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MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA (Madrid)
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Gobierno y Carmen Thyssen acuerdan una prórroga para renovar su convenio



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La exposición 'Intimidad', en el Museo Thyssen de Madrid. / OLMO CALVO

A dos días de que expirara el plazo que se habían dado Cultura y los abogados de Carmen Thyssen, ambas partes han acordado darse otros tres meses para seguir discutiendo las nuevas condiciones de cesión de su colección privada al Estado, han informado a EFE fuentes ministeriales.

El BOE publicó a comienzos de abril una orden del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte por la que garantiza, por 462,6 millones de euros, la colección privada de Carmen Thyssen depositada en el museo Thyssen Bornemisza hasta el próximo 31 de mayo, un mes más del plazo que se habían dado en principio el Estado y ella para acordar el futuro de sus 429 cuadros.

Carmen Thyssen pretende, según ella misma explicaba a mediados de febrero, que el acuerdo sea por otros 20 años y "movilidad" para sus cuadros, que ella valora "en más de 1000 millones de euros".
 
 

elmundo.es
 




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El Renacimiento en Venecia

Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura. Exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza hasta el 24 de septiembre



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Palma el Viejo (Jacopo Negretti). 'Dos ninfas en un paisaje' (Júpiter disfrazado de Diana seduciendo a Calisto).


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Giorgione (Giorgio da Castelfranco). 'Retrato de un joven', hacia 1508-1510.


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Veronés (Paolo Caliari). 'Lucrecia', 1580.


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Veronés (Paolo Caliari). 'San Juan Bautista predicando', hacia 1562.


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Palma el Viejo (Jacopo Negretti). 'Retrato de una joven', 1513-1514.


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Tiziano (Tiziano Vecellio). 'María Magdalena penitente', 1540-1546.


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Gentile Bellini. 'Retrato del dux Giovanni Mocenigo'. 1478-1483.


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Paris Bordone. 'Perseo armado por Mercurio y Minerva', hacia 1545-1555.


Museo Thyssen-Bornemisza / elpais.com
 




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Tiziano, el color del poder

Figura de 'El Renacimiento en Venecia' del Museo Thyssen.



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El último lienzo que pintó Tiziano fue una enorme Piedad en colores predominantemente grises y pétreos y en una atmósfera nocturna. El cuadro, fuera cual fuese la intención del artista, resulta fantasmagórico, casi violento. Hoy podríamos decir, saltándonos el rigor histórico, que presenta poco menos que un clima romántico, de novela gótica.

Tiziano quiso que ese cuadro presidiera su tumba, pero no fue así. No obstante, murió el mismo año en que lo pintó, en 1576, en Venecia, víctima de la peste negra.

El carácter sombrío y dramático de esta pintura es común al del Cristo crucificado, pintado 11 años antes, un Cristo agónico y solitario, que cierra intensamente la exposición del Museo Thyssen, El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura.

Tiziano había disfrutado de una vida larguísima, plena de fama, honores, encargos, riqueza y relaciones con las más altas instancias del poder civil y religioso. En 1560, tenía, como poco, 77 años -no se conoce con certeza la fecha de su nacimiento-, había enviudado tres décadas atrás de Cecilia Soldano, y la muerte durante un parto, ese año, de su adorada hija Lavinia -modelo en varios de sus cuadros-, fue apagando lentamente su ánimo y oscureciendo su pintura. Tanto más cuando cuatro años antes había fallecido su mejor amigo, el poeta erótico (Sonetos lujuriosos) Pietro Aretino, que tanto había contribuido a su éxito.

Fue Pietro Aretino quien fraguó el encuentro entre Carlos V y Tiziano, en Bolonia, en 1530. De ese encuentro surgieron varios encargos y retratos del emperador, entre ellos, Carlos V a caballo en Mühlberg (1548), absoluta sublimación de la majestad y del poder guerrero del hombre más poderoso de la tierra.

La relación preferente entre Carlos V y Tiziano propició el interés máximo del entonces príncipe Felipe II por el artista. Su encuentro personal tuvo lugar en Milán, en 1548, en los inicios del felicísimo viaje por Europa del luego (desde 1556) rey más grande del orbe. Se multiplicaron los encargos y los retratos, muchos con destino al Real Monasterio de El Escorial, para el que Tiziano fue el pintor favorito de Felipe II, en demérito del también contratado El Bosco. La relación profesional entre Carlos V, Felipe II -el mayor mecenas artístico de la cristiandad- y Tiziano -que nunca pisó Madrid- explica que el Museo del Prado disponga de más de 40 obras suyas.

Y muy variadas. Porque Tiziano, además de frescos y mosaicos para templos y palacios, cultivó toda clase de géneros pictóricos y en todos dejó patente su maestría: pintura de paisaje y naturaleza, mujeres (con frecuencia muy sensuales), mitología, pintura religiosa y, sobre todo, retratos. Se calcula que Tiziano ejecutó por encargo más de 100 retratos, fuente importante de sus ingresos y de su prestigio entre reyes, papas (Pablo III), nobles y toda clase de dignatarios. En los retratos de reyes y nobles guerreros dejó el detalle -marca de la casa- del brillo en las armaduras: el brillo del poder. Y, como retratista, fue pionero de la profundización en la psicología del retratado, del mismo modo que destacó en dos terrenos poco frecuentados en su época: la pintura de caballete y el retrato de cuerpo entero (eran más comunes los primeros planos y los planos medios).

Pero la Historia ya dice, que junto a sus muchas habilidades, Tiziano dejó cátedra perenne en dos aspectos: el uso del color (mancha, luz) frente al predominio del dibujo y el empleo de la pincelada suelta (que, a veces, da a sus lienzos la apariencia de inconclusos), técnica que luego determinó la pintura de Velázquez, Goya y tantos otros hasta hoy mismo.

Aquí ya va siendo hora de citar al pintor y arquitecto Giorgio Vasari, quien, en su celebérrimo (y farragoso) libro Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos cuenta algo (poco) de una visita que Miguel Ángel y él mismo hicieron a Tiziano en su estudio veneciano. Vasari, reticente, dice que Miguel Ángel elogió después a Tiziano, pero que, también reticente, echó en falta en ella más dibujo. Previsible.

La pintura renacentista que se hacía en Florencia y Roma, la pintura de Rafael y Miguel Ángel, ponía el acento canónico en el dibujo. Sin embargo, la pintura de Venecia -con Tiziano a la cabeza- puso el acento en el color y, con la colaboración inmediata de Tintoretto -también presente en la exposición del Thyssen- y otros manieristas, arrebató predicamento a la que se hacía en las otras dos ciudades. De ahí que Miguel Ángel frunciera un poco el ceño ante Tiziano.

Nacido en Pieve di Cadore, junto a los Alpes, en fecha imprecisa -se da como límite el año 1490-, cuarto hijo de un acomodado político y militar, el niño Tiziano, que disponía de un "bello espíritu y viveza de ingenio" (según Vasari), fue enviado, por sus precoces dotes, a casa de un tío suyo en Venecia. Tenía 10 años. Aunque se movió lo suyo por temporadas (Padua, Roma, Urbino etc.), Venecia fue ya para siempre el centro de su vida y de su obra.

En Venecia tuvo Tiziano dos maestros principales: el cuatrocentista Giovanni Bellini y, por poco tiempo -debido a su muerte prematura, también por la peste- el más moderno Giorgione, discípulo a su vez de Bellini y también presente en la exposición del Thyssen. De la lectura del libro de Vasari, se infiere que Bellini forjó a Tiziano en las reglas más estrictas del dibujo y que, cuando éste quiso soltarse la mano y volar algo más libre, se fue a aprender con Giorgione, algunas de cuyas pinturas llegó a terminar.

Y, lamentablemente, no hay espacio para más, salvo para decir, por si acaso, que cuando Carlos V reclamó al pintor, Tiziano ya era, como parece lo lógico, un pintor consagrado y en plena madurez. Y un apunte final de Vasari: Tiziano vivió sus últimos años rico y tranquilo, seleccionando sus encargos y, atención, con muy poco empeño por enseñar y tener discípulos.


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Imagen mía.


Fuente y texto: elmundo.es / MANUEL HIDALGO
 




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La pintura también sana

El Thyssen cederá 300 láminas de obras famosas para mitigar el dolor de los enfermos del hospital de La Fuenfría



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El proyecto 'Arte que sana el alma' donará 300 láminas de obras famosas para ayudar a curar a enfermos del hospital de La Fuenfría. / Inma Flores

Pintores como Renoir, Degas o Lichtenstein nunca se hubieran imaginado que sus cuadros servirían para ayudar en la cura de enfermos. Pero esto es precisamente lo que ocurrirá en los próximos meses en el hospital de La Fuenfría, al que el Museo Thyssen-Bornemisza (en un proyecto en colaboración con la Comunidad de Madrid) donará 300 láminas de 27 obras muy conocidas. El proyecto Arte que sana el alma tiene como objetivo que la presencia de los cuadros en las habitaciones de los pacientes ayude a reducir el dolor, la ansiedad e, incluso, la depresión. La iniciativa tiene su origen en Escocia, donde un grupo de médicos británicos comprobó los beneficios que aportaban a los pacientes tener una obra de arte en sus habitaciones.

Durante la presentación del proyecto, realizada este lunes en el propio museo, se dieron algunas claves de cómo se seleccionan las obras: “Este cuadro impresionista lo elegirían aquellos enfermos que tengan miedos, ansiedades y un estado de ánimo algo deprimido”, ha explicado Pedro Gargantilla, quien además de experto en arte es jefe de Medicina Interna del hospital. El doctor se refería a Mujer con sombrilla, de Renoir. A pocos metros y en aparente movimiento, se podía observar a la mujer protagonista del cuadro Bailarina basculando, de Degas. Según el experto, esta obra ayuda a los pacientes que están encamados después de haber sufrido una insuficiencia cardíaca o un ictus. “Se genera una esperanza de movimiento en el paciente cuando contempla el cuadro”, ha afirmado Gargantilla.

Los colores también influyen mucho en este proyecto artístico. Tanto es así que los tonos azules del mar que destacan sobre el blanco de las velas y el marrón de la arena de un cuadro de Edward Hooper aportan tranquilidad al paciente, “sobre todo a los que sufren angustia vital por estancias hospitalarias largas”, ha señalado el doctor. Se trata de la obra Marta McKeen de Wellfleet, que el pintor elaboró en 1944 en tan solo cuatro meses. “La selección de los cuadros ha sido motivada por datos científicos. Por ejemplo, a los pacientes cuando se les ponen colores verdes y azules tienen menos ansiedad y dolor, a la vez que los paisajes y la naturaleza disminuyen la frecuencia cardíaca”, ha detallado el doctor.

Tras una breve coreografía sobre las emociones a las que se enfrenta la sociedad de la mano de una alumna del Conservatorio Superior de Danza de Madrid, el consejero de Sanidad, Jesús Sánchez Martos, ha aclarado que la iniciativa es pionera en España y a nivel global “porque se permite a los pacientes elegir el cuadro que quieren en sus habitaciones”. “Nunca entendí por qué los cuartos de los hospitales son el lugar más inhóspito que existe, y además el blanco de las paredes no es un color que ayude a relajarse”, ha alegado Martos. Además, el consejero adelantó que su departamento pondrá en marcha en breve un concurso de pintura cuyas obras participantes se expondrán en las habitaciones de los hospitales de toda la Comunidad.

El gerente del Museo Thyssen-Bornemisza, Evelio Acevedo, ha señalado que “los museos ya no son solo espacios que albergan obras de arte, sino que cada día tienen una responsabilidad social”. Además, destacó la iniciativa del propio museo de habilitar una sala dedicada exclusivamente a las personas con dificultades sensoriales en la exposición de Renoir de 2016.

Julio Agredano, presidente de la asociación Freno al Ictus —dolencia que él mismo sufrió hace cinco años—, ha detallado la influencia que tuvo el arte en su recuperación. “Sufrí un ictus porque pesaba más de 100 kilos, además de tener hipertensión, colesterol y una vida sedentaria. Para recuperarme el museo me ofreció la oportunidad de prepararme un cuadro como si fuera un guía y explicárselo al público”.

Agredano recordaba perfectamente el río congelado del cuadro de Monet que le tocó relatar para los visitantes, algo que, según él, le permitió reintegrarse en la sociedad al poder volver a hablar en público sin dificultades. “Todo lo que genere emociones positivas en la rehabilitación es fundamental”, ha concluido el madrileño, mientras miraba con atención el cuadro Mujer en la bañera, de Lichtenstein, uno de los más populares del pop art y que también podrá estar en las habitaciones de los enfermos de la Comunidad muy pronto.

elpais.com
 




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El Thyssen cierra 2016 con medio millón de euros de superávit

La posibilidad de que la colección de la baronesa saliera del museo no está contemplada en los presupuestos y objetivos previstos para 2017



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Una de las salas de la exposición 'Renacimiento en Venecia', en el Museo Thyssen de Madrid. / Jaime Villanueva

El balance económico del Museo Thyssen de Madrid cambia su tendencia negativa desde 2013. El director gerente, Evelio Acevedo, ha presentado esta mañana los resultados del ejercicio del pasado año. 2016 cerró con superávit de 504.000 euros, lo que representa un 119% más que en 2015, que acabó con un déficit de 2,7 millones. El ciclo parece que empieza a ascender desde 2013 cuyo ejercicio finalizó con un saldo negativo de 5,2 millones y 2014, con 4,5 de déficit.

Acevedo quiso destacar que el museo se autofinancia en un 78%. También hizo hincapié en que prefieren ceñirse a los objetivos planteados que en equiparaciones con otros años y que en esta comparación los resultados también son satisfactorios, ya que los gastos están un 4% por debajo del presupuesto previsto para 2016 y los ingresos, un 62% por encima de lo esperado.

De los 20 millones de euros de ingresos, la mayoría proceden de la recaudación de la taquilla del museo con 7 millones (lo que supone un 35% del total) —esta cantidad supera en 25 puntos los 5,6 millones recaudados el año anterior—, le sigue lo obtenido a través de la tienda y librería 3,3 millones (16,9%). Acevedo deja aparte la aportación del Estado en 2016 (seis millones de euros) porque no la considera “actividad del resultado del trabajo del museo”. Con respecto a 2015 el mayor aumento de ingresos fueron los obtenidos a través del alquiler de espacios, los 706.000 euros suponen un 54% más que los 457.000 del año anterior.

En el capítulo de gastos, la mayor partida se la llevan recursos humanos con un 32,4%, seguidos de los dedicados a seguridad y limpieza (16,5%). Y los que más han aumentado con respecto a 2015 son los destinados a las primas de seguros, un 121% más (417.000 en 2016 y 189.000 el año anterior).

Sin tener en cuenta la colección Carmen Thyssen

El gerente del museo, a pregunta de EL PAÍS, ha asegurado que en el presupuesto y objetivos de este 2017 no contemplaron la inestabilidad en la que se encuentra la colección de Carmen Thyssen que se expone en el museo, y aunque desde la semana pasada es seguro que las obras permanecerán en la pinacoteca hasta el 31 de diciembre, al menos, su futuro todavía se desconoce porque siguen las negociaciones entre la baronesa y el Ministerio de Cultura. Acevedo ha confirmado que no contemplan el escenario en que estas obras tuvieran que salir del museo, aun así, si eso ocurriera no afectaría “para nada” en lo previsto para este año: “Si hubiera algún impacto, no sería determinante”.

elpais.com
 




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Picasso y Toulouse-Lautrec en los bajos fondos de París

El Museo Thyssen presenta la exposición estrella de su 25º aniversario, un novedoso diálogo entre dos genios de la modernidad



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'La serenata' (Mougins, 1965), de Picasso, una de las obras de la exposición del Museo Thyssen. / INMA FLORES

Cuando Pablo Picasso llegó a París en octubre de 1900, con apenas 19 años, Henri de Toulouse-Lautrec era un artista consagrado de 35 años, vencido por la enfermedad y al que le quedaba solo un año de vida. No se llegaron a conocer personalmente, pero ambos compartieron una misma radicalidad para romper con el arte que precedió a sus respectivas obras y un mismo gusto por temas surgidos en el lado más oscuro del París de aquellos tiempos: las noches de Montmartre, las prostitutas, los mendigos, las gentes del circo. Esas afinidades han sido objeto de estudio por varios especialistas, pero hasta ahora no habían sido plasmadas en una exposición como la que desde este martes, 17 de octubre, y hasta el 21 de enero de 2018 se puede visitar en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza bajo el título de Picasso/Lautrec, la muestra estrella del 25º aniversario del museo.

Comisariada por Francisco Calvo Serraller, catedrático de Historia del Arte, y Paloma Alarcó, jefa de conservación del Thyssen, la exposición muestra 112 obras, de las que solo cinco proceden del museo. El resto han sido prestadas por coleccionistas públicos y privados de todo el mundo. Junto a los museos Picasso de París y Barcelona, uno de los principales colaboradores ha sido Bernard Ruiz-Picasso, nieto del artista, que no podía disimular su satisfacción durante el recorrido de las salas. De su colección personal proceden, entre otras piezas, un espectacular tapiz de Las señoritas de Avignon y un impactante retrato del amigo de Picasso Carles Casagemas muerto. Obra en la que se pueden ver las huellas en la sien del disparo con el que acabó con su vida con 20 años.

El concepto con el que han trabajado los comisarios a lo largo de tres años ha sido contar las afinidades, que no influencias, entre los dos grandes maestros de la modernidad. “Para Picasso, Toulouse-Lautrec es un alma gemela cuya obra conoce y deglute antes de trasladarse a París”, explica Alarcó. Al igual que otros grandes maestros presentes en toda la obra del artista español (El Greco, Velázquez, Ingres, Degas, Delacroix, Goya), Picasso sabe convertir en propio todo lo que le apasiona. “Capta para sí la forma de operar de los otros”, prosigue la experta, “y lo devuelve al mundo como algo propio y enriquecido".

Lo que primero le fascina a Picasso de Toulouse-Lautrec es su manera de romper con lo anterior, de dar la espalda a los academicismos y a las tendencias que reinaban entre sus colegas. Además, le seduce del francés su ironía, su interés por la caricatura y su pasión por los habitantes de la noche. “La huella inicial”, añade Alarcó, “era tan profunda que sus amigos Max Jacob, Guillaume Apollinaire y André Salmon bromeaban diciéndole: 'Encore trop Lautrec!' (¡Aún demasiado Lautrec!). Después supo muy bien volar solo”.

Calvo Serraller añade que esas afinidades no fueron una fascinación de juventud, sino que permanecieron vivas a lo largo de una ingente obra que se prolongó siete décadas. Entre sus objetos personales más queridos de su estudio en La Californie, siempre conservó un retrato de Toulouse-Lautrec, como puede verse en la famosa fotografía tomada por el fotógrafo Paul Sescau, incluida en la muestra.
 
La exposición está dividida en cinco ámbitos temáticos. En todos ellos, se confrontan las obras de los dos maestros ante un mismo asunto: Bohemios, Bajos fondos, Vagabundos, Ellas y Eros recóndito. El mundo de la bohemia, que tanto les sedujo a ambos, les permitió explorar la personalidad de sus modelos a través de las caricaturas. Autorretrato con chistera (1901), de Picasso, con trasfondo de prostitutas, recrea el ambiente nocturno de las obras de Toulouse-Lautrec frente a una serie de retratos de mujeres solitarias de los bares de Montmartre firmadas por el francés. Ambos se fijan en los marginados de la noche, aunque mientras Toulouse-Lautrec lo hace con la complicidad de quien se siente uno más entre ellos, Picasso se enfrenta al tema con los ojos de quien siente una curiosidad insaciable por el mundo de la marginación. En Moulin Rouge (1901), Picasso exagera el aspecto caricaturesco de los personajes y su visión satírica de lo que ocurría en los reservados de los cafés.

Los dos genios tienen diferentes percepciones a la hora de representar a las mujeres de los bares y tabernas. El artista francés pinta La pelirroja con blusa blanca (1889) con empatía, con una tristeza que le da un aura de nobleza. Sin embargo, Picasso se preocupa por el aspecto negativo de la vida de las prostitutas y refleja la profunda tristeza de las mujeres afectadas por la sífilis: Mujer con flequillo (1902).

¿Cómo hubiera sido su relación de haberse conocido en alguno de los cabarés que tanto les gustaban? “Se hubieran tomado unas absentas”, bromea Alarcó, “y se habrían entendido hablando de pintura”.


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Litografía 'Aristide Bruant dans son cabaret' (1893), de Toulouse-Lautrec. INMA FLORES


'La mallorquina'

Pablo Picasso pintó La mallorquina en 1905. Prestada por el Museo Pushkin de Moscú, es un gouache sobre cartón de 67 por 51 centímetros y una de las obras más bellas de la exposición. Pero lo importante para Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen, es que la técnica utilizada en obras como esta se encuentra en la intersección que hay entre el dibujo y la pintura, algo que está presente en todas las salas y que supone un planteamiento revolucionario. “En un momento en el que se considera que un cuadro está terminado cuando ocupa hasta el espacio de los marcos, obras como esta parecen inacabadas, parecen ser bocetos. Pero nada más lejos de la realidad”, argumenta Solana, “porque no son tentativas fallidas ni obras abandonadas". "Son pinturas que se han apropiado de las ventajas del dibujo. La mallorquina es, sin duda, una obra maestra”.


elpais.com / Ángeles García
 




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