Home    Forum    Search    FAQ    Register    Log in
Message From The Staff




Post new topic  Reply to topic 
Page 2 of 3
Goto page Previous  1, 2, 3  Next
 
MUSEO DEL PRADO, Escultura
Author Message
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
El Prado se rinde ante Berger


El escritor y ensayista recibe un homenaje de la Fundación de Amigos del Museo por "haber revolucionado la manera de entender las bellas artes"


John Berger ríe como un niño y medita como un campesino, en silencio, sin prisas, estrujándose los labios. En vísperas de una semana repleta de honores en el Museo del Prado y La Casa Encendida, Berger y su hija Katya relatan tres historias.


 01_1425375115_334264

John Berger y su hija Katya, ayer en Madrid. Katya quiere publicar los SMS que se intercambia con su padre

1. El Prado de Antonio Lyons. John Berger (Londres, 1926), crítico de arte, novelista, poeta, guionista, dramaturgo, hombre orquesta de la creación, recibe hoy un homenaje de la Fundación de Amigos del Museo del Prado por haber "revolucionado la manera de entender las bellas artes desde una nueva perspectiva" y por su contribución al "enriquecimiento del patrimonio cultural español". En el Prado se reencontró ayer con Zurbarán, Velázquez y Ribera. Pocos sabrán que, para Berger, el Prado es Antonio Lyons. "A comienzos de los cincuenta daba clases de arte en un colegio católico a hombres que querían ser profesores. Había soldados y marineros que habían ido a la guerra. Uno de ellos era Tony Lyons, de origen irlandés, un poco mayor que yo y que tenía mucho talento para el dibujo y la observación. Nos hicimos buenos amigos. Pasados dos años me dijo que quería ir a Madrid a ver la obra de Velázquez y Goya. Yo le animé. Se vino y no volvió". Berger ríe y cuenta que Tony, en adelante Antonio, se casó con una española, sobrevivió con clases de inglés y escribió cartas sobre la vida bajo el régimen de Franco que Berger aireó en una revista de izquierdas. "Cada vez que venía a España iba al Prado con Antonio".

2. Charlas con la niña Katya. Para el homenaje del Prado, John y Katya Berger han preparado una performance a partir de la Cámara de los esposos, los frescos de Andrea Mantegna para el palacio ducal de Mantua (Italia). Es la tercera colaboración padre e hija. ¿Cómo surgieron? "Cuando era una niña", comienza Katya, "John siempre estaba ocupado trabajando, pero aun así teníamos conversaciones intensas e íntimas. No hablábamos de arte, sino de temas como la muerte, que me producía ansiedad. Tuve una gran nostalgia de estas conversaciones cuando dejé de vivir con John, tras la separación de mis padres. Las retomamos cuando crecí, John me mostraba cuadros, me leí sus libros, visitamos museos e iglesias y volvimos a dejar de vernos cuando me fui a vivir a Atenas. Entonces empezamos a escribirnos cartas en las que hablábamos de arte y de la vida. John me propuso publicar esta correspondencia. Me im-pactó, pero respondí que sí. He decidido no escribirle más". Katya bromea. En realidad mastica una venganza con los SMS que se intercambian desde que ella le regaló el primer móvil. Son textos poéticos, fugaces y que ya no sabrían a quién de los dos corresponden. "Es como el pimpón", sintetiza el padre.

3. El caso de Giacometti. En 1966, Berger escribió un ensayo sobre una foto de Giacometti. Caminaba encorvado bajo la lluvia con aire desamparado, como de sin techo. "No creo que haya habido otra obra más modificada tras la muerte del artista que la de Giacometti". "Ni siquiera era ya el artista que se bate en retirada. Era el artista que considera a la sociedad irrelevante", escribía entonces. Medita en silencio antes de dar su opinión sobre el precio alcanzado esta semana por una escultura del artista (74 millones de euros, el más alto de la historia). "Con una o dos excepciones, vivimos un periodo de medios de comunicación que pretenden hablar con seriedad del mundo que nos rodea, incluido el arte, pero que se centran en valores superficiales como el dinero. No me sorprende nada lo que ha ocurrido con la subasta, ¡es una auténtica mierda!".


EL PAÍS
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
Last edited by j.luis on Tuesday, 03 March 2015, 10:32; edited 2 times in total 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
El museo muestra los fondos la Real Armería junto a los cuadros que retrataron a sus dueños   



 01_1425375617_300346

Carlos V. El museo madrileño acoge una muestra sobre armaduras históricos de los fondos de la Real Armería. En la imagen, El emperador Carlos V, a caballo en Mühlberg de Tiziano Óleo sobre lienzo, 335 x 283 cm. 1548, Madrid, Museo Nacional del Prado y la Armadura ecuestre llamada de Mühlberg, de Desiderius Helmschmid, Augsburgo, 1544, Madrid, Patrimonio Nacional, Real Armería.

La imagen de las armaduras está ligada a las aventuras caballerescas. No se las suele asociar con la gran pintura del barroco. Sin embargo, ambas formas de expresión artística formaron parte, por igual, de los tesoros más preciados durante los momentos del mayor esplendor de la monarquía española. La exposición El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte que a partir de hoy se puede ver en el madrileño museo del Prado , reconstruye en un espectacular montaje cuales fueron los vínculos reales entre pintura y armería. El rey Juan Carlos inaugura oficialmente ayer tarde una exposición en la que 35 retratos de maestros como Tiziano o Rubens se exhiben junto a 31 piezas prestadas por la Real Armería de Madrid.


 02_1425375682_353073

Celada de parada de Carlos V.  Filippo Negroli. Acero repujado, cincelado y dorado, 29,5  x 26,4 x 34,1 cm. Peso 2355 gr. Milán. 1553

La exposición cuenta cómo las armerías se crearon para albergar las armas de lujo de la monarquía y de la nobleza. Desde finales del siglo XV y durante el XVI, esas armas alcanzaron su mayor consideración ya que eran obras exclusivas de arte que daban a conocer al mundo el poderío del propietario.

Pero fue con el emperador Carlos V con el que creó una armería única en todo el mundo por su calidad. Así, el espacio más deslumbrante es el dedicado Carlos V, a caballo en Mühlberg, de Tiziano,junto a la impresionante armadura ecuestre del emperador, realizada por Desiderius Helmschmid, uno de los armeros más importantes del siglo XVI. La sala se completa con el gigantesco tapiz titulado Las revista de las tropas en Barcelona, segundo paño de la serie La conquista de Túnez encargada por Carlos V. El recorrido sigue con salas es las que retratos de la monarquía realizados por Rubens, Tiziano o Velázquez se miden a las armaduras hechas la familia Helmschmid y Wolfgang Grosschedel.


 04_1425375746_580350

El Conde de Benavente. Armadura "La labor de las flores" montada como el retrato de Pimentel, de Desiderius Helmschmid. Acero repujado, grabado y dorado. Augsburgo, ca. 1550. Madrid, Patrimonio Nacional, Real Armería y Don Juan Francisco Pimentel, X Conde de Benavente, de Diego Velázquez. Óleo sobre lienzo, 109 x 88 cm. 1648. Madrid, Museo Nacional del Prado


 06_1425375536_832171

La celada de Felipe II. Detalle de la celada según Antonio de Pereda en Socorro a Génova del marqués de Santa Cruz Óleo sobre lienzo, 209 x 370 cm. 1634-1635. Madrid, Museo Nacional del Prado y Celada del arnés de aspas de Felipe II, de Wolfgang Grosschedel. Acero grabado y dorado, oro y latón Landschut 1551. Madrid, Patrimonio Nacional, Real Armería.

El Arte del poder es una excepcional ocasión para poder contemplar juntas por primera vez una parte muy representativa de las obras del Museo del Prado y de la colección de armaduras de Patrimonio Nacional. Se trata de un proyecto expositivo inédito en el que se establece una comparación directa entre los retratos de corte pintados por los grandes maestros, como Tiziano y Rubens, y las piezas de armadura que vestían los monarcas para simbolizar su imagen de poder en el momento de máximo esplendor de la Corona española. Treinta y cinco pinturas se enfrentan a veintisiete piezas y conjuntos de la Real Armería de Madrid -considerada, junto con la imperial de Viena, la mejor colección del mundo-, para narrar la evolución y el impacto que tuvo el retrato de corte entre los siglos XVI y XVIII. Cabe destacar la exhibición conjunta de Carlos V, a caballo en Mühlberg de Tiziano junto a la impresionante armadura ecuestre del emperador, auténtica obra maestra realizada por Desiderius Helmschmid, uno de los armeros más importantes del siglo XVI. La exposición de pinturas junto a este tipo de piezas, de gran tamaño, ha hecho necesario establecer un sistema especial de acceso con el fin de garantizar un aforo máximo regular durante todo el horario da apertura. Por este motivo, todas las entradas se expedirán con hora de acceso establecida, lo que hace recomendable su compra anticipada para poder seleccionar la fecha y hora de acceso más conveniente a cada visitante.

Partiendo de la muestra presentada en la National Gallery of Art de Washington el pasado año, la exposición El Arte del Poder se presenta en el Museo del Prado con un proyecto más completo que gira en torno al verdadero significado de las piezas de armería y su representación en la pintura explorando expositivamente un tema inédito, tratado únicamente hasta ahora de forma accesoria en algunos estudios relacionados con la historia del retrato.


 03_1425375724_804467

Felipe III. Alegoría de la educación de Felipe III, de Justus Tiel, Óleo sobre lienzo, 158 x 105 cm. 1595, Madrid, Museo Nacional del Prado y Armadura y capacete de Felipe III niño, de Atribuida a Lucio Marliani. Acero repujado, grabado y dorado y damasquinado en oro y plata, plata, oro, latón y tejido, Milán, ca. 1585. Madrid, Patrimonio Nacional, Real Armería.

Desde principios del siglo XVI hasta finales del XVIII ningún elemento formaba parte tan relevante de las características esenciales de la imagen del gobernante europeo como la armadura. Monarcas, emperadores, príncipes y nobles se hicieron retratar con ella conscientes de su simbólica asociación al poder. El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte incide precisamente en el papel trascendente de la Armería como colección de referencia en el desarrollo del género del retrato armado para mostrar la fortuna de la dinastía y su poder dominante en Europa.


2laceladadelemperador

La celada del Emperador. Carlos V armado, de Juan Pantoja de la Cruz. Óleo sobre lienzo, 181,5 x 96 cm, 1608. El Escorial, Real Monasterio de San Lorenzo, Patrimonio Nacional y Celada del harnés de Mühlberg de Carlos V, por Desiderius Hermschmid. Acero grabado, repujado y doradoMadrid, Patrimonio Nacional, Real Armería

La muestra recoge una cuidada selección de piezas forjadas por los armeros más relevantes del Renacimiento como los hermanos Negroli, la familia Helmschmid o Wolfgang Grosschedel, junto a esculturas del taller de Leone y Pompeo Leoni, un tapiz procedente de Patrimonio Nacional, que incluye un retrato armado de Carlos V, y obras de los más importantes pintores del momento como Tiziano , Rubens y Velázquez, procedentes del Museo del Prado y otras instituciones nacionales e internacionales, estableciendo entre ellas una profunda relación en la expresión de la representación del poder y la ideología de los monarcas españoles.


 05_1425375805_604408

Felipe II. Felipe II de Tiziano. Óleo sobre lienzo, 193 x 111 cm. 1550 - 1551. Madrid, Museo Nacional del Prado y Armadura de la labor de las flores de Felipe II de Desiderius Helmschmid. Augsburgo hacia 1550. Madrid, Patrimonio Nacional, Real Armería y Felipe II a caballo, de Pedro Pablo Rubens. Óleo sobre lienzo, 247 x 223 cm. 1628. Madrid, Museo Nacional del Prado. Felipe V, Anónimo. Óleo sobre lienzo, 204 x 141 cm. Hacia 1700. Madrid, Museo Nacional del Prado.


Ver presentación interactiva de la exposición ‘El arte del poder

  
Fuentes: Museo del Prado / EL PAÍS



 

Yo tuve el placer de ver la exposición y fue una maravilla.
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
Last edited by j.luis on Tuesday, 03 March 2015, 10:45; edited 1 time in total 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
Museo del Prado - Sala 74 - Del 15 de febrero al 24 de septiembre de 2011


Instalación temporal: Nerón y Séneca del escultor Eduardo Barrón



 01_1425374826_980529

Nerón Séneca (después de la restauración). Obra de Eduardo Barrón. Vaciado a molde, escayola, 135 x 260 cm. 1904. Museo Nacional del Prado. Madrid

Nerón y Séneca se muestra temporalmente en la emblemática sala circular del Museo, conocida como 'Rotonda de Ariadna', tras haberse sometido a una restauración especialmente compleja por la pérdida de diversos fragmentos y el deterioro general sufridos por la obra debido a la especial fragilidad de su material base (escayola) y a sus condiciones de exhibición y conservación en el pasado.

Junto a la obra restaurada, se expone también, por primera vez, una reducción inédita de este grupo, hecha por el propio escultor y que regaló en 1907 a Don Antonio Maura en agradecimiento a las gestiones que éste hizo en el Ministerio para la edición del catalogo de escultura del Museo del Prado. En este grupo, depósito temporal de la Fundación Antonio Maura (nº inv. 242) conservado sin ninguna intervención y sin apenas deterioros, se puede observar la policromía original y la complejidad, el extraordinario detallismo y el dominio técnico con el que realizó esta pieza.


 02_1425374917_702956

Detalle de Nerón antes de la restauración

Nerón y Séneca fue realizado en escayola y parcialmente policromado, obtuvo la medalla de oro la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1904. Obra de Eduardo Barrón, autor del primer catálogo razonado de la colección de escultura del Museo del Prado y conservador y restaurador del mismo hasta su prematuro e inesperado fallecimiento en 1911.

El grupo representa a Séneca instruyendo a Nerón, del que era tutor. Barrón retrata a los personajes dramatizando lo opuesto de sus caracteres, e insinuando el injusto final del filósofo cordobés, acusado de traición y obligado por el emperador a suicidarse.

Las esculturas premiadas en las Exposiciones Nacionales ingresaban en el Museo y se pasaban a material definitivo con financiación del Estado, pero en este caso no llegó a poder hacerse, lo que hace todavía más valiosa la conservación de este grupo original en escayola policromada, de un tamaño excepcional, que permite constatar su talento, la exquisita factura y el grado de calidad técnica alcanzado por el escultor, y el lenguaje clásico de gran minuciosidad en el que se expresó, consecuencia de su aprendizaje romano. La obra estuvo depositada durante muchos años en el vestíbulo del Ayuntamiento de Córdoba.

La obra está realizada en escayola parcialmente policromada y, tras una larga etapa expuesta inadecuadamente, necesitaba un tratamiento urgente de restauración debido a la fragilidad de este material y a las inestables condiciones de conservación y exposición en el lugar en el que estaba depositada. Además, a consecuencia de intervenciones anteriores, presentaba reconstrucciones de diversa calidad de partes perdidas, y “arreglos” realizados con diferentes estucos y recubrimientos de protección que se habían aplicado de forma parcial, lo que hacía que la obra tuviera características muy distintas según la zona.

Antes de proceder a su restauración, proceso realizado a lo largo de dos años, el Museo procedió a su estudio técnico para identificar los materiales empleados por el artista, los añadidos en posteriores restauraciones, su técnica de ejecución y su estado de conservación.

La limpieza principal se llevó a cabo empleando geles de agar-agar, producto de gran poder limpiador mediante aporte controlado de humedad y absorción de la suciedad, El tratamiento se completó con limpiezas mecánicas y, en alguna ocasión, limpieza química muy puntual para eliminar manchas y acumulaciones de recubrimientos añadidos. Se ha conseguido devolver un aspecto homogéneo a toda la superficie de la escultura, respetando el envejecimiento natural propio del material de una obra de más de cien años de antigüedad. Además, se han reconstruido los dedos de la mano derecha de Séneca, parte importante en la expresión del personaje, puesto que se disponía del boceto original a escala reducida (escayola conservada en el Museo de Zamora). Se tomaron datos digitalmente y se ampliaron al tamaño de la obra definitiva, información completada con documentación fotográfica antigua donde aparecía la mano original.

Eduardo Barrón González (Moraleja del Vino, Zamora, 1858-Madrid, 1911). Escultor español. Estudió en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de Zamora entre 1877 y 1881. Ayudado por la Diputación de aquella ciudad se trasladó a Madrid, donde tuvo como maestros a Ricardo Bellver y Elías Martín Riesco. Consiguió la pensión de Roma, donde gozó de la protección de los directores de la Academia Española, Pradilla y Palmaroli. Durante su estancia allí comenzó a trabajar en su escultura Viriato, concluida en los primeros meses de 1883 y cuyo modelo en arcilla consiguió muy favorable acogida por la crítica romana. Al tiempo que se ocupaba de sus trabajos académicos, completaba su formación viajando por Italia para estudiar a Miguel Ángel en Florencia y la Antigüedad clásica en Pompeya y Herculano, que luego habrían de servirle como referencia en sus obras. En 1884 obtuvo segunda medalla en la Nacional de Bellas Artes con el bronce Viriato y hasta 1904 no logró la primera, por su grupo Nerón y Séneca, en el que hizo alarde de todos sus conocimientos arqueológicos interpretándolos con gran naturalidad. Las sobrias esculturas de Barrón son de un sólido volumen y modelado pensado en el mármol. Toda su producción destaca por una austeridad que contrasta con su grandiosidad. La escultura Nerón y Séneca fue realizada con fuertes ­notas clasicistas, pero con cierta ­aspereza en el tratamiento de las formas. Tomó como modelo para Séneca un retrato apócrifo, tenido en aquel momento por auténtico. Resulta de gran interés el minucioso estudio de atuendo y mobiliario de cuidadísimo modelado. Fue nombrado académico electo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1910, en la que ocupó el sillón de Elías Martín. Desde 1892 y hasta su muerte, ocupó el puesto de conservador y restaurador de la escultura del Museo del Prado, donde llevó a cabo una labor de cata­logación que ha sido básica para posteriores trabajos. Asimismo, fue miembro de la Academia Hispanoamericana de Ciencias y Artes de Cádiz. Fue un artista plural con un fuerte arraigo de las maneras clásicas; cultivador de varios géneros, muestra en su obra la mezcla de sencillez, historicismo y ampulosidad características de la escultura del momento.

Obras

- Nerón y Séneca, escayola, 135 x 260 x 148 cm, 1904. Museo del Prado. Madrid (en dep. en el Ayuntamiento de Córdoba). Barrón realizó cuatro copias en pequeño tamaño.
- Viriato, bronce, 200 x 70 cm (en dep. en el Ayuntamiento de Zamora). 1883, Plaza de Viriato, Zamora
- Monumento a Castelar, 1905, Cádiz
- Monumento a Hernán Cortés, 1889, Medellín
- Monumento a Colón, 1893, Plaza de Colón, Salamanca
- Adán después del pecado, 1884, Ateneo de Madrid, Madrid
- Monumento mural a los Médicos Militares "El Ángel", 1910, Salón de Actos del Hospital de Carabanchel, Madrid (modelo en yeso en el Museo de Zamora)
- Relieve de Santa Eulalia, ¿1886?, Basílica de San Francisco, el Grande, Madrid
- San José, s/f, Iglesia de San Lorenzo, Roma
- Madonna, mármol, Panteón de los Groizar, Cementerio de San Isidro, Madrid


elprado.es



 

Desde luego los conservadores del Prado han hecho un gran trabajo con la escultura de Nerón y Séneca de Barrón.
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
Last edited by j.luis on Tuesday, 03 March 2015, 10:29; edited 1 time in total 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
Mujeres en el Prado      



 01_1425374499_219978

Vista de la nueva puerta, realizada en bronce patinado por la escultora Cristina Iglesias, que preside el acceso principal de la ampliación del Museo del Prado cuya obra realizada por el arquitecto Rafael Moneo.

Las puertas que dan acceso al edificio del claustro de los Jerónimos que sirve de ampliación al Museo del Prado son algo más que unas puertas que franquean y obstruyen el paso de los visitantes a ese nuevo templo de la sociedad secularizada. El amplio umbral lo ha utilizado la escultora Cristina Iglesias para construir un espacio cambiante, un diafragma que se abre y obtura incesantemente. Sus grandes hojas de bronce componen, entre su posición de abierto o cerrado, varias alternativas de paso, de tránsito entre esos dos espacios públicos. Con su imponente presencia no nos dejan de hablar de la dificultad y complejidad a la hora de traspasar ese umbral, entre la vida y el lugar donde se concentra ésta de una forma excelente a través del arte.

Aunque nos empeñemos en decir lo contrario, no es fácil entrar en un museo como no lo es tampoco entrar en un libro y, para muchos y durante mucho tiempo, incluso tenerlo entre las manos. Esa suerte tuvo la pintora norteamericana Mary Cassatt, la de tomar en sus manos el catálogo del Louvre y pasear galantemente por sus salas. De esa guisa le retrató con un punto de sospechosa modernidad e insistencia su amigo Edgar Degas, mirando las obras allí expuestas, deseando aprender de los maestros del pasado y, por qué no, algún día pertenecer al pasado mismo.

No podemos cambiar la historia pero sí podemos observarla y de ahí una de las razones por las que nos interesa tanto, aún hoy, el arte y por ende los museos "históricos". En ese momento crítico, el de observar el pasado, se encontraron inesperadamente los paisanos de los pueblos españoles que pudieron acercarse al Prado a través de las copias de sus principales cuadros realizados con esmero por maravillosos pintores como Ramón Gaya para acompañar a las republicanas Misiones Pedagógicas. De esa ejemplar iniciativa y del extraño y temprano encuentro del Prado con la gente humilde de este país, sin ningún libro para llevarse a los ojos y poco más que llevarse a la boca, conservamos algún emocionante testimonio gráfico. Al hilo de lo que venía diciendo, quiero detenerme en una imagen especial, aquella que retrata a un grupo de mujeres campesinas que son sorprendidas por el ojo del fotógrafo mientras observan con verdadera expectación Las Hilanderas de Diego Velázquez. Mujeres analfabetas que se encuentran inesperadamente con esas otras mujeres pintadas, afanadas en las labores del cardado y del hilado de la lana.


 las_hilanderas_1657_obra_de_vel_zquez

Las Hilanderas. 1657. Obra de Velázquez

Aparentemente nada había cambiado con el paso del tiempo. Sin embargo, no es tan fácil. Estas pobres mujeres con sus niños a cuestas no llegan a reconocer el mensaje del cuadro, la trágica fábula que encierra y que las separa definitivamente, más que sus lamentables circunstancias, de la verdad. En esa época, tampoco los propios especialistas en el pintor español sabían a ciencia cierta que todo el secreto de la obra, su fábula, se encerraba en la luminosa estancia que se encuentra al fondo del cuadro, donde se produce un combate dramático entre la joven Aracne, habilidosa tejedora cuyo atrevimiento al representar a Zeus en el episodio del rapto de Europa es reprendido por Minerva.

Sin duda, resulta difícil pasar de una estancia a la otra, traspasar nuevamente el umbral entre la realidad y la historia, entre la apariencia y la verdad. Una vez descubierto el enredo, nunca mejor dicho, podemos imaginar a Sofonisba Anguissola, Marietta Robusti, Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, y un largo etcétera de maravillosas artistas en el umbral que da acceso a la eternidad antes de someterse al severo juicio de la diosa de las artes. Diremos resignadamente que son cosas del destino, pero no por ello hay que quedarse a las puertas, más bien, en lo posible, hay que sacarlas de quicio.


 02_1425374644_127535

De izquierda a derecha, Rafael Moneo, Cristina Iglesias y Miguel Zugaza.



 08claustrodelaiglesiadeshz2_1425374667_473022

Ampliación del Prado. Obra del arquitecto Rafael Moneo. Las puertas del nuevo acceso son obra de Cristina Iglesias


Miguel Zugaza (Durango, Vizcaya, 1964) es director del Museo del Prado. Publicado por elpais.com el 19/03/2011
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
Last edited by j.luis on Tuesday, 03 March 2015, 10:24; edited 1 time in total 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
El museo del Prado presenta algunas de sus mejores restauraciones tras dos años de trabajos


 03_1425374262_627861

'Ariadna'. Arriba, Ariadna (antes de la restauración), obra anónima en mármol del siglo XVIII. Abajo, después de la restauración.

Las dos famosas pinturas de Velázquez no fueron las únicas obras que el Prado ha presentado sin las fatigas del paso del tiempo. Mientras los dos monarcas a caballo de Velázquez (con la sierra de Madrid luciendo sus mejores atardeceres) devolvían a la sala de Las Meninas a todos sus personajes, una de las mejores esculturas romanas de la pinacoteca, Ariadna dormida (creada en la época de Marco Aurelio a partir de una escultura griega del siglo II antes de Cristo) recuperaba también su aspecto. Situada en la rotonda de Ariadna, o sala 74 -un espacio circular abierto a enormes ventanales por los que entra luz natural y que también ha sido reformado-, la pieza arqueológica procedía de la colección romana de Cristina de Suecia.

"Hemos practicado un trabajo de limpieza y de integración de las líneas de unión", señala Sonia Tortajada, quien ha trabajado con María José Salas Garrido para borrar el aspecto fragmentado que presentaba la obra, que fue restaurada en el siglo XVII en el taller de Bernini y que muestra el contundente cuerpo de Ariadna abandonado en la playa de Naxos tras el episodio de Teseo y el minotauro y donde, finalmente, la descubrirá y se enamorará de ella el dios Dionisio.11 de meses de trabajo para una de las joyas arqueológicas del museo, cuyos pasos serán ahora seguidos por dos pequeños ángeles de madera policromada del arquitecto y escultor flamenco Maes Tydeman.



Las pinturas de Velázquez restauradas


 01_1425374186_857895

'Felipe III a caballo'. El Museo del Prado ha presentado algunas de las restauraciones más singulares concluidas este año. Un buen ejemplo es este Felipe III a caballo, de Velázquez. A la izquierda, el óleo de tres metros antes de la restauración, a la derecha, tras el arreglo.

Después de casi dos años de restauración, los retratos ecuestres de Felipe III y de Margarita de Austria han regresado a la sala de Las Meninas de Velázquez, en el museo del Prado de Madrid, junto a las otras tres pinturas de la familia real a caballo que el pintor sevillano realizó entre 1634 y 1635 para el salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. El equipo de restauradores e historiadores que han trabajado en las dos obras han explicado que el trabajo ha consistido no solo en limpiar la suciedad acumulada a lo largo de los años en las capas de barniz, sino también en retirar dos bandas de 50 centímetros cada una que, a los lados de cada cuadro, sirvieron para ampliar su ancho en el siglo XVIII, cuando las obras fueron trasladadas al Palacio Real para decorar el comedor del monarca. "Una restauración importante y novedosa", apuntó Gabriele Finaldi, director adjunto de conservación del museo.

De esta manera las dos obras, además de recuperar su color, han dejado de ser prácticamente cuadradas para volver a su medida rectangular original. Rocío Dávila, encargada de la restauración, explica cómo el trabajo del equipo de conservadores, del gabinete técnico y del laboratorio químico ha permitido decidir algo que era importante: cómo retirar dichas bandas manipulando lo menos posible las obras, cuyos injertos estaban aplicadas a la gacha, un sistema tradicional de España que se hacía con una pasta de cola y harina puestas sobre la tela original y la nueva.

"En la restauración es importante tomarse su tiempo", explica Dávila. "Hemos tardado casi dos años en restaurarlos pero eso no quiere decir que hemos estado trabajando esos dos años sobre ellos. Muchas veces, para restaurar bien, hay que pasar más tiempo mirando que trabajando". Dávila cuenta que las dos piezas fueron realizadas en el taller del pintor en colaboración con su equipo y que por eso el cuadro tiene correcciones realizadas por el propio Velázquez. Por ejemplo, bajo el caballo del rey hay pintado un ejercito que el sevillano se encargó de corregir. "Ahora vemos su mano mejor que nunca, sobre todo en los dos caballos". Frente a la rigidez en la ropa de los monarcas, la pincelada se suelta en las patas de los animales. "¡La mano de Velázquez tiene tanta fuerza! Se ve perfectamente en el caballo del rey, que es todo suyo. Él llegaba al taller, soltaba esas pinceladas, una, y otra, y ya está: ¡vida y movimiento!".

Un prodigio que según Gabriele Finaldi se concentra en lo que él considera uno de los mejores fragmentos de la sala de reyes de Velázquez: la cabeza, el pecho y las patas del caballo de Margarita de Austria. Javier Portús, conservador jefe de pintura española, cree además que ahora, al volver el cuadro a su medida original, recobra toda la intención y sentido que quería darle el pintor: "Al aumentar el cuadro se menguó la posición en escorzo, que daba violencia y dinamismo. Restituir las cualidades originales del cuadro no solo afecta a la comprensión del cuadro, sino a la comprensión de la serie entera".


 02_1425374210_216056

'Margarita de Austria a caballo'. Gabriele Finaldi, director adjunto de Conservación del Museo Prado, ha sido el encargado de presentar los espectaculares cambios que han mejorado varias grandes obras de la pinacoteca. La reina Margarita de Austria a caballo, de Velázquez, es otro buen ejemplo.


elpais.com
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
Last edited by j.luis on Tuesday, 03 March 2015, 10:17; edited 1 time in total 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
Próxima exposición: Del 19 de noviembre de 2013 al 27 de abril de 2014



Historias Naturales. Un proyecto de Miguel Ángel Blanco



 user_50_esqueleto_de_serpiente_31_3_x_31_3_x_14_5_cm_madrid_museo_nacional_de_ciencias_naturales

Esqueleto de serpiente, 31,3 x 31,3 x 14,5 cm. Procedencia: Museo Nacional de Ciencias Naturales, Madrid.

El Museo abría sus puertas por primera vez al público como Museo Nacional de Pinturas y Esculturas un 19 de noviembre de 1819. Sin embargo, el primer origen del edificio neoclásico diseñado por Juan de Villanueva, que hoy sirve de sede al Museo del Prado, fue el de Gabinete de Ciencias Naturales, tal y cómo lo ordenó Carlos III, en 1785. Cuando se cumple el 194 aniversario de la fundación del Museo y coincidiendo con el segundo centenario de la muerte de Villanueva, el Museo, a través del proyecto del artista Miguel Ángel Blanco, rinde homenaje a su historia y a ese desconocido origen de su edificio como museo de Historia Natural.

El artista madrileño, uno de los más destacados artistas españoles vinculados directamente a la naturaleza, subraya el aspecto histórico del Museo a través de veintidós intervenciones en las salas de la colección permanente que proponen aunar arte y naturaleza. Piezas –animales, vegetales o minerales- seleccionadas por el artista procedentes de las colecciones públicas españolas de historia natural como el Museo Nacional de Ciencias Naturales, el Real Jardín Botánico o el Museo de la Farmacia Histórica dialogan con los cuadros y esculturas del Prado e “interfieren” ante ellos guiando al visitante en una nueva expedición “científico-artística”.


museodelprado.es
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
El 19 de noviembre se inaugurará en el Museo Nacional del Prado la exposición Historias Naturales, …un proyecto del artista Miguel Ángel Blanco



El Prado de las maravillas


Animales, minerales y vegetales toman las salas de la pinacoteca en un asombroso proyecto del artista Miguel Ángel Blanco. Un homenaje a un tiempo en el que arte y ciencia caminaron juntos



 user_50_04_1383991590_167619

El artista Miguel Ángel Blanco, fotografiado con su 'Toro de Veragua' en la galería central del Museo del Prado. Al fondo, la obra 'El rapto de Europa', de Rubens.

Un ave del paraíso anda suelta en el Museo del Prado. Se ha posado, disecada en el interior de un fanal, en las salas de pintura holandesa, a los pies del lienzo de Frans Snyders Concierto de aves (1629-1630). A su lado, Judit en el banquete de Holofernes, de Rembrandt, prefiere, como siempre, mirar hacia otro lado, mientras unos pájaros de Papúa Nueva Guinea se dan pie por turnos en una grabación que dota al conjunto de un aire a invernadero del nuevo mundo. Sentado enfrente, a la manera de Henry Fonda en Pasión de los fuertes, contempla la escena el artista Miguel Ángel Blanco (Madrid, 1958) desde una de esas sillas de cuero en las que los vigilantes de sala ven pasar los días. Blanco es el responsable de esta y otras 21 intromisiones científicas (animales, minerales o vegetales) en la placidez del Prado. El tipo que ha colgado al inicio de la galería central de la pinacoteca un águila real con cara de pocos amigos a punto de caer en picado sobre la estatua de los Leoni, Carlos V y el Furor (1553), así como un toro berrendo de Veragua al final de esa arteria del museo en la que se suceden las obras maestras hasta llegar a Rubens.


 user_50_02_1383991425_561318

El 'Toro de Veragua', instalado en la galería central del Prado. Al fondo, 'Las tres Gracias' (i) y 'El juicio de París', ambos de Rubens.

El genio flamenco es autor del cuadro con el que la res albina “dialoga” no por casualidad; El rapto de Europa se inspira a través de Tiziano en ese pasaje de Las metamorfosis de Ovidio en el que Júpiter, enamorado de la princesa Europa, se convierte en toro blanco a fin de subyugarla. También pintó Rubens otra de las piezas involucradas en Historias naturales, intervención insólita de un creador contemporáneo (y español) en la programación del museo, un honor hasta ahora reservado a Thomas Struth, Richard Hamilton, Eduardo Arroyo, Cy Twombly o Francesco Jodice. Se trata de El nacimiento de la Vía Láctea (1636), que luce acompañada de una muestra de meteoritos. Tan antiguos como uno que cayó hace 50.000 años en Diablo Canyon, Arizona, o tan legendarios como el Allende; aterrizó en México en 1969 y es, para Miguel Ángel Blanco (o MAB, y no por pereza ni por ahorrar espacio; el artista se siente cómodo con los acrónimos), “lo más cerca que estaremos nunca del origen del universo pintado por Rubens”.


 user_50_03_1383991500_715050

Un visitante contempla el 'Toro de Veragua', instalado en el Museo del Prado.

El pedrusco sideral proviene del Museo Nacional de Ciencias Naturales, cuya colección, como la del Museo de Farmacia Hispana o el de la Escuela de Minas, ha peinado Blanco en busca de maravillas de naturalia para introducirlas en el edificio, en un homenaje a los tiempos en los que estuvo pensado para albergar el Real Gabinete de Historia Natural como parte central de un eje científico soñado por Carlos III para el paseo del Prado y que debió incluir, además, un observatorio astronómico y el jardín botánico. “Más allá de eso”, explica Miguel Zugaza, director de la pinacoteca e impulsor de un proyecto, que cuenta con la colaboración del CSIC y de la Comunidad de Madrid, “es importante porque recuerda el prestigio compartido por el arte y la naturaleza, cuando aquel no estaba aislado de la vida, como ahora se nos presenta”.

    Las 22 intervenciones recuerdan que el edificio de Villanueva fue pensado para ser Gabinete de Historia Natural

Para tan singular tributo han hecho falta tres años de investigaciones que culminarán con la inauguración el 19 de noviembre, día del 194º aniversario de la designación del edificio como Museo de Pinturas y Esculturas. Encargado en 1785 a Juan de Villanueva por el conde de Floridablanca, recibió su uso definitivo en 1819, una vez superado el paréntesis de la guerra napoleónica. “Todo esto quiere ser también un homenaje a Pedro Franco Dávila, cuyo gabinete de maravillas compró en 1771 Carlos III, que era amante del arte, pero también, y mucho más, de las ciencias”, había explicado con entusiasmo MAB el día anterior en su estudio madrileño, a medio camino entre el taller de un artista y el sitio de recreo de un naturalista. “Aquel tesoro, que iba a ser el cogollo del Gabinete de Historia Natural, se expuso en la actual Academia de Bellas Artes de San Fernando, en el que fue el primer museo público de España y bajo la inscripción Naturaleza y arte bajo un mismo techo, algo que ahora vuelve a suceder”.


 user_50_05_1383991678_571749

Miguel Ángel Blanco supervisa la instalación de una caja del Museo de Farmacia Hispana. A la izquierda, 'Gaspar Melchor de Jovellanos' y a la derecha 'La Condesa de Chinchón' de Francisco de Goya.

Para lograrlo, el artista, cuya carrera arrancó en los ochenta ya plenamente vinculada a la naturaleza, ha repartido por las salas del museo desde un esqueleto de delfín (suspendido para dar sombra a una escultura romana), a gemas (ante La crucifixión, de Juan de Flandes), espejos de obsidiana (para el Carlos II de Carreño de Miranda), lagartos-dragones (en San Miguel Arcángel, del Maestro de Zafra) o fósiles. Es el caso de uno recogido en Utah, con huellas de pisadas de ave palmípeda y gotas de agua, toda una premonición simbólica del diluvio universal, tan inminente en La entrada de los animales en el arca de Noé, de Jacopo Basano, expuesta a su lado.


 user_50_07_1383991837_528810

Bajo la cúpula de la rotonda alta de Goya, Miguel Ángel Blanco ha colgado un águila real, procedente del Museo Nacional de Ciencias Naturales.

Algunos diálogos se antojan más fieles que otros. Parece lógico colocar un diente de narval, maravilla entre las maravillas, ante la apoteosis faunística de Orfeo y los animales, de Padovanino, o un enjambre de 75 insectos, entre libélulas, caballitos del diablo, escarabajos, cigarras, cucarachas o mantis religiosas, al lado del tríptico El carro del heno (1516), de El Bosco, por cuya parte izquierda asoma una nube de amenazantes artrópodos imaginarios. También, un esqueleto de oso hormiguero a los pies La osa hormiguera de su majestad (1776), en cuya cartela expositiva figura como del Taller de Mengs, pese a que hay quien lo atribuye a Goya (y no es Manuela Mena). El cuadro se sitúa entre los cartones para tapices del genio aragonés y proviene del Museo de Ciencias Naturales. Prueba de la fascinación de la época por los animales exóticos, funciona también como recordatorio de que el empeño de los poderosos no siempre casa con los planes de la naturaleza. Carlos III, como recuerda la cartela colocada sobre un pedestal de madera de chopo, se hizo traer al pobre animalillo desde Buenos Aires en 1776 para descubrir, una vez instalado en el inhóspito invierno madrileño de la Casa de Fieras, que era imposible abastecerle de las 35.000 hormigas y termitas que conformaban su dieta diaria y que se ocultan, ayer como hoy, cuando el manto de frío cae sobre la meseta.


 user_50_09_1383991890_976204

Elena Arias, restauradora del Museo del Prado y encargada del proyecto de 'Historias Naturales', observa el ave del paraíso.

Y si colocar una roca gigante de azurita en primer plano de El paso de la laguna Estigia (1520-1524) entra en la categoría del guiño metapictórico (se ve que el mineral tratado servía a Patinir de pigmento), desplegar ante el Aquelarre (1823) de Goya una panoplia de brujería (azufre, una cobra blanquinegra, un murciélago…) invita directamente al conjuro, mientras que traer a la presencia de Botticelli madera fosilizada reviste poder metafórico: la sangrienta historia de Nastagio degli Onesti (1483) transcurre en un pinar pretérito y por tanto petrificado.


 user_50_10_1383991935_744546

Miguel Ángel Blanco dirige los trabajos de instalación de sus obras.

Claro que luego siempre queda la opción de la libre interpretación. Blanco veía el lunes pasado al término del montaje de una intervención sobre La condesa de Chinchón (1800), también de Goya, cierta “transmutación” de formas entre una lámina de Celestino Mutis (1732-1808) con una representación de la quina (también llamada cinchona o cascarilla de la condesa, en honor al noble linaje) y el retrato tocado por un manojo de trigo de la hija embarazada del infante don Luis (que, como en todo, compitió con su hermano Carlos III por hacerse con una cebra, según recordaba la reciente muestra Goya y el infante Don Luis: el exilio y el reino).


 user_50_11_1383991982_488031

Un grupo de operarios del Museo del Prado mueve el cuadro 'Concierto de aves' de Frans Snyders que acompañará al ave del paraíso, proveniente del Museo Nacional de Ciencias Naturales.

El conjunto en torno a la hierba, que era tenida como una panacea que todo lo curaba, lo completan una caja antigua para contener quina del Museo de Farmacia, así como el libro que Mutis escribió sobre el tema, un pliego histórico de su herbario y un paquete de las cascarillas que se vendían por entonces en Madrid. El gesto supone, además, el regreso del “Velázquez de la botánica” al Prado. A tenor de las investigaciones de Blanco, sus láminas se guardaron probablemente en la buhardilla del edificio de Villanueva durante una década a partir de 1827 para preservarlas de las malas condiciones de conservación del Pabellón de los Invernáculos. No fue la única vez que los animales tomaron el museo. “Durante la invasión francesa se escucharon relinchos, pues el edificio fue utilizado como cuartel de caballería por las tropas francesas”, escribe el artista en su texto para el catálogo. Y “más de un siglo después, en la Guerra Civil, se depositaron en el Prado piezas del Museo de Ciencias y, de nuevo, del Jardín Botánico”.


 user_50_12_1383992025_405345

El ave del paraíso, fotografiada delante del cuadro 'Concierto de aves' de Frans Snyders.

Para la muestra, Blanco ha contado con el apoyo de Javier Portús, jefe de Conservación de Pintura Española y coordinador general del proyecto. “Es un trabajo”, opina este, “que solo él, desde su visión de artista, podía hacer. Ni desde las ciencias naturales, ni desde la historia del arte se podía haber obtenido un acercamiento tan interesante”. Portús ha servido de puente entre el creador y los conservadores del museo, cuyas parcelas de la colección resultan invadidas por las iniciativas de Historias naturales. “Ha sido crucial el trabajo de Miguel Ángel por ganarse la confianza de los trabajadores de este y de los otros museos, cuya colaboración era imprescindible”, explica Zugaza. El extremo lo confirma Santiago Merino, su homólogo en el Museo de Ciencias Naturales. “La ventaja”, recuerda Merino, “es que él siempre ha sido un asiduo de nuestras colecciones y las conocía bien”.


 user_50_13_1383992072_958135

Miguel Ángel Blanco ha escogido un esqueleto de osa hormiguera para acompañar al cuadro 'La osa hormiguera de su majestad', obra del taller de Antón Rafael Mengs.

Uno de los conservadores de su museo acompañó al Prado el lunes a las láminas de Mutis. Después, los operarios dispusieron e iluminaron todos los elementos tratando de no alterar la confiada placidez de la condesa de Chinchón y bajo la mirada del artista-comisario y de Karina Marotta, jefa de área de exposiciones del Prado, quien, después, extendía en una sala llena de vandycks y jordaens, un documento con el “cronograma” del montaje, que ha sido “más complejo de lo habitual”. “Era necesario velar porque los proyectos convivieran conceptualmente con la colección y, por supuesto, fueran respetuosos con el mandato de conservación a que nos obliga nuestro trabajo”, explicó Marotta. Las piezas se han montado sobre la marcha, a razón de dos por día, con el museo abierto y tratando de interrumpir lo menos posible la vida de la pinacoteca. Visto lo visto, ¿es mejor trabajar con un artista muerto o con uno vivo? “No se diferencia tanto”, opina en broma. “Porque cuando el artista está muerto toca tratar con el comisario”.

    “Ni desde las ciencias naturales, ni desde la historia del arte se podía haber obtenido semejante acercamiento”

La labor de Marotta habrá concluido cuando este martes queden colocadas las últimas instalaciones (además de la de Patinir, se pondrá a la vera de la Eva de Durero el esqueleto de una serpiente enroscada sobre sí misma, destacado ejemplar de la colección de herpetología del Museo de Ciencias Naturales, así como ¡un gorrión albino en las inmediaciones de las Meninas!). Entonces, los visitantes podrán, mapa en mano, “emprender una expedición científico artística” en busca de la sorpresa.


 user_50_14_1383992113_525404

Esqueleto de delfín, del Museo de Ciencias Naturales, colgado en el techo de la zona dedicada a la escultura.

El símil sirve a MAB no tanto para definir las vicisitudes del proyecto (que ha sufrido con los vaivenes de los brutales recortes de la asignación ministerial) como para referirse a sus incursiones en los almacenes de los museos en busca de joyas poco vistas. Por ejemplo: el cuadro de una tortuga laúd de intenso azul marino, que resultó varada en “la almadraba de los atunes de Denia”, como consigna un texto en la parte superior del lienzo pintado por Pedro Juan Tapia en 1597 para el gabinete de curiosidades de Felipe II, tan antigua era la real pasión coleccionista por las maravillas. El cuadro emerge ahora de las profundidades de los depósitos del Prado y se coloca frente a un cráneo de tortuga “expandido”, según la jerga, en un efecto que recuerda a ese truco tan querido por el cine de acción contemporáneo que consiste en hacer estallar un objeto y después ralentizar la fuerza centrífuga de la explosión, para que los pedazos pierdan la cohesión a cámara lenta.


 user_50_15_1383992163_118576

Objetos del estudio de Miguel Ángel Blanco que vive desde hace años obsesionado con la naturaleza

Hay otros experimentos dignos del género fantástico en la muestra. Mariano de la Paz Graells (1809-1898), que fue director del Museo de Ciencias Naturales, alimentó a unos pichones con ruda para teñir sus cartílagos y así diferenciarlos de los huesos. El esquelético resultado luce ante el Bodegón de caza, hortalizas y frutas, de Juan Sánchez Cotán, precursor en el uso de cajas, en su caso pictóricas. Un lenguaje indisociable de la obra de Blanco y de su gran proyecto: la Biblioteca del Bosque.


 user_50_16_1383992213_509172

Blanco cuenta con 1.131 libros-caja en su estudio madrileño


 user_50_17_1383992252_699507

Salvación del Pinar del Rey, una de las caja-libro que Miguel Ángel Blanco guarda en su estudio

Los ejemplares de esa biblioteca se atesoran en el estudio madrileño del artista y no están “en venta”; MAB no trabaja con galerías ni acude a ferias. Solo faltan “99 de los 1.131 libros caja” construidos por él desde “aquel invierno de 1986”, en el que hizo la primera en sus “bosques de Cercedilla”. Recuperó esa pieza primigenia de un comprador que se la devolvió como regalo por su 50 cumpleaños. Ocupa un lugar especial en las estanterías en las que se apilan los ejemplares. Las cajas, encuadernadas por él mismo, llevan títulos como La rotación del silencio en los campos de Extremadura o Salvación del Pinar del Rey (en honor al Pinar de Chamartín cercano a su casa cuya tala contribuyó a evitar). Elevan a categoría de arte elementos que la “naturaleza” le “regala”, tanto en sus expediciones a los “bosques del Guadarrama”, donde vivió hasta 1997, como en sus viajes a El Cairo o Monument Valley (donde halló inspiraciones para una muestra sobre el paisaje del Lejano Oeste americano que el Thyssen le dedicará en 2015).


 user_50_18_1383992318_766461

Miguel Ángel Blanco en su estudio con una parte de la "Biblioteca del bosque" al fondo


 user_50_19_1383992366_853349

Instrumentos de trabajo de Miguel Ángel Blanco, Premio Nacional de Grabado 1995.

La manufactura ha ido evolucionando con el tiempo, pero no en el espíritu. Se suceden al principio de estos hipnóticos artefactos varias hojas de papel verjurado o de fibra de kozo, pongamos por caso, con premoniciones levemente impresas por Blanco, premio Nacional de Grabado, de lo que aguarda al final del libro: un receptáculo protegido por un cristal que puede contener, por ejemplo, cortezas de pino silvestre del valle de la Fuenfría congeladas en resina o ramas de espino curvadas con efectos abstractos. Fueron definidos en cierta ocasión como “microcosmos del macrocosmos” por el poeta Antonio Colinas y han sido objeto de exposición en instituciones como la Fundación Lázaro Galdiano (2009), el monasterio de Santo Domingo de Silos (en 2006, dentro del programa del Reina Sofía) o La Casa Encendida (donde su obra dialogó con la de los pintores del Guadarrama del XIX).


 user_50_06_1383991742_242414

Un operario del Museo del Prado ultima la colocación de unas láminas de Celestino Mutis junto a 'La condesa de Chinchón' de Francisco de Goya.

Uno solo de sus libros caja espera a los visitantes del Prado. Se titula Bosque negro y cuelga entre una sucesión de paisajes nórdicos del XVI, obras de Van Valckenborch, Massys y Van Dalem. Durante la preparación de la muestra, Blanco ha construido otros siete de esos objetos inspirados por la vegetación física y metafóricamente circundante al museo, como el monumental almez de Murillo o los cedros del Líbano cercanos a la puerta de Velázquez. No muy lejos de donde una instalación sonora, colocada por el artista, regala a los paseantes el canto de otro montón de aves del paraíso.


 user_50_01_1383991349_140844

En primer plano, la escultura 'Venus del delfín', del taller romano; sobre ella, en el techo, la sombra que proyecta el esqueleto de delfín instalado por Miguel Ángel Blanco en el Museo del Prado, dentro del proyecto 'Historias Naturales'.


Fuente: elpais.com  / Iker Seisdedos / Gorka Lejarcegi




 

Espero que las esculturas de Miguel Ángel Blanco y las piezas –animales, vegetales o minerales- seleccionadas por el artista procedentes de las colecciones públicas españolas de historia natural como el Museo Nacional de Ciencias Naturales o el Real Jardín Botánico, animen a los visitantes el Museo del Prado, ofreciendo un aspecto muy diferente del habitual a algunas de sus salas, intercalándolas junto a los valiosos cuadros y esculturas de la colección permanente.
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
Bernini ‘reabre’ el conflicto entre el Prado y Patrimonio Nacional


La pinacoteca acoge una muestra sobre el genio barroco sin dos bronces clave del escultor, cuyo préstamo fue denegado por el organismo público



 1415218645_664707_1415218839_noticia_grande

Las esculturas 'Ánima bienaventurada' y 'Ánima condenada', con un autorretrato de Bernini al fondo, en las salas del Prado. / Alvaro Garcia

El murmullo de la batalla aún se podía sentir ayer durante la presentación de la exposición dedicada a Bernini en el Prado (hasta el 8 de febrero), incluso entre la quietud marmórea de las piezas estrella de la muestra: dos Ánimas, una “condenada” y la otra “bienaventurada”, ambas esculpidas con solo 19 años por el gran genio del barroco romano.

El origen del fragor estaba en el enfrentamiento entre la pinacoteca y Patrimonio Nacional, que reclamó en verano y por carta (firmada por su presidente, José Rodríguez-Spiteri), la devolución de cuatro obras maestras depositadas en el museo por ley desde 1943: El jardín de las delicias y La mesa de los pecados capitales, de El Bosco, El descendimiento de Van der Weyden y El lavatorio de Tintoretto. El primer daño colateral de aquella pelea, que el Gobierno truncó al comienzo de las hostilidades, afectó a la propuesta inicial del comisario de la muestra Delfín Rodríguez, catedrático de Historia del Arte de la Complutense; los préstamos solicitados en julio por el Prado —el broncíneo Cristo crucificado (1654), del Monasterio del Escorial, y el Modelo de la Fontana dei Quattro Fiumi, conservado en el Palacio Real— fueron denegados.

El conflicto surgió con la reclamación de unas obras del museo

“Dijeron que no estaban disponibles”, explicó ayer el director adjunto del Prado Gabriele Finaldi. Dado que una institución depende del Ministerio de Cultura (el museo) y la otra, de Vicepresidencia, no hubo instancia superior con capacidad para deshacer el entuerto. Y así fue como la muestra, titulada Bernini en España, se convirtió, sin las dos obras clave, encargos de Felipe IV para El Escorial, en Las ánimas de Bernini, Arte en Roma para la Corte Española.

El director del Prado, Miguel Zugaza, pidió varias veces ayer que, al menos, las dos piezas ausentes puedan ser visitadas por los amantes del arte durante el tiempo de la exposición. El Cristo está en las salas capitulares del Escorial y el modelo, en el taller de restauración.

“Dijeron que lo que pedimos no estaba disponible”, afirma Gabriele Finaldi

Ambas —tocadas, eso sí, por un asterisco que subraya que no están en el recorrido— figuran en el catálogo (que, por terminar de enredar las cosas, luce un tercer título: Bernini, Roma y la Monarquía Española). Patrimonio Nacional prefirió ayer no hacer comentarios “sobre el enfrentamiento”, mientras que el responsable del Prado aseguró que su “voluntad de cooperar sigue intacta”. Como prueba de ello, citó el hecho de que la enorme tabla El Calvario, de Van der Weyden, propiedad de Patrimonio, esté siendo restaurada en los talleres de la pinacoteca.

Hechas las puntualizaciones, comisario y responsables del museo invitaron a los asistentes a celebrar lo que está, en vez de lamentar lo que falta en una muestra, que, paradójicamente, toca también el arte de la diplomacia. Razones sobran: la exposición, “pequeña pero exquisita, casi de gabinete”, según Rodríguez, que asiste estos días a la “realización de un sueño autobiográfico” tras “treinta años entregado al tema”, es la primera dedicada en España a Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598-Roma, 1680).

Una institución depende de Cultura; la otra, de vicepresidencia

Organizada en torno a las complejas relaciones artísticas, culturales, diplomáticas y políticas que el artista mantuvo con Felipe IV, Carlos II y sus embajadores en el siglo XVII, marca también el debut español de las Ánimas del título, dos prodigiosas esculturas que habitualmente están en la embajada española ante la Santa Sede.

Fueron encargadas por Pedro Foix de Montoya, clérigo destacado en Roma, de quien Bernini esculpiría un busto para su tumba, que puede verse en Santa María di Monserrato en la capital italiana. La pareja de almas, cuyo préstamo originó la idea de la exposición sobre un tema escasamente tocado en la historiografía berniniana, recibe al visitante con un despliegue de emociones humanas en mármol en una estancia en la que puede verse el retrato del cardenal Scipione Borghese (1632). Se trata de una copia idéntica hecha por el propio autor “en solo tres noches” para superar el disgusto de saber que el original había quedado dañado tras un desafortunado percance. En esa sala también hay una pintura, un autorretrato del escultor, perteneciente a la colección del Prado (y cuya autoría ha sido puesta en duda) que sirve para abrir una de las subtramas del recorrido, la que cuenta cómo el artista, “brillante, seductor e irascible, construyó a través de autorretratos, biografías y criptorretratos su propia imagen mítica”, según Rodríguez.

La muestra sirve también para tomar conciencia de la verdadera dimensión de Bernini. Todo un hombre del Renacimiento, si se tolera el tópico, en pleno Barroco, fue, además de escultor y constructor de fuentes de inagotable belleza (la más célebre, en la Piazza Navona), arquitecto, pintor, escenógrafo, dramaturgo y hasta instigador de fiestas y ceremonias religiosas y profanas. Para lograrlo, Rodríguez ha reunido 39 obras: de Bernini (23) y de otros como Velázquez, Carreño de Miranda o Codazzi, procedentes de diferentes instituciones y coleccionistas privados nacionales e internacionales.

Entre los préstamos más felices cabe destacar los del Hermitage de San Petersburgo —la terracota El éxtasis de Santa Teresa y el Boceto para la escultura ecuestre de Constantino, contrapuesto a dos dibujos preparatorios (uno de ellos, recién atribuido)—; la Escultura ecuestre de Carlos II, llegada de una colección particular de Tennessee (EE UU); y un león de bronce que se desgajó del modelo de la Fontana dei Quattro Fiumi no prestada por Patrimonio.

Pertenece al coleccionista especializado en mármoles colorados Dario del Bufalo, que descubrió la pieza hace unos pocos años y ayer estaba en el Prado. Tan contento por ser propietario de un bernini perdido como por servir para mitigar la ausencia ocasionada por un enfrentamiento institucional ciertamente ajeno a sus intereses y motivaciones.


elpais.com



 

No entiendo las desavenencias, y más si son por celos profesionales entre el actual director de Patrimonio Nacional, antiguo ayudante del director del Museo del Prado. Por encima de todo está el patrimonio cultural del Estado, y sus obras deben de estar disponibles para prestarse si las condiciones de la muestra lo merecen, y creo que el Prado, es el mejor lugar para divulgar el arte. Así que las autoridades deberían tomar cartas en el asunto y tener un criterio único.
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
Exposición: Del 6 de noviembre 2014 al 8 de febrero 2015

Comisario: Delfín Rodríguez Ruiz, Catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid



Las Ánimas de Bernini. Arte en Roma para la corte española




 anima_beata_1619_gian_lorenzo_bernini_m_rmol_blanco_57_x_30_x_30_cm_roma_embajada_de_espa_a_ante_la_santa_sede

Anima Beata, 1619. Gian Lorenzo Bernini. Mármol blanco, 57 x 30 x 30 cm. Roma, Embajada de España ante la Santa Sede.

Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598- Roma, 1680) fue el más grande artista de la Roma barroca que desarrolló facetas de escultor, arquitecto, pintor, diseñador de fiestas y ceremonias, fuentes y otros repertorios ornamentales.

Las complejas relaciones diplomáticas y políticas de Roma con España se vieron reflejadas en los encargos a Bernini tanto de mecenas españoles en Roma (figuras tan fundamentales como el duque del Infantado, el cardenal Pascual de Aragón o el marqués del Carpio) como de la propia corona. Tienen que ver, muy especialmente con que Felipe IV buscara una presencia diplomática, religiosa y política en Roma, y financiara obras en algunas de las basílicas más simbólicas, desde San Pietro a Santa Maria Maggiore, así como se hicieran encargos para El Escorial o el Real Alcázar de Madrid.

La muestra se vertebra en tres secciones que ilustran la compleja relación de Bernini con España y, al tiempo, constituye casi una síntesis de su propia evolución como artista polifacético, recorriendo un rico itinerario desde algunos de los grandes proyectos arquitectónicos y urbanísticos a sus escenográficas capillas y esculturas, así como a sus fuentes, pinturas y dibujos para otros proyectos, ya fueran efímeros y festivos, decorativos o suntuarios.


Retratos del alma


 anima_dannata_gian_lorenzo_bernini_m_rmol_54_x_25_x_31_cm_1619_roma_embajada_de_espa_a_ante_la_santa_sede_dep_sito_de_la_obra_p_a

Anima dannata, Gian Lorenzo Bernini. Mármol, 54 x 25 x 31 cm, 1619. Roma, Embajada de España ante la Santa Sede. Depósito de la Obra Pía.

Los retratos del alma y de sus emociones tuvieron su correspondencia en bustos y rostros, ya se tratase de representaciones de personajes históricos o religiosos, mitológicos o de autorretratos. Con apenas veintiún años realizó el que posiblemente sea su primer encargo para un prelado español en Roma, Pedro de Foix Montoya, al que también retrató poco después de manera memorable.

Esculturas del alma, el Anima beata se ilumina ante la contemplación de la belleza de la gloria, mientras que el Anima dannata, condenada, expresa el horror de lo infernal, como si hubiera sido experimentado por el propio artista, en singular autorretrato oculto. Este procedimiento lo usaría posteriormente, sobre todo con la figura de David como excusa, para cuyo rostro, pintado o esculpido, se dice que se sirvió del gesto tan legendario como amistoso de Maffeo Barberini, futuro Urbano VIII, al sujetarle un espejo en el que reflejar su rostro lleno de ira para hacer el del personaje bíblico.

Siempre casi vivos fueron sus retratos, como ocurre con el retrato de Scipione Borghese (1577-1633), tradicionalmente elogiado por el realismo de un rostro que parece comenzar a hablar al contemplarlo.


Roma teatro de las naciones. De Urbano VIII a Alejandro VII en tiempos de Felipe IV


 dcba6a551d

Felipe IV, Diego Velázquez. Óleo sobre lienzo, 69 x 56 cm, h. 1654. Madrid, Museo Nacional del Prado

Durante los pontificados de Inocencio X y Alejandro VII, paralelos a un período extraordinariamente creativo, Bernini realizaría algunas de sus obras y proyectos más importantes, incluidas obras religiosas de argumento español tan significativas como el Éxtasis de Santa Teresa en la Capilla Cornaro en Santa Maria della Vittoria en Roma. Se trata de una época en la que, en relación con España, fueron más frecuentes los encargos de obras, la decoración para las ceremonias de canonización, las fiestas con arquitecturas efímeras y fuegos artificiales o los regalos diplomáticos a Felipe IV, coincidiendo con el compromiso filoespañol de esos papas.

Durante esos pontificados fue también cuando Felipe IV y sus embajadores en Roma intensificaron la presencia de la Monarquía en Roma mediante una calculada estrategia de propaganda dinástica, política y religiosa, que habrá de culminar con el proyecto de Bernini para un monumento a Felipe IV en Santa Maria Maggiore.


Arte, religión y diplomacia. El último Bernini


 escultura_ecuestre_de_carlos_ii_gian_lorenzo_bernini_bronce_dorado_41_x_49_x_19_cm_1680_brentwood_tennessee_colecci_n_particular

Escultura ecuestre de Carlos II, Gian Lorenzo Bernini. Bronce dorado, 41 x 49 x 19 cm, 1680. Brentwood, Tennessee, Colección particular.

Los últimos años de Bernini fueron especialmente significativos tanto en relación a su propia biografía como artista, como en sus contactos con España y sus embajadores en Roma. Así, durante los pontificados que se sucedieron desde Clemente IX Rospigliosi a Inocencio XI Odescalchi, Bernini, casi recién retornado de su fracasado viaje a París, en 1665, sufrió diferentes reveses. Por un lado, dejó de ser el protagonista indudable de las transformaciones de la Roma barroca, acentuando, sin embargo y como contrapartida, tanto su religiosidad como la preocupación por su propia fama y fortuna crítica.

Por otro, fue época de proyectos inacabados o no realizados para Clemente IX, de obras que sufrieron críticas que rozaron la sátira y el libelo, como ocurrió con su Constantino en la Scala Regia del Vaticano o con el infortunio de la escultura ecuestre para Luis XIV, cuya solución formal e iconográfica no fue comprendida en París. Pero también se trata de una época en la que pareció establecer una distinta relación con la Monarquía Hispánica y con Carlos II especialmente, gracias a los amistosos contactos que mantuvo con Gaspar de Haro y Guzmán, VII marqués del Carpio, embajador en Roma entre 1676 y 1682. Coleccionista célebre en toda Europa, Haro llegó a encargarle, entre otras obras, una réplica, casi a escala real, de la Fuente de los Cuatro Ríos de la Plaza Navona.


 autorretrato_gian_lorenzo_bernini_leo_sobre_lienzo_46_x_32_cm_h_1635_1638_madrid_museo_nacional_del_prado

Autorretrato, Gian Lorenzo Bernini. Óleo sobre lienzo, 46 x 32 cm, h. 1635 – 1638. Madrid, Museo Nacional del Prado.

Ver listado de obras de la exposición



Fuente: https://www.museodelprado.es/exposi...macion-general/
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
La obra invitada: Custodia de la Iglesia de San Ignacio de Bogotá

 
Del 3 de marzo al 31 de mayo de 2015

Museo del Prado. Sala 18A. Edificio Villanueva





 000_1425373918_938956

José de Galaz, Custodia de la iglesia de San Ignacio de Bogotá, conocida como “La Lechuga”, 1700-7. Oro fundido, calado, con esmaltes e incrustaciones de piedras preciosas. 80 cm altura. Bogotá, D.C., Colombia. Colección de Arte – Banco de la República


elprado.es
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
El Prado exhibe el fulgor de ‘La Lechuga’ y sus 1.485 esmeraldas


La pieza de orfebrería del siglo XVIII sale por primera vez de Colombia



 00_1425372842_266617

La custodia de la Iglesia de San Ignacio de Bogota, conocida como La Lechuga. Miguel Zugaza, Isabel del Castillo, ministra de Cultura de Colombia, y Jose Dario Uribe, gerente general del Banco de Colombia, en el Museo del Prado. / Samuel Sanchez (EL PAÍS)

Narra la leyenda que un sacerdote jesuita la llegó a ocultar bajo su cama. El caso es que durante mucho tiempo se dio por perdida la custodia de la Iglesia de San Ignacio de Bogotá, una extraordinaria pieza de orfebrería del siglo XVIII conocida popularmente como La Lechuga por el color verde de sus 1.485 esmeraldas, de altísima pureza. Su autor fue el español José Galaz, quien tardó siete años en realizar una de las joyas religiosas más valiosas y emblemáticas de Latinoamérica, elaborada con cinco kilos de oro y un total de 1.700 piedras preciosas, entre diamantes, perlas, amatistas, rubíes, un zafiro y un topacio, además de las esmeraldas, de las que Colombia es el mayor productor del mundo.

La Lechuga se exhibe desde ayer en el Museo del Prado con motivo de los actos paralelos organizados por Colombia, país invitado en la reciente feria Arco, y en coincidencia con la visita de Estado a España del presidente colombiano, Juan Manuel Santos. Es la primera vez que esta destacada pieza del culto católico en la que se expone la hostia consagrada sale del país americano.

“Se empezó a hacer en 1700 por encargo de los jesuitas, que fueron expulsados tres veces de la antigua Nueva Granada [el nombre colonial de Colombia]. Por eso se perdió su rastro durante un tiempo. A mediados de los años ochenta, los jesuitas nos ofrecieron la pieza que fue adquirida por 2,5 millones de dólares [2,2 millones de euros]”, explicó Efraín Triaño, director de la Unidad de Arte y otras Colecciones del Banco de la República, que custodia la joya. La pieza está tasada en la actualidad entre los tres y los cuatro millones de dólares, según los seguros.

El director del Prado, Miguel Zugaza, recalcó que es “un sueño” poder contar con una obra excepcional “que permite viajar a ese Dorado que fue América”, informa Efe. Recordó que en el año 2019, Colombia celebrará el segundo centenario de su independencia, y el Prado el de su apertura al público, lo que proporcionará “la oportunidad de colaborar” otra vez.


Sol, vid y ángeles

La Lechuga se muestra hasta el 31 de mayo en la sala 18 A del edificio de Villanueva, en una urna rodeada de obras de Claudio Coello, Herrera El Mozo y Antolínez, autores de pinturas “dinámicas, coloristas y arrebatadas”, con las que la joya comparte riqueza, cromatismo y esplendor, en opinión de Javier Portús, conservador del Prado. Comisario científico de la exposición, integrada en el programa La obra invitada, patrocinado por la Fundación Amigos de la pinacoteca, Portús destacó el valor económico y simbólico de esta “obra maestra de la historia del arte colombiano y la única que se conoce de su autor”.

La custodia, que representa el sol, la vid y los ángeles, fue protegida por los sacerdotes jesuitas y logró sobrevivir íntegra durante tres siglos a pesar de las expulsiones de los miembros de la orden fundada por Ignacio de Loyola ordenadas en Colombia por Carlos III en 1767 y los presidentes José Hilario López en 1850 y Tomás Cipriano de Mosquera en 1861. Solo hasta fines del siglo XIX, cuando los bienes confiscados le fueron devueltos a la orden, la custodia volvió a exponerse en la iglesia de San Ignacio de Bogotá.


elpais.com
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
La obra invitada: El San Juanito recuperado de Miguel Ángel. Museo Nacional del Prado.
Sala 47. Edificio Villanueva. Del 31 de marzo al 28 de junio de 2015.



El San Juanito recuperado. Una escultura de Miguel Ángel en España



 340873f721

San Juan Bautista niño, Miguel Ángel. Partes originales en mármol y reconstrucción en resina, 140 x 40 x 43 cm, ca. 1495 - 1496, Fundación Casa Ducal de Medinaceli.

Los biógrafos de Miguel Ángel, Vasari y Condivi, narran que al volver de Bolonia a Florencia en 1495 su primer encargo fue una estatua en mármol de un San Giovannino hecha para Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis (primo de Lorenzo el Magnífico) que hoy se identifica con esta. En lugar de seguir el modelo del San Juan Bautista de Donatello (Florencia, Museo del Bargello) como hacían los demás escultores florentinos, Miguel Ángel representó al santo más joven, como un niño de unos 6 o 7 años. Siguiendo el ejemplo de la escultura helenística griega, apoya la pierna izquierda sobre una roca y al doblarla ligeramente crea unas elegantes líneas oblicuas, un recurso estético que el artista utilizaría en diversas obras. Los brazos doblados, la cabeza ligeramente inclinada y el énfasis en el cuerpo desnudo recuerdan modelos de la escultura clásica, tan admirada por Miguel Ángel. Se perciben semejanzas compositivas evidentes entre esta y otras obras del maestro, como el pequeño san Juan Bautista en el cuadro inacabado conocido como la Madonna de Manchester (Londres, National Gallery, 1495-1496) y la escultura de Baco con sátiro del Museo del Bargello (1497-98).

museodelprado.es




Una buena noticia para los seguidores de Miguel Ángel y la escultura clásica en general. El San Juanito recuperado de Miguel Ángel, tras 19 años en un taller especializado de Florencia, durante un largo y laborioso proceso técnico, vuelve a recuperar cierto esplendor, aunque se le notan las heridas. La escultura del genio florentino fue casi destruida en un 'episodio iconoclasta' en la Guerra Civil Española. La pieza, después de exponerse en el Museo del Prado, regresará a la Capilla del Salvador de Úbeda para ser expuesta de forma permanente.
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
Last edited by j.luis on Tuesday, 31 March 2015, 09:45; edited 1 time in total 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
La escultura ‘San Juanito’ de Miguel Ángel cobra vida en el Prado


El 'San Juanito' se presenta en la pinacoteca tras una restauración de 19 años en Florencia




 1427731776_937979_1427732033_noticia_grande

San Juanito, de Miguel Ángel Buonarroti, en el Prado.

Tiene 130 centímetros de altura y su cuerpo infantil, que había quedado reducido a cascotes, vuelve a lucir con toda la belleza y misterio de las esculturas de Miguel Ángel (Caprese, 1475-Roma, 1564). Y todo gracias a los más recientes milagros tecnológicos obrados por el Centro de Restauración de Florencia, que ha necesitado 19 años para insuflarle nueva vida. San Juan Bautista niño, más conocido como San Juanito, fue víctima de la Guerra Civil española y nació de las manos del genio renacentista cuando contaba unos veinte años. Desde hoy se expone hasta el 28 de junio en la sala 47 del Museo del Prado, el mismo lugar en el que se exhibió a la Gioconda del Prado. Después, volverá a la capilla del Salvador de Úbeda (Jaén), donde se expone desde el siglo XVI, por deseo de sus propietarios, la Fundación Casa Ducal de Medinaceli.

El San Juanito deja ver las cicatrices de las heridas causadas por un ataque de grupos anarquistas (con toda probabilidad) a comienzos de la guerra. No solo quedó reducido a cascotes, sino que también algunas partes, como la cabeza, fueron quemadas. La recuperación de la obra hubiera sido inimaginable hace unas décadas. Sin embargo, los propietarios perseveraron y decidieron llevar los trozos al Centro de Restauración de Florencia, el Opificio delle Pietre Dure, el lugar más indicado para recobrar la figura creada con el blanco mármol de Carrara entre 1495 y 1496.


 02_1427789585_931291

Detalle de San Juanito.

Cristina Improta, directora del Departamento de Materiales Pétreos del centro florentino, explica que los expertos contaron con varias fotografías para recuperar su aspecto original. Una de ellas había sido tomada en 1930 en la capilla de Úbeda. Contaban con referencias escritas por Vasari, quien relacionaba la obra con piezas juveniles de Miguel Ángel, como la escultura de Baco, y con la pintura conocida como la Madonna de Manchester.

Las imágenes permitieron la reconstrucción virtual en tres dimensiones de lo que había sido la obra completa. El paso siguiente consistió en montar la escultura con los trozos originales de mármol y completar las partes perdidas, más del 60%, con fibra de vidrio y nylon que luego fueron estucadas, entonadas con tempera y selladas con cera y barniz. El armazón interno se sostiene con una estructura de acero inoxidable articulada por imanes. La parte final del proceso consistió en aplicar un potente láser capaz de limpiar los restos de quemaduras de la cabeza y de la piel de cordero con la que San Juanito se cubre parte del cuerpo. Los restauradores han querido que la figura guarde las cicatrices de sus penurias y agresiones; una venganza contra el arte que, como recuerda Miguel Zugaza, se sigue perpetrando en estos momentos por el Estado Islámico.


 03_1427789644_870005

Detalle de San Juanito, de Miguel Ángel Buonarroti.

Durante los 19 años que la obra ha permanecido en Italia no solo se ha sometido a un tratamiento de regeneración; también se ha certificado definitivamente la paternidad de Miguel Ángel, en un congreso de expertos celebrado en Florencia en 2013. Aunque no se albergaban muchas dudas, hasta entonces solo se contaba con la atribución del historiador del arte Manuel Gómez Moreno.

Stefan Schoeder, jefe del departamento de Escultura del Prado y comisario de la exposición documental montada en torno a San Juanito, explica que las primeras noticias escritas que se tienen sobre la obra están fechadas en 1495 y cuentan que fue un encargo de Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, el mismo mecenas de Botticelli. Después, en 1537, Cosme I de Médicis regala la obra a Francisco de Cobos, secretario del emperador Carlos V. Cobos la envía a España para embellecer el mausoleo que se había mandado construir en la capilla de San Salvador en Úbeda. De esta manera pasó a formar parte de la Fundación Casa Ducal de Medinaceli y a convertirse en la única escultura conocida en España nacida del Divino Buonarroti.


 04_1427789675_723843

Una imagen de San Juanito en el Prado.


Pocos rastros del artista en España

Sorprende que un museo como El Prado tenga una escasa o nula presencia de dos grandes del Renacimiento italiano: Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci. Del primero, gracias a la Casa de Medinaceli y los Amigos del museo, se puede ver su San Juanito. Además, posee dos estudios anatómicos realizados para el Juicio Final de la Capilla Sixtina, del legado de Pedro Fernández Durán. No hay más. Igual ocurre con Leonardo Da Vinci, del que solo la Biblioteca Nacional tiene los códices I y II del genio renacentista, accesibles gracias al proyecto Leonardo interactivo que ha puesto en marcha la Biblioteca. Lo más próximo que tiene el Prado es la copia de la Gioconda hecha por un discípulo del maestro a la vez que creaba el original.

Gabriele Finaldi, director adjunto del museo, explica que la ausencia de estos dos genios se debe a que tanto Miguel Ángel como Leonardo triunfaron muy pronto y su producción fue relativamente pequeña. “Creo que hay muy pocas obras fuera de Italia. En ambos casos trabajan para sus mecenas al comienzo de sus carreras. En general, lo que ve fuera, son obras de juventud. Puede que la corona española se interesara por ellos muy tarde, cuando sus obras tenían ya precios muy altos”.


Fuente: elpais.com / BERNARDO PÉREZ
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
Del 14 de octubre de 2015 al 10 de enero de 2016 / Sala D


Arte transparente. La talla del cristal en el Renacimiento milanés



 o00078

Barco de la tortuga, Annibale Fontana (1540-1587) (?), Cristal de roca y oro esmaltado, 20,3 x 24 x 12,5 cm (alto x ancho x fondo), Milán, hacia 1570 (vaso). Italia (?), hacia 1570-1590 (guarniciones) Madrid, Museo Nacional del Prado.

Desde mediados del siglo XVI, artistas y talleres de la ciudad italiana de Milán destacaron en la talla del cristal de roca, una gema natural, creando obras maestras difícilmente superables, que gozaron de la común admiración de sus contemporáneos, con una valoración económica muy superior a la de grandes creaciones de la pintura de su época.

Destinadas a las grandes colecciones principescas, son, a la vez, esculturas y objetos útiles, invenciones insólitas extrañas y maravillosas, cuyas proporciones evidencian, en muchos casos, un profundo conocimiento del mundo clásico, a lo que se une la destreza en la talla del mineral, realizada con métodos celosamente guardados en un ambiente de experimentación constante cercano a las ideas de Leonardo da Vinci.

Desde el punto de vista escultórico, destacan por su calidad estética y técnica, y las representaciones en ellas figuradas. Como elaboraciones intelectuales, cabe considerarlas reflejo del pensamiento renacentista y tardo- renacentista, llegando incluso a interpretar visualmente asuntos esotéricos y mágicos.

El principal objetivo de esta exposición consiste en presentar al gran público un concepto de arte con el que no está familiarizado, para lo que se han seleccionado catorce de las piezas más bellas del llamado "Tesoro del Delfín" (parte de la herencia de Felipe V de Borbón), a las que se unen obras de primer rango provenientes de Florencia y París.

museodelprado.es
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
El Prado exhibe sus tesoros más transparentes

En “La talla de cristal en el Renacimiento milanés” el museo explora una expresión artística poco difundida



 00_1444810069_677094

Una de las tabletas proporcionadas por Samsung para la visualización de los detalles de las obras de la exposición 'El arte transparente. La talla del cristal en el Renacimiento milanés' del Museo del Prado.

En el siglo XVI, el valor económico de una pieza de cristal era muy superior al de una pintura. En el propio testamento de Felipe II, cuadros realizados por Tiziano, El Bosco o Sánchez Coello se tasaron muy por debajo de algunas piezas de cuarzo tallado incluidas en la misma colección. Piezas raras y exclusivas, siempre en manos de la cúspide social europea, su popularidad no ha crecido con la misma progresión que otras formas de expresión artística. El propio Miguel Falomir, director adjunto del Museo del Prado, confiesa que hasta no hace tantos años, no había sabido dar la importancia que merecen a estas delicadas obras. La exposición “El arte transparente. La talla de cristal en el Renacimiento milanés”, que hasta el 10 de enero se puede ver en el Museo del Prado, es una ocasión única para aproximarse a la talla de cristal de roca o cuarzo hialino a través de una veintena de piezas procedentes del Tesoro del Delfín, propiedad del Museo del Prado, la colección de Luis XIV de Francia y la de los Médicis florentinos.

Situada en la sala D del edificio de Jerónimos, la exposición ha sido objeto de un montaje y una iluminación muy especiales gracias a los cuales el visitante puede apreciar, en todo su esplendor, cada uno de los objetos expuestos. Para poder distinguir las minúsculas figuras talladas en el interior de las piezas, de tamaños no superiores al centímetro, el museo facilita a cada espectador, en colaboración con Samsung, una tableta en la que se reproducen las imágenes en alta resolución y con un giro de 360 grados en las más relevantes.

Letizia Arbeteta, conservadora de museos y comisaria de la exposición, explica que el cuarzo, la materia básica de esta rama de la escultura, es un mineral al que se le atribuían poderes mágicos, y que puede que por ello fuera elegido por los artistas y talleres de Milán para sus tallas. Para ocultar las costuras entre las diferentes partes trabajadas, utilizaban metales, perlas o piedras preciosas como la esmeralda. “Eran artistas y artesanos con un gran dominio del oficio”, explica la experta. “Sus conocimientos se transmitían por la vía familiar. En el trabajo colaboraban también los más pequeños, imprescindibles para conseguir algunos detalles tan minúsculos que solo pueden haber sido hechos por la mano de un niño”.


 000_1444810093_503590

Una mujer aprecia un vaso en forma de dragón del taller de los Miseroni de Milán de la segunda mitad del siglo XVI en el Museo Nacional del Prado.

El trabajo sobre el cristal de roca no admite rectificaciones. Por ello, a estos artistas se les atribuye una habilidad extrema. En algunos casos, se conoce el nombre el autor, pero en general el resultado es el trabajo conjunto del taller formado por miembros de una misma familia. La talla del cristal era la industria del gran lujo del momento, una parcela que los italianos han sabido conservar con el paso de los siglos. La comisaría explica que estos objetos se realizaban con métodos celosamente guardados, exigía tiempo, un notable esfuerzo y una excepcional destreza: “Cada uno pasaba por diversas fases que obligaban a trabajar en equipo, en un sistema de talleres familiares. Los cristaleros les daban forma y realizaban el ahuecado, y los talladores se ocupaban de las escenas historiadas y las decoraciones. Estas se tallaban en hueco o en relieve, dando como fruto imágenes de gran belleza que variaban con la luz. El instrumental y la maquinaria evolucionaron constantemente, y se cree que pudieron aplicarse en este campo algunas mejoras diseñadas por Leonardo da Vinci”.

Pese al anonimato general, se considera que los principales talladores milaneses fueron Francesco Tortorino y Annibale Fontana. Y hubo dos talleres sobresalientes: el de la familia Miseroni, creadora de obras con originales mezclas de elementos orgánicos y formas clásicas, que rozan lo abstracto, y el de la familia Sarachi, especializada en vasos de gran calidad y con forma de animales fantásticos. Ambas familias trabajaron para las grandes cortes europeas como Madrid, Viena, Praga, Mantua, Florencia, París o Múnich.

Expuestas habitualmente en aparadores colocados en los grandes salones, Letizia Arbeteta asegura que para la sociedad contemporánea, estas obras eran auténticas maravillas, producto de una milagrosa conjunción entre la inteligencia y la habilidad humanas y los tesoros de la naturaleza. Se encargaban para ser exhibidas en banquetes y actos solemnes en los que había que reforzar las virtudes públicas del príncipe, su magnanimidad y liberalidad, su refinamiento, cultura y elegancia. Además, gracias a una concepción integral del arte, estas obras conseguían ser disfrutadas con los cinco sentidos.


elpais.com
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
‘Arte Transparente. Obras maestras de la talla del cristal en el Renacimiento Milanés’


Exposición en el Museo del Prado hasta el 10 de  de 2016


 00_1446226244_712354

Una muestra que incluye catorce de las piezas del llamado Tesoro del Delfín (parte de la herencia de Felipe V de Borbón) a las que se unen obras de primer rango provenientes de Florencia y París.


 02_1446227525_306275

 01_1446227536_790182

 03_1446227552_350657

 04_1446227566_307564

 05_1446227577_834848

 09_1446227626_908089

 07_1446227594_442481

 08_1446227608_443083

 06_1446227647_800010

Obras maestras de la talla del cristal en el Renacimiento Milanés’. Una muestra que incluye catorce de las piezas del llamado Tesoro del Delfín (parte de la herencia de Felipe V de Borbón) a las que se unen obras de primer rango provenientes de Florencia y París.


Fuente: madridiario.es
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
Los secretos del arte transparente que esconde el Museo del Prado


"Arte Transparente" exhibe tallas únicas esculpidas en cristal de roca

Son obras cargadas de simbolismo que invitan a un juego de ingenio





 vaso_en_forma_de_drag_n_o_caquesseit_o_mil_n_taller_de_los_miseroni_1550_null

 'Vaso en forma de dragón o caquesseitão', Milán, taller de los Miseroni (1550) Null

Cada cristal guarda un secreto y reta al espectador a desentrañarlo en una suerte de juego intelectual similar al de las cajas chinas, y casi, tan adictivo.

Este ingrediente de misterio, unido a su exquisita artesanía, rareza y altísimo valor, son algunos de los múltiples incentivos que ofrecen las veinte piezas de Arte Transparente, la muestra de esculturas de cristal de roca que exhibe el Museo del Prado (Del 14 de octubre al 10 de enero de 2016).

La talla en cristal de roca o cuarzo hialino alcanzó su máximo brillo con el trabajo de los artistas milaneses en la segunda mitad del siglo XVI.


 vaso_de_la_monter_a_francisco_totino_1512_1572_crsistal_de_roca_20_5_x_13_8_cm_alto_x_di_metro_mil_n_museo_del_prado

'Vaso de la Montería'. Francisco Totino (1512-1572) . Crsistal de roca, 20,5 x 13,8 cm (alto x diámetro). Milán. Museo del Prado


En los talleres renacentistas, con los Misseroni y los Sarachi como principales maestros, familias enteras se especializaban en una labor colectiva tan minuciosa como exclusiva, que alumbraba obras de arte únicas, aunque destinadas al uso, que ornamentaban las mesas de príncipes y reyes, de ahí, su incalculable precio.

De hecho, las creaciones fueron tan apreciadas que eran valoradas económicamente muy por encima de joyas pictóricas como los cuadros de autores consagrados como Tiziano, explica la comisaria de la muestra, Letizia Arbeteta, que añade que hay tallas que tardaron en rematarse más de una década.

“Los vasos se destinaban a las grandes solemnidades como los banquetes, que eran la fiesta de los cinco sentidos. Cuando había un invitado importante era una gran deferencia hacia él usar una de estas piezas porque podía romperse”, señala Arbeteta a RTVE.es.
Rarezas cargadas de simbolismo


 barco_de_la_tortuga_annibale_fontana_1540_1587_crsistal_de_roca_y_oro_esmaltado_20_3_x_24_x_12_5_cm_alto_x_ancho_x_fondo_h_1570_mil_n_museo_del_prado

'Barco de la Tortuga'. Annibale Fontana (1540-1587) . Crsistal de roca y oro esmaltado, 20,3 x 24 x 12,5 cm (alto x ancho) x fondo, h. 1570. Milán. Museo del Prado


Pero el cristal de roca, denominado por los griegos “nieve helada”, esconde en su interior enigmas vinculados a su propio origen marcado por la leyenda.

Esta gema mineral estaba considerada símbolo celestial de pureza en la Edad Media, y se reverenciaba como materia mágica con la que se invocaba la protección contra el mal de ojo.

Este carácter esotérico se aprecia en las obras expuestas en la pinacoteca madrileña. Son llamadas bizzarrie o creaciones ingeniosas-y ciertamente bizarras- cargadas de referencias neoplatónicas y continente de un universo simbólico en el que criaturas mitológicas como los dragones adquieren gran protagonismo.

   “Es la exposición de este tipo más hermosa de Europa“

Las singulares creaciones representan el mundo de la Antigüedad clásica y dan como resultado un arte transgresor, dicen que el pensamiento del propio Leonardo da Vinci inspiró a los milaneses, que inclusive retó el ideario de la Contrarreforma mostrando imágenes paganas de desnudos.


 vaso_con_la_historias_de_susana_y_judith_taller_milan_s_crsistal_de_oro_esmaltado_9_1_x_21_5_x_18_cm_alto_x_ancho_x_fondo_mil_n_mediados_del_siglo_xvi_museo_del_prado

'Vaso con la historias de Susana y Judith'. Taller milanés. Crsistal de oro esmaltado, 9,1 x 21,5 x 18 cm (alto x ancho x fondo). Milán. Mediados del siglo XVI. Museo del Prado


La exposición del Museo del Prado quiere familiarizar al público con una expresión artística excepcional, antaño solo disfrutada por la nobleza, y en la que el asombrado espectador debe aguzar el ingenio para captar las metáforas esculpidas con fineza en el cristal.

“En la pieza Copa con escena marina, una capa es la barandilla de un estanque, luego está el mar con los dragones, y si se llenara de agua tendríamos el océano dentro de una copa”, describe la comisaria sobre esta "caja china" acuática.
Un juego para el espectador

En el museo madrileño se ha cuidado con mimo la puesta en escena para que se desvelen los detalles, a veces diminutos, ya que cada obra se encuentra en un pedestal a la altura de los ojos del público e iluminada en una sala en penumbra, en la que a su vez se juega con la interacción entre las esculturas con los reflejos.


 columna_triunfal_francisco_tortorino_1512_1572

'Columna triunfal'. Francisco Tortorino (1512-1572). Crsistal de roca. ágata calcednia, bronce, plata dorada, 5931 x 25,5 x 18 cm (alto x ancho). Milán. Procedente del Palazzo Pitti, Florencia


“Estas obras nunca se han visto así en otra parte del mundo. Es la exposición de este tipo más hermosa de Europa en estos momentos”, subraya la experta Letizia Arbeteta.

 La procedencia de las joyas también demuestra el ámbito excepcional de la exposición. Catorce esculturas forman parte del llamado “Tesoro del Delfín”, perteneciente a la herencia del rey Felipe V, y que se conserva en el Prado; otras vienen de colecciones florentinas de los Médicis o son préstamos excepcionales como la extraordinaria Vaso con la historia de Noé, una pieza principal de cristal de roca jalonada con oro esmaltado, rubíes y un diamante, que ha viajado desde el parisino Museo del Louvre.



 fuente_con_historia_de_hermafrodito_y_camafeos_de_los_doce_c_sares_taller_de_los_sarachi

Fuente con historia de Hermafrodito y camafeos de los Doce Césares 'Taller de los Sarachi'


Un arte tan mágico como inclasificable, tal y como reseñó el historiador Paolo Morigia (1595): “Son rarezas maravillosas que asombran a los inteligentes que las contemplan”.


Fuente: rtve.es
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
El Museo del Prado estrena nueva web

El Museo del Prado se sitúa a la vanguardia de los museos en la red con una web que transforma por completo la experiencia de su versión digital.


 grupo_de_san_ildefonso_museo_del_prado_02

Orestes y Pílades es un grupo escultórico romano esculpido en mármol blanco de Carrara que data en torno al año 10 a. C. También se le conoce como Grupo de San Ildefonso, de Praxíteles. Sus dimensiones son 161 cm x 106 cm x 56 cm y un peso de 496 kilos. Se exhibe en el Museo del Prado.

El nuevo website está dotado de un complejo desarrollo tecnológico y de un diseño absolutamente protagonizado por la imagen y documentación de la obra de arte. Esta nueva forma de presentación del Prado en el entorno digital proporciona una atractiva experiencia para disfrutar del Museo en toda su extensión y profundizar de forma rápida e intuitiva en sus diferentes áreas de conocimiento.

Una iniciativa, realizada con el apoyo de Telefónica, que apuesta decididamente por trasladar la experiencia de la visita del museo a un entorno digital enriquecido basado en el modelo semántico explorado con éxito hasta ahora solamente por un reducido grupo en cuanto a instituciones culturales internacionales.


El viaje de los sentidos

El Prado como nunca habías visto. Diez recorridos temáticos ambientados con la música de Radio 3

El Museo del Prado lanza su nueva web que acerca sus contenidos de forma innovadora. Para celebrarlo, hemos preparado diez recorridos por sus obras clásicas con músicas contemporáneas seleccionadas por algunos de los especialistas musicales de Radio 3.

Diez senderos que son un homenaje a las musas. Bodegones para los más golosos, vestidos para los adictos a la moda, amores profanos para los voyeurs, mitologías que cuentan fábulas para los cuentistas y una zona vip, poblada de damas y caballeros. Es una corte poblada de historias y unos personajes que despliegan toda su sabiduría. A veces harán viajar en el tiempo y otras veces presentarán sus grandes formatos como una gran pantalla de cine.

Diez rutas por el museo con músicas seleccionadas por Julio Ruiz , Gustavo Iglesias, Ángel Carmona, Virginia Díaz, Elena Gómez, Rosa Pérez, Paula Quintana, Leyre Guerrero, José Manuel Sebastián y Julio Ródenas.


museodelprado.es
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
El Prado estrena web y se fabrica una nueva imagen

La atractiva versión ‘online’ del museo interrelaciona obras, autores y actividades



 04_1449822769_726998

Web del Museo del Prado

En el marco de un constante compromiso por el estudio y la difusión, el Museo del Prado lanzó ayer su nueva web, que es, en cierta forma, una nueva imagen de la pinacoteca. Realizada con el apoyo de Telefónica, la iniciativa está dotada de un complejo desarrollo tecnológico y de un diseño en el que las imágenes son protagonistas absolutas. La experiencia de la visita al museo se traslada a lo digital de una forma estéticamente pulida y enriquecida con la ayuda de un modelo semántico, una novedad dentro del ámbito de los museos con presencia digital.

De este modo la nueva web, un proyecto que se inició hace tres años, reemplaza a la de 2007 para mejorar la experiencia online del museo. Con una estructura de módulos, el sistema puede interrelacionar las obras de arte, los autores de la colección y otros activos del patrimonio del museo, como actividades y conferencias.

Las novedades en esta página son tres. Primero, su motor, que está compuesto por la colección y el conocimiento asociado a cada uno de los 10.000 artículos. Esto va de la mano de un diseño dedicado a la imagen que presenta cada objeto con una foto con zoom, una ficha técnica, un texto explicativo, una biografía del autor, etiquetas relacionadas a la obra, una bibliografía de textos académicos en los que aparece, su procedencia, inventarios en la que está incluida y su ubicación en el museo. Ofrece también una sección multimedia con vídeos de conferencias pasadas, avances de exposición y guías curatoriales.

Buscador semántico

Segundo, el buscador facetado es semántico, es decir que la misma web participa adaptándose a las necesidades del usuario. Por ejemplo, si se buscan las palabras “bacanal de Tiziano” aparecen todas las imágenes relacionadas, y en la columna izquierda un abanico con categorías y temas (dioses mitológicos, desnudo, metamorfosis...), época, escuela, materia, soporte, técnica, flora, fauna y personajes, permitiendo que la búsqueda sea aún más refinada. Un usuario que esté buscando obras relacionadas con cualquier tema ya tiene a su disposición obras de arte que el sistema ha interconectado por sí mismo. Es un buscador que permite el acceso a toda la información contenida en la web del museo aplicando patrones y secuencias personales de razonamiento y búsqueda, incluyendo un sistema de recomendación de contenido para profundizar la información demandada partiendo del etiquetado de las obras de las colecciones.

La nueva web permite personalizar las propias visitas del usuario por medio de una red social específica llamada Mi Prado. Incorporando la posibilidad de crear y guardar itinerarios personalizados, obras favoritas y resultados de búsquedas previas, este canal permite ver en qué lugar del museo están ubicadas las obras favoritas del usuario. Se pueden comentar recorridos y compartirlos, así como preparar clases, entre muchas más opciones. Además, Radio 3 de Radio Nacional ha propuesto una selección musical para los recorridos temáticos de la colección permanente.


elpais.com
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Reply with quote   Download Post  
Post Re: MUSEO DEL PRADO, Escultura 
 
El Prado estrena web y se fabrica una nueva imagen

La atractiva versión ‘online’ del museo interrelaciona obras, autores y actividades



 04_1449822769_726998

Web del Museo del Prado

En el marco de un constante compromiso por el estudio y la difusión, el Museo del Prado lanzó ayer su nueva web, que es, en cierta forma, una nueva imagen de la pinacoteca. Realizada con el apoyo de Telefónica, la iniciativa está dotada de un complejo desarrollo tecnológico y de un diseño en el que las imágenes son protagonistas absolutas. La experiencia de la visita al museo se traslada a lo digital de una forma estéticamente pulida y enriquecida con la ayuda de un modelo semántico, una novedad dentro del ámbito de los museos con presencia digital.

De este modo la nueva web, un proyecto que se inició hace tres años, reemplaza a la de 2007 para mejorar la experiencia online del museo. Con una estructura de módulos, el sistema puede interrelacionar las obras de arte, los autores de la colección y otros activos del patrimonio del museo, como actividades y conferencias.

Las novedades en esta página son tres. Primero, su motor, que está compuesto por la colección y el conocimiento asociado a cada uno de los 10.000 artículos. Esto va de la mano de un diseño dedicado a la imagen que presenta cada objeto con una foto con zoom, una ficha técnica, un texto explicativo, una biografía del autor, etiquetas relacionadas a la obra, una bibliografía de textos académicos en los que aparece, su procedencia, inventarios en la que está incluida y su ubicación en el museo. Ofrece también una sección multimedia con vídeos de conferencias pasadas, avances de exposición y guías curatoriales.

Buscador semántico

Segundo, el buscador facetado es semántico, es decir que la misma web participa adaptándose a las necesidades del usuario. Por ejemplo, si se buscan las palabras “bacanal de Tiziano” aparecen todas las imágenes relacionadas, y en la columna izquierda un abanico con categorías y temas (dioses mitológicos, desnudo, metamorfosis...), época, escuela, materia, soporte, técnica, flora, fauna y personajes, permitiendo que la búsqueda sea aún más refinada. Un usuario que esté buscando obras relacionadas con cualquier tema ya tiene a su disposición obras de arte que el sistema ha interconectado por sí mismo. Es un buscador que permite el acceso a toda la información contenida en la web del museo aplicando patrones y secuencias personales de razonamiento y búsqueda, incluyendo un sistema de recomendación de contenido para profundizar la información demandada partiendo del etiquetado de las obras de las colecciones.

La nueva web permite personalizar las propias visitas del usuario por medio de una red social específica llamada Mi Prado. Incorporando la posibilidad de crear y guardar itinerarios personalizados, obras favoritas y resultados de búsquedas previas, este canal permite ver en qué lugar del museo están ubicadas las obras favoritas del usuario. Se pueden comentar recorridos y compartirlos, así como preparar clases, entre muchas más opciones. Además, Radio 3 de Radio Nacional ha propuesto una selección musical para los recorridos temáticos de la colección permanente.


elpais.com
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
j.luis Send private message Send e-mail to user
Back to topPage bottom
Display posts from previous:    
 

Post new topic  Reply to topic  Page 2 of 3
Goto page Previous  1, 2, 3  Next



Users browsing this topic: 0 Registered, 0 Hidden and 1 Guest
Registered Users: None


 
Permissions List
You cannot post new topics
You cannot reply to topics
You cannot edit your posts
You cannot delete your posts
You cannot vote in polls
You cannot attach files
You cannot download files
You can post calendar events