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ANTONIO LÓPEZ
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Mensaje Re: ANTONIO LÓPEZ 
 
Allá donde se junta la abstracción con la figuración

La Fundación Focus expone en Sevilla obras de Antonio López, Carmen Laffón, Fernando Botero, Benjamín Palencia...



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Una mujer observa algunas de las obras de 'Un panorama del arte actual en la Colección Focus'. / PACO PUENTES

La figuración de Antonio López frente a la de Carmen Laffón. La abstracción de Juan Suárez ante la de Elena Asins. La última exposición de la Fundación Focus en el Hospital de Los Venerables de Sevilla se sumerge en ambos movimientos para sintetizar el arte de hoy. Lo hace de la mano de 13 artistas y 31 obras. "La muestra es un encuentro, no diría entre figuración y abstracción, si no entre figuraciones y abstracciones, en plural, porque son muy distintas", explica el profesor Juan Bosco Díaz-Urmeneta, crítico de arte de EL PAÍS y quien ha seleccionado las obras de la exposición. Con Un panorama de arte actual en la Colección Focus, compuesta de pinturas y obras gráficas, la organización inicia un proyecto expositivo para, de forma periódica, mostrar al público sus más de dos centenares de obras reunidas a lo largo de más de tres décadas a través de adquisiciones, donaciones y su certamen de pintura. 


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'Membrillero', 1990, de Antonio López.


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Cartel de Semana Santa de Sevilla en 1983 de Carmen Laffón.

Ese cara a cara entre la figuración del pintor tomellosero y la artista sevillana toma forma en la nueva sala de arte contemporáneo de este espacio. Una obra frente a la otra. Membrillero, de López; frente a Mujer sentada de espaldas, de Laffón. "Vemos a un López ya bastante evolucionado y una Laffón que apenas tiene 29 años. Son cuadros totalmente distintos. El de Laffón está muy cargado de pintura, con muchas capas, con una gama muy oscura, con mucha firmeza... En el de López, resaltan sus formas suaves y su delicado sentido del color. Además, la obra pide la colaboración del espectador para que interprete esos trazos de pintura como figuras", señala Bosco Díaz-Urmeneta. Junto a Mujer sentada de espaldas, la sevillana también expone los bocetos a pastel de un cartel de Semana Santa. "A partir del 73, Carmen empieza a concebir la luz de otra forma. En este, la luz es según la tradición, una luz tonal, es decir, va añadiendo blancos y estableciendo distintos tipos de volúmenes. La exposición nos muestra a dos Carmen en dos niveles diferentes", añade el experto. En esta última obra también se aprecia su progresivo deslizamiento de la figuración a la abstracción.


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'Niño con sombrero', de Benjamín Palencia.

La muestra también recoge los trabajos de Benjamín Palencia y Ramón Gaya, quienes influyeron desde posturas estéticas diferentes en la llegada del arte moderno a la realidad española. De Palencia se expone Niña con sombrero, en el que se aprecia perfectamente su modo de concebir el color y la dimensión que adquiere su figura; y de Gaya pueden verse cuatro litografías que revelan la interpretación moderna de la escuela española del Siglo de Oro a través de imágenes en las que están muy presentes Velázquez y el Museo del Prado. "Gaya fue el misionero del Prado, dicho literalmente, en la época de la República se pasó horas y horas copiando sus cuadros", apunta Bosco Díaz-Urmeneta.

En cuanto a la segunda pata de la muestra, la abstracción, la exposición reúne tres obras de Gustavo Torner: dos aguafuertes (Cesó todo y Dejando mi cuidado entre azucenas olvidado) y un feldespato y acrílico (Exploración de límites: persona XVII). Asimismo, cuenta con la serie de aguafuertes de Gerardo Rueda titulada Perfiles, siluetas, límites III, IV y II. "Es una propuesta analítica en la que el artista madrileño investigó con el círculo sobre el plano con esos colores puros: verdes, azules, marrones y mostazas para delimitar formas geométricas", explica la organización.

A estas se suman obras como Canon 22, un collage de Elena Asins que obtuvo el Premio Internacional de Pintura Focus en el 2000. "Asins se rebela contra las figuras, considera que es traicionar al pensamiento. A ella le interesa la estructura. La composición es simétrica, empieza de una forma, da la vuelta y termina de la misma forma que empezó", describe el crítico de arte, quien apunta que esta obra es muy distinta de la de Juan Suárez, NSEO V. "Tiene mucho que ver con la arquitectura, es una abstracción mucho más amable. También ahonda en la preocupación por la estructura, pero sin renunciar a la emoción que suscita el color, al ritmo de la pincelada, dentro de un tono ascético", agrega. Este apartado se completa con La trama celeste, de Mar García Ranedo.


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'Picador en la plaza',1991, de Fernando Botero.

Otro grupo de obras de la muestra sigue la estela del arte pop. Desde los trabajos de comienzos de los 90 de Eduardo Arroyo como son Cleopatra y La criada de Teniers a la experimentación algo laberíntica de Luis Gordillo en los aguafuertes Frontal IV, I y II, de 1991. También pueden verse tres obras de Guillermo Pérez-Villalta (Mercurio y Argos, La fragua de Vulcano y La túnica de José).  Por último, el óleo Picador en la plaza del colombiano Fernando Botero, pintor no fácil de clasificar pero con presencia en el devenir del arte contemporáneo, cierra una muestra que podrá visitarse hasta otoño de 2018. 

elpais.com
 




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Mensaje Re: ANTONIO LÓPEZ 
 
Me cuesta vislumbrar en algunas de sus obras el sentimiento que busca transmitir, sin embargo esta esta incógnita lo que más me llama la atención
 



 
enrique2721 Enviar mensaje privado
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Mensaje Re: ANTONIO LÓPEZ 
 
DESDE EL PUENTE / COLUMNA  


Antonio López, doméstico

El taller del pintor es una prolongación natural del propio hogar en el que la obra y la vida forman una sola sustancia



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Antonio López, en enero de 2019 en su casa de Madrid. / Jordi Socias

El pintor abre la puerta del jardín como un afable menestral. Lleva colgado del cuello un mandil manchado de pintura que le llega hasta la pantorrilla, atado sobre la tripa con doble lazada. En la entrada del jardín hay unas esculturas de escayola, un serón con membrillos y manzanas, algunas macetas con plantas entre bártulos arrumbados en aparente desorden, pero tratándose del pintor Antonio López sería un error no dar importancia a cualquiera de estos cacharros, que han pasado por sus manos. Detrás de unos tableros apoyados contra la pared se puede leer: el rey y la reina.

Dentro de casa los muebles son sencillos, fatigados por el uso, una mesa, un armario, algunas sillas, una estantería y también adornos domésticos que uno puede imaginar en cualquier hogar aseado de clase media. Por la ventana se ve un membrillero desnudo del jardín. Sentado a la mesa del comedor en la que hay sobre el tapete unos limones, una granada y media zanahoria, el pintor Antonio López ofrece una infusión de tila con tomillo y mientras se dirige a la cocina, abre la nevera y saca la jarra, podría considerarse un privilegio entrar en su cuarto de baño solo para ver la pasta y el cepillo de dientes en un vaso sobre la repisa del lavabo, el espejo, las toallas, la ducha, la taza del retrete. El pintor sirve la infusión y se explaya explicando sus propiedades contra el insomnio.

Manuel Vicent
 




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Mensaje Re: ANTONIO LÓPEZ 
 
Antonio López: "El arte contemporáneo lo entienden hasta los tontos"

Por segunda vez tras la mítica 'El sol del membrillo', Antonio López se deja llevar al cine. Entero. El documental 'Apuntes del natural', de Nicolás Muñoz, repasa la vida de un hombre que, básicamente, trabaja. "Sólo acepto que me graben mientras estoy trabajando. Eso de actuar no va conmigo", dice.



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Antonio López es el protagonista de 'Apuntes del natural', de Nicolás Muñoz, que se estrena hoy. OLMO CALVO

'Apuntes del natural', de Nicolás Muñoz Avia, empezó a grabarse poco antes de la exposición antológica del Thyssen. Corría la primavera del año 2011 y el Antonio López (Tomelloso, 1936) andaba entregado al montaje de las cinco piezas (brazos, tórax, piernas y cabeza) de la escultura 'El hombre tumbado'. Aquélla fue la última obra que entró en la muestra y la primera que aparece en una película que se estrena hoy y que recorre la vida entera del manchego. Y lo hace a la altura de los ojos. Nos recibe en su casa de Madrid recién operado de las cataratas de un ojo. "Tenía que haberme operado antes, pero no me gustaba la idea. El lunes me operan del otro", dice, se toma un segundo y concluye: "La operación apenas son cinco minutos, pero me da miedo que haya alguna excepción". Y entonces, se siente, sonríe y espera.

En su obra hay muy pocos autorretratos. El documental, a su manera, tiene algo de pintarse a uno mismo...

Sí es cierto que hay muy pocos. Eso sí, con Mari (su mujer): una pintura y una escultura. Y un dibujo... Pero no creo que se pueda considerar autorretrato al documental. Es quizá un doble retrato, el mío y el del director.

No es la primera vez que acepta hacer una película (la otra ocasión fue con Víctor Erice en 'El sol del membrillo', 1992). ¿Qué papel juega el pudor o la vanidad en proyectos así?

Cuando aceptas hacer algo así, sabes lo que te espera. Tienes que estar allí. Pero en los dos casos aparezco casi siempre trabajando. Y trabajando es la mejor manera de estar. Estás en una acción tuya. Cuando hay que hablar o actuar es un agobio.

En la película el paso del tiempo está muy presente. En una ocasión, usted mismo distinguió entre aquellos pintores a los que se notaba el paso del tiempo en su obra y a los que no tanto. ¿Dónde está usted?

El paso del tiempo no tiene nada que ver con los cambios de la obra. En Picasso, por ejemplo, cambia mucho de una etapa a otra. Pero el tiempo no aparece en su trabajo. Los cambios en su caso son decisiones de su voluntad. Él quiere cambiar. Esto lo vemos constantemente. La gente cambia cuando le da la gana y le conviene. El cambio de Velázquez, en cambio, sí es un cambio natural. Como el del rostro.

¿Y en su caso?

Creo que los buenos cambios han venido como una consecuencia biológica de mi temperamento. Y del tiempo. Las cosas equivocadas han sido por voluntad mía. (Se ríe).

¿Uno es consciente de cuando se equivoca?

Un poco sí. Hay algo dentro siempre que te lo dice... pero, a pesar de eso, te metes porque tienes que pactar. Son las cosas humanas.

Imagino que llegado a un momento, a Antonio López ya no le hace falta pactar con nadie ni con nada...

En principio yo puedo hacer lo que me da la gana, pero luego no lo hago. La libertad es una obligación del artista que recuperó en el siglo XIX. Pero ni antes de la decisión de los impresionistas de apartarse de la sociedad eran unos esclavos ni después están libres de coacciones. A veces te sientes temeroso, muy coaccionado. Siempre hay una dependencia.

¿Cuántos encargos atiende?

Muy pocos.

¿Eso es bueno?

Alguno más, vendría bien (se ríe). La libertad está muy bien, pero siempre me ha parecido precioso atender algunos encargos. Si no te gusta, siempre puedes decir que no.

Pienso en el largo encargo del cuadro de la Familia Real. Tuvo que ser un dolor de cabeza. ¿Se arrepintió de haberlo aceptado?

No, eso ha sido un buen dolor de cabeza. Y además lo demuestra el hecho de que he estado trabajando en él un buen montón de tiempo sin cansarme, sin desentenderme de él, sin desuncirme de él. Ha sido una prueba.

Por hablar de la libertad en un sentido más amplio, más social, usted lleva más tiempo viviendo en un país con democracia que en uno bajo la dictadura... ¿Cómo afecta la realidad al trabajo de un artista?

Ahora también es duro. Quizá por otros motivos, pero es duro. Lo que es cierto es que yo durante la dictadura viví la infancia y eso es una preciosidad. La infancia en Tomelloso para un niño que come, que tiene padre y madre y está sano, es el lugar ideal. No se me ocurre un sitio tan fantástico para un niño. Los niños ahora no viven tan bien como yo vivía. Se ha perdido un espacio. El niño y el viejo ahora viven peor que antes.

Llama la atención lo importante que antes eran las fotografías y lo poco que parecen serlo ahora que se usan constantemente... ¿Cómo afecta este abuso de la imagen a un pintor?

No seré yo el que hable mal de la fotografía. Me parece una bendición. Lo único que de verdad te crees, por ejemplo, de la Guerra Civil son las imágenes fotográficas. Una foto de la guerra te da todo y eso no lo hace ni la pintura ni el Guernica. Además, la fotografía ha señalado el lugar de la pintura. Después de la fotografía, sabes que la pintura no busca lo mismo.

En una ocasión, y ya que menciona el carácter figurativo de la pintura, hablaba de que le aburría más hablar del conflicto entre arte abstracto y figurativo más incluso que de Picasso...

Sí, es así. Sobre todo cuando se pone a competir uno con otro. Porque gracias a la abstracción sabemos lo que es la pintura; la pintura tiene que tener siempre un componente que se puede llamar abstracción o sentimiento, pero ese algo tiene que estar ahí. Se puede decir que la fotografía por un lado y la abstracción por otro han señalado muy bien que tiene que tener la pintura para ser pintura. Tiene que ser un transmisor de emociones.

Por retomar con el asunto del tiempo, ¿cuánto le preocupa dejar un legado?

Nada.

¿Es eso verdad de que el arte es una lucha contra el tiempo?

Eso son frases. No hay que dejarse impresionar. A mí me gustaría hacerlo bien, pero por el presente. En el presente está incorporado todo.

¿Cuánto de la realidad política se ha filtrado en su obra? ¿Ha sido consciente alguna vez de hacer un lienzo o escultura políticos?

Yo no tengo la fe que tienen otros en la política. No creo que sea mejor o peor una determinada forma política. La condición humana todo lo iguala un poco. En la pintura española parece que Goya tenga un carácter muy político y Velázquez, nada. Y cuando ves a Velázquez ves su época de una forma muy profunda. No hay que mirar sólo la piel sino más cosas. Juan Genovés o Lucio Muñoz han creído mucho en la política. Yo, menos. Pero no lo digo como un virtud. Es la verdad. Soy muy 'barojiano'. Me impresiona mucho Pío Baroja, un hombre que ha estudiado medicina y que ve al ser humano un poco como un animal. Ves como habla de Stalin o Mussolini y les parece dos personajes igual de nocivos.

Se habla mucho del cambio en la política española de antes a ahora; de la altura de miras de la gente de la Transición y la miopía de los de ahora. ¿Estás de acuerdo con este dictamen?

No era tan bueno todo como podía parecer en la Transición. Está muy mitificado todo ese periodo. Se muere el malo, Franco, vienen los buenos, el Rey y todos los demás... Sí, hay una especie de renacimiento, pero ahí se albergaba también la semilla de lo que ha ocurrido después.

Me da la impresión de que es un poco fatalista.

El hombre da la dimensión que tiene. No puede dar más tampoco. Si te haces ilusiones, allá tú.

¿Puede el arte cambiar las cosas, la sociedad?

A mí me ha cambiado. Para hablar de cambio, a cuántos hay que cambiar. En qué proporción se admite un cambio como real. Pero sí, el arte cambia. Y cambia a bien. A parte de los demonios que cada uno tiene, esto (toma en sus manos un libro de arte griego) mejora. Pero el arte no intenta sanar nada. El arte, sobre todo el moderno, da un diagnóstico. El arte siempre ha intentado hacer más hermoso el espectáculo de la vida.

Habla de arte moderno y me pregunto si el arte no se ha alejado del mundo...

No, el arte moderno lo comprende hasta un tonto. Habla de nosotros. Lo complicado es entender el arte egipcio. ¿Qué representaba esa gente? ¿De qué hablaban? O Velázquez mismamente. No conocemos tanto la sociedad de entonces para comprenderlo todo en sus justos términos. Son otra gente.

Pero no cree que el arte y la cultura en general ha perdido el valor central dentro de la sociedad que, quizá, tenía antes.

Creo que lo que ahora puede salvarnos o llevarnos a una ruina total es la ciencia. La ciencia cumple la misión que antes tenía la religión. Gracias a la ciencia vivimos más y un niño no se muere de una diarrea...

No es la primera vez que se refiere a la vejez, ¿Qué relación mantiene con ella?

No me siento viejo. Pero lo veo en los demás. Que se mueren.

¿Cambia su concepto del trabajo la edad?

Sí, ahora intento hacerlo mejor. Es una gran presión tratar de no decepcionar.

¿Qué significa ser manchego?

No sé. La gente no es nada pretenciosa, no se cree nada especial. En otros sitios de España la gente arma más bulla. Allí la gente se aguanta con lo que tiene y acepta las cosas. Esa aceptación de las cosas me gusta.

¿Y esa característica es exportable?

Pues no sé, porque la mejor imagen de lo manchego es 'El Quijote' y Cervantes lo encarnó en una persona demente. Y, claro, no sirve de mucho. Además estaba siempre peleando.

¿Y cómo ves esta España que se rompe y no se rompe?

No sé si es España o es todo. Me resisto a pensar que lo español es así de conflictivo. No creo que haya algún lugar en el que se haya vivido de forma pacífica. Ya en la Biblia hay que ver lo que pasa desde el principio. Los hermanos se matan, dios expulsa al hombre y la mujer después de crearles... El hombre ha vivido siempre de forma muy 'aperreada' y muy injusta.
¿Vivimos ahora peor que antes?

Quizá, porque somos muchos. El hombre lo está haciendo peor porque tenemos los medios para vivir todos bien y lo hacemos al contrario.


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Antonio López ante 'El hombre tumbado'.



Autorretrato del artista con cinco meses

Antonio López interrumpe la conversación y señala una fota suya. En ella aparece un bebé desnudo. Le sujetan por detrás las manos de un adulto. Aclara que es una foto hecha en tiempo de la República. Él tenía cinco meses. De ahí saldrá la escultura de su próximo autorretrato que ya lleva muy avanzado. "Es el único trabajo que hago de un niño tomado de una foto. Es una imagen de la que, lógicamente, no guardo recuerdo, pero evoca cosas que me han contado de esa época. Los primeros recuerdos que tengo son del año 39 o 40. No antes. Esa foto es del 36. Es una foto que he visto siempre por mi casa... Poco después de esa foto, casi me muero por una infección intestinal. Vendrían a la vez la guerra y la muerte (se ríe)...", dice y sigue: "Hay una escultura de Fidias preciosa en uno de los frontones del Partenón. En una esquina aparecen la cabeza y los brazos del sol, de Helio. Sale del mar con los caballos. Pues va a ser un poco eso. Pertenece al nacimiento de Atenea. Pero esto se me ocurrió después".

elmundo.es
 




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Mensaje Re: ANTONIO LÓPEZ 
 
Almería anuncia un nuevo Museo del Realismo Español Contemporáneo

El centro, asesorado por Antonio López, acogerá obra desde principios del siglo XX hasta la actualidad



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De izquierda a derecha, el artista Andrés Ibáñez, Javier Aureliano García y Antonio López. ELENA M. PASCUAL

Mostrar "el arte realista en España desde el siglo XX hasta la actualidad" es el ambicioso objetivo del nuevo museo que se ha anunciado este jueves en Almería, un lugar que tendrá su sede en el antiguo hospital de Santa María Magdalena, construcción civil del siglo XVI en pleno centro de la ciudad, ahora en restauración para convertirse en espacio museístico y expositivo. El Museo del Realismo Español Contemporáneo mostrará, en un recorrido cronológico, las manifestaciones de este movimiento "en un amplio sentido, desde el impresionismo, naturalismo, modernismo, simbolismo y las vanguardias realistas, para llegar a los realismos actuales", según Juan Manuel Martín Robles, director de la Fundación de Arte Ibáñez Cosentino, promotora del proyecto junto con la Diputación Provincial de Almería. La apertura del museo está prevista para finales de 2020.

La futura pinacoteca cuenta con el asesoramiento del catedrático de Historia del Arte y coleccionista Javier Pérez Rojas y del pintor y escultor Antonio López, que aportará una veintena de obras, entre ellas, alguna de sus esculturas monumentales. López, por lo tanto, será parte fundamental del museo junto con sus compañeros de la Escuela de Madrid, que representarán casi el 45% de la primera aportación al centro, compuesta por 56 obras de 33 artistas.

López ha contado que la idea surgió hace poco más de un año, propuesta por el presidente de la Fundación Ibáñez Cosentino, Andrés García Ibáñez. "El realismo cuenta cosas de nuestra época que solo puede contar la figuración", ha destacado el artista de Tomelloso, que ha destacado la novedad de un espacio que "permitirá musealizar el realismo español como hasta ahora no se ha realizado. Se tenía que haber hecho antes, pero este es el momento". López no ha descartado que haya también obras abstractas porque él ve "que no hay tanta distancia entre la figuración y la abstracción".

Entre los artistas que estarán representados en las salas permanentes destacan Sorolla, con el que comenzará el discurso expositivo, Ignacio Pinazo, Mariano Benlliure, Isidro Nonell, Mateo Inurria, Ramón Casas, Rusiñol, Ignacio Zuloaga, Gutiérrez Solana, José María López Mezquita, Romero de Torres, Cristóbal Ruiz, Daniel Vázquez Díaz, Joaquim Sunyer, Ramón Gaya, Amalia Avia, Antonio López, Carmen Laffón, Julio López, Cristóbal Toral y Andrés García Ibáñez. Los fondos procederán de la Fundación Ibáñez Cosentino y de colecciones con las que esta mantiene acuerdos de colaboración. García Ibáñez ha anunciado que están también en conversaciones con el Museo del Prado para que preste obras.
 

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'Retrato de la niña María Navas' (1894), de Ramón Casas. FUNDACIÓN DE ARTE IBÁÑEZ COSENTINO


El acuerdo ha sido rubricado por Antonio López, el presidente de la Fundación Ibáñez Cosentino, Andrés García Ibáñez; el director de esta entidad, Juan Manuel Martín Robles, y el presidente de la Diputación, Javier Aureliano García, que se ha mostrado convencido de que el nuevo museo "supondrá un revulsivo cultural en Almería". Mientras que García Ibáñez ha subrayado que "el realismo es una gran aportación española al arte europeo, un realismo austero, que mira la vida sin concesiones a lo superfluo".


elpais.com
 




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