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LEONARDO DA VINCI
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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Exposición en Madrid: 'Leonardo Da Vinci. Los rostros del genio

'Leonardo Da Vinci. Los rostros del genio' mostrará por primera vez en España el único autorretrato del artista

La exposición se celebrará en Madrid del 29 de noviembre de 2018 al 19 de mayo de 2019, mostrará en exclusiva y por primera vez en España la 'Tavola Lucana', el único cuadro que según los expertos podría ser considerado el verdadero autorretrato de Leonardo.



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La 'Tavola Lucana', considerado el verdadero y único autorretrato de Leonardo.

La muestra, con la que Madrid se suma a la conmemoración del quinto centenario del fallecimiento del genio renacentista, tendrá dos espacios expositivos, el Palacio de las Alhajas y la Biblioteca Nacional, donde se mostrarán, entre otros, los Códices Madrid I y Madrid II, dos manuscritos en los que el genio renacentista dejó cumplida huella de algunos de los temas que llegó a dominar, como la ingeniería, la mecánica, la hidráulica y el arte.

El coordinador general de Alcaldía, Luis Cueto, junto con el embajador de Italia, Stefano Sannino; la directora de la Biblioteca Nacional de España, Ana Santos; el director de la Fundación Montemadrid, José Guirao, y el experto en Leonardo Da Vinci y comisario de la exposición, Christian Gálvez, presentarán 'Leonardo Da Vinci. Los rostros del genio', este martes, 29 de mayo, a las 12.00 horas, en el Palacio de las Alhajas, se de la Fundación Montemadrid.


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'Plano de Imola' de Leonardo da Vinci (1502).


Enlaces:

http://www.traveler.es/experiencias...nido-2019/12126

http://www.europapress.es/madrid/no...0529154300.html



lavanguardia.com / milenio.com
 




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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Walter Isaacson | Biógrafo


“Da Vinci no fue un oscuro notario más porque era un hijo bastardo”

El autor de 'Steve Jobs' e 'Innovadores' publica una nueva y brillante aproximación al genio del Renacimiento



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El biógrafo Walter Isaacson, ayer en Madrid. Álvaro García

De haber nacido dentro del matrimonio que Piero, su padre, contrajo con Albiera, una rica heredera florentina, Leonardo da Vinci hubiera tenido que seguir la línea familiar que entroncaba con su tatarabuelo. “Suerte que era bastardo. Se habría convertido en un oscuro notario más”, comenta Walter Isaacson, su biógrafo más reciente.

Menos mal… El 15 de abril de 1452, el abuelo Antonio anotaba: “Me nació un nieto… Le pusieron de nombre Leonardo”. Su madre, Caterina, era una campesina del pueblo sobre la que algunos conjeturaron que se trataba de una esclava árabe, incluso china. Gracias a ese detalle, el niño quedaba fuera de todo derecho –que no atención- por parte paterna y podía recibir una educación más heterogénea. Así, y con una curiosidad compulsiva, paso a paso, nació uno de los escasos y más asombrosos genios de la innovación y el arte que ha parido la humanidad.

Y un referente para el mundo de hoy, sostiene Isaacson. La luz con que se iluminó Steve Jobs, otro de sus personajes contados en una obra de referencia, lo mismo que Albert Einstein, Benjamín Franklin o Henry Kissinger. Hombres que de algún modo u otro, entre hallazgos, ímpetu y obsesiones, cambiaron el mundo en que vivían. No siempre para bien. “La biografía es un género efectivo para contar qué nos ocurre”, asegura el autor en Madrid, donde ha venido a presentar el libro publicado por Debate.

Da Vinci se erige en el más audaz modelo renacentista. “Un hombre que supo de qué manera ciencia y arte andan absolutamente conectados. Alguien que aparece en uno de esos cruces dentro de la historia en que se da un avance crucial. En su caso, cuando se entremezclan grandes enigmas de la astronomía, la ingeniería, la anatomía y el arte con la aparición de la imprenta. En Jobs ocurre justo cuando tres inventos que nacen por separado, la computación, la red y el microchip, explotan y transforman nuestras vidas”, afirma Isaacson.

Ninguna disciplina le resultaba ajena. Y de los genes notariales adaptó algo crucial para sus métodos: la anotación constante por escrito en miles de páginas. “El papel es tecnología punta. Con Leonardo he conseguido algo que no había logrado con Steve Jobs. Ni los ingenieros de su equipo pudieron recuperar miles de correos que me hubieran ayudado a escribir su biografía por un fallo en el sistema. Sin embargo, los cuadernos de Leonardo ahí siguen, 500 años después”.

Llenos de dibujos con lo que pudo llevar a cabo o lo que sencillamente soñó. Ahí radica la clave de lo que debe acompañar al genio. El trabajo en equipo: “Las mentes capaces de crear ideas innovadoras deben contar con alguien que las lleve a cabo, sino, sencillamente, se quedan en alucinación”, asegura Isaacson. Pero en el caso de Leonardo se daba todo: la capacidad visionaria llevada a la práctica, la adelantada y aplicada por otros siglos después, el estudio pormenorizado de la anatomía, la astronomía, la geología, la óptica, la perspectiva, la geometría, las matemáticas cara a confluir en los dos campos en que se consideraba imbatible: la ingeniería y el arte.

De hecho, según fuera el caso, daba prioridad a una sobre otra. Cuando de Florencia quiso salir, agobiado por la presión de los encargos, pidió trabajo en Milán. Pasó del reino de los Medicis al de los Sforza. En una carta donde compila sus habilidades destaca la pericia para construir armas, puentes, presas… “Además pinto…”, añade al final. Le contrataron como productor de espectáculos. “Deseaba ir a Milán para ampliar sus estudios en una universidad más abierta, conocer y rodearse de nuevos talentos que le hicieran aprender matemáticas, anatomía, botánica…”.

Nada en vano. Aquellos biógrafos que se desesperan con la teórica dispersión en tantos campos de Leonardo, se equivocan, según Isaacson. Todo confluye en su arte. Y concretamente en el misterio de una obra maestra, la Mona Lisa. “La pintó durante 16 años. Murió con ella al lado. No la dio por concluida. Todos los conocimientos del funcionamiento del cuerpo y la naturaleza, los mecanismos del sistema nervioso que producen la sonrisa acaban en este cuadro. Eso es lo que marca la diferencia. Ahí vemos su genio”.

También comprendemos la obsesión del poder por atraerlo a su órbita. La capacidad de adaptarse a sus mecenas fue otro de los rasgos distintivos de su figura. Elegante y atractivo, seductor y llamativo. Arreglado a la última moda, con un toque estrambótico de artista sin complejos, ropajes empedrados y túnicas rosáceas. Transparente y cabal en la valentía con que vivió su homosexualidad frente al caso más atormentado de su paisano y oponente florentino, Miguel Ángel, Da Vinci era toda una leyenda ya en vida.

No sólo anduvo a expensas de los Medicis en Florencia y los Sforza en Milán. Sirvió en un triángulo diabólico a los Borgia en época de Maquiavelo. “Pero acabó espantado de aquello. No siempre el poder congrega a los mejores para que sirvan a buenos propósitos”, comenta Isaacson. Da Vinci supo apartarse de ese círculo y acabar en un ambiente más noble, junto a Francisco I de Francia: “Era un rey muy refinado. Quiso introducir en la corte lo mejor del espíritu florentino renacentista y contrató a Leonardo”.

Allí llegó, más avejentado a sus 65 años de lo que aparentaba para su edad. Se instaló y se convirtió en uno de los personajes más influyentes del trono. No sólo por su pericia práctica en la ingeniería, el arte y la arquitectura. El rey lo admiraba como filósofo. En Ambois murió, cuentan que en brazos del monarca. El arte de Ingres, tiempo después, así lo plasmó. Pero como gran parte de su vida, salvo lo que se empeñó en dejar bien cotejado sobre un papel, aquello es un misterio.


El péndulo de la democracia y Pedro Sánchez

Aparte de biógrafo, Walter Isaacson ha sido durante 16 años presidente del Instituto Aspen. “Una de las personas que han colaborado con nosotros es hoy presidente del Gobierno en España: Pedro Sánchez”. El líder socialista ha participado en algún encuentro promovido por esta organización que analiza liderazgos y mezcla disciplinas para tratar de comprender el mundo de hoy. Isaacson ha dejado el cargo en mayo. Pero llega a España desde Italia, donde ha quedado preocupado por el ascenso del populismo. No sólo ahí. También en Hungía, Polonia, Reino Unido. España es hoy una excepción al resto”. Y eso que Isaacson llega convenientemente espantado de la América de Trump. Y entonando una especie de mea culpa colectivo: “Durante muchos años, la globalización y el desarrollo de las nuevas tecnologías, que yo he visto como un progreso, han dejado de lado a las clases medias y desfavorecidas. Estamos pagando esas consecuencias de desatención. Pero la democracia es un péndulo. Y en Estados Unidos hemos vivido épocas peores, como el macartismo o la caza de brujas. Pasará”. Lo malo es lo que se lleva en medio por delante. ¿Tendrá remedio?


Jesús Ruiz Mantilla / elpais.com



TÍTULO: 'LEONARDO DA VINCI'


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Autor: Walter Isaacson.
Editorial: Debate (2018).
Formato: tapa dura (584 páginas).
Precio: 24,60€
 




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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
no me creo que Leonardo hubiera funcionado como notario, aunque hubiera sido hijo reconocido. En verdad no era un hijo bastardo, sino natural, porque tenia el apellido del padre y de la familia, aunque no fuera reconocido legalmente, algo que hubiera obligado a que fuera notario y siguiera con el oficio de la familia.


Por cierto. Noticia nueva. Dicen que han encontrado su primera obra, no sé si sera verdad pero me tengo que leer los articulos, aunque no me creo que sea un autorretrato, pero quien sabe


http://www.lavanguardia.com/cultura...a-da-vinci.html

http://www.cubadebate.cu/noticias/2...i/#.Wyzg66f7Rph

https://www.heraldo.es/noticias/oci...01-1361024.html
 



 
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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
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Título: Leonardo da Vinci, La Biografía
Autor: Walter Isaacson
Editorial: DEBATE
Fecha de publicación: 2018
Nº de páginas: 584 págs.
Encuadernación: Tapa dura
Precio: 25,90 €
    

El aclamado autor de los best sellers Steve Jobs y Einstein nos vuelve a cautivar con la vida del genio más creativo de la historia en esta fascinante biografía.

Basándose en las miles de páginas de los cuadernos manuscritos de Leonardo y nuevos descubrimientos sobre su vida y su obra, Walter Isaacson teje una narración que conecta el arte de Da Vinci con sus investigaciones científicas, y nos muestra cómo el genio del hombre más visionario de la historia nació de habilidades que todos poseemos y podemos estimular, tales como la curiosidad incansable, la observación cuidadosa y la imaginación juguetona. Su creatividad, como la de todo gran innovador, resultó de la intersección entre la tecnología y las humanidades. Despellejó y estudió el rostro de numerosos cadáveres, dibujó los músculos que configuran el movimiento de los labios y pintó la sonrisa más enigmática de la historia, la de laMona Lisa. Exploró las leyes de la óptica, demostró como la luz incidía en la córnea y logró producir esa ilusión de profundidad en laÚltima cena.

La habilidad de Leonardo da Vinci para combinar arte y ciencia -esplendorosamente representada en el Hombre de Vitruvio- continúa siendo la regla de oro de la innovación. La apasionante vida de este gran hombre debe recordarnos la importancia de inculcar el conocimiento, pero sobre todo la voluntad contagiosa de cuestionarlo: ser imaginativos y pensar de manera diferente.


Comentario:

Por supuesto que conocia a Leonardo da Vinci, o eso creía. Si bien soy su admirador de siempre, aunque debo reconocer que lo que más conocía de él eran sus cuadros y sus ilustraciones y de manera aleatoria su intervención en otras disciplinas. He de admitir que he leído mucho sobre Leonardo, incluso tengo varios libros, aunque estos están principalmente dedicados al mundo de las artes. También desde hace años le tengo dedicado un trabajo en el foro de xerbar. Que en colaboración con Hyperborea, un gran admirador y estudioso del genio florentino: hemos estado al tanto y actualizando sus contenido de las nuevas publicaciones o noticias relevantes, que 500 años después siguen interasando al mundo de las artes y la ciencia.

Si hubiera que señalar a los diez personajes más destacados de la Historia Universal, Leonardo da Vinci figuraría entre ellos y posiblemente en cabeza. He terminado de leer las 500 páginas de la nueva biografía de Walter Isaacson, que además de ser objetiva es brillante y enriquecedora, y su lectura me ha entusiasmado por su gran interés y contenido, revelando facetas desconocidas de su vida y mostrando su gran curiosidad por temas tan dispares, que van desde su faceta más conocida de pintor, pasando por anatomista, ingeniero militar e hidráulico, arquitecto, urbanista, paleontólogo, botánico, científico, escritor, filósofo, inventor, músico, escultor, artista o empresario teatral.

Por todo lo leído y comprendido en el libro mi admiración por el personaje se ha acrecentado. De no creer tanta sabiduría y tantas anticipaciones en un siglo de tinieblas como el XV, pocos como Leonardo han comprendido la dimensión del hombre que pintó Mona Lisa y diseñó las primeras máquinas voladoras.

Según artículo de Luis Maria Ansón, y estoy de acuedo con él: No era Leonardo ni soberbio ni presuntuoso, pero sabía muy bien la consideración que se merecía: “Puedo esculpir en mármol, bronce y yeso, así como pintar cualquier cosa tan bien como el mejor, sea quien sea”, escribió al soberano Sforza de Milán cuando pidió trabajo. Y quien sea era Miguel Ángel. También Rafael, Mantegna, Fra Angélico, Bellini, Chirlandajo, cercano el aliento de Tiziano, Tintoretto y Veronese.

Lo que demuestra el libro de Isaacson es que Leonardo da Vinci se consideró siempre un científico, con especiales facultades para la invención, la investigación, la ingeniería y la anatomía. Queda claro, conforme al biógrafo, que Leonardo no contraponía, sino que armonizaba el arte y la ciencia. Y que sus inquietudes abarcaban todas las cuestiones humanas porque tal vez no haya existido nunca un hombre tan universal como él en el área del conocimiento. Nada escapaba a su curiosidad y a su estudio.

Walter Isaacson ha escudriñado los principales escritos de Leonardo, además del Tratado de la pintura, y, entre ellos, los códices de Madrid; también el códice Leicester, sobre el agua; el Arundel, sobre arquitectura y mecánica; el Forster, sobre maquinaria y geometría; el turinés, sobre el vuelo; o el trivulziano, sobre las aves. No rechaza Isaacson la biografía clásica de Giorgio Vasari, que se publicó en 1550 y que ha vertebrado una buena parte de las obras escritas sobre el genio. La completa con una investigación rigurosa de aspectos desconocidos de la vida y la obra del pintor de La Virgen de las rocas.

Para la cultura popular, Leonardo da Vinci es un pintor genial comparable a Miguel Ángel, Rafael Sanzio, Tiziano, Rembrandt, Rubens, o nuestros Velázquez, Goya o Picasso. Pero la nueva biografía subraya que estamos ante un hombre universal, por encima del pintor, del escultor, del arquitecto, del ingeniero, del matemático o del científico. Leonardo da Vinci es el pasmo de la condición humana. Siempre tenía una larga lista de deberes de los más variopinto.

Un libro excepcional, el autor ha logrado reunir una documentación extraordinaria de infinidad de fuentes, de lo mejor que leído, que siempre lo tendré a mano para consultarlo, recordarlo y como no recomendarlo.

Mi valoración es de 10 sobre 10
 




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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
El misterioso origen del ‘Salvator Mundi’, el cuadro más caro de la historia

Una nueva investigación pone en duda la procedencia del cuadro de Da Vinci, comprado por el Louvre Abu Dabi por más de 380 millones



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El cuadro "Salvator Mundi" en la casa de subastas Christie en octubre. / KIRSTY WIGGLESWORTH - AP

El Salvator Mundi de Leonardo Da Vinci, adquirido el pasado noviembre por el Louvre Abu Dabi por la cifra histórica de 450 millones de dólares (algo más de 380 millones de euros) vuelve a generar debate entre los expertos del Renacimiento. Según la revista especializada The Art Newspaper, una nueva investigación de Jeremy Wood, un profesor de Historia del Arte de la Universidad de Nottingham, en Reino Unido, ponen en duda la proveniencia del famoso cuadro.

Como lo explica la publicación, si bien la obra fue realizada para el rey de Francia Luis XII y su esposa Ana de Bretaña entorno al 1500, no volvió a aparecer hasta el siglo XVII en Inglaterra, en posesión del rey Carlos I. Los expertos siempre habían pensado que la adquisición del cuadro se hizo a través de su esposa, la princesa francesa Henrietta Maria, y que la obra se quedó en los apartamentos de la pareja real hasta su ejecución en 1649. Pero según las investigaciones de Wood, el Salvator Mundi en realidad no se encontraba en la propiedad de Greenwich sino en la residencia en Chelsea de James, tercer marqués —y futuro Duque de Hamilton—, entre 1638 y 1641.

Una versión que corrobora Margaret Dalivalle, citada por la revista: “Entendí inmediatamente de que se trataba de una obra de mayor importancia cuando leí la descripción del cuadro en el inventario de Hamilton (…) que lo describe con mucha precisión”. Y añade: “El cuadro estaba en una colección ligada casi incestuosamente a la colección real. El Rey, según un documento del 18 de octubre de 1638, quería tener la selección de pinturas compradas por Hamilton en Venecia, amenazando el pago de derechos de aduana, y la predilección del rey y la reina por Leonardo está documentada".

La especialista explica que no encontró la mínima prueba que confirme que Henrietta María trajo el cuadro, que fue registrado como parte de su dote en 1649, a Francia.

Según The Art Newspaper, las investigaciones de los especialistas del mercado del arte del siglo XVII se centrarán, a partir de ahora, en el examen de las obras que Hamilton compró a los coleccionistas venecianos y en el análisis de los cuadros que heredó de sus ancestros.

Hace unas semanas, Matthew Landrus, un especialista británico del Renacimiento, aseguraba que la obra, adquirida por un príncipe saudí en la subasta que organizó Christie en octubre 2017, y que el museo expondrá al público el próximo 19 de septiembre, no fue realizada por el maestro italiano sino por uno de sus alumnos: Bernardino Luini. “Ojalá se consiga resolver todas las incógnitas que rodean la obra antes de la exposición que el Louvre de Paris consagrará al pintor en octubre 2019”, concluye la publicación.



elpais.com
 




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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Abu Dabi pospone la presentación del ‘Salvator Mundi’ sin dar ninguna explicación

El cuadro más caro de la historia no se podrá ver este mes tal y como estaba previsto



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El cuadro "Salvator Mundi", atribuido a Leonardo da Vinci

Las sorpresas en torno a Salvator Mundi, el cuadro más caro de la historia, se suceden. Después de que un nuevo estudio pusiera en cuestión su origen, ahora el Departamento de Cultura y Turismo de Abu Dabi ha anunciado que la presentación oficial de la obra, prevista para el 18 de septiembre, se pospone. En su comunicado, emitido ayer por Twitter, las autoridades no dan más explicaciones sobre la puesta de largo de este cuadro atriubuido a Leonardo Da Vinci, adquirido el pasado noviembre por el príncipe saudí Bader al Saud por la cifra histórica de 450 millones de dólares (algo más de 380 millones de euros) y cedido después al Louvre Abu Dabi para su exposición. "Daremos más información en breve" es todo lo que dicen. El medio oficial de Abu Dabi, The National, especula con la posibilidad de que el cuadro sea finalmente expuesto en noviembre, con motivo del primer aniversario de su adquisición.
 

Aunque existen dudas entre algunos expertos incluso sobre la verdadera autoría de la pintura, la historia oficial y tumultuosa de esta obra de arte asegura que Salvator Mundi se pintó en el mismo marco temporal que la Mona Lisa. La composición es muy similar y son un perfecto ejemplo del misterio que rodea su trabajo. Su historia también es extraordinaria. La pintura decoró la estancia privada de Henriqueta María de Francia, esposa del rey Carlos I de Inglaterra, en el palacio en Greenwich. Desapareció tras ser subastada en 1736. Sir Charles Robinson la compró en 1900 pensando que era un trabajo de un discípulo de Leonardo.

La obra maestra de Da Vinci quedó de nuevo en el olvido, perdida entre otros trabajos artísticos que integraban su colección. La pintura, que había sido manipulada, fue consignada a la casa de subastas Sotheby´s para su venta en 1958. Se pagaron por ella 50 millones de euros. Volvió a desaparecer hasta que reemergió en una pequeña subasta hace 12 años. El redescubrimiento movilizó a expertos en el trabajo de Leonardo, que certificaron su autenticidad. El príncipe saudí que la adquirió en noviembre del pasado año por un precio récord puso la guinda a una historia sin parangón.
 




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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Excelente post! El padre del arte en mi opinión, el mejor de todos los tiempos.
 



 
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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Leonardo da Vinci tenía estrabismo, según un estudio de sus retratos

La posición de los ojos en obras en las que pudo ser el modelo sugiere esta divergencia ocular



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Este 'San Juan Bautista', expuesto en el Museo del Louvre, parece ser estrábico. El problema es que no hay pruebas de que sea el propio Leonardo.

Leonardo da Vinci pudo ser un estrábico divergente. Esa es la conclusión a la que llega un neurocientífico británico tras analizar varios supuestos retratos y autorretratos del pintor. Va incluso más allá: la exotropía habría facilitado al maestro italiano su genial capacidad para representar la profundidad en superficies planas. Sin embargo, tanto paleopatólogos como oftalmólogos consideran aventurado diagnosticar que da Vinci tuviera estrabismo solo viendo unos cuadros en los que ni siquiera se sabe con certeza si él hizo de modelo.

Si se pudieran juntar en una misma sala la decena de obras analizadas en el estudio, alimentarían aún más las fantasías y leyendas que rodean al genio italiano. Tres estatuas hechas por Andrea del Verrocchio cuando da Vinci era su discípulo usaron a la misma persona, o una muy parecida, como modelo. En las tres se aprecia que uno de los ojos tiene la mirada desviada. Para muchos, entre los que se incluye el especialista en neurociencia visual y autor del estudio, el profesor de la Universidad de la City de Londres Christopher Tyler, la persona que aparece en mármol o en terracota es un joven Leonardo.

La desviación ocular o exotropía es más evidente en dos de los cuadros de Leonardo, su San Juan Bautista, pintado en torno a 1508-1513, y el Salvator Mundi, la obra más cara de la historia. Incluso en dos de sus míticos dibujos, el renacentista Hombre de Vitruvio y su Autorretrato, ya anciano, Tyler aprecia cierta divergencia ocular. Para él, no hay duda de que la persona que aparece en las distintas obras tenía estrabismo divergente. Incluso, estima el ángulo de desviación observado en cada una de las obras.

  El estudio da por supuesto que el hombre representado en estatuas y pinturas es el propio Leonardo

De los distintos grados de divergencia, Tyler infiere que da Vinci podía controlar su estrabismo."El análisis del alineamiento de los ojos concuerda con un diagnóstico de exotropía intermitente, lo que sugiere que Leonardo da Vinci tenía una tendencia exotrópica de unos -10.3º en reposo, pero que podía volver a ortotropía [ambos ojos miran al mismo punto] cuando enfocaba, como cuando revisa su propio rostro para un autorretrato", escribe Tyler.

En el estudio, publicado en JAMA Ophthalmology, el investigador británico explica que la exotropía intermitente "se asocia generalmente con una buena visión estereoscópica cuando los ojos están rectos" pero se pierde cuando el ojo se desvía. "Si ves el mundo con solo ojo, debido a la supresión del otro cuando se desvía, la escena visual parece mucho más plana y, por tanto, más fácil de trasladar al lienzo", detalla en un correo Tyler. Así que tener una deficiente visión binocular podría ser una ventaja a la hora de llevar las escenas tridimensionales a una superficie.
 

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El 'Salvator Mundi', atribuido a da Vinci muestra una ligera divergencia hacia afuera del ojo izquierdo que concordaría con un estrabismo divergente. Pero nada prueba que el modelo del cuadro sea el propio Leonardo. / JAMA - Network

"Este tipo de diagnóstico retrospectivo es arriesgado y, en mi opinión, bastante ingenuo", critica Michael F. Marmor, profesor de oftalmología y biología humana en el Byers Eye Institute de la Universidad de Stanford (EE UU). Y lo es por varias razones. "Primero, es dudoso que estas obras representen a da Vinci. La relación entre estos trabajos es muy circunstancial y dudosa y ¡todas las caras parecen diferentes!", añade. "Los artistas comenten errores en sus autorretratos. Rembrandt cambiaba la posición del ojo, Van Gogh pintada los suyos unas veces azules, otras verdes y hasta marrones. Las licencias artísticas mandan y los ojos eran, sospecho, añadidos al cuadro en el último momento. Pero sí, incluso las fotografías de gente normal muestran algo de estrabismo cuando miran hacia un lado", completa el autor del libro The Artist's Eyes (Los ojos del artista, no editado en español).

Marmor también descarta que, en todo caso, el estrabismo le aportara algo a da Vinci. "Los que tenemos visión normal no tenemos problemas para ver las imágenes en dos dimensiones de los libros o las fotografías y los artistas con buena percepción de la profundidad tampoco los tienen para pintarlas. Los pocos artistas estrábicos que se sabe que lo eran, como Durero o Barbieri, Il Guercino, "pintaron maravillosas obras con fina perspectiva", explica.

El paleopatólogo italiano Francesco Galassi usa los registros históricos para diagnosticar males que aquejaron a personajes del pasado, como Julio César, el rey visigodo Alarico I o Dante Alighieri. Pero, en el caso de da Vinci, cree que el científico británico va demasiado lejos. "Lo que se puede afirmar sobre este estudio oftalmológico es que en las obras de Leonardo hay ejemplos interesantes de representaciones antiguas de estrabismo, pero considerar estas obras como auténticos autorretratos del maestro me parece exagerado", sostiene. Para Galassi, solo si se hallara dónde está enterrado Leonardo da Vinci habría una posibilidad de diagnosticar sus enfermedades. Pero no cree que "se pueda reducir la compleja naturaleza del genio a simples elementos biológicos".

elpais.com
 




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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Florencia celebra al “verdadero” Leonardo, el científico y visionario

Los Uffizi abren una ambiciosa muestra con el ‘Código Leicester’, gran tratado sobre el agua de Da Vinci, propiedad de Bill Gates. Supone el primer hito de su quinto centenario



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El 'Códice Leicester', en la galería de los Uffizi (Florencia). / Claudio Giovannini - AP

Las revoluciones, también las científicas, suelen derramar sangre. Y algunas de las anotaciones que Leonardo Da Vinci (1452-1519) escribió en aquel volumen de 72 páginas y que anticiparon tantos descubrimientos siglos después, podrían haberle costado la vida. No era buena idea, por ejemplo, andar por ahí en 1506 con la ocurrencia de que el mundo existía desde mucho antes que el hombre o que los castigos del cielo, en realidad, no iban a llegar en forma de diluvio, sino a causa de todo lo contrario.

Pasaron 500 años y decenas de misiones de la NASA para que otras reflexiones, como la que apuntaba a la existencia de agua en la Luna pudieran ser confirmadas. El Código Leicester, el monumental tratado de Leonardo Da Vinci sobre el agua, ha vuelto a Florencia 36 años después para certificar todas aquellas predicciones revolucionarias y comenzar a celebrar el medio milenio de su muerte, que se vivirá a partir de enero.

Lo que hoy se conoce como Código Leicester, un acercamiento protoecologista a algunas de las principales cuestiones sobre el origen de la vida y la mecánica de los fluidos, formaba parte de los escritos que en 1519 Francesco Meliz se llevó de Francia a Milán. Notas dobladas sobre sí mismas e insertadas unas dentro de las otras que formaban un álbum de 32 hojas rasgadas, con su diminuta escritura especular (de derecha a izquierda, solo legible con un espejo) y donde plasmaba sus diagramas sobre los movimientos del agua. Un oasis dentro de las 30.000 páginas que debió de escribir —de las que 7.000 han sobrevivido hasta hoy— que certifican la horizontalidad de un artista dedicado a la física, la arquitectura, la botánica, la escultura o la filosofía.

“Hay una jerarquía de conocimiento que le hace muy conocido por su obra gráfica. Para mí, el verdadero Leonardo está en los códices que ha dejado y no en su pintura. Estaría bien que este año se expliquen estos tesoros casi ilegibles”, señala Paolo Galuzzi, director del Museo Galileo y comisario de la muestra El Código Leicester de Leonardo da Vinci: agua, microscopio de la naturaleza.

El manuscrito, elaborado entre 1506 y 1508 en Florencia y Milán, llegó la pasada semana a la Galería de los Uffizi en un embalaje especial dentro de una caja procedente de EE UU. Bill Gates, su propietario desde que en 1994 lo compró en una subasta por 30 millones de dólares —es el único de los grandes códices que no es propiedad de un Estado—, lo ha cedido para que se construyese una muestra multimedia para la que también ha aportado tecnología. Los dibujos están animados y seis pantallas interactivas permiten escudriñar las páginas del documento escrito más caro del mundo.
 
La muestra supone un hito entre todas las que podrán verse en 2019 alrededor del genio renacentista. No hay que esperar grandes exposiciones con su obra pictórica. Eike Schmidt, director de los Uffizi, cree imposible reunir en una muestra ese tipo de trabajos —hay 21 en el mundo— y tampoco sería lo más adecuado. “Son obras que no se pueden transportar a cualquier sitio. Se pondría en riesgo piezas únicas destinadas a llegar a futuras generaciones”. Las grandes piezas de Leonardo que posee la Galería de los Uffizi no se moverán de Florencia. De hecho, acaban de ser colocadas en una sala especial que permitirá dialogar a Bautismo de Cristo con La Anunciación y Adoración de los Reyes Magos.

Por ello, Galluzzi cree que era fundamental que el Códice volviese a Florencia este año —en la ciudad se celebrarán otras tres muestras de menor relevancia—, pero a través de un montaje que “hiciese hablar un documento que, de otro modo, sería ilegible”. “Anticipa varios elementos. Nadie había hecho antes ni después en mucho tiempo un análisis de la composición del agua, de cómo se mueve, qué daños produce o qué beneficios aporta su energía. Nadie había intentado conocer las leyes que la gobiernan”.

El Códice Leicester, que escribió a los 55 años, es uno de los primeros modelos donde se reconoce una transformación que Leonardo había empezado a asumir los años precedentes, en los que todavía prefería expresarse con el diseño. “Aquí pasó a una fase más severa, se convirtió en un humanista renegando de los orígenes. Dialoga con los filósofos y astrónomos, no con los artesanos. Busca las causas de los fenómenos. No trata de producir máquinas, sino los principios que las rigen”.

Leonardo nunca llegó a compilar un volumen con todas las ideas sobre el fluido que riega las venas del mundo. Juan Barja, director del Círculo de Bellas Artes y coautor con Patxi Lanceros de El libro del agua (Abada Editores), lo hizo siglos después por él. “Lo importante es que tiene una visión asombrosa de la dinámica de fluidos, pero la desborda y se convierte en una tesis sobre un tiempo no lineal de la historia, que es como se dan en la realidad”, señala Barja. Una propuesta que incluso utilizó Sergei Eisenstein para mover masas en películas como Huelga.

Pero la correspondencia también se encuentra en la propia obra de Leonardo. Schmidt cree que aplicó algunos elementos estudiados en el Códice en cuadros como Bautismo de Cristo. “Es el resultado de una visión científica del agua, pero hay una relación directa entre sus estudios científicos y la observación de la naturaleza y lo que pintaba. Su ojo no distingue entre arte y ciencia. Y hoy estamos volviendo a una visión parecida a la suya. En la edad digital, en los descubrimientos subatómicos, estamos de nuevo ante una visión integrada”.


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Un visitante en la exposición sobre Leonardo da Vinci. TIZIANA FABI


50.000 visitantes en la primera semana

Leonardo Da Vinci asegura a los museos un gran movimiento de caja. Incluso si la muestra en cuestión es compleja y carece de sus grandes obras pictóricas. La última vez que se expuso el códice de Leonardo en Florencia —en el Palazzo Vecchio, en 1982—, unas 400.000 personas visitaron la muestra. Esta vez los Uffizi esperan una cifra incluso mayor. En la primera semana, ya han acudido a la exposición unas 50.000 personas.

La muestra, uno de lo hitos de la programación de este año en los Uffizi, se ha inaugurado en plena temporada baja. Se trata de una las estrategias del director de la galería, Eike Schmidt, para regular los flujos de visitantes y dotar de estabilidad a las propuestas del museo durante todo el año. “Pero es en esta época cuando queremos ofrecer muestras de gran impacto”, señala Schmidt.


elpais.com
 




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Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
j.luis escribió:  
Este trabajo recopilatorio está dedicado al italiano Leonardo Da Vinci -quizá junto a Miguel Ángel- el mayor gran genio de las artes. Fue famoso pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico, además realizó numerosas investigaciones científicas en anatomía, óptica e hidraúlica anticipandose a muchos de los avances de la ciencia moderna. Sus teorías se basan en una precisa observación y documentación.

02_1527609563_844517Leonardo da Vinci (1452-1519), nació el 15 de Abril de 1452 en Vinci (Toscana) cerca de Florencia, Italia. Dejó gran parte de su producción pictórica inacabada, fué un artista extremadamente innovador e influyente, su etilo en un comienzo es similar al de su maestro Verrocchio para ir evolucionando, mas tarde, hacia un estilo mas libre.

Leonardo nació en Anchiano, cerca de Vinci, Italia; antes de que se adoptaran las convenciones de nombres actualmente vigentes en Europa, por lo que a su nombre de pila se añadió el de su padre (Ser Piero) y la localidad de nacimiento siendo entonces "Leonardo di ser Piero da Vinci". Sin embargo, Leonardo acostumbraba firmar sus trabajos como Leonardo o Io, Leonardo (yo Leonardo), es decir, sin emplear el nombre de su padre, lo que induce a pensar que era hijo ilegítimo.

Leonardo creció con su padre en Florencia. A lo largo de su vida Leonardo se mantuvo como vegetariano por razones éticas. Sus primeros bocetos eran de tal calidad que tan pronto como su padre los mostró al pintor Andrea del Verrocchio este tomó al joven de catorce años como aprendiz. Posteriormente Leonardo montó su propio taller como pintor independiente en Florencia.

En 1506 Leonardo se encuentra con el Conde Francesco Melzi, de quince años, hijo de un aristócrata de Lombardía y que poseía una gran apostura. Luego de tempestuosas escenas de celos, Salai acepta un nuevo arreglo en su relación con Leonardo y los tres llevan a cabo varias giras a través de Italia. Aunque Salai fue siempre presentado como su discípulo, jamás produjo la más mínima obra. Melzi, de todos modos, se convirtió en su discípulo y compañero de toda la vida.

Entre 1482 y 1499 trabajó para el duque de Milán Ludovico Sforza y mantuvo su propio taller, en el que trabajaban varios aprendices. Setenta toneladas de bronce que habían sido reunidos para la realización de la estatua de un caballo llamada "Gran Cavallo" se fundieron para fabricar armas para el Duque en un intento de salvar Milán de los franceses bajo el reinado de Carlos VIII de Francia en 1495.

Leonardo permaneció en Milán por un tiempo, hasta que una mañana se encontró con que arqueros franceses estaban usando su modelo de arcilla a escala real para el "Gran Cavallo" como blanco de práctica para el tiro. Abandonó entonces Milán, junto a Salai y su amigo Luca Pacioli (que era inventor y contador), yendo a Mantua, mudándose de nuevo a los dos meses hacia Venecia y volviendo a Florencia a finales de abril del 1500.

Desde 1513 a 1516 vivió en Roma, donde en ese momento trabajaban pintores como Rafael y Miguel Ángel; no tuvo sin embargo mucho contacto con estos artistas. De todas maneras se cree que la presencia de Leonardo fue de importancia capital para el cambio de sitio del "David", la obra maestra de Michelangelo, quien al parecer estaba disgustado por ello.

En 1518 Salai abandonó a Leonardo y retornó a Milán, donde más adelante pereceria en un duelo. El rey llegó a convertirse en un amigo cercano del artista.

Falleció una semana antes de su 67 cumpleaños en Cloux, Francia, en 1519 en los brazos del rey Francisco. De acuerdo a sus deseos, 60 mendigos siguieron su ataud. Fue enterrado en la capilla de Saint-Hubert en el castillo de Amboise. Melzi fue su principal heredero y albacea, pero Salai no fue olvidado: recibió la mitad del viñedo de Leonardo.

Leonardo es bien conocido por su obra pictórica, entre la que destacan La Gioconda (actualmente en el museo del Louvre de París) y La última cena. Sin embargo, hasta nuestros días sólo han llegado 70 pinturas y ninguna de sus esculturas.

Leonardo era un pintor compulsivo que a menudo planeaba grandes obras pictóricas para abandonarlas sin terminar. En 1481 se le encargó la decoración del altar La adoración de los Magos. Después de grandes proyectos y numerosos bocetos, la obra fue abandonada sin terminar cuando Leonardo se trasladó a Milán.

Allí invirtió algunos años planeando y realizando modelos de la estatua de un monumental caballo de bronce de 8 metros que iba a alzarse en Milán. A causa de la guerra con Francia, el proyecto nunca se llevó a cabo. Por iniciativa privada, se construyó en 1999 en Nueva York una estatua construida según sus planos que fue donada a la ciudad de Milán, donde se erigió.

De regreso a Florencia, recibió el encargo para la ejecución de un mural público junto con Miguel Ángel, que fue el elegido para ornar la pared opuesta. Tras realizar una gran variedad de estudios para el proyecto, abandonó la ciudad.

Sus detallados estudios de la anatomía, como por ejemplo el Hombre de Vitruvio, son quizá más impresionantes que sus trabajos pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad.

Sus elucubraciones sobre temas técnicos y científicos eran registrados por Leonardo con minuciosidad y en ellos se combinaba perfectamente el arte con la ciencia para representar de la mejor manera posible la materialización de sus ideas. Sin embargo, con cierto afán críptico, como si no quisiera desvelar del todo sus descubrimientos, Leonardo, que era zurdo, realizaba sus escrituras reflejadas, escribiendo de izquierda a derecha.

En 1502 Leonardo proyectó un puente de 240 m de luz que formaba parte de un proyecto de construcción para el Sultán Bayaceto II de Constantinopla. La obra jamás se realizó, sin embargo, en 2001, la idea se resucitó para la construcción de un puente en Noruega basado en el diseño de Leonardo.

Dotado de una aguda capacidad de observación, su aproximación a la ciencia nunca destacó por sus explicaciones teóricas ni por recurrir a experimentos; en cambio, para comprender los fenómenos que le interesaban los describía y dibujada hasta sus últimos detalles; planeando realizar una gran enciclopedia basada en detallados dibujos de todo lo conocido.

Sus notas contienen dibujos de numerosas innovaciones como diversas máquinas para volar, un helicóptero, armas de fuego, tanques armados, un submarino y un dispositivo con engranajes que se cree era una máquina para calcular.


Entre 15 y 20 obras verdaderas:

De Leonardo Da Vinci solo están autentificadas entre 15 y 20 obras. El profesor de Historia del Arte del Trinity College de Londres Martin Kemp descubrió en 2009 —gracias a una huella dactilar— un dibujo (33 x 23,9 centímetros) hecho con tizas de colores y tinta sobre pergamino que representa a Bianca Sforza, hija ilegítima del duque de Milán. El retrato fue bautizado como La bella principessa, pero algunos dudas de la atribución. La National Gallery de Londres expuso en 2011 el óleo Salvator Mundi, descubierto meses antes en Nueva York y atribuido a Da Vinci. Robert Simon, de la Universidad de Columbia, certificó la obra vendida en 2013 al multimillonario ruso Dmitry Rybolovlev por 114 millones de euros. La clave para atribuirla fue cómo está pintada una bola de cristal que sostiene Cristo. En 2013 se anunció el descubrimiento de El Retrato de Isabel de Este, hallado en el búnker de una adinerada familia suiza. Carlo Pedretti, máxima autoridad en Da Vinci, aseguró que era una réplica casi exacta del carboncillo de 1500 que se conserva en el Museo del Louvre.


Curiosidades:

El 3 de enero de 1496 ensayó una de sus máquinas para volar sin éxito.

Leonardo nunca publicó o distribuyó los contenidos de sus manuscritos que permanecieron inéditos hasta el siglo XIX cuando

Practicó las técnicas del sfumato (Eliminar los contornos netos y precisos de las lineas y diluir o difuminar estos en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera) y del claroscuro (modelar las formas a través del contraste de luces y sombras).

A continuación hago una recopilación de su obra, espero que os resulte interesante.





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Leonardo da Vinci, estatua en la plaza de los Uffizi. Florencia. Italia




Resumen Biográfico

Leonardo da Vinci. Nació el 15 de abril de 1452 en Vinci, cerca de Florencia. [b]En 1460 se trasladó junto a su familia a Florencia, donde se formó. En torno a 1466 asistió al taller de Andrea del Verrocchio, donde se inicia en diversas actividades, desde la pintura de retablos y tablas hasta la elaboración de grandes proyectos escultóricos en mármol y bronce.


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Retrato de Leonardo Da Vinci (1508), atribuido a Francesco Melzi.

En 1472 fue admitido en el gremio de pintores de Florencia y en 1476 todavía se le menciona como ayudante de Verrocchio, en cuya obra El bautismo de Cristo (c. 1470, Uffizi, Florencia), pintó el ángel arrodillado de la izquierda y el paisaje de matices neblinosos. Su primer encargo fue un retablo para la capilla del Palazzo Vecchio, del ayuntamiento florentino aunque no llegó a ejecutarse. Su primera gran obra, La adoración de los Magos (Uffizi), que dejó inacabada, se la encargaron los monjes de San Donato de Scopeto, cerca de Florencia, hacia 1481.

Otras obras de este periodo son: la Madonna Benois (c. 1478, Ermitage, San Petersburgo), el retrato de Ginebra de Benci (c. 1474, Galería Nacional, Washington) y el inacabado San Jerónimo (c. 1481, Pinacoteca Vaticana). En 1482 se puso al servicio de Ludovico Sforza, duque de Milán, tras haberle escrito una carta en la que el artista se ofrecía como pintor, escultor, arquitecto, además de ingeniero, inventor e hidráulico y donde afirmaba que podía construir puentes portátiles, que conocía las técnicas para realizar bombardeos y el cañón, que podía hacer barcos así como vehículos acorazados, catapultas y otras máquinas de guerra y que incluso podía realizar esculturas en mármol, bronce y terracota. Además, ayudó al matemático italiano Luca Pacioli en su célebre obra La divina proporción (1509).


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Escultura dedicado a Leonardo da Vinci, basada en el dibujo del hombre vitruvio, 2006. Toscana, Italia

La obra más importante del periodo en Milán son las dos versiones de la Virgen de las rocas (1483-1485, Louvre, París; década de 1490-1506-1508, National Gallery, Londres), donde aplica el esquema compositivo triangular que encierra a la Virgen, el Niño, san Juan y el ángel, y donde aplica por primera vez la técnica del sfumato. De 1495 a 1497 trabaja en su obra maestra La última cena, pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán. Además realizó otras pinturas, dibujos y modelos para la cúpula de la Catedral de Milán.

Su mayor encargo fue el monumento ecuestre en bronce a tamaño colosal de Francesco Sforza, padre de Ludovico, para su ubicación en el patio del castillo Sforzesco. Sin embargo, en diciembre de 1499, la familia Sforza fue expulsada de Milán por las tropas francesas. La estatua quedó inacabada y fue destruida por arqueros franceses que la usaron como diana. En 1500 regresó a Florencia.


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Château d'Amboise surplombe la Loire à Amboise dans le département d'Indre-et-Loire. Il fait partie des châteaux de la Loire. France (En su interior está la tumba de Leonardo da Vinci).

En 1502 comenzó a servir a César Borgia, duque de Romaña, hijo del papa Alejandro VI. En su calidad de arquitecto e ingeniero mayor del duque, supervisó las obras en las fortalezas de los territorios papales del centro de Italia. En 1503 fue miembro de la comisión de artistas encargados de decidir sobre el adecuado emplazamiento del David de Miguel Ángel (1501-1504, Academia, Florencia), y además ejerció de ingeniero en la guerra contra Pisa.

Al final de este año comenzó a planificar la decoración para el gran salón del Palacio de la Signoria con el tema de la batalla de Anghiari. Realizó numerosos dibujos y completó un cartón en 1505, pero nunca llegó a realizar la pintura en la pared. El cartón se destruyó en el siglo XVII. Durante su segundo periodo florentino, realizó varios retratos, de los que sólo se conserva el de La Gioconda (1503-1506, Louvre, París), también conocido como Monna Lisa, al identificarse a la modelo con la esposa de Francesco del Giocondo que llevaba ese nombre, aunque se han barajado varias hipótesis sobre su verdadera identidad. Parece ser que sentía una gran predilección por esta obra ya que la llevaba consigo en sus viajes.


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Leonardo da Vinci. Homo Cuadratus o más conocido cómo "El hombre de Vitruvio"

En 1506 vuelve a Milán al servicio del gobernador francés Carlos II Chaumont, mariscal de Amboise. Un año después le nombraron pintor de la corte de Luis XII de Francia, que residía por entonces en la ciudad italiana. Durante los seis años siguientes pasó su tiempo entre Milán y Florencia. De esta misma época parece ser la segunda versión de la Virgen de las rocas y Santa Ana, la Virgen y el Niño (c. 1506-1513, Louvre, París). Desde 1514 a 1516 Leonardo vivió en Roma bajo el mecenazgo de Giuliano de Medici, hermano del papa León X. Se alojaba en el Palacio del Belvedere en el Vaticano, ocupándose fundamentalmente de experimentos científicos y técnicos.

Leonardo da Vinci fue estrictamente vegetariano, llamó a los omnívoros "devoradores de cadáveres". También parece ser que fue homosexual y que sufrió persecución por este hecho estando a punto de enfrentarse a la Inquisición. Queda evidenciado sus relaciones con sus aprendices, especialmente con Salai. En Florencia, cuando Leonardo era aprendiz de Verrochio, se presentó una denuncia contra el pintor acusándolo de pederasta. Sus protectores consiguieron que eludiera el juicio público. En cualquier caso, Leonardo permaneció soltero y sin hijos.


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Leonardo da Vinci. Ginevra de Benci. 1474. Temple sobre tabla. 42,7 x 37 cm. The National Gallery of Art. Washington. USA.

En la parte científica se puede ver su interés por los estudios anatómicos del cuerpo humano, basados en las autopsias de cadáveres que realizaba, a pesar de que esta práctica estaba prohibida en el siglo XV. Se cree que pudo diseccionar unos treinta cadáveres con los que dibujó con detalle y claridad gran parte de los órganos del cuerpo.

En 1516 pasó a vivir en Francia, a la corte de Francisco I, donde pasó sus últimos años en el castillo de Cloux, cerca de Amboise. Allí falleció el 2 de mayo de 1519. La Mona Lisa, más conocida como la Gioconda, esa mujer de rostro enigmático pintada por Leonardo da Vinci, inmortalizada en uno de los cuadros más famosos del mundo, existió realmente: era Lisa Gherardini, segunda mujer de Francesco del Giocondo, un rico comerciante de seda florentino, según el historiador florentino Giuseppe Pallanti, que llegó a la conclusión de que la figura pintada por Leonardo entre 1503 y 1506 fue real.


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Leonardo creó La última cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo temporal, durante esos años caracterizados por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades. La dio por terminada, aunque él, eterno insatisfecho, declaró que tendría que seguir trabajando en ella. Fue expuesta a la vista de todos y contemplada por muchos. La fama que el «gran caballo» había hecho surgir se asentó sobre cimientos más sólidos. Desde ese momento se le consideró sin discusión uno de los primeros maestros de Italia, si no el primero. Los artistas acudían desde muy lejos al refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie, miraban la pintura con detenimiento, la copiaban y discutían. El rey de Francia, al entrar a Milán, acarició la idea de desprender el fresco de la pared para llevárselo a su país. Durante su realización se tejieron innumerables leyendas en torno al maestro y a su obra. Los relatos de Bandello y Giraldi, dedicados por lo demás a temas radicalmente distintos, recogen también la génesis de La Última Cena.


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Jesucristo, detalle de la Última Cena de Leonardo... Más info


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El Castillo de Clos-Lucé en Amboise (Francia) fue la última residencia de Leonardo y actualmente es un museo en honor a él. En esta mansión pasó Leonardo da Vinci los últimos tres años de su vida, entre 1516 y el día en que falleció, el 2 de mayo de 1519; una semana después hubiera cumplido los 67 años de edad.


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Recreación pictórica de la muerte de Leonardo en los brazos de Francisco I. Recreación tradicional de la muerte del genio. Museo de Louvre, Francia.

Se ha hablado mucho de sus últimos momentos, acompañado por el rey de Francia, Francisco I, en cuyos brazos se dice que murió. Curiosamente, en la cabecera de su cama, que todavía reposa en la misma habitación de la mansión, también se encontraba su retrato de la Madonna Elisa Gherardini, mujer del marqués de Giocondo, la celebrada Mona Lisa.

En los sótanos de esta mansión es posible observar los numerosos modelos dibujados por Leonardo, como un tanque, un puente de asedio o el precursor de un helicóptero. En sus jardines, de los que se dice que se conservan casi como en 1519 se han instalado maquetas de algunas de las piezas de ingeniería que, adelantándose hasta en cuatro siglos, Leonardo imaginó.


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Tumba de Leonardo da Vinci en la capilla de Saint-Hubert, en Amboise, Francia.




SU OBRA


'La Gioconda'


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El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci. Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI, desde entonces es propiedad del Estado Francés, y actualmente se exhibe en el Museo del Louvre de París.

Su nombre oficial es Gioconda (alegre, traducido del italiano al castellano), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo, al que debe su apodo y que realmente se llamaba Lisa Gherardini.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.


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El rey Francisco I de Francia, quien poseyó el cuadro de 'La Gioconda' por algún tiempo. Obra de Jean Clouet (1475–1540). Pintado c. 1530, oil on oak panel, 96 × 74 cm. Museo del Louvre.


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'La Gioconda' se exhibe tras el cristal antibalas en el Louvre.

Historia. La Gioconda es el retrato más famoso de la historia y quizás el cuadro más famoso de la pintura occidental. Su fama se debe probablemente a las múltiples referencias literarias, a las diversas interpretaciones sobre la protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911.

Es además la última gran obra de Leonardo, si se tiene en cuenta que siguió retocándola hasta sus últimos años. Después de terminar el cuadro, Leonardo llevó su obra a Roma y luego a Francia, donde la conservó hasta su fallecimiento. Se sabe que pasó a manos del rey francés Francisco I, quien la habría comprado a un valor de 12.000 francos (4.000 escudos de oro), aunque no está claro si fue en 1517, antes de la muerte del artista, o con posterioridad a su fallecimiento en 1519. Tras la muerte del rey, la obra pasó a Fontainebleau, luego a París y más tarde al Palacio de Versalles. Sin embargo, está comprobado que permaneció en las colecciones reales francesas y que en el siglo XIX, Napoleón Bonaparte lo tuvo guardado en el Palacio de las Tullerías tras una temporada en su residencia. Con la Revolución francesa llegó al Museo del Louvre, donde se encuentra actualmente; Napoleón lo retiró de allí para colocarlo en su cámara personal. Finalmente regresó al museo, donde se alojó hasta 2005 en la Sala Rosa, y fue trasladada en ese año al Salón de los Estados. Es pertinente decir que la mayoría de datos acerca del cuadro se poseen gracias al trabajo biográfico del pintor contemporáneo Giorgio Vasari.


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Detalle del rostro craquelado.

Técnica. Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. La técnica empleada, conocida con el término italiano sfumato, consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento" y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, lo cual da una sensación de tres dimensiones a la figura.

El cuadro se pintó sobre una tabla de madera de álamo recubierta por varias capas de enlucido.Se conserva en una urna de cristal de 40 mm de espesor a prueba de balas, tratada de manera especial para evitar los reflejos. La cámara que alberga el cuadro está diseñada para mantener una temperatura constante de 20 °C y 50% de humedad relativa, lo cual busca garantizar las condiciones óptimas para la estabilidad de la pintura.

La pintura tiene una grieta vertical de 12 centímetros en la mitad superior, probablemente debido a la eliminación del marco original, aunque un estudio con infrarrojos revela que la grieta puede ser tan antigua como la misma tabla; dicha grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX mediante dos remaches en forma de mariposa fijados por el reverso. De ellos, uno se soltó posteriormente. En la actualidad, se ha determinado que la fisura es estable y no ha empeorado con el tiempo.

Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se conformó un equipo de curadores franceses, quienes vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteración provocada por el tiempo.


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Detalle de las manos.

Descripción de la obra. En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen.

Aparece sentada en una galería, viéndose a los lados, cortadas, las bases de unas columnas. La galería se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán. El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que parece rodear a la modelo. Se ha intentado localizar el aparente recodo del Arno o una porción del Lago de Como, sin haber llegado a conclusiones definitivas. Muchas veces se ha tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados no permite que se diseñe un modelo continuado de la imagen. Debe tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar más alto que el derecho, entrando en contraste con la física, puesto que el agua no puede encontrarse estática a desnivel en el terreno. Al respecto, el historiador de arte, E.H. Gombrich, expresa que:

En consecuencia, cuando centramos nuestras miradas sobre el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece más alta o más erguida que si tomamos como centro la derecha. Y su rostro, asimismo, parece modificarse con este cambio de posición, porque también en este caso las dos partes no se corresponden con exactitud...


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La copia de La Gioconda que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid puede ayudar a imaginar el aspecto original de la obra. Fue pintada por un alumno destacado de Leonardo da Vinci, h. 1503-16. Posiblemente su autor fuese Francesco Melzi.

Más info de La Gioconda de Leonardo



Otras obras


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Dama con Armiño. También conocida como: "Retrato de Cecilia Gallerani". 1483-1484. Óleo sobre tabla. 54 x 39 cm. Galería Czartoryski. Cracovia. Polonia. Obra de Leonardo da Vinci. La identidad de esta joven, durante muchos años desconocida, se ha fijado por fin en una de las amantes de Ludovico Sforza, Duque de Milán. Se trata de Cecilia Gallerani, que siguió a Ginevra de Benci cuando ésta se casó. La joven aparece retratada con un armiño en los brazos. Este animal se usaba para cazar ratones, pero además, probablemente se trata de una alusión al nombre de la muchacha, puesto que armiño en griego se pronuncia "galé". Estos juegos eran muy comunes, como el del citado retrato de Ginevra u otros de la época. El retrato fue tan retocado en épocas posteriores que llegó a dudarse de la intervención de Leonardo en el mismo. El fondo no debía de ser negro en origen, sino que posiblemente tuviera elementos paisajísticos. Destaca, por otro lado, la desproporción existente entre la mano y el rostro de la muchacha, una mano estilizada y elegante que acentúa el porte regio de la modelo. El cuadro pasó a poder del rey de Francia, admirador de Leonardo y conquistador de Milán. Durante la Revolución Francesa su destino fue el príncipe Czartoryska, en cuya colección se mantiene hasta nuestros días.



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La Belle Ferronière. También conocida como: "Portrait of a Lady at the Court of Milan". 1495. Óleo sobre tabla. 63 x 45 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Obra de Leonardo da Vinci. Tanto el autor como la identidad de la modelo están muy discutidos hoy día. Generalmente se considera obra de Leonardo, aunque algunos críticos prefieren considerar que se trata de una pintura de su discípulo Boltraffio. Sin embargo, la pose de la muchacha, su expresión a un tiempo misteriosa y melancólica, el suavísimo modelado de las facciones a través de la luz, hacen pensar en la experta mano de Leonardo más que en Boltraffio, que no era un gran artista, pese a imitar el estilo de su maestro.La identidad de la muchacha es también un problema. El título por el que se la conoce es La Belle Ferronière. Desde la muerte de Leonardo se ha conservado en las colecciones reales de Francia (recordemos que Luis XII fue el último protector de Leonardo, quien murió en Francia). Por ello, algunos creen que se trata de la amante de Enrique II, rey francés, conocida por dicho sobrenombre. Sin embargo, la posible fecha de realización hace pensar que se trata del retrato de otra de las numerosas amantes del duque de Milán, Ludovico. Sería así el retrato de Lucrezia Crivelli, muy similar a los retratos de otras amantes de Ludovico como Cecilia Gallerani o Ginevra de Benci, todas ellas mujeres muy jóvenes de una belleza misteriosa que Leonardo captó de manera inigualable.



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Retrato de Ginevra de Benci. Obra de Leonardo da Vinci. 1476 h. Óleo sobre tabla, 38,8 x 36,7 cm. National Gallery (Washington). Ginevra de Benci era hija de un amigo de Leonardo da Vinci, Amerigo di Giovanni Benci. Pese a ciertas dudas en la atribución del cuadro a Leonardo, la belleza y poder del retrato son valores indudables. La pose de la muchacha marca un tipo que Leonardo utilizará en la mayoría de sus retratos femeninos. Ella está levemente estilizada, de tres cuartos y vista de medio plano, del que se supone que faltan las manos sobre el pecho (ver el Estudio de manos femeninas). La modelo posee una expresividad poco frecuente, con un rostro serio y penetrante, que impone su presencia psicológica en el mundo del espectador. Es una anticipación de la Gioconda. Se tardó algún tiempo en identificar a la joven. La pista principal se encuentra en la botánica, disciplina que interesaba grandemente a Leonardo. Decimos esto por dos razones. La primera son los árboles que prestan el decorado de fondo a la silueta femenina. Se trata de enebros, cuyo nombre en italiano, ginepro, son fonéticamente muy similares a Ginevra. Además, existe un emblema al dorso de la tabla del retrato, que consiste en una rama de laurel cruzada con una rama de palmera. Ambas encierran un lema en latín: Virtutem Forma Decorat, que quiere decir, La Belleza es el ornamento de la Virtud. Este emblema parece ser que podría corresponder a la heráldica de Bernardo Bembo. La vida de Ginevra nos cuenta que en 1474 se casó con Luigi Bernardini di Lapo Nicolini, cuando ella contaba con 17 años. Su matrimonio fue desgraciado por los problemas financieros de su marido, y por problemas de salud de ella, que aparecieron a partir de 1480. Tras este deterioro, tuvo una relación de carácter platónico con el embajador de Venecia en Florencia, el citado Bernardo Bembo, padre del cardenal Pietro Bembo.



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Retrato de Isabella d'Este. Obra de Leonardo da Vinci. 1500 h. Material: Yeso y pastel sobre papel, 63 x 46 cm.. Museo Nacional del Louvre. Isabel d'Este fue una de las personalidades más fascinantes de su época. Era la duquesa de Mantua y se hallaba ligada por lazos familiares con los Sforza de Milán, además de con otras poderosas familias italianas. Su cultura e inteligencia eran proverbiales y su colección de arte es uno de los legados más importantes en la historia del arte.Isabel conoció a Leonardo en Milán y le pidió que le hiciera un retrato. El artista realizó un apunte, o según algunos autores, otros dos más. Cuando Milán fue tomado por los franceses, Leonardo huyó temporalmente a Mantua, momento en el que Isabel le ofreció su protección y mecenazgo. Por razones desconocidas, Leonardo no aceptó y parece que tampoco concluyó el retrato, a pesar de que Isabel utilizó a todos sus agentes y contactos diplomáticos para presionar a Leonardo allí donde estuviera. No obstante, existe la hipótesis de que además de los bocetos, Leonardo realizara una priemra pintura, ya que este dibujo presenta agujeros que indican que fue pasado a tabla. En cualquier caso, todo lo que nos queda es este perfil, impresionante pese a su mal estado conservación. El perfil es poco frecuente en Leonardo. El dibujo está realizado a carboncillo -negro-, sanguina -roja- con ligeros toques de amarillo en el vestido y adornado con estarcido (perforaciones en el papel que forman guirnaldas y adornos, como la cinta del pelo o el encaje del escote).



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Baco (o san Juan Bautista). Obra de Leonardo da Vinci. 1513 h. Temple y óleo sobre tabla pasando por lienzo. 177 x 115 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Viendo el San Juan del Louvre ya comentamos lo difícil que se hizo de aceptar este cuadro, tan blando y ambiguo. El mismo caso le ocurrió a este San Juan - Baco. El personaje apareció en las colecciones de Francisco I de Francia, último protector de Leonardo, como un San Juan en el desierto. Pero la obra provocaba el rechazo de todos, porque era indecoroso: el joven imberbe posee una belleza deliberadamente femenina, un exceso de desnudez y por si esto fuera poco, el desierto consiste en un paisaje lleno de vegetación y un lago. Todas estas razones llevaron a que en el siglo XVII el santo fuera transformado: se le pintó una corona de pámpanos (símbolo del dios del vino Baco), se le añadió la piel de pantera como vestido y la cruz fue transformada en un tirso...



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La Virgen de las Rocas. También conocido como: "La Virgen con el Niño, San Juanito y un ángel". Obra de Leonardo da Vinci. 1483-1486. Óleo sobre tabla. 199 x 122 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Leonardo recibió el encargo de un tríptico con una Madonna, hecho junto a los artistas milaneses Ambrogio y Evangelista de Predis. Ambrogio se encargó de los dos paneles laterales, con dos ángeles músicos, Evangelista era el encargado de retocar, rellenar y realizar los marcos, y "el florentino", Leonardo, tenía que hacer el panel central, con la Virgen, el ángel y los niños. El cliente era la Hermandad de la Inmaculada Concepción de Milán, que ajustó el pago y la entrega de la obra para el año 1485. Sin embargo, no aceptó esta primera obra y Leonardo realizó la segunda Virgen, de la National Gallery. Por esta causa, se conservan peticiones de pago posteriores, prolongándose casi diez años el cumplimiento del contrato.

Más info de la La Virgen de las Rocas



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La Virgen de las Rocas. Obra de Leonardo da Vinci. 1506 h. Óleo sobre tabla, 189,5 x 120 cm. National Gallery de Londres. Leonardo recibió un encargo, el veinticinco de abril de 1483 para realizar una Madonna. El cliente era la Hermandad de la Inmaculada Concepción, con la que Leonardo entró en contacto a través de los hermanos Evangelista y Ambrogio de Predis. Los monjes recibieron una primera versión de la Virgen de las Rocas, que hoy se encuentra en el Louvre, rechazada por ciertas inconveniencias formales. Esa primera versión fue comprada por el rey de Francia. La segunda versión es la que ahora vemos, con ligeros cambios: el ángel no mira al espectador ni está señalando. Simplemente acompaña al Niño, que ha cambiado de lugar y bendice a San Juanito, también en otro lugar. La segunda versión tardó en ser entregada varios años más de lo estipulado en el contrato, y se conservan peticiones de pago más alto de lo establecido. Finalmente, en 1506-1508 se debió concluir la obra.
Mas info de las dos 'Vírgenes de las Rocas' de Leonardo: http://es.wikipedia.org/wiki/La_Virgen_de_las_Rocas



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Sagrada Familia. También conocido como: 'La Virgen y el niño con Santa Ana' o 'Santa Ana, la Virgen, niño y el cordero'. Obra de Leonardo da Vinci. 1508-1510. Óleo sobre tabla. 168 x 130 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Ésta es una de las más prodigiosas composiciones de Leonardo. Es la última versión del tema. La primera es el llamado Cartón de Burlington House; la segunda era también un cartón, que se encuentra perdido pero que los biógrafos de Leonardo en su época describieron minuciosamente. Y la versión final, que contemplamos ahora. La escena parece una traslación casi literal del ideal neoplatónico del amor divino, intemporal y perfecto. Si atendemos a la composición, la impresión de un sólo sujeto de la escena está clara: los tres personajes forman un continuo tanto en la presencia física como en sus acciones. La mirada de los tres conduce al espectador por una suave curva hacia la derecha, que termina en el cordero, símbolo de la pasión y el motivo de la acción. Santa Ana, madre de la Virgen, sostiene en sus rodillas a María. Ambas poseen la misma edad, la misma dulzura, los mismos rasgos físicos. Santa Ana contempla a su hija sin intención de intervenir, que sí tenía en el Cartón Burlington. María se esfuerza con cariño en apartar a Jesús del cordero, de la muerte segura a la que se tendrá que enfrentar. El Niño, mientras, se aferra obstinadamente al animalito, que vuelve su cabeza para mirarle. El cuadro está inacabado, lo que ya parece una marca propia del autor, que terminó muy pocas obras. Sin embargo, el paisaje de fondo está tratado minuciosamente. Al igual que las figuras protagonistas, el paisaje carece de rasgos particulares, no está sometido al tiempo, ni a las estaciones, ni mucho menos a la acción del hombre. Es un paisaje universal, el paisaje sin pecado que queda tras la venida de Dios al mundo.

Más info en la Wikipedia: http://es.wikipedia.org/wiki/La_Vir...As_y_Santa_Ana_(Leonardo)



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La última cena. 1495-1497. Fresco. 460 x 880 cm. Refectorio del Convento de Santa María delle Grazie. Milán. Italia. Obra de Leonardo da Vinci. Entre 1495 y 1497 se terminó esta Ultima Cena de Leonardo, que tanta trascendencia ha tenido para la historia del arte posterior. Se encuentra muy deteriorada desde el mismo momento de su realización, y ha ido empeorando con el tiempo, las restauraciones y los repintes. En la época de Leonardo era frecuente medir la habilidad de un pintor por su capacidad para pintar al fresco. Esta técnica es muy exigente y precisa de una gran labor previa para poder ejecutar el trabajo metro a metro, sin repintes, sin bocetos, sin correcciones. Leonardo jamás controló esta técnica. A cambio, inventó un método personal que le permitía corregir lo ya pintado. Sin embargo, los aglutinantes empleados o la calidad de los pigmentos no fue la óptima, y el color se degradó a los pocos meses de ser ya terminada. A ello se suman los problemas de humedad del refectorio, así como diversos avatares históricos: dos restauraciones en el siglo XVIII, el uso del refectorio como arsenal en la guerra de 1800, nuevas restauraciones... El encargo de la Ultima Cena lo efectuó Ludovico el Moro, duque de Milán. Lo quería para el monasterio de Santa María delle Grazie, que había convertido en la capilla familiar de los Sforza. El duque solía ir a cenar los jueves con el abad, y pidió a Leonardo que adornara la sala con este fresco. La composición de Leonardo ha resultado crucial. Su éxito se basa en la fuerza psicológica de la escena. Contra lo habitual hasta el momento, el pintor no centra la escena en el momento de la consagración del pan, la institución de la Eucaristía, sino en el momento en el que Cristo denuncia la traición de uno de los discípulos. Ante su palabra, cada discípulo reacciona de una manera diferente, lo que permite realizar a Leonardo un completo estudio de los temperamentos humanos: la cólera, la sorpresa, la incredulidad, la duda... la culpabilidad. Judas no está, como tradicionalmente, a un extremo de la mesa, sino en medio, sin hablar con nadie. No sólo eso. La manera tradicional de organizar un grupo tan abundante en un friso horizontal, se solía colocar dos grupos de seis a ambos lados de Cristo. Pero Leonardo los distribuye en grupos de tres. Destaca a Cristo no con los atributos conocidos, como el halo de santidad, sino con una ventana tras él, abierta al paisaje, cuya luz natural destaca su figura. La composición tuvo un enorme éxito y su repercusión alcanzó la obra de artistas tan consagrados como Alberto Durero, que llegó a variar incluso la composición de un grabado suyo para distinguirlo de la obra del italiano.



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Anunciación. 1478-1482. Óleo sobre tabla. 14 x 59 cm. Museo del Louvre. París. Francia. Obra de Leonardo da Vinci. Esta obra es atribuida a Leonardo por muy pocos autores. Tradicionalmente se cree de Ghirlandaio o de Lorenzo de Predis. En cualquier caso parece evidente que era una obra del taller de Verrocchio que sus colaboradores habituales llevaron a cabo. La intervención de Leonardo, un Leonardo muy joven, es discutida. Se quiere creer que la composición general es suya, así como parte del ángel y el manto de la Virgen. Sin embargo, respecto a la composición, si es de Leonardo habría que decir que se somete a ciertos convencionalismos que se creían abandonados ya por el joven artista.



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Anunciación. 1472-1475. Óleo sobre tabla. 98 x 217 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. Obra de Leonardo da Vinci. Desde que se conoce esta tabla con la Anunciación, se creyó que era de Doménico Ghirlandaio, un excelente pintor contemporáneo de Leonardo da Vinci. Pero en 1867 se descubrieron datos, dibujos, bocetos que permitían atribuir el cuadro a Leonardo. Fue un encargo para el convento de San Bartolomé en Monte Olivetto, de donde pasó a los Uffizi tras conocerse su verdadero autor. Lo más posible es que ambos pintores trabajaran juntos en la pintura, o que se trate de una obra del taller de Verrocchio, reservándose el paisaje de fondo para Leonardo. Esta última hipótesis se basa en que el pupitre donde la Virgen está leyendo así como las arquitecturas detrás de ella son diseños típicos de Verrocchio. La composición del cuadro está dividida en dos mitades desiguales. Una es la mitad que ocupa el ángel, respaldado por el jardín y el bosquecillo de fondo. La otra es la mitad de la Virgen, respaldada por edificios y elementos arquitectónicos. La manera de dar unidad a estas dos mitades es doble. Por un lado, la acción: el ángel se inclina hacia la Virgen en el saludo, gesto ante el que María reacciona. Además, tras los dos personajes, un murete corrido, que tan sólo se interrumpe para enmarcar la mano del ángel que saluda y la vara de azucenas, unifica la escena, que de esta manera posee un continuo espacio-temporal.

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El Bautismo de Cristo. Obra realizada por Leonardo junto con Andrea del Verrocchio, su maestro. 1475-1478. Óleo sobre tabla. 177 x 151 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. El cuadro con el Bautismo de Cristo pertenece a Verrocchio. El concepto de autor no era el mismo en la Florencia del siglo XV que hoy día. Allí, el maestro de taller era un empresario que aseguraba a sus clientes la calidad y la satisfacción de las fechas, exigencias y necesidades de la obra. Obviamente, la mayor intervención del maestro en un cuadro concreto aumentaba su valor. Pero lo normal es que la obra fuera una tarea colectiva, en la que todos los oficiales participaban cada uno en su especialidad. Por ello, consideramos ésta la primera obra al óleo de Leonardo, puesto que es la primera vez en que se ha registrado sin lugar a dudas su intervención. En efecto, Leonardo trazó sobre la composición original de su maestro, Verrocchio, el paisaje de fondo, inconfundible y totalmente alejado de la dura rotundidad de los elementos del paisaje en primer plano. También añadió, ya terminado el cuadro, el angelito de perfil, de una belleza turbadora a quien el otro ángel parece mirar con rostro estúpidamente admirativo. También de Leonardo es el suave difuminado del torso de Cristo, que destaca contra el modelado duro, casi pétreo, del pecho del Bautista.

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La Adoración de los Magos. Obra de Leonardo da Vinci. 1481-1482. Temple y Óleo sobre tabla. 243 x 246 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia. En 1481 Leonardo recibió un encargo de los monjes del monasterio de San Donato en Scopeto, cerca de Florencia. Los monjes tomaron todo tipo de precauciones para que el pintor terminara su obra, pues ya empezaba a ser proverbial el abandono de Leonardo respecto a todas sus pinturas. Sin embargo, como podemos apreciar, el artista nuevamente dejó inacabado el proyecto, esta vez a causa de su partida y establecimiento en la corte de Milán. El resultado que dejó es un esbozo monocromático, en espera de ser rellenado por los colores, con grandes contrastes entre zonas vacías y negros. La composición es tremendamente compleja e inusual para el tema, que suele ser tratado de una manera muy solemne y estática. Por el contrario, Leonardo ha planteado una escena multitudinaria, agitada, violenta, llena de personajes (más de cincuenta nada menos) y en diferentes grupos. El grupo protagonista los constituye la pirámide central formada por María, Jesús, y los ancianos que le ofrecen sus regalos al Niño. A los lados de este grupo, en los extremos derecho e izquierdo del cuadro, dos personajes, uno viejo y otro joven, se consideran tradicionalmente la Filosofía (como actitud contemplativa) y la Acción. Tras ellos, una multitud de personajes forman un arco de diferentes acciones. Son el séquito de los Reyes Magos, los pastores, los ángeles, todos ellos sacudidos por la reacción emocional del advenimiento del Mesías. Las escenas de lucha al fondo han sido muy discutidas. Se pueden considerar desde posibles puntos de vista: la lucha del mundo del pecado, la caída de la civilización hebrea y la descomposición de su cultura (simbolizada en los edificios en ruinas) o tal vez sea un episodio concreto de la historia de la Orden monacal que encargó la obra.

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Leda y el cisne es el título de una obra del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci realizada en el periodo 1510-1515. Actualmente sólo se conserva una copia en la Galería Borghese de Roma, que está pintada al temple sobre tabla y mide 112 cm. de alto y 86 cm. de ancho. El original, heredado en su día por Salai y el que se tasó más alto, desapareció. En 1625 está documentada la Leda de Leonardo en Fontainebleau, pero con una descripción ligeramente distinta, ya que menciona "dos huevos a los pies de la figura, de cuyas cáscaras se ve que han salido cuatro niños" (Cassiano del Pozzo).

Representa a Leda, reina de Esparta y Zeus, metamorfoseado en cisne, a los pies de Leda se encuentran los cascarones que ella ha puesto y de los que salen Helena, Clitemnestra y los dioscuros gemelos Cástor y Pólux. El estilo de Leonardo está muy bien reflejado. Parece ser el único desnudo de sus obras; muestra el interés de Leonardo por la antigüedad grecolatina, acentuado tras su estancia en Roma entre 1513 y 1516. Mas en su época, esta pintura fue tratada por sus contemporáneos como un tema muy erótico debido no solo a la desnudez y lozana gracilidad de la joven representada sino a su pose en sugerente contraposto (postura frontal sinuosa) constituido en el esquema (no visible) del esbozo a partir de una espiral que se eleva desde los pies contorneándole el cuerpo hasta la cima de la cabeza de delicados y dulces rasgos, reforzado queda el erotismo por la sonrisa entre candorosa e insinuante de Leda mientras sostiene al largo cuello del cisne (cuello que se puede interpretar como fálico por sus formas). Aquí se puede observar toda su técnica sobre la perspectiva aérea. En primer plano las líneas de los contornos son más vivos y a medida que la imagen se va alejando, pierde nitidez, debido a las imperceptibles partículas de la atmósfera.

La Leda de Leonardo fue tan famosa que se hicieron numerosas copias. De todas ellas la Leda con el cisne (Leda col cigno) es una de las que más tiempo se atribuyó directamente a la mano de Leonardo. Hoy se asume que es una copia y no precisamente del original, sino una recreación a partir del cartón realizada por un discípulo leonardesco Cesare da Cesto. Esta copia está documentada en la Galería Borghese en Roma desde 1693.


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Study for a kneeling Leda (Estudio para la Leda y el cisne arrodillándose). 1503-1507. Tiza negra, lápiz y tinta sobre papel. 12,6 x 10,9 cm. Boijmans Van Beuningen Museum. Rotterdam. Holanda. Obra de Leonardo da Vinci.



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Batalla de Anghiari. 1550. Fresco. Colección Privada. Munich. Obra de Leonardo da Vinci. Antes de 1550 un pintor anónimo realizó esta copia del fresco original con la Batalla de Anghiari de Leonardo, que pintó en 1505. El fresco original está perdido. El veinticuatro de octubre de 1503 Leonardo, de regreso en Florencia, ingresa como huésped en el monasterio de Santa María Novella, para poderse dedicar en exclusiva al diseño del fresco con la Batalla. El encargo respondía al deseo del gobierno florentino para redecorar la Sala de la Signoría, en el Palazzo Vecchio. Los trabajos comenzaron dos años después, y Leonardo los recuerda de la manera siguiente: "El seis de junio de 1505, viernes, hacia la una comencé la pintura en el palacio. En el momento de dejar el pincel, el tiempo cambió a lo peor, y la campana empezó a tocar, llamando a los hombres al juicio. Y el cartón se perdió. El agua se derramó como un vaso roto. Y súbitamente el tiempo empeoró aún más y una gran lluvia cayó hasta el anochecer. Y estaba tan oscuro como la noche". Esta tétrica ambientación parece rodear de un halo mágico al momento de la creación leonardesca. En efecto, el encargo era de trascendental importancia, y todos los esfuerzos de los miembros del consejo se habían orientado a asegurar que Leonardo concluiría el trabajo. Sin embargo, como podemos ver, no fue así. Leonardo aplicó para la Batalla su peculiar técnica de trabajo al fresco, que tan pésimos resultados dio para la Ultima Cena. El deterioro inmediato de los pigmentos y el abandono del trabajo para ir a trabajar a la corte francesa tal vez motivaron a Leonardo a escribir esas líneas tan lúgubres, como si un mal designio hubiera marcado el fracaso de la obra. La pintura fue cubierta con un parapeto para protegerla, tras el abandono de Leonardo. Se esperaba que él u otro artista se decidieran un día a terminarla. Pero nadie se atrevió a concluir el diseño de Leonardo y en 1557 se remodeló el Salón. El resultado es que Vasari, biógrafo de Leonardo, tapó el fresco inacabado y lo sustituyó por otro propio con la misma Batalla. El tema fue elegido para destacar la independencia de Florencia, en lucha con sus vecinas Venecia y Mantua.

artehistoria.com

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Sin duda Da Vinci, uno de los mejores exponentes.
 



 
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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Los historiadores de arte, contra la exposición sobre Leonardo comisariada por Christian Gálvez

Un grupo de catedráticos critica el “intrusismo” del presentador, artífice de la muestra en Madrid sobre el genio renacentista



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Christian Gálvez, comisario de la exposición sobre Leonardo en el Palacio de las Alhajas. En vídeo, una muestra de la exposición. Foto: Victor Sainz

La propuesta de Christian Gálvez en torno a la figura de Leonardo da Vinci, una muestra en el Palacio de las Alhajas, en Madrid, titulada Los rostros del genio, acompañada de un conjunto de piezas expuestas en la zona de tránsito de la Biblioteca Nacional (BNE), como preludio a la exposición de los Códices Madrid I y Madrid II del genio renacentista, ha provocado una denuncia de intrusismo profesional contra el popular presentador del programa de televisión Pasapalabra. La queja la firma el Comité Español de Historia del Arte (CEHA), entidad que agrupa a más de 500 catedráticos de la materia. En el comunicado, del pasado jueves, los expertos censuran la complicidad en el proyecto de Ana Santos, directora de la BNE, bajo cuyo paraguas institucional se ha organizado la doble exposición.

La declaración de los catedráticos responde a las quejas recibidas por varios asociados, entre ellos el profesor Benito Navarrete, de la Universidad de Alcalá de Henares. Escuchadas las inquietudes y vista la doble exposición, la asociación ha decidido “denunciar por intrusismo profesional” a Gálvez, quien, “apoyándose en una popularidad televisiva y en sus conocimientos sobre la figura de Leonardo traducidos en obras de ficción con, a veces, dudosas bases histórico-documentales, le han permitido situarse en referente sociológico sin ningún aval de carácter científico”, dicen en su nota. Reconocen la capacidad mediática de Gálvez, “a la que se unen las diversas fundaciones, empresas e instituciones y sus lógicos intereses comerciales y de imagen”, pero lamentan en el texto que “se ha difundido una imagen de gran exposición que no se corresponde con la realidad”.

Preguntada ayer por este diario, Santos se negó a pronunciarse sobre el texto. Dijo que no lo había leído y que solo lo hará cuando la queja sea oficial. “Nadie me lo ha mandado ni lo he visto publicado”, explicó.

La parte de la que es autor intelectual Gálvez se expone en el Palacio de las Alhajas, y propone una revisión de “Leonardo en vaqueros”, según dijo el presentador el día de la presentación, el pasado 28 de noviembre. Con afán didáctico, sitúa su figura con recursos audiovisuales, maquetas y experiencias de realidad aumentada. El intrusismo es para los historiadores doble. Galvez “ni es experto reconocido científicamente en la figura de Leonardo ni en la cultura de su época”. “Tampoco es”, añaden, “profesional en lo que se refiere a la curaduría [sic] de exposiciones”.

Nada tienen los historiadores que oponer al trabajo de Elisa Ruiz, catedrática de Paleografía y gran experta en la obra manuscrita del artista florentino, que se responsabiliza de la instalación de los dos Códices y de su entorno histórico. Sí critican, en cambio, que la BNE se asocie al proyecto. “En esta ocasión, creemos que se han buscado unos malos compañeros de viaje, los cuales han diluido el trabajo que se viene haciendo con todo rigor en la Biblioteca Nacional”.

La directora de la BNE valoró el día de la inauguración en el Palacio de las Alhajas, propiedad de Montemadrid, que "las instituciones se unan para proyectos de este calibre". También declinó pronunciarse sobre la propuesta de Gálvez, porque no la "había visto". Ayer dijo que aún no había sacado tiempo para ello. “Lo que puedo decir es que me parece positivo que si 30.000 personas, por ejemplo, prefieren ver esta exposición en lugar de irse a ver espectáculos llenos de agresividad, todo habrá valido la pena.” Y añade el dato de que desde que se abrió la muestra de los Códices, las visitas han aumentado un 400% en la BNE".

El 27 de noviembre, Santos, ante las quejas de Navarrete y otros profesores, contestó por escrito al presidente del CEHA, Rafael López Guzmán: “En la BNE, se van a exponer los Códices Madrid y la comisaria de la exposición es la profesora Elisa Ruiz, cuyo prestigio y calidad académica queda fuera de duda. En la parte de la escalera, zona no destinada a exposiciones, sino espacio de tránsito de personas, se han colocado algunas reproducciones de gran tamaño de máquinas y objetos, réplica de las contenidas en los Códices”. Y añadía: “De la selección de estas reproducciones se ha hecho cargo el señor Gálvez, al igual que altruistamente ha financiado todos los gastos de la exposición. Por lo tanto, la afirmación del señor Navarrete falta a la verdad y está basada en una entrevista [en El Mundo a Gálvez], sin haberse molestado en contrastar la información”.


Un cuestionado autorretrato hallado en 2008

En el Palacio de Alhajas de Madrid no se expone obra original, salvo el cuestionadísimo autorretrato conocido como Tavola Lucana, que fue descubierto en el sur de Italia, en 2008, y considerado falso por varios expertos en la obra del genio florentino.

Según se explicó en la presentación, el proyecto ha sido concebido por Christian Gálvez y realizado junto a la empresa Iniciativas y Exposiciones, socios en esta iniciativa privada, en la que colaboran Mediaset España, donde Gálvez presenta Pasapalabra, y la editorial Penguin Random House (Aguilar, sello del grupo, ha publicado su último libro, Gioconda descodificada, el tercero de sus dedicados al pintor).


Ángeles García / elpais.com
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
La experta en Leonardo que según Christian Gálvez le avala: “Disiento de su parecer desde que le conocí”

La catedrática Elisa Ruiz asegura que presentó su dimisión como comisaria de la muestra en la Biblioteca Nacional. El presentador se declara "sorprendido"



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Christian Gálvez, conductor de 'Pasapalabra', presenta su exposición sobre Leonardo da Vinci.

El comisario de la exposición Leonardo da Vinci: los rostros del genio en el Palacio de las Alhajas, el presentador de televisión Christian Gálvez, ha respondido a las críticas de “intrusismo profesional” recibidas desde el Comité Español de Historia del Arte (CEHA). Y lo ha hecho asegurando que su muestra cuenta con el asesoramiento y el respaldo de distintos especialistas, entre otros, de Elisa Ruiz, catedrática de Paleografía, gran experta en la obra manuscrita del artista florentino. Ruiz es comisaria de una exposición paralela a la de Gálvez en la Biblioteca Nacional de España (BNE) sobre los códices Madrid I y Madrid II del genio renacentista. Ambas citas sirven para celebrar el quinto centenario de la muerte del artista.

Sin embargo, Ruiz remitió este lunes al comité de historiadores del arte un duro comunicado en el que asegura: "En ningún momento me he asociado con el señor Gálvez, bien al contrario, disiento de su parecer desde que le conocí y no he vuelto a tener ninguna relación con él". Ruiz sostiene que llegó incluso abandonar el proyecto, por sus desencuentros con el presentador, aunque finalmente aceptó seguir adelante con la exposición.

"Creo entender que como se me está criticando por intrusismo, no quiere verse salpicada, hasta cierto punto lo comprendo. Es cierto que hubo discrepancias entre nosotros, pero ¿en qué comité científico no las hay? Ahora mismo no mantenemos la relación profesional. Si se desvincula, que se desvincule, pero la verdad: me ha pillado por sorpresa”, ha contestado Gálvez esta tarde en conversación telefónica.

El CEHA, entidad que agrupa a más de 500 catedráticos de la materia, criticó la falta de "rigor científico" de la muestra del Palacio de las Alhajas, aunque no incluyó en sus críticas el trabajo de Ruiz, que se puede ver en la BNE, en una "exposición que continúa la línea de otras de enorme interés para la cultura y fuentes artísticas y que, sin duda, suponen un avance importante en la investigación así como en la transferencia de conocimiento a la ciudadanía en general", según le escribió el presidente del CEHA, Rafael López Guzmán, a la directora de la institución, Ana Santos.

En una misiva enviada por la junta directiva del CEHA a sus socios el viernes pasado, se criticaba el "intrusismo" de Gálvez. El presentador de Pasapalabra explica a EL PAÍS: “Yo he sido un intruso toda mi vida. Empecé magisterio y no lo terminé, porque me llamaron de la tele y ese tren solo pasa una vez. Luego me dejaron de llamar y trabajé como vendedor en una tienda de juguetes. Ahí era de nuevo intruso por no saber de marketing. Después me escogieron en un cásting para ‘Caiga quien caiga’ y como no era periodista, de nuevo intruso. Lo mismo me pasó con mi primer libro”.

El comunicado de Ruiz marca distancias con el presentador. "La dirección de la BNE en marzo de este año me propuso comisariar una exposición en esta sede sobre los dos manuscritos de Leonardo para conmemorar el V Centenario de su muerte. Se me informó de que un tal señor Gálvez iba a hacer otra en el Palacio de las Alhajas. Mantuve varios contactos con dicho señor, que resultaron totalmente infructuosos e incompatibles a efectos de colaboración. En el mes de mayo el interesado hizo un escrito en contra de mi persona y lo envió circularmente a doña Ana Santos, directora de la Biblioteca Nacional, a don Miguel Albero, director cultural, a don Sergio Martínez, jefe del Servicio de Exposiciones e ignoro si a alguien más", escribe la catedrática.

"Cuando tuve noticia de este hecho, presenté mi dimisión como comisaria de la exposición de la Antesala de la Biblioteca Nacional a la dirección. Cometí el error de no mantener esta decisión a instancias de la institución. Se me rogó que prosiguiera con el proyecto por no haber tiempo ni persona adecuada para realizarlo", continúa Ruiz. Sostiene que aceptó finalmente seguir adelante pero impuso tres condiciones: "No mantener en lo sucesivo ninguna relación con el señor Gálvez ni depender bajo ningún concepto de esta persona. No percibir ni un céntimo por este trabajo profesional. Realizar mi proyecto expositivo exclusivamente en colaboración con los Servicios de la Biblioteca Nacional".

“Estoy sorprendido", aclara Gálvez. "Figura como parte del comité técnico científico y así se ha dejado constancia en las presentaciones de mayo, del 29 de julio y del 28 de noviembre, así como en las notas de prensa y comunicados de la exposición. Además, participa en el catálogo de la muestra, que se publicará en dos o tres semanas y lo publicará Penguin Random House. Estuvo metiendo correcciones en el libro hasta el 21 de noviembre".

“Lo que no se está teniendo en cuenta es que no se trata de una exposición artística, sino que pretende ser biográfica y didáctica", continúa el presentador. "Yo soy un comunicador, y conozco mis limitaciones. Ojalá me dejaran comisariar una exposición en el Museo del Prado, pero ya sé que eso no va a pasar. En este caso, soy investigador independiente, y he tenido que pasar por los requerimientos, que no son pocos, del Leonardo DNA Project, grupo internacional de estudio científico del genio al que pertenezco. No pretendo sentar cátedra. Pero me hace gracia, porque hoy en día Leonardo sería un intruso. Recordemos que en su época, la Florencia de los Médicis, fue cuando se empezaron a abrir las bibliotecas a la gente. Solo pretendo tender un puente entre Leonardo y la gente. Si la gente quiere cruzar ese puente, fenomenal. Y si quieren pasar a nado, también me parece bien”.

A su vez, la directora de la BNE ha señalado que la institución ha detectado un aumento en el número de carnés y visitantes a otras exposiciones tras inaugurar la muestra comisariada por Ruiz en la Biblioteca Nacional y por Gálvez en el Palacio de las Alhajas. Santos ha destacado que, desde su inauguración, el 29 de noviembre y hasta el 7 de diciembre, 5.539 personas han pasado por esta muestra —que finaliza el próximo 19 de mayo de 2019—  "y esto está suponiendo un aumento de visitantes para el resto de las exposiciones". También comparte la información de que el viernes, pese al puente, se dieron de alta el doble de carnets de alta a la BNE de un día normal.

elpais.com



 

El polémico presentador se ha metido en un jardín que le queda grande. Caber sabe del tema, pero lo que trata es de desacreditar a especialistas muy reconocidos con su teorías y muchos de éstos se han revelado poniendo en entredicho.
 




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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Christian Gálvez: “Solo soy un intruso apasionado”

El presentador de 'Pasapalabra' siente pasión por la cultura y seguirá con su trabajo pese a las críticas por su exposición sobre Leonardo da Vinci



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Christian Gálvez en el Palacio de las Alhajas de Madrid que acoge la exposición 'Leonardo da Vinci. Los rostros del genio'. En vídeo, una muestra de la muestra. Foto: C Sainz

Christian Gálvez es el presentador más sonriente y cercano de Mediaset, conductor de un refugio educativo en una cadena, Telecinco, cuya seña de identidad son los realities. Lleva más de 10 años al frente de Pasapalabra, un programa al que llegó tras conocer en primera persona la cara menos favorable de la televisión. Amante de la historia y de Leonardo da Vinci, se ha estrenado como comisario de arte y ha sido acusado de intrusismo por historiadores de arte. “Solo soy un intruso apasionado que persigue con honestidad la ilusión de acercar la cultura a la gente”, respondió a EL PAÍS este jueves en un descanso de la grabación de su programa refiriéndose a la polémica.

Se define a sí mismo como “un espíritu renacentista, un tipo con ganas de hacer muchísimas cosas y que valora la multidisciplina y la polimatía”. Rechaza establecer unos límites inquebrantables —“¿qué es intrusismo? ¿quién establece esos límites?”— y considera un sinsentido relegar el conocimiento a un grupo reducido. “Siempre he considerado justo democratizar la cultura. Me gusta crear, me gusta apostar, me gusta divulgar”, añade el presentador, quien siendo un escolar cayó rendido ante el placer de aprender.

Llegó a la televisión con 15 años con un papel en Médico de familia, el primero en una de las series en las que trabajó, entre ellas, La casa de los líos (1996) o Al salir de clase (1998). Su salto a presentador llegó con Desesperado Club Social, un programa infantil en el que trabajó entre 1999 y 2000. Y recibió su primer golpe cuando el magazine fue cancelado y se quedó sin trabajo. “Tenía 21 años y pensaba que lo tenía todo hecho. Dije ‘bueno, me llamarán. Y nunca llamaron”, recordó en Chester, con Risto Mejide.

Resignado a tener que ganarse la vida de otra manera, buscó un nuevo trabajo fuera de la televisión. “Tuve que reciclarme, ponerme a trabajar en una juguetería, de lunes a domingo, 12 horas al día, por 700 euros. Cada vez que alguien entraba en la tienda me decían ‘uy, pero si tú eres el de la tele’”, recuerda. La mala racha terminó cuando empezó de reportero en Caiga quien caiga, donde trabajó entre 2005 y 2007. El programa le sirvió para decidir hacia dónde quería enfocar su carrera. Cubriendo la Berlinale hizo una broma que sentó mal al actor Keanu Reeves y que terminó con Gálvez expulsado del festival. Fue una lección.

“Me di cuenta de que quería hacer televisión, pero no a cualquier precio. No quería reírme de nadie. A partir de ahí, cambié el chip”. Lo hizo con lo que en su página web considera que ha sido su “mayor oportunidad profesional”, presentar Pasapalabra, un reto después del éxito de su anterior presentadora, Silvia Jato, que Gálvez ha consolidado y por el que ha sido premiado con el Premio Ondas en 2008 y varios TP de Oro.

No todo en el concurso ha sido bueno. Hace seis años sufrió una lesión en la espalda y estuvo a punto de quedarse en silla de ruedas. El contratiempo le cambió la vida. Aún en tratamiento, optó por pedir el alta voluntaria y seguir haciendo su trabajo. “Venía con corsé a trabajar. Normalmente hacemos tres programas cada tarde, de tres a ocho y media, y en aquella época tardábamos más de doce porque grababa un programa y tenía que tumbarme una hora. Así todos los días”, ha contado.

Recuperado de todo aquello, compagina las grabaciones del concurso con los frecuentes viajes por la Italia renacentista, el estudio y la escritura, dos aficiones que le han llevado a publicar cinco libros y se han convertido en una dedicación.

En su proyecto más ambicioso, su salto a comisario de la muestra Leonardo da Vinci: los rostros del genio, se ha visto en el foco mediático desde su inauguración. Quien fuera un reportero atrevido y descarado en Caiga quien caiga sigue empeñado, por encima de cualquier crítica, en generalizar la cultura. “¿Quién es un intruso? ¿Quién establece esos límites? Que se critique una exposición sobre el Renacimiento es impertinente. Cuando las cosas se hacen con pasión, con respeto y con rigor, son pertinentes”. Por eso, asevera, no ha pensado ni un segundo en tirar la toalla. “Por supuesto que pretendo seguir dedicándome a esto. Creo que voy por el buen camino porque no he faltado el respeto a nadie, no he mentido a nadie. Soy investigador y soy feliz con lo que hago, me hace mejor profesional y mejor persona. Además, la gente se ha volcado. Solo por ver que hay gente que sale [de la exposición] con una sonrisa y con una mínima capacidad de aumentar su curiosidad, yo me considero muy feliz”.


Casado con la gimnasta Almudena Cid


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Christian Gálvez con su mujer, la gimnasta Almudena Cid.

El popular presentador está casado con Almudena Cid, gimnasta olímpica y escritora de cuentos sobre una niña que lucha con todas sus fuerzas por lograr su sueño. Se conocieron cuando ella acudió como invitada a Pasapalabra y, tal y como ha comentado Gálvez, surgió un flechazo entre ellos. Tienen la misma edad, 38 años, se casaron hace ocho y Cid fue su principal apoyo con el accidente de la espalda y lo sigue siendo ahora. En medio de la polémica, la gimnasta ha compartido en Instagram una fotografía de su marido junto a un cariñoso mensaje: “Te miro, te observo y siento una ADMIRACIÓN desbordante”.


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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
La polémica de Christian Gálvez y Leonardo: la fina línea entre la divulgación y el espectáculo vacío

Los especialistas defienden que la difusión del arte y la ciencia es imprescindible y puede permitirse licencias, siempre que no se exceda un límite: el rigor



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Reproducción de una obra de Leonardo en el vestíbulo de la Biblioteca Nacional. VÍCTOR SAINZ

Desde que se inauguró el pasado 29 de noviembre, con motivo del V centenario de la muerte de Leonardo da Vinci, una doble exposición sobre el genio florentino bajo el paraguas de la Biblioteca Nacional de España (BNE) —una en el Palacio de las Alhajas y otra en su sede del paseo Recoletos—, la institución ha notado un aumento de visitantes a esta y también al resto de sus exhibiciones y en el número de carnés. Pero, a cambio, ha sufrido una singular polémica por las acusaciones de falta de rigor e intrusismo a la parte comisariada por el popular presentador del programa Pasapalabra, Christian Gálvez, un declarado fanático de la figura de Da Vinci, la cual ha plasmado en varios libros de ficción y ensayo; ningún reproche ha habido, sin embargo, a la parte de la exhibición dirigida por la catedrática Elvira Ruiz y que muestra en la propia biblioteca los códices Madrid I y II del artista junto a una selección de otras obras emblemáticas de la BNE.

Sean injustas o no esas acusaciones (en este artículo encontrarán opiniones en los dos sentidos), lo cierto es que la propia controversia plantea preguntas trascendentales sobre la cultura del espectáculo y la necesaria divulgación del arte y la ciencia, y sobre los monopolios perdidos del saber en esta acelerada sociedad del siglo XXI.

“La difusión y la vulgarización de alguien de la talla de Leonardo es hasta una necesidad, porque la cultura no tiene que llegar únicamente a unas pequeñas élites de entendidos; ¡bienvenida esta capacidad de difusión!”, declara el catedrático de Historia Medieval de la Autónoma de Barcelona José Enrique Ruiz-Domènec, uno de los siete miembros del comité técnico científico de la muestra.

En el lado opuesto está, sin embargo, el profesor de Historia del Arte de la Universidad de Alcalá de Henares Benito Navarrete: “Cuando hicimos, el profesor Alfonso Pérez Sánchez y yo, la exposición del joven Murillo —para la que nos pasamos cuatro años de investigación—, no nos pareció mal, para publicitarla, ponerle un piercing al autorretrato del pintor. Y fuimos muy criticados por ello. Lo que quiero decir es que al primero que le gusta la publicidad es a mí, pero siempre partiendo de un producto que sea científico y, si no, cuando menos riguroso. Y este no lo es”, aseguraba por teléfono el pasado viernes, ratificándose en la opinión que ya expresó hace unas semanas en un artículo publicado en este diario.

Efectivamente, todos los expertos consultados están de acuerdo en que en la divulgación vale casi todo, con un límite: el rigor, es decir, no cometer errores ni mentir ni manipular. Así que la pregunta es si se han traspasado esos límites en Leonardo da Vinci. Los rostros del genio, una muestra llena de reproducciones de cuadros y de los ingenios diseñados por el maestro florentino, con mucho contenido multimedia de apoyo y, en el centro de la polémica, la Tavola Lucana, única obra original de la exhibición. Se trata de un supuesto autorretrato de Leonardo descubierto por el historiador italiano Nicola Barbatelli —otro miembro del comité técnico científico—, y que el propio Gálvez asegura que lo es al 99,9%. Sin embargo, sin pruebas definitivas que lo demuestren, otros especialistas, incluidos algunos de los más importantes expertos en el artista, dicen que es falso. “Y no hace falta ser experto en Leonardo para acercarse y darse cuenta de que ni siquiera es una pintura del siglo XVI", insiste Navarrete.

Así, a su artículo crítico, titulado El conocimiento y la posverdad, le siguió ocho días después una carta de protesta del Comité Español de Historia del Arte (CEHA) –una de las asociaciones más representativas del sector— en la que se quejaban del “intrusismo” de Gálvez y de que se hubiera difundido “una imagen de gran exposición que no se corresponde con la realidad”. El remate fueron las declaraciones de Elisa Ruiz, gran experta en la obra manuscrita de Leonardo y responsable de esa otra parte de la exhibición que muestra los códices Madrid I y II de Leonardo en la sede de la Biblioteca Nacional, en las que se desvinculó totalmente del presentador: “Disiento de su parecer desde que le conocí”, dijo. Poco antes, Gálvez se había defendido de los reproches destacando el asesoramiento y el respaldo de distintos especialistas, entre otros, el de Ruiz.

Las licencias y sus límites

No era así en el caso de la paleógrafa, pero sí en el de al menos otros dos miembros del comité científico técnico con los que ha conseguido contactar este diario: el historiador Ruiz-Domènec y el catedrático de Medicina Legal y Forense y director del Laboratorio de Identificación Genética en la Universidad de Granada, José Antonio Lorente. El historiador admite que no se trata de una exposición al uso —“de poner 30 cuadros y colgarlos y analizarlos”—, pero asegura que consigue su objetivo, que es la difusión al gran público, sin renunciar al rigor: “Tiene todas las garantías”, “no hay ningún error ni errata”. Y, respecto al único elemento polémico, que sería la originalidad de la Tavola Lucana, añade: “Es un tema de debate, como ocurre con todo lo que se refiere al mundo de Leonardo, especialmente de su pintura”.

Lorente añade: “La divulgación por definición debe permitir las licencias, es etimológico: divulgar es poner las cosas al alcance de la gente común. [La muestra] tiene originales, copias, reproducciones, obras verdaderas, alguna de la que se puede dudar (la duda es importante, huyamos de los dogmáticos propietarios de la verdad), y sobre todo, esta exposición tiene un diseño para disfrutar, comprender, razonar, dudar, soñar y aprender, ¿se puede pedir algo más?", asegura en [b]una contestación por correo electrónico.

Sin embargo, sobre la duda y el debate, la catedrática de Historia Contemporánea en la Universidad Complutense Elena Hernández Sandoica matiza: "Es necesario, a todas luces, que la divulgación cuente en su base con los resultados científicos acordados (o los más relevantes y no discutidos) en la comunidad científica correspondiente”, teniendo en cuenta que las humanidades y las ciencias sociales siempre están sujetas a interpretaciones, pero sin que eso quiera decir “que no haya interpretaciones más válidas y correctas que otras, siempre y en todo lugar”.

Sociedad de masas

En todo caso, teniendo en cuenta que tal vez se trata en este caso de "un conflicto entre un/una experto/a y un divulgador, más o menos creativo, que se ve amplificado de entrada por su difusión en los medios, exacerbándolo". Hernández advierte: "En la sociedad de masas, toda exhibición cultural es precisamente 'de masas'. Y los 'expertos', 'intelectuales' o como queramos llamarnos a estas alturas debemos estar preparados para cualquier 'exceso' interpretativo por parte de quienes nos acompañen en la exhibición o representación de cualquier objeto o proyecto cultural".

Algunos han visto en esta polémica un problema de celos, de proteccionismo corporativo y cerrazón académica. “Analizar una exposición de este tipo con criterios puramente académicos es una torpeza impropia del siglo XXI”, dice Lorente, y añade: “Busquemos alianzas y puntos de encuentro, dejemos a un lado celos, discrepancias y ganas de notoriedad atacando a una persona de un alto perfil público”.

El profesor de Ciencias Políticas de la Complutense y fundador de Podemos Juan Carlos Monedero escribía el lunes 10 en Twitter: “Si la Universidad denuncia por intrusismo una exposición de enorme éxito sobre Leonardo Da Vinci, lo único que hacen es tirarse piedras sobre su rancio tejado. O la Universidad se actualiza, especialmente en las humanidades y ciencias sociales, o muere”. E insistía el viernes en contestación a este periódico: “Como dice Bob Pop —que no sé si es catedrático pero tiene razón— sobran influencers y faltan referentes, pero la culpa, añado yo, es de los referentes. Que tendrán que aprender a llegar. Y eso pasa por salir de los fríos muros de las academias. Porque el problema no es que se sustituya a los historiadores, sino que la academia no tenga tanto prestigio social como para defender a la sociedad de los mentirosos que pueblan las tertulias y los telediarios”.

Christian Gálvez, por su parte, ha defendido en todo momento la honradez de sus esfuerzos: “Solo soy un intruso apasionado que persigue con honestidad la ilusión de acercar la cultura a la gente”, declaraba la semana pasada a EL PAÍS. “¿Qué es intrusismo? ¿quién establece esos límites?”, se preguntaba.

El profesor Navarrete asegura no obstante que el problema aquí nunca fue de intrusismo, sino, insiste, de rigor: “Todos los contenidos de la muestra están centrados fundamentalmente en dar una imagen de Leonardo que no se corresponde con la realidad, artificiosa, fantasiosa, heredera de la literatura de Dan Brown. Hay fuentes, claro, el problema es hacer una exposición espectáculo, con una obra en el centro que no es de Leonardo y construir todo el discurso en función de eso". Y añade: “Y no, esto no es una cuestión de discusión o de controversia, es una cuestión de que tú no puedes engañar al público porque objetivamente [la tavola] no es de esa época”.

El papel de la Biblioteca Nacional

Y mucho menos, añade, una institución pública puede avalarla, lo cual es, quizá, el mayor error de todo este asunto. Pese a que la parte del Palacio de las Alhajas está concebida por Gálvez y la firma Iniciativas y Exposiciones, y cuenta con la colaboración de empresas como Mediaset España —cadena que emite Pasapalabra—, y la editorial Penguin Random House, “ves los logos y ves la cartelería y los anuncios y está claro que es una exposición con dos sedes”, dice el historiador del arte.

La directora de BNE, Ana Santos, después de casi tres semanas de polémica, ha preferido no participar en este reportaje. Sin embargo, la cuenta de la institución en Twitter hizo el miércoles balance en un largo hilo. En él señala como suya la muestra dirigida por la profesora Ruiz en su sede mientras, con cierta distancia, habla de la parte de Gálvez —que incluye varias réplicas de artilugios diseñados por Leonardo en el vestíbulo de la biblioteca— como una "colaboración" que ha generado un debate: "Abre vías de reflexión muy importantes sobre distintas formas de cooperación en el espacio público y cultural".

"Tal y como está, sin la tavola, sin pretensiones, no hubiera pasado nada si la Biblioteca Nacional no se hubiera involucrado", opina Navarrete. El profesor Ruiz-Domènec, por su parte, insiste en que se trata de “una polémica hinchada” y resume: “Prefiero que empecemos a discutir sobre los rostros de Leonardo que sobre la mala situación de Isco”.


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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Christian Gálvez carga contra su compañera de la exposición sobre Leonardo da Vinci

El presentador de 'Pasapalabra' ha aprovechado su paso por 'Viva la vida' para defenderse de los académicos que le acusan de ser un "intruso"



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Christian Gálvez, en Telecinco. (Mediaset).

Nuevo capítulo alrededor de la polémica entre los historiadores del arte y el presentador Christian Gálvez. La principal asociación española de historiadores del arte, el Comité Español de Historia del Arte (CEHA), ha acusado al presentador de 'Pasapalabra' de practicar el "intrusismo y falta de rigor científico" por su papel de comisario en la exposición 'Leonardo da Vinci: los rostros del genio'.

  [Christian Gálvez, acusado de "intrusismo profesional" por historiadores del arte]

Por su parte, el presentador de Telecinco, que ya ha amenazado con abandonar el proyecto si la Biblioteca Nacional lo decide, ha aprovechado su paso por el programa de Emma García, 'Viva la vida', para criticar a un "cierto sector dentro de la historia del arte".

"Lo que ha pasado es que un círculo de personas, que piensan que no se puede democratizar la cultura en este país, me han señalado como intruso", ha comenzado explicando Gálvez. El presentador ha asegurado que los historiadores le han señalado por trabajar en Telecinco.

"Hay gente que piensa que el conocimiento tiene que quedarse en círculos muy cerrados y parece que te tienen que dar permiso para poder divulgar", ha continuado Gálvez. "Se han equivocado en el foco", ha apuntado el presentador de 'Pasapalabra'.


Criticas a su compañera y académica Elisa Ruiz

Tras estallar la polémica, Elisa Ruiz, comisaria de la exposición sobre Leonardo mostrada en la Biblioteca Nacional, envió una carta a la CEHA en la que expresaba "no mantener ninguna relación en lo sucesivo" y haber mantenido unas reuniones con Christian que "resultaron totalmente infructuosos e incompatibles a efectos de colaboración".

Además, la comisaria de la muestra en la Biblioteca Nacional ha confesado que presentó su dimisión como comisaria tras conocer que Christian Gálvez envió una carta en contra de su persona a Ana Santos, directora de la BNE, y al director cultural de la institución, Miguel Albero. Una confesión que ha recibido respuesta por parte del presentador de televisión durante su entrevista con Emma García.


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Elisa Ruiz y Christian Gálvez. (Telecinco).

Según Gálvez, "es curioso que reniegue de la exposición una persona que ha estado trabajando conmigo desde enero hasta mayo y que hasta noviembre estaba mandando correcciones del catálogo". Tal y como ha explicado el presentador, la académica "no dirige una exposición independiente, la parte de la Biblioteca está bajo el paraguas de la misma exposición". "Le han dado un arco a alguien que no sabe disparar", ha sentenciado el presentador".


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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
¿Lo pintó Leonardo da Vinci o un ayudante? ‘Salvator Mundi’ pone en jaque el rigor del Louvre

Los expertos del museo francés no han facilitado todavía la atribución con la que tratarán el cuestionado cuadro en la gran exposición del próximo otoño



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'Salvator Mundi', atribuido a Leonardo da Vinci. En vídeo, la polémica respecto a la autoría de la obra. AP / EPV

La historia del arte avanza a golpe de intuiciones y retrocede a base de arbitrariedades. En un nuevo capítulo de una ciencia que trabaja con más hipótesis que pruebas, el Museo del Louvre de París se enfrenta a la incorporación de Salvator Mundi en la nueva exposición que la institución francesa prepara sobre Leonardo da Vinci para el próximo otoño: será un homenaje al quinto centenario de la muerte del pintor en el castillo del rey Francisco I, en Amboise, en el Loira. “Es una oportunidad única para que el Louvre reúna la mayor cantidad posible de las 17 pinturas ahora atribuidas a Leonardo", según especialistas, para unirse a las cinco grandes obras del museo de París”, anuncian desde la institución. Lo que figure en la cartela de Salvator Mundi –incluido en la muestra– será decisivo para el futuro del cuadro más caro de la historia del mercado del arte (450 millones de dólares) y del centro con más prestigio en la investigación del maestro renacentista.

Si dan por buena la atribución que reventó los precios en noviembre de 2017, las finanzas del príncipe saudí Badr ben Abdallah –que lo adquirió para que fuera el icono estrella de la sede del Louvre en Abu Dabi– no se verán resentidas. Si confirman que es obra de taller, la comunidad científica dormirá tranquila. En 2011 la National Gallery atribuyó a Leonardo el cuadro cuando lo incorporó a una exposición temporal sobre el pintor.  El interés del Louvre en Abu Dabi pone en jaque el rigor científico del museo francés, porque los expertos no han facilitado todavía la atribución con la que tratarán la polémica obra y anuncian que hasta octubre no darán a conocer su decisión. De hecho, el propio Louvre de Abu Dhabi canceló la presentación del cuadro el pasado septiembre y todavía no lo han colgado de sus paredes.

Desde que se vendiera en noviembre de 2017, en Christie's Nueva York, esta pintura sin historia ha pasado a convertirse en una pintura sin partidarios. La última voz crítica en sumarse contra la autoría que disparó la venta es la de Jacques Frank, asesor del Louvre en proyectos de restauración de la obra de Leonardo, que aseguró al diario The Telegraph que en el Louvre “saben que la obra no es un Leonardo”. El experto declara haber escrito a Emmanuel Macron, el presidente francés, para advertirle de que no inaugure la muestra con el Salvator Mundi señalado como obra de Leonardo. “Sería un escándalo”, dice Franck, que explica al diario que Francia no puede permitirse la “humillación” del Louvre al exhibir una obra pintada por uno de sus ayudantes en el taller.

Obra cara sin pedigrí

Entre los negacionistas de Salvator Mundi se encuentra el historiador Frank Zöllner, el perito con la llave del catálogo de Leonardo, que estima en su última revisión un total de 31 pinturas, con obras del taller incluidas, como la Mona Lisa del Museo del Prado. Para Zöllner el cuadro más caro de la historia es “un producto de alta calidad del taller de Leonardo” o incluso de un seguidor posterior. Matthew Landrus, historiador de la universidad de Oxford y experto en el genio renacentista, sostiene que la pintura es obra de Bernardino Luini, asistente de Leonardo en su taller. El investigador italiano Alessandro Vezzosi (director del Museo Ideale da Vinci) publicará en breve un estudio sobre todas las obras al detalle y en el que asegura que Salvator Mundi está demasiado restaurada como para atribuirlo por completo al maestro: “Tiene la cara plana, de aspecto borroso y una mirada inexpresiva”.

  Desde que se vendiera en noviembre de 2017, en Christie's Nueva York, esta pintura sin historia ha pasado a convertirse en una pintura sin partidarios

El taller de Leonardo es en todas sus dimensiones un misterio. Sobre todo en sus últimos 20 años de producción. La primera generación de ayudantes tenía una personalidad muy fuerte y la siguiente camada tuvo vínculos estéticos más fuertes con el maestro, como es el caso de Sarai y Melzi. Es muy difícil distinguir la personalidad plástica de cada uno y se ignora por completo su producción. Esto complica aún más las atribuciones de ayudantes y maestro.

Todas las críticas apuntan a que estemos ante una pintura sin pedigrí, pero muy cara. No ha sido hasta que ha salido a la luz cuando se ha investigado a fondo. Antes se pensaba que había sido realizada para el rey Luis XII de Francia y su consorte, quien se la encargó (en 1500) poco después de la conquista francesa de Milán. Posteriormente, el cuadro aparece en Inglaterra, en el siglo XVII, en manos de Carlos I y de su esposa Henrietta María, quien se lo llevó consigo hasta la ejecución del rey, en 1649. Sin embargo, una investigación reciente de Jeremy Wood indica que la pintura de Leonardo estuvo en la residencia del primer duque de Hamilton, en Chelsea, entre 1638 y 1641, tal y como indica su inventario. Lo que es imposible determinar es si el Salvator Mundi de Hamilton —identificado como “obra de Leonardo”— es el de Abu Dabi… porque al menos hay 20 copias del Salvator circulando por el mundo. De hecho, algunos expertos indican que la pintura que está ahora atribuida a Giampietrino en el Museo Pushkin de Moscú podría ser la que figura en el inventario de Carlos I y Hamilton, no la de Abu Dabi.

Mágico Leonardo

Leonardo es uno de los personajes de la historia del arte con menos pruebas que limiten su pasado y, por tanto, uno de los que mayores posibilidades ofrecen para la hipótesis. Estos días se ha celebrado un intenso debate en el seno de la Biblioteca Nacional sobre las elucubraciones que han convertido a Leonardo en la mayor reconstrucción literaria e histórica del último siglo y medio. Los historiadores del arte no suelen contar con muchas pruebas, pero a su favor tienen sobresalientes habilidades literarias para hacer creíble su certidumbre a la hora de atribuir, montar y desmontar los acontecimientos sobre un cuadro.

  Un asesor del Louvre declara que "sería un escándalo” y una "humillación" para el Louvre incluir la pintura como obra de Leonardo

El propio Vincent Delieuvin, conservador jefe de la pintura del siglo XVI del Louvre, declaraba a este periodista hace años que la diferencia entre La Gioconda del Louvre y la Mona Lisa del Prado era “el pincel mágico de Leonardo”. Y aclaraba que para distinguir entre el autor de la tabla del museo madrileño —sea de quien sea— y de la tabla del museo francés hay que acudir a la lírica: “Los dos usan los mismos materiales, pero la obra de Leonardo es poesía”. El conservador francés comprobó que en todas las copias coetáneas que se hicieron de las obras de Leonardo, “los rostros son muy pesados, mientras que los suyos son verdaderamente divinos”.


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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Cuando la Mona Lisa se quitó el sujetador: los senos más misteriosos sí los pintó Da Vinci

Aunque se creyó que era obra de sus alumnos, hoy se revela que fue pintada por un artista zurdo y con 'efecto esfumato', sellos del italiano.



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La Monna Vanna.

La Mona Lisa es la mujer más seductora de la historia: sin ser exactamente bella, sin estar en absoluto sana. Hay algo magnético en su gesto sencillo, en sus ojos enigmáticos y en su forma de torcer la boca con una media sonrisa cargada de secretos. En sus rasgos empiezan todas las novelas. Es uno de esos personajes empapados de símbolos que valen más por lo que callan -por lo que siempre han callado- que por lo que dicen.

De ella dicen que padecía alopecia universal, temblor de tipo parkinsoniano, sífilis, sordera, síndrome de Gilles de la Tourette, parálisis de Bell, hipotiroidismo y un largo etcétera. Hasta el colesterol disparado. De ella cuentan que estaba embarazada o que acababa de dar a luz -así lo establecieron un grupo de investigadores canadienses al descubrir un pequeño velo que solían llevar las mujeres encinta-. De ella relatan que le fueron borradas las cejas, que era feliz en un 83%, que era sólo una versión femenina del propio Da Vinci.

Pero hay algo más: un boceto de esta misma mujer de los mil cuentos donde pueden vérsele los senos. Un ‘top-less’ de la Mona Lisa que ha desconcertado a los expertos durante décadas. Durante mucho tiempo se pensó que este dibujo al carbón del siglo XVI era obra de los estudiantes del artista. Sin embargo, hoy, tras cientos de estudios, tienden a pensar que fue producido en gran parte, si no entero, por el propio maestro del Renacimiento.
 
Los expertos en el Louvre han sometido al dibujo a unas pruebas que detallan que su busto y sus manos son demasiado similares a las de la Mona Lisa. El análisis también ha revelado que gran parte del trabajo fue realizado por un artista zurdo, subrayando así la teoría de que Da Vinci lo firmó. La obra, conocida como Monna Vanna, luce el efecto de esfumato, una técnica que solía usar Leonardo y que consiste en involucrar en la pieza colores difuminados para generar un ambiente espectral, fantasmagórico.

La obra se encuentra en el museo Condé en Chantilly, al norte de Francia, y pertenecía al duque D’Aumale, el hijo del último rey de Francia, Louis-Philippe, quien lo adquirió en 1862. El duque pensaba que era una obra original de Leonardo y muchos eruditos del siglo XIX se mostraron de acuerdo, pero otros, más adelante, comenzaron a señalar que era un trabajo de sus alumnos.

Las reivindicaciones de que la obra es de Leonardo volvieron a aparecer en 2017, pero finalmente la fuerza del argumento decayó al descubrirse también que un artista diestro se habría encargado de parte de las líneas paralelas o de eclosión. Ahora el nuevo análisis cuenta que estos trazos pudieron haberse agregado más tarde.


elespanol.com
 




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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Hyperborea, espero que te encuentres bien de salud, que ya comentabas hace tiempo que andabas con problemas.

Se te echa de menos en el foro y especialmente en este tema que dominas como pocos.



 

Saludos.
 




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Mensaje Re: LEONARDO DA VINCI 
 
Desvelado el misterio de la 'Gioconda desnuda': su autor fue Leonardo da Vinci

Tras años de investigación, expertos en la obra del maestro han determinado que ese dibujo salió del pincel de Leonardo

La Gioconda de Chantilly fue pintada después de la obra del Louvre, pero sin utilizar a la misma modelo





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A la izquierda, la Gioconda de Chantilly; a la derecha, la Gioconda del Louvre.

Han sido necesarios años de investigación para que los más reputados expertos en la obra de Da Vinci de todo el mundo hayan determinado que el dibujo sobre cartón conocido como la 'Gioconda desnuda' salió, casi con total seguridad, del pincel del maestro florentino. A esa conclusión han llegado después de que un microscopio revelase algo oculto a simple vista, que el autor de los trazos era zurdo, como Leonardo.

Al igual que otros grandes artistas de su época, Da Vinci no firmaba sus obras, lo que ha obligado a los expertos a utilizar métodos materiales para atribuir sus cuadros controvertidos. Es el caso de la Gioconda que se conserva en el palacio de Chantilly (Francia), envuelta en una controversia sobre su origen.

El dibujo, que guarda un evidente parecido con el icono del Museo del Louvre, también salió del imaginario de Leonardo: "Los análisis muestran que la obra fue pintada en el taller de Leonardo con la muy probable participación del propio maestro", ha asegurado a Efe Mathieu Deldicque, el conservador del Museo Condé, que desde mediados del siglo XIX alberga el dibujo en los fondos de Chantilly, al norte de París.

Los expertos comenzaron por datar la obra, lo que permitió situarlo a finales del siglo XV o principios del XVI, dentro del periodo de vida del artista (1452-1519). Las marcas de fábrica demuestran que el papel procede del norte de Italia, donde tenía su taller Da Vinci.


Un microscopio localiza la última pieza del puzle

Únicamente faltaba por localizar la última pieza del puzle, que apareció en el rostro de la Gioconda, en su brazo izquierdo y en el seno que muestra orgullosa. Un microscopio delató, por los trazos, que el autor era zurdo, como Da Vinci.
Con todos esos elementos, los expertos consideran que acaban siglos de controversia, la que ha rodeado el misterio de la hermana desnuda de la célebre Mona Lisa.

Deldicque asegura que se trata de un dibujo preparatorio de una gran obra, que como era costumbre en la época se hacía sobre cartón. Sin embargo, a diferencia de otros bocetos, este sale de la mano de un gran artista, como pone de manifiesto su factura, pero también el hecho de que el autor introdujo algunas modificaciones en busca de la excelencia, como el hecho de que acortó los dedos de la mano.

También se sabe que fue pintado después de la obra del Louvre, inspirada en ella, pero sin utilizar a la misma modelo.

"Leonardo pintó Giocondas desde 1603, estaba muy interesado en esa composición y decidió desnudarla. Para él representaba la belleza universal y, al desnudarla, quiso hacer una alegoría del amor, de la seducción", sostiene el experto.


Otras Giocondas desnudas

La de Chantilly, según Deldicque, fue pintada al final de la vida del florentino, cuando la edad había dejado ya huella en su salud, estaba parcialmente paralítico, pintaba menos y lo hacía de forma muy lenta.

Leonardo quiso abrir a sus alumnos una nueva vía sobre la enigmática figura femenina que le persiguió toda su vida y que se convirtió en un icono del Renacimiento italiano y francés.

Existen otras Giocondas desnudas en el mundo, pero en ninguna otra hay indicios de que salieran del pincel de Leonardo. Para avanzar en la comprensión del dibujo y en el influjo que tuvo en la época, el Museo Condé va a organizar a partir del próximo 1 de junio una gran exposición, con motivo del 500 aniversario de su fallecimiento, en la que tiene previsto reunir a todas las Giocondas desnudas conocidas, sobre todo las que se conservan en el Hermitage de San Petersburgo y en el Museo Da Vinci de Toscana (Italia).

Habrá otras procedentes de Suiza, Inglaterra o Praga, asegura Deldicque, que considera "extraordinario" poder verlas todas juntas, "una oportunidad para analizarlas en profundidad, comprender todos los elementos que rodean a esta composición enigmática".

Adquirida a elevado precio por el duque de Aumale, el mayor coleccionista de Francia en el siglo XIX, las dudas sobre si correspondía a Da Vinci comenzaron en la centuria siguiente, dando así origen a una controversia que ahora los expertos consideran superada.


RTVE.es/EFE
 




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