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MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros
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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
El Prado estrena web y se fabrica una nueva imagen

La atractiva versión ‘online’ del museo interrelaciona obras, autores y actividades



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Web del Museo del Prado

En el marco de un constante compromiso por el estudio y la difusión, el Museo del Prado lanzó ayer su nueva web, que es, en cierta forma, una nueva imagen de la pinacoteca. Realizada con el apoyo de Telefónica, la iniciativa está dotada de un complejo desarrollo tecnológico y de un diseño en el que las imágenes son protagonistas absolutas. La experiencia de la visita al museo se traslada a lo digital de una forma estéticamente pulida y enriquecida con la ayuda de un modelo semántico, una novedad dentro del ámbito de los museos con presencia digital.

De este modo la nueva web, un proyecto que se inició hace tres años, reemplaza a la de 2007 para mejorar la experiencia online del museo. Con una estructura de módulos, el sistema puede interrelacionar las obras de arte, los autores de la colección y otros activos del patrimonio del museo, como actividades y conferencias.

Las novedades en esta página son tres. Primero, su motor, que está compuesto por la colección y el conocimiento asociado a cada uno de los 10.000 artículos. Esto va de la mano de un diseño dedicado a la imagen que presenta cada objeto con una foto con zoom, una ficha técnica, un texto explicativo, una biografía del autor, etiquetas relacionadas a la obra, una bibliografía de textos académicos en los que aparece, su procedencia, inventarios en la que está incluida y su ubicación en el museo. Ofrece también una sección multimedia con vídeos de conferencias pasadas, avances de exposición y guías curatoriales.

Buscador semántico

Segundo, el buscador facetado es semántico, es decir que la misma web participa adaptándose a las necesidades del usuario. Por ejemplo, si se buscan las palabras “bacanal de Tiziano” aparecen todas las imágenes relacionadas, y en la columna izquierda un abanico con categorías y temas (dioses mitológicos, desnudo, metamorfosis...), época, escuela, materia, soporte, técnica, flora, fauna y personajes, permitiendo que la búsqueda sea aún más refinada. Un usuario que esté buscando obras relacionadas con cualquier tema ya tiene a su disposición obras de arte que el sistema ha interconectado por sí mismo. Es un buscador que permite el acceso a toda la información contenida en la web del museo aplicando patrones y secuencias personales de razonamiento y búsqueda, incluyendo un sistema de recomendación de contenido para profundizar la información demandada partiendo del etiquetado de las obras de las colecciones.

La nueva web permite personalizar las propias visitas del usuario por medio de una red social específica llamada Mi Prado. Incorporando la posibilidad de crear y guardar itinerarios personalizados, obras favoritas y resultados de búsquedas previas, este canal permite ver en qué lugar del museo están ubicadas las obras favoritas del usuario. Se pueden comentar recorridos y compartirlos, así como preparar clases, entre muchas más opciones. Además, Radio 3 de Radio Nacional ha propuesto una selección musical para los recorridos temáticos de la colección permanente.


elpais.com
 




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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Nueva web



Todo el Museo del Prado, en una pantalla

Más de tres años de trabajo para crear una página 'inteligente' con búsquedas personalizadas.



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Aspecto de la nueva web del Museo del Prado.

"El mundo ha cambiado mucho en los 200 años que el Museo del Prado lleva abierto. La sociedad ha evolucionado y nos ha dado una oportunidad inigualable". Miguel Zugaza, director del museo madrileño, empezaba así este jueves una presentación que daba luz a tres años de trabajo. Un Museo del Prado a la carta. Una página web con una búsqueda semántica que permite que cada uno personalice sus visitas, haga un plano sólo con las obras que le interesan o comparta con los demás sus favoritas.

Han sido tres años en los que la web del Prado ha cambiado por completo. Cada obra de arte -cuenta con más de 10.000- y cada uno de sus autores -unos 1.800- han sido analizados, documentados y guardados para que podamos tener acceso a ellos desde cualquier tipo de plataforma.

"No es una puesta al día, es un cambio copernicano", añadía el director sobre esta web que "es la más moderna y la mejor a nivel mundial en el mundo de la cultura". Así lo confirmaba Carlos López Blanco, director general de asuntos públicos y regulación de Telefónica (empresa que ha participado en todo el proceso): "Hemos utilizado la tecnología para dar vida a la colección del Prado. El mejor museo del mundo necesitaba la mejor web, por eso contamos con un diseño espectacular y todos los contenidos que pertenecen a esta entidad".

Javier Pantoja, jefe del área de desarrollo digital, es el que ha estado al frente del proyecto durante estos años. "Nuestro problema era cómo resumir todo el conocimiento del Prado en una web. Tenía que ser fácil para el usuario", asegura. Esta página ha sido diseñada con la colección como centro, intentando que todo el desarrollo tecnológico estuviese centrado en dar a conocer de una forma fácil y completa las distintas obras.

Para ello han creado un soporte que permite relacionar cada obra con otras similares del museo, tanto por época como por autor o incluso por escuela o los distintos elementos que se vean representados. "La búsqueda es personalizada. Por ejemplo, si ponemos 'pato', nos dirá en qué obras aparecen patos, en qué época son más frecuentes y qué artistas los plasmaron", explica.

Además, en la página web también se pueden encontrar las 20.000 conferencias, actividades, exposiciones y documentos que posee el museo y con las que pretenden una mayor implicación del público. "Los contenidos multimedia son los más compartidos en las redes sociales y por eso cada obra, cada autor, cada colección viene acompañada de un vídeo explicativo que contextualiza su ficha técnica, la explicación por escrito de un experto y obras relacionadas con la que hemos buscado". Este modelo semántico, que hasta ahora había sido utilizado por muy pocas instituciones culturales, también nos permite crear nuestro propia visita. Tal y como explica Pantoja, podemos seleccionar las obras que nos parecen más interesantes y la web nos da la opción de crear un plano personalizado y compartirlo con otros usuarios.


Cuatro euros para ver los detalles del Prado en Internet

El Prado fue en 2007 uno de los museos punteros al desarrollar su página web. Era, claro está, una web del momento aunque nacía con la intención de durar en el tiempo. Hoy hay que reconocérselo. No hay muchos "sites" que resistan ocho años. En la Era de Internet es mucho tiempo.

Pero si la institución cultural que dirige Miguel Zugaza fue pionera al sumarse decididamente a la web, lo fue aún más cuando se enroló en el programa Gigapixel de Google. La idea era fotografiar en altísima resolución una serie de obras maestras de determinados museos y acceder a ellas con un detalla jamás mostrado a través de la red. El Prado estuvo en la primera oleada en 2008 y en 2009 se podían visitar 14 obras maestras utilizando la aplicación gratuita Google Earth.

Fue toda una sensación. Era como poder planear a escasos centímetros por encima de una obra de arte. Poder admirar la transparencia de una lágrima en El Descendiminento, de Rogier van der Weyden era sencillamente impensable. Ha sido la segunda cosa que he hecho al entrar en la nueva web del Museo del Prado. Tras comprobar la belleza y el orden general de la página he intentado navegar por las obras maestras, pero no se pueden visitar con la misma profundidad: sólo tienen tres pasos de zoom.

Si alguien quiere contemplar los detalles, tendrá que acudir a la app de pago para iOS y Android Second Canvas Museo del Prado. Yo no es gratis. Cuesta cuatro euros.


elmundo.es
 




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Los enigmas sobre El Bosco continúan

El Proyecto de Investigación holandés anuncia nuevas sorpresas tras corregir la autoría de una tabla que se halla en el Prado con el rechazo del museo



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El casco antiguo de la ciudad holandesa de Den Bosch conserva en sus estrechas callejuelas el aire medieval respirado por su vecino más famoso, el pintor El Bosco (1450-1516), que disfrutaría todavía de una villa rival en su día de Amberes y Bruselas. En vísperas de la exposición Jheronimus Bosch, visiones de un genio, que conmemorará a partir de febrero de 2016 el 500 aniversario de su muerte en el museo local, Noordbrabants, y a punto de publicarse los resultados del Proyecto internacional de Conservación e Investigación sobre su obra, Matthijs Ilsink, su coordinador, y Jos Koldeweij, catedrático de Historia de Arte Medieval, anuncian que “habrá sorpresas sobre la autoría de algunas piezas hoy atribuidas al artista, o bien a su entorno”. Ambos causaron ya sensación en noviembre pasado al apuntar que La mesa de los pecados capitales, uno de los títulos señeros del Prado, “corresponde probablemente a sus seguidores y no se le debe adjudicar”.

El Bosco pintaba en tablas de madera de roble y también dibujó con tinta sobre papel. Nunca fechaba, no siempre firmaba, y su obra no es muy extensa: apenas 45 piezas repartidas por diez países. “Con los encargos no rubricaba. El cliente ya le conocía y no era necesario. Para vender por su cuenta sí lo hacía. Quería ganar notoriedad y latinizó su nombre por Jheronimus y cambió su apellido. Era Van Aken (Aquisgrán) la ciudad alemana de donde procedía su familia de pintores, pero prefirió Bosch, como la villa. Hay unos diez cuadros suyos signados y eso es excepcional, aunque parezca poco. Con los dibujos, en cambio, que eran una obra de arte en sí y no un mero boceto, no lo hacía”, según Koldeweij.


Madera diferente

Sentado junto a él en un despacho del Noordbrabants, su colega Ilsink recuerda que La mesa de los pecados capitales sí está firmada, pero difiere de su producción en varios puntos. “La madera es de chopo, más propia del sur de Europa, y el tratamiento y ejecución de los personajes es diferente. Y la autoría se ha discutido desde que Felipe de Guevara —un cortesano de Felipe II— hablara en 1560 de un discípulo”.

La pareja añade que “la firma parece más una copia de su caligrafía que la suya propia”, y razona sus conclusiones. “Después de estudiar la documentación de rayos X e infrarrojos aportada por El Prado, y de observar la tabla, creemos que es de otra persona. Pero ojo, no es una copia. Tal vez la ejecutó un seguidor queriendo hacerle un homenaje”, señala Koldeweij. “Por todo ello, carecemos de argumentos para adscribirla al pintor. Es una sugerencia, pero apoyada en la base científica que creemos que nos legitima. Si el Prado llega a otra conclusión en sus estudios, nos gustaría contribuir a un debate internacional sobre la obra. Llamando a terceras partes, si es preciso”, añade Ilsink. La pinacoteca española reiteró el viernes que continúa con sus propios análisis, que presentará en mayo de 2016, junto con su exposición sobre El Bosco. Será la más extesa dedicada al pintor. El Prado mantuvo la autoría de La mesa de los pecados capitales cuando el Proyecto anunció sus primeros resultados.

En Holanda, hábilmente manejada, la ciencia ha hecho posible la muestra del museo Noordbrabants. Róterdam es la única ciudad con obras del artista, y a cambio de cesiones, se ofreció a otras salas internacionales el estudio y restauración de las suyas. Gracias a la excelente respuesta, Den Bosch expondrá 20 pinturas y 19 dibujos, además de 70 ejemplos de arte medieval de los siglos XV y XVI. Llegados, entre otros, del Louvre, el Prado y la Galería veneciana de la Academia-Palacio Grimani, 12 paneles del conjunto han recuperado ya su esplendor.

El protocolo aplicado para lograrlo analiza primero la superficie de la obra sin aparatos. Luego se toman fotos de alta resolución para ver cómo dibujaba el artista. Sigue el modo de preparación, mostrado por la fotografía infrarroja, y la reflectografía infrarroja, que incide en los pigmentos. “Estas fotos se pueden superponer para ver las distintas capas de la obra. También es posible componer una imagen muy precisa de 30 o 40 gigas. Reunirlo todo ha requerido un programa de software especial, y podremos introducir la información en Internet para que el público”, sigue Ilsink.

El esfuerzo se traducirá en febrero en varias publicaciones que aportarán más luz, pero no toda. “Los elementos de su universo plagado de monstruos no se pueden clasificar porque no siempre significan lo mismo”, dicen. Quinientos años después, El Bosco conserva su misterio.


elpais.com
 




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Homenaje a El Bosco

La mayor exposición dedicada al holandés se verá en el Prado



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Tríptico del Carro de heno, de El Bosco. 1515, óleo sobre tabla, 147 x 212 cm. Museo del Prado.

Si hubiera que buscar un protagonista para el año que empieza, nadie dudaría en señalar a El Bosco. La conmemoración internacional del 500 aniversario de la muerte de Hieronymus van Acken Bosch, El Bosco (1450/60-1516) arrancará el 13 de febrero en el Noordbrabants Museum de Bolduque, la ciudad holandesa en la que nació. Contará con una veintena de paneles y trípticos y 19 dibujos. En España, el homenaje empezará con una pequeña muestra en la Iglesia Vieja del Monasterio del Escorial, también en febrero, en la que se mostrará El carro del heno restaurado. Pero la gran exposición, la más importante dedicada nunca al artista, se celebrará en el Prado entre el 30 de mayo y el 11 de septiembre con 65 obras jamás reunidas. Junto a las piezas del museo, habrá obras prestadas por el Albertina y el Kunsthistorisches de Viena, la National Gallery de Washington, el Metropolitan de Nueva York o el Louvre de París.

Otra de las grandes exposiciones del año se abrirá el 9 de febrero en el Thyssen. Bajo el título de Realistas, se mostrará la obra de los pintores y escultores, cuyas conexiones artísticas y familiares surgieron en la década de los cincuenta en la ciudad de Madrid. Se expondrán 75 obras de autores como Amalia Avia, Francisco López, Julio López, María Moreno, Esperanza Parada, Isabel Quintanilla y Antonio López.

A finales de año,el 18 de octubre, también en el Thyssen se anuncia una exposición de gran tirón popular: Renoir y la intimidad; un recorrido por más de 70 obras del artista francés que permitirá descubrir cómo el artista se servía de las sugerencias táctiles de volumen, materia o texturas como vehículo para plasmar la intimidad en sus diversas formas –social, amistosa, familiar o erótica–, y cómo ese imaginario vincula obra y espectador con la sensualidad de la pincelada y la superficie pictórica. Esta exposición se podrá ver en el Museo de Bellas Artes de Bilbao a comienzos de 2017.

El Reina Sofía arranca el 15 de marzo con el artista mexicano Ulises Carrión con una retrospectiva de más de 350 piezas, que incluyen libros, arte postal, imágenes, videos, performance. Seguirá a finales de marzo con el artista suizo Remy Zaugg y ya en abril se podrá ver la muestra que constituye el plato fuerte de la temporada: una antológica dedicada al cubano Wilfredo Lam ; un artista que aunó estilos y vanguardias, desde el modernismo europeo, el surrealismo, con símbolos africanos y caribeños. Nacido en Cuba con raíces españolas, la obra de Lam aborda temas como las cuestiones raciales, el mestizaje cultural y social y su compromiso con la libertad. La exposición cuenta con 250 obras, cuadros, cartas, fotografías, libros, revistas, etc, que tratan de componer el mundo de Lam.

El Guggenheim de Bilbao abre su temporada el 26 de febrero con Andy Warhol y su monumental obra Sombras realizada en 1978, cuando contaba 50 años. Producida en la Factory, la pieza consta de 102 lienzos serigrafiados con los que trató de explorar el mundo de la abstracción. En marzo, llegará al museo vasco Louise Bourgeois con Estructuras de existencia: las celdas, una reflexión sobre la arquitectura, el arte y la memoria. A partir del mes de abril, se podrá visitar Panoramas de la ciudad. La Escuela de París 1900-1945. Una muestra que reunirá a artistas como Picasso, Braque, Kandinsky o Delaunay, que captaron las transformaciones de la vida urbana a principios del siglo XX. En septiembre llegará una gran retrospectiva dedicada a Francis Bacon

La Fundación Juan March arranca temporada el 26 de febrero con Lo nunca visto: pintura y fotografía en Europa (1945-1965). Es una ambiciosa exposición en la que se muestra el informalismo europeo junto a la imagen fotográfica como vía para un conocimiento más profundo de la realidad, de la pintura y de la propia fotografía.

El IVAM ofrecerá en febrero una exposición con el mar Mediterráneo como protagonista. Titulada Entre el mito y el espanto. El Mediterráneo como conflicto, ofrecerá las visiones de una treintena de artistas de los siglos XX y XXI de diferentes países mediterráneos, y que analizará el drama de la inmigración, la desigualdad y el racismo en esta zona de permanente conflicto. Sorolla, Picasso o Muñoz Degraín se medirán con Yto Barrada, Bouchra Khalili o Ursula Biermann.

Fuera de España, Londres arranca en a Royal Academy con De Monet a Matisse, el 30 de enero con 120 obras. Tomando a Monet como punto de partida, la exposición abarcará desde los comienzos de la década de 1860 hasta los años 20 -una época de gran cambio social y formidables innovaciones en el campo de las artes- y en ella podrán verse obras de artistas impresionistas, postimpresionistas y vanguardistas de principios del siglo XX. La Tate Modern dedicará su gran exposición de verano a Georgia O’Keeffe (6 de julio hasta el 30 de octubre) y en la National Gallery, a finales de febrero llegará Eugène Delacroix y su influencia en el arte moderno. La British Library comenzará la temporada celebrando el 400 aniversario de la muerte de Cervantes con una gran exposición sobre la representación gráfica de El Quijote a lo largo de los siglos. Muestra joyas de su patrimonio, incluidas la primera edición en castellano publicada en Gran Bretaña en 1738 y dos ediciones ilustradas por Dalí. En Nueva York, el Guggenheim, anuncia la primera retrospectiva centrada en László Moholy-Nagy. El MoMA dedica una exposición a una de las estrellas de su colección: Jackson Pollock.


elpais.com
 




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Dieciocho millones y dos ‘fra angélicos’: ¿una ganga?

El Prado compra ‘La Virgen de la Granada’ a los Alba, que ceden otra obra del pintor



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'La Virgen de la Granada', de Fra Angélico, que se incorporará a las colecciones del Prado. / EL PAÍS

El cuadro La virgen de la Granada, una de las obras más importantes de Fra Angelico (Vicchio di Mugello, Florencia, 1395-Roma, 1455) y la joya más preciada de la colección de la Casa de Alba, pasará a formar parte de los fondos del Prado a cambio de 18 millones de euros, según confirmó ayer José Pedro Pérez-Llorca, presidente del Patronato del Museo del Prado, quien tildó la compra de "una gran operación a un precio mejor que bueno".

La adquisición incluye una segunda obra del pintor florentino, una tabla de predela que hasta ahora figuraba como de autor desconocido y que los expertos de la pinacoteca madrileña y de otros centros internacionales como el Museo de Filadelfia han certificado también como obra salida del pincel del propio Fra Angelico. Ambas pinturas permanecían en manos de los Alba desde 1817, fecha en la que fueron adquiridas en Florencia por Carlos Miguel Fitz James-Stuart, duque de Alba. Son las únicas conocidas del artista florentino que existían en España dentro de una colección privada. El Prado ya cuenta en su colección con La Anunciación, y el Thyssen con La Virgen de la humildad. La información fue adelantada ayer por el diario La Razón.

Pérez Llorca detalla que los 18 millones serán pagados conjuntamente por el propio museo, la Fundación Amigos del Museo del Prado y una provisión extraordinaria de fondos del Estado. Aunque declinó hacer una estimación precisa de cuál podría ser el valor de las obras en el mercado, el presidente del patronato asegura que lo que se va a pagar está "muy por debajo de su valor en el mercado. Es difícil saber cuánto podría alcanzar, al no haber ninguna otra obra de Fra Angelico en manos privadas y por tanto en venta. Según el director de un prestigioso museo internacional que prefiero no mencionar, el coste en el mercado libre podría multiplicarse hasta por ocho o nueve". "Es una muy buena operación para El Prado", remachó Pérez-Llorca.


Tasación

El presidente del Patronato del museo añadió que la única referencia que permite hacerse una idea de que la cantidad ofrecida por el Prado y aceptada por la Casa de Alba supone un precio de compra muy ventajoso es que La Virgen de la granada fue tasada en unos 40 millones de euros a efectos de seguro cuando se le dio permiso de exportación temporal para su participación en la exposición de obras de la Casa de Alba que se celebró el año pasado en el Meadows Museum de Dallas.

Aunque la Casa de Alba mantiene un silencio total sobre la operación, se sabe que La Virgen de la Granada no ha sido ofrecida a la venta a ningún otro posible comprador. La tela llegó al museo el pasado lunes, mientras que la tabla permanece en el taller de restauración desde antes de las navidades.

La Virgen de la Granada, de 83 por 59 centímetros y obra favorita de la duquesa de Alba, se pudo ver en público por primera vez el pasado año en el CentroCentroCibeles del ayuntamiento de Madrid, dentro de la exposición sobre los tesoros de la Fundación Casa de Alba. Allí se pudo contemplar también el famoso retrato de la Duquesa de Alba vestida de blanco pintada por Goya junto a piezas como los retratos de los sucesivos duques, realizados por maestros como Tiziano, Van Loo, Mengs, Goya y Federico de Madrazo. En septiembre de 2015, la misma exposición hizo su primer gran viaje al extranjero: el Meadows Museum de Dallas. Era su segunda salida del palacio de Liria desde 1817.

Cuando se remate la operación, los dos fra angélicos serán exhibidos en la Galería Central del museo junto a La Anunciación, una de las obras más valoradas en la colección permanente del Prado. Considerada como una de las primeras obras maestras del artista, fue realizada en un momento decisivo para el arte florentino, cuando trabajaban en la ciudad epígonos del gótico internacional como Lorenzo Monaco o Gerardo Starnina; pintores al tanto de las innovaciones nórdicas, Gentile da Fabriano; y artistas revolucionarios como Masaccio o Brunelleschi.

En el catálogo de la exposición de Madrid se describía así La Virgen de la Granada: "La pintura, en perfecto estado de conservación, deja visibles los pliegues y sombras en el paño dorado de honor sostenido por ángeles, que protegen la espalda de la Virgen. El Niño Jesús, sentado sobre las piernas de su madre, está vestido con una túnica roja y juega con la granada que sujeta María con la mano derecha. La escena transcurre mientras la Virgen, vestida con los colores propios de la iconografía religiosa de la época, rojo y azul, mira al espectador. Una magnífica composición que impide desviar la mirada consiguiendo de esta forma transmitir el espíritu más intimo de la escena".

Ayer, los responsables del Museo del Prado no podían disimular la satisfacción por la operación. El miércoles próximo, después de la reunión del Patronato, se sabrán todos los detalles de una operación con la que han conseguido incorporar al museo dos obras por el precio de una de uno de los artistas clave de la historia del Arte.


elpais.com



 

Una buena noticia para el Prado, a pesar de la 'ganga' de dieciocho millones por dos los dos ‘fra angélicos’ de los herederos de la duquesa de Alba.
 




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La obra pertenecía a la Colección de la Casa de Alba



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Fra Angelico. Virgen con el Niño y dos ángeles o Madonna de la granada, hacia 1426

El Real Patronato del Museo del Prado ha aprobado esta misma mañana la adquisición de La Virgen de la Granada, considerada la mejor obra de Fra Angelico y de la pintura florentina de la primera mitad del siglo XV en una colección privada (hasta la fecha).

El Museo desembolsará por ella dieciocho millones de euros a lo largo de los próximos cuatro años, y la compra ha sido posible gracias a un crédito extraordinario de diez millones de euros que le ha ofrecido el Estado, una contribución de la Fundación Amigos del Museo del Prado por importe de cuatro millones y a la aportación de otros cuatro millones por parte del propio Prado.


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Además, también en esta reunión se ha aceptado la propuesta de donación de Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo de otra tabla florentina, una predela con el tema de la muerte de San Antonio Abad atribuida recientemente también a Fra Angelico.


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Fra Angelico. Funeral de San Antonio abad, hacia 1426-1430

Con la compra de estas dos nuevas obras del pintor, el Prado se convierte en un centro de referencia internacional para el estudio de la obra del genio florentino, representado hasta ahora en sus fondos por la Anunciación.


ASÍ ES LA VIRGEN DE LA GRANADA


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La Madonna de la granada, que se conserva en buen estado y podrá verse en el Museo desde el 26 de enero, se pintó en una etapa fundamental de la historia del arte europeo: la Florencia de principios del siglo XV. Era hasta hoy una de las poquísimas obras maestras del período en manos privadas, pues las pinturas fundamentales de Masaccio, Massolino y Fra Angelico pertenecen a los grandes museos europeos y americanos.

La obra se fecha a continuación de La Anunciación del Prado y recuerda en muchos aspectos al altar de Sant’Anna Metterza de Masaccio para San Ambrosio (1423-24). Forma parte de una serie de Vírgenes con Niño que Fra Angelico pintó en la década de 1420 y que delatan su dominio paulatino de la anatomía, la luz y el espacio, (lo vemos también en la Virgen de la humildad del Museo Thyssen-Bornemisza).

El cuadro toma su título del fruto que sostiene la Virgen con el que llama la atención de su hijo, que la toca. La granada tiene así un doble significado: en manos de la Virgen alude a su castidad; al tocarla el Niño, prefigura su muerte y su resurrección.

Este motivo iconográfico fue muy habitual en la Florencia del siglo XV, y lo cultivaron por ejemplo Sandro Botticelli o Leonardo da Vinci. No sabemos para quién se pintó, pero sí que se trató de un encargo excepcional dada la calidad de los materiales utilizados.

En nuestro país se encuentran dos de los primeros Fra Angelico que abandonaron Italia: el Museo del Prado cuenta con La Anunciación, que en 1611 Mario Farnese regaló al duque de Lerma, y la colección Alba disponía hasta ahora de la propia Madonna de la granada, adquirida en Florencia en 1817 por Carlos Miguel Fitz-James Stuart y Silva, XIV duque de Alba de Tormes, que vivió entre los siglos XVIII y XIX.

Posiblemente la Anunciación llegara a España no porque se apreciara a su autor sino por su asociación a la Annunziata, una devoción en auge en el s XVII, pero la Madonna de la granada es un ejemplo precoz de interés por Fra Angelico en Europa, en el que fue determinante el avanzado gusto artístico del aristócrata y su relación con artistas como Ingres. Hasta el 27 de marzo podemos visitar, por cierto, la muestra del francés en el Prado.


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Virgen con el Niño y dos ángeles o Madonna de la granada y Funeral de San Antonio abad de Fra Angélico. Foto © Museo Nacional del Prado



Fuente: masdearte.com / museodelprado.es
 




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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
El oro de Fra Angelico multiplica la luz del claustro del Prado


El Patronato aprueba la compra de 'La virgen de la granada' al duque de Alba por 18 millones

Se pagarán en cuatro años entre el Estado, el museo y su Fundación de Amigos




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Ver vídeo de la presentación

Envuelta en oro y vestida de azul y rojo, La virgen de la Granada pintada por Fra Angelico hacia 1426 parecía multiplicar esta mañana la luz que baña el claustro de los Jerónimos del Museo del Prado. Junto a ella, la tabla atribuida al artista florentino inspirada en la muerte de San Antonio Abad. La exhibición de ambas obras en el espacio de honor que el Prado guarda para los grandes actos protocolarios se debía a que el Patronato del museo acababa de aprobar la adquisición de la obra por 18 millones de euros pagaderos en cuatro años, sin intereses (10 el Estado, 4 el museo y 4 su Asociación de Amigos) al duque de Alba, Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo. Por las ventajosas condiciones del acuerdo y por la donación de la tabla de San Santonio Abad, el jefe de la Casa de Alba ha sido nombrado patrono de honor. Las dos obras pasarán a formar parte de la colección permanente a partir del próximo martes, 26 de enero. Se mostrarán en la galería central frente a La Anunciación, la otra obra del artista italiano propiedad del museo, de manera que, en palabras del director, Miguel Zugaza, el Prado se convierte en un punto de referencia para quienes quieran contemplar y estudiar la creación del gran maestro del Quattrocento italiano. Uno de los miembros del Patronato, Philippe de Montebello, 31 años director del Metropolitan de Nueva York, resumía así la operación: “Es el sueño de cualquier museo. Una obra soberbia por una cantidad asumible”.

José Pedro Pérez-Llorca, presidente del patronato, fascinado por el colorido y la luz de la obra, aseguró que La virgen de la granada, la que fuera la obra favorita de la última duquesa de Alba, se ha comprado en unas condiciones muy ventajosas para el museo. “Carlos Fitz-James Stuart nos ha hecho un precio de mecenas. Con esta operación, la Casa de Alba vuelve a entroncar con los orígenes del museo”. Recordó Pérez-Llorca que el primer presidente del Real Patronato del Museo fue Jacobo Fitz-James Stuart y Falcó (Madrid, 1878-Lausana, 1953), XVII duque de Alba. Nombrado vocal del Real Patronato del Museo en 1912, conservó el cargo de presidente hasta su disolución en 1936. En 1939, al constituirse de nuevo el Patronato tras la Guerra Civil, fue nombrado otra vez vocal. Suyo fue el proyecto de crear una Sociedad de Amigos del Museo del Prado.

Miguel Zugaza calificó de “pacto entre caballeros” el acuerdo con los Alba. "Aceptó desde el primer momento la oferta y las condiciones del Ministerio. Además, nos regala la tabla de San Antonio Abad. Nadie puede decir que esta haya sido una operación de mercado porque todos hemos remado en una misma dirección. Pérez-Llorca, con un inédito talento, se empeñó en una operación que ha dado un resultado extraordinario”.

Para poner la obra en valor, intervino Miguel Falomir, director adjunto del museo y jefe de departamento de Pintura Italiana del Renacimiento. Explicó que La virgen de la granada es una obra extraordinaria pintada en uno de los momentos decisivos de la historia del arte europeo: la Florencia de principios del siglo XV, por uno de sus actores principales: Guido di Pietro (Mugello, 1390-Roma, 1455), más conocido como Beato Angelico o Fra Angelico. Además, se trata de una de las poquísimas obras maestras del período en manos privadas, pues desde que la pintura del Quattrocento italiano empezó a suscitar el interés de críticos y aficionados a principios del siglo XIX, se convirtió en codiciado objeto de deseo de museos y coleccionistas. A día de hoy, las realizaciones más sobresalientes de Masaccio, Massolino y Fra Angelico pertenecen a los grandes museos europeos y americanos. Estas circunstancias, añadidas a su buen estado de conservación, otorgan a La virgen de la Granada una importancia excepcional.

Después de asegurar que es una de las pinturas más importantes y mejor conservada de Fra Angelico gracias a que a lo largo de su vida ha permanecido solo en dos colecciones (con los Alba y para la desconocida persona o entidad que lo encargó), aseguró que recoge, como pocas, la esencia del arte de Fra Angelico: la luz y el colorido: oro abundante, lapislázuli en el manto de la Virgen y bermellón en el vestido. El fondo de oro está plagado de minúsculos detalles que recuerdan la formación miniaturista del artista y, toda la pieza, recoge la simbología religiosa de la época.

Sobre la tabla donada por los Alba, Miguel Falomir contó que llegó antes de Navidad bastante deteriorada al taller de restauración del museo. Había sufrido golpes en los personales que ocupan la parte de la derecha. Temple pintado sobre madera de chopo, había sido atribuida al círculo de Fra Angelico. Parte de una predela (parte inferior de un retablo) de un altar dedicado a San Antonio Abad, el museo considera que se puede fechar en 1420 y atribuirla a la mano de Fra Angélico.

El ministro de Cultura en funciones, Íñigo Méndez de Vigo, cerró el acto agradeciendo que este tripartido (Estado, Museo y Asociación de Amigos) ha “trabajado muy bien para enriquecer la colección del Prado. No es un gasto, sino una inversión que beneficiará a todos los españoles”.

Por parte de la familia Alba no asistió ningún representante. Se espera que Carlos Fitz-James Stuart asista el martes a la presentación de la obra ya instalada en la colección y en calidad de patrono de honor.


elpais.com
 




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LLEGAN AL PRADO DOS OBRAS SIMBÓLICAS DE FRA ANGELICO



Un par simpar


El museo cierra la compra de ‘Madonna de la Granada’ y ‘Funeral de San Antonio Abad’



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Funeral de san Antonio de Abad y Madonna de la granada, ambas obras de Fra Angélico en el Museo del Prado.

Como una feliz casualidad hay que tratar el que un par de obras de Fra Angelico ingresen en la colección del Museo del Prado, cuando este exhibe todavía, en su soberbia muestra temporal dedicada a Ingres, el retrato La marquesa de Ariza y su hija (h. 1819), respectivamente la madre y la hermanastra de Carlos Miguel Fitz-James Stuart (1794-1835), décimo cuarto duque de Alba, que no solo fue comitente del pintor francés, sino quien adquirió en Florencia, en 1817, la Madonna de la Granada (h.1426) y el Funeral de San Antonio Abad (h.1426-30), acreditando con ello ser un mecenas del arte cuando en nuestro país entonces apenas si existía por consunción esta figura de protector de las artes. Pero, al margen de este rarísimo personaje en la España de nuestra época, cuya generosidad ahora ha sido corroborada por su actual descendiente, el décimo noveno duque de Alba, al acordar la entrega de estas dos obras del genial pintor florentino al Prado, no es fácil ponderar la extraordinaria importancia que tiene este legado para nuestro principal museo, muy parco en obras del crucial siglo XV italiano. Es cierto que ya poseía una pieza capital de Fra Angelico, el retablo La Anunciación (h.1425-28), pero este único testimonio se enriquece sustancialmente ahora con las otras dos obras citadas, que además se podría decir que son casi unas “novedades” en el catálogo del pintor, pues la Madonna de la Granada es de muy reciente atribución por parte del especialista estadounidense Laurence Kanter, mientras que la autoría del Funeral de San Antonio Abad ha sido establecida por el propio Prado tras su restauración y riguroso estudio.

De manera que si ya casi hoy es imposible adquirir obras de Fra Angelico en el mercado internacional, la revelación de estos dos cuadros, prácticamente inéditos hasta ahora, aumenta exponencialmente el interés de su presencia en el Museo del Prado. Sin duda, la artísticamente más contundente de ambas es la Madonna de la Granada por su tamaño, empaque y prestancia, pero también porque refleja con mayor claridad la inquietud formalista de este pintor, cuyo arrebatado sentido místico, fraguado en el taller del sienés Lorenzo Mónaco, sensible y elegante heraldo del gótico internacional, no le impidió atisbar el revolucionario calado de su colega Masaccio, gracias al cual templó positivamente su, por otra parte, hermoso ardor visionario. Por lo demás, la granada que porta esta Virgen plantea un interesante debate simbólico, porque este fruto ha tenido muy enjundiosa presencia en las representaciones artísticas religiosas y paganas de diversas civilizaciones, pues suele ser considerado atributo femenino, simultáneamente, en Oriente de la fertilidad y, en el Occidente cristiano, de la castidad, mientras que, en relación con Jesús niño, prefigura la pasión y resurrección.

La excelencia de esta obra tampoco debe apocar la del Funeral de San Antonio Abad, aunque su estado de conservación sea más desigual y apunte a ser la escena principal de un conjunto despiezado. Aun así, su compleja organización compositiva, con el animado coro figurativo que rodea al féretro, y la superposición sucesiva, por detrás de este primer plano tan expresivo, de una somera arquitectura y un paisaje a cielo abierto, resulta impactante.

En suma, ni en el mejor de los sueños nos podríamos imaginar, en efecto, que lo que ha ocurrido sea real. Tampoco que todo ello haya sido posible por la generosa actitud negociadora del actual duque de Alba, el esfuerzo del Museo del Prado, el apoyo del Gobierno y, por si fuera poco, la participación entusiasta de nuestra sociedad civil, representada en este caso por la Fundación Amigos del Museo del Prado. A todos ellos hay que darles las gracias por esta admirable aportación sin parangón.


Por Francisco Calvo Serraller / elpais.com




 

Gran noticia para los amantes del arte, y especialmente para la Fundación de Amigos del Museo del Prado entre los que me honro pertenecer.
 




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El Prado ya exhibe 'La Virgen de la granada'


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A la derecha Soraya Sáenz de Santamaría, Cristóbal Montoro y , Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo ante 'La virgen de la granada' de Fra Angelico.

Un acuerdo de 18 millones de euros trae a laVirgen de la granada de Fra Angelico al Museo del Prado. La operación, que se cerró con la Casa de Alba el pasado miércoles, incluye la donación de un panel de la pedrela sobre la muerte de San Antonio abad que hasta hace poco tiempo no se consideraba del pintor, sino de su círculo más cercano. Un trato que pone en poder de la entidad la única obra del artista que aún permanecía en manos privadas.

"La adquisición de la Virgen de la granada supone una incorporación extraordinaria. Es una auténtica obra maestra de la temprana pintura florentina del siglo XV ", aseguran desde el museo. Con el fruto como centro, que representa la castidad y anuncia la muerte y resurrección de Jesús, este cuadro pertenece a la serie de Vírgenes con Niño que Fra Angelico pintó en la década de 1420. "Todas ellas muestran la evolución del pintor en los distintos campos, como el de la anatomía, el de la luz o el del espacio".

"No sabemos para quien fue pintaba, pero el coste de los materiales nos hace pensar en un encargo excepcional. No sólo destaca la abundancia de oro, también el lapislázuli. Creemos que está destinada a convertirse en uno de los iconos del museo". Además, a diferencia de Funeral de San Antonio abad, esta obra está en perfecto estado de conservación. "La escena, que pertenece al retablo dedicado a la vida del monje fundador del movimiento eremítico, estaba mejor preservada en su parte derecha, ya que en el lado izquierdo debió de recibir un golpe durante la Guerra Civil. Aunque su reciente restauración, por Rafael Alonso, le ha devuelto sus cualidades originales", aseguran.

Así, ya integradas en la colección del museo, las dos obras han sido presentadas en el Prado de la mano de la vicepresidente en funciones del Gobierno, Soraya Sáenz de Santamaría, Cristóbal Montoro e Iñigo Méndez de Vigo, los ministros de Hacienda y de Educación, Carlos Fitz-James Stuart, duque de Alba, y Miguel Zugaza, director del museo.

Ambas, que fueron adquiridas por el 14º Duque de Alba en 1817 en Florencia, se unen así a La Anunciación, la única obra de Fra Angelico en el Prado. "Estas incorporaciones son extraordinarias. El museo, aunque con una amplia colección, presenta dos lagunas, una de ellas de obras de pintura italiana anteriores a 1500".


elmundo.es
 




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El Proyecto El Bosco quita la autoría de dos obras más del Prado

Los expertos holandeses creen que 'Las tentaciones de San Antonio Abad' no es del maestro



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El estudio presentado este lunes ha quitado la autoría de El Bosco a 'Las tentaciones de San Antonio Abad' (1490), obra del Museo del Prado.

El Proyecto internacional de Conservación e Investigación más ambicioso dedicado hasta la fecha a la obra de El Bosco, ha cerrado seis años de trabajo en plena forma en Den Bosch, la ciudad natal del pintor holandés. Según los expertos, Las tentaciones de San Antonio, una tabla que no se había expuesto nunca al público por considerarse de un alumno o seguidor, puede atribuirse al maestro. Propiedad del Museo de Arte Nelson-Atkins, de Kansas (Misuri, Estados Unidos), y fechada hacia 1500-10, ha permanecido almacenada desde 1930. Por el contrario, el Proyecto ha llegado a la conclusión de que otros dos cuadros expuestos en España pertenecen en realidad a sus seguidores. Se trata de Las tentaciones de San Antonio Abad y La extracción de la piedra de la locura, del Museo del Prado. El pasado noviembre, ya dijo lo mismo de Mesa de los pecados capitales, propiedad asimismo de la pinacoteca. Sus responsables no están de acuerdo y presentarán los resultados de sus análisis en mayo. En cuando a los dibujos, que los estudiosos consideran excepcionales, los auténticos han pasado de 11 a 20. Una cifra nada despreciable teniendo en cuenta que la producción total del artista no supera las 45 piezas.


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'La tentación de San Antonio', un cuadro que se conserva en el Museo de arte Nelson-Atkins de Kansas City, en Estados Unidos, hasta ahora se atribuía a un artista del entorno del maestro. Es estudio ha confirmado su autoría.

El Proyecto nació al amparo del 500 aniversario de la muerte del pintor, que será recordado con dos grandes exposiciones: a partir del 13 de febrero en el museo Noordbrabants, y desde mayo de 2016 en El Prado mismo. El esfuerzo de catalogación de la obra completa incluye un núcleo duro, es decir, las piezas que son suyas, y otros tres apartados dedicados a su taller, seguidores, y taller o alumnos. Entre las 21 que no se discuten hay cinco en España: San Juan Bautista, La adoración de los Magos, Cristo con la Cruz a cuestas (El Escorial), El Carro de Heno y el Jardín de las Delicias (El Prado). De entre las siete asignadas a sus seguidores figuran Cristo coronado de espinas (El Escorial), Prendimiento, coronación de espinas y flagelación de Cristo (Valencia) y Las tentaciones de San Antonio Abad (El Prado). Del taller o de sus alumnos son Extracción de la piedra de la locura y Mesa de los pecados capitales (El Prado).


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Otra obra a la que le han quitado la atribución a El Bosco es 'Cristo coronado de espinas', que está en las salas capitulares del monasterio de San Lorenzo de El Escorial, dependiente de Patrimonio Nacional. Los investigadores aseguran que fue realizada por seguidores del maestro.

Jos Koldeweij, catedrático de Historia del Arte y jefe del apartado académico del Proyecto, ha subrayado que con todos los museos han actuado igual. “Primero, pidiendo permiso para ver las tablas explicando nuestro propósito. Luego, investigando a fondo, y al final, remitiendo a sus responsables un informe. El Escorial fue uno de los últimos, y la información estaba lista hacia septiembre. Al Prado fuimos antes”. De Cristo coronado de espinas, una obra que cuelga desde hace ocho años en las salas capitulares del monasterio de El Escorial, Patrimonio Nacional, su propietario, recuerda que el cambio de autoría figura en la cartela desde el año 2000, después del Congreso internacional celebrado en El Prado sobre el pintor. Lo mismo ocurre con Prendimiento, coronación de espinas y flagelación de Cristo, que pertenece al Tríptico de la Pasión, del Museo de Bellas Artes de Valencia. Aunque este último sí tiene firma, cosa que El Bosco apenas hacía, lo mismo que fechar, se atribuía ya a sus discípulos. El Proyecto confirma ambos casos. Con las tres obras de El Prado, las opiniones difieren en ambos países. Tanto Koldeweij como su colega Matthijs Ilsink, coordinador de trabajo pluridisciplinar, siguen “sin encontrar argumentos para asignarlos al artista”.


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Al 'Cristo con la cruz a cuestas' del Museo de Bellas Artes de Gante también le quitaron la autoría. “Lo más probable es que se deban a sus seguidores y por tanto no se le pueden adjudicar”, afirmó el historiador del arte Matthijs Ilsink, coordinador del Proyecto.

Más allá del sentido de los monstruos, figuras deformes y visiones religiosas y escenas paganas del maestro holandés, los expertos han mirado las obras con luz natural -el ojo del experto como espectador aventajado-. La datación de la madera utilizada (dendrocronología) es luego esencial para fijar el periodo en que fue pintada. La fotografía infrarroja, la reflectografía infrarroja y la macrofotografía de ultra resolución digital, han servido a su vez “para estandarizar la producción completa y comparar el estilo, detalles y pinceladas de El Bosco” hasta las capas más profundas de pintura. El microscopio aparece en la última fase. “A veces dibujaba detalles con pintura y ahora podemos compararlos a lo largo de toda su obra. Además, hemos relacionado por primera vez dibujos y cuadros y visto que son similares en su ejecución”, sigue Koldeweij. En la tabla de Kansas, el grado de detalle facilitado por la tecnología ha servido para comprobar que “los dibujos que están debajo casan con otros ejecutados en paneles incontestables de su producción”. El Bosco trabajaba con distintos colores con la pintura todavía húmeda para conseguir el efecto de trazo perfecto final.


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La ‘Mesa de los pecados capitales’, en el Museo del Prado salió del taller de El Bosco pero no de sus pinceles, segun el proyecto de investigación holandés. El museo madrileño refuta esa teoría.

Para llegar a la conclusión de que unas obras son auténticas y otras de su entorno, todas las fotografía tomadas han sido reunidas en un programa especial de software diseñado por Robert G. Erdmann, matemático e ingeniero informático. Las ha dispuesto en capas que pueden superponerse para comprobar los cambios y la pincelada. Pensado como un viaje a través del universo del maestro, puede pulsarse un detalle, por ejemplo, una mano, y ver todas las que pintó. Colgado en Internet invita a lo que Koldeweij llama “mirar, comparar, pensar y volver a mirar, porque El Bosco sigue siendo misterioso”.


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Tanta importancia como las pinturas tienen los dibujos, este del 'Paisaje del Infierno' ha sido atribuido al pintor por los expertos que han llevado a cabo el estudio holandés.

Tras el dictamen de El Proyecto El Bosco sobre Cristo coronado de espinas, que se encuentra en las salas capitulares del monasterio de El Escorial, Patrimonio Nacional recuerda que este cuadro ya estaba atribuido al taller de El Bosco, tal como figura en la cartela de la tabla. El cambio de atribución, hace ocho años, se acordó tras el Congreso internacional que en 2000 se celebró en el Museo del Prado sobre la obra de El Bosco. No obstante, Patrimonio ha declinado opinar sobre las conclusiones de los miembros del Proyecto internacional de Conservación e Investigación sobre dos obras de El Prado y ha asegurado que han mantenido una colaboración fluida con los miembros de dicha comisión, con intercambio de documentos y visitas de los expertos a El Escorial. Patrimonio concluye que está a la espera de conocer al detalle el informe definitivo, informa  Ángeles García.

Para los historiadores del arte, es “la gran firma del otro Siglo de Oro holandés”. En realidad, protagoniza casi en solitario una época de esplendor artístico centrada en una ciudad todavía pequeña que carecía de fondos para reunir suficientes piezas de categoría para una celebración de este calibre. Por eso se ofreció a restaurar e investigar la producción del Bosco a cambio de cesiones que han hecho posible la empresa misma.


elpais.com
 




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El Prado rechaza el estudio que niega la autoría de dos de sus ‘boscos’


La pinacoteca "disiente" de la Fundación del flamenco, que atribuye al taller del artista 'Las tentaciones de San Antonio'



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'La mesa de los pecados capitales', obra de El Bosco en el Museo del Prado.



El Museo del Prado "disiente" y "rechaza" el estudio publicado hoy lunes por la Fundación del Proyecto de Investigación y Conservación de El Bosco en el que se niega la autoría del pintor flamenco en tres de las obras expuestas en la pinacoteca madrileña, Las tentaciones de San Antonio, Extracción de la piedra de locura y la Mesa de los pecados capitales. El pasado noviembre, El Prado rechazó que este grupo de expertos internacionales ya retirase la autoría de la segunda.

Este lunes, con motivo de la conmemoración del V Centenario del fallecimiento del artista, se ha presentado este estudio que atribuye Las tentaciones de San Antonio a "seguidores" del taller del artista. El Bosco pintó varios cuadros con ese título. En la que ha sido cuestionada, se ve al santo, reconocible por la cruz en forma de T de su manto, llenando un cántaro con agua en un río. En el cuadro, el santo se ve amenazado por una pequeña criatura escondida debajo de un embudo. Sobre la tercera obra cuestionada, Extracción de la piedra de la locura, el museo español no ha dicho nada.

El estudio anunciado hoy "no aporta ningún dato técnico o material concerniente a las mencionadas obras del Prado que sea incompatible con la autoría del Bosco, y fundamenta sus juicios en apreciaciones estilísticas muy subjetivas", sostiene en un comunicado el museo.

El Prado, "propietario de la mayor colección de obras El Bosco conservadas y pionero en el estudio técnico del pintor", mantiene la autoría de El Bosco de ambas obras. Entre estas, El jardín de las Delicias, los trípticos de La Adoración de los Magos o El carro de heno.

El museo sostiene que expondrá sus argumentos y dará respuesta a lo señalado por la Fundación de El Bosco "por escrito", siguiendo los cauces habituales de la Historia del Arte, en el catálogo de la exposición El Bosco.

Para conmemorar el V centenario de la muerte de El Bosco (Bolduque, Holanda, 1450-1516), "uno de los pintores más admirados del arte occidental", el Prado ha programado para el 31 de mayo la mayor exposición recogida hasta la fecha sobre este genio, una monográfica con 65 obras.


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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
El Prado rechaza prestar a Holanda dos de sus ‘boscos’

El museo cede una de sus mejores tablas, pero niega las piezas que los responsables de la muestra atribuyen a otro artista



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'Las tentaciones de San Antonio Abad' (1490), de El Bosco, en el Prado.

“Cuando el Museo del Prado nos avisó de que no cedería La piedra de la locura y Las tentaciones de San Antonio Abad para la muestra holandesa sobre El Bosco, era ya demasiado tarde para retocar el catálogo. De modo que ambas tablas aparecen entre la lista de las exhibidas, pero no están colgadas”. El museo Noordbrabants, sito en la ciudad holandesa de Den Bosch, explica de esta forma la sonada ausencia de las piezas en lo que supone un nuevo capítulo en el enfrentamiento entre el Proyecto Internacional de Investigación y Conservación El Bosco y la pinacoteca española, que posee la mayor colección de obras del artista flamenco del mundo.

Los expertos del Proyecto han concluido que esas dos pinturas proceden de su taller, o bien las pintó un seguidor, pero no salieron de sus manos. El Prado rechaza de plano tal afirmación. Matthijs Ilsink y Jos Koldeweij, dos de los tres comisarios de la muestra holandesa, inaugurada la pasada semana, son también responsables del citado Proyecto.


No ser desautorizados

Fuentes del Prado explicaron a EL PAÍS que los responsables del Noordbrabants pidieron que se les prestara ambas tablas. “Lo cierto es que teníamos prácticamente tomada la decisión de prestar las obras, aunque aún no habíamos firmado las actas de préstamo, y fue cuando nos enteramos, por un reportaje de la televisión holandesa, de que el comité que investiga las atribuciones de El Bosco había puesto en duda la autoría de esas dos pinturas. Y creímos que, teniendo en cuenta que iban a viajar a Holanda mientras eran puestas en duda, era mejor no prestarlas. Para que nos las desautorizaran allí en mitad de una exposición, preferimos parar el tema aquí”.

Estas fuentes añaden que “lo único importante de todo este asunto” es que la pinacoteca madrileña prestó sin ningún problema para la exposición de Den Bosch El carro de heno, auténtica joya de la muestra y una de la pinturas más importantes del Prado. Los expertos holandeses han puesto en duda también la autoría de una tercera obra de El Bosco de la colección del Prado, La mesa de los siete pecados capitales. El museo español abrirá en mayo su propia exposición con motivo del quinto centenario del fallecimiento del artista flamenco.

Para el Proyecto, sin embargo, La piedra de la locura “salió seguramente de su taller, teniendo en cuenta su estilo y la capa preparatoria de fondo de la tabla”. Añade que “las dudas sobre la autoría del Bosco se remontan al siglo XIX”. En cuanto a Las tentaciones de San Antonio Abad, “está claro que es una imitación libre de una obra del maestro”, dice el catálogo de una de las piezas que no se ha llegado a exponer. “Se desvía de su producción en casi todo: estilo, técnica, efectos de perspectiva y composición”, añade. Pese a estas apreciaciones surgidas de la investigación, el museo holandés siguió solicitando las obras.


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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
V Centenario de la muerte de El Bosco



El Prado confirma que no prestará dos de sus 'boscos' a Holanda

El museo aclara en un comunicado que la negativa a participar en la exposición del Noordbrabants Museum se debe a un incumpliento del contrato por parte de la institución holandesa.


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Una de las obras de El Bosco puesta en cuestión, 'Extracción de la piedra de la locura'.

El Museo Nacional del Prado ha confirmado a través de un comunicado que no prestará al Noordbrabants Museum las dos obras que el museo holandés ha catalogado como no autógrafas de El Bosco, Extracción de la piedra de la locura y Las tentaciones de San Antonio.

Según la pinacoteca española, dicha clasificación contraviene lo estipulado en el contrato de préstamo, que no solo condiciona el modo de exhibición sino también la propiedad de la obra y su autoría.

El Museo del Prado lamenta a través de su comunicado que su "generosidad material y científica" con la exposición holandesa no haya sido reconocida sino que sea "objeto de crítica" y pide que la celebración del V Centenario del Bosco "no quede empañada por estos acontecimientos".


elmundo.es
 




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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Georges de La Tour. 1593-1652. Exposición en el Museo del Prado, del 23 de febrero al 12 de junio.



De La Tour: la resurrección de un fantasma

¿Cómo es posible que un artista tan peculiar y potente cayera en ese asombroso olvido de dos siglos y medio? El Prado revisa su figura



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Georges de La Tour. 'Ciego tocando la zanfonía', de 1620-1630.

Hasta que, en 1915, el historiador del arte alemán Hermann Voss atribuyó dos cuadros a un tal Georges Dumesnil de La Tour, el rastro de este pintor lorenés, nacido en 1593 y muerto en 1652, se había borrado del mapa. Desde entonces se abrió una formidable pesquisa, que aún hoy sigue abierta, para reatribuirle una obra que había sido asignada a otros artistas de su época, principalmente españoles y, a veces, holandeses, pero tuvo que pasar más tiempo hasta que el público aficionado le asignase el fundamental papel singular que hoy se le concede en la historia del arte. Para que esto último tuviera lugar hubo que esperar a la exposición titulada Pintores de la realidad, que se exhibió en la Orangerie de París en 1934, y aún más, porque hasta 1948 no se publicó una monografía completa sobre el pintor, escrita por el investigador francés François-Georges Pariset. Desde entonces y hasta ahora, no han cesado las muestras y monografías sobre De La Tour en los principales museos del mundo, aportando cada una nuevos datos sobre su catálogo y enigmática personalidad, por no hablar de las encendidas polémicas acerca de las causas y características de su peculiar estilo, dentro de ese complejo haz internacional que fue el del realismo de corte caravaggista durante el siglo XVII europeo.

En cualquier caso, la interrogación candente es ¿cómo fue posible caer en este asombroso olvido de dos siglos y medio de un artista tan peculiar y potente? Es cierto que el vaivén de la fama se ha cernido sobre artistas que fueron menospreciados durante largos periodos, pero es muy excepcional que no se tuviese ninguna huella de su existencia. Protegido por el duque de Lorena y el rey francés Luis XIII, hoy tenemos constancia de que Georges de La Tour fue muy estimado por sus compatriotas contemporáneos y, en consonancia, que vivió en el desahogo económico y pudo elevar considerablemente su modesto origen social, el de una estirpe de artesanos de la panadería, pero nada de ello le franqueó la perduración de su memoria. Quizás, aventuran los especialistas, la causa de este ulterior silenciamiento fue debido a la voluntaria reclusión del pintor en el predio familiar de Lunéville, la conflictiva situación del ducado de Lorena o el progresivo cambio de gusto oficial francés en una dirección clasicista, antagónica con su agraz estilo naturalista, que apenas pudo fecundar en el país vecino más allá del primer tercio del siglo XVII.

Pero el misterioso De La Tour, del que apenas sabemos otros datos biográficos que el de su temperamento montaraz y su afición a apalear a algún vecino, no fue un caravaggista más, trufado de algunas notas holandesas tenebristas. La soledad y el silencio con que imaginó sus temas sacros y profanos, su alternancia de una manera “clara” y otra “oscura”, el impactante aura metafísica con que envuelve sus figuras, la sólida contextura lígnea con que resuelve su perfil, los extremos contrastes de tierna belleza y dureza acre de sus personajes, su distante sentido moral mordaz, etcétera, lo convierten en un caso único. Quizás por todo ello hubo que educar nuestra mirada, gracias al cubismo y a la reivindicación del realismo, que alentaron las vanguardias del primer tercio del XX, para que sintiéramos la larvada potencia de sus cuadros. Por lo demás, como les ocurre a los genios artísticos, De La Tour nos inspira hoy tanto desde un punto de vista formal como simbólico, convirtiéndose, por tanto, simultáneamente, en un referente plástico y filosófico. En este sentido, hay quien lo asocia a la mística franciscana y a san Juan de la Cruz, pero también con la percepción ardiente de la nada, que consume nuestra existencia. De él han escrito el tropel más variopinto de grandes autores contemporáneos, como, entre otros, René Char, Pascal Quignard y nuestro José Jiménez Lozano, además de la flor y nata de los historiadores del arte, como Charles Sterling, Jacques Thuillier, Pierre Rosenberg o Philip Conisbee. ¡Qué maravillosa emoción produce, en cualquier caso, la resurrección histórica de un fantasma!, ¡qué vivificante experiencia!


elpais.com
 




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Georges de La Tour. 1593-1652. Exposición en el Museo del Prado, del 23 de febrero al 12 de junio.



Georges de La Tour, en su penumbra

Antonio Muñoz Molina se pasea por las salas de la exposición del Prado y reflexiona sobre la maestría de este genio del XVII




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Exposición de George de La Tour, en el Museo del Prado.

La vida y la obra entera de Georges de La Tour, o lo poco que ha llegado a nosotros de ellas, se abarcan en el tránsito por unas cuantas salas casi en penumbra del Museo del Prado. La penumbra del espacio real se parece a la de los interiores en sus obras de madurez. Las velas que los alumbran dan la impresión de que extienden su claridad hacia nosotros. La pintura de las paredes se corresponde con esos fondos sin asideros anecdóticos que faciliten la sensación de profundidad. Andrés Úbeda, comisario de la exposición, me señala un muro de la última sala en el que hay colgado, en un ejercicio audaz de austeridad, un solo cuadro, uno de los más impresionantes, El recién nacido, del Museo de Rennes. “Queríamos lograr que el espectador no se acuerde luego de cómo es la pintura de la pared, que no lo distraiga nada de la contemplación de la obra”, me dice Úbeda un jueves a última hora de la tarde, cuando todavía hay operarios terminando detalles, añadiendo letreros. El trajín del montaje y las voces murmuradas se pierden en un silencio que emana de la pintura misma y que induce gradualmente a una atención absoluta.

El itinerario va de la juventud a la madurez, de la gestualidad a la contención, de la claridad a la sombra. La economía misma de la exposición resalta el despojamiento de esta pintura, y también la rareza de quien la pintó, y hasta el modo en que su nombre y su talento han ido regresando después de una oscuridad de siglos. Dice Andrés Úbeda que no hay otro caso de un gran pintor que desapareciera tan sin rastro. Caravaggio quedó rezagado en el aprecio de historiadores y críticos, pero nunca dejó de ser visible, “aunque solo fuera para denostarlo”, dice Úbeda. La Tour es un extraño pintor provincial que no parece haber abandonado nunca su tierra de origen, Lorena, una región devastada por matanzas, hambres, epidemias e incendios durante una gran parte de su vida, que coincide con el horror de la guerra de los Treinta Años. Tiene la impronta del naturalismo tenebrista de Caravaggio, pero también hay en él algo muy cercano a la pintura del norte, al interés de Brueghel por las escenas de vida popular y de los pintores holandeses por la recreación de presencias estáticas en interiores cotidianos, sin duda asociada a una religiosidad que por su falta de melodramatismo tiene un aire de introspección protestante.
Visitantes contemplan la obra 'El recién nacido' de De La Tour, en el Prado.
Visitantes contemplan la obra 'El recién nacido' de De La Tour, en el Prado. Javier Lizón EFE

Andrés Úbeda empujó una puerta y me vi sumergido de golpe en la penumbra de la atmósfera real y en la de la pintada. Estábamos empezando por el final. Pero el itinerario ha de seguirse en orden cronológico para que revele plenamente dos maestrías simultáneas: la de la pintura, desde luego, pero también la del montaje de la exposición, más seductor porque está calculado para no llamar la atención sobre sí mismo. Andrés Úbeda me explica, con la satisfacción y el agotamiento de la tarea ya casi cumplida, todas las complicaciones que se han debido superar para que se encuentren juntas aquí obras que proceden de museos y colecciones privadas repartidos por medio mundo. La mayor parte de estos cuadros son familiares para el aficionado. Dos de los mejores, un Tocador de zanfona y un San Jerónimo leyendo, pertenecen a El Prado. Pero el efecto del conjunto es tan poderoso que produce una exaltación feliz con algo de mareo, un lento empaparse de un repertorio de imágenes que se vuelven más intensas a medida que se van haciendo más limitadas en su variedad. En el primer cuadro que encuentra el espectador hay un estallido de violencia y crueldad, de expresiones humanas, de objetos y texturas: dos músicos ambulantes forcejean, uno de ellos sosteniendo una navaja, el otro echándole un chorro de limón en los ojos, sin duda para desenmascarar una falsa ceguera de pícaro. Las expresiones permanecen congeladas en el pavor, la ira o la burla. Una luz sin inflexiones muestra los pormenores más mezquinos de lo real. Parece que escuchamos una carcajada cruel de novela picaresca.

La Tour depura al máximo la iconogafía religiosa

El estilo de La Tour va cambiando, quizás no solo por la evolución interna, sino también por la diferencia entre clientes y encargos. Pero el recorrido tan preciso de la exposición permite advertir lo mismo las modificaciones que las recurrencias de lo que ya estaba en el principio: el ensimismamiento de las figuras y los lazos siempre indirectos que se establecen entre ellas; las variaciones menores pero significativas a partir de modelos establecidos; la relevancia de los gestos de las manos, sean manos ásperas de trabajadores, músicos callejeros o mendigos, o manos muy cuidadas de personas de rango; la atención al pormenor y al mismo tiempo que la economía máxima en los objetos, los rasgos físicos, los colores.

Raro pintor católico, La Tour depura al máximo la iconogafía religiosa, o la modifica con detalles sutiles que no están en ningún otro pintor. En una época en la que el método científico estaba empezando a discernir los procesos de la percepción visual, sobre todo en Holanda, la luz de las velas de Georges de La Tour es un estudio empírico y un símbolo sagrado. Cuanto más atentamente se mira más cosas se van viendo en esa penumbra.



Por Antonio Muñoz Molina / elpais.com
 




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Georges de La Tour. 1593-1652. Exposición en el Museo del Prado, del 23 de febrero al 12 de junio.



El Prado desvela los misterios de Georges de La Tour

El museo inaugura una antológica con 31 obras maestras de las 40 que se conservan del célebre pintor francés



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Mujer espulgándose', de Georges de La Tour.

Todo en Georges de la Tour (Vic-sur-Seille, Francia, 1593 - Lunéville , 1652) parece envuelto en misterio. No se sabe nada su preparación como artista, ni quienes fueron sus clientes. Tampoco está claro el funcionamiento de su taller ni de quienes fueron sus seguidores. Por desconocer, tampoco los expertos se aventuran a asegurar si su obra es religiosa o profana y durante mucho tiempo sus cuadros fueron atribuidos a las escuelas española y holandesa. Caído en el olvido después de conocer el éxito en vida, fue recuperado hace un siglo a partir de un artículo publicado por el historiador Hermann Voss en una revista alemana Archiv für Kunstgeschichte .A partir de ahí, el reconocimiento de su pintura no ha parado hasta convertirlo en uno de los grandes de la historia.

Amado y admirado por los franceses, sigue manteniendo el récord de visitantes: 530.000 en el Grand Palais de París, en 1997. El museo del Prado, propietario de dos espléndidos óleos del artista abre el martes al público una exposición en la que que se muestran nada menos que 31 obras de las 40 que se conservan en todo el mundo. Todas salidas directamente de su mano y todas consideradas como absolutas obras maestras. La exposición permanecerá abierta hasta el 12 de junio.

Comisariada conjuntamente por Andrés Úbeda, jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa del Prado y por Dimitri Salmon, conservador del Museo del Louvre la exposición, patrocinada por Axa, repasa en orden cronológico sus grandes temas y técnica. Con personajes pobres de solemnidad (músicos ciegos, campesinos miserables y apóstoles de aspecto plebeyo) junto a escenas nocturnas de pocos personajes iluminados con la luz de las velas, impregnados de lirismo y soledad.

Miguel Zugaza, director del Prado, define a De La Tour, como un cabo suelto en la historia, el más español entre los pintores franceses. Y cuenta que en el museo se empezó a soñar con esta exposición en 2005, a partir de el hallazgo de San Jerónimo leyendo una carta encontrado de manera casual en el Instituto Cervantes y al que el catedrático y patrono del Prado José Milicua atribuyó la autoría de De La Tour al primer vistazo. El Prado ya contaba desde 1991 con Ciego tocando la zanfonía, procedente del legado de Manuel Villaescusa. La Tour es para Zugaza un descubrimiento del siglo de las vanguardias, el siglo en el que Picasso no desdeñó la corriente realista como se ve en algunos de sus rostros precubistas.

Dimitri Salmon afirmó que Georges de La Tour es el pintor más popular para los franceses. “No digo el mejor. Pero sí que afirmo que es el más querido porque emociona y desconcierta. Todo en él es un misterio que no se agota, un problema que tratamos de resolver desde hace nada menos que un siglo”. Dicho lo cual, Salmon pasó a hablar de las certezas. Se sabe que nació en 1593 en el ducado de Lorena, hijo de un panadero y que en 1616 hizo lo que llama una buena boda con la hija de un platero.

En las actas de la ceremonia se habla de él como pintor, algo sobre lo que hasta entonces no consta en ningún registro. Hacia 1620 se instaló con su familia en Lunéville, donde desarrolló gran parte de su trabajo. “La zona fue devastada por las guerras y él se posicionó junto a los franceses”, explica Salmon y se han podido perder muchas obras. Recuerda que el artista vivió un momento crítico para la historia de la Lorena, ya que acabó con la independencia política del ducado. “Pudo pintar 10 veces más de lo que tenemos localizado, pero no hay nada seguro. Además de las 40 que tenemos constatadas, tenemos registradas otras 30 que pueden ser copias o versiones hechas por otros pintores de su escuela. En Madrid hemos querido reunir lo que es auténticamente suyo, salido de su mano; una tardes complicada porque hay cuadros de 17 países”.

El experto francés añade otra certeza: el mal carácter del artista. Asegura que según consta en los registros, acogía con poco agrado a los recaudadores de impuestos y que en una ocasión les recibió empuñando un arma de fuego.

Andrés Úbeda se ocupó de explicar la exposición. Organizada en orden cronológico, consta de tres ámbitos. En primer lugar, están sus obras más antiguas, retratos de tipos populares que encarnan la miseria, la violencia y el hambre más extremo. La obra que preside este apartado es Comedores de guisantes, un cuadro en el que se recrea la pobreza más descarnada.

En el segundo grupo de obras son sus pinturas más luminosas, muchas de ellas atribuidas en origen a la escuela española. Los personajes son menos duros que en los primeros años y sus acciones más relajadas. Hace series con un mismo tema, nunca copias. Aquí están sus versiones de San Jerónimo penitente, las magdalenas, los tañedores de zanfonía y los tramposos. La obra más conocida de este grupo es La Buenaventura, prestada por el Metropolitan de Nueva York

Por último, se exponen sus escenas nocturnas, también con temas seriados que nunca repite con exactitud, y sus cuadros religiosos de aspecto laico como su interpretación de la maternidad en la que suprime a San José o San Juan Bautista en el desierto, una pintura monocroma cargada de misterio y silencio.


elpais.com
 




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Georges de La Tour. 1593 - 1652

Madrid Museo Nacional del Prado 23.02.2016 - 12.06.2016



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La personalidad artística de Georges de La Tour ha sido descubierta recientemente. Poco se sabe de su primera formación en la ciudad católica de Vic-sur- Seille, en la Lorena francesa, que debió concluir hacia 1610, en torno a los 17 años. La documentación posterior lo muestra como un pintor acomodado en lo económico, desabrido en lo personal y reconocido en lo profesional, alcanzando en el culmen de su carrera el nombramiento de pintor de Luis XIII.

La Tour vivió en un momento crítico para la historia de la Lorena que finalizó con la pérdida de la independencia política del ducado. En estas adversas condiciones concibió una pintura dotada de lirismo sorprendente, sobre todo en… | +


Comisario:
    Andrés Úbeda, jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa, Museo Nacional del Prado, y Dimitri Salmon, Museo del Louvre.



Exposición


Primeros años


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Georges de La Tour. Riña de músicos. Óleo sobre lienzo, 85,7 x 141 cm. Los Ángeles, The J. Paul Getty Museum, 72.PA.28.

A pesar de las dudas sobre la cronología de sus pinturas, no se cuestiona que las más realistas son las primeras en el tiempo, las cuales debieron pintarse en los últimos años de la segunda década del siglo XVII. Fue entonces cuando pobló sus pinturas de personajes sagrados de aspecto tosco, como los que  integran el Apostolado de Albi, del que se pueden ver cuatro ejemplos en la exposición; mendigos harapientos, como los Comedores de guisantes de Berlín, o músicos callejeros miserables y pendencieros, presentes en la Riña de músicos (Los Ángeles). Mención aparte merecen un Viejo y una Vieja de San Francisco, de carácter más refinado, y el Pago del dinero, su primer nocturno conocido.


Réplicas y series



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Georges de La Tour. San Jerónimo penitente. Óleo sobre lienzo, 157 x 100 cm. Grenoble, Musée de Grenoble. Saisie de l ? Etat Inventorié en 1797.

A partir de la tercera década del siglo XVII su técnica evoluciona, con pinceladas más planas y acuareladas y pinturas más luminosas, haciendo que su originalidad y virtuosismo alcancen su máxima expresión en las escenas diurnas. Además, los tipos físicos representados se dulcifican y las acciones que llevan a cabo se serenan y dignifican. Sorprende su obsesiva repetición de tipos, como San Jerónimo penitente (Grenoble y Estocolmo) o los Tramposos (Forth Worth y París), así como las numerosas versiones de tañedores de zanfonía o Magdalenas.

En los dos primeros casos las composiciones son muy parecidas, mientras en que los otros dos, cada cuadro presenta una interpretación original, que retoma en momentos sucesivos de su vida.


Los últimos años



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Georges de La Tour. El recién nacido. Óleo sobre lienzo, 76 x 91 cm. Rennes, Musée des Beaux Arts.



Sin que haya sido posible explicarlo convincentemente, la producción final de La Tour está protagonizada por pinturas nocturnas de carácter religioso. Sus célebres “noches”, de aparente simplicidad, silenciosas y conmovedoras, dan vida a personajes que surgen con magia en espacios sumidos en el silencio, de colorido casi monocromo y formas geometrizadas. La total inexistencia de halos u otros atributos sacros, así como los tipos populares empleados, justifican la lectura laica que a veces se ha hecho de sus nocturnos en obras como La Adoración de los pastores del Louvre o El recién nacido de Rennes.

Al final de su vida aparece como residente en Luneville, respetado por la comunidad y con envidiable posición social y económica.


Georges de La Tour en el Museo del Prado


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Georges de La Tour. Ciego tocando la zanfonía. Óleo sobre lienzo, 86 x 62,5 cm. Museo Nacional del Prado.

Tras la adquisición de Ciego tocando la zanfonía en 1991 con fondos del legado Villaescusa, la presencia de este artista fue inesperadamente reforzada en 2005 con el depósito de San Jerónimo leyendo una carta, una obra inédita descubierta en los fondos del Ministerio de Trabajo por José Milicua, miembro del Real Patronato del Museo del Prado fallecido en 2013 y a quien se dedica esta exposición.

La incorporación de ambas obras, magníficos ejemplos de su producción, a las colecciones del Prado ha convertido a esta institución en una ineludible referencia para el estudio de la obra del maestro francés.


Georges de La Tour


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Georges de La Tour. La Buenaventura. Óleo sobre lienzo, 102 x 123 cm. Nueva York, Lent by The Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund, 1960 (60.30).


Vic-sur-Seille, Lorena, 1593-Lunéville, Lorena, 1652

Pintor francés. Famoso en su tiempo y luego completamente olvidado, no fue redescubierto hasta el siglo XX, en particular por Hermann Voss (1915). A partir de la exposición Pintores de la realidad (1934), La Tour recobró un lugar eminente en la pintura francesa, confirmado por la sonada adquisición, en 1960, de la Echadora de la buenaventura por el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, y por las dos exposiciones monográficas consagradas al artista, en 1972 y en 1997, ambas en París.

En el seno de una familia antigua, relativamente acomodada, de artesanos y propietarios, La Tour nace en un burgo de Lorena. Nada o muy poco se conoce acerca de su juventud y de su formación. Nada se sabe tampoco sobre un posible viaje a Italia, viaje emprendido por otros muchos pintores contemporáneos para completar su formación. En cualquier caso, en 1616 La Tour es ya un pintor formado. Al año siguiente, contrae matrimonio con Diana Le Nerf, nacida en una familia acomodada, y se instala en Lunéville en 1618.

Es considerado burgués de la ciudad en 1620, y lleva la vida propia de un pequeño gentilhombre lorenés. La fama, de la que goza prontamente gracias a las compras del duque de Lorena en 1623-1624, se confirma durante la ocupación del ducado por los franceses. Hace un viaje a París en 1639 y obtiene el título de pintor ordinario del rey. Pinta cada año un cuadro para el gobernador de la Lorena, el mariscal de La Ferté. Otros coleccionistas célebres, como Richelieu, el superintendente de finanzas Claude de Bullion, el arquitecto Le Nôtre e incluso Luis XIII, poseen obras suyas.

El artista muere en 1652, sin duda víctima de una ­epidemia, unos días después de su mujer.

La Tour en números: más de 40 pinturas más o menos unánimemente tenidas por autógrafas y 28 telas y grabados copias de originales perdidos. Esto es, más de 70 composiciones conocidas, de las que sólo cuatro están fechadas y solo 18 firmadas. En La Tour, el cuadro queda restringido a sus datos esenciales, la anécdota es excluida, así como la arquitectura o el paisaje, y hasta los accesorios se reducen a lo más estrictamente necesario: los santos suelen carecer de aureola y los ángeles no tienen alas. Solo dos de sus cuadros llevan fecha inteligible (Las lágrimas de san Pedro, 1645, Cleveland Museum of Art, y La negación de san Pedro, 1650, Musée des Beaux-Arts de Nantes), por lo cual la cronología de su obra sigue siendo muy discutida.

Realizó algunas escenas diurnas y otras nocturnas, que trató de diferente manera. Las primeras se distinguen por su luz fría y clara, por la acuidad de la escritura y la precisión despiadada del retratista registrando, con la punta del pincel, arrugas y harapos. En las escenas nocturnas, casi siempre iluminadas por una vela, los colores son escasos, a menudo limitados a un refinado diálogo de pardos y bermellón, y los volúmenes se reducen a unos cuantos planos simples. Esta economía de medios conducirá en la etapa final de su producción a la realización de pinturas ensimismadas, con una luz que podríamos calificar de metafísica que abstrae cada vez más de la realidad a sus modelos. Ningún gesto, ningún movimiento viene a turbar el recogimiento de los personajes replegados en sí mismos, absortos y reflexivos.



Listado de obras



1. Comedores de guisantes
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 76,2 x 90,8 cm.
Berlín, Gemäldegalerie, Staatliche Museen zu Berlin


2.Niña soplando un brasero
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 67 x 55 cm.
Colección particular


3. San Jerónimo leyendo una carta
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 73,5 x 59,5 cm.
Madrid, Museo Nacional del Prado. Depósito del Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales


4. Ciego tocando la zanfonía
La Tour, Georges de
Óleo sobre lienzo, 86 x 62,5 cm. 1620 - 1630
Madrid, Museo Nacional del Prado


5. Santiago el Menor
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 65 x 54 cm.
Albi, Musée Toulouse-Lautrec


6. Tañedor de zanfonía con un perro
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 186 x 120 cm.
Bergues, Musée du Mont-de-piète-Ville de Bergues


7. Niño soplando una lámpara
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 61 x 51 cm.
Dijon, Musée des beaux-arts de Dijon (Donation Granville)


8. Job y su mujer
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 145 x 99 cm.
Épinal, Musée départemental d'art ancien et contemporain


9. San Jerónimo penitente
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 157 x 100 cm.
Grenoble, Musée de Grenoble. Saisie de l'Etat Inventorié en 1797


10. Mujer espulgándose
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 120 x 90 cm.
Nancy, Collection Palais des ducs de Lorraine – Musée Lorrain


11. Tañedor de zanfonía con una mosca
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 162 x 105 cm.
Nantes, Musée des Beaux-Arts de Nantes


12. Aparición del ángel a san José
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 93 x 81 cm.
Nantes, Musée des Beaux-Arts de Nantes


13. El tramposo del as de diamantes
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 106 x 146 cm.
París, Musée du Louvre, Département des Peintures. Acquis en 1972


14. San José carpintero
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 137 x 102 cm.
París, Musée du Louvre, Département des Peintures. Donation Percy Moore Turner, 1948


15. La Adoración de los pastores
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 107 x 131 cm.
París, Musée du Louvre, Département des Peintures. Acquis en 1926


16. El recién nacido
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 76 x 91 cm.
Rennes, Musée des beaux-arts de Rennes


17. San Juan Bautista en el desierto
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 81 x 101 cm.
Moselle, Musée départemental Georges de la Tour


18. San Jerónimo leyendo
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 62 x 55 cm.
Lent by her Majesty Queen Elizabeth II


19. San Jerónimo penitente
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 152 x 109 cm.
Estocolmo, Nationalmuseum


20. San Andrés
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 60,5 x 47,5 cm.
Colección privada


21. El pago del dinero
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 99 x 152 cm.
Lviv National Art Gallery named after B.G. Voznytskyi


22. Las lágrimas de san Pedro, también llamado San Pedro arrepentido
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 114 x 95 cm.
Cleveland, The Cleveland Museum of Art, Gift of the Hanna Fund, 1951.454


23. El tramposo del as de tréboles
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 97,8 x 156,2 cm.
Fort Worth, Kimbell Art Museum


24. Riña de músicos
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 85,7 x 141 cm.
Los Ángeles, The J. Paul Getty Museum


25. La Magdalena penitente
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 117 x 91,76 cm.
Los Ángeles, Los Angeles County Museum of Art, Gift of The Ahmanson Foundation


26. San Felipe
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 63 x 53 cm.
Norfolk, Chrysler Museum of Art


27. La buenaventura
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 102 x 123 cm.
Nueva York, Lent by The Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund, 1960 (60.30)


28. Santiago el Mayor
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 65 x 52 cm.
Mark Fisch


29. Una vieja
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 91,4 x 60 cm.
Fine Arts Museums of San Francisco. Roscoe and Margaret Oakes Collection


30. Un viejo
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 91,1 x 60,3 cm.
Fine Arts Museums of San Francisco. Roscoe and Margaret Oakes Collection


31. La Magdalena penitente del espejo
Georges de La Tour
Óleo sobre lienzo, 113 x 92,7 cm.
Washington, National Gallery of Art. Alisa Mellon Bruce Fund.


Más info...  Web del Museo del Prado
 




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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Las dos vidas de Georges de La Tour

El Museo del Prado presenta una muestra sobre el olvidado pintor francés en la recoge casi la totalidad de su obra.


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'La aparición del ángel a San José', de Georges de La Tour.

Se esfumó durante más de tres siglos, desapareció como el que no ha estado nunca, sin dejar ni un sólo resquicio. Le olvidamos, más bien, dando su página de la Historia a Velázquez o a Zurbarán. Le despojamos de notoriedad y de reconocimiento, lo desconocimos profundamente. El nombre de Georges de La Tour nació más de 300 años después de su muerte, se le nombró en un artículo en el que hablaban del talento insultante de un pintor francés del siglo XVII. Resucitó en aquella página pero tardó 30 años más en ocupar el puesto que le correspondía. Fue en Pintores de la realidad, que se exhibió en la Orangerie de París en 1934 cuando el mundo le encumbró, cuando todos quisieron exhibir un La Tour.

Le ocurrió la excepción, ya que todo el éxito con el que vivió, con sus cuadros en las paredes del palacio de Luis XIII o dentro de la colección de Richelieu, se sepultó tras su muerte. Le enterraron a él y a su nombre, y cayó en el más profundo de los nichos. Ahora, el Museo del Prado le dedica una gran exposición, no por tamaño, sino por porcentaje, el 75% de su obra se encuentra en Georges de La Tour 1593 -1652, que se puede visitar hasta el 12 de junio.

"No entendemos qué ocurrió para que no se supiese nada de él. Ahora tampoco conocemos los primeros años de su vida, ni dónde vivió ni dónde se formó. Carecemos de información sobre el proceder de su arte", asegura Dimitri Salmon, conservador del Museo del Louvre y uno de los comisarios de esta muestra. "Aquí se encuentran 31 de las 40 obras que han sido identificadas. Durante la guerra, cuando Lorena perdió su ducado, se quemaron muchísimos de sus cuadros. Creemos que su trabajo fue mucho más amplio pero que desapareció en aquella época", comenta Andrés Úbeda, el otro comisario y jefe de conservación de pintura italiana y francesa del Museo del Prado.

No hay mucha documentación sobre la vida de de La Tour. Aunque se sabe que fue un pintor acomodado, reservado y con un carácter muy fuerte. "Amenazó con una pistola a un funcionario que venía a pedirle que pagase los impuestos. Pero, pese a su posición y estas anécdotas, vemos a otra persona en su obra. Sus primeros trabajos eran sobre personajes hambrientos. Esto se puede observar perfectamente en Comedores de guisantes, donde representa una pobreza descarnada. Por eso el artista en sí llama tanto la atención", explican Úbeda. Además, en su obra, el contexto queda excluido. No hay naturaleza, no hay arquitectura, no hay más fondo que el color. "Ni una triste ventana, ni aureolas en los santos ni alas en los ángeles", añade.

Así, sus escenas se dividen por la luminosidad, su trabajo tiene dos caras: una clara y otra oscura. "Representa la noche, normalmente, con una vela y con escasos colores; mientras que las escenas diurnas se distinguen por su luz fría y clara". En todas, tonalidades contadas, volúmenes simples y una precisión absoluta en los rostros y las vestimentas. Como describe Úbeda, una mezcla entre el realismo y la espiritualidad. Formas inmensas que nos llenan de silencio, nos dejan solos.

"En Francia, ahora mismo, es un pintor de la talla de Monet. No me atreveré a decir que el mejor, pero si de los más queridos por los franceses", asegura Salmon. El Prado ya vio esa genialidad en el lorenés y adquirió, durante las últimos décadas, dos de sus obras. "Respecto a Georges de La Tour somos una referencia", añade Úbeda, sobre Ciego tocando la zamfonía, cuya adquisición se realizó en 1991, y San Jerónimo leyendo una carta, que se sumó en 2005. "Para poder realizar esta exposición, en la que no se encuentra ninguna obra totalmente certificada, hemos tenido que ponernos en contacto con 26 museos de siete países distintos. Todos han accedido pero ha sido un trabajo duro".


elmundo.es
 




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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
Exposición temporal en el Museo del Prado: Del 23 de febrero de 2016 al 12 de junio de 2016

Horario:
De lunes a sábados de 10.00 a 20.00h
Domingos y festivos de 10.00 a 19.00h



VER ESPECIAL QUE DEDICA EL PAÍS A GEORGES DE LA TOUR



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Ver especial de EL PAÍS de la Exposición del Museo del Prado dedicada a Georges de La Tour



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San Jerónimo leyendo una carta. Museo de El Prado (Madrid). Una de las obras de La Tour atribuidas erróneamente a Zurbarán, el artista español con el que más veces se ha confundido con el pintor francés. Fue descubierta en 2005 en el Palacio de la Trinidad de Madrid. Tras su restauración pasó a formar parte de la exposición permanente del Museo de El Prado.


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La buenaventura. Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EEUU). “El más bello cuadro diurno de La Tour y una de las creaciones más admirables de la pintura francesa del siglo XVII” para el experto del Louvre Jean-Pierre Cuzin. Su adquisición por el Met de Nueva York obligó al ministro André Malraux a dar explicaciones en la Asamblea francesa.  


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San Jerónimo penitente. Museo de El Prado (Madrid). Fue atribuido inicialmente a José de Ribera. Es uno de los tres cuadros que menciona el historiador de arte Hermann Voss en el artículo que sirvió para resucitar el nombre de La Tour a principios del siglo XX y considerar su obra “bajo una luz totalmente nueva”.  


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Tañedor de zanfona con perro. Museo del Mont de Pieté (Bergues). Hasta 1935 figuró en el Museo de Bergues como atribuida a José de Ribera. Fue entonces cuando Charles Sterling, tras su visita al museo, propuso atribuirla al taller de Georges de la Tour. Es una de las primeras pinturas del artista.


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El tramposo del as de tréboles. Kimbell Art Museum, Fort Worth (Texas, EEUU). Fue un lienzo muy poco conocido hasta la primera exposición monográfica consagrada a Georges de La Tour en el Museo de la Orangerie en 1972. Existe otra obra gemela, supuestamente posterior, titulada El tramposo del as de diamantes, también presente en la exposición.



elpais.com
 




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Post Re: MUSEO DEL PRADO: Pintores Extranjeros 
 
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Ver especial de EL MUNDO de la Exposición del Museo del Prado dedicada a Georges de La Tour



Un paseo por la realidad del Siglo XVII

De La Tour recoge en sus pinturas la realidad de una época marcada por las guerras y el hambre.


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Fuente: elmundo.es



 

Hoy después de estar en el Thysen, he aprovechado para acercarme al Museo del Prado y volver a ver la exposición temporal de Ingres, que está a punto de expirar, y la nueva de otro francés: Georges de la Tour, este es un pintor con menos obra, se estima que hay 40 obras conocidas, de las cuales el Prado expone 31. Como era de esperar había mucha gente y gran expectación, a pesar del frío madrileño del penúltimo día febrero. Pero ha merecido la pena la visita para profundizar en un pintor que solo conocía por las obras del Prado. una visita recomendable. La exposición temporal estará hasta el 12 de junio de 2016.
 




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