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TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives)
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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La Tate Modern de Londres nombra a Chris Dercon nuevo director


El holandés era hasta ahora el responsable del museo Haus der Kunst en Munich y sustituye al español Vicente Todolí



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El artista polaco Miroslaw Balka ante 'How it is' (Como es), la obra que ha creado para la sala de turbinas de la Tate Modern de Londres. La instalación consiste en un enorme contenedor de acero y forma parte de la serie anual Unilevers. / EFE

El holandés Chris Dercon, hasta ahora máximo responsable del museo Haus der Kunst, de Munich (Alemania), ha sido nombrado director de la Tate Modern de Londres , donde empezará a desempeñar su cargo en la primavera de 2011. Dercon se convierte así en el sucesor del español Vicente Todolí. El valenciano dejó el puesto este verano alegando que necesitaba "una pausa".

En un comunicado difundido hoy, la Tate destacó que Dercon, de 52 años, ha tenido en los últimos 20 años un "destacado papel en el desarrollo y la gestión de importantes instituciones culturales". Ha sido director de programación de la PS1 de Nueva York entre 1988 y 1989, director del Centro de Arte Contemporáneo de Rotterdam entre 1990 y 1995, y director del Museo Boijmans Van Beuningen , de la misma ciudad holandesa, hasta 2003, cuando se trasladó a Múnich.

En el museo Haus der Kunst ("casa del arte") de esta última ciudad, desarrolló un prestigioso programa de exposiciones a cargo de destacados artistas, en paralelo a un programa de artes visuales que incluyó la arquitectura, el diseño, la moda, la fotografía y el cine.

"Estoy encantado de unirme al equipo de la Tate Modern. Transformar la Tate Modern es un desafío increíblemente inspirador que nos da la oportunidad de crear un nuevo tipo de institución artística, preparada para el siglo XXI", manifestó Dercon. "La Tate Modern evoluciona constantemente, casi como si fuera en sí misma arte en movimiento. La Tate Modern es muchas cosas para mucha gente y estoy entusiasmado con la idea de formar parte de ella", añadió Dercon en el comunicado.


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El contenedor de acero mide 13 metros de alto, por 10 de ancho y 30 de longitud y está instalado sobrte vigas, por lo que los visitantes pueden pasar por debajo. / EFE


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última edición por j.luis el Jueves, 17 Julio 2014, 17:48; editado 1 vez 
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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La Tate expone un Picasso que se subastó por el precio más caro alcanzado en una puja




'Desnudo, Hojas verdes y Busto', de Picasso

La obra casi alcanzó los 82 millones de euros en una puja en mayo

El artista malagueño retrató a su amante Marie-Théresè Walter




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El cuadro más caro jamás vendido en una subasta, el denominado 'Desnudo, Hojas verdes y Busto' del genio español Pablo Picasso, se podrá contemplar hoy por primera vez en el Reino Unido.

La obra fue pintada por el artista malagueño en el año 1932, y estará expuesta al público en la galería de arte contemporáneo Tate Modern de Londres, concretamente en una nueva sala dedicada a Picasso.

El lienzo fue vendido en la galería Christie's en Nueva York el pasado mayo por un precio que marcó un récord mundial al alcanzar la cifra de 106,5 millones de dólares (81,9 millones en euros).

"Se trata de un cuadro destacado de Picasso y estoy encantado de que, gracias a la generosidad del prestamista, podamos exponerlo ante el público británico", indicó el director de la Tate, Nicholas Serota, a los medios británicos.

La obra en cuestión es un lienzo de grandes dimensiones (160 x 130 centímetros) en el que Picasso retrató a su amante Marie-Théresè Walter, y en el que también aparece la cabeza con el perfil del propio artista, en un pedestal.

Hasta el momento de su venta, el cuadro formaba parte de la colección americana de Mrs. Sidney F. Rody, una de las más prestigiosas del mundo del arte modernista.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
El Miró más experimentador en la Tate Modern



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'Cabeza de campesino catalán'. Esta obra, de 1924, se incluye en la exposición titulada La escalera de la evasión, nombre de una de sus obras más celebres. La muestra se exhibe desde esta semana la Tate Modern y está coorganizada por la Fundación Joan Miró, de Barcelona. La exposición permanecerá en la ciudad londinense hasta el 11 de septiembre.


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'Bodegón con zapato viejo'. La Tate Modern abre el jueves una exposición sobre Joan Miró (1893-1983). Bodegón con zapato viejo (1937), que pertenece al Museo de Arte Moderno de Nueva York, pertenece a la época más abstracto. En la muestra se podrá ver a un artista sensible con la Guerra Civil que asolaba su país. La muestra recalará en Barcelona.


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Mayo'. En la exposición puede apreciarse la evolución del artista desde sus primeras pinturas, muy vinculadas a su tierra, hasta los grandes trípticos abstractos del periodo final. La muestra incluy la llamada Serie Barcelona y las poéticas Constelaciones.


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'Tela quemada I'. Miró expresó en sus "telas quemadas" de los setenta las revueltas estudiantiles y la agonía del régimen franquista en España. (© Successió Miró/ADAGP, París y DACS, Londres 2011).


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'Una estrella acaricia el pecho de una negra'. TATE MODERN. Esta obra que pintó Miró en plena Guerra Civil, en 1938, es una de las 150 que ha reunido la Tate. La represión tras la revolución en Asturias, de 1934, y la supresión del Estatuto catalán inspiraron al artista barcelonés, fallecido en Palma de Mallorca. (© Successió Miró/ADAGP, París y DACS, Londres 2011).


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'Paisaje catalán (El cazador)'. Este Paisaje catalán es una obra de 1923-4, la primera etapa del artista, muy influido entonces por el fovismo. Miró era un artista complejo que mostraba por un lado claros vínculos con su tierra y, por otro, la despreciaba. Prefiero morir de hambre en París que ahogarme en la atmósfera provinciana de Barcelona, llegó a decir Miró. (© Successió Miró/ADAGP, París y DACS, Londres 2011).


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'La escalera de la evasión'. La escalera de la evasión es el nombre de la exposición y el de una de sus obras más célebres, realizada en 1940. Se encuentra en el MoMA de Nueva York. (© Successió Miró/ADAGP, París y DACS, Londres 2011). Miró se exilió a Francia pero volvió en 1940 ante el avance nazi. Desde entonces vivió el exilio interior en Mallorca hasta la muerte de Franco, en 1975.


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'Fuegos artificiales'. Tríptico de 1974, que se encuentra actualmente en la Fundació Joan Miró, en Barcelona, y que el artista compuso ya octogenario. (© Successió Miró/ADAGP, París y DACS, Londres 2011).


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'La esperanza de un condenado'. FUNDACIÓN MIRÓ. Otro tríptico, en este caso La esperanza de un condenado, del año 1974, en homenaje al anarquista catalán Salvador Puig Antich, ejecutado por el método del garrote vil a finales del franquismo. Pese al tema tan dramático, la obra transmite serenidad. (© Successió Miró/ADAGP, París y DACS, Londres 2011).


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'Azul I-II-III'. TATE MODERN. Este es uno de los trípticos que compuso Miró en los sesenta, una labor que pudo desarrollar gracias al estudio que le construyó en Palma de Mallorca el arquitecto Josep Lluís Sert. Azul se exhibe en el Pompidou parisiense. (© Successió Miró/ADAGP, París y DACS, Londres 2011).



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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Damien Hirst renace de sus cenizas en la Tate Modern


El creador que representó la locura y la ruina del arte regresa con una muestra en la Tate y una exposición en las galerías Gagosian de sus pinturas de puntos


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Damien Hirst, ante una de sus pinturas de puntos.- ANDREW TESTA (CORDON PRESS)

La fecha del 15 de septiembre de 2008 es indisoluble del nombre de Damien Hirst y del mundo en crisis en el que nos ha tocado vivir. Entonces, el artista británico recabó 140 millones de euros en una subasta masiva de sus obras mientras uno de los gigantes bancarios de Wall Street hacía aguas. El colapso de Lehman Brothers inauguró el hundimiento de los mercados financieros y una era de crisis mundial en la que todavía estamos inmersos, pero la franquicia Hirst no solo ha logrado sobrevivir a la hecatombe. Si su cotización no se ha visto resentida desde entonces, porque el mercado del arte sigue aguantándose como valor seguro, la figura del pionero del britart volverá a ser omnipresente en el próximo año olímpico de Londres, con sendas retrospectivas a cargo de uno de los grandes museos públicos del país y de un potente conglomerado de galerías privadas.

Que la Tate Modern británica y el emporio fundado por el marchante estadounidense Larry Gagosian coincidan en su rendición al autor de los animalarios en formol dice mucho sobre la habilidad de Hirst para reciclarse. El museo de arte contemporáneo más visitado de la capital británica, y probablemente del mundo, ultima una vasta exposición dedicada al conjunto de su obra que garantiza, con su mero enunciado, audiencias masivas. La sede de la Tate en la orilla sur del Támesis exhibirá a partir del 4 de abril un amplio recorrido por la producción de Hirst desde que su rúbrica irrumpiera a finales de los ochenta de la mano de los comerciantes de arte Charles Saatchi y Jay Jopling.

El famoso tiburón o las vacas encerradas en acuarios desfilarán junto a las composiciones de mariposas, las vitrinas repletas de fármacos y, en primer lugar, la calavera incrustada en 8.601 diamantes que responde al título Por el amor de Dios. Aunque la exposición tiene su fecha de cierre el 9 de septiembre, esta última pieza, al tiempo fascinante y obscena, será exhibida en la Sala de Turbinas del museo solo durante dos meses y medio por cuestiones de seguridad y de agenda. Propiedad de un consorcio en el que participa el propio Hirst, el cráneo humano en platino y gemas está de gira perpetua desde su presentación en Reino Unido hace cuatro años.


Su célebre cráneo con diamantes será expuesto en la Sala de Turbinas

La retrospectiva de la Tate Modern, la primera que un gran museo nacional dedica a Hirst, incluye también alguna de las obras que marcan su obsesión por los puntos. Círculos de todos los tamaños y colores flanquean la producción del artista desde sus inicios en los ochenta, como expresiones minimalistas de los elementos más básicos de un cuadro. Aunque el autor dio por finiquitada hace tres años su serie de pinturas de puntos (spot paintings), de algún modo ha conseguido convencer hoy a Larry Gagosian para resucitarlos y revalorarlos como objeto del deseo del mercado.

Las 11 galerías que el empresario de arte posee en varios puntos del planeta se disponen a estrenar, el próximo 12 de enero y de forma simultánea, un despliegue de esos cuadros punteados que firma Hirst a modo de retrospectiva de un cuerpo de trabajo singular. Las dos sedes que el galerista posee en Londres concentrarán un tercio del conjunto de 300 obras, integradas básicamente por círculos. "Se trata de una exposición nutrida principalmente de préstamos, y la distribución de las piezas (en cada galería) ha obedecido a la proximidad con su origen", explica Millicent Wilner, responsable de los centros londinenses del grupo.


No suele ejecutar los cuadros, para eso está su equipo de colaboradores

Por mucho que la réplica de una red de puntos de tamaños uniformes suscite el tedio de cierta crítica, Wilner recuerda cómo ha merecido "el reconocimiento universal de los coleccionistas". Damien Hirst buscó en esa idea la negación de la facultad del artista ("como si una máquina gigante hubiera trazado los puntos"), pero con el tiempo transformó su génesis en una reflexión sobre la vida contemporánea a partir de esas imágenes circulares y recurrentes en el universo publicitario. No suele ejecutar los cuadros personalmente, para eso dispone de un esforzado equipo de colaboradores.

Los puntos de colorines inundarán, con la entrada en el nuevo año, las galerías Gagosian de Londres, París, Roma, Atenas, Ginebra, Nueva York, Beverly Hills y la recién abierta en Hong Kong. Wilner no quiere aventurarse sobre su cotización actual, pero baste reseñar que uno de esos cuadros punteados que el artista suele titular con nombres de fármacos estimulantes (Arginine decarboxylase, de 1994) alcanzó el año pasado 1,4 millones de dólares en subasta. Las pinturas de la Gagosian que no obedezcan a préstamos serán, por supuesto, objeto de venta. Pero el inédito experimento apunta más alto como fabulosa operación de promoción del rey del arte conceptual.

Aquellos críticos británicos que consideran superado el impacto y novedad de la obra de Hirst suelen utilizar como metáfora la archifamosa obra del tiburón en formol: el escualo, por el que un coleccionista pagó 12 millones de dólares (9,2 millones de euros), acabó descomponiéndose. Quienes admiran la obra de Hirst, o su capacidad para escribir nuevas reglas en el mercado del arte recuerdan sin embargo cómo este solucionó el entuerto simplemente cambiando el animal por otro en mejor estado. A sus 46 años, Damien Hirst sigue ocupando la escena central del arte contemporáneo, y la doble cita de 2012 en la Tate Modern y la red Gagosian no hará sino reforzar ese estatus.



El arte como récord


Damien Hirst (Bristol, 1965) está considerado como el artista más rico de Reino Unido. El dominical londinense Sunday Times calculó sus ingresos en 245 millones de libras (292 millones de euros).


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La obra La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo, que consiste en un tiburón conservado en formol, alcanzó el precio de 12 millones de dólares (9,2 millones de euros).

En el verano de 2008, Hirst anunció la venta en subasta directa de su última producción artística, en un gesto histórico pues prescindía del sistema tradicional de las galerías. La puja se saldó con 140 millones de euros para el artista, y coincidió con la debacle financiera que inauguró la actual crisis.


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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La estela de Picasso en Gran Bretaña



La Tate Britain presenta la primera retrospectiva que profundiza en el influjo del artista malagueño en la evolución del arte contemporáneo en Reino Unido


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Picasso con su esposa Olga en Leicester Square en 1919

La figura de Pablo Picasso sobresale entre el impresionante despliegue artístico que está exhibiendo Londres con ocasión de su olimpiada cultural. Una cita que, junto a algunos de los grandes talentos del arte británico como Lucian Freud o David Hockney, ha querido incluir también al genio que tanto influyó en el movimiento modernista del Reino Unido. Casi sesenta trabajos del malagueño serán expuestos a partir del miércoles en la Tate Britain, en una suerte de diálogo con otros tantos firmados por pintores y escultores de las islas que recogieron el legado del gran revolucionario del arte del siglo XX. Completan ese cuadro las imágenes de la estancia de Picasso en suelo británico un verano de 1919, o la documentación sobre las primeras reacciones hostiles a su obra hasta la rendición final del público, que se plasmó en una gran muestra organizada en la misma galería Tate hace ahora cincuenta y dos años…

Cuando un Picasso de 37 años se deja retratar en la londinense Leicester Square, ataviado a la manera de los gentleman ingleses, su constante indagación artística apenas ha calado en territorio británico. Su visita, que se prolongará ocho semanas, obedece a un encargo de la producción de los ballets rusos de Serguei Diaghilev, el diseño del atrezzo de El Sombrero de Tres Picos. Durante ese tiempo, trabajó en un estudio del Covent Garden y residió en el Hotel Savoy junto a su entonces esposa, Olga. Más allá de las preceptivas fotografías de la época, la presencia de Picasso sólo es entonces objeto de la atención de un reducido elenco de personajes, entre ellos el pintor Duncan Grant. El británico había visto algunos de sus cuadros una década antes, en el apartamento parisino de Gertrude Stein, y a raíz de aquel impacto acabó ejecutando su obra The Tub, que ahora expone la Tate Britain. Grant, al igual que Wyndham Lewis, pertenecen a la primera generación de artistas del Reino Unido que respondieron inmediatamente a la influencia de Picasso, el último con un autorretrato cubista que rompía moldes en su tierra.


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'La crucifixión'. La obra de Picasso influyó en la del británico Francis Bacon, que realizó 'La crucifixión' en 1933

Los dos autores han sido elegidos por el museo, junto a Ben Nicholson, Henry Moore, Francis Bacon, Graham Sutherland y Hockney, para ilustrar la impronta de Picasso en el modernismo británico. Otros dos nombres destacan por su intuición de las dimensiones que adquiriría el artista español, los coleccionistas Douglas Cooper y Roland Penrose. Desde los años 20’, ambos fueron adquiriendo los mejores trabajos de Picasso –el segundo, por ejemplo, compró La mujer que llora- al tiempo que forjaban una relación personal con el artista que acabó traduciéndose en sendos libros sobre su obra. En contraste con esa audacia, la Tate no incorporó a su colección una obra cubista de Picasso hasta 1949, en la misma línea que otras instituciones públicas europeos.


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El cuadro 'La fuente', realizado por Pablo Picasso en 1921

El óleo picassiano La Fuente (1921) aparece como clara inspiración de la escultura de un cuerpo reclinado que Henry Moore concibió en el periodo de entreguerras, al tiempo que el universo abstracto de Ben Nicholson se nutría de sus propuestas cubistas. Pero en el epílogo de la Segunda Guerra Mundial, la audiencia británica todavía no estaba preparada para encajar el cuerpo de trabajo de Picasso, tal como ilustran las agrias críticas a una exposición del artista español y de Henri Matisse en el museo Victoria & Albert, en boca del político Winston Churchill o del novelista Evelyn Waugh. Un diseñador de interiores que acabaría grabando su nombre en mayúsculas en el mundo del arte, Francis Bacon, decidía sin embargo volcarse en el lienzo a raíz de su obsesión por las figuras pintadas por Picasso en la playa francesa de Dinard.


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'El estudiante: homenaje a Picasso' (1973), obra de David Hockney

Una de las piezas que mejor resumen la muestra Picasso y el Arte Moderno Británico es un grabado que Hockney realizó en 1973. El español (quien había muerto un año antes) aparece dibujado con una de sus características camisetas a rayas marineras, frente a la desnudez del pintor británico, que sólo lleva puestas las gafas. Hockney quiso pero no pudo conocerlo desde sus ocho visitas a la exposición consagrada a Picasso que la Tate organizó en 1960. Entonces ya sí fue un éxito absoluto, un récord que rozó el medio millón de visitantes. David Hockney aprendió durante aquellas sesiones la futilidad de adherirse a un único estilo y descubrió la ruptura trascendental que entrañaba el cubismo.

En su condición de artista vivo, que estos días protagoniza una de las grandes exhibiciones de la capital británica en la Royal Academy, Hockney ha rememorado lo que Picasso supuso para él y para sucesivas generaciones de artistas del Reino Unido. Quizá uno de sus grandes triunfos profesionales haya sido integrar, en compañía del maestro, el cartel cultural que arropa los Juegos Olímpicos de Londres y que sólo ha sido reservado a los más grandes.


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'Naturaleza muerta con mandolina' (1921), obra de Pablo Picasso



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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Lichtenstein, Klee y Lowry, en la nueva temporada de las Tates británicas



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Foto de archivo de Lichtenstein con su obra 'Whaam'.

Las viñetas pop de Roy Lichtenstein, la influencia francesa en LS Lowry y el universo simbólico y colorista de Paul Klee protagonizan el programa del próximo año de las galerías Tate del Reino Unido.

Los cuatro museos, Tate Britan, Tate Modern, Tate St Ives y Tate Liverpool, han dado a conocer su programa para 2013, que incluye sobre todo a grandes artistas del siglo XX.

A partir de febrero, la Tate Modern de Londres dedicará la mayor retrospectiva de los últimos 20 años al artista estadounidense Roy Lichtenstein, considerado uno de los padres del arte pop.

La muestra contará con algunas de sus pinturas más reconocibles como 'Whaam!' y 'Drowing Girl', pero también con sus trabajos menos conocidos, incluida una serie de desnudos femeninos y otra de paisajes chinos.

La exposición de otoño de esta galería dedicada al arte contemporáneo se centrará en el pintor suizo alemán Paul Klee, una figura clave del siglo XX, que fue profesor en la influyente escuela Bauhaus y cuyas radiantes y simbólicas pinturas bebieron del cubismo, surrealismo y el arte primitivo.

Por su parte, la exposición dedicada a LS Lowry, que se inaugurará en la Tate Britain de Londres en junio, supone la mayor muestra dedicada al artista británico desde su muerte en 1976.

A través de sus cuadros de paisajes industriales, la exposición pretende analizar la influencia que tuvieron en su obra pintores franceses del siglo XIX como Camille Piasarro y Maurice Utrillo.

La sede de la Tate en Liverpool se centrará en otra faceta muy diferente del arte británico con 'Glam! The Performance and Style', que escarba en la influencia del 'glam rock', desde 1971 a 1975, en otras formas de arte en Europa y América.

Este museo acogerá además la primera exposición en 15 años dedicada al artista ruso Marc Chagall en el Reino Unido



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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Exposición que la Tate Modern dedicada a Edvard Munch



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Pocos artistas modernos son tan conocidos y poco comprendidos como Edvard Munch (1863–1944). La exposición que la Tate Modern inaugura este jueves explora la cara menos conocida del padre del expresionismo, reducido hoy en día a su famoso 'grito'. 'Edvard Munch: The Modern Eye' examina el trabajo del pintor a través de 60 lienzos, 50 fotografías tomadas por él mismo y algunas filmaciones. Sus obras reflejan su profunda ansiedad y agitación espiritual, como estas 'Cenizas' (i) y 'Vampiro en el bosque'.


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Como Pierre Bonnard o Édouard Vuillard, Munch comenzó a hacer fotografías a comienzos del siglo XX, fundamentalmente autorretratos que repetía obsesivamente, como este autorretrato 'A la Marat' que hizo en la clínica del doctor Jacobson en Copenhague (1908-1909). | © Munch Museum


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Al pintor siempre le fascinó "capturar el paso del tiempo y el deterioro del ser humano", según una de las comisarias de la exposición, Angela Lampe. Así queda patente en su último retrato, 'Autorretrato entre el reloj y la cama', pintado entre 1940 y 1943. En él aparece como un débil anciano entre un reloj de pared sin agujas y su lecho de muerte. | © Munch Museum/Munch-EllingsendGroup/DACS 2012


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A menudo Munch repetía un único motivo durante un largo periodo de tiempo, para revisarlo. La muestra recoge varias versiones de algunos de sus cuadros más famosos. En la imagen, varias versiones (sobre lienzo y en escultura) de 'Mujer llorando'. | Afp


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Esta versión de 'La niña enferma' fue pintada por Munch en 1907. Entre 1885 y 1927, el artista realizó seis versiones de este lienzo, que según se cree muestra a su hermana, que murió de tuberculosis. | © Munch Museum/Munch-EllingsendGroup/DACS 2012


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La muestra -en Londres hasta el 14 de octubre- rompe la imagen de Munch como un pintor arraigado en el siglo XIX y lo coloca de lleno en plena modernidad. 'Autorretrato con sombrero (perfil derecho) en Ekely, en 1931. | © Munch Museum


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"Las técnicas del cine y la fotografía se reflejan en algunos de sus cuadros, que tienen marcadas diagonales o figuras en movimiento que se escapan del plano", explica la comisaria Angela Lampe. Esta versión de 'Las chicas del puente' (1927) -en la exposición se exhiben varias versiones- deja patente esa influencia cinematográfica. | © Munch Museum/Munch-EllingsendGroup/DACS 2012


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'Nieve nueva en la Avenida', pintado en 1906, muestra otra de las influencias que el cine y la fotografía tuvieron en Munch: las figuras en acusado primer plano. | © Munch Museum/Munch-EllingsendGroup/DACS 2012


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A menudo, se considera a Munch como un simbolista decimonónico. La muestra deja patente su implicación en la modernidad y cómo le inspiraban la vida cotidiana y el exterior. En la imagen, 'Stjernenatt' ('Noche estrellada'), pintado entre 1922 y 1924. | © Munch Museum/Munch-EllingsendGroup/DACS 2012


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Pese a pasar muchas horas en el estudio y a su frágil estado nervioso, Munch seguía vinculado, a través de su observación o de la prensa, con el mundo que le rodeaba. 'El sol', pintado entre 1910 y 1913. | © Munch Museum/Munch-EllingsendGroup/DACS 2012


Fuente y agradecimiento a elmundo.es
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Expuestas al público hasta el 6 de enero de 2012


La Tate Britain muestra las obras de los finalistas al premio Turner



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Figurantes seleccionados y vestidos por Spartacus Chetwynd, una de las artistas finalistas de los premios Turner 2012. | Reuters

Dibujos de tamaños monumentales, actuaciones carnavalescas y filmes que exploran temas psicológicos y juegan con los sonidos conforman los trabajos de los artistas que aspiran al premio Turner y que muestra la Tate Britain de Londres.

El museo exhibe al público a partir de mañana, y hasta el 6 de enero, las obras de los cuatro finalistas a este prestigioso premio de arte contemporáneo, que se fallará el próximo 3 de diciembre en Londres y cuyo ganador será anunciado por el actor Jude Law.

Los británicos Spartacus Chetwynd, Luke Fowler, Paul Noble y Elizabeth Price son los finalistas de este codiciado galardón, que está dotado con 40.000 libras (44.800 euros), de las que 25.000 libras (28.000 euros) serán para el ganador y 5.000 libras (5.600 euros) para cada uno de los otros tres artistas.


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Otros dos participantes en una 'performance' de Chetwynd. | Afp

El premio Turner es un reconocimiento que se concede cada año a un artista menor de 50 años que haya logrado crear la mejor exposición en los últimos 12 meses.

Spartacus Chetwynd, de 38 años, compite con un trabajo visto en la galería Sadie Coles HQ (Londres), en la que consiste en la actuación de varias personas con disfraces y decorados hechos por ella misma y con la que busca abordar temas como la democracia y las consecuencias de la toma de decisiones, según la galería.

La comisaria Sofía Karamani subraya que Chetwynd ha "transformado" el museo con sus actuaciones en vivo de "aspecto carnavalesco", pues pueden verse a algunos de los artistas disfrazados pasearse por la galería entre actuación y actuación.


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Un visitante pasa delante de una fotografí­a de Luke Fowler. | Afp


Escatología y documentalismo

La artista, que en 2007 cambió su nombre de Lali por Spartacus, consigue de cara al espectador con estas actuaciones una atmósfera de improvisación.

El escocés Luke Fowler, de 34 años, compite con una película que explora la vida y el trabajo del psiquiatra escocés R. D. Laing, que expuso en la Inverleith House de Edimburgo.


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La pieza de Spartacus Chetwynd 'Odd Man Out 2011', representada ante los medios. | Afp

La obra de Fowler es conocida sobretodo por sus retratos cinematográficos de personajes públicos, por lo que los jueces han valorado el "hilo autobiográfico y biográfico", según la galería.

El londinense Paul Noble, de 48 años, se presenta con su exposición en la galería Gagosian (Londres) con sus dibujos sobre una ciudad ficticia y parcialmente en ruinas, 'Nobson Newtown', cuyos habitantes son excrementos vivientes que, en algunos casos, participan en orgías y actos sexuales en público.


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Villa Joe', incluida en el proyecto 'Nobson Newtown' del artista Paul Noble. | Reuters

Sobre el trabajo de Noble, los jueces lo consideraron "un convincente proyecto de vida" de dibujos "monumentales".

En cuanto a la cuarta aspirante, Elizabeth Price, de 45 años y natural de Londres, aspira al premio por una instalación de vídeo mostrada en el Centro de Arte Contemporáneo de Gateshead (Newcastle).


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Una visitante lea la descripción de la pieza de Noble 'Paul's Palace'. | Afp

En la pieza se pueden ver imágenes de una iglesia gótica y las de un incendio de unos grandes almacenes en Manchester (norte de Inglaterra) en 1979 en el que murieron 10 personas.


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Videoinstalación de Elizabeth Price titulada 'The Woolworths Choir of 1979'. | Afp

El vídeo, que se puede ver en una habitación totalmente a oscuras del museo, impacta por el sonido de las imágenes, pues se puede escuchar el disparo de una potente cámara de fotos al tomar una instantánea cuando se pasa de una toma a otra de la filmación.

Según la directora de la Tate Britain y presidenta del jurado que elegirá al nuevo premio Turner, Penelope Curtis, ninguno de los trabajos finalistas se puede apreciar en apenas unos minutos y considera que hay que dedicarle una hora o dos.

Fundado en 1984, el premio Turner ha reconocido en el pasado a artistas como Damien Hirst, Anish Kapoor o Martin Creed.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Exposición en la Tate Modern de Londres



El 'pop art' de Lichtenstein, en 125 obras



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Una de las obras míticas de la exposición.| Reuters/Luke MacGregor

Una gran retrospectiva sobre Roy Lichtenstein, maestro del Pop Arte, desvela nuevos matices en la obra de este artista, que se inspiró en el cómic y la cultura de masas para explorar el concepto de la percepción.

Nacido en Nueva York en 1923, Lichtenstein rompió con el expresionismo abstracto de sus contemporáneos para desarrollar un estilo propio mundialmente reconocible, que incorpora al óleo las técnicas mecánicas y de imprenta que, en la década de los 50 y 60, contribuían a expandir la cultura popular.

En pleno apogeo de la publicidad y los medios de comunicación en Estados Unidos, decidió explorar cómo esa nueva forma de tratar las imágenes, reproducidas masivamente, afectaba "a nuestra percepción y consumo de las mismas", explica Iria Candela, comisaria de la exposición que acoge la Tate Modern de Londres.


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Roy Lichtenstein, en 1983. / Ricardo Martín


Más de 125 obras

'Lichtenstein: una retrospectiva' reúne más de 125 trabajos del prolífico pintor, incluidos los más famosos como 'Whaam!' o 'Drowning girl' (ambos de 1963), que le han convertido en uno de los artistas más influyentes de su época.

Lichtenstein tomaba viñetas de cómic, que reproducía con su pincel con técnicas de imprenta -líneas gruesas para los contornos y puntos para la tonalidad y las sombras-, para abundar "con ambigüedad e ironía" en su tema central: cómo influye en nuestro procesamiento de las imágenes la manera en que son representadas.

La obra con la que inauguró este camino, 'Look Mickey' (1961), inspirada en un cómic de Mickey Mouse de sus hijos, es una de las piezas clave de la muestra londinense, la mayor dedicada al artista en dos décadas.

Destaca además la sala dedicada a la guerra y el romance. En ella se incluyen las escenas bélicas y las de mujeres en actividades cotidianas por las que es tan conocido.

Obras nunca antes vistas

Con 13 salas, la exposición, que ya se mostró en Chicago en 2012 y viajará a París, recorre la trayectoria del artista desde sus inicios hasta su muerte en 1997, incluyendo obras realizadas ese año y que nunca antes se han visto en público.

Las salas de sus últimos días muestran desnudos femeninos, realizados también en el estilo del cómic -simplemente, sacaba a las heroínas "y las desnudaba", explica Iria-, y paisajes chinos, que le fascinaban.

Una de las salas más interesantes recoge cuadros de su juventud y de su madurez con un motivo común: su exploración de la pincelada, esencia del arte pictórico y que él, pese a emular la reproducción industrial de imágenes, nunca abandonó.

"Incluso en sus obras de puntos puede percibirse la pincelada del artista, que también aparece como tema de sus óleos, por ejemplo en 'Brushstroke' (Pincelada), donde dibuja de manera controlada el trazo espontáneo de una brocha", afirma la comisaria.

Lichtenstein fue uno de los primeros en convertir el propio arte en "objeto artístico", de una manera "muy consciente e intelectual", a fin de explorar "el papel del artista en un mundo mediatizado", agrega.

Un arte más cerebral que emocional

Pese a ser su arte más cerebral que emocional, el estadounidense también mantuvo un cálido diálogo con movimientos anteriores como el Impresionismo y el Futurismo y con artistas concretos, en particular Picasso, de quien dijo que era "el mejor artista del siglo XX".

Se incluye en la exposición 'Femme d'Alger' (1963), versión de la obra del genio español, y la interesante 'Rouen cathedral' (1969), serie inspirada en la de Claude Monet.

La retrospectiva de la Tate, que abre del 21 de febrero al 27 de mayo, muestra también esculturas de Lichtenstein, algunas inspiradas en el Art Decó, que dominó el Nueva York de su infancia; sus plácidos paisajes; y tres de sus cuatro cuadros gigantes que hizo como parte de la serie 'Artist's studio'.


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'Chica ahogándose', 1963. Óleo y polímero sintético sobre lienzo, 170,8 x 168,4 cm. Obra de Roy Lichtenstein



Fuente: elmundo.es / Efe | Londres
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La Tate Modern bate su récord con 5, 5 millones de visitantes


El museo se consolida como el centro mundial de arte moderno y contemporáneo con más afluencia

    

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Una imagen de la Tate Modern. / Hayes Davidson y Herzog & de Meuron

La Tate Modern de Londres se consolidó en la temporada 2012-2013 como el centro de arte moderno y contemporáneo más visitado del mundo con un récord de 5,5 millones de visitantes, informó hoy el Grupo Tate.

La exposición de un solo artista de más éxito sigue siendo la del británico Damien Hirst -conocido por sus animales suspendidos en formol-, que atrajo 463.000 visitantes a la galería en la primavera de 2012.


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El artista Damien Hirst frente a una de sus obras más polémicas. / MATT DUNHAM (AP)

La Tate Modern, ubicada en una antigua central eléctrica a orillas del río Támesis, es parte del grupo dirigido por Nicholas Serota, que incluye la también londinense Tate Britain, la Tate Liverpool, en esa ciudad inglesa, y Tate Saint Ives, en Cornualles.

El Grupo Tate en su conjunto recibió en el último ejercicio el total de 7,74 millones de visitantes, con lo que tuvo su mejor año hasta la fecha.

De acuerdo con la entidad, 13,6 millones de personas visitaron además su página web, donde en ocasiones se presentan en exclusiva proyectos artísticos, y unos dos millones de personas son seguidores en Twitter y Facebook.

El Grupo Tate adquirió en el curso 2012-13 un total de 502 nuevas obras para su colección, con un valor de 23 millones de libras (27,4 millones de euros/36,7 millones de dólares).


elpais.com
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Escalera sin fin en la Tate



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Frente a la Tate Modern de Londres una escalera temporal no conduce a nada y, sin embargo, conduce a muchos lugares. Atalaya, mirador, lugar de paso, zona de encuentro o espacio para el juego, la pieza del estudio dRMM permite vistas insólitas junto al Támesis con la Catedral de San Pablo de fondo.

Hace tres lustros el arquitecto Oscar Tusquets denunció, con su exposición Réquiem por las escaleras –realizada en el CCCB de Barcelona- el papel marginal al que estaba quedando relegada la escalera tras la popularización del ascensor, la aplicación de estrictas normas de seguridad y la aparición de las rampas. Reuniendo algunas de las escaleras más famosas de todos los tiempos, el arquitecto lamentaba el descrédito del componente más escultórico de la arquitectura.

Desde esa preocupación, puede que esta intervención temporal, Endless Stair, que puede verse, y utilizarse, en Londres hasta el 10 de octubre sea de su agrado. Se trata más que de un elemento útil, de una parte que se ha convertido en una pieza en sí misma: escultórica, celebrada, utilizada, y, por supuesto, cuestionada. Además, sin abonar un penique, cualquiera puede subirse a la Endless Stair, formada por 15 escaleras entrecruzadas, que recuerda las obras laberínticas del holandés M.C. Escher.

Los 187 peldaños de madera ideados por el estudio de arquitectura dRMM (Rijke, Marsh y Morgan) no solo sirven de reclamo para el patrocinador (American Hardwood Export Council) informando de -y poniendo a prueba- la resistencia del material y evidenciando la relación entre esa solidez y el peso limitado de la obra; los peldaños permiten además acercarse a la ciudad desde otro punto de vista. Auparse por encima de la cúpula de Saint Paul’s, plantarle cara al edificio de la Tate Modern o alcanzar una perspectiva inusitada sobre ambas orillas del río Támesis.

Esta escalera de corte surrealista y sin fin pero con muchas finalidades podría recordar a quienes velan por nuestra seguridad la alegría del movimiento en el ascenso y el descenso, la oportunidad física de mover las piernas y el sencillo placer de bajar y subir en un lugar con vistas.

Por: Anatxu Zabalbeascoa / elpais.com
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La exposición de la Tate Modern abarca un centenar de obras, el grueso de la evolución plástica del pintor



Paul Klee, la religión pagana del color


La Tate Modern bucea en las obsesiones de uno de los grandes de la abstracción, que pintaba sin freno mientras Europa se derrumbaba



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La aventura de una muchacha, de Paul Klee. (1922). La Tate demuestra la importancia del contexto histórico en la obra de Klee.

Fue su último cuadro y también cierra la exposición en la Tate Modern. Lo encontramos colgando de una pared negra, idéntica a la que Paul Klee hizo pintar en su taller de la Bauhaus para exponer sus obras acabadas. Mientras Europa ardía y su cuerpo enfermo se desintegraba, el pintor nacido en Suiza tuvo la ocurrencia de plasmar un puñado de flores de colores intensos y trazo algo infantil, en oposición frontal con lo que tocaba vivir, que había teñido su obra de tonos sombríos y augurios fáusticos durante la década anterior.

Nadie entendió muy bien a qué venía ese lienzo. “Desprende una incomprensible sensación de alegría, música y libertad”, escribió un crítico suizo al verlo. Klee lo pintó en 1940, solo unas semanas antes de su muerte por esclerodermia, enfermedad incurable que endurecía la piel y obstaculizaba el funcionamiento de los órganos. Lo tituló Flores del crepúsculo y corrió a añadirlo al listado de obras que tenía pensado exhibir en Zurich, en la que convertiría en su última exposición en vida.

“Encontramos esa lista en un archivo suizo. Klee añadió el cuadro en el último minuto, con un bolígrafo de otro color. Era consciente de que su vida terminaba, pero quiso ponerle punto final con una extraña nota de optimismo”, relata el responsable de exposiciones de la Tate Modern, Matthew Gale. El colofón final a su trayectoria quedaría marcado por ese enigma, tal como una obra marcada por las mismas contradicciones que ese exótico cuadro trazado con desesperado optimismo.

El museo londinense inaugura hoy una gran muestra que pretende resolver algunos de esos misterios. La Tate expone hasta el 9 de marzo un centenar largo de las obras del artista, que según el recuento oficial habría dejado más de 8.000 lienzos terminados. Puede parecer poco, pero todo está allí. La exposición examina lo más representativo en la producción del pintor, siguiendo un enfoque estrictamente cronológico que, a primera vista, puede resultar impropio de uno de los primeros museos que reordenó su colección con criterios temáticos. Sin embargo, lo hace escogiendo ángulos distintos a los habituales, prescindiendo de lo sabido para adentrarse en zonas menos transitadas, en un largo recorrido que nos lleva del Múnich de los años diez a sus últimos días en Suiza, donde murió a los 60 años al principio de la Segunda Guerra Mundial.

La religión de Klee fue el color. Lo encontramos en sus polifonías y en sus peces mágicos, pero también en sus pinturas ancestrales y en sus lienzos más fantasmagóricos. El pintor se convirtió al color en 1914, durante un viaje por el norte africano junto al pintor August Macke, que acabaría adquiriendo dimensiones míticas en su cabeza. “El color ha tomado posesión de mí. Ahora me poseerá para siempre. Estamos unidos hasta el final. Me he convertido en pintor”, dejó escrito Klee.

De vuelta a casa, sus acuarelas cuadriculadas empezaron a reproducir los colores observados en ese viaje iniciático. Los convirtió en su gramática personal, que conjugaría en cientos de cuadros de pequeño formato, que fuerzan a quien los observa a afilar la mirada si pretende descifrarlos. Sus sistemas geométricos reproducen la obsesión por el movimiento de Klee, así como la influencia de la composición musical en la pintura (fue un excelente violinista y no dudó en conectar las dos disciplinas, como quedó demostrado hace dos años una exposición en la Cité de la Musique de París) o la reinterpretación de géneros clásicos como el paisajismo y la naturaleza muerta.

Para Klee, cada nuevo cuadro suponía un nuevo reto. El pintor polaco Jankel Adler, uno de sus colegas en la Academia de Dusseldorf (donde dio clases cuando los nazis cerraron la Bauhaus), aseguraba que, cuando Klee empezaba un cuadro, sentía “la agitación que debió de tener Colón al descubrir un continente, entre un presentimiento temeroso y la vaga sensación de encontrarse en el buen camino”.

La exposición insiste en demostrar que el contexto histórico fue determinante en su proceso creativo. Klee pintó mientras regímenes políticos de distinto signo se encadenaban en la Europa de entreguerras, la inflación aumentaba y el antisemitismo avanzaba imparable. “Klee no pudo mantenerse al margen de lo que sucedía alrededor. En su obra se observa la voluntad de entender qué utilidad podía tener el arte en esas circunstancias”, apunta Gale.

Klee sabía en qué consistía su misión. Para él, la pintura no era una evasión, sino casi un instrumento visionario. Los artistas de la época, con los surrealistas a la cabeza, tenían la misma fijación: encontrar los mundos paralelos que sospechaban que se escondían tras la llamada realidad. A veces, de manera literal. Él experimentó con el esgrafiado de óleo para averiguar qué se escondía bajo la superficie, tal como haría otro electrón libre, Max Ernst, a través del frottage. El arte tenía que servir para encontrar “la realidad detrás de las cosas visibles”, en palabras del propio Klee. “Creía que era una manera de que lo invisible se manifestara. Siempre se ha creído que se refería a la abstracción, aunque puede que su definición fuera más general”, apunta el comisario. De hecho, Klee nunca se ciñó a un estilo ni a una escuela. “Su arte respondía a una visión propia e interna y no se enmarcó en un grupo, como la mayoría de artistas de vanguardia. En ese sentido, se trata de un personaje aparte dentro de las vanguardias, que trasciende su período histórico. Por eso el eco de su obra sigue resonando hoy”, concluye Gale.

Klee decía a sus alumnos que pintar consistía en “sacar a la línea de paseo”. Puede que hubiera algo más. Entre sus retículas dislocadas, prismas fragmentados y garabatos angustiados se entrevé una lejana silueta: la del nuevo paradigma estético que se impondrá tras la hecatombe bélica. Otra de sus citas lo deja todavía más claro: “Un pintor no debe pintar lo que ve, sino lo que se verá”.


elpais.com
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La Tate Britain se hace un ‘lifting’


El templo londinense del arte británico renace tras una espectacular rehabilitación. Los trabajos han durado cerca de seis años y han costado 55 millones de euros



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La nueva escalera renovada de la Tate Britain, símbolo del museo londinense Tate Britain, con la espectacular escalera diseñada por los arquitectos Peter St John y Adam Caruso.

A principios del siglo XIX se edificó en el lugar, en las pantanosas orillas del Támesis a su paso por Millbank (Pimlico, Londres), una prisión tan insalubre y mal diseñada que en 1840 fue rebajada a depósito de reos en tránsito y luego a prisión militar, hasta que fue cerrada en 1890 y demolida en 1892. En 1897 se levantó allí la Galería Nacional de Arte Británico, que en 1932 se transformó en Tate Gallery y en el año 2000 en lo que es ahora, la Tate Britain.

Desde 2007, la Tate Britain se ha estado sometiendo a lo que su directora, Penelope Curtis, define como “un lifting”, aunque la galería se ha estirado algo más que la piel de la cara en una reforma que se abre hoy al público y que fue presentada ayer a bombo y platillo. Y que afecta no solo a la estructura arquitectónica del edificio, abierto más que nunca a la claridad de la luz natural, sino a la propia presentación de la colección permanente, que desde mayo se exhibe en orden cronológico en lugar de temático.


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Perspectiva de la escalera de caracol y de la cúpula del museo Tate Britain, cuya renovación ha supuesto una inversión de 55 millones de eurosl.

El edificio que aloja la Tate Britain nunca ha sido muy popular entre los arquitectos y estuvo a punto de ser demolido en los años 60. “Afortunadamente hubo una campaña en su defensa y se salvó”, recordó ayer el director de Tate, sir Nicholas Serota. En 2007, los Caruso St. John Architects, con despacho en Londres y en Zúrich, empezaron su transformación. Casi siete años y 55 millones de euros después, la reforma está ya a la vista del público, que sobre todo en los dos últimos años ha tenido que soportar con paciencia el cierre parcial de varias zonas del museo.


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Una visitante de la Tate Britain asciende por la nueva escalera de caracol del museo londinense.

Penelope Curtis cree que, pese a las dudas que suscitó en el pasado, el edificio se va a convertir ahora en un aliciente más para atraer al visitante. “Obviamente ahora es tan diferente que la gente vendrá para verlo”, sostiene la directora en una entrevista con este diario junto al arquitecto Adam Caruso. “La gente que ha venido a verlo en los últimos días se ha quedado sorprendida y encantada. Y les ha encantado porque es un edificio que conocían y siguen viendo, pero ven también que ahora es mucho mejor. Sí, en efecto, es como un lifting”, sintetiza.

Aunque el edificio sigue siendo reconocible, han cambiado muchas cosas. La fachada principal, con vistas al Támesis, vuelve a ser ahora también la entrada principal para el visitante. Tras el luminoso recibidor, el visitante llega a la gran Rotonda, convertida en el corazón de la reforma gracias a una espectacular escalinata en espiral que señala al visitante algo que antes no podía ver: que hay vida por debajo de la planta baja y que el sótano también está abierto al público.


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De izquierda a derecha, el arquitecto Peter St John; el presidente de Tate Britain, Lord John Browne; el director de Tate, Nicholas Serota; el otro arquitecto a cargo de la renovación, Adam Caruso, y la directora del museo, Penelope Curtis, posan al pie de la estrenada escalera de caracol.

Allí hay ahora un restaurante con un aspecto excelente; un bar en el que el visitante muy observador descubrirá en el techo abovedado una sutil obra de arte de Alan Johnston; los nuevos archivos; o diversas zonas dedicadas a la enseñanza. En la planta baja siguen estando las galerías, pero ahora iluminadas con luz natural y exponiendo la colección permanente de forma cronológica. El primer piso está dedicado sobre todo a los socios de Tate, con un amplio café con butacones en los laterales. Y acoge también el Grand Saloon: un espacio que ya existía pero que no se veía, dividido como estaba en tres despachos con un falso techo que tapaba la hermosa bóveda recuperada por la reforma.

Más que revolucionar el edificio, lo que han hecho los arquitectos ha sido recuperarlo. Volver a viejas estructuras que funcionaban. Dejar entrar la luz. Eliminar obstáculos y barreras que habían perdido su sentido. “El proyecto empezó porque había una serie de necesidades. Una era restaurar galerías que no se habían reformado durante más de 100 años. Otra era mejorar las instalaciones para el público. Mejorar la circulación en la galería. Adam Caruso y Peter St. John fueron designados en enero de 2007 y yo fui nombrada en noviembre de 2009. Supongo que fue por pura suerte que nuestros intereses coincidieron bien en términos de lo que yo quería hacer con la colección y el edificio para hacerlo más lógico”, explica Curtis.


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La cúpula de la nueva rotonda de entrada la Tate Britain, vista desde la escalera en espiral.

“El museo tiene ahora tres niveles públicos; no era así antes. Eso es una claridad que es funcional pero que es también formal y muy satisfactoria. Desde el nivel principal, en la rotonda, extiendes el museo hacia abajo y puedes sentir todas las cosas que ocurren en el edificio”, explica el arquitecto Adam Caruso. “Es como una toma contemporánea del edificio público con esa idea de hacerlo todo visible, desde un espacio para comer a uno para el arte u otro para la educación. Todas esas cosas se revelan ahora y es obvio que en el siglo XIX probablemente no necesitabas comer en el museo. O sea, que no se trata solo de devolver cosas sino de utilizar el lenguaje clásico del edifico para hacer cosas que son muy contemporáneas”, añade.

    Cuando trabajas en un edificio que es tan viejo, que es realmente un edifico vivo, lo último que necesita es retórica arquitectónica vacía”, explica Caruso.

“Cuando trabajas en un edificio que es tan viejo, que es realmente un edifico vivo, lo último que necesita es retórica arquitectónica vacía”, explica Caruso. “En general, no somos muy fans de ese tipo de arquitectura en nuestro trabajo. Lo que buscamos desde el principio fue encontrar claridad. Cuando empezamos, tuvimos nueve meses para mirar el lugar de forma muy general y desarrollar el master plan para toda la obra. Estudiamos los planos que había en los archivos; hicimos planos generales de todo el edificio que nunca se habían hecho, intentando comprender el sentido del edificio original, el porqué de los cambios que se habían ido haciendo, cómo algunos de esos cambios ya no tenían sentido y en realidad podíamos volver al pasado, a la forma en que funciona la circulación en la rotonda”, relata el arquitecto.


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Gran ventanal, obra del artista Richard Wright, instalado en la entrada de la restaurada pinacoteca de Londres Tate Britain.

Los cambios arquitectónicos han ido acompañados de un cambio metodológico en la exposición de la colección permanente: la ordenación temática del pasado ha dado paso a una ordenación cronológica. “La razón por la que me decidí por pura cronología fue la sencillez”, explica Penelope Curtis. “Pero también les pedí a los comisarios que lo hicieran de forma estricta, que no dieran marcha atrás con cánones, esta escuela, seguida de esta escuela, seguida de esta escuela, sino mirar al tiempo y ver qué pasó en ese año. Y esa es además una manera de dar entrada a artistas que normalmente no figuran porque no pertenecen a ninguna escuela. En especial, mujeres artistas”.

La directora ha aportado claridad al contenido. Los arquitectos le han dado claridad al continente. “La Tate ha intentado ser todo, antes, y lo que queríamos es que fuera mejor, que fuera un museo de arte más que un museo y que fuera más coherente en términos de experiencia única, de vivencia, en lugar de una serie de pequeñas vivencias separadas”, explica Curtis. “Lo que hemos intentado hacer en las galerías es una introducción al arte británico durante 500 años y que en un paseo por el edificio el visitante entienda el edificio y entienda la colección. Las dos cosas al mismo tiempo”, sintetiza la directora de Tate Britain. ¿Es el objetivo de todo esto acercarse al número de visitantes que recibe la galería hermana, Tate Modern? “Ni podemos competir con Tate Modern ni, en cierto modo, queremos, pero creo que vendrá más gente”, replica.


elpais.com / Peter Macdiarmid (Getty Images) / Alex Lentati (EFE) / Olivia Harris (Reuters)




   La cúpula y la escalera de la nueva rotonda de entrada de la Tate Britain, son sencillamente alucinantes.  
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
El único cuadro conocido del asesinato de JFK, expuesto en la Tate Britain


'Lincoln convertible' fue ocultado durante treinta años por no herir sensibilidades

Se trata de una obra de estilo pop del artista británico Gerald Laing




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'Lincoln Convertible', en la exposición 'When Britain Went Pop!' en la galería Christie's Mayfair en Londres. / Luke MacGregor (Reuters)

Lincoln convertible, la única pintura contemporánea conocida en la que se plasma el asesinato del John F. Kennedy en Dallas, ha estado desaparecida durante 30 años, de la mano de un marchante neoyorquino que consideraba que podía herir sensibilidades. La dejó en un almacén. Obra del artista pop Gerald Laing, ahora se exhibe en la entrada de la Tate Britain londinense, según informa BBC.

Laing creó Lincoln convertible, cuyo título se refiere al coche en el que viajaba el presidente aquel día aciago del que se cumplen 50 años, al poco tiempo de su muerte. De casi tres metros de largo, la pintura se basa en la grabación que realizó el residente de Dallas Abraham Zapruder y usa puntos de colores para componer las figuras, algo que el artista pop hizo solo para esta obra en toda su carrera. Ahí están Jackie Kennedy y su esposo JFK reclinado después de haber recibido el tiro mortal. Otros dos elementos destacan: de un lado dos banderas estadounidenses; de otro, las piernas de los agentes del servicio secreto que corren hacia el vehículo.

Gerald Laing, también escultor, nació en la ciudad inglesa de Newscastle-upon-Tyne y pasó buena parte de la década de los sesenta, la dorada del arte pop al otro lado del Atlántico, en Nueva York, donde hizo amistad con grandes representantes del movimiento, como Andy Warhol y Roy Lichtenstein. Sus trabajos más reconocidos son retratos de Brigitte Bardot y ya en 2011, el año de su muerte, una serie de pinturas y dibujos de la malograda cantante Amy Winehouse.


elpais.com
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
El padre del ‘pop art’ sigue asombrando al mundo


La Tate Modern acoge una ambiciosa muestra retrospectiva de Richard Hamilton

La exposición, que repasa los 60 años carrera del artista, llegará al Museo Reina Sofía en junio




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Shock and Awe' (2010), en la que Richard Hamilton hizo una crítica a la guerra de Irak representando a Tony Blair como un pistolero.
ANDY RAIN (EFE)

Bill Hayes canta con afectación hillbilly desde las entrañas de una vetusta gramola The ballad of Davy Crockett, mientras Kirk Douglas besa a otro hombre, Charlton Heston se dispone a hacer añicos las tablas de la ley ante la mirada crispada de Robbie el Robot y un micrófono invita a que cualquiera alce la voz. Si la instalación demostró ayer, durante la presentación de la fenomenal exposición dedicada por la Tate Modern al artista británico Richard Hamilton, que conserva intacta su capacidad de asombrar incluso aunque se hayan cumplido con creces todas sus profecías pop… ¿Cómo debió de ser el impacto en los visitantes a la histórica colectiva del Independent Group This is tomorrow, de 1956, donde se pudo ver por primera vez?

Imposible saberlo… pero no tan difícil de suponer. Richard Hamilton, artista analítico y escrupuloso, padre del arte pop británico y casi con toda seguridad también del otro, debió de provocar entonces la conmoción reservada a los cambios de paradigma; entre la nueva y la vieja Inglaterra, entre el pasado burgués y el futuro de la publicidad y el consumismo, entre la sociedad de la radio y los mass media. En la misma sala de la instalación, una reproducción de su gran collage ¿Qué hace de los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos? parece la prueba definitiva de que sus dardos siguen acertando en las dianas.

    Richard Hamilton debió de provocar entonces la conmoción reservada a los cambios de modelo

Fue diseñado para la cubierta del catálogo de This is tomorrow y con su mezcla de culturistas, piruletas, electrodomésticos y eslóganes publicitarios está considerado el big bang del pop art, movimiento que Hamilton definió en su célebre carta a los Smithson (“es prescindible, es barato, es…”) para luego desmontarlo con cerebral ironía; al elegir a Bing Crosby, ya una ajada estrella en los sesenta, parece mirar por encima del hombro al Warhol fascinado con la obviedad de Elvis Presley.

Antes y después del collage se despliega en la exposición, que en junio llegará con el apoyo de la Fundación Abertis al Reina Sofía ampliada y mejorada (260 obras en Madrid, frente a las 160 de Londres), el universo de un creador excepcional. Se ha convertido en un cliché decir de uno de esos ajustes de cuentas artísticas que llaman retrospectiva que pone en su sitio el legado de tal o cual nombre denostado por la academia, pero en este caso no parece arriesgado afirmar, como hace Manuel Borja-Villel, director del Reina, que esta exposición recoloca a Hamilton “como uno de los mejores artistas del siglo XX”.

Concebida en su origen por él mismo —la muerte a los 89 años le impidió en 2011 terminar el trabajo— y organizada cronológicamente por los comisarios, Vicente Todolí, exdirector de la Tate, y Paul Schimmel, la propuesta gravita en torno a los icónicos interiores de Hamilton. Una de ellas, la inaugural Growth & Form, da la bienvenida al visitante con su extraña mezcla de ciencia y escultura en lo que se trata de todo un acontecimiento: nunca se había reconstruido la pieza, desde su primera exhibición 1951 en las salas del Institute of Contemporary Arts (ICA), a cuyos heroicos comienzos estuvo Hamilton asociado, cuando Reino Unido trataba de restañarse las heridas de la II Guerra Mundial a base de orgullo nacionalista y el optimismo un tanto irónico propio de Pasaporte para Pimlico y el resto de las comedias de los estudios Ealing.

El resto de las instalaciones se reparten entre las salas del museo nacional y el ICA. Todolí explicaba ayer en el transcurso de una charla sostenida con vistas a un día de perros sobre el Támesis y la catedral de San Pablo, que más allá del número de obras incluidas, la muestra del Reina “se centrará más en el proceso de trabajo del artista que en sus resultados”.

Recuerdan los implicados en el proyecto, como el coordinador de la exposición Rafael García, que Hamilton quiso desde el principio privilegiar la parada madrileña (es más, nunca contó con que la itinerancia incluyera la Tate). El artista, londinense que durante tantos años fue profesor en Newcastle, consideraba España como su segunda casa desde que llegó en los sesenta siguiendo los pasos de Duchamp, quien, a su vez, hizo lo propio con Dalí. Como prueba de su sostenida relación con la Costa Brava, Huc Malla, continuador del legado de la mítica Galería Cadaqués tras la muerte hace seis años de su fundador, Lanfranco Bombelli , contemplaba ayer algunas de las obras que Hamilton concibió para sus 14 exposiciones individuales celebradas en el espacio.

En la sala contigua a esta, cuyas piezas estrella son los relieves con la silueta del Guggenheim de Nueva York y una representación de la risa de un crítico como dentadura postiza, aguarda la portada del disco blanco de los Beatles y la serie de pinturas con diversas técnicas que hizo a partir de una foto de Mick Jagger esposado al galerista Robert Fraser. Y si algo queda claro es que, si bien él no se consideraba pintor, se reveló como un pulcro maestro del medio. La técnica toma protagonismo en las últimas décadas; a medida que fue envejeciendo (del paso del tiempo hay pruebas en otra de las grandes obras de su vida, las Polaroids que de él tomaron personalidades como Gerhard Richter, Dieter Roth, Joseph Beuys o Ferran Adrià) su arte se hizo más político (con lienzos como el que representa a Tony Blair en plan pistolero o el antes y después de la ocupación en Palestina).

La muestra termina con el tríptico inacabado, basado en La obra maestra desconocida, de Balzac, en la que Poussin, Tiziano y Courbet posan delante un ordenador en otra demostración de que ni la ironía, ni la tecnología (llegó a diseñar un ordenador en los ochenta) le abandonaron nunca. Y al final queda la sensación de que mirar al pasado de Hamilton, hombre obsesionado con el futuro, los cohes, las tostadoras y otras promesas, es un ejercicio memorable.



Algunas imágenes


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Mick Jagger (derecha) y el galerista Robert Fraser evitan los flases de los 'paparazzis' tras ser detenidos. La pintura pertenece a la serie 'Swingeing London (1968-69).


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Cinco de las seis piezas de la serie 'The Solomon R Guggenheim', reunidas por primera vez desde 1992 para la retrospectiva de la Tate Modern. / Andy Rain (EFE)


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'Just what makes today's homes so different, so appealing?', de Richard Hamilton, el icónico 'collage' con el que da por inaugurado el arte pop.


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 Un hombre observa la obra 'La habitación de tratamiento' (1984), en la que Richard Hamilton hizo una crítica del thatcherismo. / Andy Rain (EFE)


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Una mujer, ante la obra 'Señal' en la retrospectiva de Richard Hamilton en la Tate Modern. La pieza fue producida por la Galería Cadaqués.
/ Andy Rain (EFE)


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Parte de la instalación 'Fun house' que formó parte de la muestra 'This is tomorreow' en 1956. Es una de las estrellas de la muestra de Richard Hamilton en la Tate Modern de Londres. / Andy Rain (EFE)


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'Interior II' es el tríptico que el artista Richard Hamilton dejó inacabado a su muerte en septiembre de 2011. Esta basado en 'La obra maestra desconocida', de Balzac. / Andy Rain (EFE)


Fuente: elpais.com
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Multitudinaria fiesta por ‘Waterloo’


La Tate Modern de Londres celebra el 40 aniversario del triunfo de la canción de Abba en el Festival de Eurovisión



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Anni-Frid 'Frida' Lyngstad y Björn Ulvaeus, de Abba, en la Tate Modern. / A. Olcese y R. Linares (EFE)

Vídeo de Abba - Waterloo

En el pico del éxito llegaron a convertir su música en el segundo producto de exportación sueca por volumen de ventas, solo superados por el gigante Volvo, un fenómeno que tuvo su insospechada catapulta en el Festival de Eurovisión. Acaban de cumplirse los 40 años de la victoria del grupo Abba en aquel evento, al ritmo pegadizo del tema Waterloo que venía a equiparar una rendición amorosa con la de Napoleón en 1815, y sus rendidos fans lo celebraron la noche pasada en una multitudinaria fiesta en la galería Tate Modern de Londres.

El aniversario fue la excusa perfecta para montar una suerte de discoteca en la inmensa Sala de Turbinas —habitualmente consagrada a instalaciones artísticas—, el lanzamiento del libro oficial de las fotos del cuarteto, que era el verdadero objetivo del festejo, y la presencia de dos de sus antiguos miembros, el plato fuerte de la velada. Una Frida Lyngstad radiante, ni por asomo la imagen de una mujer de 68 años, desfiló por la alfombra roja que deslucía la lluvia acompañada del compositor y guitarrista Björn Ulvaeus. Faltaban Agnetha Fältskog y Benney Anderson, los restantes componentes de la banda nacida en Estocolmo y que desde su separación, hace más de tres décadas, no ha vuelto a comparecer públicamente al completo, aunque aseguran que siguen siendo amigos.

La insinuación de Agnetha el pasado noviembre a la prensa alemana sobre una posible reunión de los Abba no ha sido confirmada por ninguno de sus ex colegas, pero ha añadido expectación al lanzamiento este martes de un paquete recopilatorio de sus álbumes en diversos formatos, desde el vinilo hasta los soportes digitales, así como una versión extendida del legendario Waterloo.

“Es increíble que Abba todavía sea relevante, que la gente todavía escuche sus canciones”, declaraba Björn en el museo londinense sobre un grupo que lleva vendidos más de 380 millones de discos y cuya base de seguidores no sólo no mengua, sino que ha repuntado gracias al ejercicio de nostalgia, a la revalorización de un estilo inconfundible del pop y a su introducción a las nuevas generaciones con el musical Mamma Mia, que resiste desde hace quince años en la cartelera de la capital británica. Convertida en una franquicia internacional capaz de llenar teatros de medio mundo, esa traslación a las tablas del repertorio de los Abba que se sustenta en un débil hilo argumental —porque lo que el público quiere es básicamente disfrutar de las canciones— incluso tuvo su réplica en el cine.

Dancing Queen, Money, Money, Money, Thank you for the Music, Fernando o Chiquitita conformaron en la noche de Londres la banda sonora de una celebración de éxitos pasados y probablemente futuros, porque el filón comercial en torno a los mismos temas, aparece todavía inagotable. Se antoja irónico que el país elegido por el grupo sueco más famoso de todos los tiempos haya sido el Reino Unido, que en aquella convocatoria eurovisiva de 1974 celebrada en Brighton no concedió un solo voto a cuatros suecos completamente desconocidos. Acabaron sin embargo imponiéndose en la liza musical. En la del festival, y en la del mercado.


elpais.com
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Los geniales recortes de Matisse


La Tate Modern dedica una exposición a las obras en las que el artista quería “esculpir el color”

El creador denominaba esos cuadros “pintar con tijeras”




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'Desnudo azul II'. / HENRI MATISSE

Henri Matisse (1869–1954) estaba convencido de que vivía sus últimos días cuando en 1941 encaró una delicada operación quirúrgica, a la que acabó sobreviviendo aunque le dejara postrado en una silla de ruedas. Lejos de sentenciar el epílogo de su carrera, el ya consagrado pionero del modernismo se volcó con ansias regeneradas en lo que consideraba una seconde vie (segunda vida), un nuevo lenguaje visual elaborado a base de recortes de papel pintados en tonos brillantes. Los cut-outs dejaron de ser meras plantillas de sus cuadros y esculturas para convertirse en un modo de representación en sí mismo. A esa última y prolífica etapa dedica la Tate Modern la primera exposición que ha conseguido reunir el grueso de los trabajos con los que el artista francés pretendió (entre 1936 y 1954) “esculpir” el color.

La simplicidad de la propuesta, un proceso casi infantil de yuxtaposición de recortes, contrasta con la exuberancia creativa de las 130 obras procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo que la sede londinense del museo desplegará a partir del jueves. Organizada en colaboración con el MoMA de Nueva York, la muestra ha permitido la inédita exhibición en la misma sala del célebre título El caracol —integrante de los fondos de la Tate— junto a otras dos piezas ejecutadas en el mismo año 1953, Memoria de Oceanía y la gigantesca Composición con máscaras, como culminación de la técnica de los cut-outs. Matisse concibió el conjunto cual gran tríptico, tal y como atestiguan las fotografías tomadas en la época en su estudio de Vence, al sur de Francia.

Los cut-outs no significaron para Matisse una renuncia a la pintura: él lo llamaba “pintar con tijeras”. Aquejado ya antes de la operación de una salud muy precaria, que le impedía mantener la precisión de antaño ante el atril, ideó una técnica que acabó encarnando una nueva y radical forma de modernismo. Sus asistentes, dirigidas por la fiel ayudante Lydia Delectorskaya, pintaban hojas en blanco con gouache de vivos colores y, siguiendo las instrucciones del maestro, las pegaban en las paredes del estudio y de su habitación. Matisse dedicaba muchas horas a meditar sobre el juego de las combinaciones antes de emprender el tijeretazo para dar forma a sus figuras.

Ideó una técnica que encarnó una radical forma de modernismo

En la génesis del concepto están las láminas de sus primeros collages que ilustraron el libro Jazz, imágenes cuya jovialidad contrasta con la oscuridad de los tiempos de la Segunda Guerra Mundial en que fueron realizadas, aunque la edición limitada no se publicó hasta 1947. El esquema de sus combinaciones con motivos circenses —acompañadas de un manuscrito— evoca ese género musical siguiendo una estructura rítmica que acaba quebrada por un repentino acto de improvisación.

El artista ha descubierto un nuevo formato de expresión y da rienda suelta a su libertad en aquel “jardín interior” de formas orgánicas que forraban las paredes de su hábitat, perfilando por ejemplo el movimiento de la danza que siempre le cautivó con una imaginería de creciente escala y complejidad. La serie de Desnudos azules, exhibidos en la Tate junto a algunas de las esculturas de su primera etapa, escenifica una fascinación recuperada por la figura del cuerpo femenino.

Trabajaba frenéticamente en su vejez ante la certeza de que se le acababa el tiempo, y aquellos recortes que un día mostró en su estudio al amigo y rival Pablo Picasso le permitían producir a ritmo rápido. Una vez cautivado por el potencial de ese método, se olvidó completamente del pincel con el que en sus inicios había desafiado la ortodoxia, planteando innovaciones estilísticas que alteraron el curso del arte y le convirtieron en una de las figuras más influyentes del arte del siglo XX. Dos días antes de su muerte, en noviembre de 1954, seguía inmerso en la producción sus cut-outs o gouaches découpées.

Henri-Émile-Benoît Matisse dejó su firma en el diseño y ornamentación de la Capilla del Rosario del pueblo de Vence, en sus murales, el altar, el vía crucis pintado sobre las losas y los vitrales concebidos a partir de las plantillas de los recortes. Aquellos bocetos a golpe de tijera le ayudaron a imaginar sus composiciones transformadas en un vidrio que proyectaba sus colores en el blanco de la cerámica de la iglesia.

Nicholas Serota, el poderoso director del conjunto de galerías del grupo Tate, soñaba con poner en pie una exposición consagrada a los cut-outs desde que visitó esa capilla de la Provenza hace más de cuatro décadas. De forma inusual, Serota figura como uno de los comisarios de esa muestra, que califica como la “más evocadora y hermosa” de las vistas en Londres. Excesivo o no el calificativo, es una oportunidad sin precedentes de sumergirse en la invención de otra forma de hacer el arte.


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Una visitante de la exposición de Henri Matisse en la Tate Modern observa el cuadro 'El caracol'. / LEON NEAL (AFP)


elpais.com
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Malevich en la Tate Modern, la revolución de lo sencillo


     Malevich podrá verse hasta entre el 16 de julio y el 26 de octubre
    Incluye piezas y dibujos poco conocidos del padre del suprematismo
    Recoge muchas de las obras de la legendaria Exposición 0.10



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Kazimir Malevich, "Autorretrato" (1908-1910) State Tretyakov Gallery, Moscú

Kazimir Malevich fue un artista radical cuya obra tuvo una profunda influencia en el arte moderno. Nacido en Kiev en 1878, vivió en primera fila la revolución rusa de octubre de 1917, siendo testigo de un tiempo histórico excepcional.

Poco antes, en la Exposición 0.10 de 1915, sentó las bases fundacionales de un movimiento rompedor, el suprematismo, una audaz propuesta visual de formas geométricas fundamentales y colores sólidos sintetizada en la obra Cuadrado Negro, realizada originalmente en 1915 y de la que el autor ejecutó cuatro versiones.

Malevich también publicó un manifiesto titulado Del Cubismo y el Futurismo al Suprematismo, en el que expone sus teorías acerca del arte nuevo: "Me he transformado en el cero de la forma y emerjo de la nada a la creación, esto es, al suprematismo, al nuevo realismo de la pintura: la creación no-objetiva".

La galería Tate Modern de Londres ha presentado este martes la muestra Malevich, la más completa retrospectiva de este artista en 25 años. Abierta entre el 16 de julio y el 26 de octubre, la exposición recorre obras del autor que reflejan su trayectoria vital, desde los primeros pasos, pasando por su apoyo a la construcción de una sociedad nueva, hasta el choque con el régimen estalinista.
Revolución social y artística

Las convulsiones que presidieron el nacimiento del siglo XX no solo enterraron una forma de entender el poder político y la naturaleza del tejido social. Lo que vino gestándose en los cien años anteriores irrumpió reclamando la validez de definiciones nuevas y la caducidad de los convencionalismos admitidos por inercia.

El trabajo de Malevich no solo refleja el poder fascinador del arte, también retrata el sueño de un nuevo orden social y el éxito y las incertidumbres de los ideales revolucionarios. Los visitantes de la Tate Modern podrán contemplar la evolución de su obra, desde sus primeros trabajos sobre paisajes rusos, campesinos y escenas religiosas, hasta la abstracción y las composiciones del icónico suprematismo.

La teoría suprematista se basa esencialmente en el cuadrado, como elemento plástico elemental. Su rotación da lugar al círculo negro, su traslación en el plano dibuja la cruz, y así es origen de todas las formas. El conjunto incluye además casi todas las pinturas que han llegado hasta hoy pertenecientes a la legendaria Exposición 0.10, como la obra Suprematismo (1915) o Pintura suprematista con trapecio negro y cuadrado rojo (1915), así como una versión de Cuadrado Negro realizada en 1929.


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Kazimir Malevich, 'Supremus No. 55' (1916) Krasnodar Territorial Art Museum


Selección de las mejores colecciones

Esta muestra ofrece por primera vez la oportunidad de apreciar la evolución del artista no solo a través de sus obras maestras más famosas, sino también admirando sus trabajos precedentes así como su polémico retorno al la pintura figurativa. Más de 300 piezas en total que incluyen esculturas y objetos diseñados por el autor, además de una colección de dibujos y grabados poco conocidos, entre ellos más de 150 trabajos sobre papel, el mayor número nunca expuesto.

La exposición ha sido posible gracias a la colaboración especial con la galería de la Fundación Khardzhiev de Amsterdam y la Colección Costakis de Tesalónica, con obras procedentes de colecciones públicas y privadas, entre otras del Museo Estatal Ruso de San Petesburgo, el MoMA de Nueva York y el Centro Pompidou de Paris.


Alguna obras de Malevich en la exposición de la Tate Modern


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Kazimir Malevich, 'Cuadrado negro' (1929) State Tretyakov Gallery, Moscú


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Kazimir Malevich, 'Pintura suprematista con trapecio negro y cuadrado rojo' (1915) Stedelijk Museum, Amsterdam


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Kazimir Malevich, 'Mujer con rastrillo' (1930-32) State Tretyakov Gallery, Moscú


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Kazimir Malevich. 'Suprematismo' (1915) State Russian Museum, San Petesburgo


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Kazimir Malevich 'Retrato de Nikolai Punin' (1933) The State Russian Museum, San Petesburgo


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Kazimir Malevich. 'Un inglés en Moscú' (1914) Stedelijk Museum, Amsterdam


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Kazimir Malevich. 'El hombre de la guadaña (Cortacésped)' (1912) Nizhnii Novgorod State Art Museum


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Malevich, 'Cabeza de campesino' (1928-29) The State Russian Museum, San Petesburgo


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Kazimir Malevich. 'Torso femenino' (1928-29) The State Russian Museum, San Petesburgo


Fuente: rtve.es
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
Exposición TATE MODERN


Alexander Calder, el acróbata del aire

Las esculturas móviles de Alexander Calder levitan en la Tate Modern de Londres



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Escultura sin título fechada hacia 1937. / TATE MODERN

A finales del siglo XIX, las esculturas eran de piedra, de bronce o de madera. En cualquier caso, bloques macizos y sólidos, aligerados por el cincel o por el escoplo, pero firmemente arraigados a la tierra y sin la mínima intención de levitar en el aire o de echar a volar.

Y en esto, llegó Alexander Calder (1898-1976), hijo y nieto de escultores, que iba para ingeniero mecánico y se quedó en acróbata y artista, que viene a ser lo mismo: "Persona que, con riesgo y gran habilidad, salta, baila o hace cualquier otro ejercicio sobre el trapecio o la cuerda floja".

Así puede definirse el salto sin red de Calder, tras probar como mecánico, como militar y como ilustrador, empeñado en seguir contra viento y marea los pasos de sus padres (su madre era retratista), por mucho que le advirtieran que no era manera de ganarse la vida.


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Joan Miró y Alexander Calder, en 1974.

Lo que sí tuvo claro desde el principio es que seguiría un camino hasta entonces no explorado. El secreto estaba en desprender a la escultura de su molesta "masa" y dotarla de una prodigiosa ingravidez, acentuada por las curvaturas, las suspensiones y las sombras: "Lo que yo hago es dibujar en el espacio...".

Hércules y el León (1928) da testimonio de la primera gran ruptura de Calder, celebrado este otoño por la Tate Modern de Londres con una colección de 100 obras reunidas bajo el título de Performing Sculpture.

Sus esculturas cinéticas siguen representando funciones nunca vistas al cabo de tantas décadas; sus obras se mueven al antojo de una mano divina y tienen la cualidad del río de Heráclito: nunca las verás dos veces como los mismo ojos.

Calder retuerce el alambre y monta su propio espectáculo, Cirque Calder, con miniaturas que parecen extraídas de la carpa de los sueños: el caballo al galope, el lanzador de peso, el equilibrista en la cuerda, el leopardo y el elefante... También están sus amigos Joan Miró, Josephine Baker o Fernand Léger, que mira atónito y de perfil a su reflejo metálico, con mostacho incluido.


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Escultura sin título. CARLOS FRESNEDA

Aunque fue una visita a otro coetáneo, Piet Mondrian, la que cambió definitivamente su obra y su vida. "Sería interesante que todos estos elementos geométricos y abstractos se movieran", se atreve a sugerir el artista norteamericano al holandés, que no da su brazo a torcer y sigue fiel a la linealidad y a la rigidez de sus Composiciones.

Cuando Calder abandona su estudio se siente "como el bebé al que le dan unos cuantos azotes para que ponga en funcionamiento sus pulmones" (en palabras propias). Todos sus trabajos anteriores, de mecánico a funambulista, se dan a partir de entonces la mano en unas esculturas que no podían llamarse de otra manera: "móviles" (Marcel Duchamp, otro amigo, oficia el bautismo de las criaturas).

A Calder le gusta controlar ocasionalmente el movimiento de sus obras con un pequeño y silencioso motor, "para mover las piezas como si fuera la coreografía de un ballet". Pero en el ensamblaje de sus piezas, el creador deja siempre espacio para la improvisación, de modo que el espectador no verá nunca lo mismo, aunque corra el riesgo de entrar en trance.

"Las obras de Calder tienen la virtud de capturar todo el dinamismo del siglo XX y de transportarnos al mismo tiempo a un espacio de reflexión", asegura Ann Coxon, comisaria de la exposición en la Tate Modern, que nos invita a asomarnos en silencio al universo del artista norteamericano, como en tiempos lo hizo el propio Albert Einstein, que pasó 40 minutos intentando descifrar Constelaciones (emparentadas con las de Joan Miró).


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Una de las salas de la exposición. CARLOS FRESNEDA

Y sin embargo, la aproximación de Calder a sus obras ingrávidas era más "intuitiva" que científica, según explica su nieto Sandy Rower. "El tópico de que mi abuelo calculaba hasta el último detalle el movimiento de sus piezas no es cierto. Su manera de trabajar no era lineal, sino siempre abierta a la improvisación y a la novedad. Era ante todo un innovador, que se entregaba con pasión a lo que hacía y se reinventaba constantemente".

En el estudio instalado en la vieja granja de Roxbury, en Connecticut, Calder evoluciona desde la geometría inicial a formas más orgánicas. Ahí están Vertical Foliage, Gamma o Snow Flurry, que sugiere una nevada en el bosque. Con el tiempo, el artista da una nueva dimensión sonora a sus obras, anticipada de lejos en Pequeña Esfera y Pesada Esfera (1932) y rescatada con los Gongs rojos (1955).

En Maestro de Orquesta (1966), instalada para la ocasión en la sala de turbinas de la Tate, Calder convierte uno de sus móviles en "director" de una banda de cuatro percusionistas, obligados a interpretar siguiendo la secuencia y la velocidad impuesta por la escultura musical.

Brasil fue la tardía inspiración del artista, que donó una de sus obras más celebradas, Viuda Negra, al Instituto de Arquitectos en Sao Paulo. La obra metálica, de cuatro metros de alto y 19 piezas suspendidas la una en la otra, se interpreta como la metáfora visual del nuevo orden social que emergió en la segunda mitad del siglo XX. Y el mundo sigue dando vueltas.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: TATE GALLERY (Britain, Modern, Liverpool Y St. Ives) 
 
La Tate Modern renovada abrirá sus puertas con un 60% más de espacio

Con la renovación, el museo, que recibe cada año a 5 millones de visitantes, se convertirá en el edificio cultural más importante del Reino Unido de los últimos 20 años



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Una imagen de la Tate Modern.

La Tate Modern de Londres, el museo de arte contemporáneo más visitado del mundo, abrirá las puertas de sus nuevas instalaciones el próximo 17 de junio, con un 60 % más de espacio y una presentación innovadora de sus colecciones. El director del grupo Tate, Nicholas Serota, señaló que "la nueva" Tate Modern es un instrumento que permite "ofrecer una rica variedad de experiencias" a sus visitantes, y a los artistas "la oportunidad" de mostrar sus creaciones de "diferente manera".

Con la renovación, a cargo del estudio suizo de arquitectos de Jacques Herzog y Pierre de Meuron, el museo, que recibe cada año a 5 millones de visitantes, se convertirá en el edificio cultural "más importante del Reino Unido de los últimos 20 años".

Cuando se presente al público, contará con una disposición de las obras innovadora, que enlaza las más reconocidas adquisiciones de la colección con otras más recientes, desde la apertura de la galería en el año 2000 en una vieja central eléctrica enclavada en la orilla sur del Támesis.

El museo, cuya remodelación ha costado 260 millones de libras (327 millones de euros) exhibirá las creaciones de más de 250 artistas de cerca de 50 países. En la exposición se mostrará la evolución del modernismo, desde los salones en los que nació, hasta los proyectos y espectáculos en vivo que interactúan con la sociedad actual.

El director de la Tate Modern, Chris Dercon, explicó que "el arte es una de las manifestaciones más dinámicas y comprometidas del comportamiento humano, y actualmente, cuando la gente acude a los museos, no quiere ver obras alejadas de sus propias vidas, desea contemplar arte que le acerque a su experiencia vital". "La nueva Tate Modern será mucho más que un mero contenedor de arte, constituirá una plataforma para favorecer encuentros humanos", apostilló.

La Sala de Turbinas será el corazón de la nueva instalación, con la ya conocida Sala de Calderas, de seis pisos, a un lado, y la nueva Sala de Conmutadores, de 10 pisos y que se eleva sobre los tanques de combustible, al otro. Esta sala contará con una "espectacular" variedad de espacios para los visitantes y para el arte: desde la visión de los tanques y su carácter netamente industrial, hasta la panorámica de Londres desde la terraza superior.


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El artista Ushio Shinohara en 2015 junto a su pintura 'Festival de Muñecas', que se exhibirá en la Tate Modern, en Londres.

La renovada Tate Modern dispondrá también de nuevos espacios urbanos al este y al oeste del edificio, que completan la transformación del complejo, que pasa de ser un espacio cerrado e industrial a un lugar abierto y público.

La galería ofrecerá una perspectiva del arte moderno "más diversa e internacional que nunca", al explorar la conexión entre los artistas de ciudades de todo el mundo, desde São Paulo a Tokio, con los tradicionales centros como Berlín, París, Londres y Nueva York.

Actuaciones en vivo, películas, fotografías e instalaciones se integrarán en las muestras y también habrá espacios para proyectos digitales pioneros, para la reflexión y el debate.

Obras de grandes artistas del siglo XX, como Pablo Picasso, Joseph Beuys y Mark Rothko, convivirán con otras de creadores conocidos por el gran público gracias a la Tate Modern, como la libanesa Saloua Raouda Choucair, el beninés Meschac Gaba o el brasileño Cildo Meireles. Muchas de las nuevas adquisiciones se expondrán por primera vez en 2016, como una instalación de pelo humano y guardabarros de coches realizada por la india Sheela Gowda, una habitación llena de sacos de arpillera, obra de la polaca Magdalena Abakanowicz o una película en pantalla múltiple del director tailandés premiado en Cannes Apichatpong Weerasethakul.


elpais.com
 




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