de Siena predica ante Alfonso V de Aragón. Por encargo de su amigo el arquitecto, escultor y fontanero mayor de Madrid, natural de Ciempozuelos, Ventura Rodríguez, tal lienzo, destinado a la basílica madrileña de San Francisco el Grande, es considerado como el culmen de la pintura religiosa de Goya; honor éste que comparte con su Última comunión de San José de Calasanz, hoy custodiado —pero varado también— en una capilla de una residencia de las Escuelas Pías de la calle de Gaztambide, 65, solo visitable por grupos en las mañanas con cita previa.

Apenas a unos metros del lugar que ocupan los retratos de sus amigos Moratín, Villanueva y José Luis de Munárriz, la Real Academia de Bellas Artes muestra El entierro de la sardina. Se trata de un cuadro de reducidas dimensiones que el pintor convirtió en un canon del movimiento merced a un asombroso juego de diagonales formado entre la línea de los pies de varios danzantes enmascarados y un estandarte oblicuo que dialoga con su geometría: quien lo observa imagina escuchar asimismo el tam-tam que rítmicamente acompasa la danza.

Más de 300 obras

Según explica la conservadora del museo Mercedes González de Amezúa, componen el ajuar del museo de la Real Academia tanto escenas populares, como pintura de gabinete y retratos áulicos, como el Fernando VII a caballo, que la Academia no pagó en su día. “Pero, al satisfacer posteriormente su precio al heredero, único superviviente de los siete hijos de Goya con Josefina Bayeu, Francisco Javier Goya, éste regaló a Bellas Artes de San Fernando el genial Autorretrato ante el caballete, de su padre”.

Así pues, tras la colección del Museo del Prado, de cuyos muros cuelgan 134 telas del más genial, pendenciero y universal de los artistas españoles, la Real Academia de la calle de Alcalá posee lo más nutrido de su obra, ya que a los 15 magníficos óleos hoy mostrados del pintor —precisa Mercedes González de Amezúa— hay que sumar más de 300 obras, planchas y grabados de Goya que atesora la Calcografía Nacional en el mismo edificio de la Academia de Bellas Artes.

El Banco de España exhibe por su parte una valiosa colección de seis lienzos de Goya, entre los que destacan los retratos del marqués de Tolosa y del ministro Cabarrús, así como banqueros de aquella trepidante época, que quedaría rasgada por la Guerra de la Independencia. En la contienda, Goya sufriría el desgarro entre su libérrimo espíritu, cercano al de la Revolución francesa, y su acendrado patriotismo. Aquella escisión, mórbida e incesante, quedaría explícita en el óvalo del medallón alegórico que le fuera encomendado pintar por el Rey intruso, José I —Goya era pintor regio—, y que llevaría primero la efigie de Bonaparte y luego la de Fernando VII, una vez que las tornas cambiaron en Madrid.

El repintado medallón se conserva en el hoy Museo de Historia, en la calle de Fuencarral, vía en cuyo número 33, cerca de la calle de San Onofre, viviera Goya. Es preciso subrayar que el pintor de La familia de Carlos IV, los Fusilamientos del 3 de mayo, La carga de los mamelucos y Los desastres de la guerra, aquel cazador empedernido, taurófilo pertinaz y mal hablado, Francisco de Goya y Lucientes, adquirió por 60.000 reales una finca de 10 fanegas y 14 celemines en lo que hoy sería el barrio de Aluche, situada entre las calles de Caramuel, Doña Mencía y Saavedra Fajardo. Allí, a partir de 1822, plasmaría sus famosas Pinturas negras. Gracias a un prócer, el barón Emilio de Erlanger, aquellas pinturas, transcritas desde sus muros por el pintor valenciano Salvador Martínez Cubells, fueron salvadas de la ruina, ya que la finca, conocida como La Quinta del Sordo, fue demolida y en su ámbito se construyeron 1.400 viviendas.

El paseante local o forastero que se acerque a la ribera izquierda del río Manzanares puede completar su visión de la fascinante obra de Francisco de Goya y verse allí deslumbrado en una pequeña ermita, proyectada en 1792 por el italiano Carlo Fontana, donde el aragonés pintó al fresco el milagro de San Antonio de Padua. Se encuentra en el paseo que lleva el nombre del santo.

De martes a sábado, incluidos festivos, entre las nueve y media de la mañana y las ocho de la tarde, la ermita permanece gratuitamente abierta. En San Antonio de la Florida, la vista se alza hacia un excelso celaje donde cien figuras parecen dialogar de tú a tú, como el propio Goya se permitiera hacer, con la corte celestial. En el suelo del pequeño templo ribereño del río que tanto amó, yacen desde 1919 los restos, sin cráneo, de Francisco de Goya enterrado en 1828 en la ciudad meridional francesa de Burdeos. Desde allí, donde sufrieron profanación, fueron trasladados hasta un mausoleo del cementerio sacramental de San Isidro, compartido con Moratín, Meléndez Valdés y el pensador Donoso Cortés y, en 1919, hasta la ermita donde hoy reposan.


Los otros hogares de Goya en Madrid

    - Museo del Prado. 134 lienzos: entre otros, La familia de Carlos IV, Los fusilamientos del 3 de mayo o La carga de los mamelucos.
    - Colección de retratos de banqueros (Cabarrús). Banco de España, plaza de Cibeles.
    - Frescos y sepulcro de Goya. Ermita de San Antonio de la Florida, paseo de San Antonio de la Florida, junto al río, en la ribera izquierda.
    - San Bernardino de Siena predica ante Alfonso V de Aragón. Basílica de San Francisco el Grande. Plaza de San Francisco.
    - Cenotafio (mausoleo funerario sin sus restos) con Moratín, Meléndez Valdés y Donoso Cortés. Cementerio de la sacramental de San Isidro. Paseo del Santo s/n.
    - Pinturas negras. Quinta del Sordo (hoy inexistente) Entre las calles de Caramuel, Doña Mencía y Saavedra Fajardo, en Aluche.
    - Óvalo alegórico de la guerra de Independencia. Museo de Historia. Fuencarral 78.
    - La última comunión de San José de Calasanz. Residencia de las Escuelas Pías. Gaztambide, 65 esquina Joaquín María López.
    - Cartones para tapices. Real Fábrica de Tapices. Calle de Fuenterrabía esquina a Andrés Torrejón.
    - Carlos III, Fernando VII... Palacio Real.
    - Retratos. Palacio de Liria.


Más Goya en la Academia. De martes a sábado, de 10.00 a 15.00. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Alcalá, 13. Entrada 5 euros.


Fuente: elpais.com
 




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La Academia de Bellas Artes exhibe, temporalmente, dos nuevas obras de Goya


Se suman a su importante legado de pinturas, grabados y manuscritos, los retratos de los condes de Fernán Núñez, procedentes de una colección particular


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«Retrato de la condesa de Fernán Núñez» (1803), de Goya. Colección particular

Goya sigue creciendo en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Si en mayo recibía el depósito del espléndido «Retrato de General Ricardos», otras dos obras del maestro aragonés, los retratos del Conde y la Condesa de Fernán Núñez, han sido cedidos ahora en depósito a esta institución. Estas tres obras se suman, aunque sea temporalmente, a su relevante colección goyesca.

Carlos José Gutiérrez de los Ríos fue el VII conde de Fernán Núñez (Fernando VII elevó su título a ducado). A los 15 años ingresó como académico de honor de San Fernando en 1794. En 1803, ya casado y con veinticuatro años, posa para este retrato de Goya, que forma pareja con el de la condesa, María de la Soledad Vicenta de Solís Lasso de la Vega. Ambos lienzos se conservan en una colección particular.

Según los especialistas, «la sobriedad predomina en el retrato del conde, de aristocrática sencillez, sin condecoraciones. Goya utiliza una paleta velazqueña de grises y azules en los fondos de paisaje, que enlazan ambos cuadros entre sí, y sólo el negro para el atuendo de Fernán Núñez: bicornio, capa y botas altas. Es una obra de extraordinario aplomo y energía, uno de los mejores retratos europeos de su tiempo».


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«Retrato del Conde de Fernán Núñez» (1803), de Goya. Colección particular


Otras novedades

Junto a estos retratos, se exhiben cuatro estampas de la primera edición de los«Caprichos», de los fondos de Calcografía Nacional, así como documentos del pintor conservados en el Archivo de la Academia, algunos de los cuales nunca habían sido expuestos. Entre ellos, la carta de Goya dirigida al viceprotector de la Academia, Bernardo Iriarte, en la que expone su parecer sobre el estudio de las artes, otra carta del pintor dirigida a José Munárriz, secretario general de la Academia, comunicándole la terminación del retrato de Fernando VII o el documento de donación de «La Tirana» (1816). Los visitantes podrán contemplar todo ello hasta el 31 de enero de 2014.

Goya fue teniente de Pintura y director honorario de esta Academia

La relación de Goya con la Academia ha sido siempre muy estrecha. Fue miembro de ella desde 1780 y llegó a ocupar el cargo de teniente de Pintura y más tarde el de director honorario. Atesora en su colección trece pinturas de Goya. Destacan especialmente dos autorretratos: uno, de joven, ante el caballete, y otro a punto de cumplir los setenta años. También, retratos de Moratín, Juan de Villanueva y José Munárriz, el de la actriz La Tirana, el retrato ecuestre de Fernando VII, y el de Godoy.


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«El entierro de la sardina» de Goya

La colección de Goya de la Academia también incluye cinco tablas de pequeño formato: «El entierro de la sardina», «Procesión de disciplinantes», «Corrida de toros», «La casa de locos» y «El Tribunal de la Inquisición». Son cuadros de gabinete, en los que Goya daba rienda suelta a su fértil imaginación. En su Archivo-Biblioteca custodia un importante conjunto de cartas y documentos manuscritos del artista. Y Calcografía Nacional conserva un tesoro: las planchas de cobre grabadas al aguafuerte por Goya: «Caprichos», «Desastres de la guerra», «Tauromaquia» y «Disparates», obras cumbres de la historia universal del grabado.

Fuente: abc.es
 




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Goya y Goñi, más cerca que nunca


Conversación por primera vez en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando entre dos artistas que sufrieron sordera



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'Disparate volante. Disparates' (1823) de Francisco de Goya. Aguafuerte 5 x 35,3 cm.


La sordera que Lorenzo Goñi (Jaén 1911-Lausana 1992), uno de los ilustradores más grandes que ha dado España, padeció desde la adolescencia a causa de un sarampión fue artífice de un aislamiento que influyó en su arte;  también le ayudó a mantener una invisibilidad por la que pudo existir sin problemas durante el régimen franquista. Precisamente el tema de la guerra es el primero que sirve de nexo en la exposición de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid hasta el 19 de enero Lorenzo Goñi y Francisco de Goya: dos genios singulares, una muestra que pone en diálogo a dos artistas a los que separan casi dos siglos pero que, según el comisario Juan Carlos Sánchez, presentan diversos paralelismos. Lo artístico se une con lo social. Este evento constituye además un ejemplo de cómo las instituciones culturales se pueden abrir a las personas discapacitadas. Habrá visitas guiadas específicas con lenguaje de signos, y la presencia de una cuidadora a diario que también lo domina.


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'Vuelo al aquelarre' de Lorenzo Goñi (1971). Tinta 40 x 52 cm.


El genial Francisco de Goya padeció sordera desde los 47 años. Asimismo, vivió un periodo de tránsito, y ese fue también el caso de Goñi, narra el comisario: el pintor de Fuendetodos experimentó el desarrollo de la Ilustración y el jienense, un agitado siglo XX, desde la dictadura franquista hasta la democracia. Ambos fueron testigos de dos momentos históricos cruentos: la Guerra de la Independencia (1808-1814) contra los franceses, el uno; la Guerra Civil española, el otro. Los carteles que diseñó Goñi para el Sindicat de Dibuxants Professionals de UGT en Barcelona, que se exhiben por primera vez y que dormían en los archivos de la Biblioteca Nacional, y cuatro aguafuertes de los Desastres de Goya sirven de bienvenida de la exposición para mostrar el conflicto bélico y la plasmación en el arte que de él hicieron estos dos hombres. Ambos artistas eran narradores de historias sobre todo, apunta Sánchez, desde un universo propio, y empleando un imaginario que se bate con la realidad y que escapa a las modas.

Lorenzo Goñi y Francisco de Goya: dos genios singulares, forma parte de un proyecto más amplio titulado Los multiversos de Goñi que pretende ser un homenaje a un artista que eligió vivir en la sombra, algo que marca un contraste con un Goya que se dejó mimar por las élites. La segunda sala de la exposición se centra solo en Goñi, en el concepto de “multiverso” que se deriva de la física precisamente para indicar “esta multitud de universos fantásticos y paralelos que se van abriendo a lo largo de toda su obra, que muchas veces discurren sin llegar a tocarse”. La idea por la que se ha comisariado esta parte de la exposición es dar cuenta de un artista que nunca se parecía a sí mismo. “No pertenece a ningún movimiento. La sordera le condena a una especie de ostracismo, y por preservar la libertad creativa no tiene grandes influencias de nadie”, añade el comisario. Los temas oníricos se plasman desde una multiplicidad de técnicas, algo que también lo enlaza con un Goya que destacó como pintor, grabador y dibujante.

Una aguada titulada El relojero preside esta segunda parte de Lorenzo Goñi y Francisco de Goya: dos genios singulares y refleja, según Sánchez, “la minuciosidad del trabajo en ese espacio pequeño, con esa dedicación y atención” que fue marca del ilustrador también famoso por sus representaciones del Quijote. Goñi, después de su trabajo como diseñador para UGT, pasó dos años en Navarra, y empleó su segundo apellido, Suárez del Árbol, con tal de que el régimen de Franco no lo localizara. “La sordera le marca en todos los sentidos, fue siempre un ser no visible, tanto es así, que se da cuenta de que ocultarse es igual, de que es absolutamente transparente…”. Más tarde, trabajó para el diario ABC en Madrid. “Convive con el franquismo con el que no comulga porque su pensamiento es mucho más liberal”, agrega el comisario de la exposición.

Camilo José Cela, amigo cercano de Goñi, llegó a decir: “Dibuja, graba y pinta con muy raro talento y muy firme pulso unos sueños que son parientes de los de Goya…”. La tercera parte de la exposición, Encuentros, marca una serie de paralelismos temáticos en torno a la tauromaquia y a figuras que aterrizan del mundo de los sueños: Vuelo al aquelarre (1971) de Goñi dialoga con Disparate volante (1823) de Goya; Banderillero. Tauromaquia onírica (1964) de Goñi conversa con El famoso Martincho. Tauromaquia (1816) de Goya; Picador (1964) de Goñi con Cid Campeador (1816) de Goya; o la desconcertante La cita del artista jienense (1964) con Bien tirada está. Caprichos, en la que el pintor zaragozano retrata a una mujer en el gesto de estirarse la media.



Tauromaquia y espectros en conversación


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Espectros de Cuenca' (1962) de Lorenzo Goñi. Aguafuerte/ aguatinta 49 x 63 cm.


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'El sueño de la razón produce monstruos. Caprichos' de Francisco de Goya (1799). Aguafuerte 16 x 11 cm.


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'Cogida. Tauromaquia onírica' de Lorenzo Goñi (1964). Aguafuerte/ aguatinta 25 x 32 cm.


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'La desgraciada muerte de Pepe. Tauromaquia' (1816) de Francisco de Goya. Aguafuerte 25 x 32 cm.


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'La danza de la yegua. Tauromaquia onírica' de Lorenzo Goñi (1964). Aguafuerte/ aguatinta 25 x 32 cm.


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'Mariano Ceballos. Tauromaquia' de Francisco de Goya (1816). Aguafuerte 25 x 32 cm.


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'El pase matemático. Tauromaquia onírica' de Lorenzo Goñi (1964). Aguafuerte/ aguatinta 25 x 32 cm.


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'El diestrísimo estudiante' de Francisco de Goya (1816). Aguafuerte 25 x 32 cm.


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'La cita. Taurmaquia onírica' (1964) de Lorenzo Goñi. Aguafuerte/ aguatinta 25 x 32 cm.


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'Bien tirada está. Caprichos' de Francisco de Goya (1799). Aguafuerte 16 x 11 cm.


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'Brujas volando' de Lorenzo Goñi (1950). Punta seca 21,5 x 35,4 cm.


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'Caballo raptor. Disparates' de Francisco de Goya. Aguafuerte 25,5 x 35,3 cm.



Ver página oficial de Lorenzo Goñi



Por Flor Gragera / elpais.com
 




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Óleos en alta definición


Cuatro videocreaciones de Bill Viola dialogan con los clásicos en la Academia de Bellas Artes

Las piezas del estadounidense se mezclan entre lienzos de Zurbarán, Goya y Ribera




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Uno de los vídeos de Bill Viola junto a un lienzo de Ribera. / SANTI BURGOS

Bill Viola, gurú del videoarte, recorre las salas de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, rodeado de una nube de cámaras, clicks y periodistas. De pronto, se detiene, y con él su séquito. Señala el Cristo en la cruz, de Alonso Cano (1640), a pocos metros de él, tan resplandeciente que parece retroiluminado por miles de pequeñas bombillas. Agita las manos, hace muecas, resopla y susurra al director del museo: “Eso…Eso… ¡Qué maravilla!”.

Hay que esperar aún algunos segundos para que Viola vuelva a la realidad. “Espero quedarme aquí, voy a construirme una casita en un rincón”, bromea el artista estadounidense entre óleos de Ribera, Zurbarán y Goya. Sus obras, al menos, sí lo harán: las cuatro instalaciones contenidas en la exposición Bill Viola [en diálogo] estarán entre los grandes maestros, charlando con ellos, entre este sábado y el 30 de marzo. “Siempre ha habido una separación entre ellos y nosotros. Y estamos equivocándonos en ver el arte como algo lineal. Los clásicos estarán aquí mucho después de que nosotros nos hayamos ido”, explica Viola. Tras él, su Quinteto de los silenciosos, se camufla entre los lienzos.

La Academia de Bellas Artes no está acostumbrada a la afluencia que, intuyen, atraerá la llegada de Viola, acentuada por el estreno de Tristán e Isolda en el Teatro Real. El museo no suele superar los 100.000 habitantes anuales, y su director, Javier Blas, está inquieto: “Se van a juntar los que vienen a ver a Goya y los que vienen a verle a él. Tenemos que estudiar cómo acoger al público, no sabemos qué puede pasar”.

Las piezas que verán los visitantes, creadas en 2000 y 2001, tratan de salvar los siglos que las separan de sus predecesoras para reflejar, no ya su estilo, sino su espíritu. En palabras del comisario, Jordi Teixidor, “no es una apropiación, sino una forma de adentrarse en un mundo de espiritualidad y reflexión”. Los personajes de Viola, detenidos en una cámara lenta interminable, lloran como piedades, se ocultan tras misteriosas sombras velazqueñas y llegan al éxtasis de una Santa Teresa. En alta definición.

    Los clásicos estarán aquí mucho después de que nos hayamos ido

    Bill Viola, gurú del videoarte


“Cuando era estudiante”, cuenta Viola, “pensaba en el futuro, no en el pasado. No podía comprender aún quiénes eran los maestros ni qué lugar ocupaban en la Historia. Entonces, mi madre murió”. Y narra su conversión, el derrumbamiento de su universo de píxeles, entre el busto de la Dolorosa de Pedro de Mena y su obra del mismo título, un díptico de plasma donde un hombre y una mujer se deshacen en lágrimas silenciosas. “Aprendí que había algo más allá de la tecnología. El valor de la vida. El misterio de ser parte de algo más grande que nosotros mismos”.

Tender la mano al clasicismo suponía abrazar la tristeza, el dolor, el drama (“Algo de lo que me habían enseñado a distanciarme”, se lamenta Viola). En Montaña silenciosa casi se escucha el estruendo del cuerpo humano rompiéndose en una catarsis pública. Los músculos tensados y las venas a punto de estallar contrastan con la calma de los retratos que la rodean. En la sala de Goya, una de las más visitadas del museo, las sombras del pintor se acentúan frente al díptico Rendición. Un hombre y una mujer se acercan a su reflejo en el agua —elemento habitual, como el fuego, en las composiciones del videoartista—, que se rompe y distorsiona cada vez con más fuerza, mientras se acrecienta la violencia del movimiento pendular. “La destrucción del yo, el proceso de eterno renacimiento que se ha repetido como un ciclo en el cosmos”, explica. Junto a él, el Entierro de la sardina, de Goya, con su celebración de la muerte y el cambio de ciclo, parece darle la razón.
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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