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MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros
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El mayor golpe de arte contemporáneo


Robadas cinco obras de Francis Bacon en pleno centro de Madrid


Las pinturas están valoradas en unos 30 millones y el dueño es un español, amigo y heredero del pintor.

El golpe fue hace nueve meses y se investiga con sigilo y hermetismo




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Inocencio X, una de las obras de Bacon que fueron robadas en Madrid en Junio de 2015.

Ver vídeo de las cinco obras robadas

Una casa señorial ubicada en un tranquilo barrio del centro de Madrid ha sido el escenario del mayor robo de arte contemporáneo ocurrido en España en las últimas décadas, cinco cuadros de Francis Bacon, el genial pintor irlandés fallecido en 1992 en Madrid, valorados en, al menos, 30 millones de euros, según algunas estimaciones. Un golpe limpio y sin ruido en una de las zonas más seguras y vigiladas de la ciudad.

El robo tuvo lugar el pasado mes de junio, el propietario presentó una denuncia y un juzgado de Madrid investiga con el mayor sigilo el paradero de esta colección particular de paisajes y retratos, según confirman fuentes de la investigación que han declinado aportar detalles. El mutismo de los investigadores y del propietario son totales.

Las obras son propiedad de J. C. B, de 59 años, un amigo del pintor que las recibió en herencia y es aficionado al arte. Agentes de la Brigada de Patrimonio Histórico de la Policía, dependiente de la Comisaría General de Policía Judicial, buscan los cuadros dentro y fuera de España sin que hasta el momento hayan obtenido resultados. Creen que las obras todavía no han salido del país.

   Los ladrones bloquearon la alarma y no dejaron huellas. La vivienda está situada junto al Senado


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La obra de Francis Bacon es una de las más cotizadas del mundo. El tríptico Tres estudios de Lucian Freud— el nieto de Sigmund Freud y amigo del pintor irlandés—, se consideró entonces como el segundo remate más caro de la historia. Se subastó en 2013 en Christie y el comprador pagó 142,4 millones de dólares ( 127,2 millones de euros). Según The Wall Street Journal, su nueva dueña es la exmujer de un magnate de los casinos de EE.UU.

En la que está considerada la subasta más cara de la historia, celebrada en noviembre de 2014 en la misma casa de subastas londinense- se recaudaron 682, 3 millones con obras de varios autores-, el cuadro La Figura sentada de Francis Bacon se vendió por 32 millones.

El golpe fue muy rápido y silencioso. Los ladrones aprovecharon la ausencia por unas horas en su domicilio del dueño de la obra, un edificio exclusivo situado muy cerca de la Plaza de la Encarnación, a escasos metros del Senado, una zona muy vigilada y poco transitada. Ni el portero de la finca, de cinco alturas, ni los vecinos vieron ni escucharon nada. En el edificio no hay cámaras de seguridad, aunque las de la zona han sido examinadas por los agentes de la Policía.

El piso dispone de alarma y estaba conectada, pero los autores del robo lograron anularla y la central de seguridad no recibió el aviso por lo que pudieron pasearse por los salones de la vivienda y llevarse los cinco cuadros de Francis Bacon, así como otros objetos de valor. Se sospecha que mientras se producía el saqueo un miembro de la banda vigilaba al dueño de la colección para avisar si este regresaba a su domicilio.

El golpe fue obra de profesionales ya que no dejaron huellas ni cabos sueltos que ayuden a seguir su pista. Se sospecha que los autores sabían que en ese exclusivo, pero discreto y antiguo edificio, se albergaba esta valiosa colección del pintor irlandés nacido en 1909 en Dublín y fallecido a los 82 años de una dolencia cardiaca en la clínica Ruber de Madrid, ciudad que visitaba con mucha frecuencia en viajes, casi siempre privados, y donde tenía muchos amigos y admiradores.

   La Policía vigiló Arco con la esperanza de que se intentaran mover los cuadros robados

Confidentes y colaboradores de la Policía asomaron la nariz con más interés y curiosidad que nunca en Arco, la feria de arte en Madrid que acoge a decenas de galeristas de todo el mundo y atrae a compradores de distintas nacionalidades. Esperaban que alguien diera el paso de ofrecer en la trastienda de este evento alguno de los cinco Bacon robados, especialmente porque ninguno de los cuadros es de gran tamaño. Era un escenario idóneo y caliente, para que los ladrones ofrecieran su botín, pero estos no dieron un paso en falso.

"El círculo en el que se puede vender una obra como está es muy pequeño. No es nada fácil ofrecer un Francis Bacon, grande o pequeño, sin que llegue a los oídos de los ojeadores de este sector tan especial. Los ladrones no lo van a tener nada fácil", asegura un experto en pintura contemporánea que pide el anonimato. ¿Y los robos por encargo? "Esa clase de robos no es real y solo aparece en las películas. No hay casos de este tipo en España", afirma un especialista de las Fuerzas de Seguridad del Estado.

Bacon tenía su estudio en un barrio del norte de Londres, pero era un gran amante de España, de Madrid y visitante asiduo del Museo del Prado. Sus últimas obras— seis cuadros y tres trípticos— formaron parte de la exposición de apertura de la galería Marlborough en la capital de España en 1992, un homenaje al maestro.


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El pintor Francis Bacon en una imagen de 1991.


Un irlandés amante del Prado

Francis Bacon volvió a Madrid en 2009, ciudad en la que murió en 1992. El año que el pintor hubiera cumplido un siglo, el Museo del Prado organizó una muestra en la que expuso 78 de sus obras divididas en áreas cuyos títulos señalaban sus obsesiones: animal, aprensión, crucifixión, crisis, final...

El artista irlandés fue uno de los más importantes del siglo XX. Se caracteriza por su reconocible estilo desasosegante y una personalidad complicada, forjada durante una infancia marcada por la autoridad de un padre exmilitar que le consideraba débil, ya que era asmático y pasaba mucho tiempo enfermo. Cuando en la adolescencia se enteró de su homosexualidad le echó del hogar familiar.

Admira a contemporáneos suyos como a Picasso o a Giacometti y a los maestros del pasado. En 1956 visita por primera vez el Prado donde disfrutó de su admirado Velázquez, autor del Retrato de Inocencio X, obra que le obsesionó y de la que realizó decenas de versiones.

Sus últimos años viajaba con frecuencia a Madrid, donde disfrutaba con discreción de la vida de la ciudad y de sus amigos; además de la oferta artística: no solo de Velázquez, también de Goya. Pintores que le afectarían al sistema nervioso que es donde él quería que llegasen sus desgarradoras pinturas.


elpais.com
 




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Viaje al centro de ‘El jardín de las Delicias’

Un documental que puede verse en Internet permite explorar detalles de la obra maestra de El Bosco



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El tríptico 'El jardín de las Delicias’, de El Bosco. | Vídeo: Así funciona el documental interactivo de la obra. / MUSEO DEL PRADO

El Jardín de las Delicias (1500-1505), la obra maestra de El Bosco y una de las piezas estrella del Museo del Prado, merece más de una visita para admirar la filigrana del trazo. Pese a ello, siempre parece surgir un elemento nuevo en la composición. La productora televisiva holandesa NTR ha facilitado ahora su contemplación con la ayuda de un documental interactivo. Elaborado para la cadena pública, invita al usuario a sumergirse en la famosa tabla de dos maneras: con un paseo de 15 paradas por distintos asuntos de la de la mano de un narrador, y echando un vistazo más íntimo a unos cuarenta fragmentos. Acompañado de música de fondo, un clic del ratón del ordenador,  basta para navegar sobre esta versión fotográfica en alta resolución de la vida y la muerte, el bien y el mal, el placer y el tormento, el premio y el castigo eterno plasmados por El Bosco. Y hay sorpresas.

Una vez dentro del óleo, con o sin auriculares para concentrarse mejor, una viñeta explica los pasos a seguir. A la derecha, da comienzo la visita guiada audiovisual que sitúa el tríptico —cerrado y con la Tierra pintada dentro de una esfera transparente— en el contexto histórico de finales de la Edad Media. El tiempo del Bosco era el momento de "Colón, cuando descubrió América, de Leonardo y su Mona Lisa, del Elogio de la locura, de Erasmo… y del apogeo de la Inquisición española", dice la voz superpuesta. "En la ciudad de ´s-Hertogenbosch (Bolduque, en español), el artista se transformó en el maestro hoy reconocido por la Historia del Arte", añade. Tras este saludo, el usuario puede abrir ya la tabla.

A la izquierda, en la hoja dedicada al Paraíso terrenal, Adán conoce a Eva, recién creada por Dios. Junto a ellos, el Árbol de la vida, un drago, especie vegetal de Canarias y África. Como el zoom permite acercar la imagen, y también es posible moverse por ella, entre la multitud de animales plasmados destaca un elefante con un monito encima. En el siglo XVI, el paquidermo apenas podía encontrarse en Europa, así que ni los expertos se ponen de acuerdo. Tal vez lo vio en una feria. En el mismo escenario hay una corneja pintada. El Bosco era un gran dibujante y amante de la naturaleza, y recogió numerosos tipos de aves. Se trata de la primera vez que esta especie aparece en un cuadro en Holanda.

El panel central, El Jardín de las Delicias propiamente dicho, es una explosión de figuras humanas, animales y extrañas estructuras que pueden apreciarse despacio ampliando el foco. Curiosamente, aunque los placeres de la carne disfrutados aboquen al Infierno en la interpretación bosquiana, el sexo de hombres y mujeres está casi diluido. Todos son pálidos, casi núbiles. Entregados a la lujuria en bailes interminables, a la izquierda de la composición, una pareja se acaricia ajena al resto. Encerrados en la burbuja de lo que semeja una flor acuática, admira la delicada transparencia de la pompa que los aísla. "En el Medievo, el holandés medio sabía poco de otros países fuera de Europa. El exotismo era sinónimo de sexualidad, pero es difícil decidir si el pintor incluyó personas de raza negra por esa razón, o bien para mostrar la diversidad de las criaturas del Señor”, advierte la narración.

A la derecha, en el Infierno, el fuego planea sobre abundantes instrumentos musicales y formas de tortura. La proximidad facilitada por la técnica permite agrandar unas figuras que nunca se acaban y comprobar, entre otras cosas, el uso de los cuchillos. La villa de ´s-Hertogenbosch era conocida por su industria cuchillera, y él los presenta como armas, utensilios domésticos e instrumentos de castigo. “Mutilar a un ladrón estaba a la orden del día, y la famosa hoja enterrada entre dos orejas, es a la vez un símbolo genital masculino y una máquina de guerra”. Más abajo, hay un hombre aplastado por un laúd gigante que tiene un pentagrama tatuado en el trasero. Aquí, se convida a una interpretación de la supuesta melodía que no se ha podido descifrar. Completado el recorrido, y de regreso a la viñeta de salida, el tríptico puede recorrerse como si lo tocaras. Punteado de pestañas, al pulsarlas se incide en unas cuarenta figuras y escenas.

El documental, firmado por Pieter van Huystee, y en el que han colaborado fotógrafos, historiadores y cineastas, fue estrenado el pasado enero con motivo de la exposición Jheronimus Bosch, visiones de un genio, y fue colgado luego en Internet. Abierta hasta el 8 de mayo en el museo Noordbrabants, el éxito de la muestra ha llevado a la principal sala de la ciudad natal del Bosco a ampliar el horario de apertura diaria hasta la medianoche. Cuando cierre, El Prado inaugurará a su vez la mayor exhibición organizada hasta la fecha sobre su figura.


elpais.com
 




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Lo que esconde ‘El jardín de las delicias’

José Manuel Ballester hace desaparecer los personajes de obras de El Bosco, El Greco y Goya para darles una visión actual en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid



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Interpretación geométrica de Ballester de la obra 'El jardín de las delicias'.

¿Qué sucedería si de una obra tan emblemática como El jardín de las delicias, de El Bosco, desapareciesen todos los personajes y solo quedara el paisaje? Es más, ¿qué sentido tendría hacer algo así? El fotógrafo José Manuel Ballester (Madrid, 1960) sostiene que al despojar las obras y reducirlas a sus elementos básicos, el espectador, único dueño de lo que ve, encontrará los elementos secretos manejados por el artista. Solo entonces, cree, estará en condiciones de hacer una lectura propia del siglo XXI.

El autor ha aplicado ese tratamiento a piezas de Goya, El Bosco y El Greco en la sorprendente exposición Paisajes encontrados, que hasta el 11 de septiembre se puede ver en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid. Patrocinada por el Banco de Santander e Idealista, la muestra prolonga la serie Espacios ocultos, iniciada por Ballester en 2007.

En esta ocasión, el artista ha elegido seis pinturas de tres grandes maestros presentes en la colección del Lázaro Galdiano: El Bosco (Bolduque, Países Bajos, 1450-1516), El Greco (Heraclion, Grecia, 1541-Toledo, 1614) y Francisco de Goya (Fuendetodos, Zaragoza, 1746-Burdeos, 1828). Todas se muestran junto a las intervenciones de Ballester en las que, mediante un meticuloso proceso tecnológico, ha eliminado los personajes de pinturas tan conocidas como El conjuro o Las brujas, El aquelarre y La era o El verano, de Goya; San Francisco en éxtasis de El Greco; Meditaciones de san Juan Bautista de El Bosco o La visión de Tondal, del taller de El Bosco. Completa el conjunto una pareja compuesta por Cristo crucificado con Toledo al fondo, de El Greco, prestada por la colección del Santander, y Lugar para la crucifixión, realizada a partir de ésta.

Y coincidiendo con la celebración del 500º aniversario de la muerte de El Bosco, Ballester muestra una pieza basada en El jardín de las delicias (del Prado), un vídeo de unos siete minutos con sorprendentes conclusiones.

Ballester explica que al suprimir la narración de todas ellas se ha encontrado con paisajes cargados de significado. Goya, por ejemplo, pinta unos cielos que reflejan el tiempo de turbulencias (en El aquelarre) que le tocó en suerte y tanto le atenazaba. En la obra de El Bosco, el paisaje anuncia el Renacimiento como otra manera de contemplar el mundo. “Son unas nubes que alimentarán a los surrealistas, a los expresionistas alemanes e incluso a Walt Disney”, asegura Ballester. “Una obra vive cuando el espectador la contempla. En el almacén no existen. Tenemos muchos ejemplos en la historia: durante dos siglos decidió arrinconar a Bach y hoy es esencial en nuestras vidas”.

Junto a la obra original, el fotógrafo expone sus “apropiaciones”, como le gusta definirlas. Son impresiones digitales. “La realidad virtual es hoy tan importante como lo fue el descubrimiento de la perspectiva en el Renacimiento”.

Vídeo revelador

El premio Nacional de Fotografía de 2010 resume esa nueva forma de ver el arte con el vídeo que ha creado sobre El jardín de las delicias, una obra cargada de enigmas. “Son muchos los que mantienen que es una obra religiosa. Yo no lo veo así. Para mí es una enciclopedia del saber en la que la religión y la ciencia están representadas por igual. Si nos fijamos en los tres paneles del tríptico, responden a una estructura geométrica. Están todas las formas de saber de los pitagóricos, pero también de los alquimistas”.

En el caso de El Cristo de El Greco, que Ballester reduce a un tormentoso paisaje en cuya base resplandece una calavera, recuerda que esos cielos no eran reales, sino recreaciones del artista. “La reforma y la contrarreforma eran una amenaza inquietante. Lo que aflora entre esas nubes es el miedo y eso es lo esencial de la obra”.


elpais.com
 




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Delirios y enigmas de El Bosco
    
El Museo del Prado celebra el V centenario del gran pintor holandés con una exposición irrepetible que reúne 21 de las 25 obras atribuidas al más extraño de los artistas del siglo XVI


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Tríptico de santa Wilgerfortis, de El Bosco.

Antes o después se pasa por El Bosco. En el Museo del Prado y (quizá sin saberlo) en la vida. Pocos pintores levantan aún, cinco siglos después de su muerte, un enigma tan intacto. De El Bosco se desconoce casi todo. Exactamente todo, menos algún detalle suelto de su vida, de su mundo. Se llamaba Jheronimus van Aken y es un artista instalado en esa línea que va del terror a la fantasía y de lo moralizante al delirio se instala. Nació en la ciudad (hoy holandesa) de Hertogenbosch en 1450. Y a partir de ahí, conjeturas. También perturbación.

Aquel hombre del que apenas se conoce algún detalle suelto es uno de los creadores más explorados. El que mejor dispara la literatura en el otro. El que suma decenas de teorías sin perder el misterio. Desde la condición moralizante de su obra hasta la representación de los pecados capitales o la propensión admonitoria, El Bosco lo soporta todo. Y sale con la risa por delante. Es el hombre que funda la imaginería surrealista extrayendo del mundo su espesor satirizante. Haciendo palanca en lo real desde la libertad de quien se desliza por los rincones más oscuros de la imaginación, de la extravagancia y de la sospecha.

El Bosco, un creador tan de detalle, crece si pasea en conjunto. De ahí lo excepcional de la exposición que mañana [por el lunes] inauguran los Reyes en el Museo del Prado: El Bosco. La exposición del V Centenario, patrocinada por la Fundación BBVA y de la que es comisaria Pilar Silva, jefa del Departamento de Pintura española (1100-1500) y Pintura flamenca y Escuelas del norte de la pinacoteca.

De las 25 pinturas que se conservan del artista, el Prado acoge 21 en esta cita, además de seis dibujos. La mayoría de las piezas 'extranjeras' no se han visto antes en España. "La exposición es excepcional porque vamos a tener la mayor concentración de obras de El Bosco que se han reunido", sostiene Silva. "A lo largo de la historia hay hitos, como las exposiciones de 1967 en su pueblo natal y la de Rotterdam en 2001, pero en ninguna había piezas esenciales como El jardín de las delicias, que es del Prado. Así que ésta es una oportunidad única".

A los 12 años asistió al incendio de parte de su ciudad. Más de 4.000 casas ardieron. Aquella escena del fuego le acompañó siempre y se fue colando en sus tablas. Ya firmaba como Bosch y aprendía técnica en el taller familiar, donde trabajaba con su padre, sus tíos y primos. El misticismo prerreformista hacía nido en el joven aprendiz de pintor que hace cinco siglos generó una secuencia de imágenes prodigiosas que aún siguen cifradas, pero que aceptan interpretaciones infinitas, en dirección contraria a la rígida formalización académica que ha marcado el patrón de 'lectura' de este artista.


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Tríptico de Las tentaciones de San Antonio Abad, de El Bosco.

Resulta paradójico que un creador tan libertino mantenga en parte de su obra una voluntad tan moralizante. Sus trabajos sobre la pasión de Cristo, la representación de los Evangelios, el juicio final o los pecados capitales eran, a la vez, un extraordinario manifiesto de contradicciones. Aquel hombre capaz de pintar a los Reyes Magos con devoción representaba después un cerdo con hábito de monja. Sus obsesiones pasaban también por las escenas del infierno y del pecado (o sus alrededores). El carro del heno es una reflexión fastuosa sobre la vida mundana. Y La nave de los locos es un festival delirante que tiene también el pecado como bujía.

El Bosco es en sí mismo un género. Discípulos y seguidores lo copiaron. Su obra adquirió fama y atenciones cada vez más entusiastas. Y Felipe II se aupó como su más fiel coleccionista. Reunió en España un gran número de obras de su mano (seis conserva el Prado), pero sólo han llegado hasta aquí las que mandó trasladar a El Escorial.

Las extrañezas que desata El Bosco llegan también hasta el lugar de las dudas sobre la autoría de algunas piezas. El Bosch Research Project de Holanda desatribuye tres de las obras que conserva El Prado: Las tentaciones que de San Antonio, La mesa de los pecados capitales y El carro de heno. El Prado, después de estudios científicos, documentales y de historia del arte, rechaza plenamente los argumentos de sospecha.

Lo más cierto, lo aún exacto es que la exacta interpretación del trabajo de El Bosco es uno de los grandes caudales no sólo del arte, sino de la literatura. Y así seguirá. Y nunca mejor para adivinarlo que una exposición de cuerpo entero como la del Museo del Prado. Casi una explosión de libertad, de ironía, de sueños y temores.


elmundo.es
 




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El Bosco, mucho más que demonios

El Prado desmonta las dudas sobre el artista, del que se cumple el quinto centenario de su muerte con una exposición irrepetible




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Un visitante observa 'La adoración de los Magos'. / CARLOS ROSILLO

En el extraordinario montaje escénico de una muestra a buen seguro irrepetible —El Bosco. La exposición del V Centenario— estallan las bestias temibles, los demonios voladores, las ninfas desnudas y el correlato interminable de una taxonomía procedente del país de quién sabe dónde. Cinco siglos tienen los retoños de Jheronimus van Aken, El Bosco (‘s-Hertogenbosch, ducado de Brabante, actual Holanda, nacido en torno a 1450, muerto en 1516). Pero seguimos dando palos de ciego. Sigue el profano y siguen los expertos —dueños de mil datos e hipótesis pero igualmente abrumados por la fascinación y la duda— buscando entre la niebla la piedra filosofal que dé acceso a los porqués.

Los porqués de estas paradas de monstruos, de estas preciosas vírgenes que vienen del gótico tardío y viven en el Renacimiento, del cruce de caminos entre el bestiario medieval y el mensaje bíblico, de esta absoluta falta de jerarquía y fascinante totum revolutum en la propuesta pictórica. No se engañe nadie: el misterio permanece. No se engaña Miguel Zugaza, director del Museo del Prado, que no duda en colocar el siguiente titular a esta muestra que cuenta con el mecenazgo de la Fundación BBVA: “Una exposición para empezar a entender algo de El Bosco”. A su lado, el historiador e hispanista sir John Elliott, invitado fugaz en medio de los últimos retoques a la exposición, asentía el jueves con rictus de desconcierto ante el Tríptico de la adoración de los Magos: “Misterio puro”.

Misterio sí, dudas no. Tanto hay de lo primero en la pintura de Van Acken que algunos creyeron oportuno sembrar semillas de lo segundo. En febrero, los responsables holandeses del llamado Bosch Research Project, un proyecto de investigación que empleó seis años en estudiar la autoría de las obras del artista por todo el mundo, desatribuyó tres de las obras que alberga El Prado: Las tentaciones de San Antonio Abad, La extracción de la piedra de la locura y la Mesa de los pecados capitales. Hasta hoy mismo, la reacción del equipo directivo de la pinacoteca fue de perfil bajo, digamos de una callada indignación. Con motivo de la multitudinaria presentación de la muestra, se ha convertido en una respuesta tan profesional como demoledora.

Tanto Miguel Falomir, director adjunto de Conservación del museo, como Pilar Silva, comisaria de la exposición y conservadora jefa de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte, han reivindicado la autoría de esas tres obras, autoría que El Prado mantiene de manera oficial en sus cartelas. “Cuando alguien atribuye o desatribuye obras de arte son necesarios argumentos de índole científica, documental o de conocimiento de la historia del arte, y aquí no se dan esos argumentos”, asegura Falomir, quien añade: “No rechazamos esas desatribuciones por inmovilismo nuestro… ya hemos cambiado atribuciones cuando nos han convencido con argumentos”. Ejemplo de ello fueron en su día el Retrato de la Infanta Margarita, que dejó de ser un velázquez, y El coloso, que dejó de ser un goya.

Pilar Silva sostiene sin asomo de duda que “estas son obras de El Bosco” y lamenta que las propuestas de desatribución de los expertos holandeses fueron hechas “sin ningún pudor”. Los conservadores y técnicos de El Prado han llevado a cabo una exhaustiva labor de análisis científico previo a la exposición, con nuevas radiografías, dendrocronologías y análisis de pigmentos practicadas a las pinturas de El Bosco. Todas esas pruebas, los textos del catálogo y la exposición en sí misma constituyen todo un puñetazo en la mesa por arte de los responsables de El Prado, aunque no les guste demasiado esa expresión.

Volvamos al ámbito del misterio. El misterio es, en efecto, un valor añadido y la gente se vuelve loca con El Bosco, un pintor paradójico: hipnótico en el fondo y en la forma, en los temas y su factura, pero a la vez tan difícil de mirar. Por eso, únicamente Goya y Velázquez compiten con él en el fervor popular, cada día en El Prado, no hay más que ver el colapso perenne en la sala donde conviven El jardín de las delicias, Adoración de los Magos, Las tentaciones de San Antonio Abad, Mesa de los pecados capitales y La extracción de la piedra de la locura.

Todas estas obras maestras, junto a otro medio centenar de pinturas del artista y de su taller, integran el corpus de esta exposición, con la que el museo conmemora cinco siglos de la muerte de uno de los creadores más indescifrables de la historia, y que abrirá sus puertas al público el martes, tras ser inaugurada el lunes por los reyes Felipe y Letizia y por la reina emérita Beatriz de Holanda. Permanecerá abierta hasta el 11 de septiembre.


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Tríptico con escenas de la Pasión, del taller o de un discípulo de El Bosco.


Los trípticos como principio y fin de viaje

Esta exposición, que va a llenar de colas el Museo del Prado a partir del martes, es un viaje circular en torno a los trípticos de El Bosco, principio y fin de la muestra. El plus añadido es que esta vez el visitante puede contemplar no solo el anverso de este magisterio de imaginación y técnica, sino también su reverso. La parte trasera de los trípticos, las puertas, conforma una auténtica cara B de esta cita con los santos y con los monstruos. Algunas de esas puertas —como en el caso del Tríptico de la adoración de los Magos— conservan sus bisagras originales… bisagras de hace más de 500 años.

Algunos de ellos no han tenido que hacer muchos kilómetros: son inquilinos permanentes de El Prado. El jardín de las delicias, El carro de heno, Adoración de los Magos, este último en su primera exhibición pública tras la minuciosa restauración en los talleres de la pinacoteca a cargo de Herlinda Cabrero. A otros los introdujeron con toda la delicadeza del mundo en camiones o en aviones y han viajado desde sus lugares de residencia: Las tentaciones de San Antonio viene del Museo de Arte Antiga de Lisboa. Es una de las obras clave en la escasa producción del artista y su préstamo ha sido todo un asunto de estado. Solo un acuerdo entre los gobiernos español y portugués y la contrapartida de la cesión al museo lisboeta del Autorretrato de Durero ha hecho posible el aterrizaje en El Prado de esta pintura. El tríptico del camino de la vida, en cuyas cartelas pone claramente la palabra “desmontado”, viene en efecto de tres ciudades distintas. Uno de los paneles, La nave de los necios, procede del Louvre de París. Otro, Alegoría de la intemperancia, ha viajado desde su casa de la Universidad de Yale; y el tercero, La muerte y el avaro, también ha cruzado el Atlántico desde la National Gallery of Art de Washington. El conjunto se completa con obras de El Bosco y de su entorno cedidas por museos de Rotterdam, Londres, Viena, Venecia, Berlín, Fráncfort, Brujas, Gante, Valencia, Nueva York, Kansas, Boston, Los Ángeles…



‘Obras maestras fudamentales’ del Bosco


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'El jardín de las delicias', en la muestra 'El Bosco. La exposición del V centenario'. El montaje, del que se ha encargado Juan Alberto García de Cubas, permite que muchos de los trípticos se puedan ver por ambos lados y así apreciar las pinturas tanto por el anverso como por el reverso.


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'Tríptico del Juicio Final', de El Bosco (1505 -1515)  


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'Mesa de los pecados capitales'


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'El prestidigitador', obra de un seguidor de El Bosco.


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'Tríptico del Ecce Homo', se conserva en el Museo de Bellas Artes de Boston.


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Varias obras de El Bosco, observadas por especialistas en la exposición del Prado.



elpais.com
 




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BESTIARIO


Galería con las criaturas más fantásticas del pintor y su posible explicación


Por Francisco Calvo Serraller


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Ver Fotogalería de EL PAÍS

Ver web del Museo del Prado
 




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¿Cuándo llegó El Bosco a España?

La exposición que acoge el Museo del Prado nos sirve de excusa para profundizar en este artista flamenco



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Ver vídeo de EL MUNDO

Ver especial dedicado a EL BOSCO dedicado poe el Museo del Prado.

En el V centenario de su muerte, El Bosco está más vivo que nunca. El Museo del Prado alberga una exposición –del 31 de mayo al 11 de septiembre- única e irrepetible. Pero ¿sabemos cuándo España comenzó a interesarse por este pintor? Francisco de Asís García, Doctor en Historia del Arte, nos cuenta el interés que Felipe II tuvo en El Bosco y cómo le influyó.


Por Silvia González Cerredelo
 




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Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Hoy he estado viendo al mediodía en el Prado la exposición temporal dedicada a El Bosco en su V Centenario.

A pesar de la hora había mucísima gente, pero el acontecimiento lo merecía, pues aunque ya conocia las obras del Prado y de El Escorial, la muestra merece la pena, pues han traido obras de muchos museos importantes, logrando exponer el mayor número de obras en un sólo punto.

Francamente maravilloso que los aficionados al arte no se deben perder, y menos los madrileños o turistas que nos visiten hasta septiembre.



 

Saludos.
 




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El Prado ampliará el horario de visita de la exposición del Bosco

La exposición podrá visitarse entre semana hasta las 22.00h y los domingos y festivos hasta las 21.00h

También se aumentarán el número de pases para el documental 'El Bosco. El jardín de los sueños'




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Cartel de la exposición de 'El Bosco. La exposición del V centenario' en el Museo del Prado. / ANTONIO HEREDIA

El Museo Nacional del Prado ampliará a partir del próximo 1 de agosto el horario de visita de la exposición El Bosco. La exposición del V centenario, que reúne más del 75 por ciento del catálogo de pinturas y dibujos conservados del pintor holandés, según ha informado el museo este viernes en un comunicado.

Desde el 1 de agosto y hasta su fecha de clausura, el 11 de septiembre, esta exposición podrá visitarse hasta las 22.00 horas de lunes a sábado y hasta las 21.00 horas los domingos y festivos.

Este horario será de aplicación también para la videoinstalación Jardín infinito, concebida para la sala C del Museo a partir de la obra maestra del Bosco El jardín de las delicias.

Con esta nueva ampliación extraordinaria del horario de visita de la exposición dedicada al V centenario del Bosco, patrocinada por la Fundación BBVA, que se suma a la ya contemplada inicialmente (aplicable de viernes a domingos desde la apertura de la muestra), el museo responde al interés generado por la muestra, que desde su apertura ha recibido ya más de 185.500 visitantes.

Asimismo, el documentalEl Bosco. El jardín de los sueños, ha sido visto ya por más de 11.000 espectadores, por lo que se ampliará el número de pases para su proyección en salas de cine españolas durante el verano.


elmundo.es
 




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El Bosco sigue otro mes en El Prado

La pinacoteca prorroga la muestra ante las incesantes colas para ver las obras



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El jardín de las delicias.

El Museo del Prado y la Fundación BBVA han decidido prorrogar un mes más la muestra sobre El Bosco, que ha registrado numerosas colas en agosto y que ya han podido ver 428.527 visitantes. Los rezagados podrán ahora planificar una visita hasta el 25 de septiembre y los dos últimos fines de semana las puertas estarán abiertas hasta las 12 de la noche de forma excepcional. El museo sigue recomendando la compra anticipada de entradas a través de Internet www.museodelprado.es

Los fantásticos personajes del maestro flamenco Jheronimus van Aken, El Bosco (‘s-Hertogenbosch, ducado de Brabante, actual Holanda, nacido en torno a 1450, muerto en 1516) cuentan ya cinco siglos, oportunidad por la cual El Prado organizó esta muestra que se inauguró en mayo.

Las figuras delirantes, misteriosas, fantásticas, crueles, hilarantes que cruzaron por la cabeza de El Bosco, calificado de hereje, pueden aún disfrutarse en la pinacoteca madrileña. El autor, que simpatizaba con la reforma luterana, dejó un magnífico legado de modernas metáforas que encuentran seguidores en cualquier cultura. Las dos salas que reciben tanta atención como El Bosco tienen nombres muy mayúsculos: Goya y Velánzquez.

elpais.com



 

Si os gusta la pintura y estáis por Madrid por estas fechas os recomiendo ver esta gran exposición dedicada al Bosco en el Prado, es la muestra donde más obras se han reunido para esta 'exposición del V centenario'
 




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El asombro del público ante ‘El jardín de las delicias’

El famoso y enigmático tríptico del artista es la obra más comentada entre los visitantes del Prado



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Ver enlace

La inteligencia intuitiva se suele definir como la capacidad para conferir sentido a una experiencia efímera. Si se aplica al mundo del arte, se puede apreciar la esencia o la autenticidad de una obra de un vistazo, en tan solo dos segundos. Por ejemplo: un reducido grupo de expertos descubrió que la escultura griega de un hermoso joven desnudo, adquirida en 1983 por el museo J. Paul Getty de California tras exhaustivos exámenes técnicos, era en realidad una falsificación, excelente, pero una copia. En cuanto la vieron sintieron un "rechazo intuitivo", algo fallaba, no podía ser. Luego ya vino la investigación artística y detectivesca más concienzuda y la confirmación del engaño, relata el sociólogo que acuñó el concepto, Malcolm Gladwell, en su libro Inteligencia intuitiva (Taurus).

De un vistazo también, en apenas dos segundos, cualquiera que se aproxime al tríptico de El jardín de las delicias se percatará de inmediato que se encuentra ante algo extraordinario. No solo por los numerosos visitantes que se agolpan ante la obra capital de El Bosco, lo que sucede también con otras pinturas icónicas del Museo del Prado, sino porque se produce una reacción inmediata entre quien los observan solo con atisbar por encima de la concurrencia alguna de sus fantásticas figuras. Algunos parecen enfocar la mirada, dilatando sus pupilas, mientras sostienen el aparato de audio sobre una de sus orejas; otros esbozan una leve mueca en los labios de asentimiento; un tercer grupo acelera el paso para acercarse o llama la atención de su acompañante con un codazo o un gesto. No faltan tampoco quienes se quedan con la boca entreabierta, sobre todo ante las escenas concupiscentes de la tabla central de la lujuria; ni quienes (los menos) parecen estar de paseo por el museo, como si se hallaran en el vecino El Retiro y les diera igual observar los increíbles bichos anfibios o reptantes con los que El Bosco (imbuido de la cultura e iconografía cristiana de principios del siglo XVI) simbolizó el pecado femenino.

La gran mayoría (al menos durante las casi dos horas en que dos informadores de este periódico estuvieron mirando a los que miran) muestra un especial interés por El jardín de las delicias. Una explicación es muy prosaica, además de incompleta: el público en general presta sobre todo atención a las obras maestras consagradas, a las que tiene que ver, según el canon artístico-publicitario, que ha visto reproducidas miles de veces. La otra es más particular y tiene que ver con la propia naturaleza enigmática y espectacular del tríptico de El Bosco y con la modernidad y el atractivo de sus personajes (mujeres, hombres, seres asexuados) y bicharracos, que han llegado a inspirar tanto al cineasta George Lucas para su primera (por el año de producción) entrega de Star Wars como a Salvador Dalí.

No en vano, el propio museo del Prado ha comprobado que la observación de El Jardín de las delicias suscita más comentarios entre los visitantes que cualquier otra obra de la pinacoteca. Por ello, el tiempo de permanencia delante de la obra es mayor. En algunos casos, el tríptico es sometido a una mirada escrutadora que planea lentamente desde la primera tabla del Génesis y el Paraíso hasta la última del Infierno, deteniéndose en la central, de mayores dimensiones. En otros, los visitantes se valen de un dispositivo móvil manejado por el más versado para aumentar los detalles de la obra que tienen a dos metros con el fin de desentrañar sus misterios. Así, una docena de japoneses se pasó unos minutos mirando consecutivamente a la tableta y a las tablas del creador.

Se dejan ver muchos visitantes asiáticos por delante de El jardín de las delicias, si bien muchos de ellos renuncian a expresar su opinión sobre la obra a petición de este diario. Lo hacen con tanta amabilidad y aparente timidez que sabe mal haberlos importunado. Más abiertos se muestran los latinos (los españoles, mexicanos o argentinos consultados) y los anglosajones que desfilan ante la desbordante imaginación del artista, principal característica que destacan

La mayoría del público apenas repara en otra de las joyas de El Bosco como la cercana Mesa de los pecados. El jardín de las delicias mantiene todo su magnetismo y sus enigmas perduran a través de los siglos hasta hoy.    


elpais.com
 




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El agua alarma de nuevo al Museo del Prado

Estudian la influencia de dos acuíferos en una grieta del edificio



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Puerta de Goya y taquillas del Museo del Prado.

El agua, esta vez de origen subterráneo, ha vuelto a alarmar en el Museo del Prado. Con un largo historial de desastres producidos por las lluvias y goteras (en marzo de 2013 el agua entró en los almacenes y dañó una decena de dibujos y el óleo Banquete de bodas, de Jan Brueghel El Viejo), la amenaza viene ahora de dos pozos situados en los cimientos originales del edificio madrileño. Según publicó ayer el periódico digital El Español y el museo ha confirmado a EL PAÍS, dos acuíferos son los causantes de una larga grieta que se ve en la fachada norte, en la que se ubican las taquillas, y de unas manchas de humedad localizadas en el sótano, en el pasillo que comunica el edificio de Villanueva con la ampliación de Rafael Moneo. La empresa Geotecnia y Cimientos está estudiando la influencia del nivel freático sobre los dos edificios de la pinacoteca. Costará 48.724 euros y los resultados se conocerán en mayo de 2017.

En el museo afirman que la estructura no sufre ningún daño. Por escrito, mencionan “la existencia de una grieta en la fábrica de la fachada norte que, aunque no se trata de una deficiencia estructural, puesto que sólo se manifiesta en la cara exterior del muro, sí que es una patología que está siendo objeto de seguimiento”. Respecto a las humedades, detallan que únicamente se ha observado capilaridad en un tramo del pasillo que comunica por el sótano los edificios Villanueva y Jerónimos. Esta humedad se mantiene controlada mediante el drenaje en la base de los muros

El agrietamiento de la fachada se detectó en 2014. Entonces se instalaron testigos para medir la variación de las fisuras, que parecen estabilizadas. En el museo recuerdan que se trata de un edificio con más de 200 años de antigüedad, y que “es normal que aparezcan pequeñas patologías por el paso del tiempo que será necesario corregir, y que se precisa una vigilancia y conocimiento exhaustivos para prevenir cualquier deterioro. Los responsables del Área de Obras y Mantenimiento han puesto en marcha el protocolo previsto en el Plan de Actuación 2013-2016 del museo. En él se especifica cómo velar por la conservación y mejora de los inmuebles, en especial del Edificio Villanueva, donde están las extraordinarias colecciones del Prado, obra del arquitecto Juan de Villanueva y poseedor de la máxima protección del Patrimonio Histórico Español (BIC).

Además de los desastres producidos por el agua en marzo de 2013, 20 años antes el goteo afectó a Las Meninas de Velázquez, lo que supuso el cese del director, Felipe Garín. Las filtraciones volvieron a afectar a varias salas del museo en octubre de 1997 y en 1999. En 2008, tres salas sufrieron goteras.


elpais.com



 

Sin duda los daños que pueda producir las filtraciones de agua es un problema importante, que a buen seguro los técnicos de mantenimiento estarán pendientes de su evolución, pero hay que tener mucho cuidadado, pues aparte de dañar el edificio, tambien puede dañar parte del patimonio que el Museo alberga, y eso sí, sería imperdonable.
 




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La exposición de El Bosco es la más visitada de la historia del Prado

La muestra roza los 600.000 visitantes, el nuevo récord del museo



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Colas en el Prado para visitar la exposición de El Bosco.

Después de un verano de verdadera locura colectiva en las salas y en los despachos del Museo del Prado, un dato apabullante viene a echar el telón de la muestra El Bosco. La exposición del V Centenario, comisariada por Pilar Silva. El más importante conjunto de obras del pintor de Brabante nunca exhibido —una treintena de pinturas del propio artista y una veintena de su círculo de seguidores— pasa a ocupar lo más alto del podio en la larga historia de las exposiciones del Prado. Con casi 600.000 visitas desde su inauguración el pasado 30 de mayo, la muestra supera así a la hasta ahora más exitosa del museo, Tesoros del Hermitage (583.206 visitantes), y sobre todo sobrepasa por mucho a la dedicada a Velázquez en 1990, todo un acontecimiento en aquella época.

Según aseguran en el departamento de Comunicación del museo, la de Velázquez fue contemplada por 500.000 personas —en un histórico de esta exposición que puede encontrarse en Internet, fuentes del centro hablaban entonces de 600.000, pero ahora sostienen que se trató de un error debido a la falta de contabilización exacta de visitas en aquellos años—. En cualquier caso la comparación-competición Velázquez / El Bosco ha de incorporar matices y establecerse en términos relativos y no absolutos: en 1990 el Prado abría menos horas y cerraba sus puertas durante un día y medio a la semana además de recibir, en general, muchas menos visitas que hoy en día.

Así pues, y si nos atenemos a las cifras facilitadas por los responsables del Prado, El Bosco se convierte en el nuevo blockbuster museístico de la era moderna, en el nuevo revienta taquillas del mundo de las exposiciones de arte en España… Eso sí, con permiso de Dalí, protagonista en 2013 de un auténtico fenómeno de multitudes en las salas del Reina Sofía con el récord absoluto de 730.000 visitantes. “La de El Bosco es una exposición irrepetible, o que no se podrá repetir hasta dentro de cien años”, ha dicho de ella Miguel Zugaza, director del Prado, en referencia a las tremendas dificultades para reunir un conjunto de obras de este calibre procedente de museos de todo el mundo.


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Tríptico de 'La adoración de los Magos'. / CARLOS ROSILLO
La masiva venta anticipada en Internet, las colas en los aledaños de la pinacoteca y un auténtico sicodrama de muchedumbre delante de las obras de la exposición (con hasta cuatro filas de personas delante de las pinturas) y en las librerías y tiendas del museo han conformado durante casi cuatro meses el paisaje en torno al autor de El jardín de las delicias y Las tentaciones de San Antonio. Tan es así que en agosto la dirección del Prado y el patrocinador de la muestra, Fundación BBVA, decidieron ampliar un mes más el acceso a la misma y también sus horarios, llegándose a abrir las salas –el pasado fin de semana y este que arranca- hasta las doce de la noche. El Bosco. La exposición del V Centenario cerrará sus puestas este domingo a medianoche. No intente usted correr en un esfuerzo supremo para poder decir un día “yo estuve allí”. Ya no quedan entradas.

MUESTRAS MASIVAS

  - Picasso. Tradición y vanguardia. (Prado y Reina Sofía). Del 6 de junio al 25 de septiembre de 2006. Visitantes: 785.189 (Prado: 380.310 y Museo Reina Sofía: 404.879).
  - Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas. Museo Reina Sofía. Del 26 de abril al 2 de septiembre de 2013. Visitantes: 730.339.
  -Tesoros del Hermitage. Museo del Prado. 583.206 visitantes. Del 25 de febrero al 8 de mayo de 2011.
  - La colección del Museo Nacional Picasso de París. Museo Reina Sofía. Del 5 de febrero al 5 de mayo de 2008: Visitantes 547.810.
  - Juan Muñoz, retrospectiva. Reina Sofía. De abril a agosto de 2009. Visitantes: 483.156.
  - Sorolla. Museo del Prado. Del 26 de mayo al 13 de septiembre de 2009. Visitantes: 459.267.
  - Manet en el Prado. Del 14 de octubre al 8 de febrero de 2004. Visitantes: 439.043.
  - Goya en tiempos de guerra. Museo del Prado. Del 15 de abril al 13 de julio de 2008. Visitantes: 437.327.
  - Tintoretto. Museo del Prado. Del 30 de enero al 27 de mayo de 2007. Visitantes: 424.235.
  - Impresionismo. Fundación Mapfre. Del 15 de enero al 22 de abril de 2010. Visitantes: 327.000.
  - Antonio López. Fundación Thyssen. Del 28 de junio al 25 de septiembre de 2011. Visitantes: 318.169.
  - Gauguin y los orígenes del simbolismo. Fundación Thyssen. De septiembre de 2004 a enero de 2005. Visitantes: 279.591.


elpais.com



 

No me extraña, es una maravilla. Y muy difícil que se pueda repetir ver tantas obra de El Bosco juntas.
 




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El Prado inaugura una sala propia para El Bosco

El éxito de la exposición del V Centenario hace que el museo se replantee su colección de pintura flamenca



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Nueva sala en el Museo del Prado dedicada a El Bosco. / Samuel Sánchez

Al igual que los grandes maestros que forman parte del difícilmente superable elenco de maestros del Prado (Velázquez, Goya, Tiziano, Rubens, el Greco), a partir de este viernes Hieronymus van Aeken Bosch, El Bosco (h. 1450-1516), ya dispone de una sala propia. El éxito de la exposición con la que el museo ha celebrado el 500 aniversario de su muerte (589.692 visitantes, récord en la historia de la pinacoteca) ha hecho posible un replanteamiento de la colección de pintura flamenca de manera que el pintor holandés ocupa de manera exclusiva la sala 56A y sus antiguos compañeros de exposición, Joachim Patinir y Pieter Brueghel el Viejo deslumbran en la 55A.

La sala que preside el imponente tríptico El Jardín de las delicias, visible al detalle también por su parte posterior, está acompañado del grupo de pinturas que hacen que el Prado sume la mejor colección de obras del maestro flamenco: el tríptico de la Adoración de los Magos, el tríptico del Carro de Heno, La extracción de la piedra de la locura, La Mesa de los pecados capitales, Las tentaciones de San Antonio Abad (del taller de El Bosco) y Paisaje infernal (anónimo seguidor de El Bosco). Para esta nueva etapa, el espacio ha sido dotado de luminarias Led que patrocina Iberdrola.

Miguel Falomir, director adjunto de Conservación e Investigación del Prado, explica que aunque el resultado de la exposición ha sido determinante, el museo ya había comprobado que los visitantes de El Jardín de las Delicias consumían más tiempo contemplando sus detalles que ante obras tan señeras como Las Meninas de Velázquez o el Dos de Mayo de Goya. “Convivía con obras maestras mundiales de Patinir y Brueghel el Viejo ante las que mucha gente pasaba de largo. Estaba claro que la mejor solución era buscar para el Bosco un acomodo en el elenco que disfrutan otros grandes maestros, un espacio individual que permita el disfrute de su obra al detalle y que deje respirar otras pinturas que también son importantísimas”.

Alejandro Vergara, jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Prado, recordó que el museo posee una de las mejores colecciones de pintura flamenca de todo el mundo. No solo de El Bosco, de quien Felipe II se convirtió en el principal coleccionista, sino de todas los grandes nombres y escuelas de los siglos XV y XVI; una selección de piezas maestras que arranca con El Descendimiento, de Rogier van der Weyden (h. 1399-1464).

“Los museos no son seres muertos en los que nada ocurre y todo permanece siempre inamovible”, afirmó Vergara. “Aquí estamos convencidos de que todo está vivo y pide nuevas formas de atención. Por eso, aprovechando el merecido protagonismo del que ahora goza El Bosco, hemos empezado a replantearnos las salas dedicadas a la pintura neerlandesa de los siglos XV y XVI, un tiempo en el que Amberes se convirtió en una de las grandes capitales económicas europeas, con comerciantes decididos a encargar a los mejores pintores retratos de ellos y de sus familiares y escenas y paisajes no religiosos”.

Aunque todavía quedan unos meses hasta que los espacios dedicados a la pintura flamenca sean repensados en su totalidad, Vergara mostró ayer la sala 55A dedicada a Joachim Patinir y Pieter Brueghel el Viejo. “Patinir, representado con cuatro obras, incluye numerosos elementos de El Bosco en sus cuadros. Y Brueghel llena de seres bosquianos sus obras de gran formato, aunque más cuidados y rematados, tal como se puede ver en El triunfo de la muerte o El vino de la fiesta de San Martín, una de las adquisiciones más importantes realizadas por el museo”.


elpais.com
 




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Clara Peeters, la pintora que inventó el ‘selfie’


Clara Peeters fue la primera mujer que expuso en el Prado. Maestra del bodegón, de origen flamenco, vivió en el siglo XVII y se ignora casi todo de ella. Su obra creó escuela. Además, sus cuadros encerraban un gran secreto: ella misma aparecía retratada en ellos. El museo madrileño le dedica una exposición.
 


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Clara Peeters - Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre. Museo del Prado

Durante muchos años la pintora de Amberes Clara Peeters (Amberes, 1594-La Haya, 1657) fue la única mujer artista colgada en las paredes del Museo del Prado, si bien eran pocos los que reparaban en este hecho nada frecuente. No obstante, el visitante atento podía descubrirla, destacada, en la entonces rebosante sala de bodegones. Aquel lugar era casi un remedo de las mesas flamencas del XVII, donde alimentos y utensilios se agolpan en una peculiar construcción espacial, la que corresponde a este género pictórico, denostado por la historia del arte más conservadora al excluir la figura humana. Allí, en la sala del Prado y pese a lo extraordinario del conjunto de bodegones conservados en la pinacoteca madrileña, la obra de ­Peeters sobresalía entre tantas maravillas de caza, pescados, dulces, cristales, metales brillantes, cestas o hasta flores y jarrones que hablaban de las diferentes maneras de entender el mundo en las distintas sociedades y épocas.
 

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La figura de la pintora reflejada en la copa y la jarra de peltre de dos de sus bodegones.

Destacaba sobre todo un cuadro –composición exquisita–, en el que las flores del jarrón, primorosamente pintadas, rivalizaban en destreza con la elegante copa de plata, la bandeja con los frutos secos y los dulces, el transparente vidrio al fondo y la jarra de peltre. El trabajo exhibía una habilidad poco común, minuciosa y precisa, subrayada en los pétalos de cada flor: el jarrón de Peeters tenía mucho de pericia botánica, aquella que cultivarían, pocos años después y también en los Países Bajos, otras artistas como Maria Sibylla Merian o Rachel Ruysch. La primera, alemana de origen, sería la autora de Metamorphosis insectorum Surinamensium, transformaciones de insectos que poco tenían que ver con Systema naturae, el posterior catálogo seco y obsesivo de Carl Linnaeus. Las láminas de esta mujer que pintaba insectos y, más aún, los criaba y los observaba, capaz de marchar hacia Surinam con 52 años cumplidos para llevar a cabo sus investigaciones, eran vibrantes, llenas de vida, igual que las composiciones pictóricas de Rachel Ruysch, hija del conocido anatomista, al cual, se cuenta, compró su colección médica el propio Pedro el Grande de Rusia.

Quizá fue la atmósfera particular en los Países Bajos durante 1600 –en especial en Amberes, donde Peeters desarrolla su actividad– la que posibilitó la consolidación de esos bodegones planteados como la representación de una clase en ascenso, burguesa y moderna –los ricos comerciantes– que a ratos remedaba las costumbres de la aristocracia tradicional. Alrededor de esta aparente paradoja –modernidad y tradición– se desarrollaba un género pictórico que traza un retrato social muy preciso. Entre las riquezas y rarezas importadas y atesoradas se delineaba además la fina frontera entre abundancia y exceso, y se apelaba, de alguna manera, a la caducidad del mundo y las cosas del mundo.


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Bodegón con pescado, gambas, ostras y cangrejos de río.

Pese a la atmósfera de modernidad que se vivía en los Países Bajos, ser mujer pintora en el siglo XVII, incluso en una sociedad cuya clase en ascenso retaba algunas viejas costumbres, no era fácil. No lo era, entre otras cosas, porque las artistas encontraban grandes trabas para su formación, a menos que aprendieran con el padre –ocurre con Artemisia Gentileschi–; o con un maestro particular, supervisada la estancia por su esposa –es el caso de Sofonisba Anguissola, también expuesta hoy en las salas del Prado–. Las mujeres no podían frecuentar un taller, fórmula habitual para convertirse en pintor, pues era impensable para las jóvenes compartir cotidianidad con otros muchachos. Además, al salir serían demasiado viejas para casarse. Por si fuera poco, el acceso a las clases de desnudo, la manera de aprender a dibujar la figura humana y pasaporte para la “alta pintura” de escenas de batallas o religiosas, estuvo vetado a las artistas durante siglos. Dedicar los esfuerzos a los bodegones, incluso a finales del siglo XIX, era un modo de llevar adelante la carrera para muchas mujeres.

Esta particular situación de las artistas hace aún más intrigante el gesto reiterado en algunas obras de Clara Peeters, de la que, por otro lado, se tienen pocas noticias verificables, salvo que fue una pintora precoz especializada en bodegones, que trabajó en Amberes y que su época de máxima creatividad se desarrolló en torno a 1611-1612. Reflejada en los metales brillantes de algunas de sus obras, Peeters se pinta. A veces se pinta incluso pintando. Es una imagen apenas perceptible –camuflada quizá por decoro, para no parecer demasiado descarada en tanto mujer– que Peeters despliega con coraje infinito y una implacable seguridad en su oficio.


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Bodegón con arenque, cerezas, alcachofa, jarra y plato con mantequilla.

Retomando el juego de reflejos, muy arraigado en la época –El matrimonio Arnolfini es una buena muestra de ello, al desvelar en el espejo al fondo el retrato del pintor y la parte no visible del cuarto–, Clara Peeters subraya en su autorretrato una poderosa afirmación de su destreza. Pintar su efigie desde diferentes puntos de vista adaptados a la superficie de las copas o las jarras descubre un absoluto control sobre los ángulos, la escala, la perspectiva, la minuciosidad… y un orgullo sobre una autoría que a veces rubrican también las pastas con la forma de la “P” en su apellido.

Sus maravillosos selfies avant-la-lettre –autorretratos camuflados que evocan a Cindy Sherman cuando su rostro se descubre reflejado en unas gafas o el espejo de una polvera– hacen pensar, además, en las estrategias sofisticadas de tantas mujeres, a menudo obviadas por pintar géneros menores. La pregunta surge insidiosa: ¿desde dónde se establecen los criterios de calidad, el canon? ¿No vuelven a ser restricciones de un discurso que es necesario revisar? Los bodegones de Peeters lo dejan claro: nunca hay que quedarse en las meras apariencias. Una segunda mirada, más atenta, puede desvelar cierta señal radical de modernidad, oculta tras el reflejo de una copa. Por ese gesto, también ahora, desde las salas del Prado Clara Peeters nos desconcertará en su audacia.


Estrella de Diego / elpaissemanal.elpais.com
 




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Exposición en el Museo del Prado 'El arte de Clara Peeters' del 25.10.2016 al 19.02.2017



Clara Peeters. Una historia en imágenes


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Clara Peeters - Mesa con mantel, salero, taza dorada, pastel, jarra, plato de porcelana con aceitunas y aves asadas. Museo del Prado

Ver las 4 obras de Clara Peeters conservadas en el Museo del Prado

Recurso interactivo (scrollytelling) del Museo del Prado sobre la obra de Clara Peeters.



museodelprado.es
 




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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Clara Peeters, protagonista en el Prado

Es la primera vez que el Museo del Prado dedica una exposición a una mujer y lo hace bajo el título “El arte de Clara Peeters”



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Desde el 25 de octubre y hasta el 19 de febrero, el Museo del Prado abre sus puertas para disfrutar de una mujer que perteneció a la primera generación de artistas europeos especializados en naturalezas muertas y una de las escasas mujeres que pudo dedicarse profesionalmente a la pintura en Europa en la Edad Moderna.

La exposición de “El arte de Clara Peeters” está compuesta por un total de 15 obras cargadas de realismo y que reflejan la vida del momento a través del pincel de una mujer pionera.


Por Silvia González Cerredelo / elmundo.es
 




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MUSEO NACIONAL DEL PRADO



Metapintura

Lienzos como espejos


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Grandes maestros como Tiziano, Rubens, Velázquez o Goya pintaron sobre pintura y sobre sí mismos. Ahora, el Museo del Prado reúne un centenar de obras con el denominador común de la autorrepresentación del arte en la exposición ‘Metapintura. Un viaje a la idea del arte’


Enlace de la exposición
 




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EXPOSICIÓN' / Metapintura.Un viaje a la idea del arte'


El Museo del Prado reflexiona sobre qué es el arte

La pinacoteca analiza el entorno creativo y laboral de los artistas desde principios de la Edad Moderna hasta finales del siglo XIX



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'Huyendo de la crítica', de Pere Borrell. / BANCO DE ESPAÑA

Dicen que los ojos son el reflejo del alma. Los del chico de Huyendo de la crítica, de Pere Borrell demuestran su visión del arte de la época: sorpresa, ansiedad por salir del cuadro que le retiene. Sus brazos atesoran sus intenciones de romper con lo tradicional, de buscar nuevos estamentos para el arte que se mantuvo desde principios de la Edad Moderna hasta finales del siglo XIX. El Museo del Prado, a través de ésta y otro centenar de obras, intenta llevar al espectador al mundo de la metapintura, una forma de referirse a la pintura a través de la misma.

"Exposiciones como esta muestran tanto el vigor intelectual del museo como su versatilidad", apunta Miguel Falomir, director adjunto de conservación e investigación del Museo del Prado. Metapintura. Un viaje a la idea del arte, que estará desde este martes hasta febrero de 2017, aborda los problemas fundamentales de la teoría artística a través de relatos mitológicos, el carácter místico de las imágenes y su devoción religiosa. "La exposición propicia un cambio de lectura de una misma obra", dice Javier Portús, comisario, para quien la relación entre los espacios pictóricos y la realidad son la base para entender la forma en que los artistas se han representado a sí mismos a lo largo del tiempo.

Metapintura arranca, de esta forma, con la obra Cristo crucificado contemplado por un pintor, de Francisco de Zurbarán, que pone de manifiesto la estrecha relación entre arte y religión durante la Edad Moderna. Y finaliza con Rotonda del Museo del Prado, de Pedro Kuntz y Valentini, que ensalza la apertura de la pinacoteca en Madrid.


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'El archiduque Leopoldo Guillermo en su galería de pinturas en Bruselas', de David Teniers. / MUSEO DEL PRADO

El visitante encontrará, así, lienzos en los que, por un momento, la pintura abandona su definición de 'ventana' al exterior, para convertirse en un 'espejo', en el que un artista se pueda mirar y ver a sí mismo. "Individualmente cada obra es un ejercicio de introspección, pero también a nivel colectivo al establecerse como un espejo en el que el museo se está mirando dentro de sí. Es un ejercicio de autorreflexión", explica Portús. Se reflejan las leyes de su actividad, la tradición, la historia o el sistema de las artes. Una forma de reivindicar el carácter liberal de los artistas de la época.

Distintas imágenes representan lugares vinculados con su propio arte. Algunas son invenciones, escenarios, pero también hay algunas que reproducen espacios reales, como la del Archiduque Leopoldo Guillemo en su Galería de pinturas en Bruselas, de David Teniers. "Toda la historia de la pintura podría ser entendida como metapintura", dice Jaime de los Santos, director general de promoción cultural, de la Comunidad de Madrid.


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'Las hilanderas', de Velázquez. / MUSEO DEL PRADO

La muestra, que se inscribe en la serie de exposiciones que comenzó en 2010 con Rubens, incorpora entre sus piezas seleccionadas, la mayoría procedentes de colecciones reales, obras de Zurbarán, Bernini, Goya, El Greco o Murillo. 22 han sido prestadas por 18 museos y coleccionistas diferentes como la Fundación Casa de Alba, la National Gallery de Londres o el Museo de Bellas Artes de Sevilla, entre otros. Entre ellas, se encuentra Cristo crucificado, con un pintor, de Zurbarán; La Santa Faz, de El Greco; o, Las hilanderas, de Velázquez, una forma de aludir la idea de tradición y progreso artístico para situarse dentro de la misma.

Todos estos pintores presentes en colecciones permanentes de El Prado reflexionaron sobre el arte, el artista y su relación con la sociedad: desde los orígenes, en los que la pintura estaba prácticamente al servicio de la religión, hasta la definición del nuevo artista durante el siglo XVIII, cuando el "yo" invade la esfera del arte.

Además, aprovechando el IV Centenario del fallecimiento de Cervantes, la exposición rinde homenaje al autor, reservando un espacio al Quijote y poniéndolo en relación con Las meninas, de Velázquez, pues al igual que la obra del escritor es una novela sobre la novela, la del artista es una pintura sobre la pintura, en la que el autor no solo representa lo representado, sino que abordar cuestiones entre la figura del pintor y su creación. "No es un mano a mano", explica Miguel Zugaza, director del Museo del Prado. "Lo que se pretende es que a través de más de 100 obras se dé lugar a un viaje a través del arte".


elmundo.es
 




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El Prado gana el premio Global Fine Art por la muestra de El Bosco

La pinacoteca española comparte el prestigioso galardón con el museo holandés Noordbrabants


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Un visitante observa 'La adoración de los Magos' en el Prado. / CARLOS ROSILLO

El museo español del Prado y el holandés Noordbrabants han sido galardonados con el Global Fine Art Award correspondiente a 2016, por sus exposiciones conjuntas en torno al quinto centenario de la muerte de El Bosco. El premio se considera el oscar del arte, y es otorgado todos los años por un grupo de 30 profesionales del sector que han revisado, esta vez, 200 salas y 2.000 muestras internacionales. Correspondiente a la categoría de Renacimiento, Barroco, maestros antiguos, y antológicas, la entrega tuvo lugar la noche de sábado en el National Arts Club, de Nueva York. En el mismo grupo quedó finalista el Museo Thyssen-Bornemisza, de Madrid, por Caravaggio y los pintores del Norte.

Para los dos centros premiados, la antológica del Bosco supuso un gran éxito de público. El Prado sumó 589.692 visitantes, y al Noordbrabants, abierto en la ciudad natal del pintor, Den Bosch, acudieron 421.700 personas. “Estamos muy orgullosos y felicitamos de todo corazón a nuestros colegas del Museo Nacional del Prado, con los que hemos trabajado estrechamente para montar ambas exhibiciones. El éxito de esta empresa se debe a la colaboración, el apoyo de nuestros patrocinadores, y el trabajo de cientos de empleados y voluntarios”, dijo Charles de Mooij, director de la sala holandesa, que viajó a Estados Unidos. En su caso, la alegría era doble: es la primera vez que un museo holandés recibe este galardón.

El Bosco. La exposición del V Centenario, fue el título elegido por El Prado para homenajear a Jheronimus van Aken, su nombre auténtico, que luego cambió por el de su villa de origen. El Noordbrabants denominó su muestra El Bosco, visiones de un genio, y al éxito se añadió la polémica por la autoría de varias obras. Según el Proyecto Internacional de Conservación e Investigación que dedicó seis años a rastrear la mano del artista, Mesa de los pecados capitales, Las tentaciones de San Antonio Abad y La extracción de la piedra de la locura, pertenecen a sus seguidores. Propiedad las tres de la pinacoteca española, que rechazó estas conclusiones, el roce fue notorio durante unos meses; luego la situación mejoró. De todos modos, ninguna de las tres piezas viajó a Holanda. La Mesa, porque nunca sale. Las otras dos, dada la situación creada. Por el contrario, la tabla Las tentaciones de San Antonio (1500-10), atribuida a un alumno o seguidor, se consideró del maestro. Su dueño, el Museo de Arte Nelson-Atkins, de Kansas (Misuri, Estados Unidos), no podía estar más contento.

Los festejos del V Centenario mostraron que el poder de atracción del Bosco se mantiene intacto. Y que sus imágenes, ensoñaciones, pesadillas o alucinaciones, pegadas a la doctrina cristiana, e interpretadas por todo tipo de estudiosos, conservan su enigma.


elpais.com



 

Un premio merecido para el mejor museo español. En los últimos años el Prado, bajo la dirección de Miguel Zugaza ha realizado grandes exposiciones, y la de El Bosco, sin duda fue una de las mejores.
 




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