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Normas de la Secci�n 
En esta sección sólo se permiten exposiciones de Pintores Españoles. La forma de abrir una exposición es el autor con su fotografía y su biografía y los cuadros de la exposición con un tamaño no superior a los 800 píxeles.


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VELÁZQUEZ (Diego Rodríguez De Silva Y Velázquez)
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Post Re: VELÁZQUEZ 
 
Jonathan Brown vuelve al Prado, donde impartirá su tercera cátedra



"Con Velázquez nunca lo has descubierto todo"
    

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El hispanista Jonathan Brown, en la sala Velázquez del Museo del Prado

La sala XII del Museo del Prado es, desde 1899, el espacio central de la obra de Velázquez, la dedicada a su producción como retratista de la familia de Felipe IV. Las meninas, flanqueadas por los retratos del cardenal-infante Fernando de Austria y El príncipe Baltasar Carlos, cazador, componen un frente ante el que Jonathan Brown (Springfield, Massachusetts, 1939) evoca el paraíso. Era solo un estudiante cuando en 1958 se puso por primera vez frente a Las meninas y ya nada volvió a ser igual para él. Hispanista especializado en la pintura del Siglo de Oro español, ha investigado la obra de Zurbarán, Ribera, Murillo y, sobre todo, Velázquez, el genio absoluto.

Desde aquella primera visita, ha acumulado miles de horas contemplando a los grandes maestros del Prado, la mejor pinacoteca de arte antiguo del mundo, asegura sin dudar. Ahora, vuelve a recorrer las remozadas salas pintadas de verde con la misma emoción de entonces. Profesor en Princeton, acaba de recibir el premio Bernardo de Gálvez por su difusión de la cultura española en el mundo y prepara la tercera cátedra del Museo del Prado que impartirá entre mayo y octubre de 2012.


"Para mí, el arte acaba en Goya. Lo demás no existe", dice el hispanista

En cuanto vislumbra Las meninas, Brown acelera el paso que hasta ese momento había sido cansino. Se le ha pedido que elija su obra favorita para las fotografías y mientras musita "¡Qué parada!", decide posar ante el retrato del príncipe Baltasar Carlos a caballo. "Los niños de Velázquez son sublimes", comenta el hispanista. Después se parará también ante Baltasar Carlos cazador. Ante la visita guiada de un grupo que contempla la obra del pintor sevillano, Jonathan Brown recuerda que en su primer recorrido no había nadie en las salas del museo. "Entré solo y seguí solo en el recorrido. Así fue en muchas de las visitas que hice en aquellos años. Nadie venía al museo".

Sigue sin poder describir la emoción que sintió ante los cuadros. Estaba ya interesado en Velázquez. Tenía el museo en su imaginación: "Viví un amor a primera vista. Un flechazo". Así sigue siendo, pese a las incontables veces que ha vuelto a plantarse en las salas del museo. "Con Velázquez nunca te vas sintiendo que lo ha descubierto todo. Su misterio es infinito. Sabes que siempre verás algo más. Es, como decía Manet, el pintor de los pintores porque siempre tiene algo más que mostrarte".

Su mejor hora para visitar este y otros museos es el mediodía, durante la hora del almuerzo. "Es un tiempo perfecto. Yo lo hacía al principio y lo sigo haciendo siempre que puedo", cuenta Brown. Es una manera de esquivar los grupos que hacen "que se sienta uno dentro del metro". Pese a ello, no es contrario a las grandes exposiciones (él mismo ha comisariado varias) "siempre que aporten algo al conocimiento de un artista y no sean un puro espectáculo".


Está a favor de las grandes muestras siempre que no sean puro espectáculo

Brown habla con escepticismo de las atribuciones más o menos recientes a Velázquez: La educación de la Virgen encontrada en Yale o el retrato de un personaje anónimo descubierto recientemente en Londres. "Cada cierto tiempo se produce una oleada de descubrimientos. Hay que investigar mucho para pronunciarse. Tampoco descarto que haya obras de Velázquez por descubrir". Cuando se le piden nombres de la comunidad científica que merezcan su respeto ante estos asuntos, mantiene un largo silencio que interrumpe para recordar al profesor español Diego Angulo (Valverde del Camino, 1901-Sevilla, 1986), del que aprendió mucho y le impac-tó por su sabiduría.

Mantiene Jonathan Brown que las polémicas y discrepancias han existido siempre. Y con gran rapidez señala el retrato de la infanta doña Margarita de Austria que ahora cuelga sobre la cartela de Juan Bautista Martínez del Mazo, pero que hubo etapas en las que se le atribuyó a Velázquez. "Siempre supe que no era de Velázquez", explica comparando esta tela con el retrato de la reina Mariana de Austria, firmado sin reservas por el pintor sevillano. "El secreto está en la pincelada. Nadie la ha hecho nunca como él".

Agradece a Felipe IV, "ese mal gobernante pero gran coleccionista", el ser el responsable de una sala que considera un grandioso templo de la pintura. De ese coleccionismo real hablará en la cátedra del Prado bajo el título de La pintura del Siglo de Oro. Perspectivas personales.

Y el arte contemporáneo, ¿le interesa? "Para mí, el arte acaba en Goya. Lo demás no existe".



elpais.com
 




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Last edited by j.luis on Wednesday, 15 October 2014, 11:09; edited 1 time in total 
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La última biografía sobre el pintor sevillano



Velázquez, el niño genio




Bartolomé Bennassar arroja luz sobre los años sevillanos de Diego Velázquez

La biografía clarifica la formación del niño y su vocación por la pintura

'Los padres quizás quisieron, dado sus dotes, darle una educación esmerada'

Su entrada en el taller de Pacheco fue 'la elección fundamental de su vida'

El primer trabajo pictórico de Velázquez: un bodegón en un lienzo de Pacheco

'Velázquez. Vida' conjuga la abundante documentación y el pulso literario




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'Retrato de un joven', de Velázquez, en los talleres del Metropolitan de Nueva York . | A. Franco

¿Qué se sabe de los años sevillanos de Velázquez? ¿Cómo fue su infancia? ¿Cuándo descubrió el niño su enorme talento para la pintura? La familia, ¿era de origen hidalgo o fue una invención del pintor para la concesión del hábito de la Orden de Santiago en los años finales de su vida? Si su pincelada se conoce al milímetro, si se ha rastreado cada detalle de los lienzos, si se ha discutido la carga simbólica de sus cuadros, poco se sabe realmente de su vida... Velázquez es, todavía hoy, un enigma.

A todos estos interrogantes se asoma el hispanista Bartolomé Bennassar (Nimes, 1929) en la biografía 'Velázquez. Vida', publicada por Cátedra. En un texto que combina la abundante documentación y el buen pulso narrativo, Bennassar hace oídos sordos a la advertencia de José Camón Aznar, uno de los grandes expertos en el pintor: "Nada podemos referir, porque nada le pasó".

Aquí Bennassar propone plausibles hipótesis sobre la infancia y juventud de Velázquez en la Sevilla del siglo XVII, desde su bautizo en la iglesia de San Pedro "en domingo seis días del mes de junio de mil y quinientos y noventa y nueve años", según reza la partida de bautismo del pintor, hasta su marcha definitiva a Madrid, con 24 años. "Es razonable imaginar que Diego viviera una infancia tranquila, teniendo como probable compañero de juegos a su hermano Juan, que sólo tenía diecinueve meses menos que él".
La educación del niño Diego

Posteriormente, Bennassar plantea el asunto de la educación del niño y su paso o no por una escuela, que de producirse habría sido con toda probabilidad el colegio de los jesuitas de San Hermenegildo, institución que recibía una asignación anual del Ayuntamiento de Sevilla a cambio de admitir a los hijos de los vecinos de la ciudad que desearan estudiar gramática (básicamente, latín). Bartolomé Bennassar cree poco probable que así sucediera y, a lo sumo, el niño sólo estudió allí un año.

Eso sí, Bennassar añade sobre la formación de Velázquez: "Los padres de Diego deseaban quizá dar a su hijo mayor una educación esmerada, puesto que manifestaba evidentes dotes intelectuales. Sin embargo, su condición social limitaba sus ambiciones. Diego tuvo que aprender con su padre a leer, a escribir y a contar, y fue sin duda su padre quien le enseñó caligrafía, arte del que se sirvió con frecuencia en sus lienzos".

El autor de Velázquez. Vida también aborda su temprana vocación por la pintura. "Nos queda por decir -explica- que desde los años de su infancia el joven Diego demostró una verdadera pasión por el dibujo e hizo gala de un auténtico talento para este arte". Bennassar recuerda cómo Antonio Palomino, el primer biógrafo de Velázquez, anotó que "el muchacho utilizaba los cartapacios de dibujo y los cuadernos de la escuela para hacer borradores de sus ideas".
La pasión por la pintura

Al parecer -relata Bartolomé Bennassar-, era tal la pasión del niño por la pintura que ingresa en el taller de Herrera el Viejo "sin firmar contrato, pues Diego no tenía más que diez años y se trataba una prueba". Pero pronto dejaría al autor de 'La apoteosis de San Hermenegildo' debido a "su carácter insoportable" para ingresar en el taller de Francisco Pacheco, sin duda "el momento decisivo de la vida de Velázquez", tal como sostiene Jonathan Brown.

La casa y el taller de Pacheco –"la cárcel dorada del arte, academia y escuela de los mejores espíritus de Sevilla", según Antonio Palomino– fueron "el lugar privilegiado de la formación intelectual de Velázquez". Bennassar subraya la trascendencia de esta elección a las claras en su biografía: "Fue sin duda el mejor maestro que podía esperar (...) Pacheco le enseñó las técnicas y los recursos que debía conocer y le dejó plena libertad para seguir su camino".

En este punto, Bennassar sitúa el primer trabajo de Velázquez en el lienzo 'Cristo servido por los ángeles en el desierto' que Pacheco pintó para el convento de San Clemente de Sevilla. En esta tela de grandes dimensiones, hoy en el Museo Goya de Castres (Francia), están representados algunos objetos domésticos –un pan de una libra, un cántaro de barro, la aceitera...– que pudieron ser ejecutados por Velázquez cuando tenía diecisiete años. Si es así, este trabajo supuso la culminación de su aprendizaje y el primer paso para la inmortalidad.


elmundo.es
 




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El Prado acoge el retrato del misterioso soldado de ‘Las lanzas’


La pintura, préstamo del Metropolitan de Nueva York, se puede visitar en la pinacoteca hasta finales de enero



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'Retrato de caballero', de Diego Velázquez. / The Metropolitan Museum of Art

Decía el hispanista norteamericano Jonathan Brown que si Velázquez se hubiera atrevido a autorretratarse como uno de los caballeros de la corte del Rey Felipe IV en el cuadro que pintó el artista, Las lanzas, le hubieran dado el billete de vuelta a Sevilla inmediatamente. Tanto es así que la convicción que existía hasta principios del siglo XX de que el soldado anónimo que aparece en el extremo derecho de la pintura era el retrato del pintor sevillano se descartó.

Las semejanzas entre aquel misterioso soldado de la Corte, y el busto que cuelga desde hoy en la pared adyacente a la de Las Lanzas, en la sala 9 del Museo del Prado, son más que evidentes. Retrato de Caballero, la obra que fue atribuida a Diego Velázquez en 2009 tras su restauración, ha viajado desde el Metropolitan Museum of Art de Nueva York para rencontrarse con otras pinturas de su autor, y estará expuesta hasta el próximo 27 de enero. Tras un misterioso anuncio por parte de la pinacoteca de la presentación de una obra “que no se había mostrado nunca antes en España” y sin aportar más datos, se ha presentado esta mañana el busto. “El secretismo tiene un motivo: esta obra tiene un receptor especial, es un homenaje al patrono emérito del museo, Plácido Arango, a quien que se le presentó ayer en un acto muy emotivo y que está dentro del marco del programa expositivo ‘La obra invitada’, de la Fundación Amigos del Museo del Prado”, ha señalado Gabriele Finaldi, director adjunto de Conservación e Investigación del museo. Al final, el secreto no fue tal porque la identidad de la obra la publicó un diario nacional. Tampoco se pudo ver al presidente del patronato en la presentación.

La identidad del modelo sigue siendo una incógnita para investigadores y expertos. Su comparación con el Autorretrato de Valencia y con el que aparece en Las Meninas llevó al hispanista alemán Angus Mayer, fallecido en 1944, a volver sobre la idea de que Retrato de Caballero fuera un autorretrato. Sin embargo, la comparación desvela más diferencias que semejanzas: “Los ojos, la punta de la nariz, o el tono pálido de la tez del misterioso personaje que aparece en La rendición de Breda hacen pensar que se trata de una persona distinta”, observa Keith Christiansen, jefe de Pintura Europea del MET.

Retrato de caballero había pertenecido, desde el siglo XVIII, a colecciones privadas alemanas, hasta que en 1925 o 1926 pasó a manos de Joseph Duveen, el marchante de pintura antigua más importante de su tiempo. Con objeto de facilitar su salida comercial hizo restaurar el cuadro atendiendo a criterios que satisficieran las expectativas del coleccionismo internacional. Esa intervención creó un fondo homogéneo, definió las partes del tronco que estaban simplemente abocetadas, convirtió el cabello en una masa uniforme y, en general, dio lugar a una imagen muy estática, una sensación que el envejecimiento del barniz no hizo sino aumentar.


elpais.com



 

Los amigos del Prado estamos invitados el 23 de Octubre a su presentación en España; veré si mis obligaciones me lo permiten ese día, para asistir a la presentación a puerta cerrada.
 




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Nuevo descubrimiento de un 'velázquez'


Velázquez se reencuentra con ‘El Inquisidor’


Carmen Garrido, conservadora del Prado, sitúa la obra en los primeros años del pintor sevillano

    
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'El inquisidor', de Diego Velázquez. Colección privada.

Diego Velázquez pintó el retrato de Don Sebastián García de la Huerta, secretario del Tribunal de la Inquisición, antes de su primer viaje a Italia, la etapa menos conocida del artista sevillano. El óleo, de 121 por 101 centímetros, pintado hacia 1628, detalladamente documentado, permaneció en manos de los descendientes del retratado hasta 1929, año en el que fue vendido a un anticuario y adquirido por una familia residente en Latinoamérica. Desde entonces, se le había perdido la pista.

Perfectamente conservado y solo necesitado de una limpieza, el descubrimiento ha sido dado hoy a conocer por Carmen Garrido, jefe del Gabinete de Documentación Técnica del Museo del Prado, experta en Velázquez y autora de varias obras sobre el pintor. Garrido detalla su investigación en el último número de la revista Ars Magazine. Un meticuloso análisis técnico realizado en la Pinacoteca Nacional de Munich le sirve a Garrido para celebrar este nuevo descubrimiento en el catálogo del autor de Las Meninas.

Coautora junto a Jonathan Brown de La técnica de un genio, Carmen Garrido no alberga la menor duda de que el caballero de inquietante mirada que fue Sebastián de la Huerta fue pintado por Velázquez. Añade que hubo dos retratos similares inventariados pero que uno desapareció durante la guerra civil española. Este, el que ha sobrevivido, ha permanecido en manos privadas que prefieren permanecer en el más absoluto anonimato y cuyas intenciones de futuro se desconocen.

Garrido relata que su primer contacto con el cuadro fue a petición de la familia propietaria por lo que viajó a Munich, ciudad en la que permanece el cuadro en estos momentos. “Necesitábamos pruebas técnicas, pero en cuanto vi la obra supe que había salido de la paleta de Velázquez. Sus trazos son inconfundibles. Con una pincelada marca el horizonte, pero resuelve las cabezas y, sobre todo, las manos, con unos cuantos brochazos. De lejos, la representación es compacta. De cerca, las formas se diluyen de la misma manera que ocurre con los impresionistas”.

¿Por qué no recurrió al Prado, museo en el que trabaja desde hace 35 años?. “Porque así lo prefirió la familia y porque en Madrid el proceso podría eternizarse”, explica la experta. “Este estudio lo he realizado en mis días libres y fines de semana. Es un homenaje que Velázquez me dedica cuando estoy a punto de concluir mi vida laboral en el museo”.

Sobre el precio que la obra podría alcanzar en una subasta, Garrido es cauta. Solo recuerda que la anterior obra del pintor, también un retrato, fue adjudicada en 3,5 millones de euros“.


elpais.com
 




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La cita anual de Maaastricht abre mañana sus puertas. Considerada la feria más relevante del mercado de antigüedades, ofrerecerá un Vélázquez valorado en 14 millones de dólares y un Brueghel el Viejo, oculto durante cuatro siglos, además de una exposición de dibujos y pinturas sobre Van Gogh.


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"Retrato de un caballero de busto, con una túnica negra y una golilla blanca", Diego de Velázquez

El ojo de halcón es símbolo de agudeza y precisión, pero sobre todo de caza, el instrumento perfecto para seleccionar y acosar a la presa. No es gratuito que la feria de antigüedades más consolidada del mundo, TEFAF , que se lleva celebrando en Maastricht desde hace veintiséis años, haya renovado el halcón que utiliza como logo, una modernización que mantiene, sin embargo, la misma esencia, encontrar, seleccionar y exhibir las mejores piezas de arte de todas las épocas para los ávidos coleccionistas que vayan un año más a buscar nuevas presas.

Entre los lienzos más destacados se exhibirá un fascinante retrato de Velázquez (1599-1660), titulado Retrato de un caballero -de busto, con una túnica negra y una golilla blanca, que estará a la venta en la feria por un precio de 14 millones de dólares, ofrecido por  el marchante neoyorkino Otto Naumann, Ltd y La Crucifixión, de Jan Brueghel el Viejo, una obra maestra que sale al mercado de la mano de De Jonckheere por primera vez en cuatro siglos, ya que ha sido propiedad de una familia de la nobleza italiana desde que el holandés lo terminara en 1594.


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La Crucifixión, de Jan Brueghel el Viejo

TEFAF selecciona a las mejores galerías agrupadas en nueve secciones: Antigüedades, Clásica, Moderna, Pintura, Alta Joyería, Manuscritos, Diseño, Fotografía y Dibujos y Nuevas Galerías, y examina la piezas con minuciosa precisión, vuelve uun año más con el atractivo añadido de una selección de 15 dibujos de Van Gogh poco conocidos que muestran la evolución del genial pintor impresionista.

Situada en la sección de Fotografía y Dibujos, la obra de Van Gogh, cedida por el Museo de Ámsterdam, incluye trabajos de todas sus épocas y será presentada cronológicamente: desde sus ambiciosas recreaciones del Hague, cuando su interés se centraba en paisajes y figuras; los trazos más impresionistas de su etapa en Nuenen; sus acuarelas de la época de París; los dibujos a lápiz rojo de Arlés y a todo color de los jardines del hospital Saint Paul en Saint-Rémy, hasta sus últimos paisajes de Auvers, muy similares ya a su estilo pictórico impresionista.

Además de Velázquez y Brueghel el Viejo brillarán también una excepcional pintura de Egon Schiele (1890-1918) titulada Mother and Child I (The Burnt–Out Mother) 1909-1911, que se presenta por primera vez en el mercado desde 1953 y  una obra de Roy Lichtenstein (1923-1997), The Den.


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Autoretratos de París, Vincent van Gogh.

En escultura, una obra de 2010-2012 de Jeff Koons (nacido en 1955) de acero inoxidable, pulido espejo, con un revestimiento azul transparente y plantas vivas en flor, mientras que la Robert Bowman Gallery de Londres ofrecerá una selección de piezas de Auguste Rodin y Ossip Zadkine. Entre algunas de las joyas y curiosidades artísticas que saldrán este año llama la atención también una pieza de Fabergé que encierra en sus entrañas la historia de un intento de asesinato contra el zar Nicolás II de Rusia que pondrá a la venta la galería Wartski de Londres por una suma, que, de momento, solo se sabe, que alcanzará las seis cifras.

Según las crónicas, durante un acto ceremonial en 1906, la artillería rusa disparó unas salvas que supuestamente contenían pólvora para la detonación, pero no metralla, excepto uno de los cañones que disparó la carga a los pies del Zar. El gran duque Nicolás Nicholáievitch, que estaba a su lado, recogió los restos, y encargó a Carl Fabergé en San Petersburgo que fabricase un sello de oro con parte de la metralla para regalársela al Zar como recuerdo de lo que se consideró un accidente y que pudo ser un atentado. La feria se celebrara en un renovado espacio creado para la ocasión en el MEEC (Centro de Exposiciones y Congresos de Maastricht) del 15 al 24 de marzo.

Julio MARTÍN ALARCÓN / elmundo.es
 




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Próxima exposición en el Museo del Prado del 8 de octubre de 2013 al 9 de febrero de 2014


Velázquez y la familia de Felipe IV



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Felipe IV. Hacia 1653. Óleo sobre lienzo, 69,3 cm x 56,5 cm. Museo del Prado. Autor: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez.

A través de unas treinta obras, la exposición Velázquez y la familia de Felipe IV mostrará el desarrollo del retrato cortesano de Velázquez desde su segundo viaje a Roma en 1649 hasta su muerte en Madrid en 1660, una época que vio crear algunas de las pinturas más importantes de la historia de este género, como Las meninas.

Además de 14 obras realizadas por el propio Velázquez, la exposición incluirá algunos de los retratos que se hicieron en el entorno de este pintor, con objeto de profundizar en el estudio de la compleja casuística de la creación de la imagen real.

Igualmente, en la muestra se rastreará el desarrollo del retrato cortesano español tras la muerte de Velázquez, cuando artistas como Mazo o Carreño reelaboraron las propuestas de este maestro y en sus representaciones de Margarita de Austria, Mariana de Austria o Carlos II supieron hacer una contribución original al género...

Más info



 

Aunque ya conocido el contenido por los habituales, sin duda la muestra será interesante, además traen algunas obras interesante de otros museos. Este año el Prado ha reducido su presupuesto y a falta de exposiciones de relumbrón en colaboración con otros museos, que suelen ser muy costosas, está tirando de su colección.
 




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Velázquez en el Prado, el regreso


- La gran exposición de la temporada en la pinacoteca albergará los últimos retratos del pintor en la corte de Felipe IV

- El museo exhibirá obras nunca vistas en España




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La infanta Margarita, en traje rosa, de Velázquez, actualmente en Viena, volverá al Prado

Cuando los responsables del Prado anunciaron en mayo sus previsiones de perder un cuarto de visitantes este año para a continuación explicar que el programa expositivo hasta diciembre podría corregir la tendencia, hubo quien imaginó que la muestra del Velázquez tardío prevista para otoño sería, dado el bestial recorte presupuestario de un 30%, poco más que una decente huida hacia delante: un gran nombre capaz de atraer a miles de visitantes, una recolocación de los fondos fabulosos de la pinacoteca… y a otra cosa. Nada más lejos de la realidad. Si bien la muestra de aire exquisito Velázquez y la familia de Felipe IV,formada por 30 piezas y comisariada por Javier Portús, no será un exhaustivo repaso a la trayectoria del pintor (al estilo de la histórica exposición de 1990 que batió todas las marcas), sí aspira a convertirse desde el 8 de octubre en todo un acontecimiento científico y artístico.

“Nos permitirá llenar dos de las lagunas fundamentales sobre la obra del pintor en las colecciones reales”, explica Portús, Jefe de Departamento de Pintura Española. “La de los retratos de la corte papal realizados en Roma y la proliferación de figuras femeninas e infantiles en su producción cortesana de la última década”.

Como sobresalientes ejemplos de la primera categoría se juntarán de modo excepcional cuatro en una misma sala: la versión del Inocencio X que Velázquez se trajo a Madrid y regresa a España por primera vez desde su salida durante la Guerra de la Independencia con destino final en la colección del Duque de Wellington, dos retratos cardenalicios provenientes del pequeño museo británico de Kingston Lacy y de la Hispanic Society de Nueva York y el Ferdinando Brandani adquirido por la pinacoteca madrileña en 2003. A la cita faltarán las representaciones de Inocencio X (Palazzo Doria-Pamphilj, en Roma) y de Juan de Pareja (Metropolitan), ambos de poco menos que imposible préstamo. Con todo, lo expuesto será suficiente para observar la transformación que el pintor sufrió en Roma: su acercamiento “más carnal” —menos distante, menos español— al retrato.

Entre los pertenecientes a la segunda categoría de reinas, infantas y príncipes de escasa suerte destaca el lote de cinco cuadros (cuatro velázquez y un mazo) que llegarán del Museo de Historia del Arte de Viena, cuyos fondos habsbúrguicos se cuentan entre los mejores del mundo. La lista está formada por los retratos de las infantas María Teresa y Margarita y Felipe Próspero, el sucesor más esperado, adornado al óleo por toda clase de amuletos que de poco sirvieron: la pobre criatura murió a los tres años.

El conjunto nunca se ha visto en su integridad en la casa de Velázquez en Madrid. El interés, completado por las representaciones de la reina Mariana de Austria, va más allá de que puedan contemplarse como planetas en torno al gran sol de Las Meninas, obra cumbre alrededor de la que en el fondo gravita toda la muestra. Para el comisario Portús también supone la entrada de nuevos modos en la obra del pintor: las telas y sus matices invaden los retratos y pasan a primer plano detalles como floreros, relojes, adornos capilares de mariposas o mascotas. Además, sirve de demostración de que el arte siempre acaba siendo un espejo de las convulsiones políticas de su tiempo, en este caso, el de una corona en sus horas más bajas: en desesperada búsqueda de un heredero, que llegaría con Carlos II, en continuo baile dinástico, en bancarrota y en guerra contra Portugal y Francia.


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La infanta Margarita Teresa con vestido azul por Velázquez, 1659 (Kunsthistorisches Museum de Viena). Otra obra que volverá al Prado para la exposición.

Es en 1650, en medio de este torbellino, donde arranca nuestra historia, con Velázquez (1599-1660) embarcado en grandes empresas en Roma: nada menos que ejercer de retratista por excelencia de la corte papal. Felipe IV, a quien le unía una de esas relaciones largas y, por tanto, resabiadas (“me ha engañado mil veces”, escribiría el monarca a Luisa Magdalena de Jesús), se había casado el año anterior con Mariana de Austria. Y por mucho que eso fuera contra los planes del pintor sevillano, su labor era tras la llegada de la nueva reina más necesaria que nunca en la corte. “Lo que hizo a su vuelta de Madrid no supone una continuación de su arte, sino más bien la culminación: en esta época cada obra suya se cuenta por una obra maestra”, recuerda Portús, que añade: “Había mucha demanda de retratos reales. Velázquez tenía el monopolio sobre ese trabajo, era un pintor que no pintaba mucho y además tenía que atender su puesto de aposentador. Eso dio como resultado una gran producción de su taller”.

La muestra, además de dedicar una parte importante al influjo del maestro muerto en sus discípulos y continuadores (Juan Carreño de Miranda y Juan Bautista Martínez del Mazo, quienes mantuvieron con “vida propia” el retrato real), permitirá comparaciones provechosas que quizá disipen ciertas dudas: vendrán las famosas Meninas de Dorset, copia que algún crítico aún atribuye al sevillano. También, la Infanta Margarita del Louvre.


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La Infanta Margarita del Louvre. Obra dudosa atribuida a Velázquez

Capaz de deslumbrar a Manet y Renoir (quien exclamó: “La pequeña cinta rosa de la infanta Margarita, ¡toda la pintura está en ella!”), se intercambió en su día con Francia y acabó rebajada en su atribución por ser considerada de taller. Pese a que el museo francés aún quiere ver una gran porción del pincel velazqueño en ella, Portús no solo no alberga sospechas, sino que cree que la posibilidad que ofrecerá la muestra de ver la pieza en su contexto será definitiva “tanto para especialistas como para aficionados”. Lo mismo sucederá, opina, al comparar la Infanta Margarita en traje azul (de Velázquez, sin duda) con la vestida de rosa (que hay quien aún considera que se desatribuyó incorrectamente para acabar en el terreno de Mazo).

Para los amantes de la contabilidad, solo queda saber si la exposición conseguirá atraer visitantes al Prado. Para Georgina Adam, editora de The Art Newspaper y columnista de Financial Times, Velázquez es uno de esos artistas cuya mera mención “conjura a las masas”, aunque la cosa se trate de una exposición recoleta. Miguel Zugaza, director de la pinacoteca, opina por su parte que “una muestra con un 20% de la producción de Velázquez es un acontecimiento en sí misma, sobre todo si tenemos en cuenta el fantástico acuerdo con Viena”. “Dicho lo cual”, añade, “nosotros no estamos en ese campeonato de cifras de visitantes. La realidad no nos lo permite”.


elpais.com
 




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Díaz Padrón afirma que las ‘Meninas de Dorset’ son obra de Velázquez y no la copia de un discípulo


- Matías Díaz Padrón lo ha afirmado esta mañana en un acto celebrado en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
- El cuadro forma parte de la exposición sobre el pintor organizada por el Prado.
- Javier Portús, conservador del museo, niega la hipótesis




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Las Meninas de Dorset. Matías Díaz Padrón lo ha afirmado que las ‘Meninas de Dorset’ son obra de Velázquez y no la copia de un discípulo.

“Las Meninas que hoy están en Kingston Lacy son de la mano de Velázquez. Y son las primeras”, ha sentenciado Matías Díaz Padrón esta mañana en un acto celebrado en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. El objetivo era presentar “un avance parcial de una larga y meticulosa investigación” que se publicará en 2014 y pretende cambiar la atribución de las célebres Meninas de Dorset, consideradas por la práctica totalidad de la comunidad científica como una copia efectuada por Martínez del Mazo, yerno del sevillano. Según el Conservador, jubilado del Museo del Prado, el cuadro, incluido en la exposición Velázquez y la familia de Felipe IV, que se podrá visitar en la pinacoteca desde la semana próxima, se trata en realidad de un “boceto o modeletto”, obra del propio pintor realizada antes de entregar el resultado final.

No es la primera vez que el estudioso defiende esa tesis, como él mismo se ha encargado de recordar. Ya lo hizo en 1997 en el diario El Mundo, así como en sendos congresos, de 2003 y 2008. El eco era hoy, sin embargo, distinto, dada la proximidad con la inauguración del Prado y el hecho de que la obra cuelgue ya en Madrid, en las salas de la ampliación de Moneo dedicadas a las exposiciones temporales. No es solo la primera vez que la pieza vuelve a España, sino también una oportunidad inédita para contemplar las dos Meninas conjuntamente.

El original no estará en los espacios dedicados la muestra, pero los visitantes podrán encaminarse a la sala 12 de la pinacoteca, hábitat natural de la obra maestra de Velázquez, y juzgar por sí mismos. “Tanto para los especialistas como para los no expertos un simple vistazo será suficiente”, explicó hace un par de semanas a este diario Javier Portús, conservador jefe de Pintura Española del Prado y comisario de la exposición. “No hay ninguna duda: las Meninas de Dorset no son de Velázquez”. La pinacoteca ha insistido hoy en no entrar en polémicas, puesto que, consideran sus responsables, no es tarea suya afirmar o negar la atribución de un cuadro ajeno.

David Taylor, Conservador de Pintura y Escultura del National Trust, propietario del museo Kingston Lacy y por tanto de las Meninas de Dorset, ha declarado a EL PAÍS: “Nuestras Meninas son un cuadro fascinante y enigmático, así como uno de los más importantes entre la colección de pintura española del National Trust. La autoría de la pieza ha suscitado muchos debates a lo largo de los años y una reatribución potencial sería de gran interés. Esperamos poder conocer cuanto antes los resultados de la investigación hecha pública hoy”.

En el avance presentado esta mañana, Díaz Padrón ha esgrimido razones sobre todo históricas para rebatir a estudiosos como Jonathan Brown y Enriqueta Harris, como el hecho de que Goya, Ceán Bermúdez o Jovellanos consideraran el lienzo como un boceto del propio Velázquez. También ha ofrecido justificaciones económicas —el cuadro en liza cambió de manos por un precio “demasiado alto para ser una mera copia del discípulo”— y otras que ha calificado de puro “rigor intelectual”: si en las Meninas de Dorset no aparecen los reyes en el espejo es porque se trata de un boceto y no de una copia. “Una copia fehaciente no olvidaría nunca el mínimo detalle y, mucho menos, a los Reyes, que son símbolo de todo”. Los expertos que consideran la obra como de Mazo achacan estos fallos a un "quiero y no puedo" del pintor, incapaz de emular la pincelada, genial sin esfuerzo, de Velázquez.

El conservador no ha aportado estudios físico-químicos (“un artista no es un pigmento, no es un aglutinador, no es un color”, ha aclarado), ni tampoco radiografías comparativas.

Para cuando Díaz Padrón ha empezado a leer su disertación, la sala, abarrotada por unas trescientas personas que siguieron un acto de resonancias sociales conducido con notable entusiasmo por la presentadora de la televisión Minerva Piquero y auspiciado por la Fundación Juan de Goyeneche, ya se habían prodigado adjetivos como “histórico”, “feliz” o “importante” por parte de los integrantes de la mesa: Antonio Bonet Correa, director de la Academia de San Fernando, Cristina Ordovás Gómez-Jordana, condesa de Ruiz de Castilla y presidenta de la fundación, y Raúl Rispa, editor de Documenta Arts, que definió el trabajo del autor del estudio como a contracorriente de la “opinión establecida y de los burócratas de la cultura”, ante una audiencia que incluyó al parlamentario Toni Cantó y al escritor Javier Sierra, autor del best-seller de intriga artística El maestro del Prado.


elpais.com



 

La autoría de 'Las Meninas de Dorset' ha suscitado muchos debates a lo largo de los años, ahora Díaz Padrón gran especialista del pintor sevillano, ha afirmado que son obra de Diego Velázquez y no la copia de un discípulo, como se pensaba hasta ahora, no obstante otros especialistas afirman lo contrario, así que ya tenemos otra polémica sobre obras atribuidas a grandes maestros.
 




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Exposición en el Museo del Prado 'Velázquez y la familia de Felipe IV'
    
Del 8 de octubre de 2013 al 9 de febrero de 2014. Edificio Jerónimos. Sala C

Comisario: Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700)




El retrato, un género de masas en el que reina Velázquez


La fascinación por contemplar a protagonistas de la historia arrastra aún más con el sevillano


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Si hubiera que establecer una clasificación entre los géneros pictóricos capaces de lograr grandes convocatorias de público, el retrato sería, sin duda, el elegido. También es un género al que muy pocos artistas se han podido resistir a lo largo de su carrera. El propio Museo del Prado cuenta entre sus grandes éxitos recientes con una excepcional exposición dedicada al género. Fue El retrato español. Del Greco a Picasso, exhibida entre el 20 de octubre y el 6 de febrero de 2005 con 87 obras entre las que se expusieron cuadros de los grandes maestros de la historia como El Greco, Ribera, Murillo, Zurbarán, Velázquez, Goya, Miró y Picasso. Lo mejor de lo mejor en una muestra en la que —entonces sí— Las Meninas se movieron de su emplazamiento habitual para ser incluidas en la exposición; algo que no sucedía desde 1990, cuando la histórica antológica dedicada al pintor. La vieron nada menos que 346.206 personas.

Unos años después, en 2008, la pinacoteca retomó el tema centrándose en el Renacimiento. Con 130 cuadros de Jan van Eyck, Rubens, Piero della Francesca, Durero, Tiziano, Rafael, Botticelli o Antonio Moro, el director Miguel Zugaza aseguró que nunca antes había habido tantas obras maestras dentro de una misma exposición en ningún otro momento de la historia del museo. 277.353 visitaron la exposición.

La exposición que ahora dedica el Prado —del 8 de octubre al 9 de febrero de 2014— a los últimos años de actividad creativa de Velázquez al servicio de Felipe IV, años de insuperable talento en los que crea Las Meninas, tiene todas las cartas para convertirse en un nuevo acontecimiento de masas en el museo.

En la sede del papado se buscaba en los retratos transmitir la sensación de vida

Javier Portús, comisario de esta exposición y de la de El retrato español, opina que al espectador le fascina contemplar a los protagonistas de la historia y las historias que cada uno se esos cuadros arrastra, más aún en el caso de Velázquez, un pintor ensalzado permanentemente por los artistas. "No puedo asegurar que fuera el mejor retratista de la historia", advierte Portús, "porque Rembrandt era contemporáneo suyo y nadie puede discutir su maestría. Pero Velázquez sí es de los primeros en reinterpretar y tomar conciencia de la importancia del retrato".

El comisario recuerda que Velázquez tenía una gran habilidad para adaptar su estilo a medios diferentes. La había demostrado en 1623, cuando se incorporó a la tradición retratista cortesana, y lo demostró en su viaje a Roma, olvidándose de las fórmulas imperantes en Madrid y adoptando las convenciones de la corte papal. Frente a la gran distancia emocional que define los retratos cortesanos españoles, en la sede del papado se busca transmitir la sensación de vida y reflejar la personalidad individual, mediante fórmulas que enfatizan la empatía.

"Cuando él va a Roma", prosigue Portús, "ya ha pintado La fragua de Vulcano. Quiero decir que ha superado lo que se puede contar con la pintura narrativa y nadie tiene nada que discutir. Él quiere más. Quiere poder y en ese momento se trata de conseguir el hábito de Santiago, el reconocimiento máximo al que podía aspirar. En este reto consigo mismo pinta Inocencio X, un retrato en el que refleja la ansiedad del pontífice y que rompe todos los esquemas existentes hasta entonces en la escritura pictórica. Con la familia de Felipe IV cuenta la peripecia vital de un grupo que pese a su poder no es dueño de su futuro. La amenaza de la descendencia y la presencia de la enfermedad perturban esos rostros representativos del poder más absoluto".


Aburrimiento

Rechaza Portús la extendida versión de que Velázquez se aburría pintando y resolvía los cuadros de cualquier manera. "Era muy rápido y preciso y le aburría la repetición. En solo tres días podía pintar una obra maestra, como Felipe IV en Fraga. También podía entregarse al detalle hasta la exageración (los diferentes blancos del pañuelo de Mariana de Austria, la mirada de la perrilla que acompaña a Felipe Próspero...), pero es verdad que con tres trazos pintaba una mano".

El comisario de la muestra opina que Picasso es el heredero de Velázquez en el retrato

Velázquez esquivaba el aburrimiento que le producía la repetición de retratos con la ayuda de su taller, a los que pasaba unos calcos. "La corte exigía muchísimos retratos y siempre eran los mismos personajes. El Greco o Tintoretto usaban unos teatrillos con los que se evitaban el tener que volver a trabajar ante el retratado. A Velázquez le daba mucha pereza sentarse, no digamos repetir".

Lo que no le daba ninguna pereza era la experimentación. Portús señala como obra cumbre de ese afán a Las Meninas y advierte de que no es una pintura histórica, sino un enorme retrato real de una sofisticación superlativa. "En esa época, solo las obras de creación literaria con un contenido tan autorreferencial como El Quijote ofrecían un juego semejante", asegura Portús.

¿Quienes serían los herederos de ese genio para el retrato? "Podría decirse que Picasso, con su versión de Las Meninas. Pero creo que los auténticos herederos del retratismo velazqueño son los artistas que han incorporado a su obra la voluntad de reflexionar y experimentar con la obra de arte. Eso es lo esencial".



El retrato cortesano del último Velázquez


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La inquietante mirada del papa Inocencio X recibe al visitante de la exposición que entre el 8 de octubre y el 9 de febrero de 2014 reúne en el Museo del Prado una treintena de obras bajo el título 'Velázquez y la familia de Felipe IV', centrada en los retratos cortesanos del artista sevillano.


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La copia que Martínez del Mazo, yerno de Velázquez, hizo de la obra cumbre del genio, se ha visto salpicada por una polémica días antes de la inauguración. El exconservador del museo Matías Díaz Padrón presentó un estudio que considera que estas 'Meninas' son también un 'velázquez'.  


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Entre las joyas de la muestra, este retrato de 'La infanta María Teresa', un pequeño óleo (34x40 centímetros) procedente del Metropolitan de Nueva York. En el catálogo se explica que el adorno del pelo en forma de mariposas de la luz es una metáfora del estilo del pintor, en proceso de trasformación.


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La última sala de la exposición recoge las obras de los sucesores de Velázquez en el retrato cortesano. Tras el fallecimiento repentino, en 1660, del pintor de la corte de Felipe IV, Juan Bautista Martínez del Mazo, yerno del autor de 'Las hilanderas', y Juan Carreño de Miranda siguieron su huella.


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En 1659, meses antes de su deceso, pintó Velázquez al príncipe 'Felipe Próspero', el hijo de Felipe IV llamado a suceder al rey pero que murió con solo cuatro años, dos después de ser retratado. Los amuletos que cuelgan de su vestido eran para protegerlo del mal de ojo que pudiera acechar al heredero.


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La muestra formada por 30 piezas no es un repaso a la trayectoria del pintor sino que llena dos lagunas de la colección del Prado: la de los retratos de la corte papal y la de figuras femeninas e infantiles de la última década.


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La reina Mariana de Austria, habitualmente retratada con todo el boato y ostentación cortesano, figura aquí, viuda, envejecida y triste en un óleo de 1666 de Juan Bautista Martínez del Mazo. Ahora era regente, con 31 años y madre de un niño débil y enfermizo.


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Preparativos de la que será la gran cita con el arte en el Museo del Prado este otoño. En ella se puede apreciar cómo el pintor transformó su estilo en Roma, con un tipo de retrato más cercano al retratado.


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La exposición ha traído la mayoría de las piezas de otros museos, con algunos cuadros que jamás habían sido expuestos en España, como el que se ve a la derecha, 'La infanta Margarita, en traje rosa', que ha viajado desde Viena.


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La imagen final muestra a algunos de los personajes que conoció Velázquez en la corte de Felipe IV y con los que convivió durante décadas: los hijos de los Reyes. El pintor nunca dejó testimonio de qué sentimientos tenía hacia ellos.


Fuentes: elprado.es / elpais.com / Gorka Lejarcegi / Manuel Morales





 

Seguro que la exposición del Museo del Prado 'Velázquez y la familia de Felipe IV' no defradaurá a los aficionados a la pintura, espero poder verla en unos días, Velázquez es una garantía.
 




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Durante 2014



El arte español lidera las exposiciones de Viena


El público austríaco podrá contemplar obras célebres como 'La Venus del espejo', de Velázquez, o 'La liebre', de Durero



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'La Venus del espejo', de Velázquez.

Del renacentista Alberto Durero y su célebre obra maestra 'La Liebre' al surrealista Joan Miró, pasando por la maestría en el uso de la luz de Diego Velázquez y Claude Monet, en 2014 aguardan en Viena algunos de los mejores artistas de la historia.

La gran retrospectiva sobre Velázquez (1599-1660) que el Museo de Bellas Artes de Viena acogerá a partir de octubre está llamada a ser una de las citas imprescindibles del año, con obras llegadas del Museo del Prado, el Metropolitan de Nueva York, la National Gallery de Londres y el Instituto de Bellas Artes de Chicago.

"Esta es la mayor retrospectiva de Velázquez que se haya hecho nunca en Europa Central", explica a Efe Nina Auinger-Sutterlüty, portavoz de la pinacoteca. "Se expondrán tanto los retratos de los infantes que ya tenemos en el museo como otros cuadros de paisajes y motivos históricos o mitológicos", añade.

Así, el público vienés podrá contemplar por primera vez obras tan célebres como 'La Venus del espejo', 'La fragua de Vulcano' y la 'Adoración de los reyes'.

Otra de las atracciones importantes que deparará este 2014 en la capital austríaca tendrá lugar en el museo Albertina, que desde el 14 de marzo y hasta finales de junio expondrá por primera vez en diez años el original de 'La Liebre' de Durero (1471-1528).


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Imagen del 'La liebre', del artista Alberto Durero.

Los visitantes tendrán la oportunidad de comprobar si pueden ver al pintor alemán reflejado en el ojo derecho del animal -tal como dice la leyenda- gracias a la exposición 'De Durero a Goya', que reúne más de 200 obras de gran valor de artistas tan reconocidos como Miguel Ángel, Rembrandt y Peter Paul Rubens.

La galería Albertina cuenta con la mayor colección mundial de artes gráficas, con cerca de un millón de grabados y decenas de miles de dibujos, incluida la obra maestra de Durero, cuyo original se expone en raras ocasiones por razones de conservación.

La pintura española estará presente en la capital austríaca durante todo el año y con numerosos exponentes, incluido el surrealista Joan Miró (1893-1983), cuyos trabajos podrán visitarse en el Albertina a partir de septiembre.

La ligereza 'naïf' del artista catalán inundará Viena a través de un centenar de pinturas, dibujos y esculturas que el museo vienés exhibirá hasta enero de 2015.

Por otro lado, el museo Belvedere y el Kunst Forum dedicarán parte de su programación anual al impresionismo y posimpresionismo francés, con sendas exposiciones sobre Claude Monet (1840-1926) y Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901).

Ambas muestras se inaugurarán el próximo otoño: La de Monet se centrará en una selección de obras que el genio impresionista expuso en el Pabellón de la Secesión de Viena a principios de siglo XX, mientras que el Kunstforum realizará una revisión del trabajo del cartelista francés Toulouse-Lautrec por el 150 aniversario de su nacimiento.

Fotografía

También la fotografía ocupará un lugar importante en la vida cultural vienesa del año que ahora empieza, con una interesante exposición que el Kunstforum abrirá a partir de mayo descubriendo una de las facetas más desconocidas del director de cine Stanley Kubrick (1928-1999).

Esa galería presentará una colección de las fotografías que el creador de '2001' o 'La naranja mecánica' realizó para la revista norteamericana 'Look' entre 1945 y 1950, retratando la vida que llevaban boxeadores, limpiabotas o la alta sociedad neoyorquina de la época.

También en mayo se inaugurará la exposición de instantáneas 'Blow-up', en el Albertina, dedicada a la película de culto que Michelangelo Antonioni filmó en 1966. La muestra transportará al visitante al Londres de los años sesenta, con obras enmarcadas en el movimiento pop-art y el reportaje social.

Y para los viajeros más curiosos, el Künstlerhaus inaugurará el próximo 22 de enero la exhibición 'Common Ground', que descubrirá los secretos que esconde un país tan hermético como Corea del Norte. La exposición de fotografías se basa en el resultado de los seis viajes que ha realizado el italiano Luca Faccio (Génova, 1969) a la península de Corea en los últimos años, y que ayudará al espectador a entender cómo es la vida a ambos lados del Paralelo 38.

Arte austríaco

Por supuesto, también el arte austríaco tendrá su espacio en los museos y galerías de la ciudad, que los visitantes podrán disfrutar a través de exposiciones como 'Línea y forma', que reunirá un centenar de dibujos de artistas como Gustav Klimt, Alfred Kubin y Egon Schiele en el museo Leopold a partir de mayo.

Completan la programación vienesa las numerosas exposiciones dedicadas al centenario del comienzo de la I Guerra Mundial, un conflicto traumático para la ciudad porque hizo saltar por los aires el Imperio Austro-Húngaro.


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La fragua de Vulcano, de Velázquez.


elmundo.es / EFE Viena
 




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La recuperación de un Velázquez, su último acto como mecenas


El Centro Botín, construido por Renzo Piano, su proyecto más querido, abrirá en 2015

  

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Botín, en la presentación del cuadro en EE UU. / UNIVERSIDAD DE YALE

A las 11 de la mañana de hoy, miércoles (por ayer), Emilio Botín iba a protagonizar uno de los actos culturales más importantes de la temporada: la presentación de la restauración de La educación de la Virgen, obra atribuida a Velázquez en 2010, un lienzo temprano del artista sevillano fechado en 1617 y descubierto de manera casual en los sótanos de la Universidad de Yale, en Estados Unidos, por John Marciari, comisario de pintura española e italiana en el Museo de Arte de San Diego. Sucio y con roturas, ha sido restaurado por Ian Macclure y Carmen Albendea. Ambos expertos iban a acompañar al presidente del Santander en un acto que ahora ha sido aplazado indefinidamente.

El escenario previsto para mostrar el nuevo aspecto del cuadro era la gran sala de exposiciones temporales de la Ciudad Financiera en Boadilla del Monte, justo debajo del despacho en el que trabajaba Emilio el banquero. Allí iba a permanecer expuesto al público hasta el 8 de octubre y después viajaría a Sevilla para formar parte desde el 14 del mismo mes de una exposición en el convento de Santa Clara, organizada por el Ayuntamiento. Concluida esa exposición, la obra que Velázquez pintó con solo 18 años, volverá a lo que ya será su domicilio permanente, la Universidad de Yale.
más información

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La recuperación de este cuadro esencial para entender la forma de trabajar de Velázquez en sus primeros años no es, ni mucho menos, una excepción en la actuación como mecenas del Banco de Santander. A través de la Fundación del Banco, la programación de exposiciones ha sido incesante durante las últimas décadas. En sus sedes se ha podido ver a los artistas contemporáneos más interesantes y las colecciones privadas internacionales más relevantes. Por citar algunos ejemplos, baste recordad las dedicadas a Daumier o Gutiérrez Solana o las colecciones privadas de Sandretto Re Rebaudengo, la Rubell Family, Daros Latinoamérica o la Cranffordt.

Pero puede que su mayor implicación personal hacia el mundo de la cultura se haya producido en su cantabria natal a través de la Fundación Botin, entidad estrictamente familiar fundada por su tío Marcelino hace medio siglo y presidida por él desde hace veinte años.

En Cantabria deja inconcluso su proyecto más querido: el Centro Botín. Diseñado por el arquitecto genovés Renzo Piano, un edificio de 6.500 metros protagonizado por la luz y el agua, proyectado para acoger a 140.000 visitantes solo en su primer año, que según lo previsto será 2015.

Iíñigo Saínz de Miera, director del centro desde hace 5 años, explica que el proyecto nace para convertirse en una referencia mundial para el mundo artístico y educativo. “La programación artística va a ser de primer nivel”, anuncia Sainz de Miera. “Al frente de las exposiciones está Vicente Todolí (ex director de la Tate Modern) con un equipo asesor de primer orden. no habrá nada que envidiar a ningún otro museo nacional o internacional. Quiero añadir que las ayudas científicas y el Programa de Inteligencia Emocional creado para los colegios, ocupaban el mismo lugar prioritario entre sus intereses”.


elpais.com
 




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Sevilla consagra ‘La educación de la Virgen’ como el primer Velázquez


El Espacio Santa Clara dedica una exposición científica y un congreso a la obra



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En la imagen 'La educacion de la Virgen ' de Velazquez y 'La sagrada familia' de Luis Tristán. / Paco Puentes

Pocas noticias han tenido tanto impacto en el mundo del arte como el descubrimiento de La educación de la Virgen, una obra temprana de Velázquez, pintada en Sevilla hacia 1617 cuando el autor de Las meninas contaba con solo 17 años. Dañada, quemada en parte y víctima de restauraciones criminales, fue el conservador e historiador John Marciari quien en 2010 dio a conocer al mundo su descubrimiento en la revista especializada Ars Magazine. Desde este miércoles y hasta el 15 de enero, el público puede contemplar en el Espacio Santa Clara de Sevilla el impactante resultado de la restauración y las conclusiones de las investigaciones científicas que se han realizado en Yale. Esta misma tarde comienza simposio internacional en el que participan 29 expertos mundiales en el maestro.

Benito Navarrete, comisario de la exposición, ha reconstruido el viaje de la obra desde su descubrimiento en Yale hasta su restauración y exposición. Frente a ella ha colocado tres piezas esenciales para entender la obra: La educación de la Virgen, de Juan de Roelas (1612), La Sagrada Familia, de Luis Tristán (1603) y La imposición de la Casulla a San Ildefonso, de Velázquez (hacia 1622).

A modo de antesala, sobre un gran panel gris, se reproducen algunos de los muchos titulares de prensa de medios internacionales y nacionales que abordaron el descubrimiento y sus consecuencias.

Ya al comienzo de la sala, se ha recreado el lugar en el que la obra fue encontrada por Marciari en Yale y un texto suyo en el que se puede leer: “La primera vez que vi la pintura fue en 2003. Inmediatamente pensé. Esta es una gran obra, pero ¿de quién? Estaba catalogada simplemente como Escuela Española. Me planteé varias hipótesis hasta que un día, quizás tres o cuatro meses después, de repente me golpeó. Esto es un velázquez de la primera época. Me dije a mí mismo que estaba loco, tarado, demente. No parecía posible que Yale hubiera tenido un velázquez durante ochenta años sin que nadie hubiera reparado en él. No podía ser… Inmediatamente después, me di cuenta de lo difícil que iba a ser probarlo”.

No se equivocaba el conservador de pintura italiana y española del museo de San Diego. Lo primero era restaurar la obra en la medida de lo posible. A la pintura le faltaban 25 centímetros en la parte superior, tres centímetros en la inferior y una cantidad sin determinar de los bordes. Limpiezas a base de lejía y sosa y el efecto del agua y el fuego habían producido daños tremendos.

Durante dos largos años y con la financiación del Banco de Santander, el equipo formado por Ian McClure y Carmen Albendea, junto a los restauradores de la Universidad de Yale se han ocupado de recobrar el aspecto original de la obra sin traicionar al artista. Para ello, han renunciado a reconstruir las partes perdidas y, gracias a los resultados de las radiografías y reflectografías infrarrojas han descubierto no solo el original, sino también cómo pintaba Velázquez cuando acometió La educación de la Virgen.

McClure y Albendea llaman la atención sobre los trazos gruesos de los dibujos originales con los que perfilaba las partes esenciales, el toque blanco con el que remataba una parte del rostro o el respaldo de la silla. Insisten en que han evitado, en la medida de lo posible, las reintegraciones, descubriendo las partes y pigmentos originales de la obra, que coinciden con la técnica del joven Velázquez en sus años sevillanos.

¿Qué vemos ahora que Marciari no pudo apreciar cuando la descubrió? Los restauradores señalan el bodegón a la izquierda de la composición y la vasija que lo preside, el respaldo de la silla o la calidad de la madera de la mesa.

El comisario añade que se desvelan detalles que hacen imposible dudar de que se trata de un Velázquez. Desconoce si se trata o no de un trabajo de encargo, aunque se inclina por definirlo como un ejercicio de experimentación del joven pintor. No alberga ninguna duda. “Más que insistir en mi tesis, he querido realizar una muestra científica con detalles técnicos, la historia del cuadro, su descubrimiento y la comparación con otras obras de su tiempo”.


Jonathan Brown, la nota discordante

Si el resultado de la restauración de La educación de la Virgen había levantado expectativas, no le va a la zaga la curiosidad con la que la comunidad científica va a seguir el simposio sobre la autoría de Velázquez. 29 especialistas del maestro sevillano procedentes de todo el mundo debatirán desde hoy y durante tres días en las salas de Santa Clara.

En la sesión inaugural se leerá la intervención más polémica del encuentro, la de Jonathan Brown, quien por razones de salud ha excusado su asistencia. Experto en Velázquez, su texto puede ser un jarro de agua fría para algunos, en especial para John Marciari, el descubridor de la pintura y encargado de cerrar el simposio. Brown califica de desmañada pintura La educación de la Virgen y asegura que la atribución se basa exclusivamente en evidencias circunstanciales, ante todo comparaciones estilísticas y datos técnicos tan difíciles de entender como superficiales. Y acaba recordando que en las controversias sobre atribuciones, los elementos técnicos sólo conforman otra manera de probar la autoría, ni más ni menos concluyente que el “juicio del ojo”. Un método complementario, pues, que tampoco está en posesión de la verdad.<NO1>El debate promete ser intenso y abordará todo lo referente a Velázquez su tiempo, su cultura, los círculos intelectuales que frecuentó y, por supuesto, su obra y su técnica pictórica.



elpais.com
 




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Genuflexión francesa ante Velázquez


El Grand Palais presenta la mayor exposición monográfica del artista en 25 años



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'Venus del espejo', de Velázquez. Óleo sobre lienzo, 122 × 177 cm. National Gallery de Londres, Londres, Reino Unido.

Decía Manet que descubrir a Velázquez, "pintor de los pintores", ya justificaba por sí solo un viaje a Madrid. Los franceses tendrán, a partir del próximo miércoles, un motivo menos para traspasar la frontera. Una gran exposición sobre el pintor sevillano abrirá entonces sus puertas en el Grand Palais de París, donde quedará expuesta hasta el 13 de julio. Los Reyes inaugurarán oficialmente la muestra este martes, durante su visita de Estado a la capital francesa. Pero en los pasillos todavía silenciosos del Grand Palais, donde un equipo colgaba el viernes por la noche los últimos paneles y cartelas, ya relucen las 51 obras atribuidas a Velázquez que ha logrado concentrar el joven comisario Guillaume Kientz.

Este conservador del departamento pictórico del Louvre se enfrenta, con solo 34 años, al reto de orquestar la mayor monográfica que se recuerde desde la que organizaron conjuntamente el Prado y el Metropolitan Museum en 1989. Por lo menos, así es cuando se atiende al número y la envergadura de los préstamos recibidos, llegados de colecciones públicas y privadas de Londres, Florencia, Berlín, Roma, Viena, Budapest, San Petersburgo, Dublín, Dresden, Nueva York, Boston o Washington, a veces sorteando múltiples obstáculos.

Pensada con didactismo para un público internacional y no necesariamente familiarizado con su obra, la muestra revisa cronológicamente la totalidad de la trayectoria de Velázquez. Se adentra en su etapa sevillana antes de inspeccionar la influencia del caravaggismo y el naturalismo de escenas taberneras -como La mulata o Tres músicos- y de centrarse en sus días en corte de Felipe IV, a la que accedió en el otoño de 1623. Además, da cuenta de sus dos viajes a Italia y del regreso a una corte reconfigurada tras las segundas nupcias del monarca. A lo largo del camino, despuntará la subjetividad del pintor, que logra emerger por encima de las rígidas convenciones que imponía el retrato de la realeza. Lo demuestra su semblanza de Pablo de Valladolid sobre un fondo casi abstracto, a la que ahora se suma otra del inquisidor Sebastián de la Huerta, perteneciente a una colección privada y "casi nunca visto en público", según el comisario. Sobresale también el legendario enigma que envuelve a muchos de sus lienzos, sintetizado por el reflejo borroso de su Venus del espejo, que ha cedido para la ocasión la National Gallery de Londres. "Con Velázquez nunca te marchas sintiendo que lo has descubierto todo. Su misterio es infinito. Sabes que siempre lograrás ver algo más", expresa el hispanista Jonathan Brown, considerado el mayor experto en el pintor.
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Del medio centenar de obras recibidas, 18 proceden de museos españoles. El Museo del Prado ha cedido siete lienzos -el máximo fijado por sus estrictas reglas de préstamo, sobre su fondo de 49 obras-, entre ellos La fragua de Vulcano y el Retrato del Príncipe Baltasar Carlos a caballo. Patrimonio Nacional ha cedido dos: La túnica de José, que suele lucir en El Escorial, y el Caballo blanco de la colección del Palacio Real, lienzo inacabado que pudo servir de modelo para los retratos ecuestres que preparaba su taller.


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Una visitante ante el Retrato de Felipe IV, de Velázquez.

El Hospital de los Venerables de Sevilla ha cedido dos obras, a cambio de un cuadro de Murillo que el Louvre le prestará en 2016. Por su parte, el Museo de Orihuela, pese a sus reservas, acabó aceptando prestar La Tentación de Santo Tomás, ante la reconocida insistencia del comisario, también a cambio de una obra de Philippe de Champaigne. Además, el Palazzo Doria-Pamphilj de Roma ha mandado su Retrato de Inocencio X, imponente figura que fascinaba a Francis Bacon por la brutalidad de su rictus, que habría disgustado al mismo Papa al descubrir su reflejo pictórico. Partiendo de una tesis novedosa, el comisario toma el partido de exponerlo junto a un modelo atribuido al taller del pintor, que para Kientz sería un estudio previo pintado el propio Velázquez, pese a las opiniones divergentes de otros expertos.

La necesidad de acudir a préstamos extranjeros se explica por la escasa presencia de Velázquez en las pinacotecas autóctonas. Había una docena en la colección de Luis Felipe, último monarca de los franceses, pero fue subastada tras su reinado hacia 1850 y diseminada por todo el planeta. A día de hoy, el Louvre solo cuenta con un retrato de Felipe IV, depositado en un museo de arte hispánico de Castres y ahora presente en la exposición. Solo existen dos lienzos más en territorio francés, uno en Orleans y el otro en Rouen. "Durante los siglos XVII y XVII, Velázquez solo fue conocido y apreciado en España", ha justificado el conservador jefe del Prado, Javier Portús, a Le Monde. "El conocimiento y el gusto por el artista en el extranjero no fue posible hasta el siglo XIX, cuando abre el Prado y su obra es más difundida, mientras ciertas corrientes reivindican los valores naturalistas y anticlásicos que defendía".

Proust lo citó repetidamente en las páginas de En busca del tiempo perdido y Godard le dedicó una secuencia en Pierrot le fou, aquella donde Jean-Paul Belmondo leía en la bañera un ensayo sobre el pintor, recordando "el mundo triste en que vivió, poblado por un rey degenerado, infantes enfermos, idiotas, enanos y payasos monstruosos vestidos de príncipe". Pero la mayoría de franceses siguen estando, según el comisario, poco familiarizados con su obra. "Es interesante subrayar hasta qué punto el nombre de Velázquez es a la vez ilustre e incomprendido", apunta Kientz en el catálogo. "Mientras Velázquez nunca fue olvidado en España, sí fue desconocido durante mucho tiempo en Francia, o más bien mal conocido".

La muestra pretende reparar esa injusticia respecto a un hombre que tampoco fue apreciado por su tiempo a causa de la extraña cualidad de sus obras. "A sus contemporáneos les parecía que no estaban acabadas de pintar, y a ello se debe que no fuese en su tiempo popular", escribió en su día Ortega y Gasset. "Había hecho el descubrimiento más impopular: que la realidad se diferencia del mito en que no está nunca acabada".


Las grandes obras del maestro sevillano


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'Felipe IV', de Diego Velázquez, (69 x 56 centímetros) ca. 1654. Museo del Prado


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'La reina doña Mariana de Austria', Velázquez, (231 x 131 centímetros) (1652). Museo del Prado


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'La infanta Margarita, en traje azul', de Velázquez (ca. 1659) 126 x 106 centímetros. Viena, Kunsthistorisches Museum Wien, Gemäldegalerie


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'La infanta Margarita, en traje rosa', Velázquez. (128,5 x 100 centímetros), (ca. 1654). Viena, Kunsthistorisches Museum Wien, Gemäldegalerie


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'La infanta Margarita, en traje blanco', de Velázquez. (105 x 88 centímetros), (1656). Viena, Kunsthistorisches Museum Wien, Gemäldegalerie


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'Felipe Próspero' de Velázquez. (128,5 x 99,5 centímetros) (ca. 1659). Viena, Kunsthistorisches Museum Wien, Gemäldegalerie


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'La familia del pintor', de Juan Bautista Martínez del Mazo. (149,5 x 174,5 centímetros), (1664-1665). Viena, Kunsthistorisches Museum Wien, Gemäldegalerie


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'Carlos II, como gran maestre de la orden del Toisón de Oro', de Juan Carreño de Miranda. (216 x 140 centímetros), (1677). Rohrau, Graf Harrach'sche Familiensammlung, Schloss Rohrau


elpais.com
 




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CÓMIC / Premio Nacional



Velázquez en el espejo


'Las meninas', creación de Santiago García y Javier Olivares, colaborador de EL MUNDO, aborda desde una nueva visión la obra del pintor español



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Las meninas (Ed. Astiberri, 2014) es la novela gráfica que dibuja a Diego Velázquez, el artista incrustado en su cuadro. Bajo el título de la obra más extendida, reconocida y misteriosa de cuantas creó, Velázquez vuelve a retratarse, pero esta vez se deja hacer: como en una expiación del artista frente al hombre, dejando escapar luz sobre la biografía detrás del cuadro.

La novela gráfica toma cuerpo en 192 páginas, una especie de cómic y manual de Historia del Arte que sigue la senda hasta Las meninas a través de la vida de Velázquez, de su influencia. Un reto que asumieron hace seis años el guionista y traductor Santiago García y Javier Olivares, dibujante y colaborador de este diario, y que vio la luz en 2014.

Ahora, el Ministerio de Cultura reconoce su trabajo con el Premio Nacional del Cómic, dotado con 20.000 euros. Para el jurado, Las meninas, es «una obra que asume un riesgo en la estructura narrativa y en el planteamiento gráfico que se resuelve con brillantez», y que constituye «un buen acercamiento a la figura de Velázquez, su época y su influencia en otros artistas». Objetivo cumplido.

Dejando atrás todo eso, Santiago García y Javier Olivares, con una extensa trayectoria a sus espaldas, reconocen que el galardón no les ha pillado desprevenidos. «Bueno, en abril ganamos en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona el premio a la mejor obra nacional. Te imaginas o piensas que estás entonces entre los candidatos al del Ministerio, era una pista», asume García. «Desde que se lanzó, ha tenido muy buena acogida, ha sido un año de buenas críticas y algo te puedes llegar a imaginar, la verdad es que estamos muy contentos», reconoce Olivares. «En realidad», aparece de nuevo el guionista, «el éxito es llegar al lector, hacer una tercera edición o que se traduzca en Francia y exista un proyecto para llevarlo a Estados Unidos. Ahí está el verdadero premio».

«Vivimos un auge de la novela gráfica en españa, una dinámica positiva con muchos autores buenos»

Queda atrás un proceso de reflexión, largo, reposado, en el que Santiago García buscó refugio en su producción, separándose de Javier Olivares una vez lanzada la idea. «Procrastinando un poco», ataja García. «En realidad, es un proyecto largo, he necesitado documentarme, dar vueltas a muchas cosas antes de que Javier pudiera comenzar a dibujar. A partir de ahí, la resolución fue más rápida, antes estuvimos madurando durante cinco años la idea». Olivares, que desarrolló una investigación intensa para concretar el trazo, cuenta que no veían «claro presentar el trabajo directamente a un concurso. Tenía más sentido hacerlo con una editorial y decidimos tomarnos un tiempo. Las meninas se publicó hace un año y todavía seguimos hablando de él. Con el premio será todavía más intenso, el empujón definitivo», subraya.

La idea de acercarse a Velázquez es de Santiago García. Antes ya habían colaborado juntos para dar forma y recrear «en tres o cuatro páginas» a personalidades como Picasso u obras como el Coloso de Goya. Las meninas es un paso más. «No se trata de resumir la vida de Velázquez, más bien pretendemos explicar cómo una obra maestra se convierte en obra maestra, qué va sucediendo para que esto sea así», explica el guionista. «Tiene una explicación, y a mí, que vengo de estudiar Historia del Arte, me interesa mucho». El ilustrador prefiere detenerse en la biografía. «Podemos observar la vida de Velázquez, que no se conoce nada, al contrario que su obra. Fue un hombre muy misterioso. Este material, un auténtico filón, nos llamó la atención».

¿Y por qué en una novela gráfica? «En realidad es un cómic, y dentro del cómic, una novela gráfica. No sé si tiene ventaja o no para contar las cosas, es como quien escribe prosa o hace cine, pero sí tiene muchas virtudes. Sorprende de una forma que no lo hace una novela y atrae a gente que no es lectora habitual de cómics. Ofrece algo que no se esperan y eso ya es una victoria», replica García. «Estamos viviendo un auge de este formato, los españoles estamos ganando premios internacionales, nos publican en otros países y con este premio podemos mostrar esa dinámica positiva. Dar a conocer los muchos autores buenos que hay de cómics».

«Hemos intentado hacer un buen trabajo, exprimir el medio» Así como la pintura habla de sí misma, este libro lo hace de su formato», recuerda Javier Olivares. «Una forma de aportar», continúa, «nuestro granito de arena a la novela gráfica, que está descubriendo ahora nuevos caminos. La verdad es que me lo he pasado fenomenal», remata el ilustrador.


elmundo.es



 

Una buena idea, dar a conecer a los niños y jóvenes, a través del cómic a Velázquez, el mejor pintor español y 'Las Meninas' su obra más emblemática.
 




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Descubrimiento en el Museo Bellas Artes de Sevilla




¿Del almacén del Bellas Artes a 'velázquez'?


El cuadro, expuesto en este momento, se guardaba en los almacenes del museo.
  
El conservador de pintura española del Louvre Guillaume Kientz adjudica a Velázquez un 'San Francisco de Asís' hasta ahora atribuido a Pacheco.




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El 'San Francisco de Asís con el crucifijo', expuesto en la exposición de Pacheco.

¿Tiene el Museo de Bellas Artes de Sevilla un 'nuevo' velázquez? Pues, sí. Al menos, así lo sostiene el conservador de pintura española del Louvre Guillaume Kientz, quien acaba de atribuir al pintor sevillano el lienzo 'San Francisco de Asís con el crucifijo' que se exhibe, tras someterse a una intensa restauración, como obra de Francisco Pacheco en la muestra que la pinacoteca sevillana dedica estos días al maestro y suegro de Velázquez.

Kientz, comisario de la retrospectiva que el Louvre dedicó al pintor sevillano en 2015, defiende en un artículo publicado en el portal especializado 'La Tribune del Art' la autoría velazqueña del San Francisco, lienzo que se guardaba en los almacenes del Museo al no formar parte de su colección permanente. En opinión del experto, que visitó días atrás la capital hispalense para ver in situ la tela, se trataría de una obra juvenil de Velázquez, realizada en torno a 1615, cuando el artista tenía dieciséis años.

Guillaume Kientz no está solo. Benito Navarrete coincide plenamente con él. «Se trata, sin duda, de un velázquez juvenil», señala el profesor de la Universidad de Alcalá. Navarrete, quien ha realizado importantes aportaciones para conocer la etapa sevillana del pintor, asegura que el San Francisco «saca a la luz la enorme importancia que tiene el magisterio de Pacheco sobre Velázquez, a menudo poco valorado».

En este punto, Kientz argumenta, con rotundidad, que el lienzo en cuestión «está más allá de las habilidades» de Pacheco, aunque es «innegable» su influencia. «El San Francisco del Museo de Bellas Artes de Sevilla refleja, como ninguna otra obra antes, la lección que el joven pintor sacó de las enseñanzas de su maestro, aunque también la independencia que mostró pronto en la realización de sus primeras pinceladas», añade.

El conservador del Louvre vincula el lienzo sevillano con otros primeros trabajos de Velázquez, especialmente con el Santo Tomás (1618-20) del Museo de Orleans, donde el experto halla similitudes en la ejecución de los contornos, el diseño del paisaje y los pliegues rotundos de los ropajes. También Kientz señala las semejanzas de la expresión facial del San Francisco con la del San Juan en Patmos (1619-20), de la National Gallery de Londres.

El experto concluye en su texto que el 'San Francisco de Asís con el crucifijo', restaurado con motivo de la exposición Francisco Pacheco: Teórico, artista, maestro, «revela ahora toda su fuerza y calidad, más allá de las habilidades -y los medios- de Francisco Pacheco». Pese a la rotundidad de su exposición, Kientz reconoce que «la aportación de un nuevo trabajo para el catálogo -tan reducido- de un artista como Velázquez nunca es una cosa ligera ni sin consecuencias».

En este punto, Kientz reconoce la importancia para dar a conocer este hallazgo de la rehabilitación llevada a cabo en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Además, cita las aportaciones del conservador Ignacio Hermoso y la directora de la pinacoteca, Valme Muñoz. Ambos apuntan en el catálogo de la exposición de Francisco Pacheco que el lienzo «tiene una fuerza expresiva inusual» en la producción del maestro de Velázquez. Pero no se atraven a dar un paso más: el cambio en la atribución de la tela.

En el artículo Francisco Pacheco: Teoría y práctica, Valme Muñoz llama la atención, por ejemplo, sobre «unos perfiles claros que evocan los estudiados en Velázquez» y «un trabajo mucho más elaborado en las pinceladas, particularmente en rostros y manos», si bien, acaso por prudencia, apunta a la autoría de Pacheco, quien ejecutaría el San Francisco bajo la influencia de los más aventajados discípulos de su taller.

«Pacheco, que convivió en su taller con figuras tan brillantes como Velázquez y Alonso Cano a las que tuvo la generosidad de demostrar su admiración no sólo en sus escritos, sino también quizá aprendiendo de ellos, como pondría de manifiesto el monumental San Francisco con el crucifijo, posible fruto de la enriquecedora experiencia compartida en el taller», señala la directora del Museo de Bellas Artes, centro que sólo posee dos obras del pintor: el retrato del clérigo Cristóbal Suárez de Ribera y una Cabeza de apóstol depositada por el Prado.

Por su parte, el conservador Ignacio Hermoso, que sitúa la procedencia del lienzo en el convento franciscano de Santa María de los Ángeles de Alcalá de Guadaíra, señala que «en la producción de Francisco Pacheco no son habituales las figuras de santos representados de manera aislada en lienzos de este formato, ya que generalmente las que se conocen son pequeñas imágenes sobre tablas insertas en retablos».

«Especialmente significativa es la cabeza -apunta Hermoso-, con la que el artista logra transmitir la espiritualidad del santo de Asís. Frente al resto de la figura, en la que la austeridad del hábito franciscano obliga al pintor a un tratamiento austero del color (...) El rostro, y también las manos, están modelados con firmes pinceladas que definen sin dureza los matices de la piel y crean con habilidad los volúmenes, sugeridos por las luces y sombras».


Un legado con sorpresas

Todo lo que ocurre alrededor del legado de Velázquez produce un terremoto de consecuencias impredecibles en el mundo del arte. De ahí que la propuesta de Guillaume Kientz sea el punto de partida para abrir un debate científico -otro más- sobre la etapa sevillana del pintor, que ha deparado grandes sorpresas en los últimos años. Así ha ocurrido con la Inmaculada de la Fundación Focus-Abengoa, «certificada» ya por el Museo del Prado como obra del sevillano, y La educación de la Virgen de Yale, cuya autoría está más en cuestión, con partidarios (Peter Cherry y Xavier Salomon, entre ellos) y detractores (Javier Portús y Jonathan Brown).


elmundo.es
 




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'De Caravaggio a Bernini', el esplendor del Seicento italiano en el Palacio Real de Madrid


Maestros italianos y españoles italianizados



- Patrimonio Nacional exhibe 72 obras maestras barrocas en Madrid hasta octubre

- La exposición recoge joyas como Salomé con cabeza del Bautista, de Caravaggio

- Una escultura única de Bernini y La túnica de San José, de Velázquez, piezas clave




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'Salomé con la cabeza del Bautista', de Caravaggio.


La muestra De Caravaggio a Bernini. Obras maestras del Seicento italiano en las Colecciones Reales reúne en las salas de exposiciones temporales del Palacio Real de Madrid 72 piezas entre pinturas y esculturas italianas del siglo XVII. “Italianas” no es exactamente cierto, salvo que se consideren italianos a Velázquez o Ribera, y a Charles le Brun o Fischer von Erlach… y en cierto modo lo son en este contexto y en su condición de viajeros embelesados por la Roma del XVII e influidos por el arte que allí se produjo.


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'La túnica de San José'. c. 1630-34. Obra de Diego Velázquez.

De hecho, una de las joyas de esta extraordinaria exposición compuesta exclusivamente por fondos de Patrimonio Nacional es La túnica de José, de Velázquez (1630-1634), óleo sobre lienzo supuestamente pintado por el maestro sevillano al volver de su primer viaje a Italia. Tanto este velázquez mayúsculo como la mayoría de las aquí expuestas en la sobria y brillante escenografía de Jesús Moreno han experimentado una suerte de renacimiento. Un renacer en forma de restauración que, en el caso concreto de La túnica de José, ha hecho reaparecer el paisaje semioculto y el emocionante contraste de luces y sombras sobre los dos personajes de la izquierda.


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'Cristo crucificado' (h. 1654-1656), de Bernini.

Este conjunto de piezas maestras del XVII abre sus puertas tras un largo, complejo y costoso proceso de restauración y catalogación en el que han tomado parte 46 restauradores y 20 expertos italianos, y que ha arrojado como resultado varias nuevas atribuciones.


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'Lot y sus hijas', 1617. Obra de Giovanni Francesco Barbieri (Guercino).

Entre ellas destacan las de Cristo muerto llorado por dos angeles de Le Brun, la de Santa Catalina de Guido Reni y, sobre todo, la de Conversión de Saulo o Conversión de San Pablo, también obra de Reni, que dormitaba como pintura anónima en la Casa de la Botica del Monasterio de El Escorial hasta que fue descubierta en 2013 por Gonzalo Redín, comisario de la exposición hoy inaugurada. Una exposición de fondos propios “impensable en otros grandes museos del mundo”, según el director de Colecciones Reales de Patrimonio Nacional, José Luis Díez. La muestra y el proceso previo de restauración y catalogación de obras ha contado con el mecenazgo de la Fundación Banco de Santander.


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'La conversión de Saulo' (h. 1621), de Guido Reni.

Una exposición ¿italiana? Desde luego, no hay más que acudir a la apabullante nómina de artistas. No solo Caravaggio y la Escuela Napolitana… no solo Bernini (su Cristo crucificado vale por sí solo el desplazamiento al Palacio Real) o Guido Reni… los Algardi, Luca Giordano, Antonio Raggi, Giambologna, Doménico Montini, Gargiulo, Andrea Vaccaro o Il Guercino, entre otros, conforman este vibrante conjunto de pinturas y esculturas del Barroco que vivirá hasta octubre en las salas del Palacio Real.


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La Fundación Banco Santander patrocina esta exposición organizada por Patrimonio Nacional y dedicada al Seicento italiano en las Colecciones Reales. La muestra incluye alrededor de setenta destacadas obras de la pintura y la escultura de este período, y ha ido acompañada de una importante campaña de restauración, ya que muchas de ellas se exhiben al público por primera vez.



elpais.com / rtve.es
 




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El Siglo de Oro español cautiva Berlín

Un museo alemán ofrece por primera vez un recorrido del arte que floreció en el célebre periodo, de las obras de Velázquez a esculturas y dibujos



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Una mujer observa 'El bufón don Diego de Acedo, el Primo' y 'Marte', de Velázquez, en la exposición en Berlín.

El título de la gran exposición que se inaugura hoy en Berlín y que estará abierta el público a partir del próximo viernes durante tres meses es breve y puede inducir a engaño: El Siglo de Oro, la era de Velázquez. Es cierto, la obra de Diego Velázquez será una de las grandes atracciones de la exposición, pero la muestra que se podrá ver en los salones de la Gemälde Galerie no está centrada solo en el gran pintor español, sino que tiene la delicada misión de mostrar al público una dinámica artística que floreció en la España del siglo XVII, un siglo que curiosamente marcó el comienzo de un declive imparable del imperio que dominaba al mundo en esa época.

La muestra es inédita incluso para el público español. Por primera vez en Alemania un museo ofrece un apasionante recorrido del arte que floreció en el famoso Siglo de Oro en todas sus formas, pintura, esculturas y dibujos y que, gracias a los comisarios de la muestra, se exhibe en forma cronográfica y por regiones. La idea central es no solo mostrar las obras de los artistas que recibieron el apoyo de la Corte en Madrid, sino también los trabajos de pintores y escultores que vivían en los centros culturales de Valencia, Toledo, Sevilla y Valladolid.

“Lo que queremos es mostrar a lo largo de todo el siglo XVII, inclusos los últimos veinte años del siglo XVI, lo que fue la historia del arte en España, en pintura y en escultura, y no solamente en los centros más conocidos, o con los artistas más famosos como son Velázquez, Murillo y el Greco”, dijo Maria Lopéz-Fanjul, comisaria de la muestra. “Queríamos contar también lo que fue la España del momento”.


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Un visitante observa 'Cristo yacente', de Gregorio Fernández, en Berlín.

El resultado del trabajo que duró casi cuatro años para reunir más de 140 obras es espectacular y no dejará indiferente al visitante. Un gran mapa de lo que fue el imperio español, “el más poderoso de la época”, según la comisaria, es la primera visión que tiene el visitante. Los cuadros, las esculturas y los dibujos de la que ha sido calificada como la exposición más importante del año en Berlín son exhibidos gracias a préstamos de 64 museos, instituciones y colecciones privadas, desde el Museo del Prado, el Metropolitan de Nueva York y el Museo Nacional de Esacultura de Valladoilid.

En una exposición sobre el Siglo de Oro español no pueden faltar las obras de Velázquez, El Greco, Murillo o Zurbarán, y en la muestra de Berlín, se exhiben obras maestras de los cuatro artistas como los tres mejores zurbaranes del mundo, según la comisaria: Santa Margarita de Antioquía, San Francisco de Asís según la visión del papa Nicolás V y Don Alonso Verdugo de Albornoz.

La exposición también se da el lujo de exhibir el primer cuadro pintado por Velázquez —Tres músicos— y varias obras maestras del pintor sevillano como Marte y una serie de retratos. Pero una de las primicias de la muestra la representa la presencia la obra escultórica Camino del Calvario, realizada por Gregorio Fernández, que ha salido por primera vez del Museo Nacional de Escultura de Valladolid y que posiblemente se convierta en una de las atracciones de la muestra. "El paso procesional será un hito fundamental de nuestra exposición”, dijo Michael Eissenhauer, director general de los museos de Berlín, cuando anunció que la gran obra de Fernández, un maestro genial de la propaganda eclesiástica de la época, seria expuesta en la muestra.


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Camino del Calvario, realizada por Gregorio Fernández. Colección Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

La fiesta cultural española que estará a disposición del público a partir del viernes incluye también originales de libros, como la segunda edición en alemán del Quijote fechada en 1683 y una selección de obras gráficas de maestros como Rivera, Cano y Murillo que pertenecen al Kupferstichkabinett, una dependencia del Kultur Forum de Berlín.

“La exposición El Siglo de Oro. La era de Velázquez es el punto cultural culminante de 2016 en Berlín”, dijo el director general de los museos de Berlín, orgulloso de haber podido reunir bajo un mismo techo una oferta artística única en el mundo y que fue concebida en España hace ya más de 400 años. “No solo es excepcional, sino que es asombroso lo que la pintura española generó en esa época”.


elpais.com
 




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Velázquez y Murillo se medirán en Sevilla

Gabriele Finaldi organiza la exposición con la que la Fundación Focus Abengoa celebrará el 25 aniversario de la apertura de Los Venerarables como espacio museístico



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El retrato de Francisco Pacheco, maestro y suegro de Velázquez, hecho por su discípulo.

Diego Velázquez (Sevilla, 1599- Madrid, 1660) y Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617-Cádiz, 1682) compartirán escenario, aproximaciones y diferencias en la gran explosión que en el mes de noviembre se celebrará en la capital andaluza a propósito del 25 aniversario de la apertura del Hospital de Los Venerables como espacio museístico de la Fundación Focus Abengoa. En este insólito duelo comisariado por Gabriele Finaldi, director de la National Gallery de Londres, se podrán ver frente a frente 19 obras prestadas por el Prado (cinco pinturas), la National Gallery, el Museo del Louvre, la Wellington Collection o el Fondo Cultural Villar Mir, entre otras instituciones internacionales.

La exposición se abrirá al público durante la segunda semana de noviembre y llevará por título Velázquez. Murillo. Sevilla. Gabriele Finaldi tratará la relación y los puntos de encuentro de los dos grandes maestros nacidos y formados en la ciudad de Sevilla, tanto en el desarrollo de su lenguaje naturalista como de los modelos iconográficos o el singular modo de abordar la pintura de género.

En la Fundación explican que en la selección de las 19 pinturas que compondrán la exposición (nueve de Velázquez, fechadas entre 1617-1619 y 1656; y 10 de Murillo, datadas entre 1645-1680) “los visitantes se reencontrarán con la inteligencia pictórica y el virtuosismo técnico de ambos maestros. A través de una serie de parejas y tríos de obras soberbias se podrán observar las nuevas iconografías de devoción, las innovadoras formas de representar la vida cotidiana y la intimidad familiar, desarrolladas por Velázquez y Murillo, que les sirvieron para llegar a lo esencial del alma humana y conectar directamente con el espectador”.


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La Inmaculada Concepción de los Venerables/Soult. Óleo sobre tela, 274 x 190 cm., h. 1678. Madrid, Museo Nacional del Prado

Aunque no es la primera vez que la obra de estos dos grandes genios sevillanos se muestra de manera conjunta, si se puede considerar una ocasión única para contemplar obras maestras de primer nivel que no se habían confrontado antes en la ciudad. Esta exposición, informan los organizadores, supone la culminación por parte de la Fundación de una línea de trabajo llevada a cabo en los últimos años, y que ha tenido al Barroco como centro de su actividad en sus diferentes facetas (artes plásticas, música, seminarios, biblioteca y gabinete de estampas), de una entidad dedicada por la investigación y la divulgación cultural.

Una de las tareas fundamentales de la Fundación ha sido velar por el patrimonio artístico de Sevilla, con la recuperación de Santa Rufina de Velázquez, que supuso el inicio de una labor más trascendente como fue la creación del Centro de Investigación Diego Velázquez en los Venerables, en el que se conservan pinturas del autor de Las Meninas, junto a obras de Murillo, Zurbarán o Martínez Montañes, que recrean el universo pictórico en los años de formación de Velázquez en Sevilla.


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Hospital de los Venerables Sacerdotes de Sevilla. Está ubicado en la plaza que lleva su nombre, Plaza de los Venerables, en el centro del barrio de Santa Cruz y muy cerca de los Jardines de Murillo, la Catedral y los Reales Alcázares.


elpais.com / leyendasdesevilla.blogspot.com
 




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No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

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Post Re: VELÁZQUEZ (Diego Rodríguez De Silva Y Velázquez) 
 
Murillo y Velázquez se juntan en Sevilla

Obras de ambos artistas protagonizarán una exposición en la Fundación Focus-Abengoa desde el 8 de noviembre



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Colocación de la obra de Murillo 'Santa Ana enseñando a leer a la Virgen', en la pared de la Fundación Focus de Sevilla.


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Una técnico mira la obra de Velázquez 'Inmaculada Concepción', que formará parte de la exposición 'Velázquez, Murillo, Sevilla', que se abrirá al público el 8 de noviembre en la Fundación Focus.


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Un técnico mira 'La sagrada familia del pajarito', de Murillo, y 'Adoración de los Reyes', de Velázquez, en la Fundación Focus.


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La obra de Murillo 'Santiago Apóstol', que formará parte de la exposición 'Velázquez, Murillo, Sevilla', en la pared de la Fundación Focus.



elpais.com / Paco Puentes
 




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Post Re: VELÁZQUEZ (Diego Rodríguez De Silva Y Velázquez) 
 
El Prado expone a Velázquez ante 500 millones de hispanohablantes

El museo presenta su primer curso en línea gratuito que llevará al público a realizar un recorrido guiado por los lienzos de 'uno de los grandes genios de la pintura'



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Algunos cuadros de la exposición 'Velázquez y la familia de Felipe IV' expuestos en 2013 en el Prado. / Gorka Lejarcegi

Velázquez sale del Museo del Prado para llegar a los hispanohablantes del mundo, el canal es Internet. El pintor español será el protagonista del primer curso online gratuito que realizará la pinacoteca, cuyo objetivo es hacer llegar sus contenidos a los 500 millones de personas que hablan español. Velázquez en el Museo del Prado es el nombre de esta herramienta didáctica que servirá para "entender mejor" la figura del artista sevillano, según anunció este miércoles Enrique Pérez, técnico del área de educación del museo, que ha organizado el curso en colaboración con Telefónica.

Con 30 vídeos e imágenes grabadas en alta definición, y explicaciones por parte de expertos, este curso online masivo y gratuito (MOOC, por sus siglas en inglés), llevará al público hispanohablante a realizar un recorrido guiado por el museo y los lienzos de "uno de los grandes genios de la pintura". Las grabaciones han sido realizadas en localizaciones reales y con dramatizaciones en tecnología de "ultra-alta definición" en resolución 4K, lo que constituye un "hito de producción e innovación educativa que puede convertir a Velázquez en el Museo del Prado en una de las referencias MOOC mundiales".

El curso, que se iniciará el 16 de noviembre y cuyas inscripciones están abiertas desde este miércoles 2 de noviembre en la plataforma Miríada X, tendrá 15 horas de duración repartidas en seis semanas. A lo largo de seis módulos, revisará la trayectoria de Diego Velázquez, desde los maestros y ejemplos que le sirvieron para su aprendizaje e inspiración, como Tiziano y Rubens, a las obras que marcaron su recorrido personal y profesional.

El objetivo del MOOC es conocer la evolución de la obra y vida del autor de La rendición de Breda y Las meninas, revisar el contexto histórico en el que vivió, analizar sus claves pictóricas y su impacto global, así como dar a conocer las características generales del Museo del Prado.

Además de vídeos incluye actividades, foros y trabajos para hacer partícipe al alumnado. Los contenidos son introducidos por una voz en off y por el propio artista, interpretado por un actor, que "serán de especial utilidad en las escuelas", asegura Pérez.

Velázquez en el Museo del Prado presentará un orden cronológico y temático dividido en seis capítulos: El Museo Nacional del Prado; Los inicios del pintor; El primer viaje a Italia y sus consecuencias; Grandes decoraciones palaciegas; La década de los años 40 y el segundo viaje a Italia, y El último Velázquez.

Este curso estará disponible a través de Miríada X, la principal plataforma de MOOC en Latinoamérica y primera en habla no inglesa en el mundo, con tres millones de usuarios y más de 500 cursos de casi un centenar de universidades, precisó Carolina Jeux, CEO de Telefónica Educación Digital. El director adjunto de conservación del Prado, Miguel Falomir, afirmó que este será "el primero de muchos" cursos de este estilo para "dar acceso a los tesoros" del museo.


elpais.com
 




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