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PICASSO (Pablo Ruiz Picasso)
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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Exposición


Carmen, radiografía de un mito

220 veces Picasso pintó a Carmen



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220 veces Picasso pintó a Carmen. El Museo Picasso de París ofrece una nueva exposición del pintor, en la que se reúnen 220 piezas en las que Carmen es la musa. La misma estará abierta al público hasta el 24 de junio próximo y el visitante tendrá la oportunidad de apreciar la influencia de este personaje en el pintor español... Leer más

El cine, la pintura y la ópera la han retratado como cigarrera díscola, mujer fatal, torera, hasta como transexual, un arquetipo siempre de la mujer dispuesta a todo con tal de preservar su libertad. Una exposición examina ahora todas las facetas del mito y muestra cómo la vieron Picasso, Goya o Picabia.

Uno de los grandes poderes de cualquier mito es su capacidad para nutrirse tanto de hechos como de generalizaciones, medias verdades y exageración. Con el de Carmen, que es uno de los más genuinamente hispánicos, se identifica hoy a cualquier mujer que luche por su libertad o la de los suyos, un molde en el que caben desde la bíblica Judith, que emborrachó y decapitó al general asirio Holofernes, hasta Cleopatra al frente del reino del Antiguo Egipto.

Un total de 500 piezas componen una visión panorámica de la figura de Carmen que puede contemplarse, desde mañana y hasta el 16 de octubre, en la exposición Carmen. Lecturas de un mito, que la Casa del Lector de Madrid ha organizado con la Fundación SGAE y el Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y que, por el lado musical, ha contado con la colaboración del Teatro Real.


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'Carmen Jones', de Otto Preminger.

Como señaló César Antonio Molina, director de la Casa del Lector, la muestra examina tanto los antecedentes del mito y su florecimiento de la mano de Merimée (novela) y Bizet (ópera) como los desarrollos artísticos a que ha dado lugar, entre los cuales hay que destacar las grandes obras pictóricas aquí reunidas y firmadas por Goya, Picasso, Juan Gris, Sorolla, Zuloaga, Romero de Torres, Antonio Saura y Luis Gordillo, que ha creado para la ocasión una serie de 31 dibujos que ha querido dedicar a su hermano, José Manuel Rodríguez Gordillo, comisario de la exposición -junto con Luis F. Martínez Montiel- fallecido en julio pasado.

Junto a estas joyas prestadas por destacadas pinacotecas españolas y extranjeras se han recopilado pequeños tesoros como las primeras críticas, más bien desfavorables, de la obra de Bizet o el manuscrito del compositor que incluye la famosa habanera de Sebastián Iradier, así como un sinfín de encarnaciones de Carmen en novelas, cómics, ballets, montajes teatrales y películas que la han mostrado bajo todos los prismas, de mujer a fatal a torera, de cigarrera díscola a transexual en una producción operística francesa.


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'La Carmen' de Raimundo Madrazo (Una gitana, 1872. Museo del Prado. Raimundo de Madrazo y Garreta).

Para el comisario Martínez Montiel, que ha trabajado en la muestra casi ocho años junto con Rodríguez Gordillo, el de Carmen es "casi un drama griego", el de una mujer capaz de enfrentarse a todos y resuelta a "vivir de pie" pese a quien pese, alguien que entiende que su desafío se paga con la muerte y a pesar de todo proclama: "Seguiré siendo yo".

Martínez Montiel ha dedicado una de las estancias principales a recrear el mundo de las cigarreras en la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla (que daba trabajo a 5.000 mujeres de la época), donde transcurre la acción de la novela de Merimée, quien a su juicio acierta al subrayar la relación de Carmen con la tauromaquia. Aquí encajan los grabados de Goya sobre la lidia y su cuadro Un garrochista que pueden admirarse en la exposición.


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Carmen según Antonio Saura.

Aunque Merimée conocía España mucho mejor que Bizet, el mito estalla con la ópera, que incurre sin duda en la españolada pero vuela en alas de una música magistral. El compositor imagina una Carmen ataviada con vestido de flamenca y mantón de Manila como los que ha cedido el Museo del Traje pero que difícilmente podía utilizar la empleada de una fábrica de tabaco. Es lo que tienen los mitos, que todo se les permite.

Merimée y Bizet coinciden en ofrecer una visión orientalizada y exótica de España muy extendida entre los románticos franceses. Montserrat Iglesias, directora general del INAEM, recordó ayer que el estereotipo inicial de Carmen como mujer fatal ha derivado hacia lecturas diferentes, algunas tan "fascinantes" según su criterio como la que presentó recientemente la Compañía Nacional de Danza.

Fue Eugenia de Montijo, cuyo retrato cuelga también de las paredes del espacio de exposiciones, quien dio a Merimée la idea para su novela, publicada por primera vez en la Revista de Dos Mundos en octubre de 1845 y como libro al año siguiente, al confiarle que un caballero de la alta sociedad sevillana estaba siendo infiel a su esposa con una vulgar cigarrera de la Real Fábrica de Tabacos, desde mediados del siglo pasado sede del rectorado y algunas facultades de la Universidad de Sevilla.

La intervención de Gregorio Marañón y Bertrán de Lis, presidente del Patronato del Teatro Real, ha sido determinante para conseguir el préstamo de algunas piezas por parte de liceos franceses como la Opéra Comique de París. Marañón considera además una obligación que el Real haya colaborado en la muestra y medita cómo reciclar el material ingente ahora reunido coincidiendo con el montaje de Carmen que el teatro de ópera madrileño prepara para 2017 en colaboración con el Covent Garden.


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El torero Escamillo, segun Francis Picabia.

La expansión del mito de la cigarrera ha alcanzado ámbitos y lugares recónditos, según el comisario Martínez Montiel, que ha seguido su rastro en carteles en todas las lenguas, publicidad de los productos más insospechados (mantequillas, sopas, queso...) y vinilos de artistas como Juanita Reina, Carmen Sevilla y Carmen Amaya, de quien se cuenta que la nostalgia de algo de comer típicamente español la llevó a asar sardinas en su habitación del Waldorf Astoria de Nueva York, algo de lo que tampoco se habría privado la otra Carmen.

En una sala acondicionada especialmente se proyectan algunas de las películas basadas en la figura consagrada por Merimée y Bizet. Al menos 150 llevan en el título la palabra Carmen, y son incontables las que se inspiran en el personaje. En la de Francesco Rosi, de 1984, Plácido Domingo, en el papel de Don José, acompaña en el reparto a Ruggero Raimondi, que interpreta a Escamillo, y a Julia Migenes en el rol de la cigarrera más libre.

Una de las derivaciones más extrañas del mito fue la que se permitió Otto Preminger en su filme Carmen Jones, de 1954, donde la protagonista, Dorothy Dandridge, es una mujer que trabaja cosiendo paracaídas en una base militar y cae rendida ante los encantos de un Escamillo que no es aquí torero sino boxeador, papel que encarna Joe Adams.

La exposición se remata con un recuerdo obligado a la gran mezzosoprano española Teresa Berganza, "la mejor Carmen de nuestro tiempo" según sentenció Herbert con Karajan, que recibirá un homenaje mañana, jueves, justo después del acto de inauguración.


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La visión de Julio Romero de Torres.

En el expositor que cierra la muestra, el visitante podrá contemplar desde una partitura con todas las anotaciones de la cantante sobre sus movimientos en escena, además de las indicaciones puramente musicales, hasta otra que encierra los restos del primer clavelazo recibido por Plácido Domingo actuando con ella. En una Carmen, naturalmente.

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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
En el matadero de Toulouse


El toro de Picasso y la cruz de Tàpies

La primera retrospectiva internacional de Tàpies tras su muerte se celebra en el coso de Picasso



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El telón de Picasso 'Dépouille du Minautore en costume d'Arlequin'. / JEAN-MARIE MONTHIER

Un descenso a una isla en ruinas, una Creta en la que el Minotauro vestido de Arlequín ha sido vencido por un Teseo con camiseta de rayas azules que es a la vez Picasso y Dora Maar. El impresionante telón Dépouille du Minotaure en costume d'Arlequin, de 14 por 20 metros, sirvió de telón para la obra revolucionaria Le 14 juillet de Romain Rolland, una exaltación de la toma de la Bastilla que se representó en 1936 en el Théâtre du Peuple para celebrar la victoria del Front Populaire en Francia. Ese magno Picasso es la joya de la corona del Musée des Abattoirs, el antiguo matadero de Toulouse que en 2000 se transformó en museo de arte contemporáneo con la premisa de crear una sala especial para mostrar el telón de Picasso (con balcón incluido para contemplarla a la altura del rostro de los enigmáticos personajes).

La obra, que Picasso pintó tres meses antes de la Guerra Civil basándose en un gouache de su época azul, se exhibe en las entrañas del edificio, que se vaciaron -literalmente- para crear un white cube, un espacio mental, como la tierra árida cretense en la que se desploma el Minotauro. Un Minotauro que es símbolo y metáfora, a la vez monstruo destructor (el fascismo, la monarquía absoluta...) y alegoría de las pulsiones sexuales. Y del propio Picasso. «Le Minotaure, c'est moi», solía decir Picasso con tono provocador. No sólo se identificaba con el toro mitológico, también con el héroe de barba filosófica que lo derrota y que sostiene a un joven efebo en sus hombros con los rasgos de su amante del momento, la malograda Dora Maar, que alza el brazo con el puño cerrado en torno a una piedra (un gesto que en la Francia izquierdista se leyó como el poder del pueblo).


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Detalle del balcón para observar el Picasso de 14 por 20 metros

El Minotauro sólo se expone durante seis meses para protegerlo de la luz y de su propio peso -al mostrarlo en posición vertical la pintura se resiente-. En esta compleja tela, que el público de 1936 no acabó de entender como representación del 14 de julio, se entremezclan todas las obsesiones de Picasso, que en 1965 donó la obra a Toulouse por sus fuertes vínculos con la República española. La ciudad fue la capital del exilio, el refugio para 25.000 españoles que huyeron de la guerra y del franquismo (hoy, el segundo apellido más común en Toulouse es García).

Si el Minotauro de Picasso custodia el subsuelo de Les Abattoirs, en el vestíbulo se ha creado otra escenografía del exilio en gélido metal marcado con cruces:un colchón enrollado, una puerta que no conduce a ningún sitioy un sillón vacío. Es el signo y la materia de Antoni Tàpies, a quien el museo dedica la primera gran retrospectiva internacional tras su muerte en 2012, en una coproducción con la Fundació Tàpies de Barcelona. «La relación de Toulouse con España se suele asociar al pasado, a los tiempos del exilio, pero eso es una mirada muy reductiva. Tenemos muchos intercambios culturales con la España de hoy y sus artistas contemporáneos, muy presentes en nuestra colección, que tiene una activa política de adquisiciones», destaca el presidente de Les Abattoirs, Pierre Esplugas-Labatut, que repasa los artistas nacionales en su colección: Miquel Barceló (quien, por cierto, hizo su primera exposición en el extranjero en Toulouse, en la galería Axe Art Actuel, en 1982), Jordi Colomer, Manolo Millares, Eduardo Arroyo, Perejaume, Antoni Clavé, Jaume Plensa, etc. Eso sin contar las ocho piezas de Tàpies, que fueron la génesis de la exposición Parla Parla.


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El vestíbulo de Les Abattoirs acoge una escenografía de esculturas de Tàpies.

«La retrospectiva quiere situar a Tàpies en su dimensión internacional, trascendiendo sus orígenes. Su trabajo decididamente experimental, abstracto y gestual conecta con artistas como Pollock o el movimiento Gutaï, el radical grupo japonés de performance de los años 50», reivindica Valentin Rodriguez, conservador y director del museo. El discurso de Parla Parla descubre a un Tàpies como nunca se ha visto en Barcelona, fuera de los límites catalanes, un Tàpies tan universal como Picasso y con paralelismos no sólo con Pollock (el dripping y el gesto se hacen evidentes) sino con Duchamp (la misma preocupación por el objeto, aunque el tratamiento del catalán sea más emocional) o con el arte povera italiano (el rechazo a la belleza clásica y el brutalismo sucio como única respuesta del arte después de los campos de concentración).


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La obra 'Parla parla' de Tàpies da título a la muestra.

Pero también se sugiere al Tàpies filosófico, en el que confluyen la corriente existencialista de Sartre (lo matérico, la arena, la tierra como expresión de la metafísica), el nihilismo de Nietzsche (el sentimiento trágico y la historia atormentada de España resuenan en su obra) o la espiritualidad oriental (el tao y la necesidad de retorno a la naturaleza subyacen en sus telas blancas). Les Abattoirs será hasta el 22 de mayo un campo de batalla entre Tàpies y Picasso, con el arte como redención de las pesadillas de guerra.

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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
'Picasso, un genio sin pedestal'



Picasso en Marsella: vuelta a sus orígenes

El Museo de Civilizaciones de Europa y el Mediterráneo de Marsella ofrece una nueva lectura a la obra de Picasso a través de la influencia en su obra de las artes y tradiciones populares.



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El Mucem de Marsella.

Tiene sentido que una de las exposiciones más excepcionales y reveladoras de Picasso tenga lugar en la Costa Azul francesa. El Mediterráneo está intrínsecamente ligado a la obra del pintor que desarrolló buena parte de su carrera en estas tierras, nostálgico quizá de la luz de su Málaga natal de la que se alejó físicamente, pero no mentalmente, como defiende esta muestra. Picasso, un genio sin pedestal recupera en el Mucem (Musée des Civilisations d'Europe et de Méditerranée), en Marsella, las raíces del artista que alimentó su trabajo con influencias originarias de las artes y tradiciones populares.

El Mucem presenta en esta ocasión 270 obras de las cuales dos tercios pertenecen a coleccionistas privados, lo que ha permitido a Joséphine Matamoros, Bruno Gaudichon y Émilie Girard, comisarios de la exposición, reunir obras icónicas junto a algunas piezas inéditas. La popularidad del artista no permite a estas alturas hacer una retrospectiva de su obra, por lo que la exhibición propone una nueva tabla de lectura marcando un camino a través de la importancia que las artes y tradiciones populares tuvieron en Picasso.

Dividida en cuatro espacios, Un genio sin pedestal, expresión que utilizó para referirse a él Michel Leiris en un texto sobre el pintor en 1988, se preocupa por revelar la representación de la cotidaneidad en la obra del artista, sus objetos y temas fetiche -la tauromaquia, los instrumentos musicales o el circo, entre otros-. Las dos salas restantes recuperan las técnicas que trató fuera de la pintura pero que, al mismo tiempo, alimentaron sus investigaciones plásticas y, por último, sus famosas esculturas de ensamblaje, como Cabeza de toro o La mona y su cría, donde el coche de juguete de sus hijos se convierte en la cabeza del simio en esta escultura de bronce.


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Matamoros y Gaudichon habían trabajado juntos anteriormente en la obra del malagueño en las exposiciones Picasso, objetos de pintor/pintor de objetos (Céret y Roubaix en 2004), y Picasso ceramista y el Mediterráneo (Aubagne, Sèvres y Washington 2013-14-15), por lo que conocen al dedillo la colección del artista donde un objeto tan ordinario como el sillín de una bicicleta se convierte en el estímulo de la obra que va a realizar.

"Hemos trabajado desde hace mucho tiempo sobre esta cuestión de los objetos", explica a El Mundo Gaudichon, "así que hemos conseguido tener un buen libro de direcciones que nos ha puesto en contacto con numerosos propietarios de obras de Picasso cuyos préstamos han sido excepcionales y de mucha ayuda". Esta prestación ha posibilitado, por ejemplo, que puedan mostrarse por primera vez las tres compoteras realizadas en plata junto al orfebre François Hugo, bisnieto del escritor Victor Hugo, o el conjunto de baldosas creadas junto a André Derain, expuestas también por vez primera en Francia.

Será imposible que la exposición como tal pase a otro museo tras su paso por Marsella pues hay obras muy frágiles que "no podrían soportarlo", según el comisario, especialmente dibujos en papel que tendrían que ser remplazadas si este recorrido por la inspiración del artista quisiera repetirse en otra ciudad.

Curioso, por ejemplo, el recuerdo de El Palomar que pintó su padre Don José Ruiz y Blasco, quien guiaría los primeros pasos de Picasso en el arte y le transmitiría su amor por la tauromaquia. Fue en concreto este cuadro, también presente en la exposición, lo que marcaría esta parte del imaginario del artista. Picasso tan solo lo vio durante su infancia ya que el lienzo había quedado en España y éste se había negado a volver al país mientras Franco estuviera en el poder. Sin embargo, la exposición plantea que la paloma, símbolo recurrente en el artista, no se refiere únicamente al compromiso del artista con el Partido comunista francés, también a la tradición de la colombofilia en España. Picasso tenía además un palomar en Cannes a partir del cual desarrolló una serie de lienzos de palomas que hoy pueden contemplarse en Barcelona.


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Junto a sus muchas representaciones del mundo del toreo, dos lienzos que representan la escena de la muerte del toro, singulares pues Picasso no solía centrarse en este momento de la corrida en sus cuadros. En ellos curiosamente es el toro el que aparece grande y fuerte sobre el torero que parece ser el perdedor de esta batalla. En este paso por la tauromaquia, el Mucem muestra también la que se considera la primera obra del autor, El Picador, un pequeño óleo sobre panel de madera que creó con tan solo 8 años.

Marsella rinde homenaje también a los artistas que colaboraron con Picasso en el desarrollo de sus obras artesanales, con el citado ofebre François Hugo, pero también con Paco Durrio, con quien trabajó la madera o el textil, con la empresaria y amante de la moda y el arte Marie Cuttoli, con quien crearía diversos tapices.

Esta exhibición, que permanecerá en Marsella hasta el 29 de agosto, ocupa la segunda planta del llamado J4, creación del arquitecto franco argelino Rudy Ricciotti y construido en 2013, una obra de arte arquitectónica que por las noche sirve de faro a esta histórica ciudad, la más antigua de Francia. El edificio, con forma de cubo, está rodeado por una estructura de hormigón que parece dibujar un encaje por el que se cuela el reflejo azul del mar, creando un llamativo contraste de luces y sombras que atraerán la atención del visitante tanto como los propios cuadros de sus exposiciones.


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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
El Museo Picasso de Málaga exhibe el mítico lienzo del pintor, 'Mural'


Jackson Pollock, el artista frenético




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Jackson Pollock (1912-1956), pintando. / MARTHA HOLMES. GETTY IMAGES

Las tumbas de Jackson Pollock y de Lee Krasner, su esposa, están muy cerca sobre el césped del cementerio de Green River, en Springs, en el extremo este de Long Island, un cementerio muy visitado porque también acoge las sepulturas de otros artistas y escritores famosos que, como el matrimonio Pollock, trabajaron y vivieron en el entorno de East Hampton.

En el Museo Picasso de Málaga, el restaurado Mural, el lienzo mítico de Pollock, también está junto a Otra tormenta (1963), óleo de Krasner. ¿Dialogan? El diálogo entre Pollock y Krasner fue relativamente largo, fructífero, tumultuoso y bruscamente interrumpido.

Los dos pintores se conocieron en Nueva York en 1942. Pollock, el menor de cinco hermanos, había nacido en Cody, en Wyoming, en 1912, en el hogar de un granjero y agrimensor presbiteriano de origen irlandés. Krasner, de Brooklyn, era hija de inmigrantes judíos ucranianos y tenía 34 años. Ambos, con formaciones muy distintas, transitaban por el terreno de la abstracción pictórica. Se casaron en 1945 en una pequeña iglesia.

Para entonces, ya había ocurrido el acontecimiento decisivo. La coleccionista y mecenas Peggy Guggenheim, escapada de Francia con Max Ernst, su segundo marido, buscaba en 1943 artistas jóvenes para su nueva galería y los convocó mediante un anuncio en la prensa. Pollock se presentó con una obra que desconcertó y, de primeras, no agradó a la Guggenheim, pero que entusiasmó a Piet Mondrian, quien, con Marcel Duchamp y otros, estaba encargado de seleccionar a los artistas.

De ahí, en el verano del mismo año, surgió el encargo y la ejecución de Mural, que Peggy Guggenheim quería colocar a la entrada de su casa. El inmenso Mural (242,9 x 603,9 cms.), con evidentes ecos del Gernica, consagró a Jackson Pollock y se convirtió en la pieza estandarte e inaugural del Expresionismo Abstracto norteamericano.

El mismo año de su boda y con sus carreras orientadas, Pollock y Krasner -con ayuda de un préstamo de la Guggenheim-, compraron una finca en Springs, con una casa y un granero. Ella tenía su taller en una dependencia de la casa y él habilitó el granero como estudio. Necesitaba espacio para su ajetreada y enérgica manera de pintar.

Fueron los años en los que Pollock extendía sus lienzos sobre el suelo -también en las paredes- y, ajeno a los caballetes, se movía alrededor salpicándolos, goteando (dripping) y arrojando sobre ellos pintura líquida -y otras materias- y culminando la tarea con un variado repertorio de trazos, incisiones e intervenciones. Action painting -pintura en acción- se llamó después (y antes) a ese procedimiento entre la intuición calculada y el automatismo. En la exposición malagueña hay un muy interesante apartado informativo y documental dedicado al análisis de los útiles, sustancias y técnicas que Pollock empleaba mientras fumaba y bebía sin parar.

Expulsado de varios colegios, Pollock tuvo un carácter estridente y variable desde niño. Su adicción temprana al alcohol agitó y revolucionó su temperamento, sin que sus visitas a psiquiatras junguianos, ya a los 26 años, sirvieran para apaciguarlo ni para eliminar duraderamente su dependencia.

En la exposición, se pueden ver imágenes en blanco y negro que muestran a Pollock trabajando tras un cristal. Esas imágenes fueron tomadas en Springs por el luego célebre fotógrafo Hans Namuth, quien filmó con Pollock un corto documental de unos diez minutos.

Namuth, que también retrató y filmó a otros ilustres artistas, visitó a Pollock en 1951. Se sabe que la sesión de trabajo fue tan fatigosa y excitante para Pollock que, al terminarla, y después de haber logrado un período de abstinencia, echó mano de una botella de bourbon. Ya nunca consiguió dejar el alcohol.

La energía visible, el libro de varios autores que, coordinado por José Lebrero, han editado para la ocasión el Museo Picasso de Málaga y la editorial Antonio Machado, así como el claro y preciso folleto de la exposición, resumen muy bien las influencias en la pintura de Pollock. Tiro del segundo: los muralistas mexicanos, el discurso esencialista de las primeras naciones norteamericanas (léase, los indios), la convulsa visión picassiana y la fotografía experimental de los años 40, que, por cierto, está presente en la muestra alrededor de Mural, que congrega a otras obras de Pollock y Krasner y a piezas de Adolph Gottlieb, Roberto Matta, Antonio Saura y Robert Motherwell: su potentísima Elegía a la República Española No. 126.

La editorial Circe publicó en castellano, en 1991, una excelente biografía escrita por Steven Naifeh y Gregory White Smith. Ese libro está en la base del obsesivo y duradero empeño de Ed Harris por hacer una película sobre el pintor. Esa película, muy buena, producida, dirigida y protagonizada por el actor fue, finalmente, Pollock (2000) y está disponible en DVD.

En el filme de Ed Harris, Jennifer Connelly interpreta a Ruth Kligman. A sus 26 años, Kligman era una muy atractiva pintora abstracta que no tuvo muchas dificultades para echarse en brazos de Jackson Pollock, como después lo haría en los de Willem de Kooning -competidor de Pollock- y en los de otros colegas relevantes. Lee Krasner se enteró del adulterio y se marchó a Europa a pasar el verano.

En la noche del 11 de agosto de 1956, apenas unos meses después de conocer a Kligman, Pollock, que había estado bebiendo todo el día, perdió el control de su Oldsmobile descapotable y se pegó un cacharrazo mayúsculo, a resultas del cual murió. Tenía 44 años y aparentaba bastantes más. También falleció una amiga de Ruth Kligman, que viajaba en el coche y salió despedida. Se recuperó pronto de las heridas.

Lee Krasner, informada del suceso, regresó de inmediato de su viaje, se ocupó durante años del legado de su marido y de su casa de Springs, siguió pintando con reconocimiento creciente y murió, a los 75 años, en 1984. ¿Dialoga con Jackson Pollock en el camposanto de Green River?


Uno delante

Variedad española. No he visto aún Esa sensación, de la que tengo óptimas referencias. Paco León ha salido triunfante del difícil abordaje de las parafilias, y Kiki, el amor se hace es un éxito merecido y comprensible. En el Festival de Málaga se comprobó la variedad de propuestas del cine español actual, muy perceptible en los registros de comedia. La noche que mi madre mató a mi padre, de Inés París, con un guión muy bien escrito y lleno de sorpresas, y con un cadáver a cuestas, conecta con la tradición española -Jardiel, Mihura- entre lo negro y el absurdo, y hace reír a un público que también ríe (cuando toca) con El olivo, más dramática, la mejor película de Icíar Bollaín en varios años, que va a catapultar a Anna Castillo, una joven actriz en estado de gracia y frescura.


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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Estuve la pasada semana en Dubrovnik y aproveché para ver una exposición de cerámica de Picasso

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Hice un video de la sala pero no puedo subirlo o no sé.
 



 
priaranza - Ver perfil del usuarioEnviar mensaje privado 
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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Gracias Priaranza por compartir la noticia de tu visita a la exposición de Picasso en Dubrovnik. Picasso posiblemente sea el más internacional de nuestros artistas y siempre hay -aparte de nuestro país- exposiciones en varios lugares del mundo a la vez.

Por otra parte Dubrovnik es una ciudad fortificada muy bonita e interesante, estuve hace unos años en la escala de un crucero.



 

Saludos.
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
El Supremo francés ordena repetir el juicio por el cuadro incautado a Botín

El fallo da la razón al banquero y declara que se vulneró su derecho a ser oído



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El cuadro de Picasso Cabeza de mujer joven.

La Sala de lo Penal del Tribunal de Casación de París ha acordado que se celebre un nuevo juicio en Francia sobre si la incautación en Córcega de un Picasso valorado en 26,2 millones de euros, propiedad del banquero Jaime Botín, fue legal o no, según una sentencia hecha pública el pasado 19 de mayo en la capital francesa. La obra Cabeza de mujer joven fue intervenida por los servicios de Aduanas franceses el 31 de julio 2015 a bordo del velero Afix cuando se encontraba amarrado en el puerto deportivo de Calvi, en Córcega.

El fallo señala que se ha vulnerado el derecho fundamental de Jaime Botín a ser oído en el procedimiento de intervención y ordena que se celebre un nuevo juicio sobre si la incautación de la obra fue o no correcta. Según la defensa del banquero, la intervención del cuadro se llevó a cabo sin autorización judicial ni en España ni en Francia y la policía francesa ejecutó órdenes de la Guardia Civil española. Antes de que la propiedad pudiera oponerse a esta medida de fuerza se intentó detener, pero el presidente del Tribunal de Bastia no lo admitió.

La sentencia del Tribunal Supremo francés no anula la intervención del cuadro ni su posterior envío a España, ya que su competencia se refiere exclusivamente a revisar o confirmar las decisiones de tribunales inferiores. Según la defensa del banquero, lo que el Supremo abre es la oportunidad de que el nuevo tribunal de Apelación de Aixen-Provence declare nulos el embargo y su entrega a España. “La legalidad de todo el juicio está en cuestión desde el momento en el que se ordena una nueva vista”, asegura la representación letrada del ex presidente de Bankinter.

El recurso contra la Sala de Instrucción del Tribunal de Apelación de Bastia fue presentado por Euroshipping Company, la sociedad propietaria del cuadro, la sociedad Cherokee limited, propietaria del barco, y Jaime Botín. Las tres solicitaron la nulidad de las resoluciones del juez de instrucción que ordenó el embargo de la obra. El Tribunal de Bastia había negado a Euroshipping la posibilidad de recurso.

La Audiencia Nacional prohibió en mayo de 2015 a Jaime Botín, ex presidente de Bankinter, que sacara la pieza de España y avaló una decisión del Ministerio de Cultura de 2013 que declaró la inexportabilidad de la obra. El Ministerio de Cultura se dirigió a la Unidad de Patrimonio Histórico de la Guardia Civil para conocer el paradero del cuadro, según aseguran fuentes del citado departamento.

Los abogados del banquero esgrimieron ante la Audiencia Nacional en un contencioso administrativo que la obra pertenece a Euroshipping Charter Company Ltd, una sociedad radicada fuera de España, y no a Botín como persona física. Sostuvieron que el arraigo del cuadro con España es “dudoso” y que la obra estaba en un velero bajo pabellón británico y sometido a las leyes inglesas. La Audiencia, en cambio, dio la razón a la Administración, declaró la obra como inexportable y falló que cuando un barco está en aguas españolas se le aplica la ley de Patrimonio Histórico Artístico Nacional. La defensa de Botín recurrió ante el Tribunal Supremo, que todavía no se ha pronunciado.

Por la vía penal el Juzgado de Instrucción número 4 de Pozuelo de Alarcón tomó medidas contra el banquero, al que acusó de supuesto contrabando de la obra y acordó medidas cautelares del bien afectado por un presunto delito. Tras su incautación en Córcega, Interior fletó un avión a Córcega en el que viajaron a miembros de la Guardia Civil y del Museo Reina Sofía que trasladaron la obra a un almacén del citado museo, donde permanece en la actualidad.

El caso se inició en 2012 con la solicitud de la firma de subastas londinense Christie´s Ibérica a la Secretaría de Cultura para exportar la obra a Londres. La Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico Español denegó la autorización al “no existir una obra semejante en el territorio español”.

Según las autoridades francesas, tras el embargo de la obra en Córcega España emitió una petición para recuperar la obra. El cuadro Cabeza de mujer joven siempre estuvo en colecciones privadas extrajeras hasta que fue adquirido por Jaime Botín en 1977.


elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Sale a subasta una pintura cubista de Picasso por más de 35 millones de euros

La puja por 'Femme assise', una de las obras clave del periodo cubista, se celebrará el 21 de junio en Londres



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'Femme assise', de Picasso. / Sotheby's London

La casa Sotheby's sacará a subasta la próxima semana la obra Femme assise, de Pablo Picasso, una de las obras cubistas más importantes de las últimas décadas en salir al mercado y que espera vender por más de 28 millones de libras (35 millones de euros).

La puja, que reunirá obras impresionistas y de arte moderno de autores como Vincent Van Gogh, Edvard Munch o Andy Warhol, tendrá lugar el 21 de junio en la capital de Reino Unido, informaron hoy a Efe fuentes de la firma.

Desde Sotheby's recuerdan que la mayoría de las pinturas cubistas se encuentran en museos e instituciones, por lo que Femme assise (Mujer sentada), que ha permanecido en manos de un coleccionista privado cuarenta años, es la primera pieza relevante de este movimiento pictórico que sale a subasta en años.

Hasta el momento Les femmes d'Alger (version 'O'), firmada también por Picasso, alberga el título de ser la pintura más cara jamás vendida en una subasta, después de que la casa Christie's de Nueva York pulverizará récords al recaudar 179 millones de dólares (160 millones de euros) por ella en mayo de 2015.

En el verano de 1909, el artista malagueño plasmó Femme assise, que combina grises, verde esmeralda y tonos anaranjados y que muestra el rostro de su amante Fernande Olivier.

El óleo sobre lienzo, con referencias estilistas y trazos que beben de la obra más conocida de Picasso (Las señoritas de Avignon, 1907), se ha expuesto en The Museum of Modern Art (MoMa) en Nueva York y en la Tate Gallery de Londres, entre otros reconocidos escaparates.

Además de esta pieza, Sotheby's sacará a subasta un retrato de Jeanne Hébuterne, la musa del artista italiano Amadeo Modigliani y cuyo precio de salida es de 30 millones de libras (37 millones de euros).

Picasso está considerado como uno de los contribuyentes más importantes del cubismo, una de las vanguardias pictóricas surgidas en el siglo XX que rompe con las pintura tradicional al basar las composiciones en cuerpos geométricos.


elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Las letras inventadas de Picasso

La Casa Natal del pintor en Málaga expone parte de un alfabeto novedoso que utilizó en 1948



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Obra 'Paloma y su muñeca, fondo negro', donde Picasso plasmó los primeros trazos del alfabeto en 1952.

Se ha comparado con caligrafía árabe o coreana, con iniciales de manuscritos medievales o con osamentas dislocadas. También con constelaciones, de las que el artista resaltaba su belleza. Pero no tiene que ver absolutamente con nada. El alfabeto que inventó Picasso para ilustrar El canto de los muertos, el poemario de su amigo cubista Pierre Reverdy, no tiene ningún significado. Los caracteres son solo un viaje al mundo de lo abstracto, una rareza en la trayectoria del artista, con lo que reivindicó su independencia creativa.

El Museo Casa Natal del artista en Málaga posee un ejemplar de la obra de Reverdy, donada por Christine Ruiz-Picasso en 1992, que perteneció al pintor. Picasso adornó la obra con 125 litografías, realizadas entre enero y marzo de 1948, en las que sus trazos rojos resaltan entre las líneas en negro escritas por el poeta. La pinacoteca ha recurrido a sus fondos para montar una exposición que exhibe 10 de estos grabados (las piezas son dobles) y cerca de 30 obras que evidencian la huella de las letras imaginarias en la creación posterior del genio, hasta 1956. Picasso: el canto de los signos se puede visitar desde este jueves hasta el 9 de octubre.

El artista había tenido un tímido acercamiento al arte abstracto en 1931, con las ilustraciones con puntos y rayas con las que llenó varias páginas de la obra Le chef d’oeuvre inconnu de Honoré Balzac, que en algunos casos reproducían una guitarra. Tres de estas estampas se muestran también en el montaje de la Casa Natal de Picasso, además de cuatro composiciones de principios de la década de los cincuenta del siglo pasado en las que el genio recuperó esa técnica para retratar al propio Balzac, a su hija Paloma y un par de paisajes de Vallauris.

Las letras inventadas por Picasso pretendían reafirmar su capacidad creativa y alejarse de dogmas políticos. Según el comisario de la exposición, Mario Virgilio Montañez, el encargo para ilustrar el libro de Reverdy coincidió en el tiempo con la petición al artista por parte del Partido Comunista francés, del que fue miembro, de un mayor compromiso. “No voy a usar un abecedario conocido, si no que esos signos, que no tienen significado pero sí valor, no tienen por qué dar un mensaje”, ha dicho Montañez sobre el ánimo de Picasso a la hora de abordar la estampación de la obra. Adoptó esta postura en un “alarde de rebeldía”, ha subrayado la edil de Cultura de Málaga, Gemma del Corral.


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Letras rojas del alfabeto imaginario.

Las formas abstractas, muchas de ellas circulares, las utilizó el pintor malagueño en la década posterior para componer cabezas de toro, figuras femeninas y naturalezas muertas. La presencia de estos caracteres es clara en el pelo de la mujer que protagoniza la litografía Busto estilo moderno (1949) y en el plumaje de El gran búho (1948). También en Figura con blusa de rayas (1949) y en otros retratos en los que la apariencia de la protagonista, pintada varias veces, se asemeja a la de una menina.

La muestra Picasso: el canto de los signos exhibe en total 44 piezas que pertenecen a los fondos de la Fundación de la Casa Natal del artista, que abarca más de 4.000 obras de unos 200 artistas. Alrededor de 800 son del genio español.


elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
La obra cubista más cara



La 'Mujer sentada' de Picasso, subastada por más de 56 millones de euros

El retrato, en el que el pintor malagueño plasmó el rostro de su amante Fernande Oliver, se ha convertido en la pieza de arte más cara de los últimos cinco años en Londres


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'Femme assise' de Picasso.

La pintura Femme assise (Mujer sentada) de Pablo Picasso se ha convertido este miércoles en la obra cubista más cara subastada hasta el momento, al alcanzar en Londres los 43,2 millones de libras (56,3 millones de euros). La casa Sotheby's ha informado de que este cuadro del pintor malagueño es, además, la pieza de arte más cara que se ha rematado en los últimos cinco años en la capital británica.

La obra, que fue subastada por última vez hace 43 años, ha superado las expectativas de la firma londinense, que esperaba venderla por unos 28 millones de libras (35 millones de euros). Este retrato, en el que Picasso plasmó el rostro de su amante Fernande Oliver en 1909, partía como la estrella indiscutible en una puja de obras impresionistas y de arte moderno en Sotheby's.

"Todas las otras obras de las series de Picasso, con una o dos excepciones, se encuentran en museos públicos, así que, para los coleccionistas, poder adquirir esta pieza es una oportunidad excepcional que se produce pocas veces", ha indicado a Efe James Mackie, experto de la casa de subastas. La importancia de esta creación, que se ha expuesto en el Museum of Modern Art (MoMa) en Nueva York y en la Tate Gallery de Londres radica en que se erige como una de las obras que iniciaron el cubismo. "Desde el contexto del arte moderno, Femme assise es un elemento clave, ya que marca los comienzos de un movimiento pictórico que derivó a su vez en el constructivismo, el futurismo y en el arte abstracto", en palabras de Mackie.

El óleo sobre lienzo, con referencias estilísticas y trazos que beben de una de sus obras más conocidas (Las señoritas de Avignon, 1907), es, para el experto de la casa de subastas, un reflejo del "viaje" que experimentó el artista malagueño y que terminó por originar uno de los movimientos pictóricos más importantes. "Les femmes d'Alger (versión 'O'), firmada también por Picasso, se convirtió mayo de 2015 en la pintura más cara jamás vendida en una subasta, después de que la casa Christie's de Nueva York pulverizará récords al recaudar 179 millones de dólares (160 millones de euros) por ella.

Otras obras subastadas

Además, Sotheby's ha sacado a subasta este miércoles en Londres un retrato de Jeanne Hébuterne, la musa del artista italiano Amadeo Modigliani, cuyo precio final ha alcanzado los 38,5 millones de libras (50,1 millones de euros). También han salido a la puja una litografía de El grito de Edvard Munch de 1895, que se ha vendido por 1,8 millones de libras (2,2 millones de euros), y la obra Nature morte aux pommes del postimpresionista Paul Gauguin, que ha sido adquirida por 3,3 millones de libras (4,3 millones de euros). La escultura de bronce Ève (1881) de Auguste Rodin, que ha formado parte de la colección privada del actor Sylvester Stallone, se ha quedado sin comprador tras no alcanzar el precio de reserva.


elmundo.es
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
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Los ‘picassos’ más caros de la historia



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'Les femmes d'Alger', de Picasso es a día de hoy, la obra subastada más cara del pintor malagueño. El cuadro fue pintado en 1955 y la casa Christie’s en Nueva York lo vendió por 179,3 millones de dólares (160,8 millones de euros); la pintura de más valor jamás vendida en una subasta.


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'El sueño', de Picasso se vendió por 155 millones de dólares (120 millones de euros) en transacción privada al multimillonario estadounidense Steve Cohen en 2013.


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'Desnudo, hojas verdes y busto', de Picasso fue adquirido en la casa Sotheby's en Nueva York por 106,5 millones de dólares (unos 80 millones de euros) en 2010. Picasso tenía 50 años cuando lo pintó.


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'Muchacho con pipa', de Picasso se vendió en la casa de subastas Sotheby's en Nueva York por 104,1 millones de dólares (86,1 millones de euros) en mayo de 2004. Se trata del mejor trabajo de la etapa creativa más temprana del pintor.


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La pintura 'Dora Maar con gato', de Picasso fue adquirida en subasta en Nueva York por 95,2 millones de dólares (75,5 millones de euros). La fotógrafa y el pintor se conocieron en París, en el café Deux Magots, poco antes de la guerra civil española.


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La pintura 'Femme assise' (Mujer sentada) de Pablo Picasso se ha convertido el 22 de junio de 2016 en la obra cubista más cara subastada hasta el momento, al alcanzar en Londres los 43,2 millones de libras (56,3 millones de euros). La casa Sotheby's ha informado de que este cuadro del pintor malagueño es, además, la pieza de arte más cara que se ha rematado en los últimos cinco años en la capital británica.


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'Femme aux Bras Croisés', de Picasso fue adquirido en Nueva York por 55 millones de dólares (48,5 millones de euros) en el año 2000. La sala de subastas Christie's sólo tardó 10 minutos en venderlo.


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La casa Sotheby's en Nueva York vendió el cuadro 'Au lapin agile', de Picasso por 40,7 millones de dólares (42,1 millones de euros) en noviembre de 1989. El dinero se destinó a financiar una fundación de investigación médica en Nueva York.


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'Les Noces de Pierrette', de Picasso se vendió por 49,3 millones de dólares (unos 43,5 millones de euros) en una transacción privada en 1989 en la sala Drouot de París. La pintura es la última obra de la época azul del genio malagueño.


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La obra 'Yo Picasso', de Pablo Picasso fechada en 1901, fue adquirida en subasta en Nueva York por 47,8 millones de dólares (por más de 40 millones de euros). El autorretrato lo pintó el propio Picasso a los 20 años.


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'Acrobate et jeune arlequin', de Pablo Picasso fue adquirida por 38,5 millones de dólares (por más de 30 millones de euros) en la casa de apuestas Christie's en Londres en 1989.


elpais.com/ Wikipedia / AGENCIAS
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Las dos resistencias del ‘Mural’ de Pollock

El Museo Picasso de Málaga expone la gran obra del pintor estadounidense junto con otras, precedentes y consecuencia de la encargada por Peggy Guggenheim



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'Mural' de Jackson Pollock en el Museo Picasso de Málaga. La energía hecha visible. Museo Picasso Málaga. Hasta el 11 de septiembre.

Hay cuadros que se resisten a la mirada. No exigen contemplación sino sintonía. Así ocurre con el Mural de Jackson Pollock. La figura se desvanece en materia pictórica, mientras la forma se diluye en ritmos que cambian sin cesar. Por ello, el cuadro requiere algo parecido al paseo: un recorrido que conecte al cuerpo con las diversas cadencias del cuadro que, al fin, responden a los gestos de otro cuerpo, el del pintor. Las alternancias de tal recorrido permiten descubrir con mayor intensidad el color: la amplia gama de azules verdosos, brillantes amarillos, sorprendentes zonas en rosa y rojos inesperados, cargados de materia a veces, otras, meras salpicaduras o aplicados sólo para teñir el lienzo.

Nueve años antes de que Pollock aceptara el reto implícito en el encargo de Peggy Guggenheim, un pensador americano, John Dewey, publicó El arte como experiencia. No creo que Pollock lo leyera pero el Mural realiza lo que el libro propone: una nueva experiencia, esto es, una nueva relación con el medio. Por eso el Mural requiere al cuerpo y por la misma razón, fija una segunda resistencia: no se rinde a la palabra. Quienes hablan de él recurren a la metáfora: Pollock evoca una estampida de animales, Marden, una multitud, otros lo ven como paisaje o como un gran pergamino. Esto confirma la fecundidad de tal experiencia: el Mural impulsa la imaginación más atrevida, la artística.


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Peggy Guggenheim y Jackson Pollock ante 'Mural'.

La novedad del Mural desconcierta. La tentación, entonces, es, como dijo Canguilhem, buscar un precursor. La exposición no cae en tal ingenuidad. Se limita a ofrecer precedentes y consecuencias. Entre aquéllos destaca la fotografía de acción, la que desde Muybridge y Marey se esforzó en recoger el movimiento. El MoMA celebró en 1943 una amplia muestra de estas fotos, unas vinculadas al arte, como las de Herbert Matter, amigo del matrimonio Pollock, y otras procedentes de reportajes de guerra.

La referencia es ilustrativa pero más lo son los mismos trabajos de Pollock, particularmente sus dibujos. Los facsímiles de sus cuadernos fechados a fines de los años treinta evidencian un modo de concebir el espacio saturado y a la vez fruncido, quebrado. Así, el espacio dista de ser un receptáculo pero tampoco responde a un equilibrio estático, sino se convierte en campo de fuerzas surcado por pliegues, en continuo trance de contracción o expansión. Quizá, como sugiere Anfam, aflore aquí una idea de naturaleza que no es mediterránea ni nórdica, sino americana, con distancias inabarcables y duro acontecer climático.

Este espacio-energía lo advierte Pollock en los muralistas mexicanos, sobre todo en Orozco, pero más aún en Picasso. Los ritmos y trazos gestuales del Guernica, el expresionismo de sus bocetos y de las obras más recientes, que pudo ver en Nueva York en 1939, alientan en el Mural y en obras como Circuncisión, que pueden señalar el inicio de la impaciente emulación de Pollock hacia Picasso.

Más acá de estos precedentes, la novedad del Mural se manifiesta en las obras nacidas en su entorno y que la muestra confronta con él. Hay un primer encuentro a cuatro bandas: la ironía de Warhol contrasta con el apasionamiento Saura (La Grande Foule) y el silencio de Juan Uslé (Soñé que revelabas) con la meditada sensualidad de David Reed. Un dibujo y una escultura de David Smith median entre los acompasados ritmos de Laberinto 3 de Gottlieb y la potencia de Elegía de la República Española núm. 126 de Motherwell. Finalmente, Otra tormenta, un gran cuadro de Lee Krasner, la mujer de Pollock, cuelga frente al Mural. La viveza de sus ritmos, la desnudez de su materia y la fuerza del color hacen del cuadro el mejor contrapunto a la obra de Pollock.

elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Los pintores que amaron los pintores

La National Gallery de Londres convierte en exposición la vocación coleccionista de algunos de los grandes de la historia del arte



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'Retrato de Dora Maar' (1942), de Picasso.

Los grandes maestros pintaban pero, ¿hasta qué punto les obsesionaba lo que pintaban los demás? ¿Por qué artistas excepcionales husmearon, rastrearon y no pararon hasta llevar a sus casas las obras de otros artistas excepcionales en una furia coleccionista que fue auténtica obsesión en algunos casos, como el de Degas? Furiosos ejercicios de admiración y solidaridad pero también de impotencia y envidia, recelos, fascinaciones, inspiración y copia, fiebre coleccionista, prestigio y miseria se dan la mano este verano en las salas de exposiciones temporales de la National Gallery de Londres. La muestra Painters' Paintings (Pinturas de pintores), comisariada por la conservadora francesa Anne Robbins, presta atención a esta contradictoria madeja de relaciones: las que entretejieron en el tiempo, a menudo con decenios o siglos de distancia, artistas como Lucian Freud y Corot, Cézanne y Matisse, Matisse y Picasso, Van Dyck y Tiziano, Reynolds y los renacentistas italianos o Degas y Delacroix… Inaugurada el pasado 23 de junio y abierta hasta el 4 de septiembre, la nueva exposición de la National Gallery surge como un ejemplo bastante nítido de eso que los responsables de los grandes museos mundiales de hoy –y en este caso concreto, el ex director adjunto del Prado y actual director de la galería de Trafalgar Square, Gabriele Finaldi- han dado en llamar “la necesidad del relato”. Ya no basta con acumular en las paredes mareantes conjuntos de obras procedentes de uno o varios artistas (salvo que esa acumulación consista en dos docenas de boscos, como ocurre este verano en El Prado). Hay que contar algo, presentar una intención, escribir la novela más o menos real, más o menos ficticia que pulula entre las épocas, los autores y las corrientes.

Es lo que ocurre con Painters' Paintings, “una verdadera puerta de entrada al universo privado de los artistas”, en palabras del propio Finaldi, para quien esta muestra “no trata solo de lo que todos esos maestros coleccionaron, sino también de por qué lo hicieron, de cómo convivieron con todas estas obras y de las posibles influencias que esas pinturas ejercieron en ellos”.

Más de 80 obras vertebran este relato sobre lo que podríamos llamar los pintores y sus pintores favoritos. Cerca de la mitad procede de los propios fondos de la National Gallery, y el resto ha sido prestado por coleccionistas privados y por instituciones como la Universidad de Cambridge, la Galería de Arte de Leeds, la National Gallery de Escocia, el British Museum y la Royal Academy de Londres, el Museo de Orsay, el Centro Pompidou y el Petit Palais de París, el Museo de Bellas Artes de Filadelfia, la Ordrupgaard de Copenhague o las Colecciones Reales de la Reina de Inglaterra. Algunas de las obras seleccionadas no habían sido expuestas al público con anterioridad. En total, la muestra recorre cinco siglos de creación artística. Lo hace a través de siete salas, siete casos de estudio sobre la relación entre los pintores. “¿Qué cosas nuevas podemos aprender sobre los artistas a partir de sus colecciones personales? Esta exposición creo que es la respuesta”, explica Anne Robbins.

Razones emocionales, intelectuales o tácticas movían a los maestros a comprar obras de sus iguales contemporáneos o pasados. “Las obras de arte son modelos que uno debe imitar y, a su vez, rivales con los que uno debe lidiar”, admitió en su día con bastantes dosis de honestidad y fair play sir Joshua Reynolds (1723-1792), el que fuera primer presidente de la Royal Academy además de uno de los grandes en la escena artística británica del siglo XVIII. Y solo hay que releer las palabras de Degas hablando de su admirado, pero también denostado, Jean-Louis Forain, pintor francés de principios del XIX y autor de Le tribunal, una pequeña pintura de carácter satírico que llegó a obsesionar al genial creador de caballos y bailarinas. Degas acabó comprando el cuadro y lo tuvo en un lugar preeminente de su salón. Lo que no le impidió un día decir del propio Forain: “Pinta con sus manos dentro de mis bolsillos”, en una muy poco velada acusación de plagio de su obra.

Degas (1834-1917) es uno de los casos más extravagantes de toda esta galería de pintores-coleccionistas. Llegó a poseer en su colección privada hasta 22 pinturas de Ingres y 16 de Delacroix –sus dos verdaderas obsesiones pictóricas- y acabó sus días preso de una verdadera furia compradora pese a no tener siempre consigo el dinero necesario para tales dispendios. Hilaire-Germain-Edgar Degas se presentaba en las mejores subastas y compraba, y seguía comprando y compraba aún más. “¡No puedo parar!”, llegó a exclamar un día en plena puja en París. Y al día siguiente exclamó orgulloso: “Ya está, ya tengo los cuadros conmigo… Ahora lo que no tengo es dinero ni para vestirme”.

Otro caso a destacar es el de Henri Matisse (1869-1954) y su extraña relación con Pablo Picasso. Se intercambiaron pinturas durante muchos años. Matisse regaló a Picasso un dibujo suyo como agradecimiento a que, durante la ocupación nazi de París, este hubiera protegido y cuidado su caja fuerte. La respuesta: Picasso le envió a su casa una obra de factura y cotización impresionante, el Retrato de Dora Maar, que había pintado en 1942. Ambos se admiraron y rivalizaron con igual intensidad durante años, y la muestra de Londres da fe de ello.



Freud y Corot, pareja inseparable


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La italiana. La mujer con la manga amarilla', de Corot.

El origen de esta exposición es La italiana. La mujer con la manga amarilla, el magistral retrato femenino obra de Corot que el pintor Lucian Freud (1922-2011) tuvo durante muchos años en el salón de su casa londinense de Holland Park y que influyó en algunas de sus obras clave, como el célebre Autorretrato, también presente en la exposición. La familia de Freud lo acabó donando a la National Gallery tras la muerte del gran artista berlinés en 2011.

En su testamento, Lucien Freud había expresado su voluntad de donar el cuadro a Reino Unido como muestra de agradecimiento por la acogida que él y su familia recibieron de este país tras huir de la Alemania nazi. Freud, que contaba en su fabulosa colección privada con obras de Degas, Corot y Constable, entre otros, dejó dicho que el retrato quedara instalado en la National Gallery para que los jóvenes aficionados al arte pudieran disfrutarlo en Londres. “Voy a ver cuadros como si fuera al médico… para que me ayuden”, solía decir Lucien Freud cuando era preguntado por su afición a asistir a exposiciones y subastas.


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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
El escondite de los mil Picassos


No es un museo sino un puerto franco a las afueras de Ginebra con, al menos, 1,2 millones de piezas artísticas

Se sospecha que esta inmensa caja fuerte hasta podría albergar el valiosísimo 'Garçon à La Pipe' de Picasso

También posee la bodega de vinos más grande del mundo




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Sede central del Puerto Franco de Ginebra (Suiza), ubicado en el barrio de La Praille. Se sospecha de su uso para lavado de dinero y evasión de

El puerto franco de Ginebra es horrible de día. Gris y austero, no comparte nada del color que tiene la llamada ciudad más verde de Europa. Quizás algún contenedor alegra la vista por el exterior. Pero es una mascarada. En su interior se esconde una hermosura incomparable. O hermosuras más bien. Como las mil obras de Picasso que atesora. Este almacén de seis plantas es uno de los museos más completos del mundo. En él están albergadas más de un millón de obras que -probablemente- nunca lleguen a ser vistos por el gran público. Se trata de piezas que compran coleccionistas y multimillonarios como inversión y las resguardan libres de impuestos en Suiza.

¿Se ha cuantificado el número de piezas que están tras sus gruesas paredes y las más sofisticadas medidas de seguridad? De acuerdo con la revista especializada en arte, Cominnaissances des Arts, el Puerto Franco de Ginebra (La Praille), almacena un total de 1,2 millones de obras. Y ese informe ya data de hace tres años. El Puerto Franco de Ginebra, el más grande del país, se acerca a los 130 años de existencia. Su principal propietario es el cantón de Ginebra. Originalmente las zonas francas se crearon en Suiza para almacenar todo tipo de mercancías, sin embargo, hoy en día se han especializado en bienes de lujo. Especialmente del mundo del arte. Con la sombra de la sospecha de ser utilizados para el lavado de dinero y evasión de impuestos, como apunta Nathalie Gratwohl, periodista del diario suizo NZZ.

¿Qué obras resguarda este controvertido museo-puerto franco? En un reciente reportaje publicado por The New York Times (NYT) se hace referencia a algunas con gran valor histórico y artístico. Hay tesoros que se remontan a los tiempos de la antigua Roma, a la época etrusca, así como obras clásicas de maestros de pintura antiguos o artistas vanguardistas. Se sabe que el multimillonario ruso Dmitry Rybolovlev, solo él, tiene una colección valorada en 2.000 millones de dólares en este lugar. Y es sólo un ejemplo. Entre las piezas que se han desvelado están en el puerto franco, las hay de los más grandes. Como Serpientes de agua II de Gustav Klimt, adquirido por 184 millones de dólares. También Salvator Mundi de Leonardo da Vinci. O Rothko, Van Gogh, Renoir... Así como algunas más contemporáneas, de creadores como Warhol o Jeff Koons...


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'Salvator Mundi' (Da Vinci).

Y mucho arte ligado a la historia de España. Como San Sebastián de el Greco (Doménikos Theotokópoulos, el genial pintor fallecido en Toledo). Joan Miró es otro artista que figura en sus registros. Pero el que se lleva la palma es Pablo Picasso. De él están pinturas como Les Noces de Pierrette (cuyo dueño es el ya citado oligarca ruso Dmitry Rybolovlev). OPetit Pierrot aux Fleurs, "el retrato de su hijo Paolo en un traje de arlequín, una de las cerca de 4.500 obras que la familia Nahmad, de marchantes de arte de Londres, habían escondido en el Puerto Libre de Ginebra", describe el NYT. Hay que sumarle "un retrato de la segunda esposa de Picasso, Jacqueline, por el artista, junto con 78 de sus otros trabajos, enviados por su hijastra, Catherine Hutin, para el Puerto Libre de Ginebra en 2012, según documentos legales". Así hasta alcanzar las 1.000 piezas. Y ya apuntan a multiplicar por cuatro las que cobija el Museo Picasso de Málaga (285)...


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'Le petit pierrot aux fleurs' (Picasso)

Un caso adicional es su Garçon à La Pipe (muchacho con pipa), subastado en 2004 por el precio récord de 107 millones de dólares, desaparecido desde entonces y del que hay serias sospechas de que está en La Praille.


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'Garçon à la pipe' (Picasso)

Pero así como llegan las obras de arte de precios estratósfericos, en cantidades excesivas, también rondan los problemas. A inicios de este año, la policía italiana descubrió en Ginebra unos sarcófagos etruscos que formaban parte de una serie de robos. Y se habían conservado durante años en 45 cajas enormes en Ginebra... Desde noviembre, la empresa operadora se ha visto obligada a diseñar nuevas y más transparentes medidas que disminuyan el riesgo de lavado de dinero. Se va a controlar sistemáticamente la reputación de los inquilinos. Aumentan las dificultades para subarrendar el espacio (que vale hoy unos 150 euros el m2 por mes) y también se incrementan los controles de seguridad. Alain Decrausaz, director del Puerto de Ginebra, declaraba, en mayo pasado: "Respetamos la legislación y exigimos el mismo comportamiento de nuestros inquilinos y sus clientes". Uno de sus principales y más polémicos es Yves Bouvier, dueño de la empresa Natural Le Coultre, especializada en la conservación y almacenamiento de obras de arte...


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Sarcófago etrusco.

El nombre de Bouvier está asociado a España por ser el marchante del barón Thyssen (justamente compró en el puerto franco un Paul Gauguin: Idas y venidas). Y, muy especialmente, por el caso Púnica del ex secretario general del PP, Francisco Granados y del constructor madrileño David Marjaliza. En abril, las oficinas de Natural Le Coultre fueron inspeccionadas a petición de la corte española.

Como explica el portal helvético rts.ch, "los agentes buscaban obras que supuestamente fueron utilizadas para el blanqueo de dinero. De acuerdo con la justicia española, se organizó una venta ficticia para repatriar el dinero a España". El contratista había vendido 28 pinturas, cinco esculturas y fotografías entre dos empresas españolas y una compañía offshore. Algunas de las obras implicadas y almacenadas en La Praille son: Furor Penellis, de Miquel Barceló; Triptyque au graffitis + Quadriculat, de Antoni Tápies; Lurra Circa 1980, de Eduardo Chillida... La operación ha permitido retornar a España más de 4.2 millones de euros.

Otro de los dilemas de la existencia de un lugar como éste es que este patrimonio artístico no se exhiba masivamente hoy. Y quizás no suceda nunca. El director del Louvre, Jean-Luc Martínez es contundente: "Las obras de arte se crean para ser vistas", señala en declaraciones al NYT. Discrepa la artista y crítica de arte, Johanna Franco: "Cuando pinto un cuadro, ya lo hice y me puedo desprender de él. Obviamente me encantaría que esté en algún sitio donde sea apreciado, ya que al realizarlo busco decir algo; al mismo tiempo, soy consciente de que no hay espacio en esta Tierra para mostrar todo al mismo tiempo", asegura a Crónica esta venezolana, radicada en Suiza.

¿Por qué los ricos eligen esta manera, este lugar, para conservar sus tesoros? En una entrevista en el diario Le Temps de Ginebra, Christine Sayegh, abogada portuaria, explicaba que "fiscalmente, este tipo de puertos ofrecen la ventaja de no cobrar ni derechos de aduana ni impuestos a sus usuarios. Esto implica que un bien puede ser almacenado por tiempo ilimitado a un costo mínimo. Una pintura puede ser transportada por avión hasta Ginebra y quedarse aquí años sin pagar tasa alguna. Cuando los bienes se encuentran en un puerto franco, el propietario está exento del pago del impuesto a la importación y solo tributará cuando el objeto llegue a su destino final. Pero si logra vender la obra directamente en las instalaciones del puerto franco, el propietario no pagará ningún gravamen por la transacción. Es solo cuando un bien abandona un puerto franco que debe ser valuado y gravado".

El puerto franco de Ginebra es de los más grandes del mundo. Tiene la extensión de 22 campos de fútbol, con una ocupación casi completa. Además de los beneficios fiscales, estos puertos ofrecen servicios similares a los que se entienden como secreto bancario suizo: discreción y seguridad. Además, La Praille es la bodega de vinos más grande del planeta. Como apuntan diversas revistas especializadas, alrededor de tres millones de botellas, la mayoría de Burdeos, reposan serenamente en cajas de madera apiladas bajo las bóvedas. Un maridaje de lujo. En la gris edificación que oculta el color de los picassos, mirós, grecos...


elmumdo.es
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
La obra de Picasso, en la ciudad donde nació


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Picasso. Jacqueline sentada. París, 8 octubre 1954
Óleo sobre lienzo
146 x 114 cm
Museo Picasso Málaga
Donación de Christine Ruiz-Picasso
(MPM1.9)

El Museo Picasso Málaga responde al deseo de Pablo Picasso de que su obra estuviera presente en la ciudad en que nació el 25 de octubre de 1881. Su creación se debe a la voluntad compartida de Christine y Bernard Ruiz-Picasso, nuera y nieto del artista, cuyas donaciones constituyen el núcleo de los fondos del Museo, así como de la Junta de Andalucía, que articuló un gran proyecto museístico consagrado al artista cuyos estilos y técnicas cambiaron el curso del arte moderno.

La idea inicial de este Museo nació en 1953 de los contactos entre Pablo Picasso y Juan Temboury Álvarez, Delegado provincial de Bellas Artes de Málaga, y queda frustrada poco después... Leer más
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
ARTE, CULTURA Y ESPECTÁCULOS - BIBLIOTECAS Y MUSEOS


'Bajo el signo de Picasso' recibe más de 2.000 visitas en el primer fin de semana de exposición



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La exposición 'Bajo el signo de Picasso. Vanguardias e influencias en la Colección de Arte Abanca' ha recibido más de 2.000 visitas en los tres primeros días abierta al público en el Museo de León, tras ser inaugurada el pasado jueves 15 de septiembre en un acto que contó con una amplia representación de todos los sectores de la sociedad leonesa y se abrió al público general el viernes 16.

Según ha explicado la entidad financiara, "el éxito de asistencia en estos tres primeros días ha confirmado el atractivo de un proyecto expositivo que permite realizar un recorrido por los momentos más relevantes del arte español e internacional de la primera mitad del siglo XX a través de una selección de 38 obras de los fondos artísticos de Abanca".

La exposición incluye dibujos, pinturas y esculturas de 26 artistas entre los que destacan nombres como Pablo Picasso, Juan Gris, Salvador Dalí, Joan Miró, Vasili Kandinsky, Giorgio de Chirico o María Blanchard.

UNA APP GRATUITA


Además, para aquellas personas que deseen completar la visita con información adicional de las obras o los autores presentes en la muestra, Abanca pone a su disposición la app gratuita 'Colección de Arte', disponible para dispositivos móviles tanto Android como iOS.

La aplicación utiliza la tecnología de realidad aumentada y permite acceder a la ficha artística de la obra, profundizar en la biografía del autor o consultar otros cuadros del mismo creador que estén presentes en la muestra con solo enfocar la obra con la cámara del dispositivo móvil.

La Colección de Arte Abanca es un conjunto artístico de gran interés formado por 1.350 obras de más de 200 artistas de reconocido prestigio a nivel gallego, español e internacional cuyo eje vertebrador es el arte moderno y contemporáneo.

La variedad y calidad de sus fondos la convierten en una de las colecciones privadas de referencia en España y es la primera vez que se muestra al público fuera de Galicia con un proyecto de esta amplitud.


lainformacion.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Picasso, en defensa de la República


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Pablo-Ruiz-Picasso

El 19 de septiembre de 1936, dos meses después del golpe de Estado militar, el Gobierno republicano nombra director del Museo del Prado a Pablo Picasso. 80 años después, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) acoge una de las obras más significativas de la Historia y de la pintura española: Guernica.

La revista El Mono Azul, editada en Madrid por la Alianza de Intelectuales Antifascistas para la Defensa de la Cultura, de la que eran responsables, entre otros, María Teresa León y José Bergamín, destacaba ese nombramiento señalando que, si antes del 19 de julio de 1936 se pudo pensar en ofrecer ese puesto al pintor, después de esa fecha se entiende como una conquista el que Picasso ocupe la dirección del Museo: “La revolución le necesita y hay que ganársele. Es problema de honor conseguir que acepte nuestros cuadros de dirección cultural; necesitamos a Picasso, y es, por tanto, imprescindible incorporarle, traerlo a España, encuadrarle”.


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Picasso venía colaborando en la defensa republicana organizando exposiciones en París con el fin de obtener fondos que sirvieran de ayuda para los milicianos. Tal vez por ello, en mayo de 1937, aún no había ocupado su plaza en el museo. Él mismo decía en agosto de ese año que no había podido tomar posesión como director pero que, los defensores del Prado no eran ahora los artistas sino los aviadores, tanquistas y soldados del ejército republicano. Siendo cierta esa afirmación, también lo era que su presencia en París era mucho más relevante para la defensa de la República. Su obra se exhibía por el resto del mundo, caso de Suecia donde, a principios de junio de 1937 y presentada por la embajadora española Isabel Oyarzábal, se mostraron tres cuadros del pintor en la exposición de Arte español, al tiempo que el crítico de arte Adolfo Salazar daba una conferencia sobre la pintura en España.

Sin duda, tan importante como la guerra bélica era la propagandística. Todos los líderes republicanos señalaban en los discursos cómo la rebelión se había convertido ya en guerra civil y esta en guerra de independencia, al estar apoyados los golpistas por la Italia fascista y la Alemania nazi. Por todo ello, la imagen de Picasso era de gran ayuda en la defensa de la República. La lucha contra el fascismo era también la lucha contra el trato igualitario que en el exterior se le daba a una República legitimada por las urnas frente a una Junta de Defensa Nacional creada por los golpistas; una lucha por mostrar al mundo la barbarie fascista nacional e internacional. Es por ello que las plazas de consulados y embajadas se cubren con antifascistas, muchos de ellos intelectuales como la mencionada Oyarzabal, Pablo de Azcárate en Londres o Luis Araquistain en la importante plaza de París.

La mayor parte de escritores, artistas y hombres de ciencia defensores de la democracia se reunieron en la Alianza de Intelectuales Antifascistas, firmando y publicando manifiestos contra los ataques salvajes de la intervención alemana e italiana. Sirva como ejemplo el llamamiento realizado “a la conciencia universal que no puede permanecer indiferente ante hechos tales, como no permanecerían ajenos los que hoy aquí firman ante hechos análogos que en cualquier lugar y con cualquier pretexto pudieran suscitarse el día de mañana por indiferencia ante las tropelías de hoy en menosprecio y amenaza de los otros pueblos civilizados“.

Entre los firmantes de este escrito está lo más granado de las letras, el arte y la ciencia en España: Jacinto Benavente, Pedro Bosch Gimpera, Mariano Benlliure, Pablo Picasso, José Bergamín, José Gaos, José Gutiérrez Solana, Antonio Machado, Tomás Navarro Tomás, Antonio Zozaya, los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero, Juan Peset, Joaquín Xirau, Juan de la Encina, Enrique Moles, Rafael Alberti, etc.

De la importancia  que tenía el nombre y la persona de Picasso y del daño que podían hacer sus palabras y su ideología antifascista en el exterior de España en beneficio de la República, da buena fe las artimañas de Manuel Aznar, el político y periodista tradicionalista que queriendo realizar una contrapropaganda afirmó en el periódico cubano El Diario de la Marina, en junio de 1937, lo que Picasso calificaría como “una infame calumnia”. Escribió Aznar que, era tal la barbarie cometida por los “rojos” en España saqueando y destruyendo el patrimonio artístico que, Picasso y otros artistas como Mateo Hernández, pensaban dirigirse a la Sociedad de Naciones buscando la protección del tesoro artístico español.


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Una clara manipulación del nombre del escultor bejarano Mateo Hernández y del pintor de fama internacional que tuvo que reaccionar inmediatamente, apostillando que él siempre estaría con el pueblo y en defensa de la libertad y por tanto frente a la reacción y la muerte del arte. Termina Picasso su defensa argumentando que ha pintado para el pabellón español de la Exposición Universal de París el trágico Guernica y que aparecerá en Cahiers d’Art su colección de grabados Sueño y Mentira de Franco. Ambas obras son el ejemplo más contundente de la lucha antifascista del pintor. Si el Guernica se ha convertido en el símbolo de la tragedia del bombardeo a una población civil indefensa, el conjunto de viñetas de Sueño y Mentira de Franco constituye la sátira más mordaz contra el golpista, a quien representa como un tubérculo repulsivo, rodeado de símbolos que representan el apoyo a Franco recibido por parte de la Iglesia católica, el Ejército y los soldados traídos de Marruecos y que, en palabras de Picasso, expresa claramente su opinión sobre “la casta militar que ha hundido a España en el dolor y la muerte.
 
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El Pabellón Español de la exposición Universal de París, diseñado por los arquitectos Luis Lacasa y José Luis Sert, fue un escaparate donde la República mostró al mundo la barbarie que ocurría en España, pero también los logros culturales y sociales que se habían llevado a cabo hasta el comienzo de la guerra e incluso durante el enfrentamiento.
El impacto de Guernica fue tal que desde el mismo momento de su exposición se solicitó el préstamo de la obra para llevarlo por diferentes países. La galería Rosenberg de París lo exhibió en Oslo, Copenhague y Estocolmo y de ahí viajó por todo el mundo. Picasso amplió para ello el título exponiéndose como: Guernica: Acto de execración de la agresión de que es víctima el pueblo español.

El pintor donó dinero en más de una ocasión para asistir a los niños evacuados como consecuencia del conflicto. A Victoria Kent, delegada en París del Comité Nacional Español de Ayuda a la Infancia, le envió la cantidad de 100.000 francos, un monto con el que se podía alimentar un mes a casi 5.000 niños; es muy posible que los casi 200.000 francos que la investigadora Josefina Alix apunta que Picasso cobró del Gobierno republicano por el Guernica y por el resto de la obra encargada para la exposición, fuesen donados también por el pintor para ayuda a los refugiados. Picasso puso su obra al servicio de la defensa de la República, pero también su persona. Recordemos cómo ante la tumba de Guillaume Apollinaire rechazó estrechar la mano que le extendía el futurista Marinetti, espetándole un: "¡Cuidado! Nada tiene usted que decirme. ¡Retírese!".

Picasso, al ser preguntado por el desplante explicó que no quería dar la mano “a los asesinos de hijos de españoles ni a quienes los han elogiado por unas monedas”.

Tras finalizar la Exposición Universal, Guernica viajó y se exhibió por todo el mundo y se musealizó y custodió en el MOMA de Nueva York hasta su regreso a España. Para entonces, el cuadro había evolucionado en su significado hasta convertirse en símbolo mundial de la paz y había modificado su significado político, como señala Isabel Tejeda, hacia un referente artístico internacional en el que se aminoraban las referencias políticas para aumentar las de carácter formal, en lo que tuvo mucho que ver lo que se conoce como caza de brujas del senador McCarthy en EE UU.

En septiembre de 1981, Guernica entraba en España por vez primera. Fue Picasso quién dejó establecido que hasta que no se recuperasen las libertades en el país el cuadro permaneciera custodiado en el MOMA. Para los republicanos que habían perdido la guerra significó el regreso del exilio y la victoria de la razón, para los españoles que no vivimos la guerra, toda una lección de Historia.


Por: María José Turrión | 28 de septiembre de 2016 / elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
El día en que la República fichó a Picasso



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Agentes de la Guardia Civil vigilan la urna blindada que protege el 'Guernica', obra de Pablo Picasso, en su presentación en el emplazamiento del Casón del Buen Retiro de Madrid, tras su regreso a España.

La obra que Picasso había ejecutado en cosa de un mes en su estudio parisiense de la Rue des Grands Augustins era el fruto de un encargo de la II República al genio malagueño para que plasmara en su locura creativa el compromiso con las libertades que estaban siendo amenazadas por la sublevación de Franco, Mola y compañía. Aquella embajada formada por Josep Renau –director general de Bellas Artes del Gobierno republicano-, José Bergamín, Juan Larrea y Max Aub visitó a Picasso un día de enero de 1937 en su casa de la Rue de La Boétie de París y le rogó que pintara un cuadro para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París. Tras ciertas renuencias del artista, terminó aceptando y cobró 150.000 francos franceses de la época.

Picasso no parecía especialmente inspirado, pero las noticias del bombardeo de la villa de Guernica a manos de la Legión Cóndor de Hitler el 26 de abril del 37 le hicieron ponerse a trabajar casi de forma inmediata. Tras ser expuesto en el Pabellón de la República en París y viajar por una larga serie de ciudades con el fin de recabar ayuda económica para el bando republicano, el cuadro quedó instalado en el MoMA por decisión de su autor. Franco, a través de su segundo, el almirante Carrero Blanco, quiso firmar una gran operación de imagen intentando traerse el Guernica a España, pero ni Picasso ni el MoMA transigieron.

Borja Hermoso / elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Así volvió a España el ‘Guernica’ de Picasso: 35 años ya

La reconstrucción del viaje Nueva York-Madrid de la obra maestra del artista malagueño por boca de sus testigos permite comprobar las dificultades y polémicas de aquel regreso


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Hacía un día espléndido y el avión venía lleno de turistas con camisas de flores y el irremediable ataque de melancolía que suele traer de la mano el final de las vacaciones. Eran las 8,27 de la mañana del 10 de septiembre de 1981. El Boeing 747 EC-DLD Lope de Vega, vuelo comercial Iberia IB-952 procedente del aeropuerto John F. Kennedy de Nueva York, tomó tierra en Barajas con 319 pasajeros y 19 tripulantes a bordo. Con los motores aún encendidos, el comandante Juan López Durán tomó la palabra y, con voz entrecortada, dijo: “Señoras y señores, bienvenidos a Madrid. Tengo que decirles que han venido… acompañando al Guernica de Picasso en su regreso a España”.


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Conservadores del MOMA posan junto al ministro español de Cultura Iñigo Cavero antes del traslado del cuadro a Madrid.

“Fue muy emocionante. El avión se posó en la pista como una hoja de otoño posándose en el suelo. Cerca de nosotros viajaban unos policías españoles del dispositivo de seguridad vestidos con gabardina que parecían directamente el inspector Clouseau. Los pasajeros se quedaron de una pieza. Algunos aplaudieron. Para ellos debió de ser surrealista”. Quien habla es Álvaro Martínez-Novillo, en aquellos días subdirector de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura y uno de los personajes clave en la operación retorno del Guernica, de la que se acaban de cumplir 35 años.


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Unos empleados descuelgan el 'Guernica' del MOMA.

En la bodega del Lope de Vega no viajaba solo un cuadro enorme de 7,75 X 3,50 metros –ni más ni menos que “la obra maestra” de Pablo Picasso (las comillas son suyas)-, sino una metáfora de la reconciliación. Lo que algunos llamaron el regreso del último exiliado. El final de la Transición en forma de un cilindro gigante enrollado. La pintura había pasado los últimos 44 años en una sala del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), tras la decisión de Picasso de mantenerla a buen recaudo y lejos de la España triunfal de Franco… aunque con la instrucción tajante de que el cuadro volviera a suelo español una vez recuperadas las libertades.


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El 'Guernica', empaquetado en el MOMA, para ser trasladada al Casón del Buen Retiro de Madrid, España, el 10 de agosto de 1981.

Con la democracia, el Gobierno de Adolfo Suárez se tomó la cuestión como algo prioritario. Pero la resistencia, primero, de los herederos de Picasso, y de los responsables del MoMA después, convirtieron la empresa casi en quimera. El ministro de Cultura, Iñigo Cavero, y el director general de Bellas Artes, Javier Tusell, lideraron las operaciones. No resultó fácil. Y fue el abogado del Estado Joaquín Tena quien lanzó un verdadero ultimátum a los directivos del museo neoyorquino en el sentido de que el Guernica tenía que estar en España para el 25 de octubre, centenario de Picasso. “Los del MoMA empezaron a darnos largas”, recuerda Martínez-Novillo, “y tuvo que ser Joaquín Tena, que era secretario general técnico del Ministerio de Cultura, quien les dijo: ‘Miren, yo no sé si la familia Picasso les va a mater un pleito o no a ustedes, pero desde luego el Estado español, como no firmen ustedes la autorización, sí que se lo va a poner”.


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Llegada al aeropuerto de Madrid Barajas del 'Guernica' el 10 de septiembre de 1981.

El MoMA cedió y Cavero, Tusell, Martínez-Novillo y el entonces director del Instituto de Restauración, José María Cabrera, viajaron a Nueva York para el rescate. “Todo se desarrolló en medio de una gran discreción, tanta que casi no hubo medidas de seguridad. El cuadro se descolgó y se enrolló por la noche, y por la mañana, muy pronto, se hizo un acto de entrega solemne al Estado español en el que Blanchett Rockefeller, hermana de Nelson Rockefeller y presidenta del MoMA, entregó el cuadro a Iñigo Cavero. Y salimos para el aeropuerto”, explica el exsubdirector de Artes Plásticas.


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Reproducción fotográfica del 'Guernica', durante las pruebas para la instalación del cuadro en la urna de cristal en el Casón del Buen Retiro de Madrid.

Pero el surrealismo estaba empeñado en jugar un papel en aquella salida del Guernica hacia Madrid. “Hubo un apagón eléctrico y se apagaron todos los semáforos de Manhattan. El cuadro viajaba en un camión Mercedes, y nosotros íbamos detrás; fuimos cruzando la Quinta Avenida, la Sexta, etcétera, a todo meter y como pudimos, en medio de un atasco tremendo y tocando la bocina. Un poco como de película italiana”, recuerda Martínez-Novillo. Pero es que días antes, saliendo del MoMA, él y Cabrera se encontraron en unos almacenes con Luis García Berlanga, a quien conocían. “Como me vio tenso y vio que no estaba mi mujer, a quien conocía, pensó que yo tenía un lío de faldas en Nueva York. Bueno, no preguntó nada y no le dijimos nada. Cuando se enteró de todo me quería colgar de una farola, porque decía que le habría gustado haber alquilado un equipo y haber grabado todo aquello… pero no podía ser, teníamos órdenes de ser discretos”.


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En la foto, varios operarios colocan el 'Guernica' tras su llegada a España, el 11 de septiembre de 1981.

La historiadora del arte y profesora de la UNED Genoveva Tusell es la hija de Javier Tusell. Aún recuerda aquellos días, pese a ser una niña: “Yo tenía seis años cuando pasó todo aquello, y en casa oía hablar del Guernica sin parar… tanto que llegué a creer que lo había pintado mi padre. Y no fui consciente hasta mucho tiempo después de lo que había supuesto todo lo que él vivió aquellos días. De la corta etapa en que estuvo en el mundo de la política esto fue, sin duda, de lo que más orgulloso se sentía. Es que suponía también recuperar para España una figura como la de Picasso, y era recordar la Guerra Civil, recordar a los españoles lo que no se quería que volviera a pasar… era cerrar no solo la guerra y la dictadura sino también cerrar la Transición en lo cultural”.


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Primeras visitas en el Casón del Buen retiro, 25 de octubre de 1981.

Una de las personas que aquel 10 de septiembre de 1981 se encontraba en el Casón del Buen Retiro del Museo del Prado para recibir el Guernica era la conservadora Manuel Mena, entonces responsable del Departamento de Dibujos del museo y hoy una de las mayores especialistas mundiales en la obra de Goya. Así recuerda aquellos momentos: “Fue muy emocionante, la sensación general entre la gente era de incredulidad. Yo había visto antes el cuadro en Nueva York, en el MoMA. Tengo una foto mía sentada allí, sola delante de él. Ya era una pintura mítica. Me unía a ella además una relación casi personal, porque mi madre ya la había visto en el 37 en el Pabellón de España en París… pero ahora no estaba ni en París ni en Nueva York, sino en España, era nuestra, para siempre… y a nivel simbólico eso era tremendo”.


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La viuda de Picasso, Jacqueline Roque, frente al Guernica.

En 1992, 11 años después de su llegada a España, el cuadro abandonó el Casón del Buen Retiro rumbo al Museo Reina Sofía, una salida que recogió el artista Tino Calabuig en el emocionante cortometraje Guernica. “Nunca pensé que el Guernica iba a dejar un día El Prado, que era donde Picasso quería que estuviese. Fue una voluntad de artista que se ha perdido en la nada”, lamenta Manuela Mena.


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Gente haciendo cola en el exterior del Casón del Buen Retiro, el 25 de octubre de 1981.

Como es lógico, muy diferente es la opinión del director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel. En la misma sala donde desde 1992 reposa el Guernica, contemplado cada año por dos millones de visitantes, explica: “Es una obra clave del siglo XX, y un icono no solo artístico sino político, es la obra de un artista que era consciente de que quería influir no solo en lo artístico sino en lo social y en lo político”. Borja-Villel lo tiene claro: “Este museo se hizo porque iba a venir el Guernica”.


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Agentes de la Guardia Civil vigilan la urna blindada que protege el 'Guernica', en su presentación en el emplazamiento del Casón del Buen Retiro de Madrid, tras su regreso a España el 23 de octubre de 1981.

elpais.com
 




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Mensaje Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Los retratos de Picasso

Las infinitas interpretaciones de sí mismo, de amigos, colegas, esposas y amantes son objeto de una exposición en la National Portrait Gallery londinense



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'Mujer en un sofá amarillo', de Picasso en la National Portrait Gallery de Londres.

Tres cuartos de siglo separan al autorretrato de un Pablo Picasso adolescente–un óleo cuya tradición academicista apenas contiene el ímpetu y energía de la brocha- de ese monumental cráneo que desdibuja los rasgos grotescos del pintor, en una alegoría de la muerte ejecutada a los 90 años. Las infinitas interpretaciones de sí mismo, de amigos, colegas, esposas y amantes, expresión obsesiva del artista por la figura humana, son objeto de una exposición en la National Portrait Gallery londinense que recorre todas sus etapas creativas de la mano del Picasso retratista.

El artista malagueño (1881-1973) nunca aceptó un retrato por encargo para verse libre en la exploración de sus límites, romper las reglas establecidas y moverse entre el dibujo de sus modelos al natural, la pintura expresiva realizada desde la memoria o las distorsiones y exageraciones propias de la caricatura, un subgénero que destaca en el despliegue de la galería de Trafalgar Square. La muestra, organizada junto al Museo Picasso de Barcelona, se nutre también de los fondos de varias instituciones internacionales cuyos préstamos han permitido que grandes obras que apenas viajan pisen por primera vez territorio británico y luego el español (la exposición de presentará en la capital catalana el próximo marzo).
 

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La obra 'Retrato de Olga Picasso', de Pablo Picasso, que forma parte de la muestra 'Picasso Portraits'.

Procedente del Art Institute of Chicago nos llega el impresionante retrato cubista del marchante alemán Daniel-Henry Kahnweiler y la radical abstracción de Picasso a la hora de representar a quien fue uno de sus primeros defensores y mecenas. O la esquisita figura de Nusch Eurad, acróbata, artista y esposa del poeta Paul Éluard, gracias a la aportación de una colección privada. Óleos, trabajos con tinta, dibujos, caricaturas e incluso esculturas proyectan en Picasso Portraits una variedad e innovación de estilos, técnicas y formatos que el autor canalizó a través de los personajes de su entorno más próximo.

Guillaume Apollinaire, Santiago Rusiñol, Jean Cocteau o Igor Stravinsky son algunos de los nombres de una larga nómina de artistas, intelectuales y alegados entre la que sobresalen las muchas mujeres de la vida de Pablo Picasso. La sucesión de retratos, tanto clásicos como experimentales y rupturistas, de sus esposas Olga y Jacqueline, de Dora Maar, Marie-Thérèse Walter, Françoise Gilot y otras amantes nos relata “la evolución de un artista que come de todas partes (en cuanto a influencias), pero también la historia de su familia, de sus mujeres, hijos y amigos...”, subraya el nuevo director del Museo Picasso de Barcelona, Emmanuel Guigon, sobre la singularidad de esta primera exposición dedicada exclusivamente al Picasso retratista en las dos últimas décadas.
 
Guigon señala con especial querencia al apartado que recorre las viñetas y caricaturas realizadas para varias revistas catalanas de principios del siglo XX, o el sentido del humor expresado a través de dibujos y grabados de sus amigos como reacción y catarsis frente a los trágicos tiempos de la guerra civil española. El director del museo barcelonés invita a no despreciar la expresión de esa vis humorística como género menor, porque “se puede analizar toda la obra pictórica de Picasso a través de sus caricaturas”. Especialmente deliciosa es la serie que tiene como sujeto a su secretario y biógrafo Jaume Sabartés, presentándonoslo cual bebé en el regazo de una modelo o dibujado con gesto lascivo sobre la fotografía de la curvilínea nadadora y estrella de Hollywood Esther Williams.

Sabartés mostró en su día mucho mejor talante que Maar, a la hora de identificarse como protagonista de muchos de los cuadros de su pareja (“Todos son Picasso, ninguno es Dora Maar”). Frente a la tesis extendida de que las obras del artista eran indiferentes a sus sujetos, Guigon subraya que “en cada época y estilo se reconoce muy bien la personalidad de sus modelos”, si bien apostilla, concediendo parte de razón a la temperal fotografa, pintora y musa doliente del artista: “Es un retrato, pero antes de todo es un Picasso”.


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'Mujer con sombrero' (Olga) (1935), de Pablo Picasso, que forma parte de la muestra 'Picasso Portraits'.  


Picasso y los autorretratos

El viejo a quien Picasso sienta en su óleo de 1970-71 tiene como punto de partida la majestuosidad de un autorretrato de Rembrandt, aunque sustituye el negro y alargado birrete por un sombrero de paja de tonos brillantes a la manera de Van Gogh. La influencia de aquellos pintores a los que el malagueño consideraba sus maestros –ahí está su serie consagrada a las Meninas de Velázquez- tiene uno de los puntos más reclamados de la exposición de la National Portrait Gallery en el Autorretrato con Paleta firmado por Picasso en 1906. El autor se presenta a sí mismo con una sencilla camisa blanca y sosteniendo la paleta, en una composición precubista ejecutada al poco de morir, con la que rinde homenaje a uno de sus grandes hérores artísticos, Paul Cézanne.


elpais.com
 




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