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MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros
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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Arte sin tabúes


El Prado sale del armario (sin homosexuales, pero con maricones)

El museo da un paso al frente con orgullo y propone un recorrido de 30 obras expuestas en su colección permanente, vistas desde una nueva perspectiva sexual.  



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San Sebastián, de Guido Reni, incluido en el itinerario La mirada del otro. Madrid, Museo Nacional del Prado

Necesitamos pasar más horas en el museo para aprender a ver. Las salas abarrotadas de pintura esconden lo que somos desde hace siglos y no queremos mirar. Obras de arte ocultas tras montañas de prejuicios, que evitan daños colaterales en quienes temen por su seguridad moral. Los museos son bombas contra la conducta dominante, trampas anti tabúes desarticuladas por la ignorancia. El Museo del Prado ha dado un paso importante para hacer aflorar una verdad silenciada: la homosexualidad en sus colecciones.

  El director del Prado explica que este es un museo incluyente y no excluyente. Está hecho para todos. Hoy es más “Nacional” que nunca

Entre los miles de cuadros que se exponen hay ventanas que se mantenían cerradas hasta hoy, cegadas a un paisaje que airea la definición de lo que los elementos más rancios de la sociedad han tratado de imponer como “normalidad”. Las manzanas y las peras se relacionan desde hace siglos como han podido, en libertad si respetan un amor heterosexual, perseguidas si pretenden uno homosexual. El Museo del Prado inaugura un recorrido con 30 obras -siempre expuestas en la colección permanente y a la vista de todos-, “en el que se invita a contemplar la realidad histórica de las relaciones sentimentales entre personas del mismo sexo”.

El Prado sale del armario sin decir “homosexual”. “La palabra homosexual aparece a finales del XIX y nuestras colecciones acaban ahí. Así que nosotros no la podemos utilizar, porque sería un anacronismo. Nuestra voluntad siempre es respetar el criterio científico e histórico”, ha explicado a la prensa Carlos G. Navarro, comisario de la muestra (activa hasta el 10 de septiembre) junto a Álvaro Perdices. No hay ni rastro de la palabra prohibida: La mirada del otro. Escenarios para la diferencia es el título de la muestra.


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El Maricón de la tía Gila. Álbum C, 38, de Francisco de Goya. Museo Nacional del Prado

Maricón sí. Porque lo utilizó Goya en el dibujo que cierra este fascinante recorrido: “El Maricón de la tía Gila” (1808-1814), del Álbum C. Maricón con mayúscula. “La mayúscula se refiere no tanto a la condición de homosexual del susodicho, que también, como a su apodo, obtenido por serlo. Y a la imagen del personaje es suficientemente reveladora. La corrección política ha relegado en nuestros días esta palabra a un uso grosero y homófobo. Quizá por ello este dibujo es incómodo en la bibliografía de Goya”, apunta el especialista José Manuel Matilla en el pequeño catálogo.

En la Jungla. El ejemplo inspirador que esta pareja ha compartido en Instagram ha sido muy aplaudido en las redes sociales.

Incluyendo lo normal

Perdices explica que el itinerario organiza la narración museográfica de otra manera: a partir de pequeños fragmentos que son subrayados con unas cartelas especiales, con una luz que las hacen brillar para revelar el significado oculto en la lectura tradicional. “Hemos querido utilizar las obras que están colgadas en la colección permanente y hacerlo en la colección permanente: lo que no podíamos era desarmarizar, perdón por la expresión, para luego volver a armarizar”. De esta manera han garantizado la lectura incluyente y no excluyente. “El arte”, dice Perdices, “reside en el lugar de las dudas”.


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Sala 74, busto de Adriano, en el recorrido Amistades inmortales.

Esa es la línea que ha querido reforzar el director del Museo del Prado: “Este es un museo incluyente y no excluyente. Está hecho para todos. Hoy es más “Nacional” que nunca, un término que no suelo utilizar. Y lo hacemos desde la más absoluta normalidad, mostrando artistas que no siguieron la sexualidad normativa”, asegura Miguel Falomir.

Las obras homosexuales, con perdón por el anacronismo, ya estaban ahí, pero han añadido información “que suma y enriquece la lectura de las obras”. ¿Y no teme las críticas de las asociaciones y del lado más conservador de la sociedad? “Es un museo Nacional, si nos critican va en el sueldo”, resuelve bravo el director del Prado. El World Pride de Madrid (del 23 de junio al 2 de julio) también ha ayudado a potenciar esta lectura, que llega con una década de retraso contra el discurso de las manzanas y las peras. 


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La Gioconda, anónimo (Taller de Leonardo da Vinci). Museo Nacional del Prado

“La pintura es una poesía muda y la poesía, una pintura ciega”, escribió Leonardo Da Vinci, uno de los artistas perseguidos por su tendencia sexual, que ahora es reivindicado por haber sido cegado en un aspecto vital que determinó su obra artística, como explican los comisarios. Sandro Botticelli es otro de los artistas reprimidos.

Descubrir la verdad

Los dos historiadores han decidido enfrentarse al mayor rodillo del silencio: la Historia del Arte, empeñada en ocultar una verdad evidente bajo las capas de citas y argumentos que esquivan los asuntos que trascienden el pigmento, pero lo determinan. Tan a la vista y tan ciegos, como la versión de La Gioconda ocultada bajo un fondo negro con nocturnidad y alevosía y que convirtió a esta dama renacentista en una mujer de origen flamenco. Hasta que se descubrió la verdad.
La nueva verdad que potencia el Prado cuenta el museo desde una perspectiva distinta, tan científica como las influencias y las composiciones: “Este itinerario nos ofrece la posibilidad de engrandecer la mirada. No quisimos configurar uno con obras autocomplacientes con el amor homosexual. Nuestra idea era preguntar a las colecciones del museo cómo era el amor no normativo”, explica Carlos G. Navarro.


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Maddalena Ventura, de José de Ribera. En depósito en el Museo del Prado.

El recorrido se divide en cuatro capítulos, que evidencian la necesidad de diversidad y libertad: Amistades peligrosas, Perseguir los deseos, Engañosas apariencias y Amar como los dioses. El viaje a la homosexualidad del Prado arranca con la escultura clásica y algunas parejas de amantes, como Antínoo y Adriano. De ahí pasa a los artistas que debieron sentarse ante un tribunal que condenó su vida privada: Botticelli, Leonardo, Benvenuto Cellini, Guido Reni o Caravaggio. Los cuerpos que no se ajustan al ideal son los siguientes protagonistas. Seres que fueron considerados de moral desviada, como La figura de Hermafrodito.


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El Cid, de la pintora Rosa Bonheur. Museo Nacional del Prado


Una mirada sincera

Pero fue la recuperación de la mitología la más fecunda vía de expresión de la diversidad sexual en tiempos de censura. Zeus, Júpiter, Aquiles y Hércules aparecen travestidos. Y Goya. “Su genio supo entender, desde la lucidez moderna, la tragedia muda a la que le condenaban sus diferencias, y con ella arranca una reflexión sobre la condición humana propia de la perspectiva de nuestro tiempo”, explican. El broche lo pone la pintora Rosa Bonheur, con el cuadro titulado El Cid, una cabeza de león africano. “Su personalidad irreductible la llevó a luchar por ofrecer al mundo la imagen más sincera de sí misma”.

Todas las obras incluidas están unidas por un hilo narrativo evidente, por una mirada oculta que enfatiza una máxima: puedes sobrevivir a lo que te hagan los otros, pero no a lo que tú les hagas a ellos. Necesitamos pasar más tiempo en el museo porque lo que aprendas dañando a otros te perjudicará más a ti del dolor que causes.


elpais.com
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
El museo cumple años

 
El Prado quiere dejar de mirarse el ombligo a los 200 años

La institución presenta el programa de actos que celebrarán sus dos siglos de vida, a partir del 19 de noviembre de 2018. Una exposición enfrentará la pintura de Velázquez con la de Rembrandt y la colección viajará a pueblos y provincias.



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Visitantes del museo se agolpan para ver Las Meninas.

El Museo del Prado se libera del Museo del Prado al cumplir los dos siglos de vida. La celebración del Bicentenario de la pinacoteca española culminará un proyecto inédito hasta el momento: el edificio Villanueva estará dedicado por completo y en exclusiva a la exhibición de sus fondos. Una vez trasladados despachos, talleres y aulas al conjunto de edificios adyacentes al museo, los espacios volverán a ser recuperados por las esculturas clásicas (en la galería jónica), el Tesoro del delfín se instala en la parte norte del museo y la pintura holandesa con Rubens a la cabeza, en salas más amplias.

Así lo ha explicado el director del Prado, Miguel Falomir, a los medios de comunicación en la presentación del programa que celebrará los 200 años de vida y que arrancarán el 19 de noviembre de 2018 (día en que se cumplirán los 199 años). La clausura será un año después. A lo largo de este año se proyecta un programa con 14 líneas de actuación y un presupuesto de 7 millones de euros, de los que el Gobierno de Mariano Rajoy se ha comprometido a pagar tres millones. El resto será cosa del Prado. Desde la dirección esperan alcanzar el presupuesto con la declaración del bicentenario “acontecimiento de excepcional interés público” y sus “atractivos” beneficios fiscales para empresas.


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Una imagen del Museo del Prado en 1939.

Una vez más y ya es tradición, el director se sentó a solas, sin el presidente del Patronato, máximo órgano de gestión del Museo del Prado. José Pedro Pérez-Llorca ha desaparecido desde el nombramiento de Falomir como director. No ha aparecido por las presentaciones de exposiciones, ni por la donación del Velázquez ni, ahora, con los fastos más importantes. El director ha quitado hierro al asunto y ha contestado que la intención del bicentenario es todo lo contrario al “ombliguismo”: “Vamos a intentar estar presentes en toda España”.

Se refiere al programa de itinerancia interior que ha planificado para los fondos del museo. Habrá reproducciones y obra original que viajarán por las provincias, “recuperando la iniciativa republicana de las Misiones pedagógicas”, ha aclarado el director. “Por primera vez habrá obra del Prado en Ceuta y Melilla”.

  "Queremos que los visitantes contemplen las grandes obras maestras y no estén prestadas en el bicentenario"

Sin embargo, levanta una moratoria de préstamos al extranjero y durante la celebración del Bicentenario no saldrá una pintura a ningún museo del extranjero. “Queremos que los visitantes contemplen las grandes obras maestras y no estén prestadas en el bicentenario”. Una medida arriesgada en lo económico si tenemos en cuenta los beneficios que suponen al Prado los alquileres de obra. Quizá las ventajas fiscales para “instituciones” y no para “acontecimientos” evitarían la diáspora del patrimonio.

El director cuenta que su pretensión ha sido “dotar de un carácter de apertura” a los eventos y “llegar al máximo público posible”. “Por eso hemos invitado a Antonio Muñoz Molina al discurso de la cátedra, para romper con ese carácter elitista”, dice Falomir en referencia a lo que ha sido hasta el momento la nave que conduce. “Es un carácter impulsivo, para que todo el mundo sea protagonista del museo”. No habrá ombliguismo y la prueba, dice, es la colaboración con otras instituciones para elaborar ciclos de cine y música, que hablan sobre el Prado como inspiración…

La celebración no va más allá. No hay muchos acontecimientos que se salgan de la rutina de trabajo del museo, aunque Falomir está muy orgulloso de la línea de trabajo que ha llamado “Prado social” y cuya medida estrella es la recaudación de fondos con micromecenazgo: “No es necesario ser rico para invertir en el Prado”. También llevará, de alguna manera, el museo a hospitales y cárceles.


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Sala 74, busto de Adriano, en el recorrido Amistades inmortales.

Centran toda la potencia de la difusión del acontecimiento en las exposiciones temporales. La más sugerente, a priori, será el diálogo entre la pintura de Rembrandt y de Velázquez, para descubrir los vínculos “realistas” entre la pintura del siglo de oro española y holandesa. El Riijksmuseum no mandará Ronda de noche, y del Prado no saldrá Las Meninas.

“No queremos que el Bicentenario haga que todas ellas giren en torno del hecho. Sólo una exposición temporal hará referencia a la celebración, la titulada Circa 1819, un recorrido a la pintura europea de la década previa a la inauguración del museo”, con obra de Gericault, Delacroix, Friedrich (estará comisariada por Javier Barón y Félix de Azúa). Y la tercera muestra importante es la dedicada a los dibujos de Goya, dirigida por Manuela Mena. También recibirán atención Bartolomé Bermejo, Fra Angélico y Lavinia Fontana y Sofonisba Anguissola.

Será un año especial y “no subiremos las entradas”. “Nuestro compromiso es mantener un horario de apertura gratuito”, dijo Falomir, que puso especial atención en la liberación del fondo documental del museo en su web, el próximo 19 de noviembre. Accesible para la comunidad científica y pública. Y Salón de Reinos: Norman Foster acabará en diciembre de 2021 y en tres meses lo tendrán listo para inaugurar. “Tengo más o menos una idea de lo que será, pero lo presentaremos a su debido tiempo”. Aunque quiso adelantar que su idea pasa “más bien por recuperar la decoración original”.  

    
elespanol.com
 




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El museo cumple años

 
El Prado quiere dejar de mirarse el ombligo a los 200 años

La institución presenta el programa de actos que celebrarán sus dos siglos de vida, a partir del 19 de noviembre de 2018.

Una exposición enfrentará la pintura de Velázquez con la de Rembrandt y la colección viajará a pueblos y provincias.




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Visitantes del museo se agolpan para ver Las Meninas.

El Museo del Prado se libera del Museo del Prado al cumplir los dos siglos de vida. La celebración del Bicentenario de la pinacoteca española culminará un proyecto inédito hasta el momento: el edificio Villanueva estará dedicado por completo y en exclusiva a la exhibición de sus fondos. Una vez trasladados despachos, talleres y aulas al conjunto de edificios adyacentes al museo, los espacios volverán a ser recuperados por las esculturas clásicas (en la galería jónica), el Tesoro del delfín se instala en la parte norte del museo y la pintura holandesa con Rubens a la cabeza, en salas más amplias.

Así lo ha explicado el director del Prado, Miguel Falomir, a los medios de comunicación en la presentación del programa que celebrará los 200 años de vida y que arrancarán el 19 de noviembre de 2018 (día en que se cumplirán los 199 años). La clausura será un año después. A lo largo de este año se proyecta un programa con 14 líneas de actuación y un presupuesto de 7 millones de euros, de los que el Gobierno de Mariano Rajoy se ha comprometido a pagar tres millones. El resto será cosa del Prado. Desde la dirección esperan alcanzar el presupuesto con la declaración del bicentenario “acontecimiento de excepcional interés público” y sus “atractivos” beneficios fiscales para empresas.


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Una imagen del Museo del Prado en 1939.

Una vez más y ya es tradición, el director se sentó a solas, sin el presidente del Patronato, máximo órgano de gestión del Museo del Prado. José Pedro Pérez-Llorca ha desaparecido desde el nombramiento de Falomir como director. No ha aparecido por las presentaciones de exposiciones, ni por la donación del Velázquez ni, ahora, con los fastos más importantes. El director ha quitado hierro al asunto y ha contestado que la intención del bicentenario es todo lo contrario al “ombliguismo”: “Vamos a intentar estar presentes en toda España”.

Se refiere al programa de itinerancia interior que ha planificado para los fondos del museo. Habrá reproducciones y obra original que viajarán por las provincias, “recuperando la iniciativa republicana de las Misiones pedagógicas”, ha aclarado el director. “Por primera vez habrá obra del Prado en Ceuta y Melilla”.

  "Queremos que los visitantes contemplen las grandes obras maestras y no estén prestadas en el bicentenario"

Sin embargo, levanta una moratoria de préstamos al extranjero y durante la celebración del Bicentenario no saldrá una pintura a ningún museo del extranjero. “Queremos que los visitantes contemplen las grandes obras maestras y no estén prestadas en el bicentenario”. Una medida arriesgada en lo económico si tenemos en cuenta los beneficios que suponen al Prado los alquileres de obra. Quizá las ventajas fiscales para “instituciones” y no para “acontecimientos” evitarían la diáspora del patrimonio.

El director cuenta que su pretensión ha sido “dotar de un carácter de apertura” a los eventos y “llegar al máximo público posible”. “Por eso hemos invitado a Antonio Muñoz Molina al discurso de la cátedra, para romper con ese carácter elitista”, dice Falomir en referencia a lo que ha sido hasta el momento la nave que conduce. “Es un carácter impulsivo, para que todo el mundo sea protagonista del museo”. No habrá ombliguismo y la prueba, dice, es la colaboración con otras instituciones para elaborar ciclos de cine y música, que hablan sobre el Prado como inspiración…

La celebración no va más allá. No hay muchos acontecimientos que se salgan de la rutina de trabajo del museo, aunque Falomir está muy orgulloso de la línea de trabajo que ha llamado “Prado social” y cuya medida estrella es la recaudación de fondos con micromecenazgo: “No es necesario ser rico para invertir en el Prado”. También llevará, de alguna manera, el museo a hospitales y cárceles.


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Artemisa o Judit en el banquete de Holofernes, de Rembrandt, 1634. Museo del Prado.

Centran toda la potencia de la difusión del acontecimiento en las exposiciones temporales. La más sugerente, a priori, será el diálogo entre la pintura de Rembrandt y de Velázquez, para descubrir los vínculos “realistas” entre la pintura del siglo de oro española y holandesa. El Riijksmuseum no mandará Ronda de noche, y del Prado no saldrá Las Meninas.

“No queremos que el Bicentenario haga que todas ellas giren en torno del hecho. Sólo una exposición temporal hará referencia a la celebración, la titulada Circa 1819, un recorrido a la pintura europea de la década previa a la inauguración del museo”, con obra de Gericault, Delacroix, Friedrich (estará comisariada por Javier Barón y Félix de Azúa). Y la tercera muestra importante es la dedicada a los dibujos de Goya, dirigida por Manuela Mena. También recibirán atención Bartolomé Bermejo, Fra Angélico y Lavinia Fontana y Sofonisba Anguissola.


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Sala 74, busto de Adriano, en el recorrido Amistades inmortales.

Será un año especial y “no subiremos las entradas”. “Nuestro compromiso es mantener un horario de apertura gratuito”, dijo Falomir, que puso especial atención en la liberación del fondo documental del museo en su web, el próximo 19 de noviembre. Accesible para la comunidad científica y pública. Y Salón de Reinos: Norman Foster acabará en diciembre de 2021 y en tres meses lo tendrán listo para inaugurar. “Tengo más o menos una idea de lo que será, pero lo presentaremos a su debido tiempo”. Aunque quiso adelantar que su idea pasa “más bien por recuperar la decoración original”.  

    
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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
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El Museo del Prado presenta el programa extraordinario
para la conmemoración de su Bicentenario



El pasado lunes, SSMM los Reyes de España, don Felipe y doña Letizia, presidieron la reunión constitutiva del Pleno de la Comisión Nacional para la conmemoración del II Centenario del Museo Nacional del Prado en la que se aprobó el programa extraordinario de actividades proyectado por el Prado para celebrar los principales episodios de la historia de la Institución.

Las actuaciones que integran este programa tienen como objetivo promover una reflexión sobre el pasado y presente de la institución, pero también son una propuesta de futuro a través de actuaciones concretas, como el nuevo proyecto arquitectónico del Salón de Reinos concebido por Norman Foster con el que el Prado culminará su Campus del Prado.


 

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Reunión constitutiva de la Comisión Nacional presidida por SSMM los Reyes de España. Foto © Museo Nacional del Prado

Tras la aprobación del Programa extraordinario para la conmemoración del Bicentenario del Museo del Prado durante la reunión constitutiva de la Comisión Nacional como órgano colegiado de esta efeméride, el Museo del Prado presenta las actuaciones detalladas que integran este programa.


La colección

Las actuaciones previstas en los próximos meses: apertura de la Galería Jónica con escultura clásica, del Tesoro del Delfín en el toro norte, y de las nuevas salas de pintura flamenca y holandesa del siglo XVII en la segunda planta norte, permitirán llegar al 19 de noviembre de 2018, fecha del inicio del Bicentenario, con todo el edificio Villanueva dedicado a la exposición de obras de arte.

La colección permanente celebrará el Bicentenario con actuaciones que visualicen los cambios acaecidos en estos 200 años como la señalización  singular de las obras incorporadas a su colección desde su fundación o la exposición “Prado 200” dedicada a la construcción y evolución del museo en los siglos XIX y XX.


Las exposiciones temporales

En paralelo al programa ordinario de exposiciones temporales que se celebrarán en 2019 y que incluye nombres como Velázquez, Rembrandt, Goya, Fra Angelico, Sofonisba Anguisola y Lavinia Fontana o Pieter Brueghel el Viejo, el Museo del Prado ha planificado una exposición de carácter extraordinario, “Circa 1819”, una muestra que reunirá alrededor de 75 pinturas realizadas en las décadas inmediatamente anterior y posterior a la fundación del Museo que se expondrán en las salas A y B del edificio Jerónimos.

“Efímera”, otra de las exposiciones conmemorativas del Bicentenario, tendrá su espacio expositivo en la web institucional y recorrerá la evolución de la imagen que el Museo del Prado ha querido difundir a lo largo de los años, a través de los objetos efímeros producidos por él desde su fundación a la actualidad.


El Museo del Prado en España

La celebración del Bicentenario ofrece una excepcional oportunidad para recordar y enfatizar la dimensión nacional del Museo del Prado a través de proyectos como “De gira por España”, que consiste en el préstamo de obras de especial relevancia (una por comunidad autónoma excepto Madrid, además de Ceuta y Melilla) durante un mes; y, “Prado Itinerante”, un homenaje al Museo del Pueblo, de las Misiones pedagógicas republicanas, que llevará una exposición sobre Las meninas instalada en un vehículo, formando parte de una serie de exposiciones itinerantes.


Línea editorial del Bicentenario

A la labor editorial habitual del Museo del Prado se sumarán, con motivo del Bicentenario, actuaciones específicas como la creación de una nueva colección de publicaciones que, bajo el lema del Bicentenario, se centrará en la historia de la institución; la publicación del cómic Historietas del Prado, en el que Vicent Josep Llobell Bisbal “Sento”, narrará diez historias de la vida del Prado; y, Retratos anónimos, un libro colectivo coordinado por Luis Alberto de Cuenca.


Prado institucional: encuentros nacionales e internacionales

Durante la conmemoración del Bicentenario, el Museo del Prado se convertirá en un punto de encuentro de profesionales vinculados a la actividad museística, fomentando el debate y el intercambio de experiencias en congresos y encuentros internacionales y reuniones profesionales.


El Prado para todos: el Bicentenario social

Este programa busca acercar el Prado a públicos que, tradicionalmente, han permanecido ajenos a su oferta cultural, como la población reclusa, invidentes o enfermos con problemas de movilidad, y la “democratización” de la noción de mecenazgo, brindando, a todos los que quieran comprometerse con el Museo, la oportunidad de contribuir al enriquecimiento de sus colecciones mediante aportaciones reducidas cuya suma permita la adquisición de obras de arte.


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Un nuevo fondo documental para el Museo del Prado

El 19 de noviembre de 2017, el Prado se convertirá en el primer museo español, y uno de los primeros del mundo, en volcar su fondo documental en la página web, haciéndolo así accesible a la comunidad científica. Además, se fomentará la participación ciudadana para ampliar las actuaciones encaminadas a conservar y recuperar material gráfico, sonoro, bibliográfico y documental para conocer su historia.


Investigación y educación

La celebración del Bicentenario permitirá dedicar actuaciones específicas a la historia de la institución como la publicación de los catálogos razonados de Velázquez (Javier Portús y Jaime García Máiquez, Luca Giordano (Andrés Úbeda), y David Teniers (Teresa Posada); la Cátedra del Prado dirigida por el escritor Antonio Muñoz Molina; y la consecución de programas educativos relacionados con la historia y las colecciones del Museo.


Fomento de la visita y mejora de la atención

Este programa quiere hacer compatible la creciente afluencia a los museos con la calidad de la visita y, para ello, ha diseñado actuaciones tendentes a facilitar el acceso rápido y ordenado al Museo, tanto a la colección permanente como a sus exposiciones temporales y a las actividades del Bicentenario. Se pretende también proporcionar información eficaz, por medios físicos o telemáticos, y accesible a todos.


Música para el Bicentenario

Este programa contempla la recuperación del repertorio musical inspirado en las colecciones del Museo y la invitación a músicos contemporáneos para componer la banda sonora del Museo del Prado en su Bicentenario. Se contempla también una programación musical, dentro y fuera del museo, y en alianza con los grandes programadores de música.


El Prado y el cine

Durante el Bicentenario se programarán diferentes ciclos de cine en los que proyectarán películas inspiradas en el Museo del Prado y en las que el propio museo, sus obras o los artistas han sido “actores”.


Colaboración de la Fundación Amigos del Museo del Prado

La Fundación Amigos del Museo del Prado estará presente en esta conmemoración a través de la exposición “12 fotógrafos en el Museo del Prado”.


Rehabilitación y adecuación museística del Salón de Reinos

El desarrollo del Proyecto arquitectónico de rehabilitación y adecuación museística del Salón de Reinos permitirá la puesta en marcha de las obras, de forma paralela a la planificación de las actuaciones requeridas en todos los ámbitos del museo encaminadas a la plena integración de esta infraestructura en el Campus del Museo del Prado en 2021.

museodelprado.es
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Pólvora sobre lienzo en el Museo del Prado

El artista chino Cai Guo-Qiang crea sus obras en el Salón de Reinos para una futura exposición



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Ver vídeo

Se enciende la mecha, sshhsshhsshh… y ¡BUM! Humo blanco. Fin del proceso de creación de El alquimista, el lienzo que acabó de pintar ayer Cai Guo-Qiang. La explosión y el humo que inundó el Salón de Reinos —taller de creación hasta el 23 de octubre del artista chino— se debe a la pólvora, pigmento con el que trabaja Cai. El creador, afincado en Nueva York, se considera un alquimista, un químico que mezcla elementos, concentra energías, para llegar a nuevas fórmulas y soluciones. Así, la impronta de la pólvora es la que queda en sus telas y aunque el papel que juega el azar es fundamental en los resultados, la elaboración está meticulosamente pensada.

Toda una vida admirando al Greco, un viaje en 2009 siguiendo la ruta del pintor griego desde su nacimiento hasta su muerte en Toledo, conversaciones con los conservadores del Museo del Prado con los que ha charlado de Velázquez, Rubens, Tiziano… le llevarán a inaugurar el 25 de octubre la muestra El espíritu de la pintura con una veintena de sus creaciones, ocho de ellas realizadas en el propio Museo del Prado.

El Salón de Reinos pasa de ser el espacio de protocolo y de festejos del reinado de Felipe IV (1621-1665) —quien lo mandó construir, junto con el Casón es el único edificio que queda en pie del Palacio del Buen Retiro—, a acoger el Museo del Ejército durante el siglo pasado, para ahora formar parte de la futura ampliación de la pinacoteca que Norman Foster llevará a cabo. Mientras, en este edificio con un toque destartalado trabaja Cai desde principios de octubre con sus tres ayudantes y un equipo de voluntarios. Prepara sus materiales: cables, ladrillos para hacer peso, cinta de pintor, pólvora de distintos colores —la trae de Valencia, las autoridades solo le permiten usar cinco kilos al día—, mecheros, mascarillas. Aparentemente no son los típicos de un pintor pero también tiene rotuladores, recortes de papel, pinceles, impresiones de multitud de obras del Greco: Pentecostés, La coronación de la Virgen, Vista de Toledo...


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El Salón de Reinos con los lienzos y el material de trabajo de Cai Guo-Qiang. Víctor Sainz

El artista mantiene un diálogo con los grandes maestros de la pinacoteca, el peso de Velázquez en lo que es su estudio es innegable, para esas paredes hizo los retratos de Felipe III y de Felipe IV ecuestre, los de sus esposas, Las lanzas. Una de las voluntarias asegura que canturrea mientras observa los lienzos y los prepara. Él habla de energía, la que le transmiten estos artistas, el lugar, la que se genera en la explosión. “Es una descarga”. Lo compara con el Big Bang, con ese momento de creación, que acabará el día 23 con la última obra de unos 18 metros de largo y que lleva el mismo nombre que la muestra, El espíritu de la pintura. Será el momento de cables, mecha, encendedor y ¡bum! Fumata blanca. Habemus obra.

elpais.com
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
El espíritu de la pintura. Cai Guo-Qiang en el Prado



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Museo del Prado (Paseo del prado, s/n) | Desde el 25 de octubre. Ganador del León de Oro en la Bienal de Venecia en 1999, Cai Guo-Qiang (1957, Quanzhou, China) es uno de los artistas más galardonados en las últimas décadas. Entre sus méritos se encuentra haber sido director visual y encargado de la pirotecnia de los Juegos Olímpicos de Pekín.

Amante de la pintura barroca, este reputado creador se instalará durante el otoño en el Prado, donde exhibirá obras realizadas con pólvora quemada sobre lienzo, en las que medita sobre las cualidades que definen el arte de sus predecesores. La muestra incluye los trabajos acometidos por el artista durante su residencia en el Salón de Reinos y se acompaña de un documental firmado por Isabel Coixet sobre la figura de GuoQuiang.

elmundo.es
 




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Mensaje Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
El Prado ‘estalla’ en el siglo XXI

Cai Guo-Qiang crea con pólvora y fuego la primera exposición de arte contemporáneo realizada ‘in situ’ en el museo en un homenaje a sus maestros



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Ver vídeo... 'El espiritu de la pintura', obra de Cai Guo-Qiang, en el Museo del Prado. CARLOS ROSILLO | ATLAS

Pólvora cruda negra o pólvora coloreada, lienzo y fuego. Estos son los ingredientes básicos de la obra del famoso artista Cai Guo-Qiang (Quanzhou, China, 1957), los mismos elementos con los que ha experimentado para las 26 piezas de gran formato que conforman la exposición El espíritu de la pintura que se puede ver en el Museo del Prado hasta el 4 de marzo. Es el primer artista contemporáneo que crea su obra in situ para el museo. La última de las ocho creadas en el Salón de Reinos la realizó el lunes por la noche ante un grupo de unas doscientas personas; era un cuadro de 18 metros de largo, titulado igual que la exposición y en el que resume su homenaje a los grandes maestros del Prado: El Greco, Tiziano, Velázquez y Rubens. El proyecto ha sido financiado por Acciona.

Conocido en todo el mundo por ser el autor de la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Pekín en 2008, por su La manada de 99 lobos que expuso en el Guggenheim de Bilbao en 2009 o por su espectacular escalera al cielo construida con fuegos artificiales en 2015, Cai Guo-Qiang acordó la realización de esta exposición con el anterior director del museo, Miguel Zugaza. No era la primera vez que el arte contemporáneo entraba en el mayor templo español de arte antiguo. Como ha recordado Miguel Falomir, el actual director, antes lo hicieron Richard Hamilton, Miquel Barceló, Cy Twombly o Thomas Struth. “No va a ser esta nuestra línea” precisó Falomir. “Se trata de paréntesis, que se podrán repetir con aquellos artistas cuya obra haya germinado en los maestros del Prado, como es el caso”.

Toda la obra que se expone es propiedad del autor, incluidas las ocho piezas realizadas en el Salón de Reinos a lo largo del último mes. El artista, que carece de galerista, podrá vender las obras una vez que haya concluido la exposición. “A nosotros nos gustaría quedarnos con algún cuadro, pero no tenemos presupuesto”, lamenta Miguel Falomir.

Después de recorrer las cuatro salas que la exposición ocupa en el espacio ampliado por Moneo, Cai Guo-Qiang recordó que la pólvora se asocia a las guerras y a los atentados terroristas. “Pero aquí la he utilizado en beneficio de la paz y de la belleza. Nada como la pólvora para unir el pasado con el futuro. Hace dos años, cuando surgió el proyecto, quise crear una vía de comunicación con los antiguos maestros de la pintura que habitan este museo. En mi estudio de Nueva York comencé las pruebas y aquí he podido rematar mi propuesta ayudado por todo mi equipo. Como siempre en mi obra, el proceso ha consistido en ensayar, probar e innovar para tratar de crear un arte inmortal”.

Cai Guo-Qiang añadió que para él la pólvora hace el papel de un pincel. Con los explosivos y los colores tradicionales, recrea el azul y el púrpura de El Greco, el rojo de Tiziano, los amarillos de Rubens o el negro y el granate de Goya. “Quería exponer en el Prado porque este es el dulce hogar de los artistas del pasado y son ellos quienes nutren a todos los artistas contemporáneos. He dicho siempre que soy un niño que nunca ha abandonado el deseo de pintar y aquí, después de treinta años, he podido celebrar una exposición centrada solo en la pintura”.

La exposición se cierra con la versión corta (20 minutos) del documental realizado por la cineasta Isabel Coixet sobre el artista chino. La versión completa se estrenara en cines a finales de año.


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El Tribunal de Cuentas cuestiona la compra del Prado de una obra de 18 millones

El museo adquirió en enero de 2016 a la Casa de Alba una tabla del renacentista Fra Angelico



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'La Virgen de La Granada' de Fra Angelico. Museo del Prado.

Se llama La Virgen de la Granada. Es obra de Guido di Pietro, Fra Angelico (1395-1455). Y es una joya de la pintura florentina de la primera mitad del siglo XV. Un año después de que el Prado comprase a la casa de Alba esta tabla renacentista por 18 millones de euros, el Tribunal de Cuentas ha destacado en un informe la falta de estudios previos para “garantizar la razonabilidad del precio solicitado por el vendedor y aceptado por el museo”.

“No se realizaron estudios previos”, censura el principal fiscalizador del sector público en un documento inédito al que ha accedido EL PAÍS.

El análisis del Tribunal de Cuentas examina la legalidad de los contratos firmados por el museo en 2015 y 2016. Fue aprobado por el pleno del órgano fiscalizador el pasado 21 de diciembre e incluye las alegaciones presentadas por el Prado. La tabla de Fra Angelico es una pieza en perfecto estado de conservación que mide 83 por 59 centímetros y muestra al Niño Jesús jugando con una granada.

El patronato del Museo del Prado justificó su compra por el “extraordinario estado de conservación” y por tratarse de “la mejor obra del artista florentino en manos privadas”. El precio: 18 millones pagaderos en cuatro años y sin intereses. Su presidente, José Pedro Pérez-Llorca, calificó la transacción como “muy ventajosa”. Dijo en su momento que la obra fue tasada en un seguro en 40 millones cuando se expuso en el Meadows Museum de Dallas en 2015, su segunda salida del palacio de Liria de la Casa de Alba.
 
Fue en 1817, cuando el XIV duque de Alba de Tormes, Carlos Miguel Fitz-James-Stuart, se hace en Florencia con una de las obras más importantes de Fra Angelico, creador especializado en piezas de pequeño formato. La Virgen de la Granada engrosa desde entonces el patrimonio de los Alba. Una familia que atesoró durante dos siglos los únicos fra angelicos conocidos en España.

Una segunda pieza

El Ministerio de Cultura aprobó en enero de 2016 un crédito extraordinario de 10 millones para la transacción, que se completó con sendos desembolsos de cuatro millones de la Fundación Amigos del Museo del Prado, de carácter privado, y de la propia pinacoteca. La operación incluyó la donación a la galería por parte de la casa de Alba de una segunda tabla, atribuida también a Fra Angelico.

La pinacoteca ha declinado pronunciarse sobre el informe: “Hasta que el documento del Tribunal de Cuentas no se haga oficial, no vamos a valorarlo”.

Los conservadores y expertos del museo son los primeros en realizar las valoraciones e informes de las obras. Las transacciones, supervisadas por la abogacía del Estado, pasan por la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico del Gobierno.

El Prado anunció que exhibiría los cuadros del fraile florentino en su Galería Central, junto a La Anunciación, una de las obras más valoradas en la colección permanente de la pinacoteca.


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Fra Angelico. Funeral de San Antonio abad, hacia 1426-1430. La donación al Prado de Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo de otra tabla florentina, una predela con el tema de la muerte de San Antonio Abad atribuida recientemente también a Fra Angelico. Con la compra de estas dos nuevas obras del pintor, el Prado se convierte en un centro de referencia internacional para el estudio de la obra del genio florentino, representado hasta ahora en sus fondos por la Anunciación.


La Fundación Thyssen y el Reina Sofía

El Tribunal de Cuentas también ha puesto bajo su foco al Museo Reina Sofía y a la Fundación Thyssen-Bornemisza, una entidad creada en 1988 donde figura el Ministerio de Cultura y que gestiona una colección de arte que el Estado adquirió en 1993.

El organismo fiscalizador cuestiona que la Fundación Thyssen-Bornemisza registrara entre 2015 y 2016 “pagos de facturas expedidas por precios superiores a los contratados en cinco supuestos concretos en donde hay indicios de posibles responsabilidades contables, como la no retención del IRPF pese a que resulta preceptiva", según un informe al que ha tenido acceso este periódico.

El fiscalizador aprecia también en la Fundación Thyssen-Bornemisza “deficiencias en el contenido de los pliegos". Y critica que la información remitida al Tribunal de Cuentas por esta institución cultural no estuviera completa “en tiempo y forma”.
Respecto al Reina Sofía, el fiscalizador reprocha que esta galería “no realizara tasaciones previas para fijar los importes solicitados a los vendedores”. Y resalta la “justificación insuficiente de la cuantificación del precio de licitación”.

En un documento que rastrea la legalidad de los contratos entre 2015 y 2016, el Tribunal de Cuentas también indica otras presuntas deficiencias en las contrataciones de El Prado. Señala que la pinacoteca nacional aceptó "ofertas que no justificaban la solvencia técnica y económica”. Y subraya además la “aceptación de posibles bajas temerarias sin verificar la viabilidad de la oferta”.

El fiscalizador también detecta en el Museo del Prado "insuficiencias" en la cuantificación de los precios de licitación de los bienes y servicios adquiridos. Y censura que no la galería no acreditara que las adjudicatarias del museo estuvieran al tanto de sus pagos a la Seguridad Social.


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Isabel Coixet, entre el fuego y la pólvora de Cai Guo-Qiang

El documental ‘El espíritu de la pintura’ complementa la exposición dedicada al artista chino en el Museo del Prado



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Isabel Coixet y Miguel Falomir. KIKE PARA EL PAÍS

A lo largo de dos años, el artista chino Cai Guo-Qiang trabajó en las obras que hasta el 4 de marzo se exponen en el Museo del Prado. En ese tiempo, desarrolló su proyecto en el Salón de Reinos, se acercó a Toledo para extasiarse ante las obras del Greco y recorrió la galería central del Museo del Prado contemplando a Rubens, asustándose con el poderío de los rostros de Velázquez o admirando los inagotables mundos de Goya. Todo formaba parte del proceso que daría pie a la exposición El espíritu de la pinturaque la cineasta Isabel Coixet ha plasmado en un documental titulado igual que la muestra. La película, producida por Miss Wasabi Films para el Museo del Prado y patrocinada por Samsung The Frame, se podrá ver en Movistar Xtra el 29 de enero a las 22.00 y estará disponible en DVD a partir del mes de febrero.

Con abundantes primeros planos y una banda sonora compuesta por el músico madrileño Remate, la película permite escuchar al artista hablando de sus pensamientos, sus investigaciones y sus experimentos con la pólvora. La voz del actor Lluís Homar guía al espectador por los viajes lejanos y próximos del creador asiático. Isabel Coixet conoció a Cai Guo-Qiang en Vancouver y ya entonces le había interesado su obra por su espectacularidad y belleza. “He sido testigo privilegiado de la lucha de un artista por llevar su obra junto a la de los grandes maestros del Prado que siempre ha admirado. Es muy especial porque utiliza sus manos como pinceles y la pólvora como pintura”.

No ha sufrido Coixet grandes dificultades con Cai Guo-Qiang para realizar el documental. “Le encanta la cámara y le gusta explicarse delante de ella. Es una persona muy abierta y disciplinada a la que le gusta estar rodeada de todo su equipo. Yo, que soy un lobo solitario, me quedaba sorprendida de ver que iban juntos a todas partes. He intentado ser una mosca en la pared que retratara de la manera más didáctica posible todo lo que él hacía”.

En el documental se desmenuza al detalle cada una de las piezas que el artista creaba. Cuando se le pregunta a Coixet sobre las famosas obras fallidas de Cai, ella responde que, en su presencia, solo se produjo un caso. “Fue un selfi que él trató de recrear con la pólvora y no le salió y está incluido en el documental”.

Miguel Falomir, director del Prado, confesó estar muy satisfecho del resultado y explicó que este documental, como el anterior dedicado a El Bosco, forman parte de la intención del museo de enriquecer sus exposiciones ya sea con catálogos, cómics o películas.


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Exposición en el Museo del Prado. A partir del 10 de abril de 2018


RUBENS

Pintor de bocetos



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Rubens es el pintor de bocetos más importante de la historia del arte europeo. Mientras que apenas conocemos una docena de bocetos al óleo anteriores a él, aún conservamos cerca de 450 de su mano. El Museo del Prado presentará una exposición que pretende llamar la atención sobre este aspecto del arte de Rubens e incluirá 82 bocetos, además de en torno a 20 pinturas, dibujos y otras obras que ayudan a contextualizar los bocetos. La exposición está organizada conjuntamente con el Museum Boijmans Van Beuningen de Róterdam, y se verá también en esa ciudad holandesa.

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El artista que pensaba pintando

Rubens es el pintor de bocetos más importante del arte europeo. El Museo del Prado dedica una gran exposición a la herramienta creativa que el artista flamenco convirtió en todo un género



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Un visitante de la exposición “Rubens. Pintor de bocetos” contempla 'El prendimiento de Sansón' (h. 1609-1610), perteneciente a la colección del Art Institute de Chicago. A su izquierda, 'La ceguera de Sansón', de idéntica fecha, que forma parte de la colección del Museo Thyssen de Madrid. / Museo del Prado

Igual que no hubo en su tiempo un pintor tan admirado como Rubens (1577-1640), no existe hoy en el mundo un museo que posea tantos cuadros suyos como el Prado. Lo primero convirtió al maestro de Amberes en frenético jefe de un taller que llegó a contar con 25 ayudantes –entre ellos Van Dyck- y que produjo 1.400 pinturas. Si 90 de ellas pertenecen a la pinacoteca madrileña se debe en buena parte a la estrecha relación del artista con la familia real española –fue consejero de Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II y soberana de los Países Bajos- y al hecho de ser el pintor favorito de Felipe IV. El rey, que tenía a Velázquez como pintor de cámara, llegó a encargar a Rubens medio centenar de cuadros para la Torre de la Parada, su pabellón de caza. Luego encargó copia de todos con destino al alcázar de Madrid: son las que adornan las paredes de Las Meninas.

Viajero, políglota, erudito, coleccionista y bibliófilo, Rubens suma a todos sus récords el de ser el pintor de bocetos más importante de la historia del arte europeo. De sus pinceles -sin intervención esta vez de sus discípulos- salieron cerca de 500, 73 de los cuales podrán verse en el Museo del Prado desde el próximo martes hasta el 5 de agosto en la exposición Rubens, pintor de bocetos, comisariada por Alejandro Vergara, jefe de conservación de pintura flamenca del Prado, y Friso Lammertse, conservador de pintura antigua del Boijmans Van Beuningen Museum de Róterdam, donde la muestra recalará en septiembre.
 

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'El Descendimiento' (h. 1611-12), de la colección de la Courtlaud Gallery de Londres. / The Samuel Courtauld Trust

Aunque el propio Rubens usó fundamentalmente el lápiz y el papel como método para pergeñar futuras obras –se conservan 9.000 de sus dibujos-, la producción de bocetos al óleo sobre tela o tabla se convirtió en parte fundamental de su método de trabajo. Sobre todo a partir de los ocho años que pasó en Italia cuando era un veinteañero. Si el tamaño de esas obras oscila entre los 9 x 7 centímetros y los 150 x 120, sus destinatarios podían ser tres: el propio artista, un cliente o un ayudante. Plantear la composición de una futura pintura (o guardar memoria de una ya realizada), mostrar a un comitente lo que luego recibirá terminado y más grande (a veces son dos opciones para que elija) o servir de modelo a los tejedores encargados de realizar un tapiz eran las funciones básicas de un tipo de pintura que -sin perder su carácter instrumental- terminó por convertirse en un género en sí mismo: el boceto pintado.

Cuando los responsables de la Iglesia de los Jesuitas de Amberes preguntaron al artista si podían quedarse con las tablas preparatorias de los 39 cuadros que le habían encargado para el techo del templo, Rubens prefirió, en su lugar, pintar un lienzo para un altar. Tal era el aprecio que tenía por sus apuntes. Cinco de ellos cuelgan en la muestra del Prado junto a dos de sus célebres series para tapices: la de la Eucaristía, destinada al monasterio madrileño de las Descalzas Reales, y la de Aquiles, la última serie de tapices diseñada por un artista que dedicó al héroe griego uno de sus lienzos más famosos: el imponente Aquiles descubierto por Ulises y Diomedes que puede verse en la galería central del museo. A unos metros, en la exposición temporal, que permite un juego prodigioso de relaciones y comparaciones, cuelgan dos bocetos del mismo momento. Pero solo en el mayor y más acabado, Rubens añadió, tirado en el suelo del palacio, un ardiente corazón rojo símbolo del amor entre el guerrero y la princesa Deidamia, presente en la escena.

Altares, cuadros de caza, ciclos decorativos para palacios e iglesias en toda Europa, portadas de libros, esculturas, tapices o construcciones efímeras estuvieron en el origen de las pinturas preparatorias que realizó y guardó Rubens. En su mítica colección particular atesoró también las salidos de la mano de artistas como Tiziano, Tintoretto o Veronés. Apenas un siglo antes, Miguel Ángel había quemado todos sus bocetos. De ahí la trascendencia de la muestra del Prado, “un viaje al proceso creativo de uno de los cinco o seis maestros más importantes” de la pintura clásica, según Miguel Falomir, director de la pinacoteca, que en la presentación de la muestra estableció un vínculo irónico entre el taller del artista flamenco y las series producidas en el siglo XX por la Factory neoyorquina de Warhol.


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'Retrato de Clara Serena Rubens' (h. 1616), de Peter Paul Rubens. / The Princely Collections, Vaduz-Vienna

Por su parte, los comisarios subrayan la importancia de Rubens en la consolidación de una forma de pintar y de apreciar la pintura que cuaja en la Venecia de Tiziano y que valora la falta de precisión. La “aceptación de una estética basada en el uso expresivo de la pincelada y de la ausencia de un acabado pulido son los precedentes que hicieron posible su desarrollo del boceto pintado”. Empujado por la necesidad de rentabilizar al máximo su propio éxito, Rubens “transformó ese tipo de imagen en un componente sistemático de la preparación de sus cuadros”. Aunque algún experto, recuerda Alejandro Vergara, ha llegado a decir que el autor de Las tres gracias pudo haber pintado alguna de su tablas preparatorias en apenas una hora, él prefiere dejarlo en que “hay un lenguaje formal que es específico de sus bocetos”, un lenguaje que le permitía “definir las formas y encajar las composiciones, describir las expresiones de las figuras y establecer un esquema de luz y color, todo ello ahorrando tiempo al no llevar los bocetos al mismo nivel de acabado que vemos en sus otras obras”. Lo cual, insiste Vergara, no significa que sean obras por terminar: es que son así. Algunas, de hecho, solo difieren de las pinturas finales en su carácter preparatorio: “Aunque son obras terminadas, dan la impresión de no estarlo, de ser obras en las que el pintor aún está trabajando”. De ahí que la exposición del Prado desprenda una impagable atmósfera de taller.

La muestra se cierra con un guiño a la estética de lo aparentemente inacabado: el retrato de Clara Serena Rubens, hija mayor del artista, que fallecería con 12 años, seis después de que la pintara su padre. No es un boceto sino un cuadro abocetado. Para Alejandro Vergara, es un gran ejemplo del carácter “metafísico y trascendental” de la obra de Rubens. “No era un realista. Siempre pintaba la vida mejorada. Este no es el retrato de su hija, ninguna niña desprende esa belleza, es el retrato del amor con que la mira él”.


Los presupuestos del Estado y san Agustín

El próximo 25 de junio, semanas antes de que termine Rubens, pintor de bocetos, el Museo del Prado abrirá ocho nuevas salas destinadas a la pintura flamenca. Lo que no parece probable, reconoció ayer Miguel Falomir, es que a finales de año, como estaba previsto en el proyecto de Norman Foster y Carlos Rubio, empiecen las obras de acondicionamiento del Salón de Reinos en el vecino edificio del antiguo Museo del Ejército. En los Presupuestos Generales del Estado de 2018 figura una partida de un millón de euros destinada a tal fin, pero dichas cuentas siguen pendientes de su aprobación en el Congreso de los Diputados, donde el Gobierno no consigue sumar una mayoría que les dé luz verde.

Por otro lado, preguntado por la reciente atribución a Rubens del retrato de San Agustín que cuelga en el altar de la Iglesia de la Purísima de Salamanca, Alejandro Vergara respondió escuetamente: “Habrá que ver el cuadro”. Tanto él como Friso Lammertse conocían el boceto que resultó clave para el hallazgo realizado por Matías Díaz Padrón, antiguo conservador jefe de pintura flamenca del Prado. “No nos convenció”, dijo Vergara. Por eso no está en la exposición.


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Y lo 'inacabado' se convirtió en arte

Rubens es el pintor de bocetos más importante del arte europeo. El Museo del Prado dedica una gran exposición a la herramienta creativa que el artista flamenco convirtió en todo un género



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Rubens. La pesca milagrosa. 1610. Óleo sobre tabla, 39,7 x 48,2 cm. Colonia, Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud

Durante el Renacimiento, los pintores y pintoras preparaban sus cuadros con dibujos, y solo en muy contadas ocasiones mediante bocetos pintados. La diferencia entre ambos tipos de obras preparatorias es substancial. Los primeros se realizan sobre papel, y por regla general son monocromos.


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Rubens. Retrato de Clara Serena Rubens. 1616. Óleo sobre lienzo montado en tabla, 33 x 26 cm. Liechtenstein, The Princely Collections, Vaduz-Viena

Así lo demuestra el hecho de que aún conservamos cerca de 500 obras de este tipo pintadas por él. Con los bocetos de Rubens aparece en escena un nuevo tipo de pintura que servirá de estímulo a pintores como Tiépolo y Goya. Aunque el tamaño de los bocetos de Rubens varía, por regla general son pequeños. Esto invita al espectador a mirarlos de cerca.


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Rubens. La caza del león. 1615. Óleo sobre tabla, 73,6 x 105,4 cm. Londres, The National Gallery

Los bocetos pintados en la gran mayoría de los casos están realizados al óleo y en color, y utilizan soportes más permanentes que el papel, como lo son el lienzo y sobre todo la madera. Basándose en unos pocos precedentes, Rubens convirtió el boceto pintado en una herramienta fundamental de su práctica.


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Rubens. Psique siendo conducida al Olimpo. 1625. Óleo sobre tabla, 64 x 47,8 cm. Liechtenstein, The Princely Collections, Vaduz-Viena

Los bocetos no necesitan una terminación tan cuidadosa como otros cuadros, y debido a ello dejan a la vista las marcas del pincel, que son las huellas de su creación. Los bocetos son cuadros terminados, en el sentido de que el pintor los abandona cuando cumplen su función. Pero al estar menos elaborados que otras obras dan la impresión de no serlo; parecen pinturas en las que el artista aun trabaja, y nos hacen sentirnos testigos del momento de creación.


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Rubens. Retrato de Don Gaspar de Guzmán, Conde-duque de Olivares. 1625-26. Óleo sobre tabla, 63,2 x 43,2 cm. Bruselas, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique

La importancia histórica de los bocetos de Rubens es clara: por el momento en que los pintó, por su cantidad y por su influencia, es el bocetista más importante de la historia del arte europeo.


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Rubens. La glorificación de la Eucaristía. 1633. Óleo sobre tabla, 71,1 x 48,3 cm. Nueva York, The Metropolitan Museum of Art

Más difícil de explicar son las emociones que suscitan; emociones que forman parte de la naturaleza humana, pero de las que parte del mundo del arte nos ha enseñado a sospechar.


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Rubens. Tetis introduciendo al pequeño Aquiles en el río Estigia. 1635. Óleo sobre tabla, 44,1 x 38,4 cm. Róterdam, Museum Boijmans Van Beuningen

Los bocetos de Rubens suman aproximadamente una tercera parte del total de su obra, y comparten con toda ella sus características esenciales. Su arte es fresco y próximo, gracias a la energía de su pincelada y la verdad de sus caracterizaciones. Y es también enormemente ambicioso.


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Rubens. Hércules y el Cerbero. 1636. Óleo sobre tabla, 28 x 31,6 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado

A toda su pintura subyace un profundo idealismo de raíz clásica, que se fundamenta en su conocimiento de la cultura antigua y su inclinación hacia lo épico y lo heroico, y que se manifiesta en su constante búsqueda de la belleza.


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Rubens. Prometeo. 1636. Óleo sobre tabla, 25,7 x 16,6 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado

Rubens nos anima a creer en una realidad que trasciende a la que percibimos con los sentidos. Sus enfáticas coreografías y sus dramáticos escorzos, herederos del arte de la Antigüedad y de Miguel Ángel, dan voz al anhelo de crecimiento que es consustancial al ser humano, a nuestro afán por marcarnos metas y nuestro esfuerzo por alcanzarlas.


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Rubens. El carro triunfal de Kallo. 1638. Óleo sobre tabla, 105,5 x 73 cm. Amberes, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten

Eso se traduce en una pintura de emociones intensas, ante la que nos sentimos testigos de cuestiones de gran importancia.


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Rubens. Personificación de la Vigilancia con la Ocasión: un héroe militar aprovecha la oportunidad para hacer la paz. 1628. Óleo sobre tabla, 64 x 50 cm. Liechtenstein, The Princely Collections, Vaduz-Viena

Rubens fue un artista de una sensibilidad extraordinaria, hacia la felicidad y el dolor de las personas, y la variedad y belleza de todo cuanto existe en la naturaleza. En su pintura nos devuelve una versión exaltada de esa vida que él percibe. Y lo hace con especial naturalidad en sus bocetos.


Por Javier Rodríguez Marcos / elpais.com
 




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La eternidad del arte atrapada en una piedra

El Prado rescata en una delicada muestra la fugaz tendencia del Renacimiento veneciano de la pintura sobre mármol y pizarra



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Sala de la exposición 'In lapide depictum. Pintura italiana sobre piedra, 1530-1555'. MUSEO DEL PRADO

Fueron los maestros del mundo clásico los primeros en utilizar el mármol y las piedras calizas en unas obras que por fuerza (de la naturaleza) estaban concebidas para ser eternas. El brillo del mármol, su resistencia y su óptima absorción del color, convirtieron a este soporte en una piel que permitía entablar un “diálogo con los dioses”. Pero fue en el Renacimiento, a comienzos del XVI, cuando algunos de los grandes artistas que creían haber superado todas las metas, tuvieron conocimiento de las sofisticadas técnicas utilizadas por los maestros griegos y romanos y no dudaron en utilizarlas. El Museo del Prado muestra algunos sobresalientes ejemplos de aquella técnica hasta el 5 de agosto en In lapide depictum. Pintura italiana sobre piedra 1530-1555. Una pequeña exposición por el número de obras (nueve), que gana en envergadura por cuanto se explica un capítulo poco conocido en la historia del arte, según asegura Ana González Mozo, restauradora del museo y comisaria de la exposición.


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La Dolorosa con las manos abiertas, de Tiziano. Óleo sobre mármol, 68 x 55 cm | 1,9 x 2 cm grosor. 1555. Madrid, Museo Nacional del Prado

Situada en la sala D del edificio de Jerónimos, el montaje de la muestra tiene como piezas estrella las dos únicas obras realizadas por Tiziano sobre estos soportes, propiedad del Prado y restauradas para la ocasión con la ayuda de Iberdrola. Son La Dolorosa con las manos abiertas (óleo sobre mármol, 1555) y Ecce Homo (óleo sobre pizarra, 1547).


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Piedad, de Sebastiano del Piombo, Óleo sobre pizarra, 124 x 111,3 x 3,5 cm | 145 x 132 x 12 cm (con marco) | 103 kg. 1533 - 1539. Madrid, Museo Nacional del Prado

También del Prado es La Piedad, de Sebastiano del Piombo (óleo sobre pizarra, 1533-39), artista al que se le reserva el honor de haber reintroducido en el arte las complicadas técnicas del mundo antiguo. “Él es el primero en redescubrir aquellos secretos artísticos”, advierte la comisaria, “aunque se considera que es Tiziano quien demuestra haber aprendido perfectamente la lección”.


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Cristo con la cruz a cuestas, de Sebastiano del Piombo,m1532 - 1535. Óleo sobre pizarra, 43 x 32 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado


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Retrato de caballero, de Daniele da Volterra. 1550 - 1555. Óleo sobre tabla, 101 x 64 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado

La sala incluye dos préstamos llegados de Nápoles: Retrato de joven (óleo sobre pizarra, 1553), de Daniele da Volterra y Teseo y el centauro, una pintura sobre mármol blanco fechada entre el año 20 antes de Cristo y el 37 después de Cristo.

González Mozo recordaba ayer el protagonismo que en el siglo XVI tuvo Venecia en la renovación de las técnicas artísticas debido al interés por el mundo clásico y la llegada de nuevos materiales procedentes del incipiente comercio con Oriente. “En las imprentas se editaban textos grecorromanos en los que se hablaba del arte del pasado. Los artistas querían que sus obras fueran eternas y supieron que la estabilidad de la piedra les podía permitir hacer posible esa necesidad de trascender”.


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La Coronación de espinas de Leandro Bassano. 1590 - 1598. Óleo sobre pizarra, 54 x 49 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado

El mármol fue la roca preferida del mundo clásico para la policromía por su brillo, su resistencia y su buena absorción del color. Pero fue la pizarra, mucho más asequible, el soporte habitual en el Renacimiento para pintar. “El tono grisáceo de la superficie arcillosa y las hojitas de mica de su estructura producen, al incidir la luz, un resplandor que armoniza la imagen pintada y crea la ilusión de que los cuerpos emergieran de su interior. Estas propiedades permiten ampliar la gama cromática trabajando con menos pigmentos”.


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'Ecce Homo' de Tiziano. Óleo sobre pizarra, 69 x 56 cm | 1 cm – 3 mm grosor. 1547. Madrid, Museo Nacional del Prado

Ante las piezas expuestas, la comisaria recuerda que Tiziano regaló el Ecce Homo que aquí se expone a Carlos V, y que la Dolorosa fue el último encargo que le hizo el emperador. “Tiziano dominó de manera genial este soporte. Estas dos obras le permitieron experimentar con métodos con los que no había trabajado nunca y medirse con los mármoles antiguos a la vez que satisfacía los gustos devocionales de su mecenas”.


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Herma. Primera mitad del siglo I. Mármol blanco, 52 x 29,5 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado
Los hermas, en su origen postes que señalaban los limites de un campo y que colocaban bajo la advocación del dios Hermes, cobraron carácter monumental en Atenas bajo la tiranía de Hiparco (522-514 a.C.). Por esta razón, se impuso la costumbre de dar a la cabeza del dios -siempre el más representado para este cometido- rasgos arcaizantes muy marcados en la cabellera y las barbas.


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Púgil. 50 - 70. Mármol, 85,5 x 56 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado.
Copia romana del S. II d.C. de un original ateniense de la primera mitad del S.IV a.C., y se sitúa por tanto de lleno en el clasicismo griego.


La exposición

En el siglo XVI Venecia protagonizó una renovación en las técnicas y los materiales artísticos alentada por la recuperación del mundo clásico, la llegada de materiales de Oriente y la edición en sus imprentas de textos grecorromanos que describían el arte de pasado. La estabilidad de la piedra estimuló a los artistas, que deseaban crear obras eternas, a utilizarla como soporte de la pintura. También les permitía demostrar su maestría  –el procedimiento se consideraba secreto– y reproducir sugerentes efectos, controlando la reflexión de la luz sobre su superficie. Finalmente se convirtió en argumento de dos encendidos debates: la mimesis  –la relación entre arte y naturaleza– y el paragone –la competición entre pintura y escultura.

El Museo del Prado conserva una escogida colección de obras del Renacimiento italiano sobre pizarra y mármol blanco creadas en este contexto, que han sido estudiadas junto a geólogos y arqueólogos para conocer cómo interactúan estos minerales y el óleo en tan peculiares creaciones... leer más


Ángeles García / elpais.com / museodelprado.es
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

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