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GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes)
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Mensaje Re: FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES 
 
El juez obliga a devolver el ‘greco’ y el ‘goya’ de Muñoz Ramonet en un mes


Una nueva sentencia establece una multa de 2.000 euros semanales hasta que los cuadros vuelvan a Barcelona




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Imagen captada de la Guardia Civil, cuando la obra de El Greco y de Goya que desaparecio de la casa de Julio Muñoz Ramonet, fueron recuperados en 2011.

Suma y sigue. El pleito entre las cuatro hijas del industrial Julio Muñoz Ramonet y el Ayuntamiento de Barcelona continúa en los juzgados con una nueva sentencia, como las anteriores, a favor de la ciudad. El pasado jueves el Juzgado de Primera Instancia número uno de Barcelona acabó con cualquier duda sobre a quién pertenecen dos de las obras más importantes del legado que Muñoz Ramonet dejó a los barceloneses cuando murió en 1991 y que todavía no se ha cumplido por la fuerte oposición de las hermanas. Según el juez, La Anunciación de El Greco y La aparición de la Virgen del Pilarde Francisco Goya, dos obras que han sido valoradas en siete millones de euros, han de estar en manos del Ayuntamiento en el plazo de un mes y, en todo caso, da un plazo de diez días para que se informe si los cuadros han cambiado de ubicación.


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La Anunciación" de El Greco, una de las dos obras que han de entregar las hermanas Muñoz Villalonga, hijas de Muñoz Ramonet.

En el caso de que no sea así, el juez asegura que se entenderá que continúan en el lugar del depósito realizado por los agentes de la Guardia Civil en 2011, que no es otro que la vivienda de la fotógrafa Isabel Muñoz Villalonga, una de las hijas. Si pasado el plazo no se entregan estos cuadros, “podrá ejecutarse la entrada autorizada en la presente resolución por vía de auxilio judicial”. Además, la justicia establece multas coercitivas a Culturarte, la empresa de las hermanas, de 2.000 euros por semana hasta que los cuadros queden a disposición del juzgado.

Esta resolución se produce tras un primer auto de 24 de julio de 2014 en la que el juez obligaba a devolver los cuadros también en un mes, advirtiendo que en caso contrario podría pedir el auxilio de la fuerza pública. Pero no se ejecutó la devolución porque entre medias se cruzó otro pleito sobre quién era el verdadero dueño de estos dos cuadros: Las hermanas Muñoz VillalongaRamonet y su empresa Culturarte o Manuel Castelo, hijo de Jesus Castelo, el marido de Isabel Muñoz, que se los había dejado al morir en herencia. Un asunto que se acabó dirimiendo un juzgado de Alcobendas donde se había presentado una denuncia de Isabel Muñoz contra su ex marido por el robo del greco, el goya y alguna obra más que acabaron recuperadas en abril de 2011 dentro de la operación Creta.

Este último auto destaca “la contradictoria conducta de Culturarte en el proceso, en el que interesa un pronunciamiento de dominio respecto de los cuadros y al mismo tiempo aporta documentos en sentido contrario”. El juez destaca además, que se han mantenido hasta cinco tesis distintas: que las obras son de Culturarte; de Jesús Castelo por compraventa y luego por préstamo; de Manuel Castelo Muñoz su hijo como donatorio o como heredero. También precisa que la sentencia de la Audiencia Provincial de Barcelona de 2009 dejó claro que en vida de Muñoz Ramonet no salió “ningún cuadro de los palacios de Barcelona ni se aprobó ninguna venta”, por lo que estos dos cuadros forman parte del legado que pertenece por testamento a Barcelona.

El pleito por el magnifico legado artístico entre las hijas de Muñoz Ramonet y el Ayuntamiento comienza en 1995, cuatro años después de la muerte del industrial en Suiza. Fue entonces cuando el Ayuntamiento, tras publicarlo EL PAÍS se enteró de su herencia, ya que las hijas lo habían ocultado y lo había impugnado. El legado consistía en un palacete de la calle Muntaner y todo su contenido, en concreto más de mil obras de arte firmadas por grandes maestros de la pintura como Fortuny, Goya, El Greco, Sorolla, Rembrandt, Murillo, Zurbarán, Mengs, Monet, Berruguete, Carreño de Miranda, Corot, Delacroix, Renoir, Ribalta, Tiepolo, Tiziano, Zuloaga, y un largo etcétera.

Después de casi dos décadas de litigios el Ayuntamiento tomó posesión del palacete y al entrar descubrió lo que ya se imaginaba. En su interior habían desaparecido las grandes obras y solo quedaban otras de menor valor. Tras un inventario se determinó que habían desaparecido 853 objetos y obras de arte.


elpais.com
 




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Mensaje Re: FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES 
 
Visita a la Quinta del Sordo

Miguel Hervás rehace virtual y documentalmente la finca de las Pinturas Negras



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La fachada de la Quinta del Sordo de Goya en 1905.

La legendaria Quinta del Sordo, demolida en 1909, en cuyos muros estampó sus Pinturas Negras Francisco de Goya, acaba de ser descrita y virtualmente rehecha por un estudioso y coleccionista madrileño, Miguel Hervás. Lo ha hecho en un informe que publicará en los Anales de 2015 del Instituto de Estudios Madrileños, entidad adscrita al Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

Varios años de trabajo en archivos públicos, cotejo de maquetas, centenares de planos y de fotografías, inventarios y relatos dispersos por doquier, han permitido al autor, con la ayuda de facultativos, poner a disposición de la Historia del Arte el perfil casi exacto —hasta ahora difuso y mal conocido—, de cómo fue la morada del artista. Hoy estaría ubicada en el barrio de Puerta del Ángel, en la esquina de las calles de Baena y Doña Mencía, donde se halla ahora una estación eléctrica.

Fue adquirida por el pintor en 1819 en la ribera del río Manzanares, enclave inmortalizado por Goya en algunos de sus más célebres lienzos. Goya, que algunos meses anduvo escondido por cautelas políticas, dada su condición de afrancesado, habitó esta casa de campo hasta su partida definitiva hacia Burdeos, donde murió en 1828. Según algunos cronistas, a la quinta ya se la denominaba “del Sordo” antes de que él la comprara. La finca circundante, de unas cinco hectáreas, permaneció baldía hasta los años sesenta del siglo XX, en los que se erigió un barrio obrero contiguo a una estación ferroviaria hoy desaparecida que llevaba el nombre del artista aragonés.

Miguel Hervás rastreó la biografía del banquero alemán afincado en París y con nacionalidad británica, barón Friedrich de Erlanger, quien adquirió la quinta y dispuso rescatar de sus muros las Pinturas Negras, tarea que acometió mediante un peligroso aserramiento, como Miguel Hervás ha confirmado que se hizo a partir del año 1874. Sería el pintor Martínez Cubells quien las extraería de su soporte mural, para ser posteriormente exhibidas en el Museo del Prado.

El autor del estudio a fondo los escritos publicados por viajeros e hispanistas como el francés Charles Yriarte, en torno a 1867, y el inglés Nigel Glendinning, recientemente fallecido, al igual que el inventario atribuido al exiliado español Antonio Brugada —amigo y coetáneo de Goya en el destierro bordelés—, y, sobre todo, los escritos de un tipógrafo y dirigente socialista que vivió hasta los 18 años en la misma casa del pintor en torno a 1874-1882: se trataba de Juan José Morato, muerto en el exilio de Moscú tras la Guerra Civil.

Con todos los testimonios de Morato más el examen detallado de todo el caudal documental citado, Miguel Hervás establece que se trataba de una casa de dos pisos y con dos patios, con planta de forma de L, en uno de cuyos brazos las Pinturas Negras quedaron dispuestas. Gracias a la descripción mencionada, Hervás ha podido cotejar, ajustar y, en algún caso, corregir, las descripciones de los viajeros e hispanistas mencionados para ubicar con precisión la situación exacta de las 15 Pinturas Negras que Goya pintó al óleo sobre las paredes de aquella quinta de adobe, que sería demolida casi un siglo después de habitarla.


Rafael Fraguas / elpais.com
 




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Mensaje Re: FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES 
 
El duque de Osuna se reúne con su familia en El Prado


El retrato de Goya, procedente de la Frick Collection, se expone hasta el 24 de abril



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Dos visitantes contemplan en El Prado el retrato del duque de Osuna. EFE

Don Pedro de Alcántara Téllez-Girón y Pacheco, IX duque de Osuna (1755-1807), fue uno de los primeros y más importantes mecenas de Goya (1746-1828) desde mediados del decenio de 1780. Después de su muerte, el artista trabajó para su mujer y sus hijos hasta 1817. Una de las salas que el Museo del Prado dedica al genio, la 34 del edificio Villanueva, contiene algunas de las soberbias obras que el artista realizó para su protector: el retrato de la familia al completo, el de la duquesa de Abrantes o, muy cerca, el espectacular retrato de la marquesa de Santa Cruz, segunda hija de los duques de Osuna. Para completar este singular espacio familiar, desde hoy y hasta el 24 de abril el espacio cuenta con la presencia temporal del retrato que Goya realizó al duque hacia 1807.

Procedente de la Frick Collection de Nueva York, el retrato presenta al aristócrata de medio cuerpo, semblante sonriente y vestido de civil. Manuela Mena, la gran especialista en la obra del pintor de Fuendetodos, señala: “Goya podría haber pintado a su mecenas con alguna de las muchas condecoraciones que poseía, pero para reflejar su nobleza le basta con el aire y el semblante. Es un personaje al que el artista miraba con afecto, no como a otros retratados”. Añade Mena que el único detalle que indica su poder es el bastón de mando, “el mismo con el que su hijo juega en el retrato familiar completo”. Señalando ambas obras, Manuela Mena explica que ambas son una muestra del talento retratista de Goya y del afecto que sentía por los Osuna: “Junto a los Alba, eran la familia de mayor linaje de la época. Entroncaban con la Ilustración y la Modernidad. Los niños son guapos y transmiten la misma serenidad que sus padres”.

Xavier Salomon, conservador jefe de la Frick Collection, cuenta que la obra acaba de ser restaurada en el taller del Metropolitan de Nueva York, donde se le ha devuelto su colorido y aspecto original. Además, revela que la fecha de realización podría ser 1807 en lugar de 1798, tal y como se creía hasta ahora. “Llegaron a esta conclusión por la riqueza de la técnica y el colorido, pues Goya usó el lapislázuli, propio de la primera década del siglo XIX”, asegura el experto.


El magnate Frick

Al legar su riquísima colección a la ciudad de Nueva York, el magnate del acero Henry Clay Frick (1849-1919) impuso la condición de mantener todas sus obras maestras unidas, sin prestar ninguna obra a exposiciones en otros lugares. Xavier Salomon explica que la presencia de el retrato del duque de Osuna en Madrid ha sido posible porque este Goya fue adquirido después de la muerte de Frick, de manera que la obra no se ve afectada por aquella cláusula.

El retrato del duque y el de su familia han formado parte de la exposición Goya: The Portraits que se acaba de clausurar en la National Gallery de Londres. Allí se han podido ver 70 de los 150 retratos que Goya pintó a lo largo de su vida.

El viaje del Duque de Osuna a Madrid ha sido patrocinado por la Asociación de Amigos del Museo del Prado, entidad que ya tiene alrededor de 30.000 socios. Nuria de Miguel, presidenta de la Asociación, aprovechó ayer para invitar a los amantes del arte a participar y a que comprueben que con su ayuda se puede conseguir que el Prado cuente con obras invitadas de este calibre.


elpais.com
 




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Mensaje Re: FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES 
 
Llega desde Londres



Don Pedro de Alcántara: el 'goya' que nos faltaba por ver

La Frick Collection cede por tres meses el retrato de Goya, que se instala al lado de otras obras del pintor hasta el 24 de abril



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El IX Duque de Osuna se reúne con su familia en el Museo del Prado. El retrato que pintó Goya de Don Pedro de Alcántara Téllez-Girón y Pacheco se instala en la pared contigua a la que ocupa el cuadro de la familia del duque, también del pintor español. Se trata de la gran obra invitada de esta temporada, que permanecerá en la sala 34 del edificio Villanueva del museo hasta el próximo 24 de abril. Pertenece a la Frick Collection de Nueva York y, hasta hoy, no había puesto un pie en nuestro país desde que salió al exilio.

"Se creía que el cuadro databa de 1798 pero, tras la restauración del mismo por parte del Metropolitan de Nueva York, parece ser que se pintó en 1807", asegura Xavier Salomon, de la Frick Collection. Llegaron a esta conclusión por la riqueza de la técnica y el colorido, ya que Goya usó el lapislázuli, propio de la primera década del siglo XIX.

A pesar de que Henry Clay Frick estableció en su testamento la prohibición de que cualquier obra abandonase la que fue su residencia, este goya entró en su colección después de su muerte y por eso no está sujeto a esta condición. "Acaba de estar en Londres, en la exposición dedicada al pintor español, y de ahí ha venido directamente al Prado", explica Salomon.

"En este cuadro se aprecia la mentalidad más liberal del duque que, exento de condecoraciones, posa sólo con el bastón de mando del ejército", asegura. El mismo bastón que, en el cuadro que ahora descansa a su lado, porta el hijo mayor del duque. "Además, la nota que lleva en la mano podría ser una de las peticiones de ayuda que recibía a menudo, debido a su gran influencia". Tal y como explica Salomon, las medidas de la obra y la posición del duque reflejan que fue pintada a partir de una miniatura. "Creemos que fue concebida para ser la pareja del retrato que Goya pintó de su mujer".

El duque de Osuna fue uno de los primero patronos de Goya, incluso después de su muerte, en 1807, el pintor seguió trabajando para su mujer y sus hijos. El Prado conserva varias de las obras que esta familia le encargó, además del retrato familiar, el de la marquesa de Santa Cruz y el de la duquesa de Abrantes. "Junto al duque de Alba, era una de las figuras más importantes de aquella época".


elmundo.es
 




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Mensaje Re: FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES 
 
Exposición: Francisco de Goya. Los Caprichos. Lugar: Centro cultural Padre Vallet. Pozuelo de Alarcón. Hasta el 25 de febrero.


El Goya más libre, de capricho en capricho

Una exposición ofrece una visión satírica y mordaz de la sociedad de finales del XVIII en 80 grabados



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Exposición de Grabados de Goya en el Centro Cultural Padre Vallet.

De perfil, con gesto serio, entre adusto e irónico, Francisco de Goya, vestido de levitón y sombrero de copa, saluda al visitante en la exposición de la serie de grabados Los Caprichos, organizada por el Ayuntamiento de Pozuelo de Alarcón. De ahí parte un recorrido en el que el genial artista retrata en 80 grabados su visión satírica de la sociedad española de finales del siglo XVIII. Aparece un Goya sin tapujos, libre, crítico implacable de los vicios y debilidades humanas. Las láminas proceden de la quinta impresión realizada entre 1881 y 1886 a partir de las planchas originales creadas por el artista.

Con Los Caprichos, Goya inauguró sus cuatro series de grabados, en las que mostró el dominio del aguafuerte, aguatinta y punta seca. Trazo a trazo, el pintor diseñó los grabados con una temática que en esta muestra se divide en cinco partes: el sueño de la razón, la religión, la educación, el matrimonio y la prostitución. La crudeza de la prostitución clandestina se resume en el capricho 15, titulado Buenos Consejos, en el que una madre ejerce de alcahueta induciendo a su hija a ejercer de meretriz. El porte recatado de la joven contrasta con el gesto resabiado de la vieja.

Al ojo incisivo de Goya no se le escapan las carencias de la enseñanza de la época, a la que no tenía acceso la mayor parte de la población. La expresión aterrada de dos niños que contemplan una figura cubierta mientras se agarran a la falda de su madre en la lámina Que viene el coco, muestra cómo se enseña a los niños a temer lo que no existe.

La comisaria de la exposición, María Toral, explica que uno de los temas recurrentes del artista es la sátira a la institución del matrimonio. Ahí está el capricho 14 como botón de muestra. En él se “expone la difícil situación de una joven mujer obligada a casarse con un monstruoso viejo”. La duquesa de Alba tampoco sale muy bien parada. Goya muestra a la aristócrata con alas de mariposa en la cabeza y sostenida por tres figuras caricaturescas en el aire. La explicación de la edición de los grabados de la Biblioteca Nacional dice: “Tres toreros levantan de cascos a la duquesa de Alba, que pierde por fin la chaveta por la veleidad”.

Buena parte de la serie reprueba las costumbres de la Iglesia y del Tribunal de la Inquisición. Fue esta institución la culpable de que el pintor retirara la primera tirada de Los Caprichos —y la única que llevó a cabo él de forma íntegra— en 1799. Se imprimieron 300 grabados, de los que solo se vendieron 27.

Cuando el pintor supo que la Inquisición andaba tras sus pasos, retiró los grabados de la tienda de perfumes y licores de la calle Desengaño. La colección completa se podía adquirir por 325 reales, a cuatro reales el grabado.

Acabó regalando las planchas a Carlos IV. Después, el monarca las cedió a la Calcografía Nacional, lugar donde están expuestas como piezas de museo. La última impresión con ellas se realizó en 1970.


ccaa.elpais.com
 




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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
Los retratos de Goya en alta definición

Hoy se estrena en 42 países 'Goya: visiones de carne y hueso', un documental de Phil Grabsky que se acerca a la figura del pintor aragonés a través de sus obras



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Ver vídeo

Con la idea de trasladar las grandes exposiciones de los museos a cines de todo el mundo, el experimentado productor y director Phil Grabsky visitó la National Gallery de Londres en 2009. Llevaba bajo el brazo una inusual propuesta: "Les dije que quería hacer una película sobre su próxima gran exposición. Les pareció muy extraño, pero al final les convencí. 'Tienes suerte', me dijeron. 'El gran nombre del próximo año es Leonardo da Vinci'. Esa fue nuestra primera película, y después tuve que persuadir a varias salas de cine para que la exhibieran. Al principio estaban un poco reticentes, pero cuando se estrenó la película las colas daban la vuelta a la manzana".

Goya: visiones de carne y hueso, que se estrena hoy simultáneamente en 42 países, incluido España, es la décima película de su iniciativa Exhibitions On Screen ("exposiciones en pantalla"), tras las dedicadas a Leonardo, Manet, Vermeer y Rembrandt, entre otros. El propio Grabsky ejerce de productor y David Bickerstaff de director en un recorrido en alta definición por la figura del pintor aragonés.


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El documental se centra en sus retratos, protagonistas de una exitosa exposición en Londres hasta hace unos días. No se trata, según Grabsky, de poner la cámara y deambular por las estancias de la National Gallery (no pretende ser, ni mucho menos, El arca rusa de Sokurov), sino de ofrecer una visión lo más amplia posible del artista en cuestión.

"Pretendo hacer películas que celebran nuestro potencial creativo como seres humanos. Examinamos cuadros específicos, mostramos los detalles, las pinceladas. Buscamos expertos internacionales que los explican, o artistas contemporáneos que enseñan cómo fueron pintados. También queremos mostrar cómo se monta una gran exposición, hablamos con conservadores y restauradores y, por supuesto, biógrafos de los artistas". Pero las entrevistas no son el único punto de apoyo del documental. Se traspasan los muros del museo para mostrar los frescos que Goya pintó en San Antonio de la Florida, el Palacio Real o las calles de Fuendetodos, el pueblo de Zaragoza en el que nació.

El documental está plagado de detalles técnicos y de interpretaciones reveladoras ("probablemente sobreanalizamos las obras", admite Xavier Brey, curador de la exposición), aunque también se cuelan algunas referencias más prosaicas del autor de las Pinturas Negras, como su gusto por las salchichas o su definición del día perfecto: ir de caza con su amigo Martín Zapater y a la vuelta disfrutar de un gran tazón de chocolate caliente. Son los aspectos más mundanos de un genio a caballo entre Velázquez y Picasso, la tradición y la modernidad. Cada uno de sus retratos, señala la crítica de arte Juliet Wilson-Bareau, es también un autorretrato, el resultado de conversaciones sin palabras con un espectro muy amplio de aristócratas, intelectuales, amigos y familiares.


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El desfile de rostros e historias, personales y colectivas, va más allá de una visita guiada al museo. En uno de sus pasajes más interesantes, el espectador puede ver de cerca el famoso cuaderno italiano de Goya, fechado en 1771 y redescubierto en 1993, que se esconde en los sótanos de El Prado debido a su extrema fragilidad. En esos papeles, tan elocuentes como el mejor de sus biógrafos, se puede apreciar su caos creativo: en sus páginas se mezclan listas de todo tipo con trucos para elaborar pigmentos, saldos de cuentas bancarias con numerosos bocetos que luego serían utilizados en algunas de sus obras más relevantes.

"Los grandes artistas no tienen su motivación principal en el dinero o la fama", apunta Grabsky, que también ha dirigido documentales sobre compositores como Mozart o Beethoven. "Lo que quieren es desarrollar sus capacidades al máximo en el campo creativo que han escogido. Eso significa que están constantemente mirando al pasado y a sus contemporáneos para ver lo que están haciendo". Y, poco después, aprovecha una última pregunta para hacer una reivindicación tan sensata como, sospechamos, ingenua: "Sé que todos estamos muy ocupados con nuestros iPhones, nuestros emails, Twitter y demás, pero cualquiera puede permitirse 90 minutos de su tiempo para aprender sobre Goya y su obra".


elpais.com
 




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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
Goya, ¿pionero del movimiento antitaurino?

Una exposición relaciona la serie 'La Tauromaquia' del pintor aragonés con obras animalistas



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Estampa de la serie 'Tauromaquia'. Grabado de Goya, en la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid.

Francisco de Goya (Fuendetodos, Zaragoza, 1746- Burdeos, 1828) publicó su célebre serie de La Tauromaquia hacia 1816. Es una cruda visión del toreo que resultó ser un fracaso comercial. Casi al final de su vida, el artista añadió cuatro estampas a la serie con una iconografía similar a la de Los Desastres de la Guerra, con una visión muy alejada del disfrute de la fiesta. Los toros, erguidos y esbeltos, aparecen rodeados de gentes embozadas o rostros emborronados que más que contemplar un espectáculo parecen rodear una fosa común, muy distinto a lo que durante mucho tiempo se ha manejado del trabajo de Goya y que ha dado pie a una exposición en la que se valora su defensa del toro y se le presenta como un pionero del animalismo.

La exposición, que se podrá ver hasta el 20 de mayo, tiene como escenario uno de los templos de la obra goyesca: la Academia de Bellas Artes de San Fernando, y bajo el título Otras tauromaquias, su famosa serie se expone junto a la de una veintena de dibujantes y artistas como El Roto, Forges, Marina Vargas, Santiago Talavera, María del Barro, Niño de Elche y Chus Gutiérrez, Elena Fernández Prada, Eider Agüero, Ruth Montiel Arias, Gladiadores por la Paz, Jon Amad, María Cañas, José Antonio Reyes, Miguel Ángel Rolland y Kike Carbajal, Paco Catalán, Tras los Muros, Eva Máñez, Lino Lago, Malagón o Miguel Scheroff.

Integrada dentro de la programación de Madrid, Capital Animal (plataforma de gestión de proyectos de arte, cultura y pensamiento centrados en la defensa de todos los animales), la exposición está comisariada por Rafael Doctor y se plantea como una rotunda protesta contra la fiesta de los toros. “Se ha utilizado hasta la saciedad la obra de Goya a favor de las corridas de los toros. Pero hay otras lecturas que una institución como la Academia ha tenido la valentía de dar cabida”, explicó Doctor, rodeado de casi todos los artistas que participan en el proyecto. “Sabemos que, en origen, la serie fue un gran fracaso desde el punto de vista comercial porque la gente estaba acostumbrada a estampas más dulces, y lo que se ve en esos grabados es sin duda dolor, espanto, sufrimiento por una condición humana que le atormentó hasta el final de sus días”.

Doctor reivindicó a Goya como un gran avanzado y se declaró convencido de que, si viviera en la época actual, sería muy crítico con la tauromaquia, como lo fue contra todas las miserias que tuvo que vivir en un mundo que se le escapaba.


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Un hombre fotografía una obra de Manuel León, de la exposición 'Otras tauromaquias'. / CARLOS ROSILLO

Juan Bordes, académico delegado de la Calcografía Nacional, reconoció que las interpretaciones o lecturas sobre la serie de la Tauromaquia pueden ser diferentes, pero que hasta el momento solo se ha dado una que él cree errónea. El experto está convencido de que es estos grabados y, en especial en los últimos realizados en Burdeos, no hay ninguna sobre su rechazo frontal a la fiesta de los toros. "No hay más que ver la belleza con la que dibuja al animal y el entorno oscuro que le rodea para entender cuál era su pensamiento".

Reconoce Bordes que pueden surgir críticas a la exposición por parte de quienes mantienen viejas lecturas, pero responde que la Academia es un organismo vivo, abierto a los debates. El académico añade que en 2008 se hizo una exposición similar con Los Desastres de la Guerra porque “nos molestaba la utilización que se hacía de esa obra dándole “un significado patriótico exclusivamente cuando sus acusaciones se dirigían tanto a franceses como españoles, en un discurso mucho más complejo, mucho más universal contra la guerra”.

La exposición mezcla fotografía con dibujo, instalación o vídeo y confine una fuerte presencia de ilustradores. En palabras de Doctor, son una auténtica avanzadilla de los movimientos más respetuosos con la de todos los seres vivos.

Junto al dintel de la puerta, el visitante es invitado a una acción promovida por la asociación Gladiadores por la Paz en la que se pide un libro para conseguir 629 ejemplares y enviarlos al pueblo de Tordesillas. Cada libro representa el millón de euros con los que, según aseguran, las administraciones públicas financian la tauromaquia en España.

Ya dentro, la muestra arranca con los cuatro grabados realizados por Goya en Burdeos y expuestos por primera vez dentro de las paredes de la Calcografía. Junto a las contundentes ilustraciones de El Roto o Forges, las piezas se suceden reclamando respeto por los toros, “esos rumiantes —dice Doctor— que podrían pasar su vida tranquilos en el campo pero que son torturados a centenares en las plazas de toros”.

Una de las piezas más espectaculares se titula Cante a Fadjen, un vídeo de 11 minutos firmado por la cineasta Chus Gutiérrez en el que el cantaor Niño de Elche canta con su bellísima voz al toro Fadjen para pedirle perdón por la tauromaquia. En la película se les ve a ambos en el campo, cara a cara, conociéndose, mirándose, oliéndose o lamiéndose. Explica Doctor que el cantaor representa a todas las personas que defienden a los toros y a los activistas contra la tauromaquia. El toro, aquí liberado de su fatal destino en el ruedo, es el representante “de los miles de animales de su especie que cada año son torturados y asesinados en todo tipo de espectáculos y festejos”.

Otra de las piezas más sorprendentes es una instalación firmada por Ruth Montiel Arias. En ella vemos un cartel de la película Blancanieves, de Pablo Berger, y en el suelo una lápida con los nombres de los nueve toros que, según la artista, fueron sacrificados durante el rodaje de la película. “Se puede rodar sin hacer daño real a ningún animal”, explica Montiel. “Nosotros hemos denunciado a la productora y aquí adjuntamos los documentos del sumario”.

Ya al final, junto a la gran sala donde se exponen las estampas de la Tauromaquia, un vídeo de José Antonio Reyes produce cierto sosiego. Se titula Un proyecto para Cataluña y en las imágenes vemos escenas de una corrida tradicional en la que la imagen del toro ha sido suprimida; un final que los promotores de la exposición esperan que se produzca cuanto antes en la vida real.



'Otras tauromaquias', una exposición animalista


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Un momento de la visita la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid. / CARLOS ROSILLO


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Obra de la fotógrafa Eva Máñez, en la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando.


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El comisario de la exposición Rafael Doctor explica una obra de la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid. / CARLOS ROSILLO


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Una obra de Santiago Talavera en la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid.


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Dos personas observan una obra de la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid. / CARLOS ROSILLO


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Obra de Malagón, en la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid.


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Una obra de la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid. / CARLOS ROSILLO


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Obra de El Roto, en la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid.


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Varias personas en la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid. / CARLOS ROSILLO


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Exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid. / CARLOS ROSILLO


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Obra de Manuel León en la exposición 'Otras tauromaquias', en la Real Academia de San Fernando, en Madrid.

 

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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
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Los tres lienzos de Goya en el Oratorio de la Santa Cueva de Cádiz



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El Oratorio de la Santa Cueva, fundado como oratorio para ejercitantes, se construyó en Cádiz a finales del siglo XVIII. Consta de dos estancias, una superior o capilla alta, de extraordinaria riqueza y luminosidad, y otra subterránea o capilla baja de mayor austeridad y recogimiento, con un calvario de Madera Policromada obra de Vaccaro y Gandulfo.

En la capilla alta se pueden contemplar, entre otras obras destacadas, tres lienzos de Goya: La Santa Cena, La multiplicación de los panes y los peces y La parábola de la boda del hijo del rey, sometidos a restauración en el Museo del Prado durante el año 2000.


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La multiplicación de los panes y los peces. Lienzo de Francisco de Goya en el Oratorio de la Santa Cueva de Cádiz, España.

El oratorio fue consagrado al culto por el obispo Antonio Martínez de la Plaza en 1796, es uno de los máximos exponentes de arquitectura neoclásica religiosa en Andalucía. Es obra de los arquitectos Torcuato Cayón y Torcuato Benjumeda.

El promotor del oratorio, el sacerdote José Saénz de Santamaría, marqués de Valde-Iñigo, enriqueció el templo con una pieza musical que acompañaba en la mañana del Viernes Santo, la predicación de las siete últimas palabras de Cristo. Encargó dicha pieza a Joseph Haydn, que la tituló Las Siete Últimas Palabras de Nuestro Salvador en la Cruz.


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Oratorio de la Santa Cueva en Cádiz. Templete neoclásico de Torcuato Benjumeda.

El Ministerio de Cultura lo declaró Monumento Histórico-Artístico de carácter Nacional en 1981.




Imágenes del Oratorio de la Santa Cueva (Cádiz)


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Oratorio de la Santa Cueva. Es un impresionante conjunto de finales del XVIII que utiliza patrones palaciegos: su escalera conecta con una capilla alta de planta ovalada con yeserías, mármoles de colores y pinturas de Goya.


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El Oratorio cuenta con una composición musical que se le encargó a Haydn: Las siete palabras.


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Goya pintó tres lienzos desmontables (aunque comunmente se confunden con frescos) en el Oratorio de la Santa Cueva de Cádiz, una pequeña y espléndida capilla construída por el padre Santamaría, hijo del Marqués de Valde-Íñigo, entre 1781 y 1796.


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Cúpula pintada por el italiano Antonio Cavallini. Oratorio de la Santa Cueva (Cádiz).


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Sagrario. Oratorio de la Santa Cueva (Cádiz).


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Bóveda del Sagrario. Oratorio de la Santa Cueva (Cádiz).


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Vista general de la cúpula y el Sagrario. Oratorio de la Santa Cueva (Cádiz).


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Francisco de Goya: "El convite Real". Oratorio de la Santa Cueva (Cádiz).


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Francisco de Goya: "La última cena". Oratorio de la Santa Cueva (Cádiz).


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Francisco de Goya: "La multiplicación de los panes y los  peces". Oratorio de la Santa Cueva (Cádiz).


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Como complemento de la obra, el Padre Santamaría consiguió, a través del marqués de Méritos y el marqués de Ureña, músicos ambos, que Joseph Haydn escribiera “Las Siete Últimas Palabras de Nuestro Redentor en la Cruz”, que se estrenó en Cádiz el Viernes Santo de 1783.


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Subida a la segunda planta del oratorio. Destaca por la riqueza de sus materiales y por la excelencia de su decoración pictórica y escultórica.


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Calvario del Oratorio de la Santa Cueva. Cádiz.


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Detalle del Calvario del Oratorio de la Santa Cueva. Cádiz.


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Buen Pastor. Oratorio de la Santa Cueva. Cádiz.


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Relieve en el Oratorio de la Santa Cueva de Cádiz.


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Tumba del venerable sacerdote José Sáenz de Santamaría, promotor de la construcción del Oratorio de la Santa Cueva. Cádiz.


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Retrato del sacerdote José Sáenz de Santa María, promotor del oratorio. Oratorio de la Santa Cueva (Cádiz).


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Calvario neoclásico del Oratorio de la Santa Cueva de Cádiz, obra de Vaccaro y Gandulfo.


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Otra vista del Sagrario del Oratorio de la Santa Cueva de Cádiz.

Oratorio de la Santa Cueva, de Cádiz. Calle del Rosario, 10. Horario: de martes a viernes de 10.30 a 14.00 y de 16.30 a 20.00. Verano (julio y agosto), hasta las 20.30. Sábados de 10.30 a 14.00. Domingos (invierno y verano), de 10.00 a 13.00. Tres euros (domingos entrada libre). Teléfono: +34 956 22 22 62.



Fuentes y agradecimientos a: historia-y-arte.blogspot.com.es/Daniel García-Parra, es.wikipedia.org, commons.wikimedia.org, elpais.com, santacueva.blogspot.com, flickr.com, teinteresa.es, cadizturismo.com, laciudad.cadiz.es y otras de Internet.
 




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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
Diez obras de Goya del Prado se exhiben por primera vez en Oriente Próximo

El Museo de Israel expone piezas como ‘El pelele’, ‘El quitasol’ y 'Vuelo de brujas'



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Varios visitantes observan 'El quitasol' en la exposición 'Goya. Madrid de día y de noche', en el Museo de Israel de Jerusalén. ATEF SAFADI (EFE) | EFE

Ver vídeo de la exposición

Obras tan emblemáticas del Museo del Prado como El pelele, El quitasol o Vuelo de brujas, de Francisco de Goya, han viajado por primera vez desde España a Oriente Próximo. En una muestra de arte clásico sin precedentes en esta zona, la pinacoteca madrileña ha cedido al Museo de Israel 10 óleos del maestro aragonés que conformarán el sanctasanctórum de la exposición Goya, sueños y pesadillas, inaugurada este viernes, 9 de diciembre, en Jerusalén. “Hemos aportado algunas de nuestras joyas de la corona”, ha reconocido en el acto la vicepresidenta del patronato de Prado, Amelia Valcárcel.

La muestra se completa con más de un centenar de grabados goyescos, procedentes de los fondos del centro israelí de las series Los caprichos, Los desastres de la guerra, La tauromaquia y Los disparates. Para el Museo de Israel, que acaba de cumplir su 50º aniversario, supone la culminación de una muestra de un pintor clásico que abrió camino a la modernidad, gracias al préstamo de un significativo número de obras de una de los grandes pinacotecas internacionales, que celebrará su bicentenario en 2019.

El principal contenedor de arte de Jerusalén expuso en 2013 La Anunciación de Botticelli, propiedad de la galería de los Uffizi. El San Juan Evangelista de El Greco ya había viajado desde el Prado hasta la Ciudad Santa en 2011. Pero se trataba de obras singulares, sin otro acompañamiento del trabajo de sus autores. Con ocasión del 30º aniversario del establecimiento de las relaciones diplomáticas entre España e Israel —oficializado casi cuatro décadas después de la fundación del Estado judío— la muestra da realce a la actual cooperación bilateral, ha asegurado el embajador de España en Tel Aviv, Fernando Carderera, en la inauguración.

Además de los célebres El quitasol (1777) y El pelele (1791), concebidos como cartones para tapices que iban a ser colgados en los salones de los palacios reales, el Prado ha cedido otros cuadros del artista español que vivió a caballo entre los siglos XVIII y XIX. Hay óleos que tuvieron ese mismo destino decorativo, como Muchachos jugando a soldados (1779), La novillada (1780), o Pastor tocando la flauta (1787). Un autorretrato del artista de Fuendetodos (Zaragoza) datado en 1795, cuando Goya vivía ensimismado en su sordera, o Los pájaros muertos (1812), un bodegón que evoca la tragedia de la Guerra de la Independencia, son otras piezas claves de la muestra.


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Un visitante observa un 'Autorretrato', de Goya en la exposición 'Sueños y pesadillas', en el Museo de Israel, en Jerusalén, hoy, 9 de diciembre. ATEF SAFADI EFE

Para la comisaria israelí de la exposición, Shlomit Sternberg, responsable de Arte europeo en el Museo de Israel, sus obras favoritas son Vuelo de Brujas (1798) —que versa sobre la pugna entre la Ilustración y la superstición que marca su época– y, sobre todo, dos obras religiosas —Tobías y el ángel y su pareja La sagrada familia– en las que el pintor juega con maestría con la luz. “Miren las alas del arcángel Rafael y compárenlas con las del monstruo que vuela sobre un hombre aterrorizado en una escena de Los caprichos", argumentaba esta experta mientras llevaba a un grupo de periodistas de un extremo al otro de la sala. “Era un hombre religioso que tenía siempre su lado oscuro”, ha apostillado.

El sueño de la razón a veces también produce maravillas. Sternberg ha intentado ordenar la exhibición de las obras en un claroscuro de sueños y pesadillas, en la sucesión entre el día y la noche. De hecho, este es precisamente el nombre dado a la exposición en hebreo. Goya. Madrid de día y de noche. “El nombre del pintor se asemeja al término hebreo goy —gentil o no judío—. Para evitar malentendidos y, como la mayoría de los israelíes solo aciertan a citar a Picasso cuando se les pregunta por un pintor español, decidimos incluir Madrid en el título”, admite la comisaria. También sostiene que los detalles sobre la Inquisición reflejados en los grabados del autor español serán de interés para el público judío.

Gudrum Mauer, conservadora de la sección de arte del siglo XVIII y de Goya en el Prado voló en el mismo avión en el que los 10 óleos viajaron desde Madrid a Tel Aviv. “No me he separado de las obras, que han permanecido en las mismas condiciones ambientales y de seguridad en las que se encuentran en el museo”, ha precisado esta experta de origen alemán.

El director del Museo de Israel, James Snyder, que se retirará en 2017, después de 20 años en el cargo, declina cuantificar el coste de la exposición, incluyendo el seguro de las obras y el traslado. “Para nosotros, la colaboración española no tiene precio”, elude la pregunta. Su museo ha contado con un presupuesto de cinco millones de euros para organizar 24 muestras en 2016, pero en Israel, donde se sigue el modelo de financiación museística estadounidense, el mecenazgo y el patrocinio privados están mucho más avanzados que en Europa. A la espera de la próxima apertura de la franquicia del Louvre en Dubái, Jerusalén es ahora la capital de la pintura clásica en esta parte del mundo.

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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
Exposiciones Madrid


La 'cara B' de Goya y Ribera

Una muestra sobre los grabados de Goya y otra de los dibujos de Ribera evidencian los lazos que unen a estos dos genios de la pintura



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Disparate femenino (1816-1824). Aguafuerte de Goya.

Estos días pueden encontrarse murciélagos, torturados, testimonios callejeros, dolores y disparates tanto en el Museo del Prado, de la mano de José Ribera (1591-1652), como en el Lázaro Galdiano, si los prefieren de Francisco de Goya (1746-1828). Se trata de obras realizadas sobre papel, dibujos en el caso de Ribera y grabados en el de Goya. Las piezas recogidas en ambas exhibiciones son especiales y muy delicadas porque no pueden exponerse más de dos meses seguidos (la luz daña mucho este soporte) y tampoco pueden prestarse ni volver a mostrarse hasta pasados al menos cinco años. Los dibujos de Ribera han corrido este riesgo porque se ha editado un catálogo exhaustivo sobre ellos mientras que las estampas de Lázaro Galdiano son rarezas. Por ejemplo, las pruebas de estado (impresiones que se hacen para ver cómo va el diseño por si necesita cambios) están hechas por el propio Goya. Algunas de ellas fueron modificadas y otras desechadas de modo que son copias únicas.


Puntos de unión

Pese a los dos siglos que les separan, Goya y Ribera tienen mucho en común. Lo más importante quizá sea el temperamento que les condujo a interesarse por ciertos temas, a querer ser testigos de prácticas crueles y a adoptar un tono satírico y disparatado en ocasiones.


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Disparate de Bestia (1815-1824), aguafuerte de Goya.

En Goya esta exploración del absurdo, del jeroglífico o de la furiosa denuncia moral se plasma en la serie de los Caprichos y sobre todo en la de los Disparates. Disparates de Bestia, de Tontos o toritos, Disparate Puntual se titulan algunos que muestran, respectivamente, un elefante, toros volando y un caballo funambulista sobre el que se sitúa una grácil joven. Igualmente misterioso es el murciélago entre dos orejas humanas donde se lee "La virtud refulge siempre", de Ribera, o los titulados Caballero con hombrecillos encaramándose a su cuerpo o Cabeza grotesca con figuritas en el sombrero, de las cuales una es un ahorcado y otra un señor que cuelga boca abajo. Pero lo verdaderamente chocante en estos extraños motivos es que el mimo con el que están tratados los detalles los acercan al ámbito de lo cotidiano, como si fueran posibles, como si que los toros volasen no fuera nada comparado con las cosas que nos pasan todos los días.


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Cabeza grotesca con figuritas en el sombrero (1630), dibujo de José de Ribera.

En este sentido, es difícil averiguar qué es más real para Ribera, si las figuras alargadas que dibuja concienzudamente para componer sus cuadros o las personas que luego coloca en la misma posición que los personajes del dibujo para pintarlos del natural. Y es que, pese a que los modelos de las telas son más correctos anatómicamente, resultan menos convincentes que los dibujos que expresan mejor la vulnerabilidad del cuerpo humano. Hasta tal punto esos martirios y suplicios públicos resultan inconcebibles.


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Un murciélago y dos oreja (1620), dibujo de José de Ribera.


Qué: Ribera. Maestro del dibujo
Dónde: Museo del Prado (Paseo del Prado, s/n. Madrid)
Cuándo: hasta el 19 de febrero

Qué: Goya. Obra gráfica. Colección Lázaro
Dónde: Museo Lazaro Galdiano (Serrano, 122. Madrid)
Cuándo: hasta el 12 de febrero


Fuente: elmundo.es
 




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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
El ‘goya’ y el ‘greco’ de Muñoz Ramonet pueden ir al Prado

El juez decidirá si se depositan en el museo de Madrid o en el MNAC



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'La Aparición de la Virgen del Pilar' de Goya, en una imagen facilitad por la Guardia Civil en 2011. / UCO

El pasado 24 de noviembre el Ayuntamiento de Barcelona confiaba en que los familiares de Julio Muñoz Ramonet, el industrial que en 1991 dejó en herencia a esta ciudad un palacete en la calle Muntaner y la impresionante colección de cientos de obras de arte que había en su interior firmadas por autores como Velázquez, Goya, El Greco, Sorolla, Rembrandt, entre otros, no desobedecieran al juez. Por eso, envió a Madrid, donde viven tres de las cuatro hijas de Muñoz, un furgón apto para transporte de obras de arte y se había pedido que las fuerzas de seguridad lo acompañaran en el viaje de vuelta. Iban a recoger La Anunciación de El Greco y La aparición de la Virgen del Pilar de Francisco de Goya, dos de las obras más destacadas de la colección. Pero la agente judicial se volvió con las manos vacías pese a que Manuel Castelo, nieto del industrial, sabía que llamarían a la puerta de su casa del paseo de la Castellana a las 10.30 para llevárselas. Ahora, el destino de estas dos obras, valoradas en más de siete millones y medio de euros, está en manos de un juez que ha de decidir si obliga a entregarlas para que vuelvan a Barcelona o si acepta la propuesta de la familia de que sea el museo del Prado el que las acoja en depósito.

Nada es fácil en lo relacionado con el legado de Muñoz Ramonet. Jos Prado, uno de los abogados de la familia, explica que el goya y el greco pueden acabar en Madrid ya que no se ha aceptado el ofrecimiento voluntario de Castelo de entregar en depósito las obras al Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), con la condición de que se expongan en sus salas y no vayan al almacén. Según Prado, las obras no están ya en la capital catalana porque no se ha respondido a este ofrecimiento voluntario. Desde el museo barcelonés se asegura que ellos no han recibido ninguna petición formal y que cumplirán “lo que el juez y el Ayuntamiento de Barcelona les diga, tanto si se han de exponer como conservarlas en el almacén”.

“Es una medida dilatoria más de la familia en este largo proceso en el que le sacan punta a todo”, explica Eudald Vendrell, abogado de la Fundación Julio Muñoz Ramonet, creada por el Ayuntamiento en 1995 para reclamar y gestionar el legado. Lo que sí defiende Vendrell es el depósito de las obras en el MNAC, ya que el palacete no reúne condiciones de seguridad, “solo tras ordenarlo un juez como medida cautelar". Según Vendrell, se ha presentado un escrito al juzgado “argumentando que el MNAC no es ajeno a la fundación como asegura la familia ya que el Ayuntamiento forma parte del consorcio que lo gobierna y el pleito y la fundación están en Barcelona no en Madrid”. Desde el museo del Prado aseguran que nadie se ha puesto en contacto con ellos para pedirles que acojan las obras.


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'La Anunciación' de El Greco, en una imagen facilitad por la Guardia Civil en 2011. / UCO


Próxima demanda

El pleito entre el Ayuntamiento y la familia Muñoz Ramonet por la colección no baja de intensidad. Después de tres sentencias judiciales, la última de marzo de 2012 del Tribunal Supremo, dando la razón a la ciudad de Barcelona en la titularidad de las obras, la familia entregó en 2013 las llaves del palacete (22 años después de fallecer Muñoz Ramonet). El Ayuntamiento comprobó que las obras de arte importantes habían desaparecido y solo quedaban otras de menor valor, iniciándose nuevas demandas y querellas entre las dos partes. La próxima está por llegar. “En cualquier momento el albacea testamentario, el notario suizo Romano Kunz, presentará en el juzgado una demanda contra la fundación municipal asegurando que los activos no se podían entregar a esta fundación porque solo el albacea es el intérprete del legado y solo él podía constituirla”, explica Prado. “Dimos un tiempo al Ayuntamiento para que aceptara la propuesta de integrarse en la nueva fundación junto a los familiares, pero no han contestado”.

Prado, que asegura que el plazo que marca la ley para ejercer el albacea es de 30 años, olvida que tras fallecer Julio Muñoz, las cuatro hermanas impugnaron el testamento de su padre, ocultaron durante años la voluntad de hacer heredera a Barcelona e hicieron renunciar a Kunz como albacea bajo amenazas y tras pagarle 230.000 francos suizos. Además, según el abogado, hasta ahora se ha hecho una lectura errónea del testamento; se ha traducido mal el testamento ya que se ha leído que la fundación se tendría que hacer bajo el “patronato” de la ciudad cuando en realidad “pone patrocinio”; un aspecto que Vendrell ha negado con anterioridad.



La tasación de todas las obras, en dos meses

Mientras continúa el enfrentamiento entre la familia y el Ayuntamiento, el juez encargado de la ejecución de la sentencia que obliga a las cuatro hijas a la entrega del legado —casi un millar de obras de arte—, ante la imposibilidad de recuperar las obras, ha ordenado su tasación a un perito judicial. El experto, con ayuda de los catálogos y listados, está fijando el valor económico de las obras en 1991 y el actual de 2016, ya que las partes tampoco se han puesto de acuerdo en esto. En esta valoración se incluyen las 19 obras que se saben que se subastaron en Madrid y las 14 que están en una finca familiar de Sant Andreu de Llavaneres. La valoración, que estaba prevista que finalizara a finales de 2016, estará terminada, según Vendrell, “en un par de meses”.



Una historia rocambolesca


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Julio Muñoz Ramonet en su casa de la calle Muntaner.

En 2000, Isabel Muñoz (Premio Nacional de Fotografía 2016) presentó una denuncia en un juzgado de Alcobendas (Madrid) denunciando a su marido, Jesús Castelo, por el robo del domicilio conyugal de dos pinturas (una de Goya y otra de El Greco), además de una colección de relojes y joyas. La denuncia quedó sobreseída, pero la investigación policial continuó.

En abril de 2011, después de tener noticia que las obras iban a ser vendidas, las dos pinturas fueron recuperadas en un domicilio de Alicante dentro de la "operación Creta”, pero nadie fue detenido.

Cuando el Ayuntamiento se enteró de la recuperación, pidió que no se devolvieran a la familia, y que en todo caso quedaran como un depósito. Pero al no disponer el juzgado de Alcobendas de instalaciones adecuadas las depositó en casa de Isabel Muñoz, con el compromiso de devolverlas en el momento en el que se acordara la ejecución de la sentencia sobre la posesión de toda la colección.

Tras agotar los plazos, en mayo de 2016, parecía que la entrega era inminente, pero surgió un nuevo actor en esta historia: el nieto del industrial, Manuel Castelo, que aseguraba que él las entregaría, pero que lo tras resolverse un conflicto de propiedad, ya que afirmaba que las obras no eran de su madre ni de sus tres tías (las cuatro hermanas Muñoz Villalonga), sino suyos, ya que los había heredado de su padre Jesús Castelo, el mismo que había sido denunciado en Alcobendas por haberse llevado las obras del domicilio conyugal.

Ahora, el juez tiene que acabar resolviendo estos recursos y demandas. Mientras tanto, y como medida cautelar pedida por el Ayuntamiento de Barcelona, se ha pedido que las obras se depositen en el MNAC, pero podrían acabar en el museo madrileño del Prado.


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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
La tauromaquia en 48 horas

Una colección de 33 grabados de Goya será expuesta en Madrid antes de ser subastada en Reino Unido



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Uno de los grabados de Goya que integra la exposición.

La librería del Castillo de Montigny, en Borgoña, escondía un tesoro en un viejo libro de contabilidad. Los últimos herederos de Anne Adrien Pierre de Montmorency Laval (1768-1837) descubrieron por casualidad una colección de grabados sobre láminas de cobre de comienzos del siglo XIX, en los que figuran 33 obras del artista español Francisco de Goya sobre la tauromaquia. La familia no sabe si el Duque de San Fernando Luis —título nobiliario que alcanzó su ancestro— compró el lote o se lo regalaron cuando residía en Madrid, en la misma época que el pintor y grabador realizó las obras (1814-1816).

"Este es un descubrimiento histórico", afirma Alexandra Schader, directora del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo de Sotheby's en Madrid, la casa de subastas que se encarga de mostrar la colección al público español antes de que viaje a Reino Unido para ser pujada. La exposición tendrá lugar en las oficinas de Sotheby's, en la calle Alfonso XI, en el barrio Los Jerónimos, el 21 y 22 de marzo. Para poder visitar la muestra hay que solicitar una cita previamente.

Según la casa de subastas la respuesta ha sido positiva de parte del público. “Es una obra de arte histórica que los coleccionistas, no solo de grabados o pintura antigua, los coleccionistas amantes del arte han mostrado interés en venir”, sostiene Schader.

Los interesados que logren apreciar los 33 grabados de La Tauromaquia lo harán individualmente. Al ser en las oficinas de Sotheby’s, el espacio no permite exhibir la colección de forma grupal. Eso sí, no estarán solos del todo. La directora del departamento de obra gráfica de Londres de la casa de subastas y Alexandra Schader en representación del equipo de Madrid, acompañarán a los asistentes y les explicarán detalles de las obras.

Tras el paso por Madrid, los grabados encabezarán la subasta de 'Prints & Multiples' en Londres el 4 de abril. Será en la capital inglesa porque ahí es donde la casa de subastas realiza las pujas de obra gráfica y múltiple en Europa dos veces al año. "Lo que tiene esta primera edición en particular es que la calidad es extremadamente buena. La impresión de la tinta tiene un color y una fuerza visto en muy pocos otros ejemplares que han salido de la tauromaquia. Están en un estado de conservación impecable porque habrán estado décadas metido en ese libro", explica Schader.

Al ser la primera edición de los grabados se ve "la mano de Goya" y cómo el impresor puso la plancha, según la oficina de la casa de subastas. Los especialistas en la obra de Goya han confirmado la importancia de la edición. La estimación del precio de salida de venta, fijada por Sotheby's y la familia propietaria, es de unos 352.000 a 590.000 euros por la obra completa. El desafío es superar los 1,7 millones de euros pagados en 2013 en Nueva York por otra colección de 33 estampas taurinas de Goya y Lucientes.

Para que sirva de referencia, Sotheby's vendió Los Caprichos de Goya, una carpeta de 80 grabados, por 849.000 euros a finales de enero en Nueva York.

El día de la subasta de 'Prints & Multiples' también se podrá pujar por otras obras gráficas y múltiples de diversos autores que van desde Rembrandt hasta Warhol. Se podrá pujar presencialmente, por teléfono, por escrito o a través del sitio web registrándose previamente.


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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
¿Quiere un ‘goya’? Cómprelo en Internet

La Academia de San Fernando ha llegado a un acuerdo con el portal eBay para ofertar obra gráfica de múltiples autores de su colección


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'Ni más ni menos', grabado de Goya que se podrá adquirir en eBay por 965 euros.

Comprar un goya por eBay es posible. Pero no solo un goya, un teixidor, un canogar o un feito…. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Rabasf) ha presentado este jueves el acuerdo que ha firmado con la plataforma de compra, venta y subastas en Internet que tiene 167 millones de usuarios en todo el mundo. Lo que significa que dará a conocer sus obras a un volumen de público que de otra manera sería inaccesible.

Aunque la difusión es uno de los objetivos, el principal es la venta. El portal se va a nutrir de obras de arte gráfico y vaciados de esculturas que abarcan desde finales del siglo XVIII al XXI, creadas por artistas como Mariano Fortuny, entre otros. La Academia cuenta ya con una tienda propia en eBay en la que se pueden ver y adquirir estos “productos” a precios que van desde los 95 euros a los 2.050 por un grabado de Jaume Plensa. El precio será fijo sin opción a puja y el tiempo que tarda el interesado en recibir la pieza desde que hace clic en el botón de comprar de la pantalla de su ordenador hasta que llega a su casa, perfectamente embalado y protegido con el precinto de garantía y con el certificado de autenticidad, va desde las 48 horas hasta los 10 días dependiendo del lugar de destino.

Juan Bordes, el delegado de la Calcografía Nacional, defiende el acuerdo ya que lleva el espíritu del grabado a su máxima expresión: “Era la manera de difundir la imagen, de hacerla múltiple, de que llegara a los máximos lugares posibles cuando era la única manera de divulgarla. Ahora se ha confiscado el mercado del arte por la especulación que lo rodea. Se ha desvirtuado la naturaleza del medio”. Cree que con la posibilidad que ofrece eBay van a llegar a millones de posibles compradores e interesados y, sobre todo, al mercado internacional. Afirma que ya han ganado, que no ha supuesto ninguna inversión económica embarcarse en este proyecto y que no hay ningún riesgo para las obras de arte, las planchas no sufren. “Esa era su función: difundir y democratizar el arte sin perder un ápice de calidad”. El beneficio no solo vendrá por la parte económica –de la que no tienen previsiones- y por la difusión y la apertura de la Rabasf a distintos mercados, también la parte artística ha salido ganando gracias a la digitalización en altísima calidad de las piezas y las fichas técnicas que acompañan a cada una.

La tienda cuenta ya con 500 obras de clásicos y de contemporáneos como Chema Madoz, Martín Chirino, Carmen Calvo, José María Sicilia y en los próximos meses llegará a las 2.000. Para conmemorar este acuerdo, durante tres meses, la institución pondrá a la venta en exclusiva una tirada del curioso grabado de Goya Ni más ni menos por 965 euros. Esta estampa pertenece a la serie de los Caprichos y representa una sátira de la sociedad española del siglo XVIII. Es una obra única y la última estampada en 1970 a partir de la plancha original, creada por Goya entre 1797 y 1798.

Bordes asegura que por ahora se van a nutrir del stock que tienen, de diversos fracasos editoriales que no han tenido salida, por ejemplo, entre 200 y 300 estampas históricas de monumentos, impresas en el siglo XVIII. “Vamos a ser competitivos”, asevera el encargado de la una de las tres únicas calcografías históricas que existen junto con la del Louvre en París y el romano Istituto Centrale per la Grafica.


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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
La sordera de Goya y cómo quiso curarse con descargas

Un nuevo diagnóstico señala que el pintor sufrió un raro trastorno que lo dejó sordo



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Autorretrato de Goya con el doctor Arrieta. Cuadro del Instituto de Arte de Mineápolis.

Intensos dolores de cabeza, mareos, vértigo, pérdida de visión y oído, ataxia...Todo eso sufrió Francisco de Goya durante un viaje a Andalucía en el invierno de 1792-1793. Y de todo se recuperó, salvo de la sordera. El origen de tantos males nunca se ha sabido con certeza. Desde el plomo de las pinturas que usaba hasta una sífilis contraída en uno de sus amoríos. Ahora un nuevo diagnóstico hecho más de dos siglos después apunta a una rara enfermedad, tan rara que apenas la tienen unas 300 personas en todo el mundo.

"El diagnóstico más probable es el síndrome de Susac, dice la otorrinolaringóloga de la escuela de medicina de la Universidad de Maryland (EE UU), Ronna Hertzano. El origen de este trastorno es desconocido, aunque se trataría de una enfermedad autoinmune que provoca la inflamación de las ramificaciones de las arterias que terminan en los capilares que riegan el cerebro, la retina y el oído interno. "Esto explicaría todos los síntomas de Goya, incluyendo las jaquecas, alucinaciones y la recuperación espontánea de los síntomas, la recuperación de la vista pero la pérdida permanente del oído", añade.

Hertzano ha expuesto su diagnóstico en la conferencia anual sobre personajes históricos que celebran en su universidad. Otros años, otros especialistas habían presentado sus revisiones médicas de protagonistas de la Historia como Cristóbal Colón, Charles Darwin, Simón Bolívar o Vladímir Ilich Uliánov, Lenin. Este año le ha tocado a Francisco de Goya y Lucientes. Aunque no es la primera vez, ni la segunda, que se relaciona el síndrome de Susac con la sordera del pintor, sí es la que con más fuerza se defiende este diagnóstico.

  Algunas de las enfermedades que le achacaron a Goya le habrían provocado la muerte en aquella época

Tras repasar lo que decían las cartas de aquellos meses entre Goya y sus amigos, además de revisar lo que otros han escrito sobre la enfermedad, Hertzano fue descartando posibilidades. "Hay otras posibles etiologías, incluyendo la sífilis, pero improbables por su incompatibilidad con una completa recuperación (a excepción de la pérdida de oído) y una larga vida posterior", sostiene. Así, si hubiera sido un caso de meningitis bacteriana, la ausencia en aquella época de antibióticos, le habría salido mucho más cara a Goya, costándole incluso la muerte. En cuanto a la intoxicación por plomo, el saturnismo que señalan en la Wikipedia, "de nuevo, la intensidad de la enfermedad y la casi completa recuperación en ausencia de un tratamiento apropiado lo hacen menos probable", añade Hertzano.

Durante su conferencia, la doctora va descartando otras posibles causas, como la malaria, de gran incidencia en la España de entonces, o la esclerosis múltiple, ya que la aparición a la vez de todos los síntomas en vez de hacerlo de forma progresiva, la descartaría. También se puede rechazar otra rara afección, la encefalomielitis aguda diseminada, que, aunque podría explicar todos los síntomas, "no creo que se presente asociada con una profunda pérdida de audición bilateral", mantiene Hertzano.


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En 'Los caprichos', Goya quiso mostrar los defectos de la condición humana. Empezó por sí mismo en este autorretrato vestido de caballero. F. Goya

Una vez diagnosticado, ¿se podría haber curado? De ser acertado el diagnóstico, para el síndrome de Susac no hay un tratamiento eficaz hoy en día, así que aún menos entonces. "Sin embargo, hoy tendría la posibilidad de un implante coclear que, colocado en las primeras fases de la enfermedad, probablemente le habría hecho recuperar el oído en menos de tres semanas y, con un historial como el suyo, permitido conservar una audición funcional, reconociendo más del 90% de las frases sin pistas visuales", anticipa la otorrinolaringóloga estadounidense.

Los implantes en la cóclea (la estructura en espiral del oído interno) funcionan con pequeñas corrientes eléctricas que, de forma similar a cómo funcionan los altavoces, excitan el oído y convierten señales eléctricas en señales sonoras. Aunque esta tecnología no existía a finales del siglo XVIII, Goya si usó la electricidad para recuperarse de la sordera.

Durante meses le aplicaron corrientes con la primera máquina capaz de crear electricidad (electroestática), la inventada por el alemán Otto von Guericke. En concreto, le colocaban un electrodo en el oído lesionado encharcado en una solución salina mientras que colocaban el otro electrodo en el otro oído. Así tenía que estar unos minutos. La electroterapia no funcionó, pero esta historia, recuperada para el gran público por la investigadora del Museo del Prado, Gudrun Maurer, en un artículo publicado por el boletín del museo, muestra la determinación de Goya para recuperarse.

  Goya se sometió a electroterapia recibiendo descargas en sus oídos

De haberlo hecho, ¿qué habría pasado con su pintura? Mucho se ha escrito sobre el impacto que la sordera tuvo en la obra posterior de Goya. Y muchos relacionan los dibujos, grabados y cuadros del Goya sordo más realistas, personales, sobrecogedores, humanos y modernos con la sordera. Sin embargo, hay quienes piensan que la pérdida del oído no tuvo nada que ver en la evolución de Goya.

"La familia de Carlos IV la pinta en 1800, ocho años después de la enfermedad", recuerda Manuela Mena, jefe de conservación del siglo XVIII y Goya del Museo del Prado y unas de las mayores conocedoras de la vida y obra del pintor aragonés. De hecho, recuerda que la serie Los caprichos empezó a prepararla antes de su viaje a Andalucía. Y si en el retrato real aún está el Goya más clásico, en los 80 grabados de la serie que retrató a la sociedad española de entonces ya está la modernidad de Goya. Ya antes de sordo, era el primer pintor moderno.


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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
El Prado descubre un ‘goya’ guardado décadas en el museo de Zaragoza

'El éxtasis de San Antonio Abad' fue adquirido por la institución en 1925 y se desconoce su procedencia anterior.

Manuela Mena, experta en el pintor aragonés, avala la atribución




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'El éxtasis de San Antonio Abad', de Goya.

Que Goya no deja de sorprender, no es un comentario de un guía durante una visita a un museo. Es una realidad: este martes se confirma la autoría de una nueva obra del Museo de Zaragoza, la semana pasada apareció una inscripción que da título a uno de sus dibujos que se conserva en el Museo del Prado. "No a todo conviene lo justo", reza. Y justo es que El éxtasis de San Antonio Abad o Muerte de San Antonio Abad (datada entre 1780 y 1781), atribuido indistintamente, según épocas, a Manuel o a Francisco Bayeu, incluso, al propio Goya —según afirma María Luisa Arguís, conservadora de Bellas Artes de la institución—, se haya presentado este miércoles en el museo por el presidente del Gobierno de Aragón Javier Lambán como obra de Francisco de Goya (Fuendetodos, Zaragoza, 1746-Burdeos, 1828).

El acto ha estado avalado por Manuela Mena, jefa de conservación de Pintura del Siglo XVIII y Goya del Prado, y por Almudena Sánchez, restauradora de la pinacoteca, que ha trabajado de tú a tú con la obra del maestro aragonés. En palabras de Ignacio Escuín, director general de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón, esta mañana, Sánchez “ha dado una lección de restauración" cuando ha explicado los procesos que se han llevado a cabo en el Prado desde otoño de 2015 hasta el pasado 3 de mayo, cuando el goya volvió a Zaragoza. Aunque en buen estado de conservación, la pintura necesitaba una limpieza, estaba muy oscura por la evolución de los materiales. Además, ha comentado que el lienzo conformado por dos trozos de tela cosidos —costura que se puede apreciar tanto en el reverso como en el anverso del cuadro—, lo que prueba que la obra fue realizada por Goya para alguien de su confianza y no para su venta. Quizá para un oratorio, por los restos de cera que tenía, ya que su pequeño tamaño (77 x 55,5 centímetros) no es adecuado para una iglesia. El reciclaje de los materiales era una práctica habitual en este pintor, y en otros de la época, incluso cuando trabajaba en la corte. Y tampoco es extraño que no firme las obras, comienza a hacerlo en una época posterior, cuando ya es totalmente consciente de su relevancia.

Las sospechas de los técnicos del Museo de Zaragoza de que la obra era "muy buena" eran fundadas: “por el tipo de pintura, por el trazo, por el uso de los materiales, todo era muy cercano al pintor de Fuendetodos”, aseguraba Escuín. Además, hay una obra muy similar con el mismo título, atribuida sin duda a Goya que permanece en Madrid, en una colección particular. A ese buen pálpito se unió el de Mena cuando vio el cuadro. Una pintura que siempre ha estado colgada en el museo pero que en ese momento se encontraba en almacenes -donde la vio la experta del Prado- porque había obras en una calle cercana al centro y retiraron las piezas de ese ala para que no sufrieran por las vibraciones.

Tras los análisis y los trabajos realizados en el taller de restauración del Prado la duda ya no cabe. Una vez limpio el cuadro, Mena alega que es similar a la obra realizada por Goya diez años antes en Roma copia de una pintura de Corrado Giaquinto y hoy en una colección particular. La mayor especialista en este pintor destaca detalles goyescos como la hábil y precisa mano que da las pinceladas de los libros, la vasija y el crucifijo; la composición anatómica del ángel que muestra la tensión en los dedos de los pies y la enajenación en el gesto de su rostro con la boca abierta, solucionado en unas cuantas pinceladas maestras del pintor.

Este San Antonio Abad aumenta la ya numerosa colección de goyas —un total de 18 lienzos y multitud de obra gráfica— del Museo de Zaragoza, una de las más importantes de España junto con la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, por supuesto, por detrás del Prado. La institución aragonesa, además, presentaba este miércoles una reestructuración del discurso museológico de las salas dedicadas a quien, como ha dicho su director, Isidro Aguilera, es el aragonés más universal. Ahora el recorrido es cronológico, temático y técnico y el nuevo goya engrosará las colecciones de la etapa de Madrid coetánea a los tapices.

Solo queda un detalle: que Ceres, el catálogo online del ministerio de Cultura en el que se pueden consultar gran parte de las colecciones pertenecientes a los museos estatales, actualice tanto la fecha como el autor de esta obra.


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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
El ‘goya’ que se escondía en el almacén

Salió de Zaragoza hacia los talleres del Museo del Prado como un cuadro atribuido a Francisco Bayeu. El seguro de transporte lo valoró en 20.000 euros en el viaje de ida. A la vuelta, la póliza era de seis millones



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El presidente del Gobierno de Aragón Javier Lambán y la consejera de Cultura Mayte Pérez contemplan 'El éxtasis de san Antonio Abad', en su presentación hoy. / Europa Press

Salió de Zaragoza hacia los talleres del Museo del Prado como un cuadro atribuido a Francisco Bayeu y volvió como un goya. El seguro de transporte lo valoró en 20.000 euros en el viaje de ida. A la vuelta, la póliza era de seis millones. El éxtasis de San Antonio Abad, un pequeño óleo de 67 por 46 centímetros, llevaba más de dos décadas en los almacenes del Museo de Zaragoza. Decidieron retirarlo de la exposición porque no estaba en condiciones y al evaluar su posible limpieza empezaron las sospechas. ¿Y si era un goya?

La pregunta, contra lo que pueda parecer, no es extraña en Zaragoza, donde un traslado de muebles en una sacristía, la catalogación de una herencia en una familia venida a menos o la restauración de una capilla hacen saltar las alarmas goyescas con relativa frecuencia. El pintor, nacido en Fuendetodos, vivió en la ciudad hasta su traslado a Madrid en 1775 y quedan por descubrir algunos trabajos religiosos menores, a los que se dedicó en sus primeros años. Obras que, como El éxtasis de San Antonio Abad, acabaron en oratorios particulares, casonas de la aristocracia y parroquias. Sin firma, sin catalogar, son el sueño de muchos cazadores de goyas que aún esperan cobrarse su pieza en una almoneda. Pero rara vez se confirman las alarmas. Los expertos suelen desinflar las ilusiones y atribuyen esos cuadros, a menudo, tras dos vistazos, a los Bayeu, a Luzán o a cualquiera de los pintores zaragozanos coetáneos de Francisco de Goya.

Con El éxtasis de San Antonio Abad, sin embargo, no hubo escepticismos. “Desde el principio, el cuadro olía mucho a Goya”, cuenta Isidro Aguilera, director del Museo de Zaragoza, “así que, un día en que vino Manuela Mena [jefa de conservación del siglo XVIII y Goya en el Prado], se lo enseñamos, confirmó nuestras sospechas y se ofreció a llevarlo al Prado para estudiarlo”.

El lienzo llegó a lo que entonces se llamaba Museo Provincial de Zaragoza en 1925, procedente de una donación anónima. “Quizá estuvo en un oratorio, pues unas velas habían deteriorado el barniz”, aventura Aguilera. Nada o muy poco se sabe de la pieza, salvo que debió pintarse en torno a 1780, pues es una versión de un cuadro del pintor italiano Corrado Guiaquinto, expuesta en la iglesia romana de San Giovani Calibita, que Goya copió in situ en 1771 durante su viaje a Roma. Qué pasó en los 145 años que van desde su ejecución hasta que un donante lo dejó en el museo en 1925 es un misterio.

La cuna del pintor

No es extraña la excitación por el hallazgo, que fue presentado ayer por el presidente de Aragón, Javier Lambán. No solo por lo que tiene de novelesco en sí, ni por la relevancia del autor, sino porque Zaragoza, que pasa por ser la verdadera cuna de Francisco de Goya y el lugar donde se gestó el genio y con el que mantuvo toda su vida una relación de pasión y distancia, está sediento de goyas. Al margen de las grandes pinturas murales, como la cúpula Regina Martyrum de la basílica del Pilar y los frescos de la Cartuja de Aula Dei, en las afueras de la ciudad, entre otras, no hay mucha obra de Goya en Zaragoza. El Museo Goya, propiedad de Ibercaja, expone 14 pinturas, un dibujo y las cinco series de grabados. En el Museo de Zaragoza, además de El éxtasis, se pueden ver algunos lienzos de juventud, del Goya antes de Goya, y una obra crepuscular y enigmática, Mujer con mantilla (1825).

Todo junto, aun siendo un corpus interesante, no suma para crear un gran centro de arte dedicado al artista, viejo proyecto del gobierno autonómico que se ha visto frustrado varias veces y con el que su tierra natal pretende desmentir definitivamente la leyenda del desprecio, la que cuenta que el genio salió de Aragón harto y renegado. La atribución de El éxtasis de San Antonio Abad y su exposición en el Museo de Zaragoza es el último gesto de desagravio.

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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
El Prado cuelga sus vestidos de muselina

Una exposición muestra los matices del blanco a través de los retratos que Goya y Esteve hicieron a los duques de Osuna



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'Retrato de Manuela Isidra Téllez-Girón, futura duquesa de Abrantes' (1797), de Agustín Esteve. Museo del Prado. / Jaime Villanueva

El retrato de Manolita ha sido hoy, viernes, el blanco de todos los focos en el Museo del Prado. Blanco en dos sentidos: el estético, ya que es el centro de la exposición El desafío del blanco. Goya y Esteve, retratistas de la Casa de Osuna; y como objetivo de la pinacoteca, que quería  comprar esta obra para incluirla en sus fondos. La ha adquirido gracias a la donación de Óscar Alzaga Villaamil, que el 27 de marzo legó al museo seis cuadros y una dotación económica para la adquisición de una séptima. 300.000 euros gracias a los que el Retrato de Manuela Isidra Téllez-Girón, futura duquesa de Abrantes (a la que familiarmente llamaban Manolita), pintado en 1797 por Agustín Esteve, forma parte del patrimonio del Estado y cuelga en las paredes del Prado.

Este retrato, hasta ahora en una colección particular, es considerado como el mejor y más singular de Esteve (Valencia, 1753-1820) y de los retratos infantiles del siglo XVIII. La pequeña, de 32 meses —como indica la inscripción del cuadro—, mira al espectador con unos profundos ojos negros. En una mano lleva una muñeca, con la otra se sujeta el vestido blanco transparente. Estaba de moda la muselina blanca, lo que puso a prueba la manera en que los pintores aplicaban ese color. Esteve, con su sutil pincelada, supo darle todos los matices, como se comprueba en la muestra, cuyo leitmotiv es el blanco, color de los vestidos de las damas de la familia del noveno duque de Osuna, de quien, Esteve, se convirtió, junto con Goya, en una especie de pintor oficial a lo largo de casi cuarenta años.

Así, en dos pequeñas salas, se suceden los retratos que el pintor valenciano realizó de las hermanas mayores de Manolita y de ella adolescente y adulta. También, La marquesa de Santa Cruz y el retrato de toda la familia de los duques, obra de Goya.


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Retratos de Josefa Manuela (izquierda) y de Joaquina Téllez-Girón, en la muestra 'El desafío del blanco. Goya y Esteve retratistas de la casa de Osuna'. Museo del Prado. / Jaime Villanueva

Durante la presentación, se han querido resaltar dos figuras: la del artista y la del donante. El pintor valenciano actualmente no es muy conocido, “sí por los coleccionistas”, indica Virginia Albarrán, comisaria de la muestra, que incide en el interés mostrado por el museo en este pintor, del que se quiere seguir investigando y dándole el puesto que merece en la historia del arte.

Alzaga (Madrid, 1942), catedrático de Derecho Constitucional e histórico político democristiano, ha sido el centro de los agradecimientos de José Pedro Pérez-Llorca, presidente del patronato del Prado. El director, Miguel Falomir, recalcó la importancia de los donantes, gracias a los que se pueden ampliar las colecciones españolas y la necesidad de que cunda el ejemplo. “Todos suspiramos por una ley de Mecenazgo”, respondió a la pregunta de si esta incentivaría el coleccionismo.

Alzaga se quitó importancia justo después de dársela a su esposa, que le acompaña en su labor filantrópica. Se autocalificó como “aficionado a la pintura clásica y coleccionista de segunda división”. “En muchas subastas no he podido comprar porque son otros los que suben más veces y con más capacidad la paleta”, contó. Reflexionó con los asistentes sobre de quién y para quién es una pintura, concluyendo que siempre ha pensado que los cuadros que están en habitaciones privadas tienen vocación de pasar a una sala pública y ser de la comunidad. El Museo le prepara para otoño un homenaje mayor en el que se expondrán las siete obras que ha donado.

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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
Investigación / Frenología



Quién tiene la cabeza perdida de Goya: los frenólogos, bajo sospecha

El cráneo del pintor pudo acabar entre manos de frenólogos para estudiar su "excepcionalidad" y habría sido víctima de un catastrófico experimento.



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Vanitas, por Dionisio Fierro. Museo de Zaragoza.
 
El 18 de noviembre de 1888 se abrió la tumba de Francisco de Goya y Lucientes en el cementerio de La Chartreuse de Burdeos. El cónsul español en la ciudad, Joaquín Pereyra, la había descubierto años atrás y después de infatigables gestiones estaba a punto de conseguir que los restos mortales del genial pintor, fallecido 70 años antes, regresaran a su patria. Sin embargo, la sorpresa fue que no estaban al completo: faltaba el cráneo. Ahí comienza un misterio que nunca se ha resuelto, con algunas pistas que hacen pensar en una historia rocambolesca a caballo entre los siglos XIX y XX y que vuelve a estar de actualidad.

Desde la habitación de su hotel, con vistas al cementerio de La Chartreuse, Samuel Alarcón atiende por teléfono a EL ESPAÑOL. Es el director del documental Oscuro y Lucientes, que trata de reconstruir estos hechos. Junto a su equipo de Tourmalet Films rodará en Burdeos hasta finales de julio con el propósito de narrar una historia que le han obsesionado desde pequeño. "Un día mi padre me llevó al cementerio de San Isidro y me dijo que allí estaba enterrado Goya, pero que le faltaba la cabeza", comenta el realizador madrileño.

En realidad, el cadáver del pintor –y el de su consuegro Martín Miguel Goicoechea, con quien compartía el sepulcro francés- pasó por allí pero fue trasladado en 1919 a la ermita de San Antonio de la Florida. Junto a las cajas de Goya y su amigo, se enterró un pergamino con el siguiente texto: "Falta en el esqueleto la calavera, porque al morir el gran pintor, su cabeza, según es fama, fue confiada a un médico para su estudio científico, sin que después se restituyera a la sepultura, ni, por tanto, se encontrara al verificarse la exhumación en aquella ciudad francesa".

En el siglo XIX estuvo en boga la frenología, una pseudociencia basada en las teorías del austriaco Franz Joseph Gall, que afirmaba que las características del cráneo permitían determinar el carácter de las personas, sus habilidades, su predisposición al crimen e incluso sus dotes artísticas. De hecho, hay casos de personajes ilustres cuyas cabezas fueron sustraídas para ser estudiadas, como la del músico Haydn, fallecido en Austria en 1809.

Aunque es posible que el cráneo de Goya fuera robado de su tumba, quizá nunca llegaron a enterrarlo con el resto del cuerpo. "En Francia era muy popular la frenología y es bien sabido que los médicos que lo atendieron en sus últimos años tenían relación con ella", apunta Samuel Alarcón. Ni siquiera es descartable que el propio pintor donase su cabeza a la ciencia. Sin embargo,  tras la exhumación, una anciana nonagenaria de Burdeos que decía haber presenciado el entierro afirmó que el cuerpo fue sepultado al completo... Leer más
 




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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
Marruecos se impregna de arte español

El Banco de España presta al museo Mohamed VI la colección 'De Goya a nuestros días'



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Visitantes en el Museo Mohamed VI en Rabat. / FADEL SENNA - AFP

Un aluvión de artistas españoles ha desembarcado en el museo Mohamed VI de Arte Moderno y Contemporáneo, frente a la gran mezquita Sunna, de Rabat. Ahí podrán apreciarse desde este miércoles hasta el 4 de febrero, 84 obras seleccionadas entre las 4.000 con que cuenta el Banco de España, desde su fundación como Banco de San Carlos en 1782. La colección se llama De Goya a nuestros días y acaba de echar a andar en un museo que con solo tres años de vida se ha convertido en una cita obligada para cualquiera que visite Rabat. Goya, Sorolla Zuloaga, Vázquez Díaz, Saura, Canogar, Millares, Tàpies, Chillida, Barceló, Equipo Crónica… así hasta sumar 84 obras de 50 artistas.

Madrid y Rabat se han empeñado en estrechar las relaciones. Comenzaron hace años colaborando contra la inmigración ilegal, siguieron con la lucha antiterrorista, avanzaron en el campo económico (España es desde hace tres años el primer socio comercial de Marruecos) y ahora le toca al arte. El impulsor de la muestra, el embajador de España en Rabat, Ricardo Díez-Hochleitner, dijo que su intención es que este sea solo el inicio de más intercambios culturales. “Queremos que el pueblo marroquí conozca el arte del país que tiene al lado”señaló. Mehdi Qotbi, presidente de la Fundación Nacional de Museos de Marruecos, subrayó: “Esto trata del arte de compartir. España está compartiendo con nosotros 200 años de su arte. Y nosotros vamos a abrir todos los miércoles el museo a los estudiantes, para que accedan de forma gratuita y los viernes a todos los marroquíes”.

Yolanda Romero, comisaria de la exposición y conservadora de la colección del Banco de España añadió: “Queremos contribuir a desarrollar en Marruecos la afición por el arte contemporáneo. Marruecos está ahora mismo como España en los años setenta, con un deseo de acercarse al arte actual. En los setenta en España no había apenas museos de arte contemporáneo. Y ahora casi siempre hay colas inmensas en el Reina Sofía de Madrid. La afición se va construyendo”.

Estas obras, junto a buena parte de las 4.000 pertenecientes a la colección del Banco de España, suele estar accesible al público mediante cita previa dos días a la semana, en la sede de Cibeles. Pero han viajado al exterior en contadas ocasiones. En 1991 viajaron a la sede de la Reserva Federal, en Washington, y después al edificio del Banco Central Europeo, Fráncfort. “Esto es sin duda la mayor muestra de arte español que ha acogido Marruecos hasta el momento”, dijo el embajador español, quien expresó su agradecimiento al gobernador del Banco de España, Luis María Linde, y al ministerio de Exteriores, que financió el catálogo de la muestra.


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Retrato de Miguel Fernández Durán, Marqués de Tolosa, que pintó Goya en 1787. Colección Banco de España.

Entre las joyas de la muestra se encuentra el retrato del Marqués de Tolosa, que pintó Goya en 1787. José María Viñuela, que ha sido conservador de la colección del Banco de España durante 38 años, acudió también a la inauguración en Rabat y comentó: “El Banco de San Carlos tuvo el acierto de encargarle a Goya seis retratos de lo que entonces se llamaban directores bienales del banco. Y eso ya fue una manera muy poderosa de comenzar la colección. Se da la circunstancia de que Goya está hoy más vivo que nunca. En muchos museos de arte contemporáneo hay obras de Goya. Sigue teniendo una gran influencia sobre nuestros días”.

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Mensaje Re: GOYA (Francisco De Goya Y Lucientes) 
 
Mucho más que una discípula de Goya

Rosario Weiss fue una sobresaliente dibujante de la primera mitad del XIX y llegó a ingresar en la Academia de San Fernando. La Biblioteca Nacional reúne ahora 140 de sus obras



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'Alegoría de la atención (autorretrato)' (1842). Dibujo de Rosario de Weiss.

Vivir con Goya marca. Si a eso se le suma ser hija de padres separados en la primera mitad del siglo XIX, la diferencia con el resto es, incluso, más notable. Esa era la normalidad para Rosario Weiss (Madrid, 1814-1843), artista a quien la Biblioteca Nacional de España reivindica con una exposición en la que destaca su prodigioso dominio del dibujo en una época nada propicia para que las mujeres prosperasen en el mundo del arte.

Los dibujos de una pequeña Rosario y un ya anciano Francisco de Goya (1746-1828), hechos a cuatro manos, reciben al visitante de la muestra que se abre mañana al público. Es el álbum Goya-Weiss, que contiene los juegos de lápiz y papel con el que el maestro enseñaba a una niña de menos de 10 años. En uno de ellos se aprecia el trazo fino con el que el aragonés esbozó una cabeza sonriente de hombre repasado por una línea más gruesa hecha por Weiss. Otros son dibujos que el artista hacía para que ella los copiara o sobre los que escribía algunas letras. “Conociendo aquel genial pintor el talento y las bellas disposiciones que mostraba ya desde niña, empezó a enseñarla el dibujo a los siete años al mismo tiempo que aprendía a escribir”. Estas líneas de la necrológica de Weiss publicadas en la Gaceta de Madrid, explican que la relación no era solo de profesor y alumna. El trato era familiar.

Leocadia Zorrilla, la madre de Rosario, se instaló en la Quinta de Sordo, la casa de Goya a las afueras de Madrid. Era el ama de llaves del pintor y vivió allí con sus dos hijos menores entre 1820 y 1824. Hasta aquí lo probado. La presunción de que la madre y el pintor fueran amantes es algo que se dice pero no hay documentos, explicó ayer el comisario de la muestra, Carlos Sánchez Díez. Y tampoco está demostrado que Weiss fuera hija del autor de las Pinturas negras. Sánchez no da pábulo, y asegura que la quería como tal y se refería a ella como “mi Rosario”. En una carta a su amigo Ferrer, Goya escribe: “Quisiera que la tuviera como si fuera hija mía”.

Weiss se forja entre estas dos personalidades: su madre, una mujer que se buscaba la vida tras separarse de su marido, un joyero de origen alemán, y el artista. Esta influencia, su talento natural y su educación francesa —vivió con Goya en Burdeos, donde recibió formación académica, entonces predominaba en Francia la manera de Ingres— hacen de Weiss una artista excepcional, la más importante en España de la primera mitad del XIX. Y le quedó mucho por hacer, porque murió con solo 28 años.

La exposición reúne hasta el 22 de abril 140 obras, entre dibujos, litografías, lienzos (apenas se conocen una decena de su autoría) y documentos, muchos de ellos nunca vistos. Y la acompaña el catálogo razonado, fundamental para el proyecto reivindicativo de la artista. Un exhaustivo trabajo del comisario que amplia lo que se conocía de Weiss y el número de obras que se le atribuían. Ya que el pequeño formato de los dibujos facilita su dispersión en múltiples colecciones particulares.
 

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'Caricatura masculina', uno de los bocetos que Goya realizaba para que la pequeña Rosario repasara y aprendiera a trazar líneas.

No es baladí que se centrara en dibujos y litografías. Trabajó en un momento en el que muy pocas mujeres recibieron la consideración de artista y ella se definía como tal. Quería vivir de sus dones profesionales, de su talento. Para dibujar la intendencia es mucho menor que para montar un taller de pintora y los tiempos en los que las mujeres logran tener una habitación propia todavía quedaban lejos. No se ha encontrado ningún escrito que atestigüe su condición de precursora del feminismo. Basta su vida: toda una declaración de intenciones.

Cuando regresó a España, en 1833, comenzó a trabajar como copista en el Museo del Prado aceptando encargos —pinturas alimenticias—. La alta sociedad le pide retratos, el género por el que será más conocida. Realiza figurines de moda en los años veinte y treinta del siglo XIX, un periodo de eclosión de las revistas de esta temática.

Los reconocimientos más importantes de su carrera los recibió en 1840, cuando ingresó en la Academia de San Fernando, y en 1842, al ser nombrada profesora de dibujo de las infantas Luisa Fernanda e Isabel (futura Isabel II); de ambas hay bocetos en la muestra. Para postularse a ese puesto arguye su formación y orgullo profesional.

Los adjetivos delicada, precisa y minuciosa que con frecuencia describen a las mujeres decimonónicas, en esta muestra solo caben para referirse a la obra de Weiss.

Publicado por Rut de las Heras Bretín en EL PAÍS 3 de enero de 2018




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El mundo de Goya y de sus mejores imitadores recala en Girona

La exposición muestra dibujos de Rosario Weiss, supuesta hija ilegítima del pintor y autora de muchas piezas atribuidas al artista de Fuendetodos



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'Retrato de Guillermo Weiss', pintado por Rosario en 1842.

El genio y la fama del pintor Francisco de Paula José Goya (Fuendetodos, 1746-Burdeos, 1828) le granjeó un sinfín de imitadores. Algunos fueron discípulos que, en su propio taller, le ayudaron a realizar alguno de los encargos reales, y otros siguieron la estela de su estilo. La exposición El mundo de Goya, que puede contemplarse en el centro Fontana d'Or de la Fundación Caixa de Girona hasta el 2 de noviembre, constituye un insólito y apasionante viaje que contribuye a delimitar las fronteras creativas del aclamado pintor.

El espectador puede contemplar algunas de las obras maestras de Goya, salidas indiscutiblemente de su propia mano, junto a otras de sus imitadores más notables. La confrontación, como no podía ser de otra forma, se salda siempre del lado de Goya.

"Cuando se pone un cuadro junto a otro, siempre hay uno que sale a flote y otro que se hunde irremisiblemente", explica la comisaria de la exposición, Mercedes Águeda Villar, profesora de la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y especialista en Goya. Águeda ha contribuido con sus investigaciones a arrojar luz en torno al problema de la atribución de las obras a Goya. En los últimos años, algunas piezas han sido descartadas del catálogo o calificadas como dudosas.

La exposición reúne 71 obras entre pinturas, grabados y dibujos; de ellos 5 óleos, 15 litografías o grabados y 4 dibujos son indiscutiblemente creaciones del propio Goya. Se muestran también otras 8 obras cuya atribución resulta más dudosa. La mayoría de las piezas proceden de la Fundación Lázaro Galdiano, cuyo museo ha organizado la exposición, aunque también han cedido piezas varios museos europeos y coleccionistas privados. Galdiano fue un coleccionista de arte de la primera mitad del siglo XX que compró un gran número de goyas, algunos de los cuales resultaron ser imitaciones.

Temáticas goyescas

Cada uno de los siete ámbitos de la exhibición gira en torno una temática goyesca y cuenta con una creación de Goya que permite comparaciones con las imitaciones. Entre estos apartados se encuentran los retratos reales, los niños, las funciones religiosas, la tauromaquia y el lado oscuro, en el que tienen cabida las escenas de brujería o de inquisidores. Mención aparte merece el capítulo dedicado a Rosario Weiss, supuesta hija ilegítima del pintor, de la que se muestran por vez primera al gran público algunas de sus creaciones. A Weiss se le ha atribuido la autoría de muchas obras de Goya. Águeda explica que a menudo se ha hablado de la posibilidad de que realizaran dibujos a medias. "¿Dónde empieza la mano de uno y acaba la del otro?", se pregunta la comisaria de la exposición. Águeda, que pone en duda el supuesto lazo de sangre entre Weiss y Goya, sí destaca que los dibujos firmados por la pintora la muestran como una aplicada copista sin excesiva creatividad, aunque sí con una buena mano para el retrato miniaturista.

La exhibición destaca por su interés en ofrecer un mensaje de carácter científico sobre el pantanoso terreno de las atribuciones de pinturas a Goya. Habría que retroceder hasta los años 1928- 1930 para encontrar una exposición de carácter similar. Sólo en Francia se han celebrado, a muy pequeña escala en las décadas de 1960 y 1970, exposiciones sobre los imitadores del mundo goyesco.

Se calcula que existen en todo el mundo 2.005 obras, entre dibujos, óleos y grabados, que se atribuyen a Goya. El hecho de que llegara a los 80 años con buen pulso y buen ojo permite confirmar que se trata de un autor prolífico. No obstante, existen muchos museos y coleccionistas privados reacios a permitir investigar sus piezas por el temor a que se descubra que no pueden atribuirse a su autor.
La exposición, que se inauguró en el museo de la fundación Lázaro Galdiano de Segovia, en Cataluña sólo podrá verse en Girona.

Este artículo apareció en la edición impresa de EL PAÍS del Martes, 9 de septiembre de 2003



Rosario Weiss, la privilegiada alumna de Goya

La Fundación Lázaro Galdiano certifica y expone 58 dibujos de la ahijada del artista



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Uno de los dibujos de Rosario Weiss que expone la Fundacion Lázaro Galdiano.

Con solo siete años de edad, Rosario Weiss (Madrid, 1814-1843) aprendía a dibujar junto a Francisco de Goya en la casa de Burdeos en la que el artista pasó los últimos años de su vida. Rosario y su hermano Guillermo eran hijos de Leocadia Zorrilla, la bella mujer que convivió con el artista, bajo el papel de ama de llaves, desde 1821 hasta 1828. Primero en la vivienda conocida como La Quinta del Sordo de Madrid y después en Burdeos, a donde se habían trasladado huyendo del absolutismo de Fernando VII. Notable dibujante y litógrafa, a los 10 años fue capaz de reproducir la serie completa de Los Caprichos mostrando una facilidad como copista que luego le serviría para ganarse la vida desde bien jovencita en un mundo dominado por los hombres.

Su obra, poco conocida por el gran público, ha sido muchas veces confundida con la de su maestro y, en opinión de algunos historiadores, su auténtico padre. La Fundación Lázaro Galdiano, poseedora de siete dibujos de Weiss, certifica ahora que otras 51 obras de sus colecciones son también de la ahijada de Goya. Los trabajos de investigación junto a los dibujos y litografías conforman una sorprendente exposición que permanecerá hasta el 29 de junio.

La investigación ha sido realizada por Carlos Sánchez Díez, comisario de la exposición y conservador del Museo a lo largo del pasado año. El experto cuenta que quedó fascinado por Rosario Weiss durante la exposición titulada Goya y lo Goyesco en el Torreón de Lozoya, en 2003. Allí, el historiador Álvarez Lopera hablaba de Rosario en el catálogo editado a propósito de la muestra. “Mi interés fue imparable y ya desde entonces me puse a averiguar más cosas sobre ella, aunque fue el pasado año cuando me pude centrar en su obra”.

Artísticamente, Sánchez Díez asegura que es una muy notable dibujante y litógrafa, “porque aprendió con el mejor” desde muy pequeña. Fue también una excelente copista, habilidad por la que recibía numerosos encargos para reproducir obras maestras del Museo del Prado o de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Morena, menuda y atractiva como la madre, Weiss fue, según Sánchez Díez, una mujer de un fuerte carácter, según ha podido comprobar en numerosos testimonios escritos de la época.

Después de la muerte de Goya, en Burdeos el 16 de abril de 1828, con 85 años y el desalojo inmediato de la casa, ordenado por Manuel, el único hijo y legítimo heredero de Goya que sobrevivió a los ocho que el pintor tuvo con Josefa Bayeu, Rosario Weiss siguió estudiando dibujo en Francia, pero al poco tiempo volvió con su madre a España. Gracias a su talento y carácter, en Madrid se introdujo y se hizo respetar en los círculos artísticos hasta llegar a ser nombrada, en 1842, maestra de dibujo de Isabel II y de su hermana la infanta Luisa Fernanda; un trabajo que, sin embargo disfrutó poco tiempo ya que murió al año siguiente de una enfermedad intestinal, con solo 28 años.
Pero la parte más morbosa del personaje es, sin duda, su auténtica vinculación a Goya. ¿Fue o no una hija tardía del maestro de Fuendetodos? “Nada se puede afirmar rotundamente”, responde Sánchez Díez. Lo que se sabe es que la madre de Rosario había estado casada con Isidoro Weiss, un hombre muy rico y de gran peso social. El matrimonio tuvo tres hijos y se acabaron separando después de que el marido la denunciara por adulterio en 1814. Él se quedó con uno de los hijos y ella con dos.

Solo un año después, Leocadia entra a trabajar como ama de llaves en casa de Goya. “Eso está documentado”, advierte el historiador, “pero también es posible que el artista y su ama de llaves se conocieran desde mucho antes y que Rosario, la menor de los tres hermanos, fuera descendiente de Goya. Pero, insisto en que todo son suposiciones. Lógicas, pero sin papeles que lo corroboren”. Sí que hay, en cambio, abundantes escritos en los que se recoge el amor que Goya sentía por aquella niña. Siempre se refería a ella como "mi Rosario" y dejó constancia en algunas cartas: “Quisiera que usted la tuviera como si fuera hija mía ofreciéndole la recompensa ya con mis obras o con mis averes", le escribe el pintor a Joaquín María Ferrer mientras Juan Antonio Rascón recoge que “empezó a enseñarle el dibujo a los siete años al mismo tiempo que aprendía a escribir, obligándole a copiar principios como el lapicero, le hacía en cuartillas de papel figuritas, grupos y caricaturas de las cosas que podían llamar su atención”.

La exposición está armada sobre esos primeros años de aprendizaje y convivencia entre alumna y maestro. Arranca con sus años de formación junto a Goya en Madrid y en Burdeos, con dibujos de animales y caricaturas, y una versión de un autorretrato; personajes del Liceo Artístico y Literario de Madrid, institución a la que perteneció; dibujos de moda, dibujos para litografías y copias de obras de Goya (Los Caprichos, Autorretrato y Retrato de Maíquez).

Concluye Sánchez Díez que la obra de Rosario Weiss ha visto aumentada su cotización los últimos años y que hay varias instituciones que poseen dibujos entre sus fondos: en el Prado hay un dibujo adquirido recientemente por el Estado y en la Real Academia hay dos pinturas. En la Biblioteca Nacional se conservan un buen número de dibujos y litografías, así como en la biblioteca de la Real Academia Española y en la Hispanic Society de Nueva York.

Este artículo apareció en la edición impresa de EL PAÍS del 15 de mayo de 2015



Las restricciones a las mujeres

Durante el siglo XIX las restricciones para convertirse en artista eran tantas que la primera batalla era tratar de conseguir cierta libertad, como hizo Rosario Weiss


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'Adrienne Barre', uno de los figurines realizados por Rosario Weiss en los que destaca el vestido y el peinado de moda "a la jirafa".

En la década de 1880, Maria Bashkirtseff, joven artista y escritora rusa, partía hacia París con la intención de formarse como pintora, misión nada sencilla para las mujeres entonces. Las alumnas llegaban de todas partes a la capital francesa para concentrarse en los estudios más famosos, entre ellos el de Rodolphe Julian, del cual habla Bashkirtseff. La exclusión de las mujeres en las Academias potenciaba cierta nueva industria muy rentable: los profesores aparecían una vez por semana, daban sus opiniones apresuradas y el aprendizaje resultaba complicado por la multitud de personas reunidas en el mismo cuarto; sólo las privilegiadas podían recibir clases particulares.

La imposibilidad de una formación sólida no era un tema baladí. Frente a los géneros mejor considerados, pintura religiosa, de historia o retratos, el mundo de las aspirantes a pintoras de finales del XIX —y hasta entrado del XX— se circunscribía a lo que las artistas veían, incluso en el caso de pintoras tan radicales como las impresionistas. Era lo cotidiano, las cosas pequeñas, lo que conformaba el universo de su mirada. ¿Cómo alcanzar el éxito pintando flores y frutas o, a lo más, una anciana cosiendo, una madre con su hijo? La propia Bashkirtseff escribía en su diario anticipándose a Virginia Woolf: “Lo que envidio es la libertad de pasear sola, de ir y venir, de sentarse en los bancos de las Tullerías. Esa es la libertad sin la cual no es posible convertirse en artista”.

En efecto, durante el siglo XIX las restricciones para convertirse en artista o escritora eran tantas que la primera batalla era tratar de conseguir cierta dosis de libertad, como hicieron algunas creadoras de aquel momento, entre ellas Rosario Weiss, una de las pocas artistas ligadas a la Academia cuya obra ha sobrevivido.

Muchas lo intentaron; pocas lo consiguieron, atrapadas en su mundo de bodegones y menudencias; de cuadros mal pintados, al margen del canon. Queda sólo ahora por plantear una pregunta incómoda y esencial para el arte hecho por mujeres, en particular en el XIX: quién establece el canon y desde dónde. Tal vez ha llegado el momento de volver a mirar esa pintura “mal pintada” que conforma el relato visual del XIX y tratar de revisarla sin restricciones del canon.

Este artículo titulado "Mal pintado" de Estrella de Diego apareció en la edición impresa de EL PAÍS del 20 de enero de 2018
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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